Trabajo práctico final
Ensayo sobre la imagen
Melanie Lubinski
Taller de reflexión artística I
Cátedra Noriega, Jorge
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ÍNDICE
Página 3: Curriculum
Página 4: Introducción y biografía
Página 4,5,6,7,8: Entrevista
Página 9,10: Ensayo sobre la imagen
Página 11: Conclusión
Página 12,13,14,15: Anexo
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INTRODUCCIÓN Y BIOGRAFÍA
Para la realización de este trabajo práctico final decidí trabajar con el pintor Santiago
Aldabalde, quien nace en Montevideo, Uruguay, el 29 de noviembre de 1973. Sus
inicios como pintor autodidacta, le permitieron generar sus primeros trabajos, libre de
los efectos de la formación académica, así como de las convenciones formales del arte,
desarrollando una técnica muy personal y un idioma abstracto lleno de fuerza gestual
y expresividad desinhibida. Concurre al taller del maestro Nelson Ramos, donde
encuentra el ámbito ideal para el desarrollo de nuevas técnicas que se incorporan a sus
obras, iniciando una actividad sistemática de investigación dentro del arte abstracto
informal. Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas en Uruguay y en
el exterior.
Su obra se encuentra en colecciones de Uruguay, Argentina, Estados Unidos, Canadá,
Francia, China, Australia, España y Malasia y en exposición permanente en galerías
de Uruguay y Argentina.
ENTREVISTA
¿Cómo fue que te involucraste con el arte? Tengo entendido que fue de adulto
y empezó siendo como un hobbie..
Hace 10 años, tenía 30, se me ocurrió un día ponerme a pintar, arranqué
grande y además nunca tuve ningún tipo de facilidad ni para la pintura ni para
el arte. Siempre tuve como un impulso por hacer cosas creativas, cosas que me
llamaban la atención, desde escribir en una revista hasta diseñar un mueble
para mi casa.
Cuando miro hacia atrás me doy cuenta que si hubiera tenido, éste es un tema
que tendríamos que reempenzarlo a nivel de educación, si vos tenés una
aproximación al arte distinta a la que tuviste, yo la aproximación que tenía era
con las proyecciones en la asignatura dibujo en el liceo o copia natural, era
para matarse. Esas cosas te expulsan de las vinculaciones. A su vez, mi familia
no era una familia vinculada al arte entonces como que nunca tuve de repente
una formación, una instancia de decir voy a ir a un taller de cerámica y
arranco, hay veces que necesitas un disparador. Cada uno tiene como un perfil
desde chico, ya sea por el teatro, la música. Mirando para atrás, estuve durante
mucho tiempo haciendo diferentes actividades recreativas hasta capaz que
artística en algún costado, pero nunca me había dado cuenta, aunque en
realidad lo estaba haciendo, pero no me daba cuenta que necesitaba canalizar
determinadas iniciativas. Siempre me interesó el tema estético y me gustaba
mucho la fotografía. Y un día, a los 30 años, me fui a Mosca, le pedí a un
amigo que lo conozco desde los 3 años, que de casualidad es director de una
galería de arte, que me acompañara a Mosca a comprar algunos materiales que
tenía ganas de pintar algo. Siempre tenemos la anécdota, que la persona que
nos atendió, como embromamos en el mundo del arte, que nos reímos mucho
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con la expresión de “yo también pinto”, generalmente estás en una galería y se
te acerca una señora y te dice la famosa frase, que nos lleva a que todos nos
creemos un poco artistas. Y en el fondo lo somos. Bueno, volviendo un poco
al tema de Mosca, le dije a la vendedora que quería unos oleos y un cartón y
algunos lienzos para pintar en mi casa, la vendedora me decía que ella pintaba
con yerba y me contaba un poco de sus anécdotas. Hasta el día de hoy nos
acordamos con mi amigo de aquella señora que usaba yerba, y nos reímos de
cómo yo hoy en día hago como una especie de collage con diferentes
materiales, no yerba precisamente pero hago uso de materiales no
convencionales, y fui asesorado por la chica de Mosca.
Me puse a pintar y todo lo que tenía en la cabeza, esas ideas, no sabía como
llevarlas a la hoja o al lienzo, me era muy difícil, no tenía las herramientas, era
un desastre realmente. Te frustrás, tenés una idea y no tenés el talento para
llevarlo a la práctica. Al tiempo le encontré como una cosa que fue lo que
empecé haciendo que eran como unos grafirmos, empecé a rayar el óleo, viste
como con unas puntas de metal, a generar una cosa media geriogrífica, bien
una especie de grafismo, medio como obsesivo, rayaba y rayaba.. y así salió la
serie que se llama “tu versión de la historia”. Y arranqué con eso, y así si me
empezó a convencer a mi porque si no te gusta es muy difícil avanzar. Le fui
encontrando la vuelta, la repetición, el laburo, la práctica hace a la conseción
de la obra, tiene mucho que ver, es como todo, como en el fútbol, si vos sos
muy talentoso pero no tenés el entrenamiento, la práctica, no llegás a nada, en
este caso no tenía ni el talento ni la práctica, entonces tenía que por lo menos
hacer la repetición y generar alguna cosa interesante. En la medida que vos
seguís investigando acerca de la técnica y todo, que para mi fue bastante
complicado porque nunca había ido a un taller, que para mi es otra de las
charlas que están buenas, me parece importante que la gente se vincule con el
arte primero sin ir a ningún taller, porque los talleres en definitiva te están
estructurando, te están dando como un trillo por el que vos tenés que caminar.
Yo empecé a ir al taller que fui al de Nelson Ramos que era de lo mejor que
había acá, fue un artista fantástico, un tipo muy especial, yo te diría uno de los
artistas más importantes en los últimos 30, 40 años en Uruguay, con trabajos
geniales, una obra super prolífica y una trayectoria como artista sumamente
sólida y a su vez tenía un taller donde le daba bola a un montón de gente que
de repente no era intersante para él lo que esas personas hacían.
Yo cuando llegué al taller, le llevé unas cosas que había hecho, y me dijo que
estaba bueno lo que hacía, que me faltaba un montón pero que tenía “huella
digital”. Lo que pasa hoy con el arte es que es tan abierto y hay tanta
información que mucha gente arranca imitando o copiando a otros artistas,
mucha gente que toma otros trabajos como inspiración y arrancás a partir de lo
que eso te inspira. Yo había empezado al revés, frustrándome con algo que yo
quería hacer, entonces el me explicó que veía que yo tenía algo propio que
después en el futuro podía estar muy bueno, bueno o ser una porquería pero
tenía algo personal que estaba bueno que trabajara desde eso. Estuve en el
taller un año y pico, después dejé y luego falleció Nelson. Él me ayudó mucho
a ordenar mis ideas y a ver cómo puedo ir llevando a cabo mi trabajo. Me dio
certa convalidación, un tipo de ese nivel, que me diga seguí viniendo me
insentivó a seguir por ese camino, estaba bueno porque tenía una convicción
como artista y como maestro muy sólida. Hay veces que necesitas ciertas
reafirmaciones, más cuando recién estás empezando. Lo mismo con la primera
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muestra que hice, que fue en la ciudad vieja, hice la muestra porque mi amigo
director de la galería me dijo que iba a estar bueno mostrar lo que hacía, y
bueno, fue la familia más que nada y amigos, porque nadie me conocía
practicamente, y estuvo bueno, me sentí cómodo, fue un artista plástico
uruguayo, Fito Sayago, con mucha trayectoria quien vive de sus pinturas, y le
gustó una obra, me felicitó, y le dijo a mi amigo que me dijera que vaya para
la galería y todas ese tipo de cosas te dejan contento. Imaginate, yo estaba
jugando y me invitaron a una galería, así es que se te van dando situaciones,
yo llevé después algunas cosas mías a la galería y empecé a vender.
¿De qué corriente artística te consideras parte?
Sinceramente, lo que yo hago, alguien que entiende sobre arte te dirá que es
expresionismo abstracto, yo en realidad tengo ganas de pintar algo y lo hago,
por ejemplo, si mañana termino pintando paisajes de campo, no creo pero uno
nunca sabe, es decir, yo como artista no me encasillo. A mi la figura humana,
los paisajes, nunca me interesaron, me interesa generar a través de la obra
aportes nuevos y no representar la realidad a través de la misma. Hay algo que
si me interesa mucho y me gusta y siento que me ha en cierta forma
contaminado positivamente es la generación del 60´en el Uruguay, lo que hoy
se conoce como arte moderno y contemporáneo, donde hubo grandes artistas y
fue una época parecida al informalismo europeo, una cosa sumamente creativa
y hay artistas fantásticos donde estaba por ejemplo Jorge Paez, el hermano de
Carlos Paez Vilaró, Nelson Ramos vino un poquito después, y todos ellos
hicieron cosas interesantísimas. Si te fijas en Uruguay se estaba haciendo
prácticamente lo mismo que en Europa la vanguardia europea, grandes artistas,
nivel mundial de verdad.
¿Cuáles son los artistas que más te ayudan a inspirarte a la hora de hacer una
obra?
Como te estaba diciendo, yo no me inspiro en ningún artista, no va por ahí y
tampoco tengo una cosa así de inspiración, es más que nada lo que en el
momento tengo ganas de hacer y para que lado quiero ir, lo siento como una
necesidad, tengo ganas de pintar y lo hago, de repente la inspiración en mi
pasa, de repente cuando yo estoy de viaje por trabajo, mi otro trabajo, la
fabrica textil. Estoy en China, por ejemplo de un aeropuerto a una ciudad, dos
horas y media de auto entonces me pongo música y me genera esa cosa de ver
pasar la ciudad como una película, si logras concentrarte es increíble, capaz es
un raye mío, en un lugar que nunca estuviste, o quizá ya fuiste pero estás
aislado del ruido de la ciudad y vas escuchando otra cosa, y me da la
impresión de que fuese pasando todo en cámara lenta, capaz no como
inspiración pero es el hecho de estar tranquilo y salir de la cotidianidad,
cuando no estás dedicado cien porciento a la pintura, que eso es otra cosa que
esta bueno capaz. Yo tengo varios amigos que se dedican a la pintura al cien
porciento y sueñan con tener mi realidad, que pinto cuando me vienen ganas
de realmente ponerme a pintar, puede pasar mucho tiempo que esté ocupado
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en otros asuntos y no pinte, que por un lado estoy como medio presionado,
pero por el otro tengo mucho menos tiempo para investigar.
¿Cuánto tiempo le dedicás a tu vida artística?
Bueno, varía mucho en mi caso, ahora por ejemplo hace como seis meses que
no pinto, y ya como que siento la necesidad de hacerlo. Estuve con un montón
de cosas de mi otro trabajo, fueron seis meses súper intensos. Yo lo que hago
en general es tipo a las diez de la noche me pongo un poco de música y me
pongo a pintar y me puedo quedar dos o tres horas pintando, me iba a dormir
tarde sin importar la hora en la que me tenía que levantar, una vez que me
engancho, es difícil parar. Es muy intermitente, de repente me tomaba una
semana o dos únicamente para pintar, y fines de semana completos, un poco
por necesidad, y a veces me pongo una fecha de una muestra como para
obligarme de cierto tiempo dedicarle a la pintura que es lo que realmente me
apasiona porque sino el día a día me come. Desde el punto de vista del arte
profundo yo nunca voy a ser un artista full time, salvo cuando tenga una edad
determinada, pero tampoco es tan fácil con el tipo de pintura que yo hago
explotar a los 70 años por ejemplo, entonces lo que está bueno es hacer un
pacto entre el día a día, el espacio que ocupa el arte, poder equilibrar.
¿Qué sentís cuando vendés un cuadro y te desprendes de el?
No, en realidad yo no tengo una cosa así de apropiación, que me haga sentir
que se me va el cuadro. Es una mezcla de cosas, por un lado decís, hay obras
que yo no las vendo porque me gustan y me las quedo, ya que no tengo
necesidad económica de venderlas, pero hay otras que me da mucha
satisfacción venderlas ya que es un sentimiento muy grande que me vengan a
comprar un cuadro y les guste la obra que yo hice, y sabes que se la llevan
para colgar en sus casas, es un sentimiento muy profundo.
¿Cuáles son los colores que usas con más frecuencia en tus obras? Colores
cálidos, fríos, etc?
Si vos miras las obras, hay como un hilo conductor, en general son colores
cálidos, apastelados y me gusta mucho trabajar con los ocres, beige, y les
pongo ese azul cobalto, generando como algo con arte concreto, que cada vez
me llama más la atención, y agregando elementos geométricos sobre algo más
informal. Al tener una superficie tan rugosa, al colocarle esos elementos
concretos generan una tensión y un color que después se difuminan y me
parece que quedan buenos.
¿Cuánto tiempo aproximadamente te lleva realizar una obra?
La serie tu versión de la historia que la hice durante muchos años la tengo
súper dominada, si me pongo en un día a pintar logro terminar un cuadro de
1x60. Por el tipo de técnica no lo puedo dejar secar mucho, puedo usar
algunos retardadores algo de eso, pero si lo dejas secar mucho ya no puedo
hacer eso que tanto me gusta de pintar arriba capas de óleos, que al rayar
aparecen diferentes tipos de cosas, entonces te diría que en dos o tres días lo
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tengo que resolver. Los de la serie vía pública, de repente lo arranco hoy y lo
termino dentro de seis meses porque lo agarré cinco veces, lo laburo, lo dejo,
lo vuelvo a agarrar, le pego algo arriba, es mucho más evolutiva, mucho
working progress.
¿Tenés alguna obra de todas las que hiciste con la que más te identificaste,
disfrutaste más al hacerla o al verla terminada?
La verdad que no, hay dos o tres obras de cada serie que he hecho con las que
me quedo, pero no una en específico. Una vez me llamaron para un evento que
era el arte vinculado con la marca de whisky famous grouse, en general es una
relación bastante promiscua en mi opinión, porque utilizan al arte para
promover un producto y al fin y al cabo el arte no les importa mucho que
digamos, y ese es el final de la historia, pero bueno, me invitaron y tenía que
hacer una obra destinada a famous grouse, y yo hice una obra que me encanto
que no la tengo porque la tuve que desarmar que era, una caja chata y le puse
panes de pasto de jardín, y unos led formando una pista de aterrizaje roja y
conseguí una perdiz embalsamada, como la de famous grouse, no sabes lo que
me divertí haciendo la obra, lo que fue conseguir todos los elementos, le hice
poner una forma especial y quedaba como que venía aterrizando, la pinche en
la tierra. Decía si bebe no conduzca, y fue un éxito esa obra por los diferentes
materiales que tenía y la forma en la que estaba construida, pero se me secaba
el pasto y la perdiz ya no era nada agradable, entonces la tuve que desarmar,
tengo fotos pero me hubiese gustado quedármela.
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Análisis sobre la imagen
Obra seleccionada:
Preguntas de auto reflexión
¿De qúe estilo es la pintura? ¿Alguna corriente en específico?
¿A qué pintor me hace alusión dicha obra?
¿Qué me inspira?
A pesar de tener una forma irregular, como la mayoría de las obras de la serie Via
Pública, es básicamente horizontal y sus elementos principales son un color verde en
diferentes tonos, brumoso y sucio, que se despliega de forma irregular por toda la
superficie. En este caso, la superficie de dicha obra atrapa nuestra atención y nos
obliga a recorrer con nuestra mirada esta rica geografía de color y texturas. Por lo que
puedo ver, el artista articula en sus composiciones, hay una relación dialéctica entre lo
efímero y lo concreto, entre figuras geométricas y el espacio, y trabajando siempre las
diferentes texturas sobre el afiche recogido en, como así se llama la serie, la vía
pública.
En mi opinión, y mismo hablando con el artista, no creo creo que sus obras me lleven
a un movimiento de arte específico. Según mi punto de vista, tal como se puede
observar en la obra, podría relacionarse con el expresionismo abstracto, debido a que
las obras reflejan una gran cantidad de sentimientos. Dicho movimiento nace
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en EE.UU. Se fusiona la abstracción con el surrealsmo, experimentan con nuevas
técnicas y practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la
expresión de la personalidad del artista. La época de mayor auge de este movimiento
coincide con el momento en que el arte americano logra alcanzar su propia identidad
y desvincularse de la influencia del arte europeo. La presencia de importantes artistas
de las vanguardias europeas en NY tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial.
En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la gestual o
pintura de acción y la pintura de superficie-color. También está vinculado con el
cubismo, ya que apreciamos figuras geométricas en practicamente todas sus obras, en
este caso en color azul, contrarrestando con el fondo, se destacan esas figuras.
La obra me inspira un gran movimiento, ya que se visualiza cómo está pintado con
oleo sobre diferentes capas, y al ser hecha la obra sobre un afiche urbano, me genera
cierto ruido. Creo que al no estructurarnos en un paisaje o en algo concreto, nos deja a
nosotros la libertad de interpretar la obra, en lo que va a influir mucho la situación
emocional de la persona al momento de verla, entre otras.
Se puede vincular al artista estudiado con Antoni Tàpies, quien fue un pintor, escultor
y teórico del arte español. Fallecido en el 2012, quien fue uno de los principales
exponentes a nivel mundial del informalismo, considerado como uno de los más
destacado artistas españoles del siglo XX. De formación autodidacta, Tàpies creó un
estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaban la
tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo,
dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado
sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su
estado para significar un profundo análisis de la condición humana. Así como Tàpies
se situó dentro de la denominada “pintura matérica”, también conocida como “art
brut”, también lo vemos en las obras de Aldabalde, caracterizadas por la mixtificación
técnica y el empleo de materiales heterogéneos, muchas veces de desecho o de
recliclaje, mezclados con los materiales tradicionales del arte buscando un nuevo
lenguaje de expresión artística.
Antoni Tàpies - Color terrós sobre fons groguenc
Antoni Tàpies
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CONCLUSIÓN
Según mi punto de vista, en todo lo que abarca el proceso de la realización del trabajo,
ya sea la investigación previa como también el escribir e ir dándole coherencia al
mismo, me permitió involucrarme más con el arte en general y más detalladamente en
los movimientos mencionados en el ensayo sobre la imagen.
Personalmente, a la hora de elegir un artista con quien trabajar, se me ocurrió optar
por un uruguayo, ya que soy de allí, y así me permita conocer más en profundidad
sobre el arte en mi país, que anterorimente desconocía.
En lo personal, creo que la consigna de tomar un artista que no sea de los más
conocidos para analizar, fue algo muy positivo ya que nos permite saber y conocer
que hay cientas de personas con un potencial inmenso y unas cualidades
extraordinarias y no se dan a conocer en la sociedad.
Por último, creo que el hecho de haberme podido vincular con el artista, tenido la
posibilidad de hacer la entrevista personalmente y conocer su atellier fue un privilegio
ya que me permitió conocer su persona y me ayudó mucho a la hora de recopilar toda
la información adquirida para comenzar a escribir.
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ANEXO
Críticas sobre el artista
Es muy difícil en la pintura tener un lenguaje propio, Santiago Aldabalde ya lo
encontró. Eso de cierta tranquilidad al pintor, pues le da una marca, un sello
inconfundible. Tiene casi siempre una doble lectura, en la primera mirada aparece el
color, una segunda lectura más instimista nos revela las texturas, donde el pintor juega
con su nuevo instrumento expresivo.
Aldabalde buscó, el color y la textura son los que nos dan vía libre a la magia y la
imaginación para que el espectador complete esa comunicación tan especial.
Gino Bidart
De pronto una mirada constelar, una suma de símbolos que disemina el viento. Viajan
donde el color; donde celebran la vida los primarios. Asisten a la fiesta. Se sientan a
la mesa del rojo y el azul, beben del amarillo. A la mañana siguiente día planean el
regreso. Más ya se reconocen el semblante en las alas. Igual que las bandurrias se
regresan los símbolos chorreando su alegría.
Vuelven donde Santiago; luthier de geometrías, alfarero sagaz de las texturas,
alquimista obstinado. Y hallan perpetuidad.
Enrique Souza
El trabajo de Santiago Aldabalde muestra una suerte de ready made urbano,
desencriptando la información de los afiches callejeros, los utiliza como auténticos
materiales para reconocer el cruce de la información en la historia inmediata y
mediata. Aldabalde trabaja sobre las capas de la memoria urbana, investigando el
proceso de los pegatineros, aborda la materialidad y la composición del papel,
escudriña la ciudad, viendo la oportunidad de apropiarse de su materia prima. Luego
sigue el proceso de transformarlo en obra de arte, opera invirtiendo el contenido del
afiche y expande una capa pictórica que trabaja rigurosamente en búsqueda de nuevos
sentidos para la imagen. Así el color se transforma en un sobreviviente de la
información procesada una y otra vez. Entre claro oscuros el artista declara un
conflicto que opera con la velocidad del tiempo, la captura de la información en el
afiche y la reconfiguración de la imagen plástica en un contexto diferente, el reverso
que ocultaba una lectura posible, se presenta como una cadena de estímulos. El
“décollage”, aquella práctica que implicaba arrancar del espacio público los afiches
para convertirlos en obra y que fuera iniciada a finales de los años cuarenta, cobrando
más fuerza en los años sesenta hasta nuestros días tiene el eco de lo efímero, de la
lentitud y desgaste que sobre el texto y la pulpa del papel hace el tiempo, presentifica
la finitud constante del material. Contra este efecto Aldabalde agrega un nuevo
dispositivo de conservación, cada pieza tiene un contenedor de madera y de vidrio,
que se contrapone a la liviandad del papel y que funciona a modo de cápsula
contenedora, generando un equilibrio vital para la obra, dando la imagen de objeto
arqueológico.
Jacqueline Lacasa
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Algunas de sus obras:
“Tu versión de la historia”
El observador tiende a buscar un mensaje escondido, encriptado en los
grafismos, hay una búsqueda deliberada, una necesidad de encontrar.
La serie tu versión de la historia presenta un conjunto de pinturas texturadas, lienzos y
cartones determinados por la improvisación y la emoción, con secuencias de símbolos
semiconscientes y referencias caligráficas, dentro de la estructuración de un
entramado deliberado y el meticuloso manejo de los tonos y el contraste. El color
aparece como elemento dominante en las composiciones, alcanzando un delicado
equilibrio, suboridnando las formas y las líneas a la espontaneidad del pincel y las
puntas de metal que graban el óleo formando infinitos planos y mensajes, reflejando
en cada trabajo un único e irrepetible momento del alma. Las texturas son realzadas
por la aplicación de fuertes empastes que fluyen entre los grafismos y la creación de
signos hipergráficos, en la composición de una pintura profunda, de vibrante fuerza
expresiva puesta al servicio del mensaje.
Chipre
Deep red
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“Vía pública”
Cortezas Urbanas.
Un auto se detiene. De él sale rápidamente el artista, camina unos metros,
llega a una pared sobre la que hay pegada una cantidad importante de afiches
que se acumularon, uno sobre otro, formando una capa compacta sobre un
muro. Rápidamente los arranca, los contempla un momento, los enrolla, los
mete dentro la valija del auto y continúa su marca.
Este pequeño evento casi anodino no debe ser interpretado como una acción o
performance realizada por el artista Santiago Aldabalde.
Sonic
Obra conjunta con Santiago Velzaco