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Leonardo da Vinci Santa Ana, la Virgen y el niño La Gioconda Rafael Desposorios de la Virgen La virgen del jilguero La escuela de Atenas Miguel Ángel La creación de Adán El juicio final

11. Pintura del cinquecento. Diapositivas

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Page 1: 11. Pintura del cinquecento. Diapositivas

•Leonardo da Vinci–Santa Ana, la Virgen y el niño–La Gioconda

•Rafael–Desposorios de la Virgen–La virgen del jilguero– La escuela de Atenas

•Miguel Ángel–La creación de Adán–El juicio final

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Santa Ana , la virgen y el niño Autor: Leonardo da Vinci Fecha: 1510-1513

› Cinquecento , renacimiento

Técnica: óleo sobre tabla Medidas: 1.68x1.12m Se encuentra en:

Museo del Louvre

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*Análisis

Descripción: Tres figuras de gran parecido,

sedentes, una madre con su hija y un niño que coge un cordero. Al fondo un paisaje abrupto y misterioso

Composición piramidal.› Da dinamismo al conjunto, a pesar de ser cerrada,

de figuras entrelazadas› Las tres cabezas aparecen unidas en una diagonal

El Dibujo desaparece por la utilización del Sfumato o difuminado de las formas, dándole a la composición un aire de misterio

Profundidad› 1er plano: las figuras› 2º plano: paisaje rocoso y nubes› El color aleja el paisaje rocoso del fondo con la utilización de la

perspectiva aérea, conseguida por la difuminación del color hasta llegar a azules y blancos que junto al claroscuro del ambiente le da a la pintura una atmósfera en la que los personajes se funden con el paisaje. Esta perspectiva enfoca un objeto y deja el resto borroso, como hace

el rostro humano

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La luz: es una luz crepuscular que suaviza los gestos y crea una belleza dulce y misteriosa.

Incide sobre la superficie de los cuerpos, acentuando los colores, pero definiendo las tonalidades de los mismo y los efectos del volumen con el sombreado.

El claroscuro resbala por la superficie de los cuerpos, y se compagina con gestos amables, transmisores de ese nuevo concepto artístico llamado “grazia”

El color

En primer plano están los colores primarios, azul y rojo, aunque dominan los cálidos

El movimiento: es dinámico y provoca una sensación de desplazamiento efímero entre los personajes. Ana mira a la Virgen y esta con sus manos desplaza el foco de atención hacia el niño que a su vez vuelve su cara hacia su madre

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*Comentario:

El autor de la obra es Leonardo da Vinci , una de las figuras más paradigmáticas de la historia de la cultura, y especialmente del arte

Generacionalmente pertenece al quattrocento, aunque sus innovaciones lo sitúan en el cinquecento

Como hombre renacentista su actividad abarca el campo de investigación en general ya que fue pintor, escultor, ingeniero militar, matemático, aeronáutico, músico…incluso escribió un libro sobre pintura Tratado de la Pintura (1497)

Podemos diferenciar en su vida 5 etapas diferentes según la ciudad donde trabajaba. Esta obra pertenece a su etapa en Roma (1508-1515) donde trabajó atraído por el mecenazgo del papa León X.

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No se sabe con exactitud quién encargó la obra ni cuando, datada entre 1510-13 se considera un encargo para el retablo de la Basílica de la Santíssima Annunziata de Florencia

La obra es figurativa y naturalista, representa un tipo de belleza basado en la interrelación con la naturaleza.

El paisaje está íntimamente ligado al estado de ánimo de los personajes, esto nos hace pensar que el artista vio y exploró los dolomitas

Significado: se trata de santa Ana, la virgen y el niño y el cordero, símbolo de su sacrificio, es la sagrada familia de Cristo.

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El tema del cuadro ya había sido tratado anteriormente por Leonardo.

La obra quedó incompleta, fue otro pintor quien se ocupó de la figura del cordero.

Los rasgos más sobresalientes de su obra son: La naturaleza debe estudiarse siempre, no imitarla.

Nuevo sistema de perspectiva: La perspectiva aérea

Crea una pintura de aire misterioso, aparentemente inacabada y de perfiles difuminados, es el sfumato.

Uso del Claroscuro, que da el aire misterioso a los cuadros

Todos presentes en este cuadro

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•Tamaño real

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Polémica tras la restauración,

por los colores

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La Gioconda o Mona Lisa Autor: Leonardo da Vinci Fecha: 1503

› Cinquecento , renacimiento

Técnica: óleo sobre tabla de álamo

Medidas: 77x53cm Se encuentra en:

Museo del Louvre

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Sobre la restauración en el Prado

https://www.youtube.com/watch?v=0iffdvalbJI

https://www.youtube.com/watch?v=RKQSK1HG3lg

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Convertida en exponente máximo de todo lo que pretendía derribarse a principios del S. XX.

Marcel Duchamp.

La gioconda con bigote

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*Desposorios de la Virgen

Autor: Rafael

Fecha: 1504

Cinquecento , renacimiento

Técnica: óleo sobre tabla

Medidas: 117 x 170 cm.Se encuentra en: Pinacoteca de Brera , Milán

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*Análisis Composición Compuesto en dos zonas:

Un primer plano con las figuras principales, la Virgen y san José, éste colocando el anillo matrimonial en presencia del sumo sacerdote. La figura mariana lleva un cortejo de doncellas, mientras que san José está acompañado por varios varones; uno de ellos rompe su vara con la rodilla, simbolizando su renuncia a desposar a la virgen, cuya mano pretendía.

Para romper algo la monotonía de esta distribución, Rafael ha pintado grupos de paseantes en toda la explanada y las escalinatas del templo

Isocefalia Lo que más suele destacarse de la composición es la presencia del

templo circular al fondo de la escena. Posee todos los rasgos clasicistas que se pretendían aplicar a la arquitectura renacentista: la planta central , arcos de medio punto, proporciones basadas en el cuerpo humano, accesibilidad e iluminación natural...

La cúpula es casi tangencial a la curva de la tabla, identificando la cúpula del templo con el cieloEste tipo de templo simboliza la perfección divina, que a su vez es la que representa la Virgen, sin pecado, o el mismo sacramento del matrimonio.

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La profundidad la consigue con el tamaño de las figuras, las hace más pequeñas al fondo

La explanada donde se encuentran las figuras posee unas baldosas rectangulares que permiten representar la proyección del espacio en perspectiva hacia un punto de fuga central, situado en la puerta abierta del templo que da al paisaje del fondo.

Colores primarios: muy armónicos

Las figuras forman dos curvas que se cruzan: una abierta hacia el exterior y

concéntrica a la columnata la otra abierta hacia el exterior, hacia

los espectadores.

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*Comentario

El autor es Rafael uno de los maestros del renacimiento. Para Rafael, la belleza es una realidad que existe en la naturaleza y la función del artista es revelarla, reproducirla y mejorarla. Por ello cuidará hasta el último detalle sus obras.

Su obra se divide en tres etapas, esta obra pertenece a su 1ª etapa, cuando trabaja en Urbino

La tabla fue encargada a Sanzio por la familia Albizzini para la iglesia de San Francisco en Città di Castello, permaneciendo allí hasta 1798, cuando formó parte del botín napoleónico y fue vendida por 50.000 liras a un mercader.

Significado: manifiesto de los principios del arte renacentista italiano.

La pintura de Rafael no ofrece un nuevo concepto del hombre o del mundo, pero representa la expresión más perfecta de una sociedad que cree haber alcanzado su equilibrio y fijado sus valores

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•Influencia de “La entrega de llaves a San Pedro” Perugino

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*La Virgen del jilguero

Autor: Rafael

Fecha: 1507

Cinquecento , renacimiento

Técnica: óleo sobre tabla

Medidas: 107x77

Se encuentra en: Galería Ufizzi, Florencia

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*Análisis

Composición

El esquema compositivo recuerda a las Vírgenes de Leonardo. Figuras enmarcadas en triángulo que a su vez se encuadra en una serie de líneas verticales y horizontales, marcadas por los árboles y la línea del terreno.

Miradas entre los personajes

Influencia de Leonardo:

En el tratamiento del color, degradado, difuminado, el sfumato;

en las transparencias,

la perspectiva aérea

La luz homogénea, clara, desde arriba, una luz cenital

Influencia de Miguel Ángel en el estudio del modelado, como observamos en trabajo sobre la rodilla de la Virgen, prominente, sobresaliente, que rompe el plano del cuadro

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*Comentario

El autor es Rafael uno de los maestros del renacimiento. Para Rafael, la belleza es una realidad que existe en la naturaleza y la función del artista es revelarla, reproducirla y mejorarla. Por ello cuidará hasta el último detalle sus obras.

Su obra se divide en tres etapas, esta obra pertenece a su 2ª etapa, cuando trabaja en Florencia.

La obra conserva el encanto poético del primer Rafael, en los rostros, las poses de las figuras, el tratamiento del color la luz…

Significado: manifiesto de los principios del arte renacentista italiano.

Influencias de Leonardo y Miguel Ángel, coincide con ellos en Florencia

Es un encargo del caballero florentino Lorenzo Nasi, cuya casa fue derruida por un desprendimiento de rocas, lo que causó la fragmentación de la tabla.

Se produjo entonces la 1ª restauración de cuadro, uniéndose “pedazo a pedazo” aunque no se sabe quién lo hizo, se cree que fue Ghirlandaio

En 1999 comenzó una 2ª restauración que finalizaría 10 años después

La pintura de Rafael no ofrece un nuevo concepto del hombre o del mundo, pero representa la expresión más perfecta de una sociedad que cree haber alcanzado su equilibrio y fijado sus valores

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Antes de la 2ª restauración en 1999

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ESCUELA DE ATENASAutor: Rafael Fecha: 1509-11

Técnica: fresco Medidas:

Se encuentra en: Stanza de la Signatura

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*Análisis

• Magistral composición inspirada en los edificios clásicos romanos y los proyectos de Bramante en la Basílica de San Pedro

• Todo el conjunto queda referenciado en un punto de fuga central entre las 2 cabezas centrales (Platón y Aristóteles) y la clave del arco del fondo. Organizándolo todo con un punto de vista bajo.

• Perspectiva artificial o geométrica, con sus líneas de fuga, organiza la composición.

• Composición armónica equilibrada, llena de ritmo.

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Dominando la escena, en medio de todos los sabios y filósofos de la Antigüedad:

Platón, sosteniendo el Timeo (escrito por él) y señalando al cielo (idealimo), el mundo de las ideas,

Aristóteles, con la Ética, señalando hacia el suelo( realismo), hacia las realidades empíricas.

No son actitudes irreconciliables, sino dos formas de acercamiento a la verdad.

A su alrededor, en varios grupos, están los filósofos y sabios de la antigüedad, algunos de ellos con rasgos de artistas, humanistas y príncipes de la corte papal

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A la derecha un grupo de filósofos con Sócrates que marca con los dedos silogismos.

Es escuchado por un grupo de personas entre las se identifica Alejandro Magno con su armadura

Abajo Pitágoras escribe sobre un grueso volumen mientas un joven le ayuda sosteniendo ante el una tabla

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Bramante como Euclides explica

algo, trazando una figura con un

compás

Detrás Ptolomeo lleva una esfera

en la mano y en el extremo de este

grupo, un autorretrato de Rafael

Miguel Ángel como

Heráclito (pensativo

y escribiendo sobre

un bloque de piedra.

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En el centro, aislado y tendido en las gradas, Diógenes

La luz es clara y ambiental. Procede sobre la escena

El color predominan los cálidos y hay gran riqueza de tonalidades

Intenso, brillante

Movimiento intenso, dado por los paños agitados y las diagonales de las posturas.

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*Comentario El autor es Rafael uno de los maestros del renacimiento. Para

Rafael, la belleza es una realidad que existe en la naturaleza y la función del artista es revelarla, reproducirla y mejorarla. Por ello cuidará hasta el último detalle sus obras.

Su obra se divide en tres etapas, esta obra pertenece a su 3ª etapa, cuando trabaja en Roma, llamado por el Papa Julio II para la decoración al fresco de cuatro habitaciones de las Estancias Vaticanas. Destaca el programa humanístico de la, l la biblioteca privada del papa, donde consigue la plenitud de la perspectiva y el espacio y a la que pertenece esta obra

Significado: Síntesis pictórica del neoplatonismo: simbiosis entre la

antigüedad y cristianismo. El programa desarrolla la idea de la convivencia entre ciencia, pensamiento y doctrina de la iglesia, símbolo de los nuevos tiempos.

Tema: verdad racional que es representada con personajes históricos

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CREACIÓN DE ADÁN

• Autor: Miguel Ángel • Fecha: 1508-12, Renacimiento

• Técnica: fresco Medidas: 280x570cm • Se encuentra en: Capilla Sixtina, Vaticano

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Dios flota en el cielo envuelto en un manto violeta ( como lo exige el adviento). Es sostenido en el aire por María y Jesús, y 12 ángeles sin alas que representaban los 12 meses del año o las 12 tribus de Israel. Estira su mano para tocar con su dedo el dedo extendido de Adán.

Adán ( que significa tierra) esta reclinado sobre tierra yerma, anhelando la vida y el amor que le van a ser instalados por el dedo de Dios, apenas tiene fuerza para aproximar su dedo a Dios. En el dedo de Dios se concentra toda su omnipotencia.

La creación se produce por el contacto

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*Análisis

Composición: Las diagonales de los cuerpos se asemejan

Contrapposto en Adán, con la pierna doblada y el giro de las caderas, el torso de frente y las extremidades inferiores de perfil

Hay mucho movimiento, un desequilibrio de carácter manierista ,de posturas forzadas, retorcidas, desequilibradas, en escorzo y siempre mostrando un estado de tensión.

Figuras enormes, vigorosas, reflejo de la Terribilitá miguelangelesca.

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ADÁN recostado, musculoso, casi se despereza. Describe una amplia curva

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DIOS PADRE, vigoroso, todo energía, se envuelve en una capa de curva pronunciada

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Color: manierista Piedra o cobre para los colores secundarios, para que no

desvíen la atención de lo principal (Giotto o Masaccio).

Colores estridentes: verdes, rojos, rosas, violetas, amarillos Agudizan la sensación de escándalo y zozobra en el

espectador.

La luz tiene bruscos y violentos claroscuros

Pincelada suelta, ligera y factura abocetada

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El autor de la obra es Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), n acido en Caprese, cerca de Arezzo, se inicia en el arte a través de la pintura como aprendiz en el taller de Ghirlandagio

Continuador de la línea emprendida por Giotto y Masaccio

Sus principales mecenas serán los Médicis en Florencia y el papado el Roma

Con una intensa y atormentada vida religiosa

Es autodidacta.

Entre sus obras más destacadas de pintura se encuentra los frescos de la capilla Sixtina, a los que pertenece la obra que analizamos. Pertenece a su etapa de madurez en la que inicia la ruptura del ideal del alto renacimiento y el inicio del manierismo

Miguel Ángel trabaja en la bóveda por encargo de Julio II entre 1508 y 1512

En esta obra podemos ver todas las características principales de la pintura de Miguel Ángel como : Terribilitá, Colosalismo de las figuras, busca la belleza sublime que aspira a la perfección personal y que

se expresa en el dibujo, colores de ricas tonalidades y perfecta armonía,

vigoroso estudio anatómico del desnudo masculino, composiciones en equilibrio

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*Comentario

Significado: Consagración del hombre como centro de todas las cosas. Exaltación de la hechura del hombre a imagen y semejanza de Dios. Ideas neoplatónicas sobre la vida activa representada por el Creador

y la vida contemplativa representada por Adán

Obra manierista de MA que se recrea en las actitudes extravagantes y caprichosas, llenas de curvas y escorzos y posiciones forzadas con colores irreales.

La inspiración debe buscarse en maestros como Giotto, Donatello o Masaccio, en las esculturas de la antigüedad clásicas, y en los estudios de anatomía.

Aunque el color y el movimiento presagian ya el barroco y la escultura de Rodin.

Para comprender al autor no debemos olvidar su andadura como escultor y arquitecto. MA no se acepta como pintor “ Yo soy principalmente escultor”

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JUICIO FINAL

Autor: Miguel Ángel

Fecha: 1535-41

Renacimiento

Técnica: fresco

Medidas:Se encuentra en: Testero de la Capilla Sixtina, Vaticano

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1

2

Dividido en 5 registros

superpuestos:

• Mundo celestial

• Ángeles con

trompetas

3. Condenados

4. El infierno

5. Resurrección de los

cuerpos

4

3

5

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Cristo Juez, la Virgen, los Apóstoles y los Patriarcas

San Lorenzo y San Bartolomé

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CRISTO JUEZ, tratado

como un Hércules o un

Júpiter, desnudo,

vengador, agitado con

gesto autoritario,

envuelto en una luz

que lo destaca.

LA VIRGEN suplicante,

pide clemencia.

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San Bartolomé

con la piel

desollada donde

se autorretrata

Miguel Ángel

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Condenados

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Redimidos

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Lunetos: Ángeles con instrumentos de la Pasión

Ángeles tocando trompetas, anuncian el Juicio Final. Sostienen el Libro de la Vida y el de la Muerte

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Resurrección de los cuerpos

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Laguna Estigia, donde Caronte en su barca los traslada a la otra orilla, a la boca del infierno

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*Análisis

Composición precedentes en escultura y pintura góticas Sin profundidad, todas las figuras están en primer plano,

acercándose al espectador El mayor número de figuras se coloca en la parte

superior, mientras que en la parte inferior aparece desequilibrado.

A pesar del aparente tumulto, la obra ofrece una estructura interna que obedece a un estudio racional del espacio. Los personajes aparecen en grupos cerrados, pero al mismo

tiempo dinámicos Todos los cuerpos muestran tensiones en su musculatura, lo

que recuerda a la escultura del autor. Centro: Cristo, a su lado la Virgen con el rostro ladeado hacia

la izquierda, que equilibra la tensión creada por la cabeza de Cristo vuelta hacia la derecha y crea un rombo

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La luz es intensa y frontal, de bruscos e intensos contrastes de claroscuros

El color: originariamente todas las figuras masculinas estaban desnudas, el color dominante era monocromo, el de la carne humana, frente al azul pizarra del cielo y las nubes grises.

Para MA el desnudo era algo natural , no así para los ideales de la contrarreforma, y así uno de sus discípulos tuvo que crear los ropajes

Gran movimiento, de carácter manierista, conseguido con las posturas forzadas, retorcidas, desequilibradas, en escorzo y siempre mostrando un estado de tensión.

Expresionismo y terribilitá

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• Comentario

• En el testero de la Capilla Sixtina el Papa Paulo III, impulsor de la contrarreforma, encargó a Miguel Ángel la pintura al fresco de un gran Juicio Final, para lo cual el autor debió realizar muchos bocetos y estudios preparatorios.

Representa la segunda venida de Cristo, la Resurrección de los muertos y el Juicio Final , según el relato del Apocalipsis de San Juan. Primera venida como redentor y hombre, ahora como Juez y como Dios, para separar

a los justos de los pecadores

Representa el tema en una gran escena, preside la escena un Cristo joven con gesto de condenar a los pecadores;

María junto a él en un gesto ambiguo: amor, dolor, pudor.

En los extremos superiores ángeles sin alas, acarrean los tributos de la pasión, prueba de la infamia humana; debajo de Cristo, los apocalípticos ángeles trompeteros, llaman a vivos y muertos.

A la derecha los elegidos suben al cielo sostenidos por los ángeles que contrarrestan el esfuerzo de los demonios; a la izquierda los condenados se precipitan al infierno donde los aguarda Caronte con su barca y Minos los guía hacia las profundidades del infierno

• Nunca hasta ese momento se había representado tan devastadoramente la tragedia interior del espíritu

• Significa un himno a Dios y puede interpretarse como una apología de la Iglesia católica frente al protestantismo

• Influencia de la divina comedia de Dante

Para comprender al autor no debemos olvidar su andadura como escultor y arquitecto. MA no se acepta como pintor “ Yo soy principalmente escultor”