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Frescos de Il Gesú Roma

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Arte BarrocoConcepto: Francesco Milizia 1797. Barocco (desigual). Empleado despectivamente para las obras anticlásicas. Cronológicamente: fin del siglo XVI hasta mediados del siglo XVIII. Expansión: toda Europa, América y en el s. XVIII en las colonias de Asia.MARCO HISTÓRICO:•Afirmación de los estados nacionales (Francia Luis XIV-XV y XVI). Monarquía absoluta de derecho divino.• Economía agraria a la que se une un comercio internacional (mercantilismo) y una manufactura a gran escala: Auge de la burguesía aunque se mantiene la sociedad estamental. • Tensiones políticas y religiosas : Reforma, contrarreforma. • Arte como propagandista de la monarquía y de la iglesia.• Dos barrocos: Católico y protestante.

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Características generales

Frente al clasicismo renacentista, se impone el anticlasicismo barroco:

• Desmesura / medida• Confusión / claridad.• Dinamismo / quietud.• Formas abiertas / formas cerradas.• Efectismo.• Teatralidad.• Contrastes violentos

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ARQUITECTURA BARROCA : Características• Esquemas complejos.• Plantas elípticas, ovales, mixtilíneas.• Superficies curvas, onduladas, quebradas. Sensación de

movimiento. Contrastes de luz y sombras.• Columnas salomónicas.• Frontones partidos, entablamentos curvos.• Vanos ovalados.• Volutas y aletas para unir pisos.• Arcos elípticos, ovales, mixtilíneos.• Orejetas y cartelas.• Cúpulas ovales.• En los interiores, espacio orientado al infinito: decoración

de bóvedas como espacios abiertos.• Edificios: iglesia, palacio Real. Auge del urbanismo

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Elementos arquitectónicos

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Barroco italiano

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Bernini 1598-1680• Nació en Nápoles hijo de un escultor. En 1606 se trasladan a

Roma, trabajando para el cardenal Borghese. • Tuvo como mecenas al papa Urbano VIII que le encarga el

Baldaquino de San Pedro, el Palacio Barberini, y el sepulcro de Paulo V. Su su sucesor el papa Inocencio X, prefirió a Borromini, pero de nuevo Alejandro VII en 1655 le hizo un encargo importante: la Columnata de San Pedro, la Cátedra, la tumba de Alejandro VII y San Andrés del Quirinal.

• Como arquitecto trabajó a gran escala, con efectos dramáticos y teatrales de luz, fusionó las tres artes en una sola, utilizó materiales ricos: mármoles de color y dorados, pero sus formas son más simples que las de Borromini. Además de ser arquitecto fue pintor y escultor, escribió poemas y fue autor de obras teatrales a las que dotaba de escenografía y vestuario. Recibió numerosos encargos, además del papado, de iglesias, cardenales y particulares.

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Baldaquino de San Pedro

•Cubre el altar situado sobre la tumba del apóstol. •Es un templete y palio de 4 columnas salomónicas que convergen en entablamentos unidas por una cornisa cóncava con colgaduras que imitan los palios textiles. De los vértices arrancan cuatro volutas convergentes, coronadas por un pequeño entablamento mixtilíneo.•Dinamismo en la composición. •Uso de orden gigante. •Los elementos decorativos desbordan lo constructivo: Volutas de enorme tamaño, frontones mixtilíneos que se parten dotando de desequilibrio a la composición.

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Bernini: Plaza de San Pedro

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Columnata de San Pedro.Consta de 184 columnas y 88 pilastras de mármol travertino, formando un corredor cubierto por un techado ornamentado por cornisa, a cuyo largo se disponen 140 estatuas de santos realizadas por discípulos de Bernini. espacio dedicado a ceremonias religiosas públicas, que representa el abrazo de la iglesia al pueblo.

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Bernini: Columnata de San Pedro.

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San Andrés del Quirinal 1658-1670

•Sede del noviciado de los jesuitas.• La planta es elíptica y a ella se le añade el pórtico curvo con elementos reiterados y estructuralmente innecesarios: varios frontones y entablamentos.

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Interior de San Andrés del Quirinal

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Características como escultor• Influenciado por Miguel Ángel. • Utiliza el mármol como los clásicos. Pulimenta hasta el

extremo las superficies. Sus temas son mitológicos, santos de la Contrarreforma, retratos, tumbas y fuentes.

• Deseo de movimiento violento, explícito e inestable en composiciones y expresión.

• Esquemas compositivos libres, sueltos, con geometrías complejas (espirales, diagonales, aspas, angulaciones)

• Ropajes agitados, anchos, hinchados, desordenados.• Violentos claroscuros.• Gestos dramáticos, enfáticos, histriónicos, teatrales.• La escultura se proyecta hacia el espacio que la rodea:

situada dentro de un contexto arquitectónico (altares, tumbas, nichos, jardines plazas, edificios.)

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Apolo y Dafne•El momento elegido es el final de la persecución cuando, al abrazar el dios a la ninfa, los brazos de esta se hacen hojas y su cuerpo dura corteza.•Grupo escultórico tallado en mármol. •Dinamismo, movimiento explícito. •Composición abierta. Líneas diagonales, quebradas, rectas y curvas. •Expresión exagerada, gestos y movimiento teatral. •Representación de calidades y texturas exactas. Claroscuro

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Capilla de Cornaro

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Éxtasis de Santa Teresa

•Escultura de bulto redondo, tallada en mármol blanco y colocada en la parte central del altar de la capilla de la familia Cornaro en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma.•Santa Teresa en pleno arrebato místico: un ángel traspasa su corazón con una flecha de amor divino. Santa Teresa, suspendida en el aire, se abandona a su éxtasis y parece transformarse en un cuerpo sin peso. El cuerpo, cubierto con agitados pliegues del hábito, transmite una sensación de intenso movimiento, con excepción de manos y pies que caen como suspendidos. El rostro, con los ojos cerrados y la boca entreabierta, refleja el estado interior por el que atraviesa la santa ( síntesis de dolor y gozo). El ángel está representado con sonrisa de vida y alegría.•Composición: Dinamismo a través de la composición en aspa, por los ropajes y por la aparente suspensión de los cuerpos. Claroscuro de los ropajes que subrayan la anatomía.•La obra está concebida como un conjunto escultórico-arquitectónico, no aislada, y la luz natural también contribuye a esa apariencia de suspensión en el aire.

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Éxtasis de Santa Teresa•Escultura de bulto redondo, tallada en mármol blanco y colocada en la parte central del altar de la capilla de la familia Cornaro en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma.•Santa Teresa en pleno arrebato místico: un ángel traspasa su corazón con una flecha de amor divino. Santa Teresa, suspendida en el aire, se abandona a su éxtasis y parece transformarse en un cuerpo sin peso. El cuerpo, cubierto con agitados pliegues del hábito, transmite una sensación de intenso movimiento, con excepción de manos y pies que caen como suspendidos. El rostro, con los ojos cerrados y la boca entreabierta, refleja el estado interior por el que atraviesa la santa ( síntesis de dolor y gozo). El ángel está representado con sonrisa de vida y alegría.•Composición: Dinamismo a través de la composición en aspa, por los ropajes y por la aparente suspensión de los cuerpos. Claroscuro de los ropajes que subrayan la anatomía.•La obra está concebida como un conjunto escultórico-arquitectónico, no aislada, y la luz natural también contribuye a esa apariencia de suspensión en el aire.

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David•Estatua de tamaño natural tallada en mármol.•Representa a David en el momento de lanzar la piedra con una honda a Goliat.•Dinamismo, expresión, teatralidad, cuerpo en tensión, torsión.•Composición abierta. •Claroscuro

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Fuente de los Cuatro Ríos Plaza Navona. Roma

•Se compone de una base formada de una gran piscina elíptica, coronada en su centro de una gran mole de mármol, sobre la cual se eleva el obelisco egipcio de Domiciano.•Las estatuas tienen unas dimensiones gigantes y son alegorías de los cuatro ríos principales de Nilo, Ganges, Danubio, Río de la Plata.

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Nilo y Ganges

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Bernini. Tumba de Alejandro VII•Representa a Alejandro VII, arrodillado y humilde, acosado por la muerte que que le muestra un reloj de arena.• Contiene cuatro figuras alegóricas: caridad, verdad, prudencia y justicia

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Bernini. Tumba de Urbano VIII

• Enmarcada en un arco triunfal de ricos mármoles, columnas con basa ática y orden compuesto, entablamento curvo donde se sitúa el escudo papal sustentado por dos ángeles, se halla la estatua funeraria exenta y sedente del Papa, realizada en bronce, como un emperador, coronado por la tiara y con gesto arrogante, bendiciendo sobre su tumba, con las alegorías de sus virtudes: caridad y justicia a ambos lados.•La composición es piramidal. En la parte inferior, del sepulcro de pórfido oscuro, color del surge la figura de la muerte que escribe en la cartela la alegoría de la Fama póstuma.

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Bernini. Luis XIV

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Borromini 1599-1667•Procedía de una familia de canteros. En 1619 llegó a Roma, donde trabajó como escultor monumental y pasó a trabajar con Bernini, con el que realizó el palacio Barberini. •Después de independizarse de Bernini trabajó sólo para órdenes religiosas pero a la subida al trono papal de Inocencio X, le llamó y tuvo encargos del Papa como la remodelación de San Juan de Letrán.•Era melancólico, nervioso e intransigente, misántropo. Riñó con muchos de sus clientes y amigos y renunció por ello a muchos encargos. •Antes de su muerte destruyó los planos de edificios no realizados para que nadie pudiera copiar sus ideas. Se suicidó en 1667.

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Características•Diseña desde las formas más sencillas a la complicación absoluta para alcanzar el máximo movimiento.•Trabajó a pequeña escala, en ladrillo y estuco, aunque a veces utilizó mármol travertino. •No empleó el color, el interior de sus iglesias están pintados en blanco. •Cuando introduce la escultura sólo lo hace para decorar.• Utiliza la luz subrayar las formas y el espacio, no para crear efectos dramáticos.•Los efectos los consigue por medios estrictamente arquitectónicos: sus espacios desembocan unos en otros, los muros se curvan o se articulan en profundidad mediante columnas y nichos. Emplea originales formas de arcos, dislocándolos , a veces, en tres dimensiones, e inventa formas fantásticas para sus cúpulas, campanarios y linternas.•Su síntesis es el movimiento, sin que en él se interfiera el color, la riqueza de materiales o el dramatismo.

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Planta San Carlos

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San Carlos•Recibió el encargo en 1634. Fue realizada para la orden de Trinitarios españoles. •Es de pequeñas dimensiones. •Hizo primero el monasterio y en 1638 empezó la iglesia, terminando su estructura interior y decoración en 1642, después se terminó el dinero y la fachada quedó inconclusa, no se pudo poner la escultura .•La planta parte de una elipse y establece una planta a base de segmentos de óvalos, unos cóncavos y otros convexos que le confieren un contorno sinuoso: complejidad y movimiento.

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San Carlos. Exterior

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Fachada de San Carlos

•Constituida por dos pisos y tres calles verticales. •La parte baja de la calle central es convexa y las laterales cóncavas. •En la parte alta las tres son cóncavas: dinamismo, nichos, balaustrada, remate de espejo sustentado con ángeles. decoración de hojas. •Complejidad, claroscuro, anticlasicismo

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Interior•Movimiento de sus muros, compuestos de tramos curvos y rectos. •Lo articulan columnas adosadas que constituyen los elementos sustentantes• Materiales pobres recubiertos de estuco blanco.• La zona central está dividida por diversos nichos de distintos tamaños. Los mayores contienen estatuas. Debajo de éstos encontramos unas puertas que llevan a las capillas laterales, a la escalera para subir al campanario y al monasterio.• El entablamento da la vuelta a la iglesia sin interrupción, y sobre él vemos un área compuesta por 4 bóvedas de cuarto de esfera con casetones que cubren la capilla mayor y otras capillas. Entre ellas hay cuatro amplias pechinas decoradas con paneles ovalados. •Cúpula oval con casetones de cruces y geométricos rematada por linterna. •Ausencia de decoración, excepto: capiteles, volutas invertidas nichos con veneras, querubines, guirnaldas de hojas y cruces, todo en estuco.

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Borromini. San Carlos. Cubierta

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San Carlos. Cúpula

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San Ivo de la Sapienzia

•Fue la capilla de la Universidad de Roma y San Ivo era el patrón de los juristas.•Planta semejante a la estrella de David.• Cubierta con cúpula gallonada en forma de estrella. •Dinamismo y complejidad. •Muros cóncavos y convexos. •Decoración estucada

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Borromini. Cúpula San Ivo.

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Arquitectura cortesana francesa:

Versalles

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Versalles•Luis XIV construyó Versalles como una pequeña ciudad áulica. Al comienzo era solo un palacete de caza al que se añadieron dos alas laterales que conformaron la plaza de armas y trasladó allí la corte. •Fue construido por Luis le Veau.• La Galería de los espejos, la capilla y el jardín fueron diseñados por Mansard. •La fachada que da al jardín está construida siguiendo el modelo italiano: un primer piso de sillares almohadillados, un segundo piso noble de doble altura con crujías retranqueadas jugando con entrantes y salientes y alternando columnas y pilastras, un tercer piso, rematado por una serie de figuras escultóricas (trofeos y jarrones). •El jardín de Versalles es clasicista, ordenado, racionalizado. Con el paisajismo se obliga a la circulación. Crea una organización que relaciona todas las esculturas y fuentes y ensalza la monarquía.

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Patio de Armas

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Versalles. Exterior

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Versalles. Salón de los Espejos

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Pintura barroca

Pietro da Cortona. Triunfo de la Providencia. Palacio Barberini. Roma

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Características de la pintura barroca•Naturalismo.•Afán de movimiento conseguido por composiciones complejas de grandes líneas diagonales, oblicuas y quebradas.•Gusto por lo efectista: pinturas de aparatosos escenarios y arquitecturas fingidas en bóvedas y paredes.•Teatralidad en gestos y expresiones.•Cuando se representa el espacio: perspectiva aérea.•Luz que delimita las formas de un modo escultórico o efectista.• Contrastes y claroscuros.•Planos demasiado grandes. Las figuras desbordan el espacio pictórico.•Preferencia por las formas abiertas.•Se pierde la idea de equilibrio y simetría clásicas. Siempre un lado de la composición es más acentuado que el otro.•Falta de claridad en la representación.

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Temas de la pintura barroca•Temas religiosos de los dogmas de la Contrarreforma en las cortes católicas, tendentes a fijar los dogmas de la contrarreforma. Escenas de la Biblia en las cortes protestantes. Se representan como escenas de género. •Escenas de género, y dentro de ellas escenas de interior. •Vanitas.•Bodegones y naturalezas muertas. •Temas mitológicos.•Paisaje como tema autónomo, marinas.•Retrato en las cortes reales, los nobles, y en el mundo burgués. Se generaliza el retrato de cuerpo entero y nace el retrato de grupo.

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Temas barrocos

Vanitas

PaisajeVedute

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bodegónNaturaleza muerta

Escena de género

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Pintura barroca italiana

Caravaggio. Judith y Holofernes

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Italia•A finales del siglo XVI aparece el barroco, el naturalismo de Caravaggio, al que se contrapone el arte académico e intelectual de los Carracci. •Se crea una propaganda del dogma católico contrarreformista: santos que se representan como personajes populares con el fin de que el pueblo se identifique con ellos y asuma la doctrina eclesiástica. •La iglesia vuelve a ser, junto con las monarquías absolutas y católicas, el gran cliente del arte, su impulsor y también su dirigente.•Se fija una iconografía que pervivirá durante mucho tiempo: Inmaculadas, martirios y éxtasis de santos. Pero también retratos, bodegones y paisajes,escenas de género, mitológicos o alegóricos.

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Caravaggio (1573-1610)•Nace cerca de Milán. Llega a Roma en 1593. Allí empezó a pintar bodegones, naturalezas muertas, escenas de género y religiosas, que vendió en los mercados. •Pronto fue descubierto por mecenas (cardenales y aristócratas) para los que pintó durante los 13 años que permaneció en Roma• De personalidad extravagante y violenta, metido en peleas callejeras en las que hirió a varios y mató a algunos, por lo cual tuvo que huir de Roma en 1606, pasando a Nápoles, donde permaneció algún tiempo, más tarde pasó a Malta, donde fue nombrado caballero de la Orden de San Juan, pero hirió a un juez y huyó de nuevo a Nápoles, donde cayó herido en una nueva pelea •Murió de malaria en 1610, cuando volvía a Roma, donde había conseguido que se le perdonaran sus crímenes.

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CARACTERÍSTICAS•Creador del Naturalismo: representación de la realidad sin obviar sus defectos. Modelos de ínfima clase social.•Creador del Tenebrismo (profundo claroscuro): luz artificiosa. Pintaba en un sótano: iluminación muy alta y única a fin de que las paredes permanecieran en sombra. Los cuerpos son alcanzados por poderosos rayos de luz que los resaltan fuertemente sobre fondos totalmente oscuros.•Trabaja sin bocetos, directamente en la tela.•Evita la representación del espacio.•Colores definidos con precisión.•Composiciones complejas en base a la luz.•Representación exacta de las calidades y texturas de la materia.•Cuadros religiosos y mitológicos tratados como escenas de género, en los que no faltan detalles anecdóticos perfectamente descritos. También realiza escenas de género y bodegones.

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Bodegón

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Baco. Ufizzi•Encargado por su mecenas el cardenal del Monte como regalo para Cosme II de Medici por su boda•Representa a un joven dios Baco reclinado a la manera clásica con uvas y hojas de parra en el pelo, manoseando el cordel de la toga que le cubre. Sobre una mesa de piedra enfrente de él hay un frutero y una jarra grande de cristal con vino tinto; con su mano izquierda ofrece al espectador un cáliz o copa de vino llana y ancha, aparentemente invitando al espectador a unirse a él.•Algunos autores interpretan esta obra como alegórica-mitológica y religiosa. En este cuadro, la androginia del sujeto debe entenderse como unión de los contrarios y por lo tanto armonía, propia de lo divino, mientras que Baco, dios muerto y resucitado, preanuncia simbólicamente la venida y el sacrificio de Cristo, que ofrece el cáliz de la salvación, como Baco que aquí ofrece el cáliz.

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Joven

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David y Goliat. Galería Borghese. Roma

•David sostiene la cabeza de Goliat, que es un autorretrato, al modo de Miguel Ángel en el Juicio Final.•Los colores plata sucio, negro y marrones dominan el cuadro. La luz hace que David parezca un muchacho de las calles, con una espada que tiene sólo una gota de sangre para demostrar que, al igual que Caravaggio, sabe lo que significa haber matado a un hombre. Otra gota de sangre en medio de la frente del gigante confirma que fue derribado por una piedra. En la espada aparece una inscripción abreviada: H-AS OS, en latín: Humilitas occidit superbiam ("La humildad mata al orgullo").

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Vocación de San Mateo

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VOCACIÓN DE SAN MATEO. San Luis de los franceses. Roma•Tema: momento en que Cristo llama a San Mateo, en una oficina de cambio, a seguirlo. Por la derecha entra Cristo con San Pedro, y con su mano extendida señala a Mateo.

•Es un tema religiosos pero representado como una escena de género.

•Su realismo es teatralizado por el gran valor de los gestos del rostro y de las manos y por la utilización artificiosa de la luz.

Composición estática en horizontal, con pocos personajes y fondo neutro.

•La luz la que define la composición: la escena está iluminada por dos focos exteriores, de modo que aparecen iluminadas algunas partes y el resto queda en penumbra. Se establece con ello agudos contrastes entre luces y sombras.

•El papel de la luz es doble: consigue resaltar las figuras que más interesan y ayuda a dramatizar el contenido del cuadro.

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Muerte de la Virgen Louvre

•Las figuras casi tienen tamaño real. •El centro de atención del cuadro es la figura de la Virgen. Tomó como modelo el cadáver de una prostituta muerta ahogada. Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los apóstoles, que dan muestras de dolor. •La escena transcurre en un ambiente humilde.• Los colores son muy oscuros, con los únicos toques luminosos del rojo de la ropa de la muerta y un gran telón rojo que pende por la parte superior del lienzo.

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Conversión de San Pablo. Iglesia de Santa María del

Popolo. Roma•Luz irreal y masiva que ilumina de lleno a Saulo, pero no al criado. •La composición está dominada por la mole inmensa del caballo que parece venirse encima del caído, que implora con los brazos abiertos. •Los ojos de San Pablo están cerrados, pero su rostro no expresa temor sino que parece estar absorto en el éxtasis.• Siguiendo estas claves, Caravaggio nos desvela la presencia de la divinidad en una escena que podría ser completamente cotidiana.

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Caravaggio. Peregrinos de Emaús

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LOS CARRACCI •Ludovico Carracci (1555-1619) crea un estilo ecléctico, que impondrá, junto a sus dos hermanos Anibale (1560-1609) y Agostino (1557-1602), en Italia y en el extranjero.• Fundaron La Academia en 1585 (centro que sirve de modelo a las Escuelas de Bellas Artes), con lo que reemplazan el viejo sistema de aprendizaje a través de un taller. En la Academia se enseñan técnicas pictóricas, disciplinas teóricas y clases de anatomía. Se premia a los alumnos más aventajados.•Eclecticismo se inspiración en Rafael, Miguel Ángel y los Venecianos. Volvieron a la práctica tradicional del dibujo previo. Clasicismo: Formas idealizadas. Organización compositiva. Perspectiva lineal y representación del espacio. Predominio de la línea. Colores brillantes.•Pintan al fresco varios palacios en Bolonia y marchan a Roma llamados por el cardenal Farnesio.

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Carracci. Palacio Farnesio. 1600

•La estancia servía para recepciones y albergar la colección de estatuas clásicas.•El tema es mitológico: a través de él se ilustra la fuerza del amor. •Cuerpos modelados con claridad escultórica y formas de Miguel Ángel, además del estudio del natural y de las esculturas antiguas. •Colores intensos y luminosos.• Ilusionismo arquitectónico que compartimenta el espacio.

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Carracci. Triunfo de Baco

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Pintura barroca flamenca católica

Rapto de Proserpina. Rubens s. XVII

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Rubens 1577-1639

•Pasó su niñez en Colonia y recibió su primera formación artística en Amberes.• Ya maestro, marcha a Italia, donde permaneció 8 años (1600-1608) al servicio del duque de Mantua.• De vuelta a Amberes, fue nombrado pintor de los archiduques que le encomendaron incluso cuestiones diplomáticas, con las que viajó a España influyendo en Velázquez. •Hombre equilibrado, positivo, optimista, de extensa cultura y carácter agradable, con una increíble vitalidad que le hacía atender al mismo tiempo cuestiones muy dispares. Como pintor triunfó en Europa y sus obras fueron solicitadas por las principales cortes de su tiempo.

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Características•Influencias: formación flamenca. Influencia italiana: clasicismo, naturalismo de Caravaggio, concepción heroica de la figura humana. Su aportación personal: sensualidad.•Facultad para la composición trabando el movimiento de los personajes en líneas de fuerza diagonales que recorren los cuadros.•Sentido exultante (luminosos y brillante) del color y de la luz.•Exuberancia formal.•Pincelada larga, toques sueltos cargados de pasta.•Pintó todos los géneros: retratos oficiales (teatrales) y privados (de gusto burgués); pintura religiosa; historias; mitologías; alegorías; paisajes; bodegones...

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Rubens. Descendimiento. Catedral de Amberes

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DescendimientoTEMA religioso tratado con grandilocuencia y teatralidad.COMPOSICIÓN: Rompe cualquier tipo de equilibrio. Desborda la escena más allá del espacio pictórico. Composición en diagonal, predominio de las curvas y contracurvas, superposición de planos empleando recursos efectistas (pies cortados de María Magdalena y María Salomé, escorzos violentos). Búsqueda de efectos teatrales (posturas forzadas, gestos).LUZ: afianza la diagonal. No hay iluminación uniforme: masas de luz y de sombras.COLOR: unas veces es más intenso que otras contribuye a dar sensación de movimiento. Una amplia zona oscura ocupa el fondo del cuadro y la mayoría de las figuras que rodean a Cristo. En ella sobresale una rica gama de colores fríos iluminados solamente parcialmente. Otra zona iluminada donde predomina el violento contraste cromático: los colores cálidos ocupan el centro del cuadro.

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Rubens. Tres Gracias. Museo del Prado

•Rubens guardó en su propia casa este cuadro.• Se detiene con deleite en la descripción de la piel transparente de las Gracias, en las flores, en los cortinajes que les sirven de dosel, y en el armonioso paisaje.• Las Gracias tiene la belleza opulenta típica de Rubens. Sus siluetas enlazadas se recortan con un ritmo sinuoso de curvas y contracurvas. •Escena luminosa, alegre y muy sensual.

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Rubens. El jardín del amor. Museo del Prado

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EL JARDÍN DEL AMOR (1633) •En su época se vio en él a la propia familia de Rubens.• Felipe IV lo tuvo en su alcoba, posiblemente se trate de una alegoría del amor conyugal. •La escena se desarrolla en un jardín junto al pórtico de su propia casa en Amberes. A la derecha, una fuente representa a Juno, diosa protectora del matrimonio. Algunos cupidos vuelan como símbolos amorosos (flechas, flores del placer, palomas de la fecundidad, yugo del matrimonio). •El grupo central puede ser un homenaje a su segunda esposa Helena Fourment cuyos rasgos aparecen en todas sus figuras femeninas. •Pincelada suelta, atmósfera dorada que unifica el colorido (influencia de Tiziano), gran sensualidad.

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Rubens. Duque de Lerma. Museo del Prado.

•Realizado en la primera estancia de Rubens en Madrid enviado por el duque de Mantua para dar regalos a Felipe III.• Lerma (valido de Felipe III) sintió gran admiración por él y quiso ser retratado.• El cuadro supone una innovación al romper el esquema tradicional del caballo de perfil y situándolo en posición de avance hacia el espectador.• La ejecución refinada, preciosista en la representación de la armadura y vestido del Duque es todavía un rasgo manierista en este cuadro de concepción ya barroca.

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Barroco protestante

Lección de música. Vermeer de Delft

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•La Iglesia protestante prohibía el arte de orientación católica, pero sin dirigir el arte. •Se concedió al artista mayor libertad pero las historias bíblicas no son muy representadas.• Se prefiere representar la vida real y cotidiana, el cuadro de costumbres, el retrato, el paisaje, el bodegón, el cuadro de interior y la arquitectura.•Naturalismo sencillo y con representaciones objetivas. •Pequeños formatos burgueses frente a los grandes formatos de las monarquías europeas.•Los clientes del arte son burgueses y funcionarios y asociaciones de los municipios (corporaciones de hospicios, hospitales, médicos etc.)   

Barroco protestante: características

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REMBRANDT (1606-1669).

•Nació en Leiden de familia burguesa. Allí abrió su primer taller. •En 1631 se trasladó a Amsterdam donde fue un afamado pintor de retratos y llevó una vida burguesa hasta la muerte de su esposa.• Después su vida fue en declive viviendo por encima de sus posibilidades llegando a la ruina económica. •Sobrevivió a su segunda esposa y a sus dos hijos, y viejo y arruinado, a su muerte fue enterrado en una tumba sin nombre.

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Características

• Composiciones en diagonal, espiral, curvas y contracurvas.

• Estudio de luces y sombras. Claroscuro ambiental intimista. Luces doradas.

• Realismo.• Color de tonalidades doradas.• Pincelada muy suelta: llega a la desintegración de la

forma mediante el tratamiento de la pasta pictórica.• No representa el espacio.• Temas: Históricos, mitológicos, religiosos, paisaje,

naturaleza muerta, retratos, de género: todos tratados de una manera íntima y personal del hombre de la Reforma. Grabados

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Rembrandt. Autorretratos. 22 años y el año de su muerte

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Lección de Anatomía del doctor Tulp

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Lección de Anatomía 1632•Primer retrato en grupo realizado por Rembrandt.•Encargado por el gremio de cirujanos para conmemorar una lección pública que impartió el doctor Tulp, ante el cadáver de un ajusticiado. •Cada retratado mantiene una posición y una expresión distinta, concentrándose la luz en aquellos rostros o zonas del cuerpo que el artista quiere resaltar.• El contraste entre las zonas iluminadas y las penumbras aumenta con el traje negro característico de la época y un tratamiento vaporoso de ciertas texturas gracias a una suave pincelada. •La fuerza del cuadro se concentra en la diagonal formada por los cuatro personajes que se sitúan en dirección hacia las pinzas del doctor . •Para evitar distraer la atención del espectador, el fondo es neutro y no tiene apenas definición. La lección fue pública y la lista de los alumnos está consignada en el papel que sujeta uno de ellos.

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Ronda de Noche 1642

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Líneas de composición

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RONDA DE NOCHE•Retrato colectivo de la corporación de arcabuceros•Capta al grupo a la salida de una callejuela, en el momento en que éste inicia su marcha, y subordina la condición individual de los personajes a la dinámica del momento: composición muy viva en la que cada figura en movimiento está situada en un plano de luz diferente y en una actitud diversa. Al grupo se unen elementos que nada tienen que ver con el grupo: una niña intensamente iluminada, un enano, un perro.•Gracias a la luz y a las actitudes, se resaltan algunos personajes y tapa a otros, por lo que los que encargaron el cuadro no estuvieron de acuerdo con el modo de ser representados.•La ronda en realidad no es nocturna, la oscuridad se debe a la suciedad de varias capas de barniz.•Utilización de la luz como máximo recurso expresivo, y crea la composición, confirma volúmenes, transforma el color y disuelve los contornos.

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Rembrandt. Sacrificio de Isaac. Museo del Hermitage.

San Petesburgo 1635• Se reconocen al menos 300 pinturas suyas y cientos de grabados. A lo largo de su carrera, pintó retratos, paisajes, pintura religiosa, mitológica, de género. Su pintura religiosa fue ensalzada por sus contemporáneos, que le consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles.

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Betsabé con la carta del rey David. Louvre

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PINTURA BARROCA FRANCESA.• Naturalismo: Georges La Tour

– Magadalena.– San José y Cristo niño.

• Academicismo: Poussin– Muerte de Germánico.– Rapto de las Sabinas.

• Paisajista: Claudio de Lorena.

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Georges La Tour (1593-1652)

•Tenebrista influenciado por Caravaggio. •En sus cuadros el origen de la luz es concreto: una vela, una bujía, una antorcha u otra forma de luz artificial, mientras que en las obras de Caravaggio, la luz provenía de un foco de origen impreciso.•Trata temas religiosos, escenas de género y de devoción, todos ellos con el mismo estilo.•Su composición es equilibrada y rigurosa, casi geométrica.

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La iluminación proviene de una vela e ilumina con luz blanca las figuras. El resto del cuadro queda en la oscuridad, sin que aparezcan paisajes o arquitecturas. Utiliza una paleta prácticamente monocroma: rojo y negro en las escenas nocturnas, blanco y morado en las diurnas.

Georges La Tour. San José y Cristo niño. Louvre

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Georges La Tour. Magdalena

Wrightsman. Nueva York

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Nicolás Poussin (1594 – 1665)

•Pintor y dibujante, cuya vida transcurrió casi íntegramente en Roma donde llegó en 1624. Su gran influencia será Rafael y Tiziano. Sus mecenas fueron el Cardenal Francesco Barberini, sobrino del Pontífice, y Cassiano dal Pozzo, un acaudalado intelectual.•Poussin fue el fundador y gran practicante de la pintura clásica francesa del si9glo XVII. Su obra simboliza las virtudes de la claridad, la lógica y el orden.

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Poussin. Muerte de Germánico. Instituto de Arte de Mineápolis

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Muerte de Germánico• Narra la muerte de Germánico envenenado en Siria donde fue enviado por Tiberio, su padre adoptivo. •Composición compleja por el número de personajes implicado y el dramatismo de la escena. Germánico, agonizante, señala con el índice de su mano derecha a su mujer, Agripina, y a sus hijos, a quienes pone bajo la protección de sus amigos. •Colorido brillante de influencia veneciana. Superposición de las figuras. Tono grandioso, belleza subordinada a los temas más profundos, como la amistad, la justicia, la muerte.

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Poussin. Rapto de las Sabinas. Museo Metropolitano Nueva York

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Rapto de las Sabinas•Tema mítico. Rómulo, debido a la falta de mujeres, invita a los sabinos, sus vecinos, a una fiesta en la ciudad. A su señal, cada romano se hace con una sabina, eliminando cualquier resistencia posible de los hombres. Éste es el momento que recrea Poussin, con el rey haciendo la señal, con un cortejo de dos senadores, a la izquierda en alto, frente al templo de Júpiter Máximo. •La escena es de una gran agitación pero los gestos se subordinan al mensaje. •Este efecto se ve reforzado por una exagerada perspectiva, con tres puntos de convergencia hacia los que se dirige la vista. Es un ejercicio complicado de matemática, con el que Poussin busca someter una escena de violentas pasiones a un orden intelectual.

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Claudio de Lorena 1600-1682•Paisajista francés afincado en Roma. Trabajó también para Felipe IV con historias sagradas para el palacio del Buen Retiro.•Es clasicista. Utiliza la luz directa y natural, proveniente del sol, que sitúa en medio de la escena, en amaneceres o atardeceres.• Refleja las distintas horas del día a través de las sutiles matizaciones del colorido sobre todo en marinas. •En los paisajes en el campo emplea una luz más difusa, lateral, que ilumina con más suavidad.

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Claudio de Lorena. Puerto de emabarque con la reina de Saba. National Galery. Londres

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Claudio de Lorena. Paisaje

con Apolo. Galería Doria

Roma

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Arte barroco español: Arquitectura

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Arquitectura barroca española Marco Histórico

•S- XVII: reinado de Felipe III, Felipe IV y Carlos II. Crisis económica, política y social. Contrarreforma. Religiosidad. Corte e iglesia clientes del arte.•S. XVIII: cambio de dinastía: Borbones. Ilustración. Racionalidad. Mejora en las condiciones económicas y sociales. Felipe V. Carlos III. Corte y nobleza clientes del arte.

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Arquitectura barroca española s. XVII: Características•Obras de escaso presupuesto. Edificios religiosos por la proliferación de órdenes religiosas. •Pobreza de materiales y escasa calidad estética .•Se siguen las pautas clasicistas de Herrera.• Las bóvedas, son de ladrillo, mampostería o tapial. Para dignificarlas se las reviste con yeserías de gran efecto. Cúpulas ENCAMONADAS•La piedra solo se utiliza en las fachadas.• Plantas de las iglesias sin movimiento: tipo de cruz latina con cúpula en el crucero. Nave única y capillas entre los contrafuertes. En las fachadas esquema rectangular rematada en frontón triangular, sin apenas elementos ornamentales.• Edificios civiles con plantas rectangulares en torno a un patio interior, torres flanqueando las fachadas, rematadas por chapiteles de pizarra.

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Colegiata San Isidro

•Iglesia del antiguo Colegio Imperial, construida entre 1622 y 1664 por los arquitectos jesuitas Pedro Sánchez y Francisco Bautista con los bienes dejados por la Emperatriz María de Austria a la Compañía de Jesús tras su fallecimiento en 1603.•Tras la expulsión de los jesuitas en 1767 la iglesia se transformó en colegiata, cambiando su advocación a San Isidro por albergar los restos del Santo y su esposa, Santa María de la Cabeza.•fachada monumental, labrada en granito. Compuesta por un cuerpo central de cuatro columnas corintias, flanqueado por dos pilastras del mismo orden a cada lado. Sobre este cuerpo, se levantan dos torres de planta cuadrada que no se llegaron a terminar.

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Colegiata de San Isidro

•Iglesia del antiguo Colegio Imperial, construida entre 1622 y 1664 por los arquitectos jesuitas Pedro Sánchez y Francisco Bautista.•El acontecimiento clave para la construcción de la actual iglesia, y del vecino Colegio Imperial, fue la enorme fortuna que la Emperatriz María de Austria dejó a la Compañía de Jesús tras su fallecimiento en 1603, con el propósito de que reconstruyeran de nueva planta todo el complejo.•Tras la expulsión de los jesuitas en 1767 la iglesia se transformó en colegiata, cambiando su advocación a San Isidro, y pasando a albergar desde ese momento los restos del Santo Patrón madrileño y su esposa, Santa María de la Cabeza.•En la iglesia se siguió el modelo adoptado en la iglesia del Gesú de Roma: planta de cruz latina de una sola nave, con capillas laterales, crucero y cúpula. •En el exterior destaca su fachada monumental, labrada en granito y compuesta por un cuerpo central de cuatro columnas corintias, flanqueado por dos pilastras del mismo orden a cada lado. Sobre este cuerpo, se levantan dos torres de planta cuadrada que no se llegaron a terminar.

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Interior San Isidro

Se siguió el modelo adoptado en la iglesia del Gesú de Roma: planta de cruz latina de una sola nave, con capillas laterales, crucero y cúpula. Materiales pobres enmascarados con pinturas y dorados.Cúpula encamonada

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IES San Isidro

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Claustro San Isidro•Su construcción data del 1679, en tiempos de Carlos II. Fue obra de Melchor de Bueras. • Patio cuadrado, con veinte arcos en la parte inferior y veinte grandes balcones en la parte superior. Los arcos están formados por pilastras y en la clave de los arcos están labradas unas águilas bicéfalas con un medallón en el que originariamente estaba el anagrama de "JHS". •En la parte superior del claustro, los balcones están rodeados por un sistema rítmico de molduras y cuentan con una pequeña cornisa cada uno. En esta parte también utiliza las pilastras para la separación entre balcones. La cornisa del patio se compone de un gran número de molduras que la sujetan.•Da sensación de robustez y firmeza, y sobriedad donde predominan las líneas rectas sobre las curvas, características propias del estilo herreriano. Está cubierto por bóvedas de arista.•La capilla se rehace en 1604 sobre un edificio del XVI. El retablo se termino en 1615 y fue realizado por el maestro escultor granadino Antón de Morales. En 1725 se construye la actual bóveda por Francisco Camuñas. Este construirá la actual bóveda encamonada. Juan Delgado pintó sus frescos.

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Frescos de la capilla San Isidro

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Convento de La Encarnación

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Monasterio de la Encarnación•Arquitecto: Fray Alberto de la Madre de Dios. •El edificio, de patrocinio real, fue comenzado en 1611-1616. •El convento se dispone en torno a un claustro. La iglesia es de planta de cruz latina, con nave única y cúpula sobre crucero. •La fachada de la iglesia es de tipo carmelitano, orden a la que pertenecía el arquitecto, a pesar de que las monjas a las que estaba destinado el convento era de Agustinas. Fachada de corte rectangular. Primer cuerpo con un pórtico de triple arquería, segundo cuerpo con relieve de la Anunciación comenzado por el escultor Alonso Carbonell y terminado por Antonio de Riera, está flanqueado por dos vanos. El tercer cuerpo un ventanal ocupa el espacio central flanqueado por dos escudos. Un frontón triangular abierto con un óculo en su tímpano, corona su fachada. Es de inspiración clasicista.

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JUAN GÓMEZ DE MORA (1586-1648)• Se formó con su tío, Francisco de Mora discípulo de Herrera. •La obra de Juan de Herrera fue la fuente en la que se inspiró para sus edificios, ordenados y dominados por la simetría, aunque enriquecidos con una mayor profusión decorativa que los de sus modelos. •Trabajó principalmente en Madrid, al servicio de la corte. Entre sus obras se encuentran la Plaza Mayor de Madrid, la Quinta de la Zarzuela y la Clerecía de Salamanca. •Aunque las líneas de sus obras son esencialmente clasicistas, por su tendencia al enriquecimiento decorativo sus edificios se consideran de transición al Barroco.

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Cárcel Real. Madrid

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Cárcel Real 1629•Planta que se dispone en torno a un doble patio.•FACHADA enmarcada en sendas torres rematadas en chapiteles de pizarra. Dispone de una portada con tres vanos adintelados en el primer cuerpo, separados por columnas adosadas; en el segundo repite el esquema del inferior, prolongándose su calle central en un panel rematado por frontón triangular.

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Plaza Mayor. Madrid

•Su precedente está en la de Valladolid.• La construcción de La Casa de la Panadería fue comenzada en 1590 por Diego Sillero. •En 1617 Felipe III encargó el proyecto a Juan Gómez de Mora. •Era el lugar de mercado y celebraciones públicas.•Es rectangular, con un caserío porticado. Posteriores modificaciones por los incendios que sufrió. Tras el de 1790 fue reconstruida por Juan de Villanueva. Tiene dos edificios diferentes: la casa de la Panadería pintada en los años 80 por Ricardo Franco y la Casa de la Carnicería.

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Casa de la panadería

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Clerecía. Su primer cuerpo corresponde a Juan Gómez de Mora y presenta líneas severas y monumentales. El segundo cuerpo lo edificó Pedro Mato, con parecida fisonomía que el primero. El tercer cuerpo, obra de Andrés García de Quiñones (1750), posee mayor movimiento, propio de la arquitectura del siglo XVIII. Este arquitecto realizó también las torres que se levantan con estructura octogonal en dos cuerpos de altura que se cierran con una balaustrada y que dan paso a una pequeña cúpula con su linterna.

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Clerecía. •La iglesia es de planta jesuítica, con tres naves, la central cubierta con bóveda de cañón con lunetos, cúpula encamonada sobre crucero y capilla mayor rectangular. •En las naves laterales se abren capillas entre pilastras de orden dórico con fuste estriado. •Sobre las capillas corre una tribuna.

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Arquitectura española s. XVIII

Retablo de Churriguera. San Esteban Salamanca

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Plaza Mayor. Salamanca

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Plaza Mayor Salamanaca•Trazada en 1728 por Churriguera •Siguió un esquema de planta rectangular, concebida como lugar de concentraciones y espectáculos, teniendo como precedente la plaza Mayor de Valladolid del siglo XVI y la Plaza Mayor de Madrid del siglo XVII.

•El alzado es de cuatro pisos, siendo el primero de soportales, y figurando en los restantes ventanales precedidos de balconadas. Una balaustrada coronada con flameros cierra el espacio de toda la plaza.

• Dos edificios de especial relevancia destacan en la plaza: el Pabellón Real y el Ayuntamiento, este obra de Alberto Díaz de Quiñones, realizada entre 1750-55. Está decorado con vegetación escultórica muy carnosa. Rematada por una balaustrada que se interrumpe en su centro para dar paso a la espadaña que alberga el reloj y el cuerpo de campanas. Este campanario es del siglo XIX.

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Casas y Novoa. Obradoiro.1749

•Está situado delante del Pórtico de la Gloria y fue elevada con la intención de proteger el conjunto de escultura románica. Por ello está concebida con un deliberado efecto de transparencia que proporciona suficiente iluminación al pórtico interior. El panel central de la fachada está abierto con ventanales. •Su estructura se resuelve en dos cuerpos más un remate sinuoso decreciente. Al mismo tiempo realizó la torre norte de la fachada, copiando exactamente la que se había realizado en el siglo XVII.

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Narciso Tomé. Transparente. Catedral

de Toledo. 1730•Obra del rococó español.• Conjunto escultórico, arquitectónico y pictórico, situado en la girola con intención de iluminar el sagrario. •Su estructura se realiza a modo de retablo de forma cóncava elevándose dos cuerpos. La unión entre ambos es el óculo, ante él aparece un haz de rayos dorados que simbolizan el sol eucarístico. En torno a él se disponen una movida corte de ángeles en contrastadas actitudes. En el cuerpo inferior figura una hornacina con una escultura de la Virgen con el Niño; mientras que en el segundo cuerpo se representa la Ultima Cena que refuerza el contenido eucarístico del conjunto.

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PEDRO DE RIBERA ( 1683-1742)•Discípulo de José Benito Churriguera. Maestro mayor del Ayuntamiento de Madrid: puente de Toledo, ermita de la Virgen del Puerto, la iglesia de Montserrat, cuartel del Conde-Duque, Hospicio de San Fernando.•CARACTERÍSTICAS:

– baquetones en sección asimétrica y salientes que enmarcan frecuentemente la puerta del edificio.

– En la fachada fusión de la puerta y la balconada superior, muy decorado todo ello.

– Imitaciones en piedra, de cortinajes, borlas.– Utilización de estípites.– Cúpulas y chapiteles.

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Iglesia de Montserrat

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Hospicio de San Fernando

•Realizado en 1722. •Fachada retablo de dos cuerpos que poseen un intenso movimiento en todas sus formas arquitectónicas.Estípites, óculos y rocallas dispuestas siguiendo un ritmo ondulatorio y ascensional. En la hornacina se dispone una figura de San Fernando .

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Puente de Toledo. San Isidro y Santa María de la Cabeza

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Palacio del marqués de Perales. Calle

Magdalena. Madrid

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Palacio Real de Madrid•Felipe V encargó a Felipe Juvara el primer proyecto, que continuó su discípulo Sachetti quien comenzó el edificio en 1738. Felipe V nunca llego a ver el palacio concluido ni tampoco su sucesor Fernando V.• Debido al desnivel del terreno, el palacio se desarrolló en altura, dando lugar a hasta nueve niveles. Es una construcción barroca pero que anuncia el neoclasicismo. •Las fachadas combinan el gris del granito y el blanco de la piedra caliza. A lo largo de ellas se dispuso un orden gigante de columnas dóricas, que se convierten en corintias en su parte central. •La planta del edificio es casi cuadrada, con un único patio central, y en las esquinas cuatro salientes que emulan los antiguos torreones del alcázar anterior. En estos salientes se colocaron algunas de las estatuas de reyes españoles. •El conjunto se corona con una balaustrada, a lo largo de la cual se disponen jarrones.

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Palacio Real

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Palacio Real. Campo del Moro

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Palacio Real. Escalera

monumental

10/04/23 Pilar Morollón IES San Isidro 133Imaginería barroca española

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Características•Escultura realista. Expresiva. Acciones exageradas y teatrales.•Profundo catolicismo: pasos de Semana Santa de gremios y cofradías.•Misticismo: oración, suspensión del alma, unión con Dios.• No hay prácticamente escultura civil. Desaparición de la escultura funeraria. •Casi todas las obras son de madera policromada: aumento de realismo. Carnaciones y telas mate. Empleo de postizos, como cabellos, pestañas y uñas naturales, ojos o lágrimas de pasta de cristal, coronas de espino, espadas de plata en torno al corazón de la Virgen etc. Imágenes de vestir, en las que se tallan sólo las partes visibles.•Movimiento calmado hasta el s. XVIII •Iconografía del Concilio de Trento y nuevos santos: San Ignacio, Santa Teresa, San Isidro. •En los retablos se reducen los cuerpos, hasta finalizar en uno solo gigante. La columna salomónica es el soporte más utilizado por su movimiento y por la significación eucarística de su decoración de vides. (s. XVIII)

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ESCUELA DE VALLADOLIDGREGORIO FERNÁNDEZ (1576-1636)

•Le influye en su primera época Pompeyo Leoni, de quien adopta la elegancia clasicista italiana. •Convencionalismo de los ropajes que se doblan angulosamente. Parece que los copió de la pintura flamenca del siglo XV, pero con ellos quería acentuar en la escultura el claroscuro propio del tenebrismo •Expresión religiosa: escultor ascético-místico. •Estudia el cuerpo humano con gran atención, y logra calidades casi reales, lo consigue por una excelente policromía donde predominan los tonos mates, muy naturalistas, y robustece las huellas del dolor: la pintura crea llagas, abre heridas y extiende regueros de sangre.•Es un gran creador de tipos: crucificados,yacentes, Santa Teresa, Inmaculadas.

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Gregorio Fernández. Cristo Yacente. Museo de Escultura. Valladolid

• Yacente exento, escena posterior a la del Entierro.• Cristo está  como descansando, con los ojos entreabiertos.• El cuerpo está  cubierto de heridas y llagas. • El paño de pureza apenas cubre el cuerpo, demostrando el

amor que profesaba al desnudo, aunque el prototipo viene del siglo XVI.

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Gregorio Fernández. Santa Teresa.

Santa Teresa en éxtasis con la pluma y la mente suspensas de la comunicación divina, lo cual repercute en el manto, que cuelga de una forma inverosímil, sobrenaturalmente.

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Inmaculada

La Inmaculada con cabeza diminuta, de la que caen largos cabellos. Las manos orantes y en el manto se forman dos grandes dobladuras a los lados.

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Gregorio Fernández. Piedad.

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Gregorio Fernández.

Descendimiento.

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Escuela sevillana• Capital de ultramar, era un emporio de riqueza. Esto

explica la abundancia de encargos y al mismo tiempo, el preciosismo de las obras .

• Maravillosa policromía.• Temas infantiles muy frecuentes.• Se representa más lo melancólico y lo místico que lo

trágico.• Esculturas de la Virgen vestidas con deslumbrantes

bordados.• Abundancia de imágenes de vestir.• Continuidad hasta fines del siglo XVIII .• Muchas de sus obras se exportan a América.

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Escuela sevillana

JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS (1568-1648). •Una de sus primeras obras, de 1603 fue El Cristo de la Clemencia. Desde esta fecha hasta su muerte realízó numerosas obras, sobre todo retablos como los de San Isidro del Campo en Santiponce, el convento de Santa Clara o el de3 los santos juanes para la iglesia sevillana de San Leandro. Esculpió algunas imágenes de vestir como San Ignacio, San Francisco de Borja y el Jesús de la Pasión, único paso esculpido por él. Crea el prototipo de Jesús niño desnudo en actitud de bendecir. A su muerte dejó en marcha un gran taller y una extraordinaria fama.

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Martínez Montañés. Jesús de la Clemencia.

•El Cristo de la Clemencia (1603) •Perfecto modelado, con un estudio propio de un broncista. •La cara es muy serena y clasicista.•Todo9 es emoción sin recurrir a lo trágico.•Toda la talla emana emoción, sin recurrir a lo trágico. Cristo de 4 clavos. •Gran naturalismo

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Martínez Montañés. San Bruno.Museo de

Bellas Artes de Sevilla

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Escuela Sevillana JUAN DE MESA (1583-1627) •Autor de gran número de pasos procesionales. •Se formó con Montañés. •Lo peculiar es su patetismo.• Concentra la emoción en la cabeza, tallada con virtuosismo, pero desatiende el resto del cuerpo. •Hizo infinidad de Cristos, algunos en agonía, representados con un gran patetismo. •Realizó también imágenes de vestir: El Jesús del Gran Poder: Cristo ha sufrido tanto que se ha convertido en un anciano.

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Juan de Mesa. Jesús del Gran Poder.

•Realizado en 1620 para la cofradía del Traspaso, de Sevilla, influenciado por el Jesús de la Pasión de su maestro, Martínez Montañés.•Cristo muy expresivo, está realizado para mover a la compasión. •Estatua de vestir.

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Escuela granadina ALONSO CANO (1601-1667)

• Se forma en Sevilla, fue también arquitecto y pintor. En Sevilla pasó por el taller de Montañés donde imita los tipos y la técnica, aunque posteriormente abandona el virtuosismo para preferir los rasgos más sintéticos, y llega a la creación de modelos geométricos, en base al óvalo, que utiliza para ojos, nariz y boca.

• En 1652, vuelve a Granada. Se rodea de varios discípulos, entre ellos Pedro de Mena. Allí talla una pequeña Inmaculada para el Facistol del coro, que fue situada en la sacristía: es de belleza idealizada y muy influida por sus propias pinturas con pliegues vaporosos muy pictóricos. Es de madera policromada.

• Crea el tipo iconográfico del Niño Nazareno, apareciendo con la cruz a cuestas, augurio de su pasión.

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Alonso Cano. Inmaculada del facistol.

Catedral de Granada•En 1655 talló esta pequeña Inmaculada para el Facistol del coro, que fue situada en la sacristía: es de belleza idealizada y muy influida por sus propias pinturas con pliegues vaporosos muy pictóricos. Es de madera.

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Alonso Cano. Virgen de la Oliva. Lebrija y

niño nazareno

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PEDRO DE MENA (1628-1688). •Expresividad de las imágenes orientada a despertar en el espectador los valores religiosos establecidos por la Contrarreforma, tales como arrepentimiento, ascetismo, fe y misticismo.•Creó tipos devocionales que permitía identificarse con sentimientos religiosos: Ecce Homo con el Dios que sufre, la Dolorosa con el sufrimiento de haber perdido un hijo y la Magdalena penitente con el arrepentimiento. Pueden ser estatuas, torsos completos o bustos.•El aspecto del rostro de las imágenes, en particular de las femeninas, se ajusta al canon establecido por Alonso Cano: cara ovalada, nariz fina, boca pequeña, cabello largo peinado con raya en medio y piel pálida.•Tratamiento realista de las imágenes, en especial de las encarnaduras.•Hasta 1658 se encargó de la policromía; desde entonces el policromado lo delegó en maestros especialistas que trabajaban bajo su supervisión.•Heredó el taller y la clientela de Alonso Cano. •Toda la producción es de temática religiosa excepto las imágenes de los Reyes Católicos de la catedral metropolitana de la Encarnación de Granada y de la Santa iglesia catedral basílica de la Encarnación de Málaga, ambas de 1676.

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Pedro de Mena. Magdalena penitente. Museo Nacional de

Escultura de Valladolid•Encargada por los jesuitas de Madrid. Talla realizada en madera, estatua de pie. Utiliza el patetismo, es una escultura llena de sencillez contrastada por la cantidad de detalles que tiene, lo que ayuda a plasmar en ella un gran realismo de la figura juvenil cuyo hábito de áspera palma oculta sus formas femeninas.

•Sencillez y austeridad de policromía suave y sobria basada en ocres, marrones y rojizos. El foco de atención es el rostro oval de facciones grandes que deja apreciar una mirada triste de ojos enrojecidos por las lágrimas. Además, la boca entreabierta y seca completan un gesto que muestra todo su arrepentimiento. Su larga cabellera humedecida enmarca el rostro y cae por todo su cuerpo ayudando a resaltar aún más la sensación de pesadumbre que trasmite la obra, ya que parecen llevar su llanto hasta el suelo.

•Las manos están modeladas de manera sencilla y elegante. Sujeta con fuerza en su mano izquierda un crucifijo, que contempla con gran pena y un asombro místico. Esta mirada parece transportarla lejos de lo terrenal haciéndola estar más cerca de Dios. Con la mano derecha se oprime el corazón,, lo que indica su amor y devoción por Jesucristo.

•El movimiento está presente en la obra plasmado en el detalle de su pie izquierdo que parece dar un paso y avanzar.

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Pedro de Mena. Ecce Hommo

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Pedro de Mena. Dolorosa.

Academia de Bellas Artes de San Fernando

•Busto cortado horizontalmente: bella imagen de rasgos finísimos, piel suavísima, de aspecto sentimental, por cuyo rostro se deslizan lágrimas de cristal. El manto es alto, volado sobre la cabeza, formando una fina lámina. De esta Dolorosa hay dos tipos: de busto, sin brazos, y de torso completo con brazos que se explayan libremente o se juntan en ademán  suplicante.

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San Francisco de Asís. Museo de Antequera

Representa al santo de pie encapuchado, con las manos unidas, reproduciendo la manera que se encontraba el santo cuando se abrió su tumba.

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Francisco Salzillo 1707-1783• Hijo de Nicolás Salzillo, escultor napolitano que trabajó en Murcia.• Supo aunar la gracia italiana y el dramatismo hispánico.• Su arte es delicado, plenamente rococó, inspirado en las figuras de belenes de barro que llegaron desde Nápoles a España en ese siglo. •También era de un tierno naturalismo, por lo que fue muy bien entendido por la gente. •Creó los pasos procesionales murcianos, escenas completas de la pasión.•El paso La Oración en el Huerto es el primero que realiza en 1752: el ángel adquiere una expresión sobrenatural.

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Salzillo. Oración en el Huerto.

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Oración en el Huerto. Detalle

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Salzillo. Virgen de las

Angustias

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Salzillo. Dolorosa.

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Pintura barroca española

Sánchez Cotán. Bodegón 1602. Fine Arts Gallery San Diego (California)

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Marco Histórico•Época de Felipe III, Felipe IV y Carlos II.•Crisis económica y política: Validos: Duque de Lerma, Duque de Uceda, Conde-Duque de Olivares.•Coleccionismo de los reyes: importación de obras de arte italianas y flamencas. Estancias de Rubens en la Corte (1603 y 1621) y de otro pintores italianos que inauguran la pintura al fresco en España. Visita o estancia de los pintores españoles en Italia: Ribera vive en Nápoles, Velázquez viaja por dos veces a Italia.•La corte y la iglesia son los principales clientes del arte.•Como escuelas destacan la madrileña (por la corte) y Sevilla por su monopolio con el comercio americano.

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CARACTERÍSTICAS•Predominio de la pintura religiosa católica.•Realismo alejado de lo anecdótico y lo recargado.•Gran interés por la luz: tenebrismo. Iluminación intensa y artificial que proviene de un único foco. •Perspectiva aérea.•Pincelada suelta.• Composiciones en torno a líneas oblicuas o diagonales.•Temas: RELIGIOSOS con rica iconografía: vírgenes con niño, Inmaculada, milagros de santos. Son tratados con religiosidad íntima o con un sentido barroco espectacular y todos con el sentido propagandístico de la Contrarreforma. RETRATOS, MITOLÓGICOS, BODEGONES, PAISAJES.

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JOSÉ RIBERA (1591-1652)•Nació en Játiva, pero se traslada con su familia a Italia. A los 20 años se encontraba en Roma, donde se le conoce como el "Spagnoletto" por su pequeña estatura. Allí se le define como seguidor de Caravaggio. Abandonó Roma perseguido por sus acreedores. Se instala en Nápoles bajo el mecenazgo de los reyes, alcanzando una posición social y económica desahogada. En 1616 pertenece ya a la Academia de San Lucas. Fue visitado por Velázquez en 1631. Evoluciona desde el tenebrismo hasta los fondos luminosos de tonos amarillos, azules y plateados.•Composiciones sosegadas, serenas, con un equilibrio entre los volúmenes y el vacío.•Personajes muy humildes pero dotados de gran dignidad. •Realismo temático y técnico: le preocupa el acabado perfecto y detallado. Intenta conseguir las calidades exactas de los objetos, las deformaciones de la piel, mediante una pincelada pastosa que modela la superficie.•Temas religiosos de la Contrarreforma: martirios de santos, éxtasis, Inmaculadas. Sus santos anacoretas son figuras de pobres, mendigos y pícaros. Pero también pinta temas mitológicos, retratos, paisajes, escenas de género con tipos populares, personajes de la Historia o naturalezas muertas.

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Ribera. San Andrés. Patrón de los pescadores

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SAN ANDRÉS. Museo del Prado•Es un hombre como todos, un anciano con los rasgos propios de la vejez y su miseria, que le ha encanecido el cabello y arrugado la piel. El físico real cobra gran importancia, se subrayan los aspectos negativos: los santos son como todos los humanos: todos podemos ser santos sublimando la miseria que nos rodea. •La pintura tenebrista cumple así muchas funciones: permite que el fiel se identifique con estas figuras modélicas y ejemplares y que subordine los problemas terrenos a cuestiones de más alto rango espiritual. Al ser colocados en los altares el modelo de vida que proponían era el del sacrificio y las penalidades

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San Sebastián•Tras ser martirizado por una lluvia de saetas, San Sebastián fue atendido y curado por las santas mujeres.•Los personajes se recortan ante un fondo neutro que impide contemplar cualquier referencia paisajística. El Santo está tumbado, con el brazo derecho aún atado al árbol donde sufrió el martirio, brazo al que dirige su mirada. Las santas mujeres le quitan las saetas y proceden a aplicarle el sanador ungüento que llevan en el tarro. En la parte superior izquierda contemplamos a dos angelitos que portan una corona y una palma. •Las figuras muestran un gran escorzo, especialmente el santo, adaptándose al reducido marco que les proporciona la tela. La luz crea un r contraste tenebrista que dota de mayor tensión y emotividad al conjunto.•Resalta el naturalismo de los gestos y las expresiones como los detalles de las ropas o las actitudes.

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Ribera. Arquímedes o Demócrito

Museo del Prado•Es un retrato de un científico, pero representado como una persona común, casi un mendigo y no un matemático.•Su sonrisa nos permite ver su rostro arrugado y sus dientes sucios, mientras que si observamos sus manos, una con un compás y la otra sosteniendo un libro, notamos los dedos huesudos y la tierra bajo sus uñas. En el libro que sostiene podemos apreciar diversos diagramas matemáticos y el lomo del libro a la izquierda está firmado por el artista como “Jusepe de Ribera, español.

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Martirio de San Felipe. Museo del

Prado

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Martirio de San Felipe•Pudo ser pintado para el rey Felipe IV. •San Felipe fue crucificado cuando predicaba en Asia Menor, siendo sus manos amarradas al travesaño de la cruz. •La composición está dominada por diagonales y violentos escorzos. •La figura del santo ha sido realizada con todo lujo de detalles, su rostro, muy realista, debe corresponder al de alguna persona cercana al maestro. •Tampoco están exentas de belleza y realismo las figuras de los sayones, destacando el esfuerzo físico que realizan al izar el travesaño de la cruz.• La escena se desarrolla al aire libre, las figuras reciben la luz del sol, que en el caso de las mujeres de la zona izquierda desdibuja los contornos, dando sensación de atmósfera.

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Patizambo. 1642. Museo LouvreRepresenta un joven mendigo con un pie deforme que sonríe al espectador. De un modo realista Muestra en una mano un papel que era la autorización necesaria en el reino de Nápoles para ser un pordiosero. DA MIHI ELIMO/SINAM PROPTER AMOREM DEI", "Déme una limosna, por amor de Dios". El mendigo se mantiene en pie frente a un cielo claro y luminoso, llenando el lienzo con una luz casi natural. La figura en su conjunto se representa de forma casi monumental, desde un punto de vista muy bajo, propio de los teatros reales, lo que dota a la figura del mendigo de gran dignidad.

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Sueño de Jacob Museo del Prado

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Sueño de Jacob•Jacob vio en su sueño una escalera celestial por la que subían y bajaban ángeles. •Casi no puede observarse la escalera celestial, insinuada por la luz fuerte y clara que ilumina el rostro de Jacob. Aquí radicaría la originalidad de la escena. •El escorzo de la figura y las diagonales que organizan la composición demuestran el acentuado barroquismo del pintor. •Pero ahora abandona claramente su tenebrismo inicial para darnos una visión muy luminosa, sin apenas producir contrastes de luz y sombra, en la que la influencia veneciana es significativa.

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Inmaculada convento Agustinas. Salamanca

•Encargada por Virrey de Nápoles. •Influencia del academicismo de Carraci al que une la espiritualidad propia del barroco español.•, La Virgen aparece envuelta en un amplio manto azul, vistiendo túnica blanca y pisando la media luna como símbolo de dominio sobre el infiel. Un grupo de angelitos forma un semicírculo en la zona baja y porta los atributos marianos: la palma, la rama de olivo, rosas, lirios o el espejo.• En la zona baja de la composición contemplamos dos ángeles que dirigen su tierna mirada hacia María mientras que en la zona superior se advierte la escorzada figura de Dios rodeado de ángeles y acompañado por la paloma del Espíritu Santo.• En la composición contrasta el dinamismo de todas las figuras respecto a la Virgen, cuyas manos se cruzan en el pecho y su mirada se eleva hacia Dios .•Ribera ha abandonado cualquier referencia al tenebrismo e inicia una etapa caracterizada por el luminismo, dentro del más absoluto barroco colorista.

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Magdalena Museo del

Prado• Representa una santa

arrepentida y nos recuerda que las sociedades católicas del siglo XVII viven fascinadas por las vidas de estos personajes en cuyas representaciones se conjugan la oración, la penitencia, la soledad y la vida en el campo.

• El tema de la Magdalena ofrece también la posibilidad de pintar una mujer hermosa que enseña algunas partes de la anatomía femenina que se consideraban tabú, como los pies o el pecho, pero que en ella está permitido mostrar por cuanto es carne mortificada que expresa el arrepentimiento por el pasado desordenado.

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FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664)•Nacido en Fuente de Cantos (Badajoz), su padre fue un modesto comerciante de origen vasco. En 1614 llega a Sevilla para comenzar su aprendizaje. Regresa en 1617 a Extremadura, instalándose en Llerena donde se casó por primera vez (se casó 3 veces). Allí le llegan los encargos desde Sevilla y realiza San Hugo en el Refectorio, 21 cuadros para el convento de los dominicos de San Pablo de Sevilla.•A partir de 1630 vive vive en Sevilla, afianzándose su tenebrismo con una luz muy blanca en los hábitos, vigor monumental y profundización en la captación psicológica de los retratados. Realiza numerosas obras para los mercedarios (San Pedro Nolasco y numerosos retratos de monjes).•En 1634 es llamado a la Corte para participar en la decoración del Salón de los Reinos del Palacio del Buen Retiro, para el que pinta 10 lienzos con los Trabajos de Hércules que simbolizan las hazañas de la monarquía hispánica, únicos cuadros mitológicos, tratados con un estilo académico y su único cuadro histórico La Defensa de Cádiz. •En 1635 vuelve a Sevilla: le encargan los ciclos monásticos para la Cartuja de Jerez de la Frontera y para los Jerónimos de Guadalupe; y realiza numerosos cuadros de Santas Mártires. •En 1645 comienza el declive de su obra: su estilo estático y tenebrista ha quedado anticuado, y la competencia con la pintura dulce e idealizada de Murillo hace que casi no tenga encargos. Solamente le queda el mercado americano. A su muerte tenía empeñados sus enseres personales. Hacia el final de su vida intentará imitar a Velázquez y a Murillo: es una pintura más dulce y abierta, pero no conseguirá el éxito

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Características• Figuras monumentales. • Defectos de perspectiva.• Pintor de monjes y frailes. Santas que representa como jóvenes de

la alta sociedad sevillana; la Virgen niña, Trabajos de Hércules, La defensa de Cádiz y bodegones.

• Tenebrista: la luz procede de las figuras mismas, emana de los cuerpos y objetos no de un foco real.

• El pintor se concentra en rostros (captación psicológica) y manos: a veces las figuras no aparecen completas e intencionadamente secciona los bordes, así parece que el cuadro se continua por los lados.

• Blancos muy luminosos contrastados con los fondos oscuros. Intensos claroscuros.

• Naturalismo: los objetos secundarios son tan importantes como los principales: telas blancas, terciopelos rojos, bordados, piezas de orfebrería y cerámica, flores y frutas.

• Bodegones muy ordenados.

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San Hugo de Grenoble. Museo Bellas Artes Sevilla

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San Hugo de Grenoble• La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo, obispo de Grenoble. Un domingo les envió carne, alimento al que no estaban acostumbrados, lo que provocó una discusión sobre la conveniencia de practicar la abstinencia. Mientras discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo, que había estado ausente, fue a verlos y los sorprendió despertándose, comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido. Entonces miró a los platos y vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo como aprobación divina de la abstinencia.• Zurbarán realiza un muestrario de sus famosos hábitos blancos, color en el cual se dice que llega a manejar hasta 100 tonos diferentes. Aparecen en la imagen las famosas cerámicas blancas y azules de Talavera, con los escudos del obispo y la Orden.

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Aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco

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Santa Margarita. National Galery Londres

•Retratos ideales de santas y vírgenes mártires.•Personal sentido del color. Los vestidos de estas mujeres suelen ser dignos de princesas y con extravagantes combinaciones de color que Zurbarán hace aparecer armoniosas. •En Santa Margarita, su vestido y su tocado son los de una pastora idealizada, con unas albardas en el brazo bordadas en estilo del arte popular de la época. Se cubre el cabello con un sombrero de paja. Sus pies están calzados con pobres sandalias de cuero y asoman por debajo de la falda. Y a pesar del humilde origen de su vestido su presencia aparece majestuosa y llena de dignidad, con un librito de oraciones en la mano y el cayado en la otra. A sus pies el dragón, símbolo el pecado.

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Santa Casilda. Museo Thyssen

•Este lienzo con Santa Casilda, que pudo pertenecer a algún convento sevillano, fue parte del botín español que el mariscal Soult se llevó a Francia. •Santa Casilda, hija de un rey árabe, fue martirizada en 1087. Abandonó la religión musulmana, se convirtió al cristianismo y socorrió a los prisioneros cristianos de su padre, a quienes llevaba alimentos. Sorprendida, se obró el milagro transformándose los víveres que llevaba escondidos entre sus ropas en rosas.•Vestida con una gran riqueza, por las joyas que porta, y por la suntuosidad de su traje, representados con pleno detallismo y exactitud, la santa se presenta modelada con una luz fuerte que subraya su monumentalidad y resalta el intenso colorido de sus ropas contra un difuminado y discreto fondo.

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Zurbarán. Virgen Niña. Museo Metropolitano

Nueva York•Zurbarán pintó en la última fase de su obra una serie de lienzos dedicados a María, encontramos esta Virgen Niña en éxtasis.• La niña aparece rezando, tras haber interrumpido su labor femenina, con el rostro absorto y enmarcado por una aureola de angelitos. A sus pies están esparcidas diversas florecillas de colores, que además de adornar la imagen, simbolizan las virtudes de la futura madre: flores azules que indican fidelidad, flores amarillas que significan la inteligencia y la madurez, rosas para el amor, azucenas blancas por su virginidad.• Estos objetos que la rodean son detalles de naturalezas muertas, que de ser pintadas aisladamente podrían formar bodegones de gran calidad.• El lienzo aparece enmarcado en un cortinaje rojo, que evoca la cortina del templo, constituyendo una especie de altar campesino.

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Zurbarán. Inmaculada. Museo de Arte Nacional de Cataluña

•Este tema fue tratado por el pintor en diversas ocasiones, utilizaba el color rosado para la túnica de la Virgen, hasta que se decidió que tenía que ser azul. •La iluminación del cuadro proviene de dos focos. Uno está situado tras la figura central y refuerza su majestuosa presencia. El otro se sitúa delante, en el ángulo superior izquierdo y sugiere el camino a seguir con la mirada. •El cuadro forma parte de las llamadas series verticales del artista. La obra es simétrica. La Virgen rompe el perfecto equilibrio mirando la luz.•Se la representa a como una muchachita sumida en éxtasis. y aparece de pie sobre cinco querubines que ocupan media luna. Una multitud de estrellas y ángeles se confunden entre las nubes en la aureola que rodea su cabeza.•Los ángeles de los laterales portan lirios y rosas que simbolizan atributos de pureza y tablas con inscripciones de Cantar de los Cantares.•En los laterales inferiores aparecen dos colegiales donantes y símbolos que se atribuyen al dogma mariano: el espejo sin mancha, la escalera de Jacob, la puerta del cielo y la luz de la mañana.

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Cristo en la cruz

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Zurbarán. Bodegón

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Bodegón Museo del Prado

Predilección por las cosas pequeñas y sencillas. COMPOSICIÓN muy simple, las piezas se alinean con claridad sobre un plano, individualizadas, autónomas unas de las otras. LAS TEXTURAS pemiten al pintor experimentar los diferentes modos de responder cada una de las piezas a la iluminación.Colorido pobre, en consonancia con la austeridad general, se reduce a varias tonalidades parduscas, pero muy vibrantes, a causa de la iluminación. Luz tenebrista, intensa, contrastada y dura, hace resaltar vivamente los objetos sobre un fondo oscuro.

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BodegónPredilección por las cosas pequeñas y sencillas. COMPOSICIÓN muy simple, las piezas se alinean con claridad sobre un plano, individualizadas, autónomas unas de las otras. LAS TEXTURAS pemiten al pintor experimentar los diferentes modos de responder cada una de las piezas a la iluminación.Colorido pobre, en consonancia con la austeridad general, se reduce a varias tonalidades parduscas, pero muy vibrantes, a causa de la iluminación. Luz tenebrista, intensa, contrastada y dura, hace resaltar vivamente los objetos sobre un fondo oscuro.

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Defensa de Cádiz Museo del Prado

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Defensa de Cádiz•TEMA: recoge un episodio de la historia: Las tropas inglesas, se habían hecho fuertes en Cádiz en 1625. El gobernador dictó las órdenes para la defensa de la ciudad a pesar de estar enfermo de gota. Las escasas tropas de la ciudad lograron resistir hasta la llegada de los refuerzos. Se consiguió retirar el cerco, habiendo perdido previamente unos mil hombres. •En primer plano vemos al gobernador sentado en una silla a causa de su enfermedad, dictando las órdenes necesarias a sus capitanes. En el fondo, se aprecian las tropas españolas en tierra y el mar lleno de naves inglesas. •Consigue dar dosis de credibilidad a los personajes de primer plano al otorgarles realismo en sus gestos y un buen lujo de detalles a sus vestimentas. Pero en el fondo del cuadro muestra sus limitaciones, ya que apenas sabe dar sensación de profundidad y perspectiva, por lo que la escena se asemeja a una obra de teatro, con los personajes dispuestos en las tablas recortándose sobre la tramoya.

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Hércules Museo del Prado

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Bartolomé Esteban Murillo 1618-1682•Nacido en Sevilla en una familia numerosa, quedó huérfano con 9 meses. Aprendió en el taller de un pintor mediocre. •Muy pronto logró hacerse con una amplia clientela que le permite llevar una holgada posición económica. Hombre modesto, de carácter afable y bondadoso, se casó en 1648, pero tuvo dificultades emocionales debido a la muerte de su esposa. •Su fama trascendió las fronteras españolas y era conocido en Europa. •Funda una academia de dibujo y pintura donde se forman los principales autores sevillanos.•Muere a consecuencia de un accidente sufrido en el andamio en que pinta el retablo de los Capuchinos de Cádiz.

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Características•Durante los comienzos de su vida artística está ligado al tenebrismo influenciado por Ribera y Zurbarán.•Temática religiosa (pintor de conventos), y escenas de género: pícaros, mendigos, enfermos de los barrios bajos. •Dinámico e impetuoso.•Colorido muy luminoso.•Pintura dulce, amable, sentimental, delicada. Se aleja del realismo y representa solamente la belleza que tiende más a lo amable y gracioso que a la idealización clásica: naturalismo idealizado, como forma de evasión de un realidad circundante decadente y fea.•Precisión de calidades y texturas de las naturalezas muertas.•Sencillez y fervor religiosos.•Apoteosis celestiales: agitación de ángeles.•Perspectiva aérea.•Vírgenes, niños, Sagradas Familias, Inmaculadas.

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Autorretrato 1670

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Murillo. Joven espulgándose. Museo de

Louvre•Aunque su protagonista es un niños mendigos, harapiento, su figura transmite optimismo.•Acompaña la imagen un cántaro, un cesto con fruta y en el suelo, restos de gambas que forman casi un bodegón. Gracias a ellos, demuestra su gran capacidad para pintar diferenciadamente materiales y texturas.•La escena está iluminada con un fuerte claroscuro. La luz proviene de la ventana que queda a la izquierda e incide plenamente en el cuerpo sentado del chico, dejando en penumbra el resto de la estancia.•La composición, está dominada por ejes diagonales.•En la gama cromática prevalecen los colores amarillentos y castaños desde los más claros hasta los oscuros, casi negros.

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Murillo. Pillos comiendo fruta

Alte Pinakothek Munich•Los protagonistas son niños harapientos que ocupan el primer plano, sentados y comiendo fruta. El de la derecha, sentado sobre una madera está situado en una posición un poco superior tiene la mejilla hinchada por la cantidad de melón puesto dentro de su boca, tiene girada la cabeza hacia su compañero, el cual con la mano derecha en alto está comiendo uvas directamente del racimo. Las ropas son harapos rotos, los pies descalzos y sucios están próximos al espectador y en la parte izquierda del cuadro, se encuentra una cesta llena de uvas que forma por si sola un bodegón. Toda la escena mantiene una iluminación de claroscuro, proveniente de la parte izquierda. También la composición es diagonal. El colorido empleado es en tonos ocres y verdosos, entre el blanco y el negro, resaltando el amarillo del melón

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Murillo. Virgen del Rosario Museo del

Prado•Tema María sentada con el niño en brazos, sosteniendo el rosario con la mano derecha. •Ambas figuras están recortadas sobre un fondo neutro para dar un mayor efecto volumétrico, acentuado al llevar las piernas a un lateral del cuadro. A pesar de estar juntos apenas se relacionan entre sí, ya que miran hacia el espectador•Los tonos son bastante oscuros aunque intenta alegrar la gama cromática con el rojo y el azul, símbolos de martirio y eternidad respectivamente.• La pincelada es suelta y anticipa el efecto vaporoso que le convertirá en el primer pincel de Sevilla.

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Adoración de los Reyes Museo del Prado

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Inmaculada. Museo del Prado

•Representa a la Virgen joven morena, bella y dulce, flotando sobre nubes, en un gran rompimiento de gloria. Está vestida con túnica blanca y manto azul, con las manos juntas sobre el pecho en actitud de plegaria y la cabeza ladeada mirando al cielo. •Composición dinámica. En el centro está la Virgen, de canon estilizado y rodeándola, en movimiento curvo, los angelitos. Destacan las líneas ondulantes en los abultados pliegues del manto y las diagonales. Es un estilo dinámico y teatral. •Luz: Sobre el fondo dorado, se recorta la figura de la Virgen, envuelta en luz para indicar su carácter celeste. Su rostro y vestido blanco irradian luz. •Color: Predominan los tonos cálidos, dorados, contrastando con los fríos todos muy matizados. Las pinceladas son sueltas, espontáneas, vaporosas, fluidas. Estilo: contrastes de luces y sombras; realismo y gusto por el detalle.

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Murillo. Buen Pastor Mueso del Prado

•El Niño Jesús se sitúa en un paisaje con una referencia arquitectónica al fondo, sentado sobre algunos restos clasicistas y dirigiendo su mirada al espectador. En la mano derecha lleva la vara del pastor y con la izquierda acaricia al cordero.• La composición se estructura con una pirámide, mientras que la pierna y la vara se ubican en diagonal para reforzar el ritmo del conjunto.• La atmósfera creada gracias a la iluminación y el colorido recuerdan a la escuela veneciana, aportando el maestro sevillano una idealización de la figura.

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ALONSO CANO (1601-1667)• Escultor y pintor y arquitecto.• Nació y murió en Granada. Se formó en Sevilla, fue

discípulo de Velázquez. • Maestro en 1626. • En 1638 marcha a Madrid donde triunfa como arquitecto

de retablos y pintor. • En 1644 su mujer aparece asesinada y se sospecha del

artista, por lo cual deja Madrid para ir a Valencia y más tarde a Granada, en cuya Catedral había obtenido un cargo de racionero del que toma posesión en 1652. Es en esta época cuando va a realizar sus obras más importantes. Su vida en Granada va a ser también bastante agitada, parece que no se ordenó sacerdote y fue expulsado del coro en 1656.

Inmaculada. Alonso Cano

• Sus obras fueron una mezcla entre el clasicismo italiano y el barroco español.

• Fue un gran dibujante • Evolucionó desde el

tenebrismo a un estilo colorista.

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Juan Valdés Leal•Contemporáneo y amigo. Representante de la pintura literaria y teatral “de jeroglífico”. •Le interesa la realidad concreta que atemorice o de repulsión. Su pintura es efectista y teatral. •Tenebrista con dibujo contundente, un colorido fuerte y poco matizado y unos volúmenes monumentales. 10/04/23 Pilar Morollón IES San Isidro 204

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Antonio Pereda (1611-1678). Sueño de un caballero. Academia San Fernando Madrid

•Centrado en la pintura religiosa para iglesias y conventos madrileños, Pintó vanitas en las que se aludía a la fugacidad de los placeres terrenales, un ángel corre junto al caballero con una cinta en la que, a modo de charada, se dibujan un sol atravesado por un arco y flecha con la inscripción: AETERNE PUNGIT, CITO VOLAT ET OCCIDIT, esto es, «[El tiempo] hiere siempre, vuela rápido y mata»

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Diego De Silva Velázquez. 1599-1660

•Nacido en Sevilla de familia se hidalgos.• Inicia su aprendizaje con Francisco de Herrera el Viejo, los 12 años entra en el taller de Francisco Pacheco, donde permaneció 5 años y, tras el correspondiente examen, es maestro en 1617. Se casó con la hija de Pacheco.

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Primera etapa 1617-1622

•Interés por el naturalismo (copia del natural) que le lleva a la pintura de género, en la que podía experimentar con figuras vivas (un muchacho le servía de modelo, además de los miembros de su familia).•Preocupación es la luz, en estos momentos es tenebristas, siguiendo la estética de la época; y la reproducción exacta de calidades y texturas de vasijas, recipientes y alimentos. •Vieja friendo huevos.•Aguador •Jesús en casa de Marta y María•Adoración de los Magos

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Aguador de Sevilla

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Aguador de Sevilla. Apsley house. Londres•Aparecen dos figuras en primer plano, un aguador y un niño, y al fondo un hombre bebiendo en un jarro, por lo que se ha sugerido que podría representar las tres edades del hombre.•Realismo, como demuestra en la mancha de agua que aparece en el cántaro de primer plano; la copa de cristal; las dos figuras principales que se recortan sobre un fondo neutro, interesándose el pintor por los efectos de luz y sombra. •El colorido que utiliza sigue una gama oscura de colores terrosos, ocres y marrones. La influencia tenebrista de Caravaggio se hace notar, posiblemente por grabados y copias que llegaban a Sevilla procedentes de Italia.

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Vieja friendo huevos Galería Nacional de Escocia

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Vieja friendo huevos 1618•En primer plano vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho que porta un melón de invierno y una frasca de vino. •Ambas figuras se recortan sobre un fondo neutro, empleado para destacar aun más los contrastes entre la luz y la sombra, una de las características que le sitúan en la órbita del naturalismo tenebrista. •En la zona de la derecha contemplamos un bodegón, formado por varios elementos metálicos, vasijas de cerámica y una cebolla colorada. Para que el espectador pueda contemplar con más facilidad estos elementos, el maestro nos levanta el plano de la mesa y el hornillo de barro, empleando de esta manera una doble perspectiva .•Se piensa que la anciana podría ser el retrato de su suegra, y el muchacho sería un ayudante de su taller. Minuciosidad de la pincelada, a base de pequeños toques.

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Velázquez. Adoración de los Magos. Museo del Prado

•Un foco de luz ilumina desde el lado izquierdo el cuerpo del niño Jesús oscureciendo el resto del cuadro, tanto que el fondo se aprecia con dificultad.• Los representados en el cuadro son miembros de su familia. La Virgen es su esposa el Niño Jesús sería la propia hija del artista y el Rey Mago que aparece con barba sería su suegro y maestro, Francisco Pacheco. Gaspar sería el propio Velázquez.•Calidad de los ropajes, los plegados y el brillo de los objetos metálicos y de cristal que portan los Magos para ofrecer al niño.

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Cristo en casa de Marta y María National Galery Londres

•Bodegón con figuras practicado por el joven Velázquez. Escena religiosa, tratada de un modo muy naturalista. •En el recuadro representa la escena principal de Jesús dialogando con las hermanas, que ilustra el evangelio de San Lucas (10, 38-42) utilizando la duplicidad espacial y la composición invertida•Existen dudas al interpretar el papel de las mujeres del primer plano, que podrían entenderse como parte del relato evangélico, o como elementos de enlace entre el episodio sagrado y la lección moral de valor universal que de él se desprende.

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Segunda etapa (1623-1629) •En 1624 es llamado por el Conde-Duque de Olivares para que pinte un retrato de Felipe IV: Inmediatamente fue nombrado pintor real. •Realiza los primeros retratos de la Corte: INFANTE DON CARLOS, VALIDO GASPAR DE GUZMÁN, en los que aún quedan ideas tenebristas. En la corte conoce a Rubens (1628) con quien visita las colecciones reales. Pinta su primer cuadro mitológico EL TRIUNFO DE BACO: en esta obra aún se observan detalles arcaizantes: interés naturalista por la representación de objetos de uso cotidiano, tipos humanos populares que acercan los dioses al plano humano, escena mitológica tratada como escena de género.

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Velázquez. Retratos de Felipe IV

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El triunfo de Baco Museo del Prado

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Triunfo de Baco 1623•Representa al dios Baco coronando con hojas de vid a uno de los siete borrachos que lo rodean, mientras otro personaje mitológico observa la escena. Algunos personajes miran al espectador mientras sonríen. •La escena puede dividirse en dos mitades. La de la izquierda, con la figura de Baco muy iluminada, está cercana al estilo italiano inspirado en Caravaggio. Baco y el personaje que queda detrás aluden al mito y están representados de la manera clásica, con idealización en el rostro del dios y la luz clara que lo ilumina. La parte de la derecha, presenta a hombres de la calle que nos invitan a participar en su fiesta, con un aire muy similar a Ribera. No hay en ellos ninguna idealización, sino que presentan rostros avejentados y desgastados. Tampoco se mantiene en este lado la clara luz que ilumina a Baco, sino que estas figuras están sumidas en un claroscuro. Además, lo trata con una pincelada más suelta.•Hay varios elementos que dan naturalismo a la obra como son la botella y el jarro que aparecen en el suelo junto a los pies del dios, cuyos brillos les confieren relieve, textura y calidad, similar a los bodegones.

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(1629-1631) Primer viaje a Italia •Enviado por el rey con el fin de aprender y comprar cuadros. En Venecia conoció los cuadros de Tiziano, en Roma le asombraron los Frescos de Miguel Ángel y Rafael y en Nápoles se relacionó con Ribera. Trajo cuadros de Tiziano y Bassano, copias hechas por él de Tintoretto y pintó su segundo cuadro mitológico LA FRAGUA DE VULCANO: En él desaparece el tenebrismo y la precisión de la forma comienza a ceder ante el interés por la perspectiva aérea y por la pincelada suelta. Continúa la tradición naturalista (son tipos populares, la escena está representado como escena de género), pero la figura de Apolo ya es casi idealizada y más clásica; la construcción del espacio está más estudiada. El tema, narrado por Ovidio, está tratado con discreción, elegancia y naturalidad, sin mofarse del burlado Vulcano (Apolo le anuncia a Vulcano la infidelidad de su esposa Venus con Marte). El cuadro es un canto al desnudo y al color.

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La fragua de Vulcano Museo del Prado

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SEGUNDA ETAPA CORTESANA (1631-1649) •Realiza la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Pinta varios retratos ecuestres: Felipe IV (que sirvió de modelo a la estatua de bronce hecha por Pietro Tacca en la Plaza de Oriente), el Príncipe Baltasar Carlos (hijo de Isabel de Borbón que murió a los 17 años), Isabel de Borbón y el Conde-duque de Olivares en todos ellos demuestra el dominio de la figura y del paisaje, conocedor de la anatomía y del movimiento del caballo. Y el cuadro de historia La rendición de Breda •Comienza con la pintura realista de los bufones. Pablilllos de Valladolid, el niño de Vallecas, el bobo de Coria Es el momento también de sus irónicas aproximaciones al mundo clásico Marte dios de la guerra, Esopo, Menipo.

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Retrato ecuestre de Felipe IV Museo del Prado

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Retrato ecuestre de la reina Isabel Museo del Prado

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Príncipe Baltasar Carlos Museo del

Prado•El príncipe, de seis años, monta una Jaca vista desde abajo, con un gran vientre, al estar destinado el cuadro a un lugar elevado. El cuadro fue pintado con muy poco pigmento, la preparación blanca queda a la vista en las montañas de la sierra de Guadarrama. •El príncipe y el caballo fueron pintados antes que el paisaje, de modo que su figura se recorta del paisaje.• De la figura del niño lo más destacable es la cabeza, el tono de la cara es pálido, el cabello es de un rubio que contrasta con el negro mate del chambergo. •El paisaje, tratado con perspectiva aérea y logra más profundidad lograda por bandas de luces y sombras

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Retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares

•Retrato ecuestre, honor reservado a los monarcas. La figura se ve desde un punto de vista bajo y su torso se gira hacia atrás, mirando al espectador, con lo que parece más esbelto, ya que era muy corpulento.• El caballo alza sus patas delanteras, trazando una diagonal con respecto al paisaje, composición dinámica influida por Rubens. •El noble viste un sombrero de ala ancha y la banda del estado; en la mano sostiene un bastón de marisca tratado con rico cromatismo y estudio de la luz, que resalta la teatralidad de la escena•La batalla en la lejanía está tratada con pequeñas manchas, con pincelada suelta. •El paisaje es muy esquemático. Las colinas se difuminan en tonos verdes y azules, proporcionando sensación de lejanía; por ello se dice que tiene una perspectiva aérea muy acusada.

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Rendición de Breda Museo del Prado

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Rendición de Breda• Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre• Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más

parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su Ambrosio de Spínola, que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse. Es una ruptura con la tradicional representación del héroe militar, que solía representarse erguido sobre el derrotado, humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de batallas.

• Velázquez representa con realismo al general Spínola, al que conocía personalmente, pues habían viajado juntos a Italia y un realismo semejante, y caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos.

• Estudio de caballerosidad. Muy teatral el abrazo de los generales, que dejan bien visibles la llave de la ciudad disputada.

• La luminosidad del fondo de colores grises plateados, le ayudó a configurar la perspectiva aérea.

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Bufón conocido como D. Juan de Austria Museo del

Prado•En la Corte de Felipe IV había una gran cantidad de bufones que el rey mandaba buscar por todos los rincones de su reino: eran seres deformes o locos, que resultaban graciosos en el ambiente rígido cortesano.• Velázquez los retrata de cuerpo entero, como si fueran reyes o nobles, dotándoles de gran dignidad, sin obviar sus características físicas o psicológicas. Son sus cuadros más libres en los que renuncia al espacio y su pincelada es más suelta.

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Pablillos de Valladolid Museo del

PradoRepresentado sin que haya ningún objeto como referencia del espacio, consiguiendo la perspectiva con el volumen del y las sombras que proyecta. Influyó en Manet

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Juan de Calabazas

“calabacillas”

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SEGUNDO VIAJE A ITALIA (1649-1651) •Se embarca en misión oficial a Italia para adquirir obras de arte, ya como un gran artista. •En 1650 es aceptado como miembro de la Academia de San Lucas de Roma. •Viaja a Nápoles donde visita de nuevo a Ribera, y en Roma realiza en retrato de su ayudante mulato Juan de Pareja y del Pontífice Inocencio X. También pintó La Venus del espejo. Pinta sus dos únicos paisajes, cuadros de pequeño formato que en su época pasaron casi desapercibidos: los jardines de la Villa de Medici, pintados al natural, con una pincelada muy suelta.

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Venus del Espejo National Galery Londres

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Venus del Espejo•Representa a la diosa Venus, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene cupido. Es un tema mitológico al que Velázquez trata como si fuera una mujer real. El reflejo de Venus en el espejo consigue aumentar la profundidad, al modo de Van Eyck en el Matrimonio Arnolfini. En este espejo, la diosa mira hacia el espectador, y en él el rostro de la diosa aparece totalmente difuminado y borroso, lo que algunos críticos entienden como alusión a la capacidad engañosa de la belleza. •Los pliegues de las sábanas de la cama resaltan el cuerpo de la diosa.• La composición usa principalmente tonos de rojo, blanco, y gris, empleados incluso en la piel de Venus. Los colores luminosos de la piel contrastan con los grises oscuros y el negro de la seda sobre la que reposa, y con el marrón de la pared detrás de su cara. •Cuadro sensual y bello en el que el reflejo de Venus en el espejo evoca la sugestión de profundidad al tiempo que aumenta su grado de intimidad. •Velázquez es capaz de conseguir profundidad gracias a la composición. Coloca objetos y cuerpos unos detrás de otros: las diferentes sábanas, cuerpo de la Venus, el espejo, Cupido, la cortina en diagonal, y la pared del fondo..

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Jardines de la Villa Medici Museo del

Prado

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Villa Medici Museo del Prado•La obra describe la vista de un jardín de la Villa Medici en Roma con un vano renacentista al fondo y unos personajes que parece se encuentran observando algo, tal vez la reparación que está sufriendo ese vano y que podemos apreciar en el andamiaje que lo cubre.•La pintura de paisaje no era práctica habitual en los pintores españoles. Son sus únicos paisajes, y son precursores del impresionismo por la pintura al natural, directa, por su interés por la luz y por la técnica pictórica al pintar solo con manchas, dando pequeños toques con el pincel que nos permiten apreciar mejor el cuadro si nos alejamos de la obra que si la observamos en primer plano.

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Velázquez Retrato de Inocencio X. Galería Doria Roma Y Francis Bacon

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Inocencio X•Troppo vero. Realiza un profundísimo estudio de la fisonomía y de la sicología de un Papa que era adusto y colérico de temperamento. La expresión del papa es tensa, con el ceño fruncido.

•Técnicamente, el retrato tiene una arriesgada gama de color, de rojo sobre rojo: sobre un cortinaje rojo, resalta el sillón rojo, y sobre éste el ropaje del papa. Esta superposición de rojos no consigue aplastar el vigor del rostro. Velázquez no idealiza el cutis del papa dándole un tono nacarado, sino que lo representa rojizo y con una barba desmañada, más de acuerdo con la realidad.

•Pincelada suelta y tradición colorista de los venecianos. •El artista contemporáneo Francis Bacon realizó 40 interpretaciones sobre esta obra, tanto del mismo formato como detalles reducidos a la cabeza. Se basó sólo en fotografías, nunca vio el cuadro original, a pesar de haber tenido ocasión de ello, alegando que no podría soportar su impacto.

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Tercera estancia en la corte (1651-1660) LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNÉ: fue pintada para Pedro de Arce, montero del rey. Representa una escena de la Metamorfosis de Ovidio en el que Minerva condena a Aracné por haber tejido un tapiz en el que representaba una aventura amorosa de Júpiter. El tema literario se confunde con la realidad inmediata de las hilanderas absortas en su trabajo. •Divide la obra en planos de luz y de sombra. Consigue que nuestra vista pase de la hilandera iluminada de la derecha, a la de la izquierda, para saltar por encima de la que se agacha en la penumbra hasta la escena del fondo. Allí, una de las mujeres se vuelve hacia el espectador como si se sorprendiese de nuestra incursión en la escena. •Usa paleta casi monocroma. Utiliza tonos ocres, tierras y óxidos, aplicados muy diluidos , transformando una mancha en figura, según la distancia del espectador. Usa una pincelada suelta.•Perspectiva aérea, consiguiendo un efecto «atmosférico» consigue crear la sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y las difumina, logra captar el espacio,.•Dinamismo, da sensación de movimiento, sobre todo en el giro de la rueda, cuyos radios no alcanzamos a ver por la velocidad a la que está girando y también en el personaje de la derecha, que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos.

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Fábula de Aracné. Museo del Prado

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Velázquez. Las Hilanderas.

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Las Meninas Museo del

Prado

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Las Meninas.Museo del

Prado1. Infanta Margarita2. Agustina Sarmiento de

Sotomayor3. Isabel de Velasco4. Mari Bárbola5. Nicolasito Pertusato6. Marcela de Ulloa7. Diego Ruiz Azcona8. Velázquez9. José Nieto Velázquez10. Mariana de Austria11. Felipe IV

12

3

4 5

678

910 11

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Ejes de composición

Amarillo: ejes del centro de la

imagen. Azul: eje del tercio de la imagen. Verde: Punto de fuga

geométrico. Rojo: Punto de fuga de

los Reyes.

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LAS MENINAS (1656)•Retrato de grupo familiar. Representa una escena aparentemente casual: el momento en que la infanta Margarita irrumpe con sus damas y bufones en el estudio del pintor cuando estaba retratando a los soberanos, que sólo aparecen en la escena reflejados en el espejo del fondo (van Eyck). •Es un cuadro confuso, plenamente barroco. El tema central no ocupa el centro ni el primer plano del cuadro, sólo se percibe a través de la sugerencia.• La composición se basa en la luz: hay dos entradas de luz: la de la puerta del fondo que sirve para iluminar con toda la fuerza al aposentador, y la de la ventana lateral, más tenue, que ilumina las figuras situadas en primer plano. Este juego de luces y sombras configura la escena: En primer plano aparecen las figuras iluminadas por la ventana lateral que, al recibir directamente la luz, presentan unos colores más nítidos y unos perfiles más definidos. EL segundo plano está en penumbra, en él están representados la Dueña y el guarda-dama. El espejo y la puerta configuran un tercer plano, el cuarto plano lo ocupa el aposentador, figura recortada por la fuerte luz del fondo, y aún en un quinto plano aparecen las figuras reflejadas en el espejo.

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ESPACIOS: La mitad superior de la obra está dominada por un espacio vacío, en el que Velázquez pinta el aire. Hay además, un espacio virtual hacia donde mira el pintor y en el que se supone que están los reyes o los espectadores. Otro espacio importante es el del punto de fuga del fondo del cuadro, muy luminoso, donde un personaje huye de la intimidad del momento. Un cuarto espacio es el pequeño espejo que refleja a los reyes; y finalmente, está el espacio delimitado por la luz dorada que se aprecia en las figuras de la infanta, las meninas, la enana y el perro. Son espacios reales y virtuales que conforman la realidad fantástica del cuadro.Tema: Un retrato de la Infanta. La Infanta llama la atención de otras figuras, tiene una posición central en el cuadro y, además, existe una tensión especial en relación al foco brillante. Un autorretrato de Velázquez. El pintor aparece como una torre y destaca sobre las otras figuras de la pintura. Un retrato de grupo o familiar. Además, está presente la pareja real como un reflejo que surge de la superficie del espejo situado en la pared del fondo.