magazine de arte contemporáneo

INVIERNO [2011] 8***

La compleja esencia de la pureza

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PORTADA

NA

IVE

Conceptual

Moda

Espacios

Psique

Vórtice

Graphiklife

ElenaKholkina

es un proyecto de:

Si quieres participar en próximos núme-ros, puedes informarte en www.doze-mag.com

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Una puerta abierta entre lo real y lo fantásti-co, foto experimental y edición componen el lado más surrealista de cada número

Editoriales cargados de estilo y creatividad de la mano de grandes firmas internaciona-les y diseñadores noveles

Distintas percepciones sobre la arquitectura y el diseño de interiores que interactúan y gene-ran estados de ánimo entre sus transeúntes.

Un viaje psicológico que profundiza en la condición humana y en las diferentes expe-riencias de la vida cotidiana.

Un gran torbellino de ideas sobre las infinitas percepciones que giran alrededor de un único concepto.

Pinceladas de talento se dibujan en este rincón en una explosión de destreza plástica y sensibilidad creativa.

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Será la temática de nuestro próximo número, si quieres

formar parte de él y colaborar con tu trabajo, puedes cono-

cer todos los detalles entran-do en la sección Colabora de

www.doze-mag.com

REMERGE

SalvaLópezajs

Mary JaneAnsell

REPORTAJE

ENTREVISTA

Mary Jane Ansell nos abre las puertas de su imaginario

y comparte con nosotros sus experiencias a lo largo de su

trayectoria como pintora. Sus retratos, que rozan el colmo de la delicadeza, la han consagra-do como uno de los referentes

de la pintura figurativa con-temporánea . Con una técnica

casi fotográfica, Mary jane profundiza en los estados de ánimo, recreando atmósferas

íntimas cargadas de una suge-rente sensualidad y misterio.

Enamorada de la vida y de los pequeños placeres cotidianos, su obra se presenta como un

oda a la belleza y como una reflexión de sí misma y del

mundo que la rodea.

Nos acercamos a la vida de una entrañable pareja de ancianos a través de Roig 26, uno de los proyectos estrella del artista visual Salva López.A lo largo de esta serie, el artista nos muestra su faceta más reflexiva acerca de la con-dición humana, las relaciones, y los recuerdos que permane-cen intactos ante el inevitable paso de tiempo. Roig 26 es un homenaje a sus abuelos y una muestra fotográfica que pone en evidencia la sensibilidad y talento de este artista catalán que, con solo 27 años, ya se ha forjado una profesión en el difícil sector del diseño y la fotografía.

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STAFF

Esta publicación respetalos derechos de autor de cada

uno de los colaboradores

Para hacer uso de este materialo cualquiera de sus secciones,se necesita el consentimiento

expreso del equipo directivo

DOZE MagazineISSN 2171-8628

C/ Paseo de la Florida, 21 - 1ºD28008 Madrid

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FOTO:Li Wei

DIRECCIÓNColectivo movimente

DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO WEBRocío MontoyaMario IzquierdoAlejandro Bazal

PRODUCCIÓNLuis Alenda

DIRECCIÓN DE MODAAlejandro Meitín

DIRECCIÓN DE PUBLICIDADBorja Otero

REDACCIÓNÁngel RománEl Hombre Confuso Julieta TriangularLaura Díaz ExtremeraMarina Domínguez Pablo L. Barbero Roberto SilvánRuth Martín Sánchez

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DOZE Magazine

@dozemagazine

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Dirección de DOZE Magazine

EDITORIAL

Volvemos de nuevo y, en esta ocasión, lo hacemos despacio, con cal-ma y ganas de disfrutar como niños; nos transformamos en pequeñas

criaturas capaces de encontrar en una porción de hierba, un enorme jardín para jugar.

Venimos con lo puesto para iniciar un viaje al centro del universo, un lugar en el que no existe el tiempo y donde las gotas de lluvia purifican nuestros

espíritus para acariciarnos las conciencias y despojamos de los complejos.

Respiramos un aire limpio y fresco y palpamos la belleza de cada forma, rin-cón y pensamiento.

Naive, nuestro íntimo ensayo sobre la pureza, ha alcanzado la luna con las ye-mas de los dedos y ha culminado en una edición cargada de poesía y buenas

vibraciones. Todo ello servido en bandeja de plata para el deleite de las miradas más nostálgicas.

Porque todos hemos sido niños en algún tiempo pasado y hemos imaginado un mun-do idealizado, con esta edición os planteamos un pequeño paréntesis en el camino;

una pausa con la que queremos recobrar las energías necesarias para continuar con la difícil tarea de sobrevivir en el caos del día a día.

Te invitamos a pasear de la mano de nuestros colaboradores y a soñar despierto entre nuestras páginas. Y haciendo alusión al tan conocido dicho de “no es más rico el que más

tiene, sino el que menos necesita”, queremos celebrar que, con lo mínimo, somos capaces de alcanzar la felicidad.

LA COMPLEJA ESENCIA DE LA PUREZA

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Pinturas de colores, que bordean una infancia edulcorada con el sa-bor de que los tiempos pasados fueron mejores, encierran un misterio actualmente en mi mente por considerar que los sueños se instalan en los primeros años de nuestra vida para después convertirse en pesadillas. Es como imaginar un futuro retorcido por los recuerdos de una niñez devorada por el placer de una nostalgia melancólica. Es la infancia el sitio de mi recreo –palabra de Antonio Vega- donde posiciono mi madurez.

A principio de los noventa quedé impresionado por una joven adoles-cente llamada Laura Palmer. Un ser totalmente consumido por su do-lor. Siempre pensé que la madurez iba a producirme un malestar con-génito general, pero estaba totalmente equivocado. Ahora es cuando veo con más claridad el presente si lo proyecto sobre una infancia imaginada. Con solo diez años de separación aparece, en el imagi-nario colectivo, la cara opuesta de Laura Palmer: Amélie Poulain. La verdadera imagen real de la inocencia del siglo XXI.

No obstante, es en el cine animado donde reaparece el dulce sabor de la idealización de arquetipos de hombres y mujeres que aspiran a consolidarse como dobles de Peter Pan. Y no en el cine real, Palmer y Amélie son la cara macabra de una misma moneda, una transición al mundo de los adultos expiada por dos caminos distintos y que son el dolor y la fantasía. Dos opciones que liberan una misma tensión: salir de la intimidad propia para posicionarse en la esfera de lo social.

El estudio de animación Pixar es víctima y culpable de una apreciación de las poluciones cinemáticas desde un punto de vista peculiar, cuyo fenómeno social radica en entender la infancia como un lugar mágico de los sueños de los adultos. Y esto es sinónimo de NO QUERER CRECER. Borra y difumina premeditadamente el espacio que media entre uno y otro y si no existe una transición, la confusión es brutal. Sus películas son sospechosas de perseguir una infancia (entiéndase esto como inocencia), cómplices de un autoengaño formulado con las buenas intenciones de la filosofía del american way of life.

Desde la saga de Toy Story hasta Buscando a Nemo, pasando por Up, ponen un acento muy marcado en hallar la huella de una identidad aplazada en la aurora de un pasado idealizado. Películas que marcan el shock de un futuro de una sociedad desquiciada por la búsqueda del sabor del buen recuerdo, reteniendo en una neblina simulada una negociación frustrada entre la infancia y la fantasía. Aspectos que, unidos a las teorías de Jean-Jasques Rousseau (“el hombre es bueno por naturaleza”), reinventan desde una memoria de un dibujo anima-do (cartoon) la capacidad de reelaborar el pasado con una mirada optimista. Porque desde la ciencia de la psicología se mantiene que la memoria es selectiva y los humanos tendemos a seleccionar aquello que nos transmite satisfacción.

Monster, S.A., Los Increíbles o Ratatouille, rondan la infancia desde

un aspecto sublimado pero no realista. Introducen en su narrativa in-terna el sueño como mecanismo de defensa en la experiencia vital.Hemos pasado, en tan solo un siglo, de la no protección de la infancia, a su defensa a ultranza como un derecho natural en las sociedades modernas.

El cine de animación de la factoría Pixar tiene como objetivo testi-moniar el espejismo de un mundo adulto que se precipita al vacío, al considerar lo real desde una perspectiva imaginaria donde la palanca de apoyo en el recuerdo afianza las relaciones humanas sin ser per-versas ni malvadas.

Toy Story es la historia en tres películas del abandono del objeto de deseo de un niño (sus juguetes) hasta su partida a la universidad. Buzz Lightyear y Woody representan el punto de anclaje del recuerdo de un mundo a punto de extinguirse y hacen lo imposible para que nada cambie (permanecer al lado del cariño de su dueño). No hay prueba más inolvidable para una persona que el momento de aban-donar a sus juguetes para jugar con “otros”, los propios del mundo adulto.

Con Wall·E se busca la idea de amor idealizado y romántico, poco realista. Un síntoma donde la emoción no ha madurado. E igualmente ocurre con Cars, un protagonista niño-coche que, como buen infante, no tiene empatía social, ni ve más allá de su propia mirada.

En las películas de Pixar, ambas realidades se confunden, todas sus historias se centran en la versatilidad de las esferas de los adultos y de la infancia. Se contaminan hasta llegar a una lucha encarnizada donde no se sabe muy bien donde acaba una y comienza la otra. Por esta razón impactan tanto, porque prolongan, mimetizan y proyectan esa idea tan extraña que dice: “busca al niño que habita en ti”; una excusa para declinar responsabilidades, además de formalizar una estructura en el pensamiento moderno de buscar en la inocencia (pu-reza) todo principio de verdad.

En un mundo repleto de gente que tiene terapias psicoanalíticas y sesiones interminables de regresiones a la infancia es lógico pensar que el yoísmo narcisista contemporáneo y occidental necesite de una buena dosis de imágenes que nos trasladen a los brazos de papá y mamá.

Sobre ese flashback visual asistimos al redescubrimiento de un lu-gar seguro que nos transmite los espacios reconocibles de lo familiar. Olores de una niñez, juegos que emulan confianza, juguetes táctiles y suaves, ambientes cálidos y tranquilos. Un síntoma de una enferme-dad de este tiempo y que todo ser humano posee, es la incapacidad de cuestionarnos frente al espejo de la vejez, una y otra vez.

Te echo de menos Laura Palmer.

LA REGRESIÓN MÁGICA A UNA INFANCIA ANIMADA

VIDEODROME

Texto: Ángel Román - www.angelroman.net / Ilustración: Francisco Iglesias - http://franilustracion.blogspot.com

Abrimos los ojos y los posamos en el péndulo de la alienación, asombrados, como idos, sobrecogi-dos ante el sonido del despertador, temiendo cada minuto que seguiremos pisando este planeta, esta gran comedia humana que, con su pincel sangran-te, se encargará de pasarnos la manita del cinismo nuestro de cada día.

Y de pronto una mañana nos rebelamos contra no-sotros mismos y contra el vendaval desenfrenado de esta era perversa, y en un latigazo de lucidez, en una breve revelación, nos escabullimos de este mundo y nos sumergimos en nuestro propio origen existencial, desprendiéndonos de la gravedad que no es más que el peso muerto de nuestros propios disfraces. En esa gran evasión nos desplazamos sin apenas rozamiento, flotando a milímetros del suelo, sin red, descubriendo que las claves para brillar se reflejan en el espejo fugaz de la inocencia. En un ataque de sinceridad sincronizamos nuestras ideas, proyectamos nuestros sentidos hacia el equilibrio de la sencillez y, sin cambiar una coma de nuestro pen-samiento ni en el último segundo antes de hablar, dejamos apartado el miedo a la ingenuidad.

Nos percatamos de que ya no nos entran más se-cretos en el corazón y, depositándolos en la mano –pista de despegue improvisada–, soplamos para que se alejen ondeando como dientes de león, libe-rándonos de cargas absurdas, sorprendiéndonos con la inmensa cantidad de aire que nos cabe en el pecho tras el impacto de naturalidad.

Y aprendemos otra vez a escuchar, sin poner fron-teras a las ideas de los demás. Aprendemos otra vez a mirar, sin poner delante el cristal de las indi-vidualidades. Aprendemos otra vez a oler, sin creer que las rosas ya no huelen a rosas. Aprendemos otra vez a tocar, sin colocarnos los guantes que protegen de pieles que no han sido esterilizadas. Aprendemos otra vez a saborear, sin olvidar la emoción de la primera vez. Aprendemos, en fin, otra vez a reír, sentir, amar…

Ese golpe de inspiración nos convierte en fascinan-tes y hermosos ilusos y nos hace centellear como deslumbrantes flashes. Nos vestimos con el traje invisible de la pureza y festejamos nuestro gran de-lirio final. ..

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CONCEPTUAL Roberto Silvánhttp://sexoyetc.blogspot.com

Fotogr

agía

per

teneciente a la serie Supervision

PINTORA DE VOCACIÓN Y FOTÓGRAFA POR ACERTADA CABEZONERÍA, KERSTIN ZU PAN ES UNA ARTISTA QUE MATERIALIZA SUS SUEÑOS A TRAVÉS DE SUGERENTES IMÁGENES. ATREVIDA Y VISIONARIA, ESTA JOVEN CREADORA NOS DEJA ENTRAR EN SU REALIDAD INVENTADA PARA APORTAR UN TOQUE DE COLOR AL GRIS QUE SE CUELA CADA DÍA EN NUESTRAS VIDAS. Texto: Rocío Montoya

DOZE MAGAZINE: ¿Tendríamos que realizar una transgresión al pa-sado para descubrir cómo se gestó en ti tu vocación por la fotografía? ¿Podrías contarnos cómo fueron tus inicios en esta profesión?KERSTIN ZU PAN: Yo he sido pintora toda la vida, poseo esta pasión por las artes visuales desde mi más tierna infancia. Siempre me he sentido atraída por la fotografía, pero me inicié en este sector cuan-do estaba realizando mis estudios de diseño.

DM: Sabemos que actualmente vi-ves en Berlín ¿Es difícil ganarse la vida como artista en esta ciudad? ¿Te dedicas a la fotografía profe-sionalmente?KZP: Siempre he sido afortunada en la vida, nunca he tenido pro-

blemas económicos y siempre he podido vivir de mi trabajo, indepen-dientemente de los lugares donde he residido. Supongo que me pre-guntas acerca de Berlín, porque esta ciudad es conocida por su vida nocturna y por acoger a nu-merosos artistas de todo el mundo. Veo a grandes talentos luchar por estar aquí pero supongo que esto ocurrirá en otras ciudades, hay que ser muy diligente, avivar el fuego de la pasión que llevas dentro e intentar pasear por el lado derecho de la suerte. De este modo, tarde o temprano, todo saldrá bien.

DM: ¿Cómo definirías tu trabajo y qué es lo que más amas y lo que más detestas de él?KZP: Es mi vida, mi pasión. Lo que más amo es la posibilidad de crear mi propia realidad. Lo que más odio son las cámaras, ¡siempre es-tán en medio!

DM: Hemos podido comprobar que eres una artista muy versátil a la hora de abordar la fotografía ¿Con qué tipo de proyectos te sientes más libre para explotar tu creativi-dad?KZP: Siendo honesta, todos y cada

uno de ellos. Cada sesión es un reto.

DM: ¿Un artista predilecto?KZP: Oh… ¡Hay tantos! En estos momentos estoy absolutamente obsesionada con Truman Capote. He leído su magnífica obra una y otra vez…

DM: ¿Un lugar perfecto para foto-grafiar?KZP: La naturaleza, donde algo inesperado pueda suceder… los accidentes fortuitos…

DM: Muchos de tus trabajos pro-yectan un mundo onírico y surrea-lista ¿Concibes la fotografía como un instrumento para materializar tus ideales?KZP: Yo no los llamaría ideales, creo que es mas apropiado el tér-mino “sueños”, supongo. La res-puesta es sí…

DM: Nuestro número gira en torno al concepto de pureza e ingenui-dad. ¿Crees que es importante “ju-gar” y dejarse llevar? ¿O te resulta más efectivo planificarlo todo y de-jar a un lado la improvisación?KZ: Ha de ser una mezcla de am-

“MI MÁXIMA ASPIRACIÓN COMO FOTÓGRAFA ES SE-GUIR TRABAJANDO Y OLVI-DAR QUE LA VIDA ES DURA Y QUE MUCHAS VECES TE ESPERA CON UN LÁTIGO”

“LA INSPIRACIÓN SURGE A MI ALREDEDOR, EN CADA SONIDO, CADA PALABRA O HAZ DE LUZ. LA FUENTE MÁS FUERTE ES EL AMOR, SUPONGO...” Kerstin Zu Pan

ENTREVISTA

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Fotogragía perteneciente a la serie “Paper”

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Fotogragía perteneciente a la serie “Milky way”

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bas cosas. Por ejemplo, no sería apropiado trabajar sin un plan efectivo cuando realizas un encargo para un cliente, pero tampoco debes excluir la improvisación. Si esa parte no está presente, entonces no hay magia y esta carencia sería demasiado evidente vi-sualmente en el resultado final.

DM: ¿Cuál es tu máxima aspiración como fotógrafa?KZP: Seguir trabajando y olvidar que la vida es dura y que muchas veces te espera con un látigo.

DM: ¿Recuerdas alguna experiencia traumá-tica, satisfactoria o anecdótica que te haya marcado significativamente en tu trayecto-ria?KZP: ¡Oh! Muchas… Hmmmm… Quizás esta pueda interesarte: estaba estudiando diseño hace un par de años, estaba muy centrada en la pintura pero en la carrera estaba obli-gada a aprender fotografía. Yo no seguí exactamente el protocolo académico y pre-ferí andar por ahí con mi cámara polaroid y tomar cientos de fotos a gatos, dulces, sushi o juguetitos de plástico. Cuando llegó el día de examinarme, mis profesores me prome-tieron una nota aceptable si yo no volvía a tocar nunca una cámara. ¡Ese momento fue tan impactante para mí! Me enfadé tanto que estuve trabajando por mi cuenta durante un año, con una estricta técnica fotográfica y así fue como encontré mi camino. Por cierto, los profesores que odiaron mis primeros trabajos cambiaron de opinión… ¡Sorpresa, sorpresa!

DM: ¿Dónde buscas o encuentras inspira-ción?KZP: A mi alrededor. En cada sonido, cada palabra o cada haz de luz. La fuente de inspi-ración más fuerte es el amor, supongo…

DM: ¿Qué proyectos tienes para un futuro cercano?KZP: Disfrutar de la vida.

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Foto

gragía perteneciente a uno de los editoriales de moda de la artista

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Fotogragía perteneciente a la serie “T47”

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Fotogragía perteneciente a la serie “Milky way”

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Foto

grag

ía p

erte

neciente a la serie “Ich

bin Heide”

ELIMINAMOS LA GRAVEDAD DEL ASUN-TO PARA CONTEMPLAR LA COMPLEJIDAD DE LA CONDICIÓN HUMANA. EL ARTISTA CHINO LI WEI NOS INVITA A SER TES-TIGOS DE LAS MÚLTIPLES REALIDADES QUE VIVIMOS EN ESTA VERTIGINOSA SO-CIEDAD CONTEMPORÁNEA; TODO UN ALE-GATO A LA LIBERTAD Y LAS ANSIAS DE VIVIR EN UN MUNDO DONDE NO SINTAMOS EL MIEDO DE SER UNO MISMO.

El desenfrenado mundo en el que nos ha tocado vivir parece estar empeñado en no dejarnos ver todo aquello que tenemos a nuestro alrededor y pararnos a pensar en lo que está sucediendo. El automatismo diario se ha convertido en el ocio del siglo XXI y el mayor empeño por parte de los gobiernos para mantenernos controlados. Sin embargo, hay sujetos que no se conforman con lo establecido; personas que intentan tener una perspectiva de los he-chos para adquirir una actitud crítica ante los avatares que nos hacen deam-bular por una globalización escasa de ética.

Un gran ejemplo de este profundo cambio social se está dando desde hace años en China, un estado con dimensiones de continente que intenta mante-ner el control sobre todos y cada uno de los aspectos que tienen que ver con la vida diaria de las personas. El gran avance capitalista de esta potencia ha dejado de lado el desarrollo de los derechos individuales y, ante esa situación, se empiezan a ver disconformidades y dudas internas sobre el funcionamien-to del sistema.

El trabajo del artista Li Wei se mueve entre la variedad de sensaciones que la sociedad del país del sol naciente siente ante estos cambios (que, por otro lado, pueden ser extrapolables al momento que vive occidente), una evolu-ción tan rápida que despierta en los ciudadanos malestar, pánico, ansiedad o vértigo. Sin embargo, esta mezcla de sensaciones son fruto de unas ansias de libertad que están por encima de todo.

La obra de Wei tiene como eje central al hombre, el cuerpo humano se con-vierte en un lienzo que refleja las múltiples realidades que está viviendo la compleja sociedad contemporánea. La magistral mezcla de fotografía y per-formance le permite al autor jugar con situaciones tan vertiginosas como la intensa transición del campo a la ciudad, la difícil asimilación de una econo-mía de mercado que lo gobierna todo o la complejidad de interiorizar dichos cambios en una cultura tan arraigada durante siglos como es la china.

Los protagonistas de estas fotografías son testigos directos de los cambios urbanos que vive la población. Desde las alturas es más fácil percatarse de la transformación física que arrastra el desarrollo económico y financiero; un pun-to de vista que amplía el horizonte de un contexto social en constante evolución

SUBE A MI

NUBELi Wei

Texto: Mario Izquierdo

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Buddha

pero que se ha dejado por el camino el derecho a ser uno mismo.

La asimilación del trabajo de este artista pasa por varias fases. En un primer momento, el asombro y la sonrisa envuelven a los espectado-res para, a continuación, dejar paso a la controversia y a la provoca-ción. Wei ubica sus performances en espacios cotidianos y conocidos por una gran mayoría para mostrarnos los diferentes estados emo-cionales que el momento actual genera en nosotros. Una puesta en escena que deja entrever que no existe una realidad oficial, sino que existen muchas mentiras asentadas. Ideologías que repercuten en la ciudadanía y muestran la fragilidad de la sociedad del siglo XXI.

En cualquier caso, la obra de Wei también se presenta como un canto

a la libertad: los personajes que viven estas experiencias “levitacio-nales” tienen muy asentadas las ganas de vivir en un mundo mejor, el vértigo y el remolino de sentimientos que se despiertan ante este incierto presente son una oportunidad para llegar más lejos y no dejar-se arrastrar por la monotonía del día a día. El infranqueable muro del autoritarismo, las verdades únicas y la censura empiezan a resque-brajarse y, por sus grietas, nos llegan toda una variedad de pareceres que hace que el hombre sea grande. Porque no se trata de atesorar una riqueza económica o adquisitiva, sino que se pretende ganar la batalla de la vida y dejar que nuestros sentimientos no se topen ante ningún obstáculo insalvable.

La trayectoria profesional de Wei es un reflejo de su espíritu inquie-

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to. Nacido en 1970 en una familia de agricultores de la provincia de Hubei, a los 19 años emigró a Pekín para probar suerte en el mundo del arte. Debido a que no tenía titulación académica para ser admitido en la prestigiosa Central Academy of Art, se matriculó en la priva-da Oriental Arts College para iniciarse en la pintura, sin embargo, un año más tarde, la abandonó ya que consideraba que estos estudios se sustentaban en un modelo demasiado tradicional. Fue entonces cuando dio el salto a la fotografía y el vídeo y, a partir de ahí, comenzó a desarrollar en sus reconocidas performances.

El proceso de trabajo de este artista es eminentemente artesanal; con la ayuda de, tan sólo, cables, andamios y acrobacias de todo tipo, Wei da forma a composiciones que posteriormente se post-

producen en Photoshop para eliminar los rastros de toda la ingenie-ría que le dan forma.

Series como Falls o Humanity son ejemplos del reconocimiento in-ternacional de un artista que ha exhibido sus piezas en galerías de Pekín, Hong Kong, Madrid, Seúl o Nueva York y que se han publicado en numerosas revistas de arte de todo el mundo.

Nos encontramos pues ante un artista que nos plantea diferentes ma-neras de interiorizar el vertiginoso cambio que vive la sociedad actual. Un momento que genera inestabilidad y muestra la fragilidad humana pero que también atisba un futuro que depende única y exclusivamen-te de cómo planteemos el presente.

Life at the high place 2

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Balloons 2

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Love meets 22m

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29 levels of freedom

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THE GREATESCAPE

Lissy Elle

Nos sumergimos en el océano visual de la jovencísima Lissy Elle, que descubrió en la fotografía un medio de expresión artística cuando solo tenía trece años. Esta discipli-na se convirtió rápidamente en una vía de escape a sus experiencias adolescentes. La fotografía la impulsaba a levantarse con energía cada mañana, a lavarse el pelo e incluso a arreglar su dormitorio para ahorrar el dinero suficiente y adquirir un lente 50mm-1.8 para su cámara Nikon D90.

Con su nuevo equipo podría pasear por ca-sas abandonadas, reunir dos docenas de manzanas caídas de los árboles, recortar miles de estrellas de papel, practicar ballet clásico, aprender a levitar, organizar fiestas de té a la edad de 18 años y, en definitiva, forjar, a través del arte, un lugar propio en el mundo por el que luchar con uñas y dientes para quedarse.

Lissy, que en la actualidad tiene 17 años, vive en un pequeño pueblo de Canadá ro-deado de bosques y campos de maíz. Sus imágenes, a caballo entre la infancia y la

adolescencia, representan el mundo onírico de los sueños, la fantasía y una tierna os-curidad plagada de elementos simbólicos y referencias a conocidos cuentos de hadas. Ávida lectora e influenciada por Tim Walker, uno de sus fotógrafos predilectos, Lissy nos transporta a una realidad paralela donde todo parece posible.

Sus composiciones cobran forma en el pro-ceso de edición con Photoshop, aplicación con la que ensambla y superpone sus fotos y dota de texturas y contraste. Sus autorre-tratos son audaces y ya archiconocidos en la comunidad de Flickr, donde Lissy postea constantemente sus nuevas piezas.

Artista autodidacta e inquieta, hace uso de la imaginación para alimentar su apetito crea-tivo cada día y nos conmueve la ingenuidad y frescura con la que desarrolla cada uno de sus trabajos.

Te aconsejamos que la sigas de cerca por-que, con una breve trayectoria a sus espal-das, Lissy promete y mucho.

Texto: Rocío Montoya

LISSY ELLE NOS DEMUESTRA QUE LA FOTOGRA-FÍA ES COMO UNA BARITA MÁGICA CON LA QUE HACER REALIDAD NUESTROS DESEOS. SU TEM-PRANA INCURSIÓN EN EL MUNDO DEL ARTE Y SU FRESCURA A LA HORA DE REALIZAR SUS OBRAS NOS HAN HECHO COMPRENDER QUE LA IMAGINA-CIÓN MUEVE MONTAÑAS Y QUE SOÑAR DESPIERTO PUEDE SER UN EJERCICIO VISUAL DE LO MÁS EMOCIONANTE.

Cleanse

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Creationism

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Poof

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The things we miss

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Seeing clear

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Amazing grace

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Defying gravity

MODARuth Martín Sánchez

– “El mar es un tejado de botellas que en la memoria del marino sueña” (Vicente Huidobro).

En este número nos dejamos envolver por el agua, por el mar, por el océano. Nos dejamos mecer entre las olas y enamorar con sus historias, a veces rea-les, a veces fantásticas. El agua, ese líquido precia-do que nos mantiene con vida, esa necesidad que forma parte de nuestro día como la moda.

El mar nos trae historias de sirenas, de paisajes marinos que nos trasladan a otros mundos, de ci-vilizaciones que desaparecieron en las profundida-des; historias de puertos y marineros, de viajes que cruzan océanos cargados de sueños e ilusiones. Sueños e ilusiones, como la moda.

Por un lado, entendemos la moda como una nece-sidad, cierto. Pero una necesidad entendida como ropa que nos cubre, desde un prisma más púdico, sin más. Prendas que nos protegen del frío, que nos aíslan del calor y que sirven de barrera entre los humanos. Una segunda piel.

Pero, más allá de cubrir necesidades, la moda tam-bién es ese inmenso océano en el que nos sumer-gimos cada día. Un viaje en el que elegimos nues-tro camino, nuestras preferencias, nuestros estilos. Miramos a un lado y otro y puede que, o veamos que somos iguales y seguimos un patrón, o nos

situamos en el lado opuesto para diferenciarnos.Elegimos lo que somos y lo que queremos ser, lo que queremos mostrar al mundo. Si somos más pi-jos, o más alternativos; si nos gusta recordar otras épocas o queremos adelantarnos a la que vivimos. Formamos parte de tribus urbanas, como las espe-cies que pueblan el océano. A veces lo hacemos por propia voluntad o por gusto y otras por imposi-ción o por dejarnos llevar por la corriente.

Cuando uno se sumerge en el mundo de la moda, lo hace como el que aprende a degustar un buen vino, paso a paso, aprendiendo de los detalles, sa-boreando las puntadas, distinguiendo los tejidos. Creciendo. Pero a veces, es cierto que también nos imbuye, perdemos el norte, exageramos y lo convertimos en una obsesión más que en una forma de vida. Queremos ser como el del al lado; nuestro nombre forma parte de largas lista de es-pera para hacernos con nuestro bolso fetiche; ana-lizamos hasta el detalle el look de las celebrities, soñando con ser ellas e incluso dejamos de mirar más allá de una marca, sin descubrir a la persona que hay detrás.

Cuando nos echamos a la mar, tenemos que dis-frutar de cada movimiento de las olas en lugar de nadar contra corriente. La moda es igual: disfrute-mos de ella sin dejar de ser nosotros en lugar de ahogarnos aun cuando sube la marea.

FOTOGRAFÍA Y ESTILISMO: ELENA KHOLKINAMODELO: OLGA KARLOVICH @ AQUARELLE MODELS

MORNING LIGHT

CHAQUETA: MORGAN SPORT - PANTALONES DE LA MODELO - BOTAS: G&G

FALDA: VINTAGE - JERSEY: TSUNAMI - BOTAS: G&G - BUFANDA: TVOE

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GORRO: TVOE - JERSEY: TSUNAMI - FALDA: VINTAGE - BOTAS: G&G

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BUFANDA: TVOE - JERSEY: TSUNAMI - PANTALONES DE LA MODELO - BOTAS: G&G

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BUFANDA: TVOE - CHAQUETA: MORGAN SPORT - PANTALONES DE LA MODELO

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BUFANDA: TVOE - JERSEY: TSUNAMI

H O M E L E S SFOTOGRAFÍA Y DIRECCIÓN DE ARTE: ALE BURSET

ESTILISMO: MILVA RUSSOMAQUILLAJE: MERCEDES PERALTAPELUQUERÍA: WALTER PAMPIN

PRODUCCIÓN: JIME MIZRAHI PARA F16 PRODUCCIÓNESMODELO: SOFIA FANEGO PARA LO MANAGEMENT

POST-PRODUCCIÓN: DIEGO SPERONI / F16 PRODUCCIONES

TOCADO: MILVA RUSSO - ABRIGO VINTAGE: H&M - VESTIDO: TOPSHOP

TOCA

DO: MILVA RUSSO - AB

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IBA: VALENTINO

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BRIGO AB

AJO: DIOR - CINT

URÓN: VERSACE - BO

LSO: LOUIS V

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ON -

GUA

NTES:

BENETT

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TOCADO: MILVA RUSSO - CAPA: LEONARDO D’ARANNO

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TOCADO: MILVA RUSSO - ABRIGO VINTAGE: GUY LAROCHE - VESTIDO: LEONARDO D’ARANNO

TOCA

DO: MILVA RUSSO - CA

PA: LEON

ARDO

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NNO - VESTIDO: LEONA

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OLSO: DIOR

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ARTERA: LOUIS VUIT

TON

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PATOS: LEONA

RDO

D’AR

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TOCADO: MILVA RUSSO - ABRIGO: NEIMAN MARCUS - VESTIDO: ENDI RUÍZ - COLLAR: M.VARGAS ZAPATOS: GUCCI - ANILLO DE LA ESTILISTA

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SOMBRERO: LANVIN - TRENCH: BURBERRY - BLUSA: CHLOE - CARTERA: PIERRE CARDIN - ZAPATOS: D’ARANNO - PANTALONES DE LA ESTILISTA

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CORO

NA: MILVA RUSSO

OUR DAYS IN THE HILLSFOTOGRAFÍA: VINCENT URBANI www.vincenturbani.com ESTILISMO, MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA:LETICIA LARA Y ALEJANDRO MEITÍNPRODUCCIÓN: DOZE MAGAZINEMODELOS: ESTRELLA DELGADO Y SIENA MARCOSAGRADECIMIENTOS: LETICIA LARA Y SASHA BANCROFT

ESTRELLA (DERECHA)PIJAMA: NECKANDNECK

SIENA (IZQUIERDA)VESTIDO: NECKANDNECKLEGGINS: MILIBEBOTAS DE SIENA

ESTRELLAPIJAMA: NECKANDNECK

ABRIGO: FINGER IN THE NOISEBOTAS: UGG

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ESTRELLACAMISA: BELLEROSE JERSEY: BELLEROSE

PANTALÓN: FINGER IN THE NOISEBOTAS DE ESTRELLA

SIENAVESTIDO: FINGER IN THE NOISE

CAMISA: NECKANDNECKCHALECO: BELLEROSE

BOTAS: UGGCALCETINES DE SIENA

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ESTRELLACAMISA: BELLEROSE FALDA: TAMMY DONOHOE´SCARDIGAN DE ESTRELLABOTAS DE ESTRELLA

SIENACAMISA: BELLEROSE CARDIGAN: FINGER IN THE NOISEPANTALÓN: NECKANDNECKBOTAS SPRESKI DE SIENA

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ESTRELLAPIJAMA: NECKANDNECK BOTAS DE ESTRELLA

SIENAVESTIDO: NECKANDNECK GABARDINA: TAMMY DONOHOE´SLEGGINS: MILIBEBOTAS DE SIENA

FOTOGRAFÍA, CONCEPTO Y RETOQUE: ROSSELLA VANONwww.rvanonphotography.com ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA: MICHELA NALEESTILISTA: DINTA JACKILEASISTENTE DE ESTILISMO: ADRIAN PRAMBUDIPELUQUERÍA: NORIKO TAKAYAMAMAQUILLAJE Y DISEÑO DE UÑAS: JOEY CHOYMODELO: PAULA @ PROFILE

CHAQUETA DE PLUMAS DE GANSO: SOPHIE CONDIE SHORT DE LENTEJUELAS DE LA ESTILISTACOLLAR: TOPSHOP

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TOP DE TRENZAS DE PELO CON CUENTAS AZULES: RACHEL COGLEY VESTIDO DE TUL: LANVINBAJO FALDA DE TUL: BEYOND RETROANILLO DE LA ESTILISTA

TOP ASIMÉTRICO: COMME DES GARCONS VESTIDO BLANCO CON DETALLES EN PLUMAS NEGRAS: SOPHIE CONDIE

MEDIAS DE RAYAS BLANCAS Y NEGRAS DE LA ESTILISTAGUANTES: TONJE ARNESEN

CHAQUETA BLANCA CON PLUMAS MARRONES: SOPHIE CONDIE BOA: BEYOND THE VALLEYBODY DE ENCAJE DE LA ESTILISTALEGGIN: BEYOND THE VALLEY

CHAQUETA DE PLUMAS DE GANSO: SOPHIE CONDIE SHORT DE LENTEJUELAS DE LA ESTILISTACOLLAR: TOPSHOP

ABRIGO DE PELO: BEYOND THE VALLEY SUJETADOR DE ENCAJE DE LA ESTILISTA

FALDA DE TUL DE LA ESTILISTACOLLAR: VINTAGE ARCHIVE

CALCETINES: AYAMEBOTINES: TOPSHOP

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FALDA DE PLUMAS DE GANSO: SOPHIE CONDIE COLLAR DE PLUMAS ROJAS: PEBBLE LONDON

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TOP: OVELIA TRANSTOTO BUFANDA DE PLUMAS NEGRAS DE LA ESTILISTAGORRO DE PLUMAS: LULU LIUSHORT: BLACK HEART LABELBOTINES: TOPSHOP

CHAQUETA DE PUNTO CON PELO: RACHEL COGLEY VESTIDO AZUL PRUSIA: LULU LIU

Texto: Alejandro MeitínOmar Kashoura

Nombre: Omar KashouraEdad: 18Lugar de residencia: LondresUn libro: On the Road, de Jack KerouakUn país: VietnamUn recuerdo: Aún siendo un bebé, todavía recuerdo el color y el tacto del canapé rosa que mi padre tenía en Jordania. Era brillante, no muy bonito y diría que ¡al más puro estilo falso cuero!

DOZE Magazine: Diseño para un público masculino ¿Por qué solo a ellos?Omar Kashoura: Cuando era joven estudié el vestuario femenino pero, por casualidad, me dirigí hacia la ropa de hombre. El procedi-miento que sigo para diseñar está basado en el detalle y creo que mis complejos procesos mentales se prestan mejor al mercado del diseño masculino. Además, diseñar para tu modelo de hombre ideal es enor-memente satisfactorio. Es vestir a quien aspiras ser.

DM: Patrón, tejidos, confección... ¿Qué es lo que más valoras en tus diseños?OK: Los tejidos y el acabado. Experimentar con telas nuevas por me-dios tradicionales es fantástico. Cada temporada desarrollamos nue-vas ideas para los acabados y es entonces cuando nos encontramos con el problema a resolver, que no es otro que encontrar la forma más sencilla de mostrar estas ideas sin complicar el diseño demasiado.

DM: ¿Con qué palabra definirías tu colección otoño/ invierno?OK: Love store

DM: ¿Por qué has decidido presentar tus diseños en la 080 de Barcelona?OK: Fue una gran oportunidad que nos llegó a través de la oficina de prensa de Totem, encargada del evento. Barcelona es una gran ciu-dad y nos encantó estar involucrados en la 080. Creo que ha debido de ser un gran éxito porque nos han invitado a volver el año que vie-ne; o eso, o que a los organizadores les ha gustado nuestra “London attitude”.

DM: ¿En qué te inspiras para tus colecciones?OK: Normalmente mi inspiración toma forma entre una temporada y otra. Lo que más me inspira son los sentimientos y las emociones. Como creador, intentar plasmar cosas tan personales en mi obra su-pone un interesante reto.

DM: Cuando somos niños aprendemos muchas lecciones de nuestros padres ¿Alguna ha influido directamente en tu manera de trabajar o de entender la vida?OK: La verdad es que nunca lo había pensado en relación a mi trabajo pero es posible que así sea. Mi madre es una obsesa de la limpieza y, como es lógico, soy propenso a comportarme de forma similar, en particular en el estudio. Lo de entender la vida lo considero un viaje personal. Yo crecí en un lugar llamado Yorkshire, donde no se presentan muchas oportunida-des para vivir la vida; creo que a eso es a lo que me he dedicado des-de que llegué a Londres, una ciudad que me ha influido mucho más en este aspecto ¡Aunque todavía no la entiendo del todo! ¿y tú?

DM: Cuando crecemos, perdemos la inocencia y la pureza que nos caracteriza en esa etapa ¿La limpieza en el corte de tus pren-das significa un vínculo con tu “yo” inocente?OK: Creo que no. Creo que mis pensamientos, como los de la ma-yoría de los adultos, distan de ser inocentes. La vida y la experiencia nos marcan y nos hacen muy difícil mantener ese “yo”. Todo lo que diseño, surge de un propósito, de una intención, y se crea a través de un proceso mental que, a menudo, es una solución a mis emociones. Creo que la inocencia es la antítesis de todo esto. Sería muy intere-sante ver a alguien que todavía sea plenamente inocente, coger papel y bolígrafo y ponerse a diseñar. Aunque no estoy seguro de que pudieras encontrar a alguien así ¡En particular en la City!

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Texto: Alejandro Meitín

Circunferencia: Sucesión de puntos que conforman una cur-va plana.

Desde la antigüedad se considera al círculo como la forma más perfecta y el ciclo sin fin del aprendizaje, a ella se le asocia, en entre otros, el dinamismo y el calor. En moda hablamos de estéticas limpias y puras cuando sus cortes y patrones nos trasladan a figuras con una esencia simple y natural.

Estudiamos las líneas, puntos y estructuras que Marlota utili-za para sus diseños y descubrimos que, ya en la antigüedad, los filósofos utilizaban estas mismas herramientas para con-cebir lo que nadie nunca tuvo el valor de negar: la perfección de la circunferencia.

Su colección de otoño/invierno aúna la pureza de este polí-gono de infinitos lados. En ella encontramos agilidad, calidez y sencillez; sus vestidos son elegantes, sus tejidos pulcros y los abrigos definen la madurez del cuerpo femenino que lo demuestran con una perfecta harmonía.

Ella misma se define como frágil y fuerte, austera y sensual, emocional y cerebral, y sólo una estructura sería capaz de contener todos estos significados.

No solo los diseños que nos llegan de los fríos países del norte son claros y bellos, el sur también esconde ligeros destellos de inocencia, líneas fugaces que, como ya decía un replicante: “se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”.

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Aquel día pensó que por fin estaba poniendo su vida en orden. Todo encajaba: sus sentimientos es-taban domados, tenía cierto acomodo financiero y el trabajo era cómodo y rutinario. Conocía el mapa de cada semana a la perfección, sabía qué tenía que hacer en cada instante del día: qué cara poner a las 9:25 cuando entraba el jefe a la reunión, qué decir a la compañera de su derecha cuando salía a fumar a media mañana, qué días de la semana pedir picante en la comida en el bar de la esquina, qué ver en la tele cuando llegara a casa.

El día en que pensó que por fin estaba poniendo en orden su vida llegó después de años de luchas con los fantasmas del pasado que le llevaron de diván en diván sin obtener ningún bienestar a cam-bio, después de subcontratos laborales firmados desde el anonimato, de camas solitarias y noches de fútbol en las que su única acompañante era una lata de cerveza. Nada había cambiado esa maña-na respecto de la anterior, ni nada cambiaría al día siguiente, ni dentro de cinco años, lo que entendió como un gesto de que la ansiada estabilidad había aterrizado en su vida. Un horizonte claro y despeja-do se desplegaba ante su futuro.

El día en que pensó que por fin estaba poniendo en orden su vida tenía estos pensamientos en la cabe-za cuando entró a la estación. Era todavía de noche y el frío viento invernal cortaba la piel. Tras bostezar dos veces y arreglarse el pelo con los dedos, su-bió al vagón de cola, que siempre iba vacío. Tomó asiento en su esquina preferida, cruzó su pierna de-recha sobre la izquierda y abrió el periódico en un

gesto rutinario. Comenzaba un día más en su mun-do. Empezó a leer los titulares, pero entonces una extraña sensación de irrealidad se apoderó de él. Las letras comenzaron a temblar y a resbalar por el papel, hasta que se precipitaban al suelo, donde ya eran imposibles de recuperar. No daba crédito. Le-vantó la mirada buscando algo que le devolviese a la realidad, pero encontró colores vivos y exotismo en cada rincón. Unas mujeres de aspecto africano repartían fruta a los pasajeros, que vestían con chi-laba y hablaban a voces y llenaban cada asiento del compartimento. Necesitaba aire fresco y sacó la cabeza por la ventana, donde el traqueteo del tren hacía eco en un frondoso bosque tropical.

El tren despegó de las vías y echó a volar, pero sólo él parecía sorprenderse. Desde lo alto pudo ver un enorme parque infantil donde había multitud de niños que correteaban y gritaban, disfrutando en un eterno recreo. Había ingenuidad, sinceridad, ilu-sión y pureza en las caras de aquellos niños. Lue-go campo otra vez, aire puro, instintos, anhelos del pasado, naturaleza.

- Disculpe. ¿Me permite ver su billete?

Despertó de un brinco. Tras sacar del bolsillo un arrugado trozo de papel y mostrárselo al revisor, miró pensativo por la ventana hacia el horizonte. Por encima de la escarcha que blanqueaba el horizonte asomaban los primeros rayos de sol. El día en que pensó que, por fin, estaba poniendo su vida en or-den perdió toda la ingenuidad de su pasada y caóti-ca vida, y sólo deseó que no fuera para siempre.

ESPACIOS Pablo L. Barberopablo@doze-mag.com

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TUVE

KimHøltermand

Kim Høltermand nació en Dinamarca en 1977, en el seno de una familia de creativos, mamando el gusto por lo visual desde pequeño ya que su padre y su abuelo también son artistas.

Høltermand trabaja como experto en huellas dactilares en The Crime Scene Unit of The Danish National Police, profesión que compagina con la fotografía épica de paisajes y arquitectura como hobby (cuando no está de mal humor

por circunstancias profesionales en su departamento).

Artista autodidacta y multidisciplinar, Kim evoca en sus fotografías atmósferas cargadas de poesía y misterio, haciendo uso del color y la composición de un modo muy personal.

Sus proyectos han sido mencionados en un sinfín de blogs, revistas y publicaciones internacionales tales como Dwell, Photography Monthly, Baumeister, Grafik Magazine, D-Mode, Process Journal, Politiken, C-Heads, Euroman, Mag-Mag, CarneMag, Candy Magazine, Jyllandsposten, Page. The Magazine, Esper Magazine, Big Bang Book, The Hub

Magazine, BITE Magazine o Lamono Magazine, entre otras muchas.

Además, cuenta con una amplia cartera de clientes como Nilfisk, FibreShield, VMware, Infine Music o Schuberg Philis. En 2008 fue galardonado con el Premio Netdiver al mejor fotógrafo del año y, en 2009, quedó en primer lugar en la ca-

tegoría Pro de los premios de Fotografía ‘Architecture Buildings’, posición que repitió, en 2010, en los APA Awards National Photo Competition, dentro de la categoría de Paisajes.

Para esta edición hemos querido destacar uno de sus proyectos más emblemáticos, su serie “Tuve”.Se trata de una selección de imágenes paisajísticas dónde el artista combina elementos del entorno natural haciendo uso del formato cuadrado. Como nos cuenta Kim, esta serie se desarrolló accidentalmente y evolucionó mientras se

encontraba inmerso en otros proyectos paralelos.

Durante su último día en un viaje a Suecia y apenas unas horas antes de partir de nuevo a Dinamarca, Kim, cargado de paciencia, estuvo esperando durante toda esa semana la llegada de la niebla y fue bendecido con ella en los alre-

dedores del lago Tuve poco antes de regresar a su tierra.

Así fue como surgió este proyecto y, aunque el tiempo parecía transcurrir en su contra, los resultados fueron realmente excelentes. Tuve nos muestra el gusto exquisito del artista por estos rincones solitarios de Suecia; su dominio de la luz y una técnica que se encuentra perfectamente a la altura de los profesionales más experimentados para ofrecernos su

percepción del entorno y la magnificación de lo mínimo en el arte.

Te invitamos a disfrutar de estas piezas y a descubrir el resto del portfolio de Kim, será una experiencia relajante, extraña y visualmente inquietante.

Imagen de apertura: Fotomontaje de DOZE Magazine con la obra del artista

LA MIRADA FURTIVA DE KIM HØLTERMAND NOS SITÚA EN LOS ALREDEDORES DEL LAGO TUVE, EN SUECIA. UN PROYECTO QUE SURGIÓ ACCIDENTALMENTE Y GRACIAS A LA PACIEN-

TE ESPERA DEL AUTOR HASTA QUE LA NIEBLA HIZO ACTO DE PRESENCIA Y LE DELEITÓ CON SU MAGIA.

Texto: Rocío Montoya

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José Javier Serrano / Yosigo

EL FOTÓGRAFO JOSÉ JAVIER SERRANO NOS OFRECE LA POSIBILIDAD DE VIAJAR EN EL TIEMPO. UN TRAYECTO QUE TIENE COMO DESTINO LO MÁS PROFUNDO DE NUESTRA MEMORIA Y QUE PRETENDE DESPERTAR EL LADO INOCENTE QUE TODOS ATESORAMOS. FOTOGRAFÍAS DE ENTORNOS COTIDIANOS QUE DESPIERTAN E INSINÚAN LA ESENCIA DE LOS MOMEN-TOS MÁS INOLVIDABLES DE NUESTRA NIÑEZ.

Hay lugares que son capaces de despertar en nosotros el recuerdo de un olor, un sentimiento, una frase o una sonrisa inolvidable es-condida debido al paso del tiempo. Existen rincones que guardan en su interior la fuerza de aquellos que los han ido dotando de significado, escondites que tienen un gran valor gracias a las per-sonas que se han preocupado de otorgárselos y que sobreviven en nuestro pensamiento no por lo que son, sino por lo que atesoran.

La serie Prater, del fotógrafo José Javier Serrano (Donostia, 1981), nos sitúa en uno de esos espacios en los que un niño puede soñar con los ojos abiertos. Cada una de las imágenes de este proyecto encierra infinidad de momentos que el ojo no ve pero que nuestra memoria trae al presente. Aquí las luces no son azules, rojas o verdes, sino que se vislumbran como un viaje cósmico trepidan-te, una aventura en la que tu cuerpo se desvanece por la ladera más abrupta de la montaña o un duelo a muerte en pleno desierto. Añoradas escenas cotidianas que la vida diaria nos obliga a obviar y que despiertan en nosotros cierta sensación de que cualquier tiempo pasado fue mejor...

Serrano, también conocido como Yosigo, es un joven artista que afronta la fotografía con la idea de sustraer el valor y la fortaleza estética de aquello que normalmente vemos y que, por su conven-cionalismo, no le prestamos la atención debida. Una propuesta en la que también hay que destacar el gusto del autor por otra de sus pasiones: el diseño gráfico. Una disciplina que ha influido en su fo-tografía y que se puede comprobar por la relevancia de la simetría y las líneas rectas en cada una de sus composiciones.

En la trayectoria de Yosigo hay que destacar su primera exposición individual de 2008 (que recoge las diferentes series realizadas en-tre 2006 y 2007) o su muestra y libro “Kresala” (2009), que ofrece instantáneas sobre el turismo en la costa vasca. En 2010, su serie Prater (que recogemos en este número) fue invitada a participar en la feria de fotografía que se realiza anualmente en Jeonju (Korea); ese mismo año fue portada de las revistas Colors (Italia), Wired (Los Ángeles) y Homeland (Japón). En 2011 ha editado, junto al colectivo Primo, un diario fotográfico en formato analógico que re-coge parte de su trabajo de “Mapa de Memoria”.

Texto: Mario Izquierdo

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Foto: #009

Gerco de Ruijter

¿Acaso la realidad es siempre como nos la imagina-mos? La serie Baumschule, del fotográfo Gerco de Rui-tjer (Países Bajos, 1961), nos acerca a la geometría de aquello que nos rodea y que, en muchos casos, pasa totalmente desapercibida para nosotros.

Sus fotografías, tomadas con una cámara colgada de una cometa o una vara de gran longitud, consiguen abstraernos de la imagen reconocible que tenemos asentada y nos transportan hacia una nueva realidad; una visión que potencia a través de encuadres que buscan generar patrones de una proporción extrema. No obstante, la serie de Ruitjer se caracteriza por lo democrático del entorno ya que todos y cada uno sus elementos tienen la misma importancia: las sombras proyectadas, el cambio de tonalidad de un árbol, las hojas caídas en el suelo...

Baumschule muestra, a través de las mencionadas composiciones abstractas, el caracter cultural del pai-

saje holandés, una naturaleza desarrollada con la fun-cionalidad que buscaron en su día los planificadores urbanos y rurales para los campos de tulipanes, los in-vernadores o las tierras de cultivos de los campesinos.

En esta serie priman la luz, las texturas, las sombras y los colores, elementos que permiten descubrir al es-pectador qué se esconde entre el ritmo y los patrones generados por la repetición que impera en cada una de sus fotografías. Una regularidad que sólo se rompe gracias a anomalías que el tiempo va generando en el entorno y que modifica esa perfección buscada por el hombre.

Gerco de Ruitjer estudió en la Willem de Kooning Aca-demie de Rotterdam por la que se graduó Cum Laude en 1993, desde entonces ha llevado a cabo numerosas exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera de los Países Bajos. Su obra está representada en impor-tantes colecciones públicas y privadas.

LA SERIE BAUMSCHULE DECONSTRUYE LA REALIDAD Y NOS ACERCA A ESA NATURALEZA ABSTRACTA QUE EL HOMBRE GE-NERÓ CON LA IDEA DE OPTIMIZAR NUESTRO ENTORNO. UNAS COMPOSICIONES EN LAS QUE LAS SOMBRAS, LAS TEXTU-RAS Y LOS COLORES SE CONVIERTEN EN LOS VERDADEROS PROTAGONISTAS Y HUYEN DE LA IMAGEN RECONOCIBLE QUE TENEMOS ASENTADA.Texto: Mario Izquierdo

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Baumschule © Gerco de Ruijter (2008-2010)Por cortesía de Zic Zerp Gallery Rotterdam

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De un iceberg únicamente sobresale una octava parte del volumen total, el resto permanece oculto bajo el agua. Nadie se preocupa de la parte que no se ve hasta que choca con ella…

Él a veces se sentía como esos pedazos flotantes de agua dulce helada. Era pequeño, muy peque-ño; el más pequeño de la oficina, el más pequeño de su edificio, el más pequeño de su casa… Pero, sin embargo, su sabiduría era tan grande que tenía miedo de que algún día no le cupiese en el cuerpo. Su tamaño, incómodo para determinados momen-tos, era perfecto para moverse sin ser visto, para

colarse en cualquier parte sin ser descubierto… Así, convirtió su pequeño defecto en su mayor vir-tud. Al volver de esos rincones, insondables para el resto, sus historias eran escuchadas con atención por una audiencia de lo más variopinta que desea-ba viajar a los lugares que él describía. Su voz era suave e hipnótica y bastaba con mirarle para sentir que todo iría bien.

Hoy tienes la suerte de compartir con él esas sie-te partes del mundo que permanecen sumergidas para el humano común y descubrir que, a veces, la vida es simplemente maravillosa…

PSIQUEMarina Domínguez

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REPORTAJE

SALVA LÓPEZ ES UN ARTISTA VISUAL QUE TRASPASA LOS LÍMITES DE LO COTIDIA-NO PARA DESVELAR, EN LO APARENTEMENTE SIMPLE, UNA REALIDAD CARGADA DE POE-SÍA. A TRAVÉS DE VIVENCIAS FAMILIARES, SU PROYECTO “ROIG 26” NOS INVITA A DES-CUBRIR UN VALOR AÑADIDO EN LA FOTOGRA-FÍA: LO EMOCIONAL DE LA VIDA MISMA.

Nacido en Calafell (Tarragona), Salva reside en Barcelona desde 2004, ciudad donde estudió lo que, en la actualidad, se ha convertido en su profesión: el diseño gráfico.

Además, nos ha cautivado por una ha-bilidad innata que muy pocos dominan con maestría: la fotografía de autor, un terreno en el que se desenvuelve a las mil maravillas y donde queda patente su más que sobrado talento a la hora de abordar un proyecto artístico.

En el año 2007 adquirió su primera cá-mara fotográfica y, desde entonces, no ha cesado su proceso creativo en esta disciplina, que ahonda de un modo muy personal en las relaciones entre el hom-bre y la naturaleza y que también utiliza como una herramienta para reflejar sus experiencias personales a modo de diario de viaje.

Con tan sólo 27 años, Salva López ya posee una jugosa cartera de clientes: Seat, Caja Madrid o Dove son algu-nos de ellos. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y ha sido galardonado con los premios Fotoactitud 2011 y Descubrimientos PhotoEspaña 2011.

De entre todos su trabajos, hemos que-rido centrarnos en uno de sus proyec-tos estrella y, además, el primero en el ámbito fotográfico: Roig 26. Se trata de un conmovedor y profundo ejercicio de reflexión donde lo rutinario y lo emocio-nal quedan inmortalizados a través de la mirada escrutante de Salva. Sus abuelos son los protagonistas de estos pasajes y todas y cada una de las imágenes escon-den un secreto, una vivencia o un senti-miento que el artista prefiere no resolver para incitar al espectador a obtener sus propias conclusiones.

Texto: Rocío Montoya

Salva López

ROIG

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Como nos ha contado el artista, Roig 26 nace por casualidad. Todo surge en una época en la que vivió en casa de sus abuelos; etapa en la que empezó a interesarse realmente por la fotografía. De este modo, sus primeros mo-delos fueron la entrañable pareja de ancianos que recorren estas páginas.

Durante el proceso de creación de la serie, algo ocurrió en el interior de Salva al obser-var una toma (la única imagen digital que conserva de la serie final), que provocó un giro en su concepción de la fotografía y que le impulsó a profundizar en este oficio de un modo más serio. Esta imagen (la que abre nuestro reportaje) nos muestra a su abuelo dormido en el sofá y con la cara apoyada sobre la mano. Para Salva, esta estampa simboliza un momento irrepetible. A partir de esta fotografía, se propuso realizar un trabajo sobre la percepción de la relación sentimental de sus abuelos. Nunca existió una intención consciente de hacer un proyecto documental pero, inevitablemente, lo es.

El artista afirma que Roig 26 proyecta su pro-pia mirada, subjetiva, acerca de cosas que observaba en su relación y que le interesaba focalizar: las tensiones, los miedos, las frus-traciones, el aislamiento… y también el amor, pero a su manera.

De algún modo, Salva López nos presenta su particular visión de una realidad cotidiana que, a través de su mirada fotográfica, sufre una transformación experimental y es altera-da para mostrarnos una parte real y otra con-ceptual, esta última ajena a la verdadera vida del protagonista. Este es uno de los motivos por los que no podríamos etiquetar la serie Roig 26 como un proyecto exclusivamente documental.

Observar el día a día de sus abuelos fue la clave para llevar a cabo la realización de este material. En ocasiones, Salva memorizaba instantes que le gustaban para recrearlos a posteriori en sus tomas. Este proceso se con-virtió en algo sencillo que sus familiares y él mismo afrontaban con naturalidad. Además, a sus abuelos les gustaba aunque no lo en-tendían (ni lo entienden) muy bien.

En cuanto al proceso técnico para abordar Roig 26, Salva tomó las primeras fotografías del proyecto con una cámara digital pero, en poco tiempo, adquirió una Rolleiflex, cámara de medio formato (6x6), con la que ha realizado prácticamente toda la serie. El artista destaca el tratamiento del color y la

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profundidad que ha obtenido con ella, así como el método, ya que al tener que mirar hacia el cristal que está situado en la parte superior de la cámara, la aproximación es distinta.

Una vez realizadas las tomas, el siguiente paso era escanear los negativos para digi-talizarlos y, a continuación, comenzar con el proceso de postproducción. Salva edita con Photoshop para apurar detalles, color, pers-pectiva…

Nos cuenta que sus referencias para inspi-rarse fueron muchas. La época en la que se gestó este proyecto coincidió con sus inicios en la fotografía y pasaba horas observando la obra de otros fotógrafos que le fascinaban. Todd Hido, Joel Sternfeld o Larry Sultan son algunos de los artistas que descubrió bu-ceando por la famosa comunidad de Flickr (donde también podrás encontrar el perfil de Salva López).

Como hemos mencionado al principio, Salva se dedica profesionalmente al diseño gráfi-co. Su experiencia en este sector le ha sido de gran ayuda a la hora de tener un criterio estético para abordar compositivamente una imagen. Aunque piensa que en Roig 26 no es tan evidente esta faceta gráfica, sí que lo es su gusto por alcanzar la máxima perfec-ción posible en el arte final y creemos verda-deramente que lo ha conseguido.

Cuidando cada detalle y poniendo especial interés en los pequeños rincones, estas imá-genes aguardan impacientes a que el espec-tador active el músculo de la imaginación y descubrá el porqué de cada objeto, de cada pose y de cada mirada. Este ejercicio de re-flexión completa el proyecto puesto que no te deja indiferente: te hace pensar, evoca recuerdos y nostalgias y, lo más importante, emociona.

Descubrir la obra de Salva López ha sido un regalo que, seguro, mantendremos en la memoria. Su sensibilidad es asombrosa y lo mejor de todo es que viene acompañada con algo que nosotros consideramos imprescin-dible: la culminación de un lenguaje visual propio.

En este caso sí que podemos aplicar el tan conocido dicho de “una imagen vale más que mil palabras”, sus fotografías hablan por sí solas y nos han permitido conocer un poco más cerca la vida de unos sujetos que, sin duda, brillan por su personalidad.

Foto: Angel and Kasey

PrimatesRobin Schwartz

LA SERIE PRIMATES, DE LA FOTÓGRAFA ROBIN SCHWARTZ, NOS ACERCA A UN MUNDO IDEAL EN EL QUE LOS SIMIOS NOS OFRECEN SU LADO MÁS ÍN-TIMO Y SINCERO. IMÁGENES CARGADAS DE INOCENCIA, CERCANÍA Y AMOR POR LA NATURALEZA QUE PONEN DE MANIFIESTO LA CONCIENCIA DE LA AUTORA EN FAVOR DE UNA VIDA DIGNA PARA ESTOS ANIMALES.

Somos muchos los que sentimos algo especial por los animales y ve-mos en ellos lo que la especie humana se dejó por el camino en su gran paso hacia la vida inteligente: la sinceridad. Sus miradas reflejan un espíritu puro, un color blanco que inunda su relación con el mundo y que tiene como máximo exponente el respeto a cuanto les rodea.

En nuestra perfecta vida civilizada olvidamos que formamos parte de un sistema que va más allá de nuestro ser y que, cada uno de nues-tros actos, repercutirá inevitablemente sobre el entorno. Como fruto de esa actitud, perdemos la capacidad de compartir con el mundo ese lado animal que nos hace más básicos y, por lo tanto, más cercanos a la vida que tenemos a nuestro alrededor.

Primates, la serie de Robin Schwartz que ahora presentamos, trata de mostrarnos la intensidad de esa pureza que reflejan los simios, animales que ofrecen personalidades únicas y diferenciadas gracias a unas imágenes que desprenden una gran belleza y cercanía. Estas representaciones son fruto de un trabajo en el que la autora estableció una relación directa con ellos con el fin de capturar un mundo ideal y lejano al cautiverio animal que estamos acostumbrados a ver en los medios de comunicación.

Tras varias visitas a los hogares de estos bellos y velludos protagonis-tas, Schwartz consiguió que los primates mostraran la naturalidad de su comportamiento más íntimo, una labor que demuestra su concien-cia con el mundo animal y en la que contribuyeron los propietarios, antropólogos y guardianes que ayudaron a desarrollar este proyecto.

Robin Schwartz obtuvo el posgrado en Bellas Artes con la especialidad de Fotografía en el Pratt Institute, el New Jersey Council le concedió sus Becas de Arte en 1985 y 1990, en 2009 recibió el Lead Academy Silver Award por los retratos publicados en la berlinesa Dummy Maga-zine y, en 2010, fue seleccionada por el Hyeres Festival International de Mode & de Photographie. En su trayectoria profesional también cabe destacar que sus trabajos han aparecido en publicaciones como The New York Times, O Magazine, Juxtapoz Magazine, Los Ange-les Times, Interview Magazine, Liberation, Bang Art, Esquire o Marie Clair, entre otros. Por otro lado, sus trabajos forman parte de las co-lecciones del Metropolitan Museum of Art, del Museum of Modern Art, y del National Museum of Art, del San Francisco Museum of Modern Art, del Brooklyn Museum of Art o del Museum Folkwang, entre otros. Actualmente trabaja como profesora asistente de fotografía en la Wi-lliam Paterson University de New Jersey.

Texto: Mario Izquierdo

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Arden

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Congo

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Libby

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Nikko

Nursery

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Becky

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Freeman Standing

Anna Pavlova

Foto: Reflection

A menudo inmortalizamos fragmentos de nuestra vida cotidiana: las agra-dables charlas entre amigos, los primeros pasos de los príncipes de cada casa, la cara sorprendida de aquel que recibe un regalo inesperado... Sin embargo, resulta más complicado encerrar en una imagen los estados de ánimo que forman parte de nuestro día a día. No obstante, para personas como Anna Pavlova, la angustia, el dolor, la calma o la alegría se pueden concentrar en instantáneas que tienen la capacidad de hablar por sí mis-mas. Fotografías en las que sobran las palabras porque los gestos y las ex-presiones nos dicen mucho más de lo que nuestros ojos ven. Son capturas que nos hacen cómplices de sus protagonistas ya que estas necesitan de nuestros propios sentimientos para dotarlas de todo su significado.

Esta joven artista rusa, nacida y residente desde hace 19 años en Moscú, comenzó a los 12 a interesarse por la fotografía. Una vez que finalizó sus estudios en el instituto, se incorporó a la universidad dentro de la espe-cialidad de Técnica y arte de la fotografía. Sin embargo, según la propia Pavlova, se encontró con un sistema educativo con demasiados temas re-lacionados con esta rama del arte pero alejados del principal motivo por el que comenzó dichos estudios: hacer fotos.

Orgullosa de no haberse comprado nunca una cámara, Anna desarrolla su trabajo gracias a la Bronica y al objetivo de 80 milímetros que le regalaron tiempo atrás. Con ella captura esas miradas y gestos que traspasan nues-tra retina para recalar irremediablemente en el cerebro.

De momento, la obra de esta joven rusa se presenta tan sólo como un hobby, una afición con la que da salida a los estados de pesadez o ligereza que encuentra a menudo en su vida pero que, a la vez, le sirven como inspiración para capturar los mencionados fragmentos existenciales. Espe-remos que el tiempo y su capacidad para encerrarlos en instantáneas no se agoten para que lleguen muy lejos.

Texto: Mario Izquierdo

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Can´t escape Light curls

Melancholy Rolling in the deep

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La oscuridad invade el universo. Un intenso olor a apocalipsis emerge de las profundidades de la tierra. Las montañas se desmoronan, los bosques caen presos de ardientes desiertos, una espesa niebla absorbe hasta el más tenue rayo de luz. Los brillantes ojos de la criatura avanzan a paso firme. La envidia, la ira y la soberbia sobrevuelan mares y océanos tiñendo de negro el agua cris-talina, aniquilando cualquier esperanza de vida, rompiendo el cielo con sus malignas sonrisas. La avaricia y la gula pasean tranquilas, cogidas de la mano, convirtiendo en tristeza toda alegría, acari-ciando las espaldas de los penitentes con su hue-sudas manos, mientras la gula y la pereza tejen el futuro con hilos de pura maldad. La humanidad, unida en un acto de contrición universal, lanza una llamada desesperada de dolor y rechazo. Un grito desgarrador, un fuerte golpe en la cabeza y el silencio.

Una dulce amnesia nos libera del pecado. Rena-cemos entre ondas cálidas de luz brillante, en una sensación de paz eterna... Abrimos la mente al co-nocimiento universal y lo expulsamos por la punta de los dedos, dispuestos a crear un mundo a nues-tra medida. Dibujamos hombres y mujeres, anima-les con miradas traviesas, pájaros cantones y flores

perezosas. Lagartijas con escaleras, conejos con reloj y un extraño gato que desaparece. Desterra-mos el mal al inframundo. Nos deshacemos de las convicciones sociales y los tapujos morales, desdi-bujamos el pudor, la vergüenza y la culpa. Jugamos a ser Dios y construimos un universo puro y limpio, un mundo nuevo e inocente.

En silencio, observamos la evolución de nuestra creación, agazapados en un tupido campo de mar-garitas. Con manos hábiles corregimos errores, re-estructuramos situaciones, aceleramos procesos y eliminamos peligros. Planificamos una vida de pla-ceres infinitos, un mundo de hedonismo y felicidad, de perfección absoluta... Un auténtico país de las maravillas, artificial y en tecnicolor.

Pero, ¿y el futuro?. ¿Podrá la inocencia vencer el miedo?, ¿el placer sustituir a la muerte?, ¿la felici-dad existir sin tristeza?, ¿sabrá Alicia que al otro lado del espejo puede haber un mundo mejor? Una punzada de miedo amenaza con paralizar nuestros movimientos. Liberamos la mente de toda preocu-pación, respiramos hondo y olvidamos el futuro. El presente se abre ante nuestros ojos, brillante, libre y perfecto. Tranquilos, podemos seguir dibujando nuestro país de ilusión.

GRAPHIKLIFE El Hombre Confusohttp://elhombreconfuso.wordpress.com

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MARY JANE ANSELL ES UNA MUJER SENCILLA QUE DIS-FRUTA CON LOS PEQUEÑOS PLACERES DE LA VIDA. SU PERCEPCIÓN DE LA BELLEZA ES SUBLIME, DELICADA Y CAPAZ DE EMOCIONAR AL ESPECTADOR MÁS EMBRUTECIDO. A CABALLO ENTRE LA INOCENCIA, EL DRAMA Y EL ERO-TISMO, ESTA PINTORA INGLESA ES YA TODO UN REFE-RENTE DEL ARTE FIGURATIVO CONTEMPORÁNEO. EN ESTA EDICIÓN HEMOS TENIDO EL PLACER DE ENTREVISTARLA Y EXPLORAR SUS CREACIONES PARA VIVIR UNA EXPERIEN-CIA VISUAL MÁGICA Y DEMOLEDORA. Texto: Rocío Montoya

Mary Jane Ansell

“NUNCA PODRÍA DEJAR DE PINTAR”

ENTREVISTA

Georgie

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DOZE Magazine: ¿Cómo te iniciaste en la pintura y cuál fue el motivo que te impulsó a dedicarte profesionalmente a este oficio?Mary Jane Ansell: No recuerdo haberme planteado seriamente dedicarme a otra profesión. Para ser honesta, solo he tenido otra obsesión con los fósiles y los volca-nes, ¡pero tenía nueve años! Mi padre es un dibujante excepcional y su madre estu-dió en la Slade School of Art en Londres, trabajando como retratista en la década de 1950. He crecido entre artistas y siempre he concebido con naturalidad la pintura, como una carrera perfectamente tangible para mí.

DM: ¿Cuáles han sido tus influencias y qué aspectos de tu técnica crees que te diferen-cian del resto de artistas?MJA: Me pasan por la cabeza un montón de influencias cuando estoy pensando en un nuevo trabajo, por ejemplo, en mi últi-ma exposición individual. Yo quería revivir algunas de mis primeras pasiones en el te-rreno visual, comenzando con una mezcla imaginaria entre la elegancia de fotógrafos de moda como Cecil Beaton o Horst, ilustradores como Christian Bérard, el clasicista francés, David e Ingres y con elementos de María Antonieta, el Salón de París, Bouguereau… Todas estas re-señas latían en mi mente y continué de-sarrollando mis ideas mientras trabajaba con dos de mis modelos regulares: Sofía y Georgie.

Siempre busco el desafío y divertirme con-migo misma. Utilizo vestidos de época, ac-cesorios y lugares que me resultan inspira-dores e intento seguir puliendo mi técnica y el tamaño de mis obras, que son cada vez más grandes y complejas, o más peque-ñas y delicadas. En contadas ocasiones he trabajado la técnica con grisalla, es un pro-

ceso lento que requiere mucha paciencia y constancia, pero me fascina. Actualmente estoy centrándome en esta técnica pictóri-ca sobre vidrio y sigo en busca de interpre-taciones cada vez más sutiles del color y de los valores tonales. La técnica evolucio-na constantemente y afloran nuevas ideas mientras estás desarrollando una obra.

DM: En la actualidad resulta muy complica-do realizar un proyecto artístico novedoso, es difícil destacar y es aún más difícil triun-far. ¿Podrías explicarnos cuál la sido tu cla-ve del éxito? Es evidente que tienes mucho talento ¿En tu caso ha influido la suerte o el esfuerzo por difundir tu trabajo?MJA: ¡Bueno, gracias! Cuando la gente menciona la palabra “talento” tengo que alegar que no es necesariamente el valor clave del éxito. Lo que más me impresio-na de todos los artistas que conozco y que han alcanzado cierto reconocimiento es que, detrás de esta fama, se esconde un arduo trabajo y que esta labor está respal-dada por la culminación de un lenguaje pic-tórico propio. Las obras de estos artistas, concebidas aparentemente sin esfuerzo, son el resultado de muchas horas de tra-bajo, un trabajo que puedes reconocer in-mediatamente, y esto es lo que me resulta más interesante.

DM: Tu técnica plástica, casi fotográfica, contiene algo inexplicable que la hace in-confundible ¿Quizás es la paleta cromáti-ca, el tratamiento de la luz o esa mezcla entre lo clásico y lo contemporáneo?MJA: Todos estos elementos son, qui-zás, a los que más tiempo he dedicado de manera consciente. De hecho, en mi última exposición en solitario, he tomado algunos de estos conceptos como punto de partida. Aunque he encontrado mi ca-mino de un modo bastante estructurado

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Porcelain I (Study of a girl)

y he desarrollado mi estilo sin ser dema-siado consciente, también forma parte de mi naturaleza tender a deconstruir durante el proceso creativo y perfeccionar lo que funciona, descartar lo que no... Esto nos ocurre a muchos artistas que tratamos de materializar aquello que está “un poco más lejos” de nuestro alcance. ¡Esta ambición es la que te empuja a realizar la siguiente pieza! Y también la magia que surge cuan-do la pintura desaparece, aunque solo sea por unos instantes, pero continúa latiendo el mensaje en el interior del espectador.

DM: Nuestro número gira en torno al con-cepto de pureza e ingenuidad. Tus obras rozan el colmo de la delicadeza. Los esta-dos de ánimo forman parte intrínseca de todas tus piezas ¿Por qué has elegido el retrato para expresarte pictóricamente? ¿Qué deseas encontrar y transmitir a tra-vés de esta disciplina?MJA: Creo que el retrato exige una enorme cantidad de intuición y sensibilidad, al me-nos, si quieres realizarlo con una visión ar-tística. Inevitablemente entran en juego los estados de ánimo, el mío y el de mis mode-los, pero centro mi interés especialmente en el de ellos. Esta es mi obra figurativa,

en la que, a diferencia de mi retrato comercial, expreso mis emociones más conscientemente... Mis modelos aportan un carácter propio y diferente en cada pie-za, por supuesto, pero también estoy tejiendo una narrativa personal en mis cuadros. Puede que esta obra sea direc-

tamente autobiográfica o una traducción de un sentimiento más abstracto...

DM: ¿Has pensado adentrarte en otros terrenos como el arte abstracto, por ejem-plo?MJA: En realidad no... Los elementos abs-tractos existen incluso en el interior de las pinturas más realistas, por supuesto, y, siendo honesta, estos me satisfacen, pero me siento más inclinada hacia la escritura y, con más fuerza, a la creación de música.

Tengo muchos amigos músicos y he des-cubierto que los dos campos comparten muchas similitudes, pero yo nunca podría dejar de pintar.

DM: ¿Qué elementos de tu entorno coti-diano te resultan inspiradores y cuál es el lugar perfecto para trabajar?MJA: Mi estudio, que me encanta, está si-tuado justo en el corazón del norte de la zona de Brighton Laine. Este es un lugar muy vibrante y soy afortunada de disponer aquí de los materiales que necesito para desarrollar mi arte y realizar pinturas al na-tural; hay varios lugares muy hermosos de interés turístico, como el Pabellón Real, y un montón de pequeñas tiendas de atrezzo y vestuario por las que puedo pasear y en-contrar inspiración; todo frente a mi puerta. También he encontrado a la mayoría de mis modelos mientras caminaba por los al-rededores de esta parte de la ciudad.

DM: ¿Encuentras inspiración o referencias en otras artes como la música, el cine o la fotografía?MJA: Si observas detenidamente los títu-los de mis pinturas, muchos hacen refe-rencia a algunas de mis bandas favoritas. Escucho mucha música mientras trabajo, así como audiolibros y podcasts. Soy una gran fan de la música, asistir a conciertos es uno de mis pasatiempos favoritos. La lectura nocturna es también un momento en el que concibo muchas de mis ideas, siento como flotan frente a mis ojos, según voy observando las palabras entre páginas soy consciente de cómo van surgiendo y este encuentro me resulta muy fructífero. De hecho, he pintado varias piezas relacio-nadas solo con este tema; mi serie “Above and below” es una de ellas y una de las pinturas pertenecientes a este proyecto se ha publicado recientemente como portada de una novela escrita por Katie Ward, que se titula “Reading girl” y que encaja per-fectamente con el concepto de la obra.

DM: ¿Tus personajes son ficticios o rea-les? ¿Y cuáles son tus materiales predilec-tos para trabajar?MJA: Aparte de los retratos que realizo por

“MI OBRA FIGU-RATIVA PUEDE QUE SEA DIRECTAMEN-TE AUTOBIOGRÁFICA O UNA TRADUCCIÓN DE UN SENTIMIENTO MÁS ABSTRACTO”

Hush V

Instance III

encargo, los personajes de mis piezas figu-rativas son una combinación de los mode-los y de mí misma. En cuanto al material, yo trabajo con óleo sobre paneles con yeso o con carbón, grafito y pastel.

DM: ¿De qué obra personal te sientes más orgullosa?MJA: No estoy segura de tener una obra favorita, aunque sí hay piezas que son más significativas que otras para mí. Por ejem-plo, las obras que fueron galardonas con el Premio Retrato BP tienen un valor aña-dido al que me he aferrado fuertemente. Es hermoso ver que tus piezas se utilizan en otros formatos inesperados, como car-teles o portadas de libros. Recientemente se han seleccionado varias pinturas de mi última exposición, “Beauty of the hours”, para ilustrar el nuevo álbum de Adam Ant y también para sus próximos singles, y la verdad es que ¡no puedo esperar a verlos!

DM: Si pudieras escoger a alguna persona de cualquier época histórica para retratarla ¿A quién elegirías y por qué?MJA: Isabel I, sin lugar a dudas. Es un icono increíble, con una personalidad muy compleja y un carácter formidable. Me encantaría producir una pieza grandi-locuente, acorde con los extraordinarios trajes y adornos de la época... ¡Esta es una perspectiva verdaderamente deliciosa! ¡Y, sin duda, la amenaza de su decapitación agudizaría considerablemente mi atención para retratarla adecuadamente!

DM: ¿Qué opinas del arte digital? ¿Eres “amiga” de programas de edición gráfica como “Photoshop?MJA: Sí, por supuesto, hay una gran canti-dad de artistas digitales que admiro. Podría mencionar a Tom Bagshaw y Caesar Ray, ambos acuden a mi mente rápidamente en relación a este campo del arte. Los dos po-seen un sin fin de habilidades técnicas y producen un trabajo fascinante y hermoso. Estoy convencida de que, si los grandes maestros hubieran podido optar por la tec-nología digital, habrían hecho uso de ella para impulsar su trabajo... Se trata de una herramienta como cualquier otra y solo los que poseen habilidades podrán aprovechar

adecuadamente estos recursos.

DM: Nos gustaría conocer un poco a la persona que se esconde detrás de estas obras. ¿Cómo te definirías? ¿Cómo es un día cotidiano en tu vida?MJA: Comparto mi casa y estudio con Ri-chard, mi pareja, y nuestros dos gatitos ne-gros. La jornada ordinaria suele comenzar con un paseo por la playa y, si es fin de semana, con un pa-seo más largo por las cercanías del sur de Downs, un poco de ejercicio y tal vez al-gunas clases de tenis durante los meses de verano. Me gusta tra-bajar sola y escuchar música constantemen-te, junto con montones de libros de audio, podcasts y emisoras de radio como la BBC 6. Por lo general, descanso para el almuer-zo alrededor de las dos y después continúo trabajando hasta ocho de la tarde o incluso hasta más tarde si es necesario. A menudo, mis días son largos, pero me encanta mi profesión y no elegiría ninguna otra.

DM: Para terminar ¿Podrías darle algún consejo a los lectores de DOZE que se es-tán iniciando en la pintura?MJA: Continuar con la búsqueda de un lenguaje visual único, que es el que sue-na más verdadero, seguir empujándote a ti mismo, poner mucho interés en el apren-dizaje y no perder de vista lo que te moti-va. Ser profesional, prepararte para largas horas de trabajo y para darle mil vueltas a un mismo concepto. Cuidarte, esto pue-de parecer trivial pero conozco a muchos artistas que padecen dolores y molestias graves (con la correspondiente pérdida de días de trabajo) por estar de pie y utilizar malas posturas. ¡Escribe tus técnicas! No reinventes lo que ya ha rodado demasiado, aprende de los demás, pero no escuches ninguna opinión sin priorizar sobre las tu-yas propias. Y lo más importante de todo, asegúrate de que eres tú mismo cuando intentas impresionar a los demás con cada nueva pieza.

“ES HERMOSO VER QUE TUS PIEZAS SE UTILIZAN EN OTROS FORMATOS INESPE-RADOS, COMO CAR-TELES O PORTADAS DE LIBROS”

Hotel Room I

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“EL NIÑO QUE YO FUI SIGUE CAMPANDO A

SUS ANCHAS ”Puño

ENTREVISTA

DAVID PEÑA, TAMBIÉN CONOCIDO COMO PUÑO, ES UNO DE LOS ILUSTRADORES MÁS VERSÁTILES DE NUESTRO PAÍS. A TRAVÉS DEL CÓMIC, LOS ENCARGOS EDITORIALES, LA PUBLICIDAD Y CUALQUIER COSA QUE LE ECHEN, ESTE ARTISTA VISUAL DERROCHA HUMOR Y TALENTO A PARTES IGUALES SIN RENUNCIAR A SU PARTICULAR ESTILO. LA SENCILLEZ Y EL BUEN GUSTO SE HAN COLADO EN SU PALETA CROMÁTICA PARA CULMINAR EN UNA OBRA QUE BRILLA POR SU ELOCUENCIA. ¡NO TE LA PIERDAS!

DOZE MAGAZINE: ¿Cómo fueron tus inicios y cómo llegaste a vivir de la ilustración?PUÑO: Comencé a dibujar por necesidad, había que traer dinero a casa y hacía lo que podía y lo que me permitiera el BUP: albañilería, repartir propaganda, hacer de payaso en cumpleaños o dibujar story-boards, carteles y programas de teatro. De todo lo que he hecho en mi vida laboral, dibujar es la única actividad que me ha permitido vivir como yo quiero: sin horarios, sin compañeros y sin jefes.

DM: ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración a la hora de crear una nueva obra?P: Cualquiera que me coja cercana. Mis influencias suelen ser cinematográficas y de ilustradores del siglo XX.

DM:¿Cuál es el proceso técnico para realizar tus trabajos?P: Dedico todo el tiempo que puedo a pensar y esa actividad cerebral queda reflejada en garabatos. No son bocetos, es soporte gráfico de las ideas. Después suelo hacer a lápiz un boceto compositivo y la ilustración final la hago digitalmente. Me gustaría utilizar procesos analógicos para mis proyectos profesionales, pero los plazos de entrega urgentísimos no me lo permiten.

DM: De todos los trabajos que has hecho, ¿de cuáles estás más orgulloso?P: ¡De mi próximo trabajo! No suelen gustarme mis trabajos antiguos, soy más de mirar hacia adelante.

DM:¿Qué tipo de trabajos son los que más te gusta hacer?P: Aquellos en los que me dejan absoluta libertad conceptual y gráfica.

DM:¿Qué te hace diferente al resto de ilustradores?P: ¡Yo no me veo tan diferente!

DM:¿Alguna experiencia te ha marcado significantemente para desarrollar tu estilo?P: Toda experiencia condiciona el estilo. Cada libro que lees, cada persona que conoces, cada proyecto al que te enfrentas

añade una muesca más al revólver. El asunto consiste en sa-ber cuáles olvidar.

DM: ¿Tienes algún referente en España? ¿Y en el extranje-ro?P: ¡Un montón! Cada semana uno nuevo. Me gustan muchos autores, continuamente surgen nuevos ilustradores jóvenes y encuentro más material antiguo e interesante en Internet.

DM: La temática de este número gira en torno al concepto de pureza e ingenuidad ¿El desarrollo de tu obra parte de esta base? ¿Dejas salir al niño que llevas dentro cuando empiezas a crear? P: Nunca le encerré en ninguna parte, el niño que yo fui sigue campando a sus anchas.

DM: ¿Qué opinas del comercio del arte en España? ¿Te gustaría moverte en un ámbito más internacional?P: No tengo ni idea del comercio del arte, yo soy algo más parecido a un artesano. Un obrero del lápiz. Ni siquiera guardo originales de mi obra.

DM: ¿Crees que la educación en España debería cambiar? En los primeros años

de educación, como tú dices, todos los niños saben dibujar y, según avanzan los cursos, se le da más importancia a la lengua y a las matemáticas. Bajo tu criterio ¿Cómo crees que podría mejorar este aspecto?P: Todo el sistema educativo necesita ser revisado y susti-tuido. Y en todo sistema de enseñanza es imprescindible una educación creativa como asignatura horizontal. No para convertirnos en expertos, sino para ejercitar y desarrollar el cerebro.

DM: Para finalizar nuestra entrevista ¿Podrías dar algún con-sejo a los lectores de DOZE que se están iniciando en la ilus-tración?P: Si alguno de los lectores tiene pensado vivir de ilustrar, le diría que se dedicara a otra cosa. El oficio de ilustrador se ha degradado tanto en los últimos veinte años que es práctica-mente imposible vivir exclusivamente de dibujar.

“DEDICO TODO EL TIEMPO QUE PUEDO A PENSAR Y ESA AC-TIVIDAD CEREBRAL QUEDA REFLEJADA EN GARABATOS”

Texto: Alejandro Bazal

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Jugador de fútbol recortable para Ilu-StationIlustración para el diario El Mundo

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Impresión para la pared del café Alqamaru en MadridColaboración en el Martirio de Adviento para Le Golfes

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Impresión para la pared del café Alqamaru en MadridOgro asesino para un proyecto rechazado

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This Autumn… ¡Ñam!

Impresión para la pared del café Alqamaru en MadridThis Autumn… ¡Ñam!

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La vida se nos presenta como una enfermedad que nos hace a todos dege-nerar en seres cambiantes, nuestra personalidad se ve transmutada y nos permite ofrecer un perfil frágil e inocente a la vez que perverso y violento. Pero esta enfermedad nos hace grandes y nos da la posibilidad de dar a nuestros semejantes momentos de ternura, infamia, sensibilidad, vicio, perfección, bon-dad o bipolaridad. Una perfecta combinación de sentimientos que le permiten al hombre llegar a comprender que no sabe nada...

Eugenia Alejos nos presenta la serie CODE, unos collages que mezclan ilustraciones con colores puros en tejidos finos y transparentes (como gasas y organzas) y que se contraponen con otros más fuertes (como el cuero metalizado). Sus composiciones dejan en nuestras manos el significado final de cada una de ellas ya que, el mismo hecho de estar enfermos de vida, nos hace interpretar la realidad de infinitas maneras.

Esta joven diseñadora e ilustradora, nacida en 1987, se graduó por la Escuela Superior de Moda de Burgos; en 2010, se especializadó con honores por la ESAD de Oporto y, actualmente, combina su pasión por el diseño con ilustra-ciones como las que presenta en exclusiva para este número.

Eugenia Alejos

Texto: Mario Izquierdo

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PLAYGROUNDJonathan Notario

COMIENZA LA HORA DEL RECREO Y ESTAMOS TODOS INVITADOS A JU-GAR EN EL “PATIO” DE JONATHAN NOTARIO, UN ARTISTA VISUAL QUE, A TRAVÉS DE SU REALIDAD UTÓPI-CA, NOS HACE REFLEXIONAR ACER-CA DE LA CONDICIÓN HUMANA Y NOS DEVUELVE LA ILUSIÓN QUE MUCHOS ADULTOS PERDEMOS CON EL PASO DEL TIEMPO...

Jonathan Notario es un artista nacido en León en 1981. Se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca en 2004 y, desde entonces, compagina su profesión de ilustrador y diseñador con la realización de proyectos personales.

A caballo entre la ilustración, el diseño y las artes plásticas, este creativo multidisciplinar no renuncia a su estilo y está abierto a todo tipo de encargos relacionados con el cómic, la escenografía, el vi-deo, la pintura mural y a cualquier proyecto que ponga el marcha el músculo de su imaginación. Entre sus encargos profesionales más recientes se encuentra el que ha realizado para la agencia madrileña La Despensa.

A parte del material que realiza por encargo para distintos clientes, Jonathan desarrolla su obra plástica personal, trabajando en su empresa “ficticia” Reality Toys. Se trata de un proyecto donde el artista construye todo un imaginario propio de ingeniosos artilugios que nos transportan a una realidad paralela.

Gracias a Reality Toys, Notario ha sido galardonado con diversos premios, entre ellos cabe destacar el premio INJUVE 2010, el pre-mio Carriegos de Artes Visuales y el premio Arte Joven de la Universidad Complutense de Madrid. También ha participado en exposiciones colectivas como Tentaciones 2009 (dentro de la feria internacional de arte contemporáneo ESTAMPA 2009 y comisaria-da por Javier Duero), en las exposiciones itinerantes de INJUVE por Latinoamérica en 2011 (en colaboración con AECID) y recien-temente se pudo disfrutar en la galería Blanca Soto de Madrid de una exposición individual del artista.

PROYECTOS PERSONALES.Izquierda: Autorretrato del artista - Derecha: Mini-bomba atómica anti-discusiones

Texto: Rocío Montoya

Su obra plástica de los últimos años es un híbrido entre pintura, escultura, ilustración, publicidad, cómic, video, fotografía y perfor-mance y, sin condicionar su obra, adapta la técnica en función del mensaje o la idea que pretende expresar.

Reality Toys se ha convertido en su marca comercial, una potente línea de productos y juguetes, aparentemente absurdos y super-ficiales, que Jonathan elabora a mano, de manera artesanal y en gran escala. Estos objetos, que a ojos de los consumidores parecen tener una utilidad muy discutible, materializan un mundo surrealista con una lógica interna: la lógica de la coherencia artística.

Cada obra-producto se presenta como un objeto único que juega a replicar la apariencia de los productos seriales y estandarizados. Cada uno de ellos tiene su propio packaging, su manual de instruc-ciones y su campaña publicitaria personalizada. De esta manera se produce un choque entre la naturaleza extraña y paradójica de los objetos con la estructuración altamente racional del sistema de producción, circulación y consumo industriales que estamos acos-tumbrados a manejar.

El atractivo añadido es que, en el mundo de Reality Toys, cualquier cosa es posible, desde un muñeco que te sustituye en el trabajo

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hasta una lata “anti-discusiones”, pasando por armas que te de-fienden en inglés. El proyecto se basa en la creación de una nueva realidad a través de lo lúdico dentro del sistema del arte y su integración en del sistema social, partiendo de la idea que la sociedad misma tiene del arte.

La simulación de realidades a través del juego es algo que Jonathan No-tario ha hecho desde muy pequeño. Tener varios hermanos empresarios (uno de ellos con una empresa de “Todo a 100”) ha influido en su per-cepción del trabajo. -”Siempre me re-galaban juguetes de 20 duros, todos cutrísimos, pero me encantaban”-.

Con ocho años jugaba a tener su propia empresa de precocinados a domicilio llamada “El Bolitas”, cuya especialidad eran unas bolas relle-nas de bechamel que te enviaba a casa un repartidor delgadísimo pero con unos enormes biceps despro-porcionados al estilo de “Popeye” (era “El bolitas”).

Desde que era un niño la mayoría de sus ideas han estado basadas en in-venciones y artilugios maravillosos, pero ha sido como adulto cuando realmente se ha dado cuenta y ha empezado a tomárselo en serio. A la hora de abordar cada nueva obra, intenta olvidarse de las normas del mundo racional y se deja llevar por las normas del mundo interior, su marca engloba una sucesión de ideas como la consecuencia lógica de un proceso de conocimiento de sí mismo. Jonathan Notario se de-fine como “un individuo que juega a ser artista que juega a ser inventor que juega a ser empresario”.

Sus obras reflexionan sobre la idea misma como concepto y sobre la capacidad creativa del hombre para generar nuevos mundos dentro

del ya existente y, al mismo tiempo, pretende romper las barreras entre la realidad y la ficción a través del lenguaje del juego y la pu-

blicidad. Reality Toys es un juego en sí mismo y Jonathan es el jugador que transforma sus lienzos en pac-kaging de juguetes industriales, disfrazándolos de algo que no son para transformarlos en otra cosa totalmente diferente. El arte es su herramienta para hacer factibles y creíbles cosas que, dentro del mundo real, serían imposibles.

La conclusión de Jonathan con respecto a esta forma de canalizar sus inquietudes artísticas es que se siente fuertemente atraído por los metalenguajes, los laberintos, las imágenes dentro de las imá-genes, los juegos de palabras, el humor, las paradojas y las contra-dicciones.

Su interés por la ilustración y por la viabilidad de evocar nuevas reali-dades a través de esta disciplina también queda latente en sus trabajos, así como su gusto por lo vintage. Como él mismo afirma, tiene la errónea sensación de que cualquier tiempo pasado fue mejor y, por este motivo, se puede en-contrar algo de nostálgico en todo lo que hace, en un intento de ex-perimentar sensaciones olvidadas desde la infancia y masacradas por el aburrido mundo de los adul-tos en el que se encuentra actual-mente: un mundo de burocracia, papeleos, ilusiones truncadas y falsas esperanzas.

Siendo consciente de que no va a poder cambiar este mundo, su propósito es jugar a que sí puede hacerlo y una buena muestra de ello es la que podrás encontrar si te das una vuelta por estas páginas. Si quieres experimentar nuevas sensaciones y despertar al niño inquieto que llevas dentro, no te pierdas la obra de Jonathan Notario.

PROYECTOS PERSONALESWorker Man, el muñeco que te sustituye en el trabajo

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PROYECTOS PERSONALESIzquierda: Vomit Art - Derecha: Cartel para “Reality Toys”

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PROYECTO POR ENGARGO “La Palanca Disco”. Cliente: La Despensa, Marca Burguer King

Siempre que tenía que hacer el transbordo de la línea 4 a la 11, lo realizaba en el menor tiempo posible. En aquella parada, la gente no dejaba de salir por todas partes y de cruzarse entre ellos; por el pasillo de la derecha, por el de la izquier-da, bajando y subiendo las escaleras... Algunos tropezaban con otros o se rozaban al pasar para adelantarse. Sin embargo, él intentaba ir lo más deprisa que podía y esquivándolos a todos para evitar el más mínimo contacto. Nunca hablaba con nadie. Ni siquiera cruzaba una mirada. Pero aquel día era diferente.

Esa masa de individuos seguía yendo y viniendo como todas las mañanas. Pero se dio cuenta de algo. Había estado tantas mañanas, a la misma hora y en el mismo sitio, que algunas caras le empezaban a sonar. La chica del abrigo rojo, el cuarentón de gafas de pasta, el estudiante con el Liberation debajo del brazo… Y comenzó a cami-nar por los pasillos de aquel enorme laberinto bajo tierra escaneando los rostros de aquellos con los que se cruzaba. Su vista se detuvo en un pequeño grupo de cinco personas arrinconadas por el ir y venir constante de gente.

Una familia perdida entre el bullicio de los pasaje-ros del metro, los músicos ambulantes, el ruido de los trenes frenando y los anuncios de la megafonía.

El padre, dando vueltas a un mapa, la madre y la niña cogidas de la mano esperando y los dos chi-cos, uno de 10 años y el otro de unos 15, mirando a todas partes un tanto desinteresados. Se acercó hasta ellos y les preguntó si necesitaban ayuda. El padre le sonrió y le preguntó si sabía cuál era la pa-rada de EuroDisney. Le contestó que él mismo les acompañaría al andén del RER A, dirección Marne-La-Vallée / Chessy.

En el andén, se acordó de lo que le decía su abuela sobre los desconocidos: “Tal vez eso no era ver-dad. No hay que fiarse de nadie que uno no conoz-ca”, pensó. En ese momento, el padre le arrancó el maletín de la mano y lo empujó hacía el mayor de los chicos. Este le rodeó el cuello con el bra-zo mientras que la madre le quitaba la cartera del interior de la chaqueta. La niña y el otro chico le metían las manos en los bolsillos del pantalón para robarle las monedas, las llaves, el móvil... todo lo que tuviera. Él forcejeó hasta que consiguió zafarse e, intentando recuperar el equilibrio, dio tres pasos hacia atrás, pero tropezó y cayó a las vías de la parada de Châtelet-Les Halles mientras se aproxi-maba el RER A de las 9:47 de la mañana, dirección Marne-La-Vallée / Chessy, ante la mirada de la chi-ca del abrigo rojo, el cuarentón de gafas de pasta, el estudiante con el Liberation debajo del brazo y otras cincuenta personas más.

VÓRTICELaura Díaz Extremera

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C E R T E Z ARafa ZubiriaZooo

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Prométeme que no vas a abrir los ojos.Prométeme que no vas a abrir los ojos antes de que lleguemos.

Antes de que tu cuerpo, como si se tratase de una lágrima dormida, se deposite en mis venas yse convierta en tinta, tras el contacto de tu soledad con la mía.

Prométeme que me dejaras dibujar sobre el tiempo flores de aire que imitan tu voz.

Sé que no te gustan las promesas, prefieres tomar-me de la mano y estudiar mis sueños delcero al infinito.

Si abres los ojos cuando todavía hay sol, verás que hay una parte de mi sombra que ahora es llama y

Rafa Zubiria

que mis ojos han cambiado de sitio, y que la tierra no te merece, y que es por eso que he construido una nave en forma de pulpo.

Ahora viajamos hacía el lugar donde escondimos nuestros secretos cuando éramos niños, donde ju-gábamos a ser lobos hambrientos que devoraban fantasmas, donde aún estaba permitido conmover-se, y las estrellas respiraban sobre nosotros y nos limpiaban de toda la hiel que nos habían arrojado, mientras tú y yoprofetizábamos el nacimiento de unicornios bajo el agua.

Cierra los ojos y nunca me dejes dudar.

Texto: Julieta Triangularwww.blaisot.blogspot.com

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D E S PR END E R S ELéo-Paul Billès

Abrir la boca y desfigurarse pronunciando el nombre de Dios, hecho de escarcha.

El del niño castigado en lo profundo del mar

Por amorUno soloPor amor

A la carnePor amor

Más canciones.Destrozaron su mente haciéndole creer en lo bueno y en lo malo.

Pidió un deseo: despierta universo, antes de que desaparezca. Sigo siendo el infierno de la creación.

La que quema y hace creer que el mundo no es este, la tierra liberándose de las nubes,

mucho más, mucho más…

Otro sueño para entrar en el cielo y sus labios gruesos.Otra excusa para un desastre,

Cerrar los ojosSer Dios en la bañera con el pecho descubierto y las heridas arrojando lágrimas.

Su nombrees y sigue siendo

(respuesta insuficiente).

Texto: Julieta Triangularwww.blaisot.blogspot.com

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MAÑ A N ASabrina Caramanico

Genergrohl

Dreams

Red

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Vuelvo a avergonzarme por ser ciego al lado tuyo,este encierro inmaculado,en esta habitación de motel,jeringuillas como colmillos,al morder nuestros suspiros.

Fumamos y robamos juntos,porque no podemos hacer otra cosaque calentarnos con vino.Mientras allá afuera,las uñas del amor son arrancadas sàdicamentecon electricidad.Por sentirse una bestia infinita,que se alimenta de las almascuando se retuercen, cuando están preparadasy renacen...Nosotros nunca hemos sido asísolo queremos un cataclismo,una excusa, un futuro.

Texto: Julieta Triangularwww.blaisot.blogspot.com

Sabrina Caramanico

Genergrohl

COLABO-RADORES

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SALVALÓPEZ

www.salvalopez.com

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GERCODE RUIJTER

www.gercoderuijter.com

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ROBINSCHWARTZ

www.robinschwartz.net122

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ROSSELLAVANON

www.rvanonphotography.com

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KIMHØLTERMAND

www.holtermand.dk

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JOSÉ JAVIER SERRANO /YOSIGO

www.yosigo.es

KERSTINZU PAN

www.kerstinzupan.com12

LIWEI

www.liweiart.com22

LISSYELLE

www.lissyelle.com30

ELENAKHOLKINA

www.offonroad.com40

ALE BURSET

www.aleburset.com50

VINCENTURBANI

www.vincenturbani.com62

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RAFAZUBIRIA

www.rafazubiria.es

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MARY JANEANSELL

www.maryjaneansell.co.uk

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ANNAPAVLOVA

www.flickr.com/photos/the69th178

LÉO-PAULBILLÈS

www.leopaulbilles.com

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GENERGROHL

www.flickr.com/genergrohl

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DAVID PEÑA /PUÑO

www.kokekoko.com181

SABRINACARAMANICO

www.flickr.com/sabrinacaramanico

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EUGENIAALEJOS

www.eugenialejos.com

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JONATHANNOTARIO

www.jnotario.blogspot.com

AGRADECIMIENTOSEn este número también hemos contado con la colabo-ración especial de los siguientes artistas e instituciones:

MARLOTA - www.marlota.esOMAR KASHOURA - www.omarkashoura.comFRANCISCO IGLESIAS - www.franilustracion.blogspot.com

ANA RUEDA, FEDERICO ROSSI, LETICIA LARA VELLAMIGUEL MESTRE, SASHA BANCROFT

issue*en primavera... 9

Preséntanos tus propuestas antes del:1 de febrero de 2012

Si quieres participar con tus trabajos en nuestro siguiente número, puedes enviarnos una selección de entre 7 y 13 imágenes antes del 1 de febrero de 2012 a la siguiente dirección de e-mail: colabora@doze-mag.comPosteriormente nos pondremos en contacto con todos aquellos que estéis seleccionados y nos tendréis que enviar las imágenes con la mayor calidad posible (con una resolu-ción de 300 dpi y/o un alto mínimo de 2000 píxeles).Además del material a publicar, necesitamos que añadáis los siguientes datos personales:

Nombre y apellido / Nombre artístico.Biografía.Web/blog de contacto.Títulos de cada una de las imágenes (en el caso de que los tengan).En los editoriales que presentéis para la sección de Moda es necesario incluir los créditos de cada estilismo, peluque-ría, maquillaje, producción y agradecimientos.

Vivimos en un mundo que permanece en una continua evolu-ción. Los cambios que se reproducen a nuestro alrededor son tan rápidos que no llegamos a ser conscientes de su inmensa magnitud. DOZE Magazine, en su afán por consolidarse cada día como un proyecto innovador, también se ha visto afectado por el inminente torbellino de creatividad que se aburre con la

monotonía permanente. Por este motivo, nuestro magazine resurgirá de sus cenizas con una imagen renovada para apor-tar un nuevo toque de frescura con el estilo editorial que le ha

caracterizado a lo largo de estos dos años.

Abogamos por el optimismo visual, por la capacidad de reinventarnos en cada momento y estamos abiertos a dibujar

nuevos horizontes en el infinito que nos permitan vislumbrar la belleza desde diferentes perspectivas.

Te invitamos a formar parte de REMERGE y a demostrarnos tu valentía en este difícil sector que es el arte. Porque la esperan-za y el afán de superación mueve montañas y porque estamos preparados para cualquier mutación física y espiritual, nuestro

siguiente número hará rebrotar los convencionalismos para demostrar que no todo está visto, encontrará energías positivas

donde otros solo ven pesimismo y resucitará aquellas ideas que algunos consideran desfasadas.

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