Identificación de los elementos manieristas

IDENTIFICACIÓN DE LOS ELEMENTOS

MANIERISTAS

Realizado por:Alfonzo G., Willianny.

C.I: 26.344.461Historia de la Arquitectura II.

Extensión SAIA.

EL MANIERISMO.En el desarrollo del Arte en Italia se conoce como Manierismo al estilo, fundamentalmente

pictórico que aparece a partir de 1520, año del fallecimiento de Rafael, por lo tanto final del periodo más clásico y academicista del Renacimiento italiano. Otra fecha simbólica para el comienzo del manierismo es 1527, con el saqueo de Roma por las tropas de Carlos V, y el final del esplendor papal de comienzos del siglo XVI. Hasta bien entrado el siglo XIX la consideración de la crítica hacia el manierismo fue bastante despectiva, considerándolo una degeneración de las formas clasicistas del primer Cinquecento, una “maniera”, entendida como una exageración estilística de las formas originales, estereotipando las formas, repitiendo los recursos estéticos

El término manierismo se aplica la estilo empleado por algunos escultores de finales del siglo XVI, que trabajaban a la "maniera" de Miguel Ángel, es decir que seguían las tendencias marcadas por él. Así pues asistimos en este momento a un exageramiento de las actitudes y del colosalismo miguelangelesco, las composiciones se hacen más complicadas empezando a generalizarse el empleo de líneas onduladas, la llamada línea serpentinata

En un sentido estricto podríamos considerar las obras finales de Miguel Ángel como un protomanierismo, puesto que en ejemplos como las tumbas de los Medicci en Florencia, iniciadas en 1520 y acabadas en 1532 ya nos encontrábamos ese tendencia a la distorsión, al escorzo violento, aspectos que vemos también en obras inacabadas como la “Piedad Rondanini”; en pintura son frescos del Juicio Final la Capilla Sixtina los que marcan el cambio de tendencia, buscando resultados más efectistas.

El Manierismo se desarrolla en los ambientes refinados e intelectuales de las cortes italianas, de Venecia, Ferrara, Florencia. Se toma como modelo las obras de los maestros anteriores, exagerando el gesto, el colosalismo de Miguel Ángel, aunque no siempre consiguiendo los mismos resultados dramáticos. Se trata de buscar la originalidad los sorprendente y los llamativo, comenzando un camino que acabará en el gusto dramático y teatral del Barroco.

ARQUITECTURA MANIERISTA .

A mediados del siglo XVI se ha llegado a la cumbre del lenguaje renacentista. Y es en este momento cuando se teme un declive de las artes, en realidad no se produce ningún cambio conceptual ni estructural, si acaso una mayor profusión de elementos arquitectónicos, pero empleados ahora con sentido decorativo o una ligera tendencia a plantas más variadas. Dentro de este periodo entrar arquitectos y tratadistas como Vignola (1507 - 1573), discípulo de Miguel Ángel, fue el que acabó la cúpula de San Pedro cuando muere aquel. Vignola se inspira en los ideales religiosos de la Contrarreforma y en el espíritu de las nuevas órdenes religiosas para proyectar un nuevo modelo de iglesia. El edificio donde lo plasmo es la iglesia de Il Gesú (1568) en Roma, se compone de nave única con capillas entre contrafuertes y cúpula en el crucero (inspirada en San Andrés de Mantua), las capillas están comunicadas entre si, con lo que se forman gruesos pilares cuadrados la zona de las capillas permanece en la penumbra, y la atención se centra en la cabecera iluminada fuertemente por la cúpula, en estas iglesias se pueden celebrar varias misas simultáneamente y se instala un púlpito desde donde el predicador da su sermón. En la fachada su diseño no fue aceptado y se construye el de Gíacomo della Porta, inspirado en Santa María Novella pero con un tratamiento mucho más dinámico y donde el equilibrio típico del Renacimiento ya está muy matizado. Generalmente esta iglesia se considera como el punto final del Renacimiento o el inicio de una nueva sensibilidad que tendrá mucha repercusión en el Barroco.

CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA MANIERISTA.

• En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno.

• En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, aunque no cumplen una función arquitectónica.

• La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios. El manierismo rechaza el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica,

concentrándose más bien en el contraste entre norma y transgresión, naturaleza y artificio, signo y subsigno.

De esta manera, la carga pierde su peso, mientras que el sostén no sostiene nada; el punto de fuga no se concluye en un punto focal, como en la arquitectura barroca, sino que termina en nada; las estructuras verticales asumen dimensiones excesivas y confieren al conjunto un inquietante equilibrio «oscilante».

Si en la arquitectura del Renacimiento la fábrica de los edificios a menudo denuncia su propia conformación interna también hacia el exterior (mediante, por ejemplo, la presencia de cornisa intermedia, extradós e intradós), las obras manieristas generalmente se alejan de esta tendencia, escondiendo su propia estructura de base.

Desde el punto de vista decorativo, asume particular importancia el fenómeno de lo grotesco, un tema pictórico de tiempos del imperio romano, redescubierto a fines del siglo XV, durante algunas excavaciones arqueológicas.

CHALET PIOVENE (1539-40).

Características de la Arquitectura Manierista.

Más dudas que certezas rodean la implicación de Andrea Palladio en la ejecución del chalet Piovene, que se levanta solamente algunos cientos de metros del chalet Godi. El primero de todos, el edificio no fue incluido en el Quattro Libri, como por ejemplo otros chalets.

Las características del edificio en sí mismo son en la mayoría de perplejidad, el plan es apenas sofisticado, las ventanas perforan la fachada sin ningún orden particular, y los pronaos se ensamblan torpe al bloque de edificio.

En el centro de una pared larga están los pronaos con un aguilón triangular que se extiende hacia afuera en una alta base. En el jardín detrás del chalet, con una exedra en el centro, fue construido un balchesse. Los pórticos de Muttoni, la pequeña casa de "Romito" en el parque los varios grottoes naturales y el lugar de las memorias en el parque. Una fuente antigua y una cerradura muy vieja también en el parque. Una torre pequeña del puesto de observación y el "Roccolo", los cuales fueron construidos por Andrea Palladio, ya que el nombre se encuentra grabado en las cámaras acorazadas de la puerta de entrada.



En el décimo octavo siglo los pórticos toscanos los cuales fueron agregados en los lados, así como una escalera larga, gradual que va lentamente para arriba entre las estatuas del arquitecto Francesco Antonio Muttoni de Lugo. La puerta y los trabajos del hierro labrado se atribuyen a Pietro Cavaliere.

El jardín del chalet Piovene se compone de tres terrazas en el frente del edificio y hay gradas en los lados con las fuentes y las estatuas que forman un jardín italiano clásico. El parque, de inspiración romántica, es un jardín inglés y fue construido por el arquitecto neoclásico Antonio Piovene en el principio del diecinueveavo siglo. Los grottoes naturales se integran en el sitio en una serie de trayectorias que se enrollan a través de la vegetación rica y conducen a los elementos arquitectónicos pequeños cerca. Una de las trayectorias que entra en el contexto natural son las rocas: esto se llama "el lugar de las memorias" debido a la presencia de las tabletas conmemorativas grabadas numerosas que refieren a los miembros de la familia. Hay los cafés que nos recuerdan cómo en los viejos días los dueños de la casa recibían a sus huéspedes durante tardes asoleadas del verano. El parque de Piovene se considera un jardín histórico y es un monumento nacional clasificado independientemente del chalet.



• Seis columnas jónicas sostienen un frontón• Fusión homogénea entre arquitectura y paisaje• Trazado rectangular• Escalera de doble rampa conduce a la loggia

que sobresale hacia el frente• Ausencia de partes saliente restan prestancia

a las alas laterales• Parte central, con eje claramente diferenciado• Superficies de muros lisos sin modular• Vanos existentes en las paredes

SAN GIORGIO MAGGIORE, VENECIA

(1560 A 1580).Características de la

Arquitectura Manierista.

Situado gloriosamente en la isla de San Giorgio, las blancas fachadas de la Basílica destellan a través del lago de San Marco al la gran piazza. Construido como parte del monasterio benedictino en la isla, la fachada de la iglesia se escala para presentar una cara pública a la ciudad de Venecia que domina y obscurece parcialmente el cuerpo de ladrillo de la iglesia detrás de ella, mientras que refleja el espacio interior del cubo y de sus capillas laterales.

La subdivisión de la fachada refleja los tres cubos separados por la bóveda grande de las travesías de las hachas del plan cruzado latino.

El frente central del templo se articula con cuatro columnas compuestas de tres cuartos levantadas en los pedestales altos, que enmarcan la puerta central. En el plano trasero, el cuerpo más bajo de la iglesia es articulado por una grupo más pequeño de pilastras, apoyando dos más bajas.

La línea de la cornisa continúa a través del organismo central, enclavijando las dos formas. La relevación profunda de estos elementos, combinada con el detalle escultural de capitales, de cornisas, de lugares y de figuras, que marcan un gran juego ligero y de la oscuridad en la luz del sol.




El plan interior combina los elementos de edificios longitudinales y centralizados, de una resolución que responde al renacimiento "ideal" del plan centralizado y de la forma cruzada simbólica y la tradición medieval de las iglesias del cubo y los requisitos de la Contrarreforma para las iglesias funcionales con los cubos amplios para las congregaciones grandes así como las capillas laterales bastante grandes para celebrar los sacramentos.

El techo interior es una cámara acorazada longitudinal del barril que conduce a una travesía, enmarcada por las columnas y los arcos agrupados, que apoyan una bóveda encendida con una linterna. Las cámaras acorazadas cruzadas sobre pasillos laterales y un transept con las capillas absidales interceptan el cubo, y más allá de la travesía está un presbiterio y el coro de los monje.

Las ventanas termales, clerestory que trae la luz a las capillas laterales y al cubo, y el interior brilla intensamente con una luz caliente, reflejada por las superficies pintadas del estuco (ladrillo del excedente) de las paredes y de las cámaras acorazadas. En contraste, el detalle arquitectónico de columnas y de pilastras de piedra cortadas, capitales, bases, entablamentos continuos, arcos enmarcados y pasamanos, obscurecidos con la edad, articulan la secuencia rítmica de espacios.




• Planta en forma de cruz• Corte longitudinal• Ancho crucero• Eje visual con el entorno• Los ejes laterales están encuadrados por pilastras que se duplican en las esquinas• De las paredes, ligeramente retiradas, sobresalen monumentos funerarios en forma de tabernáculos

acolumnados, apoyados en altos pedestales• Las grandes columnas anuncian al frontón triangular• Las cuatro columnas sobresalen de la pared en sus tres cuartas partes, dando la impresión de un orden libre• El frontón es superado en altura por la cúpula• Los bloques de piedra blanca ofrecen una armonía cromática en relación a los ladrillos rojos• La verticalidad de la parte central de la fachada produce un tenso equilibrio con las casas adyacentes, de

marcada articulación horizontal• El campanile, guarda relación con el de San Marcos, constituyendo un nexo de unión entre la plaza y el

complejo de islas• Los tres tramos de la bóveda están separados por columnas de orden corintio, que se apoyan en altos

pedestales• Los capiteles son compuestos (con elementos corintios y jónicos)• Arcos de medio punto en las ventanas termales• Las naves laterales están separadas y al mismo tiempo unidas, a la nave principal por las arcadas, que están

sostenidas por pilastras dobles con capiteles corintios• Pilastras de orden colosal, en estás se asienta un entablamento

IL REDENTORE (1577) Características de la Arquitectura Manierista.

Para liberar a Venecia de una epidemia de peste, el senado de la ciudad decide en septiembre de 1576 erigir una iglesia votiva al Redentor. Palladio es el encargado del proyecto el 23 de noviembre de 1576, teniendo que presentar dos proyectos para la iglesia, uno de planta longitudinal y otro centralizado. Marc 'Antonio Barbaro recomendó la planta circular, pero la comisión optó por una planta longitudinal, decisión más acorde con las disposiciones del Concilio de Trento. Esta Planta era una preferencia de la contrarreforma frente a la planta centralizada, que se consideraba pagana. Palladio no llegaría a ver concluida su obra.La fachada de la nueva iglesia mira un poco a la de San Giorgio Maggiore y tenia que guardar relación salvada la distancia, con los edificios de la Piazzetta di San marco. Palladio combina motivos de su creación anterior, combinándolos en un conjunto totalmente nuevo.

IL REDENTORE (1577) Características de la Arquitectura Manierista.

• Los extremos de la fachada con frontones ascendentes,• El pórtico del templo, coronado por un frontón apoyado en columnas colosales• No parecen ser independientes de la pared frontal, sino que son atrapadas por ésta.• La pared forma una segunda planta, que se cierra asimismo con molduras de frontón ascendente, con

una cornisa horizontal en el medio.• Esta cornisa es interrumpida por el frontón, formando el tejado holandés, que concluye

longitudinalmente en la cúpula, flanqueada por campanarios simétricos.• La fachada es la cara frontal del cubo dividido en varios planos,• La totalidad de la fachada descansa sobre un zócalo, que corresponde a la altura de la escalera• Las paredes laterales de la fachada están enmarcadas por pilastras que a su vez se integran en otras,

más resaltadas, a los extremos de la fachada, introduciendo así las columnas de medio punto, que sobresalen en sus tres cuartas partes de la pared.

• Las columnas externas y el frontón del portal son equiparados en forma y volumen a las columnas centrales.

• En la parte baja, el muro de ladrillo es articulado por pilastras dobles con capiteles corintios,• Se utilizan las columnas en todas sus variantes plásticas (libres, de media caña, y tres cuartos)• Bóveda de cañón con lunetos sobre ventanas termales• Cúpula dominante, da una confluencia de movimiento espacial

PALLAZO CHIERICATE (1550-80).


El Palazzo Chiericati es un edificio rectangular con un pórtico orientado a la Piazza d´lsola, un frente muy público con loggias abiertos en la planta y el piano nobile. La loggia de la primera planta, levantado cinco pies sobre la piazza, a lo largo de toda la fachada en once bahías. Las cinco bahías centrales se proyectan levemente y son separadas de las bahías laterales por las columnas. Los racimos de cuatro columnas en cada esquina de esta proyección apoyan el cuarto principal del piano nobile, que proyecta a la fachada, haciendo dos loggias, uno en cada uno de sus lados, en este nivel. En contraste con el frente, los finales de los loggias en los lados del palazzo se emparejan, con las aberturas arqueadas flanqueadas por las pilastras dóricas y los capitales jónicos. El entablamento con una sucesión regular de triglifos y metopas que se alternan con las cabezas de los toros, que adornan ricamente los techos de las loggias. Las figuras y las urnas sobre la cornisa fueron agregadas en el decimoséptimo siglo.

PALLAZO CHIERICATE (1550-80).


• Edificio cuadrangular, de ejes estrictamente simétricos• Pórtico de doble planta abarca toda su extensión• Zócalo sobre el que se asientan las columnas de la planta baja• En la Loggia de jardín, cerrada por cuatro columnas y flaqueada por escalinatas

dobles• En las alas laterales un entablamento dórico• A partir del tercer intercolunio, el entablamento se acomoda en ambas caras del

edificio• En ese codo aparecen cuatro columnas, de las cuales una sigue el ritmo de las

anteriores y otra retrocede un poco en la loggia, para situarse delante de las restantes, sobre la parte saliente del entablamento.

• La acumulación de columnas en un espacio tan reducido forma un resalto, que en la planta baja abarca el vestíbulo y en la superior la gran sala

• Las columnas del piano nobile son de otro orden que las de la planta baja, y descansan sobre pedestales unidos entre si por balaustradas a lo largo de toda la fachada

ESCULTURA MANIERISTADe este periodo vamos a destacar a Benvenutto Cellini (1500 -1574), teórico y

experimentado técnico de la escultura y de la fundición en bronce, así como de la orfebrería o del esmalte, sobre los cuales escribió sendos tratados. En este terreno de la orfebrería, que parece se el preferido por Cellini destaca el salero de Francisco I, adopta la forma de una fuente, en cuyo borde se colocan las figuras de oro de Neptuno que como dios del mar proporciona la sal y de la diosa Telus, la diosa terrestre que proporciona la pimienta. Su obra más famosa puede ser el "Perseo con la cabeza de Medusa" de Florencia, de 1554, es una de las cimas expresivas del Manierismo maduro en el que se anticipan alguno de los elementos propios de las representaciones barrocas; el brazo levantado mostrando la cabeza de Medusa y el filo de la espada rompen la el espacio y la idea de único plano principal.

Junto a Cellini es Juan de Bolonia quien mejor describe lo que es el manierismo Aunque su origen es franco flamenco, toda su obra la realiza en Italia y dentro de los cánones estéticos italianos. Trabaja tanto el mármol como el bronce, incluso a escala reducida. Su estilo es de lo más dinámico del momento, buscando composiciones inestable y que den la sensación de inestabilidad. Domino como pocos la línea serpentinata, que toda a las figuras de un gran movimiento helicoidal. Una de las obras en la que mejor demostramos está característica es en El rapto de la Sabinas (1581) , una contorsión de las figuras que dibujan una ascensión helicoidal con múltiples puntos de vista; En el "Mercurio" logra posiblemente la más bella expresión del ideal manierista, es una composición de líneas muy abiertas, con un enorme dinamismo e inestabilidad, ya que sólo apoya en un único punto.

CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA MANIERISTA.

• Mantiene en buena parte los aspectos formales de la etapa anterior. Al ser el arte plástica por antonomasia, la forma predomina sobre el contenido y le da una grandilocuencia sólo comparable a las esculturas del helenismo.

• Las figuras serpentinatas cobran primacía en esta etapa: tanto la figura como el grupo ha de tomar la forma de la letra S exagerando el contraposto clásico.

• También se produce una estilización de las figuras alargándose el canon a las diez cabezas.• Los escultores manieristas de la segunda mitad del siglo XVI se van a plantear la cuestión de

la multifacialidad de la obra como una exigencia teórica, como un problema intelectual para el que se requerían soluciones. Estos planteamientos van a dar una importancia cada vez mayor al modelo, al apunte plástico que introdujera Miguel Ángel.

• Hasta este punto la escultura renacentista pedía un escultor estático; el infinito número de puntos de vista convierte al espectador inmóvil en un espectador cinético. Se inician, pues, en este período dos importantes novedades:

la necesidad de modelos de cera o barro para conseguir la multifacialidad inicia un proceso lento a lo largo del cual el modelador se convierte en verdadero escultor, y el escultor original en un artesano, en un técnico. Se abre así un abismo entre ejecución e invención

el bloque de mármol ya no significa una norma sagrada e intocable, sino que se libera de las limitaciones que la piedra le imponía. Esto implica la apertura de un camino hacia la utilización de más de un bloque de mármol para una sola figura.

PERSEO CON LA CABEZA DE MEDUSA

Características de la escultura Manierista.

Perseo con la cabeza de Medusa, también denominada el Perseo de Cellini, es una escultura realizada en bronce por Benvenuto Cellini, considerada una de las obras cumbres de la escultura manerista italiana y una de las estatuas más famosas de la Piazza della Signoria en Florencia, Italia.

Carecen de sentido las críticas que tratan de ver sus obras desde una prospectiva clásica y es obvio que las presuntas faltas de proporciones son intencionadas con el fin de conseguir un efecto estético determinado. El cuerpo no está proporcionado, como era característico de las obras manieristas. Es excesivamente grande y fornido para la cabeza, los brazos han crecido desmesuradamente. El cuerpo de Medusa, a los pies del héroe, aparece retorcido y arqueado después de la decapitación.

Todo exalta la belleza del cuerpo en reposo, cuya carne lisa contrasta con el cabello ensortijado, hirsuto y cincelado en profundidad. El equilibrio se cierra en el lado derecho, aunque en el izquierdo, la composición se abre hacia arriba con el brazo extendido y hacia atrás mediante un acentuado contrapposto, lo cual permite que el bronce gire majestuosamente en el espacio, ofreciendo los ocho ángulos de visión que Cellini consideraba como ideales en su tratado de escultura.

RAPTO DE LA SABINA Características de la escultura Manierista.

Es una clara muestra de la tendencia a la línea serpenteante del manierismo. Se trata de un famoso tema histórico de la antigua Roma. Los personajes están desnudos.

Los rasgos manieristas superficiales son patentes: el alargamiento de las figuras, el gesto desmedido y poco coherente, el espacio angosto... Pero lo propio de Giambologna es su capacidad para introducir estas notas -que son generales a todo el Manierismo- en un movimiento que rompe de forma definitiva con la estatua clásica. El rapto de las sabinas responde todo él a la forma serpentinata que ya había utilizado Miguel Ángel, pero Giambologna prescinde del punto de vista único y el grupo incita a multitud de perspectivas. No existe un delante y un detrás sino una multiplicidad de puntos de vista, de tal manera que el grupo gira como una espiral. Esta multiplicidad, insistimos, viene impuesta por la misma escultura: el movimiento de las figuras que se retuercen y prolongan en su contraposición no atiende ya a la perspectiva frontal típica del Renacimiento, visión estática y serena sustituida, aquí, por un enérgico dinamismo.

MERCURIO VOLADOR (1565) .

Características de la escultura Manierista.

La figura desnuda de Mercurio está en un escorzo trazando de nuevo una línea serpenteante. Es una estatua de bronce. La obra más conocida de Juan de Bolonia es el Mercurio Volador (1565) realizado en bronce y ubicado en el Museo del Bargello florentino aunque una réplica del mismo también se encuentra en el Museo del Louvre. El mensajero de los dioses está representado en una posición en suma inestable, apoyado sobre la punta de un pie mientras que la otra pierna se lanza hacia atrás en diagonal con el brazo cuya mano señala los cielos que le envían. Con una inspiración en modelos antiguos, Juan de Bolonia expresa con su dinámica figura una apariencia de movimiento. Pero en verdad se trata de un movimiento congelado que se lanza en actitud vertical de fuerza y ligereza pese a su altura, cercana a los dos metros. La escultura, como característica propia del manierismo, adopta un infinito número de puntos de vista en función de su composición helicoidal. Todo el estudio de la figura en su trazo diagonal anticipa la escultura barroca y, en cierta manera, sirve de puente entre el clasicismo renacentista romano y el manierismo toscano.

PINTURA MANIERISTA.Predominan en el manierismo las formas curvas, ondulantes, la línea serpentinata del escultor

Gian Gologna, según el ejemplo del Laocoonte y su influencia en el arte del Cinquecento. Los escorzos se llevan al extremo produciendo formas incomodas y rebuscadas, en cierta medida antinaturales. Las composiciones se vuelven inestables, desequilibradas, asimétricas, podemos encontrar que todas las figuras se agolpan en un pequeño espacio del cuadro, mientras otros quedan completamente despejados. Se impone lo dinámico, figuras en inestable equilibrio, sujetas tan sólo por la punta de pies.

El tratamiento de la anatomía se hace extremo, o gigantes al estilo miguelangelesco de poderosa musculatura, o cuerpos delicados y frágiles en actitudes afectadas. Respecto al color, nos encontramos con una total libertad en la utilización de la paleta, buscando contrastes llamativos, tonalidades y matices originales e irisados. En muchos casos interesa más el valor puramente decorativo del cuadro, El objetivo es buscar lo novedoso lo que sorprenda al espectador. No sólo se busca esa sorpresa con las formas extravagantes, sino que también se intenta conseguir a través del propio contenido de la obra, a menudo complejo, lleno de símbolos y significados difíciles de descifrar para el neófito...

Será en Roma y en Florencia la dos ciudades donde las lecciones escultóricas e pictóricas de Miguel Ángel tendrán mas repercusiones inicialmente y donde aparecen los primeros pintores propiamente manieristas, sobre todo en la segunda, ya que Roma tardará un tiempo en recuperarse de la crisis que supuso el sacco de 1527. De una primera generación de pintores manieristas hay que destacar a Pontorno (1494-1537), composiciones onduladas y asimétricas, cuadros luminosos, escenas dramáticas, posiblemente su cuadro más conocidos sea el Descendimiento de la iglesia de Santa Felicia en Florencia (1526-1528), en el que los cuellos se alargan, el canon se estiliza, el ritmo de la composición se hace mas sinuoso , busca el refinamiento del gesto y del color para potenciar el efecto dramático de los rostros.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA MANIERISTA.

El Manierismo en pintura se distingue fundamentalmente por la ausencia de naturalismo en su representación de la realidad; sus efectos visuales algo exagerados que se reflejan en colores llamativos y artificiales, iluminación poco natural, cierto desequilibrio, contraste, desproporción en las figuras -extremidades y rostros algo alargados, cabezas más bien pequeñas- y adopción de posturas forzadas o complejas; tratamiento irreal del espacio; predominio de la técnica imitativa; puesta en cuestión del ideal clásico de belleza y equilibrio del Alto Renacimiento; entre otros rasgos.• Contraposición con los elementos clásicos basados en la belleza, la armonía y la unidad.

Las obras manieristas son inestables, tensas y desequilibradas. Las composiciones son irregulares, con zonas muy vacías y otras muy llenas, y las figuras se representan como a punto de caer.

• Se sustituyen los colores suaves por otros más fríos y ácidos. Las tonalidades no siempre se corresponden con las reales de los objetos representados.

• Los dibujos son muchas veces exagerados, sofisticados y artificiosos. Acentúan gestos y giros, predominio de las curvas.

• Los artistas deforman sus composiciones por diversos ejes, generalmente diagonales.Algunos pintores manieristas fueron Bronzino, El Greco, Tintoretto y Veronés.

LEDA CON EL CISNE. Características de la pintura Manierista.

Leda y el cisne es una obra de estilo manierista realizada en óleo sobre lienzo por el artista italiano Antonio Corregio (1489 – 1534). La obra de Corregio presenta una ascensión desde las formas clásicas del renacimiento típico del siglo XIV hasta innovaciones de un manierismo tan profundo que incluso preludian los avances del barroco.El artista ha optado por unificar diversas escenas de la historia en un mismo espacio, así Corregio establece en el centro de la composición la unión entre Leda y cisne. El artista ha sabido plasmar el momento con gran elegancia incorporando a partes iguales sensualidad y moderación, Leda sedente en una roca aparece completamente desnuda en una sensual y manierista pose mientras deja que el hermoso cisne acaricie su cuerpo. En la zona de izquierda vemos de nuevo la figura de Leda, primero desnudándose ayudada de sus criadas mientras observa el hermoso cisne que está en vuelo y después, dentro del agua rechazando – pese a que su rostro dice lo contrario- con un preciso gesto al animal.En la zona de la derecha encontramos a Cupido, dios del amor, tocando un arpa y acompañado por dos pequeños amorcillos.

La escena se desarrolla en un espacio natural, con grandes árboles que ofrecen un marco lacónico a esta escena de amor; al fondo del paisaje se observa un tenue sfumato influencia que la obra leonardesca tuvo en el artista.El artista ha estudiado profundamente la composición y posición de las figuras, éstas presentan múltiples posturas y escorzos que rebelan el estilo manierista de Corregio. La luz ha sido muy acertada, se expande por todo el lienzo incidiendo especialmente en las encarnaciones de los cuerpos desnudos.

LA MADONNA DEL CUELLO LARGO.

Características de la pintura Manierista.

Esta magnífica Virgen con Niño, ángeles y san Jerónimo - más conocida como la Madonna del largo cuello - es la obra más interesante de la producción del Parmigianino ya que recoge su manera de entender el Manierismo y resume su lenguaje pictórico, en el que emplea figuras alargadas al máximo debido al empleo de lentes aberrantes y lleva la anatomía al extremo de la verosimilitud. Estas imágenes serán admiradas por El Greco, como fuente de sus figuras estilizadas. La figura de María sujeta en su regazo a un estilizado Niño Jesús, que llega incluso a la deformidad, mientras los ángeles que contemplan la escena muestran un canon similar. La figura de la Virgen es más elegante y en ella destaca su alargada mano de finísimos dedos. El fondo parece sacado de una obra surrealista: una columna aislada a cuyos pies contemplamos a san Jerónimo, quien lleva en sus manos la traducción de las Sagradas Escrituras. La iluminación crea contrastes que refuerzan el volumen de los personajes, empleando la "técnica de los paños mojados" que pega las telas al cuerpo para mostrar su anatomía. El resultado es una elegante composición donde podemos encontrar algún elemento simbólico que ha permanecido oculto hasta hoy día.

VENUS Y AMOR DESCUBIERTOS POR

UN SÁTIRO.Características de la pintura Manierista.

Es un cuadro típico del manierismo, en el que ya no se respeta el equilibrio del Alto Renacimiento. Al contrario, las figuras adoptan posturas retorcidas y se colocan en forma diagonal. Correggio trabaja con modulaciones cromáticas, logrando imprimir un aspecto suave y mórbido en los cuerpos de la diosa y su hijo. La luz baña las figuras dotándolas de una cierta ingravidez. Esa luz que incide sobre los cuerpos realza la composición en diagonal.

La figura del sátiro es escultórica, recordando a la obra de Miguel Ángel.

La impresión general es de sensualidad, gracias a la adopción de una línea sinuosa, color atmosférico, luz crepuscular y un modelado voluptuoso.

Art & Photos

Identificación de los elementos manieristas