Download pptx - Tema 10.3. renacimiento pintura. cinquecento

Antonio Casquet y Marta López Ave María Casa Madre

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Tercera parte PINTURA DEL

RENACIMIENTOCINQUECENTO


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SIGLO XVI. CINQUECENTOCaracterísticas Generales

1. Centro cultural: Roma y, en menor medida, Venecia.

2. Se continuó la representación del desnudo: monumentalidad y la belleza ideal.

3. Los escenarios:• Se van abandonando los ambientes

arquitectónicos.• Gana importancia el paisaje • Se prescinde de lo anecdótico.

4. Predominio de la composición triangular, considerada la más aproximada a la perfección


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5. Principales aportaciones: Tratamiento de la luz y las sombras:

frente a los escenarios luminosos anteriores empiezan a aparecer las sombras , resaltando la monumentalidad de las figuras

La perspectiva aérea: simula el efecto atmosférico de la luz sobre los objetos. Objetos más alejados aparecen desdibujados, difuminados.

Temática: mitología, retrato, temática religiosa (crece en importancia)

A fines del siglo XVI: mayor movimiento, mayor fuerza expresiva que derivarán en el Manierismo.

Tres grandes artistas del Cinquecento: LEONARDO DA VINCI, RAFAEL SANZIO y MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI.

4Leonardo de Vinci



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• Genio universal: pintor, anatomista, inventor, arquitecto, paleontólogo, botánico, científico, escritor, escultor, ingeniero…..

• Arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento: filósofo humanista, curiosidad , capacidad inventiva.

• Interés por el estudio del ser humano: tanto físico como expresivo

• Metodología basada en la observación directa

Leonardo de Vinci (Vinci 1452- Amboise 1519)

6Antonio Casquet y Marta López Ave María Casa Madre

Dibujo de proporciones según Vitrubio. Hacia 1490.

Leonardo desarrolló gran parte de su actividad científica en Milán. Con este momento se corresponde esta famosa ilustración de las teorías de Vitrubio sobre las proporciones del cuerpo humano. “Un hombre abierto de brazos y piernas se inscribe en un cuadrado y un círculo. El ombligo debe coincidir con el centro de ambas figuras.”

Vitrubio, arquitecto romano del siglo I


http://www.google.es/url?sa=i&source=images&cd=&cad=rja&docid=2h3zob7Tw6JVzM&tbnid=jkiW_D_LxyvhVM:&ved=0CAgQjRw&url=http://ocw.unican.es/humanidades/historia-antigua-de-la-peninsula-iberica/seminarios/el-hombre-de-vitrubio&ei=eWgUU7-INcb-ygPD64KICA&psig=AFQjCNG6ed7R54F2Pc-1Nwz-3wiXh1z2qQ&ust=1393932793920379


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• Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo (helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil)

• Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época.


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RASGOS DE SU PINTURA1. Inventa la perspectiva aérea, “pinta el aire”:• Lo consigue con la técnica del Sfumato (Difuminado) • Suprime los contornos y las líneas de dibujo• Sutiles graduaciones de luz y color, al superponer capas

muy finas de pintura en las que se oculta la pincelada.

• Los límites de las formas se vuelven imprecisos

• Pinta las figuras y objetos del primer plano con mayor precisión

• Los objetos alejados se van difuminando, contornos más borrosos

• Efecto atmosférico causado por la bruma


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Andrea del Verrocchio.Bautismo de Cristo.1470-1475Óleo sobre tabla. 180 X 151 cm.Galería de los Uffizi. Florencia.

Empieza su aprendizaje en el taller del pintor y escultor florentino Verrocchio, donde en el cuadro del Bautismo de Cristo, pintará un ángel tan magnífico que su maestro no quiso pintar más. Es su primera obra como pintor

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e8/Andrea_del_Verrocchio_002.jpg


ETAPAS: • Florencia: Juventud, 1469-1480.• Nuevos comienzos en Milán, 1483-1484.• En la Corte de Ludovico Sforza. 1485-1494.

- Armamento de todo tipo.- fortificaciones y maquinarias de asedio.- Proyectos de arquitectura ensayando la planta central.- El monumento Sforza, gigantesco monumento ecuestre.

• Regreso a Florencia, Mantua y Venecia. 1500-1503. De Milán a Roma.• Últimos años en Francia: Última residencia de Leonardo da Vinci, el castillo del Clos Lucé

en Amboise en el corazón del Valle del Loira donde vivirá los tres últimos años de su vida, dedicándose a numerosos proyectos para su amigo el rey Francisco I


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Obras Selectividad de Leonardo1. La Virgen de las Rocas. 1483.2. La Santa Cena. Refectorio de Santa María de las Gracias, Milán, 1495-

1498.3. La batalla de Anghiari, Salón del Consejo, Palacio de la Señoría

Florentina. Movimiento. Perdida.4. La Gioconda, 1503-1506. Retrato modélico, misteriosa y enigmática.5. La Virgen con Santa Ana y el Niño, 1510.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ec/Mona_Lisa,_by_Leonardo_da_Vinci,_from_C2RMF_retouched.jpg



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1. Virgen de las Rocas DOS VERSIONES: (Louvre, Parí 1483-86) National Gallery, Londres h. 1506). Óleo sobre tabla

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Virgen de las rocas. 1483-1486.Óleo sobre tabla.199 X 122 cm.Museo del Louvre. París.

El primer encargo en Milán . Primera versión del mismo tema que la

se conserva en la National Gallery de Londres.

Pintada para una capilla de San Francisco el Grande de Milán

Ambiente innovador: paisaje salvaje rocoso entre montañas



La Virgen sentada abraza a San Juan que, arrodillado, reza ante Jesús Niño , Éste le bendice, el ángel señala el suceso y nos mira.

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Virgen de las rocas. 1483-1486.Óleo sobre tabla.199 X 122 cm.Museo del Louvre. París.

María avanza su mano derecha en un escorzo perfecto.

Las cuatro figuras se disponen a la entrada de una gruta, bajo una luz suave.

Una vegetación variada crece por doquier y parece más viva que nunca hasta entonces.

La humedad del ambiente se percibe. Al fondo el paisaje se difumina en la

distancia. La visión científica sobre la naturaleza

de Leonardo está presente ya en la obra.


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Composición piramidal.Línea cerrada.La perspectiva aérea para

construir el espacio y la profundidad.

El sfumato suaviza el contorno de las figuras.


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El ángel en las dos versiones. A la izquierda la del Louvre señala con el dedo, a la derecha la de Londres. En ambas la ambigüedad sexual de sus personajes: la androginia.



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La última cena.1495-1497.Refectorio de Santa María de las Gracias. Milán.Encargada posiblemente por Ludovico Sforza.


2. La Santa Cena.


“Es excelentísima, si bien comienza a deteriorarse, no sé si por la humedad que afecta al muro o bien por otro descuido. Los personajes de la cena son retratos de varias personas de la corte milanesa de la época en tamaño real”.

Antonio de Beatis que visitó el refectorio en 1517.

La última Cena.Óleo sobre temple y sobre revoque.460 x 880 cm.


La línea cerrada de las dos figuras de los extremos frena toda la agitación y movimientos de los grupos.La mesa, demasiado pequeña para tantos comensales, acentúa la fuerza y la tensión de las figuras.Los rostros se convierten en un variado repertorio expresivo de los movimientos del alma, sorpresa, estupor, ira , indignación, …Leonardo no aísla al traidor, lo distingue con algo más sutil, su rostro a contraluz.


• Hace converger las líneas de fuga dando profundidad • Mal conservada: no quiso pintar al fresco porque exigía rapidez y él era

detallista, intentó pintar en la pared al temple que no funcionó, conservando apenas hoy color.


“Uno de vosotros me ha traicionado”. Jesús acaba de pronunciar esas palabras que provocan gran agitación entre los apóstoles.


Expresión de los protagonistas.


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3. Batalla de Anghiari. 1503-1505. Copia de Pedro Pablo Rubens. 1603. Dibujo. 42 X 57 cm.Para el salón del Consejo del Palazzo Vecchio. Florencia. Antonio Casquet y Marta López Ave María

Casa Madre

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Gioconda1503-1510?Óleo sobre tabla.77 X 53 cm.Museo del Louvre. París.


Encargo de Francesco del Giocondo de retratar a su esposa Lisa Gherardini, llamada Mona Lisa, para celebrar el nacimiento de su hijo Andrea.

Retratada de medio cuerpo, sentada, apoyando su brazo izquierdo en el del sillón.

Las piernas dirigidas hacia la izquierda y girando su cuerpo, cuello y cabeza hasta alcanzar una posición casi frontal.

4. Gioconda

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Figura muy próxima al espectador. Fantástico paisaje del fondo acentúa la distancia y la profundidad espacial. Sin cejas, la frente muy amplia, ningún adorno. Sensibilidad y vida. Su sonrisa, agradable hacia el espectador. Antonio Casquet y Marta López Ave María

Casa Madre

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Perspectiva aérea, Sfumatto: • Intenta representar la

atmósfera que envuelve a los objetos, disolviendo las líneas y contornos

• La figura queda inmersa en la atmósfera que la rodea.

• Los elementos del paisaje pierden nitidez conforme se alejan del espectador y el color va adquiriendo unas tonalidades grises azuladas, intensificando el efecto de distancia.


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Técnica de las veladuras:Aplicar muy poco pigmento con aceite y esencia de trementina casi transparente, sobre una base de color ya seca, en repetidas ocasiones sobre la misma superficie hasta el punto de hacer desaparecer la pincelada.

La suavidad del modelado con la luz y la sombra se ha llevado a sus últimos extremos.



La posición de las manos cruzadas sobre el regazo, aluden a la decencia de la mujer, según los tratados de pintura de la época.


Detalle del paisaje del fondo, un puente sobre el lecho de un río.

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La Gioconda del Prado antes y después de la restauración y limpiezaAnónimo. 1503-1516Óleo sobre tabla de nogal.Museo del Prado. Madrid.


http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/99/Gioconda_(copia_del_Museo_del_Prado_restaurada).jpg

38La obra de Leonardo La obra posiblemente de un discípulo de Leonardo,

realizada al mismo tiempo y en el mismo taller.Antonio Casquet y Marta López Ave María

Casa Madre

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ec/Mona_Lisa,_by_Leonardo_da_Vinci,_from_C2RMF_retouched.jpg

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/99/Gioconda_(copia_del_Museo_del_Prado_restaurada).jpg


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6. La Virgen con Santa Ana y el Niño, 1510.

• La Virgen María sentada en el regazo de su madre, Santa Ana, inclinada hacia adelante hacia su hijo Jesús.

• El Niño sostiene el cordero del sacrificio, María, simbólicamente aleja a su hijo de su terrible destino

• Ambienta la escena sobre un fono rocoso• Santa Ana tiene la sonrisa enigmática de da

Vinci


• Composición triangular

• Sfumatto

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Leonardo de Vinci, otras obrasAntonio Casquet y Marta López Ave María

Casa Madre

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La Anunciación. 1472-1475.Óleo y temple sobre tabla.100 X 221 cm.Galería de los Uffizi. Florencia

Leonardo de Vinci. 1452-1519.

Algunos arrepentimientos en el cuadro indican que es obra de un artista joven asociado al taller del Verrocchio, como lo era Leonardo en esos años.La acción transcurre en un jardín cuajado de flores, abierto a un paisaje con gran variedad de árboles y una ciudad portuaria que se adivina en la lejanía, donde la luz, el aire, el agua se funden y anuncian la perspectiva aérea de los años de madurez.




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Ginevra de Benci. 1474-1476.Temple y óleo sobre tabla.39 X 37 cm.Galería Nacional de arte de Washington

Primer cuadro de tema profano de

Leonardo e independiente del taller del Verrocchio. El pintor rompe con el

tradicional retrato florentino de perfil.

La retratada, muy próxima al borde inferior del cuadro , con un ligero giro de cabeza, imprime movimiento a la figura.

De rostro muy pálido, consecuencia de su natural enfermizo.

La cabeza de Ginevra recortada sobre un fondo de enebros, árboles que aluden a la virtud de la mujer.


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Para el retablo de la Iglesia de San Donato a Scopeto.

Por su traslado a Milán, dejo la obra inconclusa.

La figura de María sostiene al Niño sobre una de sus rodillas. Alrededor de ambos una corona de personajes, los reyes, su cortejo y ángeles que ofrecen un variado repertorio de gestos y actitudes.

San José, a espaldas de la Virgen, destapa una de las vasijas entregadas por los reyes.

El cuadro sin terminar nos muestra la espontaneidad y seguridad en el trabajo de Leonardo.


Adoración de los Reyes. 1481-82.243 X 246 cm. Óleo sobre tabla. Inacabado.Galeria de los Uffizi.


Dibujos para el monumento Sforza.1491-1493.

Molde armado para la cabeza del caballo

Dibujo para el monumento ecuestre de Trivulcio condotiero

Ninguno de estos proyectos se llevaron a cabo.


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La dama del armiño. Retrato de Cecilia Gallerani. 1483-90. Museo Nacional de Cracovia, Polonia.Una joven de apenas 17 años, amante de Ludovico Sforza, conocido como “el Moro”.La mujer acaricia un armiño que hace referencia a la Orden del Armiño que el rey de Nápoles le había concedido a Ludovico.El armiño también es símbolo de la pureza.


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La Belle Ferronière1490-1495.Óleo sobre tabla.62 X 44 cm.Museo del Louvre, París.



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San Juan Bautista.1508 – 1513.Pintura al óleo sobre tabla.Museo del Louvre.


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Rafael Sanzio


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Rafael Sanzio de Urbino. 1483-1520.

• Modelo de clasicismo y perfección

• Inluencias de:• Perugino: tonalidades

claras, posturas elegantes y paisajes idílicos

• Piero della Francesca: perspectiva

• De Leonardo: composiciones piramidales y el sfumato

• Miguel Ángel: formas grandiosas

• Es un excelente dibujante y colorista de pigmentos claros.

• Formas macizas que describen bellísimas curvas.

Desposorios de la Virgen. 1502


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Pietro PeruginoMatrimonio de la Virgen (1500-1504)

RAFAEL SANZIO Los desposorios de la Virgen. 1504-1505


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Obras1. Madonnas florentinas: Composición piramidal..

• Madonna Ducal, • La Virgen del Jilguero, 1506, • La Bella Jardinera, 1507

2. Decoración de las Estancias del Vaticano, entre 1508 y 1511, “La Escuela de Atenas”, “La Disputa del Sacramento”

3. Retrato de un cardenal. Profundidad psicológica.4. Madonna Sixtina, 1515. Clasicismo, belleza.5. La Transfiguración, 1520. Asomos manieristas.


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Madonna del Gran Duque. 1504-1505.Óleo sobre tabla.84 x 55 cm.Palacio Pitti. Florencia.

Imagen ideal de la maternidad. Los últimos descubrimientos

demuestran que el fondo oscuro es un añadido del siglo XVII.

La Virgen sujeta al Niño con las dos manos, pero no lo mira.

Melancolía y tristeza. Colores suaves y transparentes. Dibujo difuminado, clara influencia

del sfumato leonardesco. Composición piramidal.

1. MADONNAS.


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Madonna del Prato1483 - 1520Óleo sobre panel, 1505113 cm × 88 cm Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

http://allart.biz/up/photos/album/R/Raphael%20Sanzio/raphael_62_madonna_del_prato.jpg


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Virgen del Jilguero. 1507.Óleo sobre tabla.Galería Uffizi. Florencia.

La Virgen, Jesús Niño y San Juan, Las tres figuras dentro de la pirámide perfecta.

Línea cerrada. Suavidad del modelado y

perspectiva aérea. El jilguero que sostiene San Juan,

centra el interés de las tres figuras.


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La Bella Jardinera.1507.Óleo sobre tabla.122 X 80 cm.Museo del Louvre. París.


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2. Decoración de las Estancias del Vaticano, 1508 - 1511,

• Encargo del Papa Julio II de la decoración de 4 estancias del Vaticano: cámaras de la Signatura, de Heliodoro, del Incendio del Borgo y de Constantino.

• Entre las pinturas destacan “La Escuela de Atenas”, “La Disputa del Sacramento”

• Humanismo cristiano


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Roma.Las Estancias del Palacio Vaticano.


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LA ESCUELA DE ATENAS.1510-1511.Pintura al fresco.500 X 770 cm.Stanza della SegnaturaPalacioVaticano


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LA ESCUELA DE ATENAS• Se encuentra en la Estancia de la Signatura utilizada

como biblioteca y tribunal eclesiástico.• Sitúa la escena en un templo clásico dominado por la

perspectiva , enmarcado por dos estatuas clásicas:

Apolo, Dios de la razón

Atenea, Diosa de la Sabiduría.


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1: Zenón de Citio o Zenón de Elea 2: Epicuro 3: Federico II Gonzaga 4: Boecio o Anaximandro o Empédocles – 5: Averroes – 6: Pitágoras – 7: Alcibíades o Alejandro Magno – 8: Antístenes o Jenofonte – 9: Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere) – 10: Esquines o Jenofonte –

11: Parménides – 12: Sócrates – 13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel) – 14: Platón sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci) – 15: Aristóteles sosteniendo la Ética – 16: Diógenes de Sinope – 17: Plotino – 18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante) – 19: Estrabón o Zoroastro? – 20: Claudio Ptolomeo – R: Apeles como Rafael – 21: Protógenes como El Sodoma


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• Platón ( 14 ) esta situado en el centro con el dedo levantado hacia el mundo de las ideas y el Timeo bajo el brazo. Con el rostro de Leonardo da Vinci.

• Aristóteles ( 15 ) tiende su mano hacia la tierra hacia una realidad física mas concreta, sosteniendo al mismo tiempo la Etica con la otra mano


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Euclides ( 18 ) griego matemático y otro discípulo mas de Sócrates, exponiendo uno de sus principios geométricos. El grupo a su alrededor sugiere entusiastas estudiantes


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Hipatia de Alejandría fue filósofa y maestra neoplatónica.Representada por Margherita Luti, amante de Rafael, Lider de la escuela neoplatónica de Alejandría, destacó en la geometría, el álgrebra y la astronomía

Pitágoras ( 6 ) matemático griego , demostrando sus teorías


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• Heraclito ( 13 )• Esta figura

solitaria situada en los escalones fue añadida en el último momento, ya que no esta incluida en dibujos preliminares.

• Filósofo melancólico• La figura, que llevaba la ropa

de un cantero, es en realidad un retrato de Miguel Ángel.

• Rafael, asombrado por el poder de la obra de este artista, incluyó un retrato de él como un tributo


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Alejandro Magno (7) Rey de Macedonia escucha atentamente a Sócrates (12)


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Rafael incluye un retrato de sí mismo al lado de Ptolomeo, y él mira directamente afuera de la foto, como para captar nuestra atención y hacerse notar.


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• Epicurus (2) figura regordeta con una corona de hojas de parra, para este filósofo griego la felicidad radica en la búsqueda de los placeres de la mente

• Diógenes ( 16 ) La figura escuálida que se extiende a través de la escalinata es Diógenes, el cínico que odiaba a las posesiones mundanas


74La Disputa del Sacramento.1510-1511. Fresco. 500 X 770 cm. Stanza della Segnatura. Palacio Vaticano

LA DISPUTA DEL SACRAMENTO


75Equilibrio en la composición: un eje central ordena los elementos más destacados: Padre, Hijo y Espíritu Sánto,En la tierra la Custodia con la Sagrada Forma. Simétricamente se distribuyen las demás figuras


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La Disputa del Sacramento. Parte celestial.

Parte superior: reunión celestial de apóstoles, profetas y santos, presidida por Cristo, acompañado de María y San Juan Bautista


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• Parte inferior: misa cristiana, varios pontífices y fieles dialogan fervorosamente entre ellos.

• Retratos de personajes de la época Bramante, Fra Angélico, Savonarola o Dante.


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1510-11Museo del Prado, Madrid

Retrato de un cardenal.

• Profundidad psicológica.• Cardenal ( birrete y la muceta

roja) pero se desconoce su nombre

• El fondo neutro permite concentrar la atención en el modelo

• Composición triangular • El color aplicado con gran

maestría• Magnífica captación de la

iluminación y de la calidad de texturas.

• La casulla de seda roja con brillos tornasolados contrasta con el blanco de las mangas


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Madonna Sixtina, 1515. Dresde

• Clasicismo, belleza• La composición muy

detallada, piramidal, simetría.

• Volumen de las figuras • La Virgen con el niño

flanqueada por San Sixto a la derecha y Santa Barbara a la izquierda.

• Todos entre nubes.


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Los dos ángeles que aparecen como apoyados en el marco del cuadro dirigen su mirada hacia arriba y separan lo terrenal de lo divino.


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La Transfiguración, 1520. Temple• Asomos manieristas• Juego de luces y sombras• Se divide en tres secciones:• La inferior: escena agitada

una madre trae a un niño poseído por el demonio, para que lo curen, pero los nueve apóstoles no lo pueden curar.

• En el medio: los tres apóstoles que ascendieron con Cristo al Monte Tabor están cegados por la luz de la Transfiguración

• En la parte superior: Cristo transfigurado en una nube radiante


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MIGUEL ÁNGEL BOUNARROTTI


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Rasgos generales de la pintura de M. Ángel:

1. Marcado carácter escultórico.2. Elimina el paisaje .3. Excelente dominio del dibujo.4. Crea violentos escorzos. 5. Todo es dinamismo, movimiento, no hay reposo ni quietud,


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6. Figuras: enormes proporciones y de una fuerza titánica ( influencia del Laocoonte).

7. Anticipa el manierismo: tensión, desequilibrio, gigantismo sobrehumano, colorido estridente, bruscos contrastes de claroscuro


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TONDO DONI. Óleo sobre tabla. 1503

• Encargo de la familia Doni • Sagrada Familia inscrita en un

círculo (tondo). • Aspecto monumental de sus

figuras.• Composición en curva helicoidal:

movimiento, inestabilidad.• María se gira sobre sí misma sobre

sus poderosas rodillas hacia su derecha para recoger o entregar al Niño a San José.

• Al fondo, controvertido friso de desnudos.


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Los jóvenes desnudos nos recuerdan el paganismo.


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LA CAPILLA SIXTINA• Levantada durante el pontificado de Sixto IV de quien recibe su nombre.

• De planta cuadrada, sin ábside.

• Está cubierta por una bóveda de cañón, truncada con bovedillas laterales con ventanas .

• Decoración original:

cielo estrellado.

• Paredes laterales:

frescos de Perugino, Botticelli, Ghirlandaio, Signorelli…


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• En 1508 se le encarga a Miguel Ángel la nueva decoración de la bóveda.

• Veinticinco años después se le encomienda la decoración del muro del fondo con el Juicio Final.


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• Frescos: 14 metros de ancho y 40 metros de largo

• Para poder pintar estos frescos a más de veinte metros de altura tuvo que construir un andamio que le permitiese trabajar tumbado bocarriba.

• Pintaba a tamaño real las figuras en cartones que eran agujereados por las líneas del dibujo los pegaba a la bóveda para que a través de sus agujeros los ayudantes soplaban carboncillo que servía como marcas de dibujo para que el artista comenzase a pintar.

• Originalmente sólo se le encargó pintar doce figuras, los doce apóstoles, el resultado final fueron más de 300 figuras


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• Miguel Ángel cuando empezó a realizar estos frescos solo tenía 33 años y debido al arduo trabajo comenzó a sufrir de tremendos dolores en la espalda tras una caída del andamio.

• Trabajaba tanto que ni para comer descansaba. • La gente en Roma empezó a tomarlo por loco ya que su aspecto físico desmejoró y

se volvió una persona huraña.

Andamio construido por Miguel Ángel, según la película El tormento y el éxtasis


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Pintura. Miguel Ángel. Bóveda de la Capilla Sixtina. 1508-1512


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Programa iconográfico• Génesis, desde la creación a la

caída del hombre en el pecado. • Nueve escenas centrales: cuatro

en rectángulos de gran formato y cinco en pequeño.

• Los grandes: • La separación de la luz y las

tinieblas (1)• La creación de Adán (2)• El pecado original y la

expulsión del Paraíso (3)• El diluvio universal. (4)

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• En los pequeños : 1. La creación de los astros2. La separación de tierras y aguas3. La creación de Eva.4. El sacrificio de Noé5. La embriaguez de Noé.

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• Finge una arquitectura de en trampantojo de arcos, pilastras y medallones, para compartimentar el espacio y separar las escenas


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En el tramo central de esa falsa arquitectura pinta 9 escenas de la Creación (Génesis) separadas por los arcos fajones pintados, sobre cuyos arranques coloca figuras de desnudos (ignudi)


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La Creación de Adán• La escena más famosa de la Sixtina.• Dios Padre, llevado por un grupo de ángeles y arropando con su

brazo izquierdo a la preconcebida Eva, da vida con un ligero toque de su dedo índice a Adán, el primer hombre.


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• La figura de Dios Padre:• Corpulenta, escultórica y enérgica (terribilitá)• En plena tensión ( cabello y capa movidos por el viento)


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• Adán: belleza ideal, refleja los ideales clásicos, mira a Dios con una expresión de asombro y obediencia.

• El acercamiento de sus dedos sobre fondo neutro:• Produce un efecto de alta intensidad • Es una de las invenciones mas sugestivas de todo el ciclo.


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El Pecado Original y la Expulsión del Paraíso

• Composición dividida en dos escenas: • Izquierda: la Caída en el pecado original• Derecha: un ángel armado con una espada expulsa a Adán y

Eva del jardín del Edén.


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• Eva acaba de recibir la manzana , el fruto prohibido, mientras Adán coge una también.

• La serpiente que ofrece la fruta prohibida es una mujer cuyos anillos de colores ( anaranjado, verde y rosa ) significan su atractivo fatal.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/de/Michelangelo,_Fall_and_Expulsion_from_Garden_of_Eden_05.jpg


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• A Miguel Ángel no le interesaba pintar paisajes, su atención se centraba en las figuras humanas, de ahí que simplifique el Edén a una llanura desolada.

• El ángel apunta con una espada el cuello de Adán.• Caras de Adán y Eva: se encuentran muy envejecidas, deformadas y arrugadas de la tristeza que los aflige


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En el tramo de los lunetos pinta: • Ancestros de Cristo • Profetas y Sibilas sentados en tronos monumentales.• Figuras secundarias: ignudi (jóvenes desnudos)y putti (pequeños

cupidos)


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• Profetas y las Sibilas:• Sentados sobre tronos de piedra en las más forzadas posiciones. • Actividad frenética: consultan libros o pergaminos o bien

redactan sus visiones.• Los profetas anuncian en sus libros del Antiguo Testamento la

llegada del Mesías


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• Las Sibilas prefiguran el mundo pagano, el tiempo histórico en el que tuvo lugar la venida de Dios..


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• Los ignudi : jóvenes desnudos que portan paños, escudos de bronce o guirnaldas de hojas de encinas y bellotas (el símbolo de la familia Della Rovere, de la que procedía el papa Julio II).

• Los putti: pequeños cupidos que juguetean tras los serios gigantes entronizados


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• Sus posturas forzadas sirven a Miguel Ángel para demostrar su virtuosismo en la representación del desnudo.


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• Pechinas: Historias del Antiguo Testamento:• David y Goliath• Judith y Holofernes• Las serpientes de bronce • El castigo de Amán. • Es un formato especialmente complicado que demuestra la maestría de Miguel

Ángel.

Los escorzos, retorcimientos y el expresionismo de los personajes preludian el Juicio Final.


122Judit y HolofernesEl castigo de Amán

David y GoliatLa serpiente de bronce


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• Los lunetos son más simples y representan a supuestos ancestros bíblicos de Cristo

Antepasados de Cristo. Eleazar y Matthan.


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Síntesis de sus rasgos1. La concepción escultórica: personajes robustos,

corpulentos, perfección anatómica, tamaño monumental2. Clara influencia del Laoconte y del Torso de Belvedere.


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3. No le interesa la ambientación paisajística de sus escenas ni los elementos anecdóticos.

4. Su gusto por el desnudo : exagerar la musculatura


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5. El movimiento : cuerpos retorcidos, línea serpentinata, formas inestables escorzos muy violentos


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6. Enorme riqueza cromática: colores brillantes que resaltan las figuras.7. Tras retirar la pátina que lo había oscurecido, después de la restauración y limpieza entre los años 1980 a 1994 se ha recobró la luminosidad y colorido.


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EL JUICIO FINAL1537-1541. Fresco del ábside de la Capilla Sixtina.

• Fresco para decorar el ábside de la Capilla Sixtina , 25 años después de pintar la bóveda. (1536 y el 1541)

• Encargo del Papa Papa Clemente VII

• Tema: el Juicio Final.


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• Obra grandiosa:• Fresco de enormes dimensiones (13,70 x 12,20

metros) y casi 400 figuras de entre los 2,5 m y 1,55


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En esta capilla se realiza en cónclave en el que los cardenales eligen a cada nuevo Papa


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Rasgos generales del Juicio Final

1. Estudio racional y equilibrado del espacio compositivo: los personajes distribuidos por grupos compactos, cerrados, pero, dinámicos.


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Sombra

Luz

Penumbra

Sombra


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2. Refleja: • Transformación espiritual del artista • Cambio hacia una estética cada vez más

manierista.3. Gran dinamismo:

• Tensión del fin del mundo• A la derecha de Cristo, los justos ascienden al cielo• A su izquierda, los condenados caen al infierno.


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4. Introduce personajes de la mitología clásica: Caronte el barquero encargado de transportar las almas de los difuntos.

Basándose en la Divina Comedia de Dante, Miguel Ángel pinta a Caronte transportando los condenados al otro lado de la Laguna Estigia, donde los esperan los demonios para hacerlos pasar al infierno.


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• A la derecha Minos, juez infernal, con orejas de asno, atormentado por una serpiente que le muerde el pene.

• Su rostro es el de Biagio de Cesena, maestro de ceremonias del Papa Pablo III, que había criticado duramente la obra de Miguel Ángel por el exceso de desnudos en un espacio tan sagrado.


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4. Los desnudos: marcada musculatura, aumentan la tensión.• El Papa mandó el cubrimiento de los desnudos con "paños de

pureza“• Se le encargó a Danielle da Volterra, apodado desde entonces Il

Braghettone.

• Muchas de las desnudeces siguen ocultas bajo sus paños.


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5. Se abandona la serenidad renacentista.6. El dramatismo alcanza unas cotas insuperables a

través de la "terribilitá" miguelangelesca:• Cuerpos titánicos • Posturas forzadas, escorzos• Rostros trágicos

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7. La restauración de 1990-94 devolvió la intensidad del color


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A) Mundo Celeste:

1. Cristo Juez2. La Virgen3. San Lorenzo4. Santa Marta o Santa Ana5. San Andrés6. Raquel o la Beatriz de Dante7. Noé, o Enoch o Pablo III.8. San Juan Bautista o Adán9. Abrahám o San Bernardo o Julio II10. Abel11. 12. Níobe con una hija o Eva, o personificación de la maternidad, o la Iglesia misericordiosa y una hija.13.La hija del faraón que encontró a Moisés o Sara, o Eva.14. El arcángel Gabriel llevando la cruz.14(a). Un ángel transporta la columna de la pasión.15. Francesco Amadori, llamado el Urbino, o Tomás de Cavalieri.16. San Bartolomé (con el rostro del Aretino).17. La piel de San Bartolomé con el autorretrato de Miguel Ángel.18. San Marco o Clemente VII.19. San Pablo.20. San Pedro.21. Job, o Adán o Abraham.22.La mujer de Job o Eva.23.San Longino24 Simón Zelota25 San Felipe26.Santa Catalina de Alejandría27.San Blas28. San Sebastián29. San Fco. De Asís, o San Andrés, o Simón Cireneo.30. Moisés o Adán.31. Dante Aliguieri

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B) Ángeles con las trompetas:32. El arcángel San Miguel con el libro de los elegidos.

C) Resurrección de los muertos:33. Dante34. Miguel Ángel, o el papa Julio II o Martín Lutero.35. Miguel Ángel.36. Savonarola.

D) Beatos que ascienden a los cielos:37.38.39. Un beato que levanta a dos negros.

E) Réprobos condenados al Infierno:40. Un orgulloso, o un condenado por desesperación.41. Un demonio.42. Un orgulloso o un perezozo.43. Un avaro o un papa simoníaco (Nicolás III).44. Un iracundo o un orgulloso.45. Un lujurioso.46.47.Pablo y Francisca de Rímini.48. Un orgulloso o un estafador.49. Caronte o Satanás (con los rasgos del Condestable de Borbón).50. César Borgia.51. Minos (con los rasgos de Biagio de Cesena).52.53. El conde Ugolino y el arzobispo Ruggeri.

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1. En los lunetos: Dos grupos de ángeles que portan los símbolos de la Pasión: la corona de espinas, la cruz y la columna, ofreciendo las más variadas posturas y reforzando la sensación general de movimiento.

CICLO ICONOGRÁFICO


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2. Zona central: El mundo celestial • Presidido por Cristo como juez en el centro de la escena, a su

lado, la Virgen. • Rodeadas santos, apóstoles y patriarcas A ambos lados de este

grupo central : mártires, vírgenes, bienaventurados y Confesores de la Iglesia


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• La primera vez que un artista, contratado por el papa, se atreve a pintar un rostro de Cristo, distinto al de la tradición iconográfica cristiana

• Se inspira en una imagen pagana, el Apolo de Belvedere, una de las imágenes más hermosas del mundo antiguo.

• Un Cristo joven y sin barba, de gesto poderoso, vigor muscular belleza juvenil que domina toda la composición.


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• Su actitud es inflexible, justo en el momento de lanzar el rayo de castigo.

• Rodeado de un halo luminoso (Él es la luz del mundo)

• La Virgen María, junto a Él retira el rostro aparta la mirada. Se decía que podía ser la imagen de Vittoria Colonna, amor platónico de Miguel Ángel.


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• A los pies de Cristo :• San Lorenzo: con la parrilla de su

martirio• San Bartolomé, con un cuchillo y con

su propio pellejo, donde Miguel Ángel dejó constancia de su autorretrato. En la piel desollada del mártir se reconocen los rasgos desfigurados del artista como la nariz partida.

• Por encima de San Bartolomé se identifica la poderosa figura de San Pedro devolviendo a Cristo las dos llaves de la Iglesia

Pietro Aretino, propuso el primer programa iconográfico del Juicio Final que Miguel Ángel rechazó, provocando la ira del primero que criticó duramente al florentino, llegando también a insultarlo. Miguel Ángel le devolvió la crítica colocando su retrato en la imagen de San Bartolomé.


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• San Juan el Bautista, de frente y algo desconcertado por la actitud de Cristo

• San Andrés de espalda con su cruz que se vuelve hacia las otras figuras como queriendo poner orden o silencio


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• S. Juan Bautista S. Andrés S. Lorenzo S. Bartolomé


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El cielo de las mujeres.

Un tumultuoso grupo de mujeres parece que quieren representar a la Iglesia Militante.


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• Debajo, a la derecha, el grupo de mártires, con sus atributos de pasión:

• San Blas (rastrillos de cardar)• Santa Catalina (la rueda de pinchos) • San Sebastián (las flechas)

• Y, por último, un grupo masculino lleno de dicha desenfrenada, en el que destaca Dimas, el buen ladrón, que se alivia de la carga de una gran Cruz.


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Plano intermedio: Purgatorio• Terribilitá y dramatismo: máxima expresión. • En el centro, los ángeles trompeteros despiertan a los muertos para el

juicio. • A la izquierda, la ascensión de los elegidos por los ángeles• A la derecha, la tragedia de los pecadores que son arrastrados por los

diablos y que se desesperan ante lo inevitable.


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Los ángeles trompeteros despiertan a los difuntos


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LOS ELEGIDOS


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• Los condenados: • Drama, confusión, tormento .• Demonios con cuernos y serpientes los arrastran hacia el

infierno.• El avaro con su bolsa de dinero y unas llaves.• Terror ante el pecado y el castigo en la figura que impresionó e

inspiró a Rodin para su Pensador.


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• Infierno: sobrecogedor• Caronte golpea con su remo a los condenados que se retrasan en

desembarcar.• Minos, el Príncipe y Juez del Hades, que con una serpiente

enrollada al rededor de su cuerpo, distribuye con satisfacción a sus nuevas víctimas.

• En el centro, el azufre de la boca del Infierno. • Síntesis del Apocalipsis de San Juan, con la mitología grecorromana


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En la parte de la izquierda : muertos que se levantan de sus tumbas para asistir al Juicio Final


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Escuela Veneciana• Este escuela se caracterizó por:

• Técnica del óleo sobre lienzo.• Predominio del color sobre la línea (especialmente tonalidades

cálidas).• Pintura refinada, elegante, que exaltó la riqueza por medio de la

representación de ambientes de palacio, las telas, las joyas,….• Contemplación poética del paisaje: luces, colores y atmósfera

luminosa.• Pincelada suelta.• Importancia de los temas secundarios: el detalle, lo anecdótico…• Desnudo femenino delicado y sensual.

• Destacan: • Tiziano (S. XV-XVI): pintor oficial de la República de Venecia• Tintoretto


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Tiziano Vecelio

1477,90-1576

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Autorretrato_de_Tiziano_(detalle).jpg


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Rasgos de Tiziano

1. Abandonó el dibujo y la pincelada detallista para utilizar una pincelada totalmente suelta.

2. El dibujo perdió importancia frente al color

3. Marcó modelos a seguir por pintores posteriores en división celestial y terrenal de escenas, modelo de retrato, desnudos femeninos sensuales.


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4. Tres géneros fundamentales:• Obras de temática religiosa .• Retratos: junto a los rasgos

físicos del retratado, supo captar su psicología. Retrató a los grandes personajes de la época y creó un modelo de retrato a seguir .

• Obras de carácter mitológico: destacaron la belleza y la sensualidad de los desnudos femeninos bañados por una luz suave que modela los cuerpos.


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• En vida gozó de prestigio y reconocimiento siendo nombrado "pintor de la ciudad“ y teniendo como mecenas al Duque d'Este, en la corte de Ferrara.

• Murió víctima de una epidemia de peste en 1576, con casi 90 años y en la cumbre de su carrera.

• Recibió sepultura en el templo de Santa María dei Frari, junto a varias obras maestras como la pala de altar de la Asunción.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d2/Carlos_V_en_M%C3%BChlberg,_by_Titian,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg


• Su primer encargo veneciano.• Para el altar mayo• Monumental pintura —6,90 x 3,60

m.—• Obra impactante y revolucionaria • Novedades:

• Primera obra en la que utilizó el óleo sobre tabla, cuyo brillante colorido causó en principio un fuerte rechazo.

1. Asunción de la Virgen, 1516-1518, Santa María dei Frari, Venecia

RELIGIOSA


• Soluciona el problema del emplazamiento en el ábside con grandes ventanales que producirían un fuerte contraluz

• Contrarrestó los efectos de la luz de los ventanales con la luminosidad que emana de la propia pintura, que realza su carácter de visión sobrenatural.


• Composición original, división en tres espacios:• Superior: mayestática figura

de Dios Padre esperando recibir a María

• Central: la Virgen ascendida entre nubes por querubines, visión sobrenatural

• Inferior: terrenal, sorprendidos y gesticulantes apóstoles contemplan la visión.

• Novedad compositiva: plano terrenal y otro celestial


• Doble perspectiva:• De arriba abajo: apóstoles• De abajo a arriba: la Virgen y

Dios Padre (sotto in sù), lo que infunde un carácter ascensional al conjunto

• Sentido ascensional reforzado por el color rojo ( túnicas de dos apóstoles, de la Virgen y el manto de Dios Padre) tres zonas de una pirámide ascendente cuyo vértice es la cabeza de Dios.

• Cabeza de la Virgen: concentra la mayor luminosidad del cuadro


• En el centro, y con los pies apoyados en las nubes, aparece la Virgen con los brazos levantados y la mirada dirigida a lo alto.

• La túnica roja, alude a su papel en la Pasión

• Un manto azul, símbolo de su divinidad

• Fino velo blanco que recuerda su pureza.


En la parte superior corona el espacio la figura de Dios Padre, caracterizado como un anciano de largas y blancas barbas que con los brazos extendidos se dispone a acoger a María acompañado a los lados por un ángel y un querubín que portan coronas de gloria.

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1519-26Óleo 478 x 266 cmSanta Maria dei Frari, Venecia


• Retrata a los comitentes Jacopo Pesaro (en la esquina inferior derecha), y su familia.

• Presentados a la Virgen por Alejandro VI, el Papa Borgia.

• La Virgen sentada en un trono con el niño Jesús, queda a la derecha, sobre la diagonal.

• En el centro : San Pedro• S. Francisco y S. Antonio

2. El Retablo de Pesaro, 1526


• La escena se presenta en un gran edificio, dos grandes columnas le dan verticalidad a la obra.

• La disposición de las figuras y de sus miradas sin equilibrio ni simetría.

• Rompe la simetría frontal al introducir un punto de vista lateral.

• Rompió con una tradición de colocar la Virgen y el Niño en el centro de la pintura.

177Antonio Casquet y Marta López Ave María

Casa Madre

• Importancia del color: destacan los colores oscuros.• El uso de luz y sombra, es decir, el claroscuro, también da una sensación de profundidad• En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia.


Excelentes retratos de los miembros de la familia Pesaro


Óleo sobre lienzo.335 x 283 cm.Museo del Prado.

• Conmemorativo de la victoria en Mühlberg sobre las protestantes.

• La aparente sencillez de la composición esconde una compleja simbología: mito del poder

RETRATOS Carlos V en la batalla de Mühlberg, 1548.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d2/Carlos_V_en_M%C3%BChlberg,_by_Titian,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg


Muestra al Monarca en su doble condición de caballero cristiano y heredero de la tradición imperial romana. La lanza símbolo del poder de los césares, también hace referencia al arma de San Jorge y a la lanza que portaba Longinos durante la Pasión de Cristo (soldado romano que clavó su lanza en el costado de Cristo y que a continuación se convirtió al cristianismo).



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Portrait of Philip II in Armour1550-51 Oil on canvas, 193 x 111 cmMuseo del Prado, Madrid

RETRATO DE FELIPE IIc. 1554Oil on canvas, 185 x 103 cmGalleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence


184AUTORETRATO1562-64 Oil on canvas, 96 x 75 cm Staatliche Museen, Berlin


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AUTORETRATOc. 1566Oil on canvas, 86 x 69 cmMuseo del Prado, Madrid


186La Venus de Urbino 1538 Oil on canvas, 119 x 165 cm Galleria degli Uffizi, FlorenceAntonio Casquet y Marta López Ave María

Casa Madre

Temática mitológica


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• Encargo del Duque de Urbino Guidobaldo II della Rovere para regalarlo a su joven esposa Giulia Varano

• Alegoría al matrimonio: modelo “didáctico” para la joven esposa, de erotismo, fidelidad y maternidad.

• El erotismo:• Es evidente• Recuerda las obligaciones maritales de la mujer hacia su esposo. • Venus, diosa del amor, como una mujer sensual y seductora que mira

fijamente al espectador• La luz y el color claro y cálido del cuerpo de Venus contrasta con el fondo

y los cojines obscuros.


188

• La fidelidad conyugal: simbolizada en el perro a los pies de la mujer• La maternidad: detrás, una niña hurga en un cajón, ante la atenta

mirada de una empleada. • Perfecta mujer del Renacimiento : símbolo de amor, belleza y

fertilidad


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• Inspiración y tributo a su amigo y maestro Giorgione, que en 1510 había pintado un cuadro muy similar, la Venus dormida.

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Dánae recibiendo la lluvia de oro 1560 - 1565. Óleo sobre lienzo, 129,8 x 181,2 cm Museo del Prado, Madrid. Antonio Casquet y Marta López Ave María

Casa Madre

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Danae 1544-45 Oil on canvas, 117 x 69 cm Museo Nazionale di Capodimonte, Nápoles


Momento en que Júpiter la posee en forma de lluvia de oro. La primera versión de Dánae en Roma en 1544-45 para el cardenal Alessandro Farnese y aludía a los amores del cardenal con una cortesana.


• Esta versión de Dánae para Felipe II• Cupido sustituido por una anciana celadora• Contrastes: juventud frente a vejez; belleza frente a fealdad; figura

desnuda frente a vestida• Otras réplicas: conservadas en Viena y San Petersburgo


• La Dánae del Prado supera en sensualidad y calidad a las demás versiones • Completa desnudez de la figura (ha desaparecido el paño sobre las piernas)• Expresión de éxtasis del rostro, con los labios abiertos• Gesto de la mano separando las piernas para facilitar el acceso al dios.•

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LA BACANAL1523-24Oil on canvas, 175 x 193 cmMuseo del Prado, Madrid

Ariadna despierta después de haber sido abandonada por Teseo en la isla de los Andrios.


LA BACANAL


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• La Bacanal de los andrios.

• Óleo sobre lienzo. 1,75 x 1,93 mts.

• Encargo de Alfonso D´Este para su estudio o lugar de lectura y recreo.

• Localización actual e historia del cuadro: Museo del Prado. Perteneció a la colección de Felipe IV


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• Representa a Ariadna en el momento en el que al despertar descubre que ha sido abandonada en la isla de Naxos por Teseo, que se aleja en un velero.

• Se ve sorprendida por la llegada de los habitantes de Andros, que forman el cortejo de Dionisio, que beben y bailan junto a ella


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• La Bacanal: fiesta en honor al dios Dionisos/Baco, que constituye un canto a los placeres de la vida.

• Dos muchachas con vestidos contemporáneos se embriagan después de haber tocado la flauta una melodía cuyo texto aparece en una nota en el suelo: "Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber".

• Un torbellino de faunos revolotean sirviendo y bebiendo.• Otro grupo baila• La exaltación del vino se muestra en una jarra de cristal


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Amor sagrado, amor profanoArtista: TizianoTamaño: 1,18 m x 2,79 mUbicación: Galería BorgheseTema: VenusFecha de creación: 1514

La escenaEn una fuente en mitad del campo, dos jóvenes muchachas, una ricamente vestida, la otra prácticamente desnuda, entre ellas Cupido juega distraídamente con el agua. Al fondo: paisaje italiano.


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• El títuloActualmente : Amor sacro y amor profano

• Otros: Venus y la doncella, Tres amores, Mujer divina y mujer profana...

• Numerosas interpretaciones:


El significado1. Neoplatonismo : las dos caras de la diosa Venus: la terrenal (vestida) y la celeste (desnuda)La belleza terrenal es reflejo de la celestial, para alcanzar ésta es necesario el amor, no el vulgar, el placer, sino el amor intelectual, el humanismo (la lámpara de aceite, símbolo de conocimiento) Entre ellas, Cupido, el amor, que marca el camino hacia el mundo celestial.


2. Encargo de Niccolò Aurelio, gran canciller de Venecia como regalo de bodas para su futura esposa Laura Bagarotto. • LA ESPOSA: vestida con su

traje de novia (la corona de mirto, las rosas en su mano, el cinturón símbolo de castidad, los guantes, la vasija con joyas...

• Mujer desnuda: diosa del amor, Venus, junto a su hijo Cupido.

202Antonio Casquet y Marta López Ave María

Casa Madre

• La obraLa composición equilibrada.

• El uso del color excepcional, con una amplia tonalidad y gama cromática, destacan especialmente el brillo y las sombras de las telas, y la puesta del sol con los efectos que la luz produce en el paisaje y el cielo.


• La fuente de mármol lleva inscrito junto al caño de agua, el escudo de la familia de Niccolò Aurelio.

• Se trata de un viejo sarcófago romano transformado en una fuente: implica una dualidad, el sarcófago como símbolo de muerte frente a la fuente como símbolo de vida.


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Flora, 1515, (Galería Uffizi).

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d5/Tiziano_-_Flora_-_Google_Art_Project.jpg


“Y fue sobre 1510 cuando el hermano de Isabel, Alfonso de Este, duque de Ferrara, se planteó crear un lugar lleno de obras nuevas con ese nuevo Arte extraordinario. En Ferrara, su ciudad natal, poseía un Palacio y un Castillo, ambos edificios separados por unas decenas de metros. Cada vez que pasaba Alfonso de un lugar a otro debía ir por la intemperie, por ese mundo -metáfora medieval- sórdido y lleno de barro cuando lloviese o lleno de polvo cuando no. Así que ideó levantar un pasadizo cubierto en superficie, una galería con varias estancias diferentes. Pero, claro, no podría estar un lugar así indecorosamente vacío. Una de esas estancias que componían el pasadizo entre el Palacio y su Castillo la construyó de paredes de alabastro, un mármol blanco tan refinado que acabó llamándose la estancia así, la Cámara de Alabastro”

La cámara de alabastro de Alfonso de Este en Ferrara

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EL RAPTO DE EUROPA 1559-62Oil on canvas, 185 x 205 cmIsabella Stewart Gardner Museum, Boston



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JACOPO ROBUSTI “EL TINTORETTO”(1518-1594)

• Próximo al manierismo• Combinó el gusto por el color y la luz

venecianos con los rasgos manieristas.• Admiraba a Miguel Ángel de quien adopta la

expresividad de sus figuras, la fuerza del volumen y posturas forzadas, canon alargado

• Fuertes contrastes de luz y sombra• El color va perdiendo el protagonismo

característico de la pintura veneciana.• Composiciones diagonales en espacios de gran

fondo: perspectivas y escorzos artificiales• Decoración de la Scuola di San Rocco• Lavatorio• La Última Cena


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El lavatorio de los pies (1547), Museo del Prado. Madrid

• En el extremo de la derecha: Cristo de rodillas lavando los pies a san Pedro mientras otro apóstol, (tal vez san Juan) sostiene un aguamanil.

• En el extremo izquierdo observamos la figura de gran tamaño de otro apóstol que aparece descalzándose.


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• Encargo para la iglesia de san Marcuola en Venecia junto con la Última Cena.

• El centro: la mesa de la cena y a ambos lados:• Un apóstol ayudando a otro a quitarse las calzas• Un apóstol descalzándose sobre el banco.

• La escena transcurre en una sala con un fondo abierto con una arquitectura clásica y un canal con barca incluida, evocación clara de Venecia.


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La Última Cena

Selectividad• LA PINTURA DEL CINQUECENTO (3)• LEONARDO DA VINCI• La Virgen de las Rocas; Museo del Louvre. París.(1)• La Última Cena; Convento de Santa María de la Gracia. Milán.(1)• Retrato de Monna Lisa, “La Gioconda”; Museo del Louvre. París.(1)• RAFAEL• La Virgen del jilguero; Galería Uffizi. Florencia.(1)• La Escuela de Atenas— Estancia de la Signatura, Palacio del Vaticano.

Roma.(4)• MIGUEL ANGEL• Bóveda de la Capilla Sixtina; Palacio del Vaticano. Roma(1)• TIZIANO• La Bacanal; Museo del Prado. Madrid.(1)