Содержание 3 4 J - nsau.edu.ru fileрусская галерея Рг 3 30 J 18 J 40 J j 78 Дефекты масляной живописи и их исправление

30 J

18 J

Ярмарка актуального искусства Арт–Москва, V Московский международный салон изящ-ных искусств и XXIV Российский антикварный салон. Русские идут?

Иннеса ПоМеловА Innesa PomeloVa

валентин ПоМелов Valentin PomeloV

j 6

j 14

выставка в Совете федерации

открылась художественная выставка «СТеПНАЯ СЮИТА»

exhibition in the Federation Council

«StePPe SuIte» art Show Preview

Поздравляем юбиляра!

Содержание Contents32008

16 J

24 J

4 J

8 J

j 20Федор ПоМеловFyodor PomeloV

Congratulations to the Hero of Jubilee!

Живопись Painting

art moscow actual art Fair, 5th moscow International Salon of Fine arts and XXIVth Russian antique Salon. Russians advance?

Художественные династии России. Семья художников Помеловых

Art dynasties of Russia. The Pomelovs family of artists

виталий МИРоНов Vitaliy mIRonoV

Летописец тихой провинции

Quiet Province Chronicler

Римма ПеНКИНАRimma PenKIna

Ветка дымковского древа

Branch of the Dymkovo Tree

Группа Арт–Paint. Семья КулешовыхАрт–Paint Group. the Kuleshovs’ Family

Алексей СолоДИловalexey SoloDIloV

Лирический пейзаж Алексея Солодилова

Lyrical Landscape by Alexey Solodilov

виктор МИРоНеНКоVictor mIRonenKo

Плещут байкальские волны….

Baikal Waves Splashing….

Павел ГАНжАPavel Ganzha

Цветовой реализм

Colour Realism

26 J

j 30

34 J

j 39

j 49

43 J

53 J

Народные промыслыVernacular arts

Светлана веДеРНИКовАSvetlana VeDeRnIKoVa

Все, как в первый раз...

All Like the First Time...

р у с с к а я г а л е р е я Рг 3

30 J

18 J

40 J

j 78

Дефекты масляной живописи и их исправлениеoil Painting Defects and methods of Correcting them

Батик, виды и техникаBatik types and technique

Понятие о масштабе. Методы копированияConcept of Scale. Copying methods

j 70

Краски по шелкуSilk Painting Colours

67 J

62 J

74 J

Журнал распространяется через каталоги:ОАО «Агентство Роспечать», «Почта России» и «МК — Периодика», а также путем прямой редакционной и зарубежной подписки.

Приглашаем к сотрудничеству руководителей и членов региональных художественных объединений, художников, а также художественные галереи. Рассылается в 2000 художественных галерей всего мира.

Звоните нам по тел. (499) 257–13–39

Никифор КРылов (1802–1831)nikifor KRyloV (1802–1831)

j 60

j 64

Школа юного художника Schoool of the young Artist

Михаил лАРИоНов (1881–1964) mikhail laRIonoV (1881–1964)

Бунтарь русского авангарда

Russian Avant–Garde Rioter

Маньеризмmannerism

Писал смелее прочих...

One that painted bolder than others...

4 Рг R U S S I A N G A L L E R Y

Поздравляем юбиляра! ConGRatulatIonS to tHe HeRo oF

JuBIlee!

5 мая 2008 года исполнилось 80 лет Валентину Михайловичу Сидорову — крупнейшему худож-нику нашего времени, лауреату государственных и международных премий, народному художни-ку СССР, члену президиума Российской академии художеств, председателю Союза художников Рос-сии, президенту международной конфедерации Союзов художников, крупному общественному дея-телю. Его жизнеутверждающее искусство тесно свя-зано с реформами 1960–е годов. Вместе с другими художниками–шестидесятниками он внес огром-ный вклад в искусство и культуру нашей страны, обновив художественный язык русского искусства. Более 60 лет активная созидательная деятельность Валентина Михайловича связана с Союзом худож-

Валентин Михайлович Сидоров

Valentin Mikhailovich Sidorov

В.М. Сидоров. ЗдРАВСтВуй, ПЛеМя МЛА-

дое! дВА тоПоЛя. 1999. Х., м.

V.M. Sidorov. HeLLO, YOunG TRiBe! TWO

POPLARS. 1999. Canvas, oil

On 5 May 2008 Valentin Mikhailovich Sidorov celebrated his 80th birthday. He is one of the greatest artists of our epoch, win-ner of State and International prizes, People’s Artist of the USSR, member of the Presidium of Russian Academy of Arts, Chairman of the Union of Artists of Russia, President of the International Confederation of Unions of Artists, and a great public figure. His life–asserting art is tightly bound with the reforms of the 1960–s. Like other artists of the 60s he made a considerable contribution to the art and culture of this country by renovating the pictorial style of Russian art. For more than sixty years creative work of Valentin Mikhailovich has been bound with the Union of Artists. For more than twenty years he has been in charge of staff consisting of many thousands of Russian artists.

Valentin Mikhailovich is a well–known public figure in this country. He represents Russian artists in International Art Associ-

ated / UNESCO Europe, regularly takes part in world congresses of artists, works as a mem-ber of different councils and commissions in every possible way prompting Russian artists in the world arena. Valentin Mikhailovich is also famous for his literary works, and research. He is a member of the Union of Writers of Rus-


ников. Более 20 лет он руководит многотысячным коллективом художников России.

Валентин Михайлович известен в стране как крупный общественный деятель. Он представ-ляет интересы российских художников в Интер-нейшнл Арт Ассошиэйтед, Европы ЮНЕСКО, явля-ется постоянным участником всемирных конгрессов художников, работает в составе различных сове-тов и комиссий, всемерно способствуя продвиже-нию интересов российских художников на миро-вой арене. Известен Валентин Михайлович и своей литературной, исследовательской деятельностью. Он является членом Союза писателей России и авто-ром ряда замечательных книг, множества публика-ций в журналах и газетах.

В. М. Сидоров — талантливый педагог, вос-питавший многих известных ныне художников. Он и сейчас продолжает руководить мастерской в Государственном художественном институте им. В.И. Сурикова, работает с молодежью в домах творчества. Валентин Михайлович ведет большую благотворительную деятельность. Многие годы он направляет свои личные средства на восстановле-ние и строительство храмов и поддержание дет-ских учреждений, прилагает много сил для увеко-вечения памяти выдающихся российских художни-ков. Благодаря его усилиям в российской истории по–новому зазвучали имена целого ряда крупных мастеров живописи прошлого.

Коллектив журнала «Русская галерея — XXI век» искренне поздравляет Валентина Михайло-

вича с юбилеем и желает ему крепкого здоровья и творческих успехов.

В.М. Сидоров. ПоРА БеЗоБЛАчного неБА. 1969. Х., м.

V.M. Sidorov. THe TiMe OF CLOuDLeSS SkY. 1969. Canvas, oil

В. М. Сидоров. СВятАя гоРА. 2002. Х., м.

V. M. Sidorov. SACReD MOunTAin. 2002.

Canvas, oil

sia and the author of a number of wonderful books, many publica-tions in newspapers and magazines.

V.M. Sidorov is a talented teacher. He educated many artists that have now become famous. He still directs a studio in V.I. Surik-ov State Art Institute and works with the youth at art centers. He also performs a lot of charity work. For many years he has chan-neled his personal funds for reconstruction and building of church-es, and support of child–care centers. Moreover he spends a lot of efforts to perpetuate the memory of outstanding Russian artists. Due to his endeavors a whole number of leading painting masters of the past acquired a greater significance in the history of art.

All staff of the «Russian Gallery — XXICentury» magazine sincerely congratulates Valentin Mikhailovich on his anniversary

and wish him good health and success in his creative work.


вЫСТавКа в СовеТе ФедераЦии eXHIBItIon In tHe FeDeRatIon CounCIl

30 полотен художника–мариниста В.И. Шиляева были представлены в Совете федерации на прошед-шей в марте выставке «Под флагом России на Даль-нем Востоке». В открытии выставки приняли участие члены Совета федерации, депутаты Государственной думы, представители Военно–морского флота России, гости из Приморского края. Приморский художник–маринист, живописец и график Валерий Иванович Шиляев в 2008 году отметит свое 60–летие. Состояв-шаяся выставка — своеобразный творческий отчет художника, чья любовь к морю и истории российского флота не случайна. Он вырос в семье офицера, учился в военном училище, служил в армии, в юности меч-тал стать моряком. Тема морской стихии — неспокой-ной, знающей отливы, бури и бездны — всегда очень много для него значила. В.И. Шиляев первым среди художников Приморья сделал сутью своего творчества показ духовно–нравственной жизни русского народа через малоизвестные страницы отечественной исто-рии. Произведения В.И. Шиляева неоднократно экспо-нировались в России, Японии, Республике Корея, они хранятся во многих музеях и в частных коллекциях в России и за рубежом. Более подробно с творчеством художника можно познакомиться, прочитав публи-кацию в журнале, «Русская галерея — XXI век» №4 за 2007 год.

Океан и его кораблиOcean and its Ships

Автор Шиляев В.И., председатель исполкома «Клуба адмиралов»,

вице–адмирал, заслуженный военный специалист РФ и кандидат

экономических наук Михайлов Юрий георгиевич

V.i. Shilyaev, the author; Yuriy Georgievich Mikhailov, «Admirals’ Club»

executive Committee Chairman, Vice Admiral, honoured military expert

of the Russian Federation, Ph. D. in economics

Шиляев В. триптих ЦуСИМА, ценральная часть,100x150, 2004г.

V. Shilyaev THe TSuSiMA triptych, central part, 100x150, 2004Шиляев В. триптих ЦуСИМА,

правая часть, 100x70, 2005г.

V. Shilyaev THe TSuSiMA

triptych, right part, 100x70, 2005

Шиляев В. триптих ЦуСИМА,

левая часть, 100x70, 2005г.

V. Shilyaev THe TSuSiMA triptych,

left part, 100x70, 2005

The Federation Council roomed 30 canvases by the marine painter V.I. Shilyaev shown at the exhibition «Under the Flag of Russia in the Far East» that was held in March. The opening ceremony of the exhibition was attended by members of the Federation Council, depu-ties of the State Duma, representatives of Russia’s Navy,


Автор Шиляев В.И., начальник секрета-

риата главкома ВМФ в запасе дровосеков

Виктор дилиорович с супругой

The author, assistant of a member of the

Federation Council, Viktor Diliorovich

Drovosekov, retired post captain, head of the

secretariat of the Commander in Chief of the

navy, with his spous

Автор Шиляев В. И., кап.1 ранга, начальник секретари-

ата главкома ВМФ в запасе дровосеков

Виктор дилиорович

V. i. Shilyaev, the author, Viktor Diliorovich Drovosekov, post

captain, retired head of the secretariat

of the Commander in Chief of the navy

Капитан 1 ранга, начальник приемной и секретарь Военного совета

ВМФ РФ чугунов Серафим Михайлович, пред. исполкома «Клуба

адмиралов», вице-адмирал, заслуженный военный специалист Рф

Михайлов Юрий георгиевич и автор Шиляев В. И.

Seraphim Mikhailovich Chugunov, post captain, head of the office and

secretary of the Russian navy War Council; Yuriy Georgievich Mikhailov,

«Admirals’ Club» executive Committee Chairman, Vice Admiral,

honoured military expert of the Russian Federation

and guests from Primorski Krai. In 2008 Valeriy Ivanovich Shilyaev, marine artist, painter, and graphic artist from Pri-morski Krai, will celebrate his 60th anniversary. The exhi-bition that was held is a certain report of the artist whose love to the sea and the history of the Russian Navy is not accidental. He grew up in the family of an officer, studied at a military college, served in the army, and in his youth he dreamt of becoming a seaman. The theme of the choppy marine element that features ebbs, flows, and the gulf, has always been of much significance to him. V.I. Shilyaev was one of the artists of Primorski Krai to focus in his works on demonstration of intellectual and moral life of Russian people through little known facts of the domestic history. Works by V.I. Shilyaev were repeatedly exhibited in Russia, Japan, and the Republic of Korea. They are kept in many museums and private collections in Russia and abroad. A more detailed information on the artist’s oeuvre one can find in an article published in the «Russian Gallery — XXI Century» Magazine in 2007.


ярмарка актуального искусства арт–москва, V московский международный салон изящных искусств и XXIV российский антикварный салон. русские идут? art moscow actual art Fair, 5th moscow International Salon of Fine arts and XXIVth Russian antique Salon. Russians advance?

Ударным аккордом в завершении весеннего выста-вочного сезона текущего года стали несколько оче-редных крупных художественных событий — Россий-ский антикварный салон, ярмарка актуального искус-ства Арт–Москва и, наконец, — Международный салон изящных искусств в Манеже. Зрители, посетив-шие все эти три мероприятия, могут смело начинать готовиться к отпускному сезону, так как кроме специ-альной Архитектурной биеннале, которая стартовала в конце мая, больше крупных художественных ярма-рок и фестивалей в Москве до осени не предвидится.

Ветеран московских салонов — российский анти-кварный салон — состоялся традиционно в апреле в Центральном доме художника аж в 24–й раз. Несмо-тря на свой значительный стаж, салон не переста-ет удивлять нас постоянными преобразованиями, причем, если раньше изменения носили в основном экстенсивный и стихийный характер (мероприятие разрасталось территориально, так как прибывали новые участники), то последние несколько лет от внимательных глаз критиков и публики не могут ускользнуть новшества, вводимые организаторами. Помимо выделения специальной VIP–зоны, среди участников которой только проверенные, зареко-мендовавшие себя антиквары и публикации специ-альных топ–листов (перечней лучших произведений на салоне, составляющихся Экспертным советом), в этот раз гостей ожидало еще несколько специаль-ных сюрпризов от организаторов. В уже упомянутой


VIP–зоне были заметно увеличены площади стен-дов, они стали не только более просторными, но и картины в рамках каждого стенда экспонировались почти по–музейному: никаких шпалерных развесок (когда произведения развешиваются вплотную друг другу от пола до потолка), на многих стендах экс-позиционно отделяли живопись от графики, разные художественные стили или отдельных художников. Многие антиквары представляли на стендах практи-чески отдельные художественные проекты — этакие мини–выставки. А среди специальных некоммерче-ских проектов всех поразил отдельный зал с выстав-ленными шедеврами Головина, Врубеля, Судейкина и др. из собраний провинциальных музеев: Тверской галереи и Костромского музея. Еще одной характер-ной особенностью последних двух–трех салонов и последнего в том числе стало увеличение доли ино-

The finale of the spring exhibition sea-son of this year was marked by several large regular art events including Russian Antique Salon, «Art Moscow» Actual Art Fair, and finally the International Salon of Fine Arts in Manezh. The audience that visited all these three events can undoubtedly start getting ready for the holiday season, since besides the special Architectural biannual exhibition that started at the end of May Moscow will host no more large art fairs or festivals till the autumn.

The oldest of all Moscow salons, Rus-sian Antique Salon, was traditionally held in the Central Artists’ House in April for the 24th time. Despite its long record the salon keeps surprising us with constant modifica-tions, and what is more if earlier the chang-es were mainly extensive and spontaneous

(the territory of the event expanded with the arrival of new participants), then for the last few years critics and audience cannot but notice the innovations introduced by the organ-izers. Besides a special VIP–area with only tested participants that managed to approve themselves and publications of spe-cial top–lists (lists of the best works at the Salon are composed by the Expert Committee) the organizers prepared a few more special surprises for the guests. The stands in the already men-tioned VIP–area were much larger. They were now more spa-cious, and moreover pictures in each stand were exhibited in almost a museum manner with no trellis (when works hang close to each other from the floor to the ceiling). Many stand owners separated paintings from graphic works, divided differ-ent art styles and different artists. Some antiquarians showed almost separate art projects, a sort of mini–exhibitions, at their stands. And as for special non–commercial projects everyone was struck by a separate hall with masterpieces by Golovin,


странной живописи среди таких родных русско-му покупателю Айвазовских, Шишкиных, Фальков, Кончаловских и др., последние, кстати, или не встре-чались вовсе, или если и встречались, то произведе-ния их всех вместе взятых можно было пересчитать по пальцам одной руки.

А в целом очередной салон представлял собой кар-тину довольно грустную. На фоне усовершенствован-ных разреженных экспозиций особенно обнажились проблемы и недостатки отечественного антикварно-го арт–бизнеса. Тенденция уменьшения числа работ «первых» художников немедленно влечет за собой следующие последствия: увеличение и усиленный промоушн третьих и четвертых имен, а также умень-шение работ вообще — из года в год со стенда на стенд кочуют одни и те же картины. В случае же если появляется картина или даже рисунок известного мастера — такое произведение неминуемо становится шедевром и сенсацией, несмотря на индивидуальные качественные характеристики. А поскольку в этот процесс прямо или косвенно вовлекаются и музеи, то масштабы подобных вмешательств в историю искус-ства несложно себе додумать.

Еще одной нерадостной тенденцией является зам-кнутость российского антикварного рынка — для нас даже лондонские аукционные дома устраивают два–три раза в год специальные русские торги. Этому

Vrubel, Sudeykin, and other from collections of provincial museums including Tver Gallery, and Kostroma Museum. Another distinguishing feature of the two or three latest salons and the latest one as well is a greater part of foreign paintings among the so dear to Russian purchasers works by Ayva-zovskiy, Shishkin, Falk, Konchalovskiy, and others. By the way, there were almost no of the latter ones, and those that were exhibited could be counted on the fingers of one hand.

On the whole though the regular salon made rather a disap-pointing impression. Against sparse modernized expositions one could clearly see the problems and disadvantages of domestic art business. The tendency to reduce the number of works by the first artists results in an increased number and intense promotion of the third and fourth names, and the overall reduction of the quantity of works — from year to year the same pictures move from one stand to another. And if there appears a painting or even a draw-ing by a famous artist, such work inevitably becomes a masterpiece and sensation despite its individual qualitative characteristics. And since museums, either directly, or indirectly, participate in this proc-ess too, the ending of such interference in the history of art is quite easy to imagine.

Another gloomy tendency is isolation of Russian antique market — even London auction houses arrange special Russian auctions twice or thrice a year. This phenomenon has a socially historical explanation, but lately it has started to look like sim-ple ignorance towards the world’s art process, since Russian purchasers are always eager to buy works by ordinary Russian


феномену есть социально–историческое объяснение, но в последнее время все это начинает больше напо-минать простое невежество по отношению к миро-вому художественному процессу. Ведь русский поку-патель готов выкладывать за произведения рядовых русских художников суммы, в несколько раз пре-вышающие цены на картины всемирно известных мастеров.

Вообще на последнем антикварном салоне и зри-телей заметно поубавилось, а скучающие антиквары вынуждены были развлекаться профессиональными посиделками и даже пением под принесенную из дома гитару.

Совершенно противоположную картину представ-ляла собой ярмарка актуального искусства, прошед-шая вслед за антикварным салоном в Центральном доме художника в середине мая: обычно занимающая только второй этаж, она в этот раз разрослась на весь ЦДХ, зрители толпились не только в выходные, но и со вторника по пятницу, а художественные крити-ки радостно возвещали со своих печатных трибун о совершенствовании качества российского актуально-го искусства.

Экспозиционная тенденция ярмарки была прямо противоположна таковой на антикварном салоне: если у антикваров в целом наблюдалась тенден-ция целостности стенда, то на большинстве стендов

painters for prices several times higher than those of works by world–famous masters.

Generally the latest antique salon was visited by fewer guests, and bored antiquarians had to entertain themselves with professional parties and even singing to the accompaniment of a guitar somebody brought from home.

The Actual Art Fair that was held soon after the antique salon in the Central Artists’ House in May was an absolutely different event. Traditionally it occupied only the second floor, but this time it expanded and occupied the whole building. The public flocked to the Fair at weekends, and what is more on week–days from Tues-day to Friday, and in their publications arts critics announced per-fection of the quality of Russian actual art.

Expositional tendency of the fair was precisely the oppo-site of the one seen at the antique salon: antiquarians tended to stand integrity, whereas most stands of large actual galleries showed two or three masterpieces by either several leading art-ists of the gallery, or artists whose solo projects won recognition at galleries during the past exhibition season.

On the whole the expositions were more adjusted and quiet. Striking and shocking emotions from the previous fairs were in tatters: even the scandalous Kulik was represented by rather aesthetic photographs. The organizers did their best to gently intrigue and gladden the audience. Most of the works exhibited seemed to almost appeal to the public: «Take me home» and «I will make your life more beautiful». And judging by abundant red dots many works found their collectors.


крупных актуальных галерей были представлены по два–три шедевра от нескольких ведущих художников галереи или же от художников, персональные про-екты которых отгремели в рамках галерейных про-странств в течение минувшего выставочного сезона.

Вообще экспозиции стали более выверенными и спокойными. От поражающих и шокирующих эмо-ций от прошлых ярмарок не осталось и следа: даже скандальный Кулик был представлен вполне эстет-скими фотоработами. Устроители постарались мягко заинтриговать и порадовать посетителей, большин-ство экспонатов почти взывало «Возьми меня домой» и «Я украшу твою жизнь». И, судя по обилию красных точек, многие произведения нашли своих коллекцио-неров.

И еще одна важная деталь — невозможно было не заметить, что средний возраст посетителей и

Another important detail — one could hardly leave it unnoticed that on the average visitors and participants of the fair were hardly older than 30–35 years. It cannot but gladden that an art event can attract the youth and become a certain glamour party. On the other hand if even arts critics keep dis-puting on actual art, then how could fashionable party–lovers find the fair attractive and interesting?

And finally at the end of May and the beginning of June the Bolshoy Manezh welcomed Moscow International Salon of Fine Arts, one of the major art and social events of the season. The International Salon held for the fifth time gladdened the public with a combination of antique and modern actual works of world and Russian art, sometimes even within one stand. Though the high level of this event, the title of one of the major social routs of the season, and a special jewelry floor guarantee a good attendance and the highest rate among collectors and art connoisseurs.


участников ярмарки едва ли превышал 30–35 лет. Не может не радовать, что художественное мероприя-тие может привлечь молодежь и стать своеобраз-ной гламурной тусовкой. С другой стороны, если даже профессиональные искусствоведы продолжа-ют вести споры по поводу актуального искусства, то что находили любопытного и интересного на ярмар-ке модные тусовщики?

И, наконец, в конце мая — начале июня состоялся Московский международный салон изящных искусств в Большом Манеже, одно из главных художественных и светских мероприятий сезона. Прошедший в пятый раз, международный салон радовал публику бодрым смешением антикварных и современных актуаль-ных произведений, мирового и русского искусства, и иногда даже в рамках одного стенда. Впрочем, высо-кий уровень этого мероприятия и звание одного из главных светских раутов сезона, а также специаль-ный ювелирный «этаж» неизменно обеспечивают ему замечательную посещаемость и высочайший рейтинг среди коллекционеров и почитателей искусства.

Но, безусловно, меняется и обживается на русской почве даже международный салон. Например, с каж-дым годом заметно уменьшается количество произве-дений старых мастеров, то есть созданных в XIX веке и ранее — в этом году подобные вещи были представ-лены на стендах двух–трех галерей, и то вперемежку с более современными творениями. Очень выросло число галерей, представляющих опять же современ-ное актуальное искусство как русское, так и западное. Так, в этом году одна из западных галерей привезла целую коллекцию авторских произведений Энди Уор-хола. И, по большому счету, почти каждая из галерей, участвующих на международном салоне, постара-лась привезти что–нибудь «русское»: произведения известных Хаима Сутина, Марка Шагала, Андрея Лан-ского или нашего современника Юрия Купера.

Посещение антикварных и современных салонов и ярмарок бывает крайне любопытным: помимо непо-средственно представленных художественных произ-ведений обычно также представляется возможность наблюдать общие тенденции в искусстве. Наш фор-мирующийся отечественный арт–рынок, который в последние годы пытается выйти на новый, официаль-ный уровень, конечно, полон несовершенств, кроме того, русский арт–бизнес вынужден постоянно огля-дываться и на западных коллег. И все же основной вопрос — что ожидать от русского художественного рынка и русского искусства вообще в дальнейше — остается открытым.

Мария Липатова, искусствовед, член Ассоциации искусствоведов

However certainly even the International Salon changes and grows roots on Russian ground. Thus from year to year the number of works by old masters created in XIX century and earlier reduces. This year such works were shown at stands of two or three galleries, and even then alternating with more modern creations. The Salon featured much more galleries that represented modern actual art both Russian and Western. Thus this year one of the Western gal-leries brought a collection of author’s works by Andy Warhol. And generally speaking almost each of the galleries that took part in the International Salon tried to bring something Russian like works by the well–known Haim Sutin, Mark Shagal, Andrey Lansky, or our contemporary Yuriy Kuper.

It may be quite interesting to visit antique and modern salons, since besides the works exhibited one usually has a chance to see the general tendencies in art. Our developing art market that has recently tried to acquire a new official status certainly has numer-ous imperfections. Moreover Russian art business has to constantly look back at Western colleagues. And still the main question — what do we expect from Russian art market and Russian art gener-ally in the future — remains unanswered.

Maria Lipatova, Arts Critic, Member of the Association of Arts Critics


Это совместный проект Центрального музея Великой Отечественной войны, Национального музея Республики Калмыкия им. Н.Н.Пальмова и Издательского дома «ПАНОРАМА» — художествен-ная выставка «СТЕПНАЯ СЮИТА» — посвящается

открылась художественная выставка «СТеПНая СюиТа» «StePPe SuIte» art Show Preview

Министерство культуры Российской ФедерацииЦентральный музей Великой Отечественной войны

Национальный музей Республики Калмыкия имени Н.Н. Пальмова

Издательский дом «ПАНОРАМА»

Представляют художественную выставку «Степная сюита»

Ministry of Culture of the Russian FederationCentral Museum of the Great Patriotic WarN.N. Palmov National Museum of the Kalmykia Republic «Panorama» Publishing House

Present the «Steppe Suite» Art Show

Выставка открыта с 10 июня по 10 сентября в Художественной галерее Центрального музея Вели-

кой Отечественной войны

Opening ceremony of the exhibition will take place in the Art Gallery of the Central Museum of the Great Patriotic War from June, 10 to September, 10

Мошулдаев М. ПоРтРет

нАРодного АРтИСтА РоССИИ И

КАЛМыКИИ А.т.САСыКоВА. 2006г.

Х., м. 92х109

M. Moshuldaev. PORTRAiT OF

PeOPLe’S ACTOR OF RuSSiA AnD

kALMYkiA A.T. SASYkOV. 2006.

Canvas, oil. 92х109

Шиняев н. СКАчКИ. 2008г. Х., м. 67х100

n. Shinyaev. RACeS. 2008. Canvas, oil. 67х100

«Steppe Suite» art show, a joint project of the Central Museum of the Great Patriotic War, N.N. Palmov National Museum of the Republic of Kalmykia, and «Panorama» Publishing House, is dedicated to the 400th anniversary of the voluntary annexation of Kalmykia to Russia.


400–летию добровольного вхождения Калмыкии в состав России.

Современные художники, представленные на выставке, это поколение «перестроечного» времени, пронизанное духом демократического обновления общества. Их поиски и устремления находятся в общем потоке развивающегося искусства России. В своих про-изведениях они раскрывают смысл простых и вечных истин о родной земле, людях и жизни. Богатство и глу-бина внутреннего мира позволяют этим художникам подняться над прозаичностью быта и достичь высокой степени символического обобщения. Глубокий истин-ный патриотизм и прославление жизни — вот основ-ные темы произведений творческого союза художников Калмыкии. Часто источником их вдохновения являются калмыцкая степь, народные обряды, сказки и легенды. Степные пейзажи живописцев наполнены особым сия-нием, возвышенной лучезарностью, их пронизывает острое чувство торжества бытия.

На выставке будут представлены художники разных творческих направлений. Они живут думами, чувства-ми и надеждами своих современников. Их объединяет одно общее дело — отображение прошлого и настояще-го своей Родины. Являясь участниками многочислен-ных художественных выставок в России и получив при-знание за рубежом, свои лучшие работы они посвяща-ют героическому народу Калмыкии накануне 400–летия его добровольного вхождения в состав России.

На выставке будут представлены работы художни-ков: Адучиева Ц.М., Ботиева С.К., Бошева Н.Б., Васьки-на В.С., Евсеевой Н.К., Монтышева В.М., Поваева А.М., Поваевой Х.А., Сангаджиева Э.Э., Сангаджиевой Д.В., Совы В.К., Сураевой Т.А., Ургадулова В.И., Ушановой Г.Н., Шиняева Н.У., Эледжиева Н.Я.

Т. Л. Дьяченко, заведующая отделом художе-ственных экспозиций и выставок

Шиняев н. КАЛМыЦКИй ПРАЗднИК джАнгАРИАдА. ЛучнИК.

2008г. Х., м. 75х100

n. Shinyaev. kALMYkiA FeSTiVAL DjAnGARiADA. THe ARCHeR.

2008. Canvas, oil. 75х100

Сангаджиев Э. КАЛМыЦКАя СтеПь.1992г. Х., м. 62х95

e. Sangadjiev. kALMYkiA STePPe.1992 Canvas, oil. 62х95

Modern artists whose works are exhibited at the show represent a generation of the «post perestroika» epoch penetrated with the spirit of democratic reno-vation of the society. Their search and aspirations are united by general tendencies of Russia’s developing art. Their works uncover the meaning of simple eternal truths about the native land, people, and life. Their rich and profound inner world allows the artists to get over prosaicness of routine to attain a high level of symbolic generalization. Profound genuine patriotism and glori-fication of life make up the major themes of works by members of the Creative Union of Kalmykia Artists. They are often inspired by Kalmykia steppes, folk ritu-als, fairy tales, and legends. Steppe landscapes by these painters boast a unique luster, lofty radiance, and an acute feeling of triumph of being penetrating them.

The exhibition will feature works by artists of differ-ent artistic styles. Their life is guided by thoughts, feel-ings, and hopes of their contemporaries. They are united by one common mission — depiction of the past and the present of their Motherland. Participants of numer-ous art shows held in Russia they have won recognition abroad, and still they dedicate their best works to the heroic people of Kalmykia on the eve of the 400th anni-versary of its voluntary annexation to Russia.

The exhibition will feature works by many artists including Ts. M. Aduchiev, S.K. Botiev, N.B. Boshev, V.S. Vaskin, N.K. Evseeva, V.M. Montyshev, A.M. Pov-aev, H. A. Povaeva, E.E. Sangadjiev, D.V. Sangadjieva, V.K. Sova, T.A. Suraeva, V.I. Urgadulov, G.N. Ushano-va, N.U. Shinyaev, N.Y. Eledjiev.

T.L. Dyachenko, head of the department of Art expositions and exhibitions

16 Рг R U S S I A N G A L L E R Y Painting

30.11.1942 г. Родилась — г. Сергиев Посад Московской области.

1964 г. Окончила Ростовское художественное училище имени Грекова, отд. скульптуры.

1969 г. Окончила с отличием МВХПУ (б. Стро-гановское), отд. худ. керамики.

1970–1973 гг. Училась в аспирантуре МВХПУ (б. Строгановское).

1974 г. Член Союза художников СССР.2003 г. Диплом Российской академии худо-

жеств.

иннеса ПомеловаInnesa PomeloVa

Художественные династии России. Семья художников Помеловых

Art dynasties of Russia. The Pomelovs family of artists

Помелова И. ПейЗАж. 2007г.

Х., м. 70х90

i. Pomelova. LAnDSCAPe. 2007.

Canvas, oil. 70х90

30.11.1942. was born — city of Sergiev Posad, Moscow region.

1964. Graduated from Grekov Art College in Rostov, sculpture department

1969. Graduated from High School of Industrial and Applied Art (former Stroganov), department of artistic ceramics.

1970–1973. Did postgraduate studies at High School of Industrial and Applied Art (former Stroganov)

1974. Granted with membership of the Union of Artists of the USSR

Живопись р у с с к а я г а л е р е я Рг 17 р у с с к а я г а л е р е я Рг 17

В современном искусстве все меньше места остается для мечты, для веры в Прекрасное, кото-рое должно преобразить мир. Мечта прекрасная, одухотворенная — главные константы жизни и творчества Иннесы Помеловой.

Иннеса замечательный мастер керамики, но не менее значительна и интересна ее живопись, кото-рая является органическим продолжением деко-ративной пластики. Средствами живописи худож-

Помелова И. ЛоШАдИ нА Снегу.

2000г. Х., м. 40х70. Из собрания

журнала «Русская галерея —

XXi век»

i. Pomelova. HORSeS On THe SnOW.

2000. Canvas, oil. 40х70. «Russian

Gallery — XXi century» magazine

collection

Помелова И. ПетуХ. Б.,пастель. 2004г. 70х50.

Из собрания журнала «Русская галерея — XXi век»

i. Pomelova. THe COCk. Paper, pastel. 2004. 70х50

«Russian Gallery — XXi century» magazine collection

2003. Awarded with the Diploma of Russian Academy of Arts.

Modern artists pay less and less attention to the dream, to faith in the beautiful that is supposed to change the world. A beautiful inspired dream makes up the major con-stant of Innesa Pomelova’s life and work.

Innesa is a wonderful master of ceramics, however her paintings integral with decorative plastic art are neither less considerable nor less interesting. By means of painting the artist creates a certain spatial and emotional element con-

Помелова И. ПоРтРет неЗнАКоМКИ. 2007г. Х.,м. 80х80

i. Pomelova. PORTRAiT OF A STRAnGeR. 2007. Canvas, oil. 80х80


ница создает определенную пространственную и эмоциональную среду созвучную ее пластике, ее живописный вариант. Это созвучие присутствует и в средствах выразительности, и в изобразительных мотивах.

Цветы и вообще растения, любимая тема худож-ницы, являются для нее олицетворением силы и красоты жизни, ее одухотворенностью и бесконеч-ностью. В движении стеблей, в развертывании вет-вей деревьев есть высшее чудо. Рассматривая цве-точные натюрморты, не перестаешь удивляться мастерству художницы, которая видит и передает трепетность множества цветовых оттенков и града-ций приглушенных изысканных сочетаний цвета. Масло — основной материал Иннесы, но при напи-сании цветов, она лишает его тяжести. Лишь ино-гда для достижения декоративного эффекта пишет цветы энергично, большими пятнами.

Ее живописная пластика будто бы рождается мгновенно и непосредственно в динамике художе-ственного восприятия. Отсюда кажущаяся легкость и свобода художественного выражения, живая линия, намек, мягкость и нежность касания кисти

sonant with her plastic works, a certain pictorial version of them. Such consonance can be seen in both expressive means, and pictorial motifs.

Vegetation generally and flowers specifically make up the favourite theme of the artist. She considers them embodiment of power and beauty of life, its spirituality and eternity. Stem motions and spread of tree branches embody the sovereign miracle. When looking at floral still–lives one cannot but wonder at mastery of the artist that can see and convey reverence of many colour shades and gradations of exquisite colour combinations. Oil is the major material of Innesa, though when depicting flowers she manages to eliminate its heaviness. Only sometimes to achieve a decorative effect she depicts flowers as large spots in an energetic manner.

Her pictorial plastic works seem to be instantly born directly in artistic perception dynamics, which is the reason for seeming lightness and artistic expression freedom, live-ly line, allusion, softness and gentleness of brush–strokes, and subtle harmony. Brush strokes are not bound with the material form. Instead they are done loosely, so her works sometimes acquire an irrational nature. This is particularly evident in works of philosophical and mythological content

Помелова И. БуКет БАБьего ЛетА. 2004г. Х., м. 59х44. Из собрания

журнала «Русская галерея — XXi век»

i. Pomelova. BOuQueT OF inDiAn SuMMeR. 2004. Canvas, oil. 59х44.


Помелова И. ИРА. 2007. Х., м. 60х40. Из собрания журнала

«Русская галерея — XXi век»

i. Pomelova. iRA. 2007. Canvas, oil. 60х40. «Russian Gallery — XXi

century» magazine collection


Помелова И. тАнеЦ В ноВоЛунИе. 2007г. Х., м. 70х50

i. Pomelova. DAnCe in neW MOOn. 2007. Canvas, oil. 70х50

Помелова И.гРуСтный ПьеРо. 2007г. Х., м. 70х90

i. Pomelova. SAD PieRROT. 2007. Canvas, oil. 70х90

и тонкость гармонии. Мазки не привязаны к мате-риальной форме, а свободно струятся, отчего рабо-ты подчас приобретают иррациональный характер. Особенно это ощущается в работах философско–мифологического содержания — «Ангел», «Кен-тавр», в этих композициях художница не боится прибегнуть к экспрессивной деформации формы, подчеркивая тем самым неземной смысл изобра-женного. Живописная система художницы строит-ся на сложных мерцающих, загорающихся и гас-нущих в пространстве фона тонах. Они передают все нюансы эмоций и вступают в тихий разговор со зрителем.

Систему образно–выразительных средств любой темы затронутой художницей определяет эмоцио-нальный момент. Каждая работа Иннесы Помело-вой исполнена особой поэтичности. Подобно вол-шебнику она создает из хаоса красок мир полный гармонии и красоты, в котором есть место душе и мечте.

Работы Иннесы Помеловой находятся в гале-реях, музеях и частных коллекциях России, США, Франции, Италии, Финляндии.

Натэлла Топурия, искусствовед, член СХ России

like «The Angel» or «The Centaur», where the artist dares to expressively distort the shape, thus emphasizing the super-natural meaning of the objects depicted. The artist’s picto-rial system is based on shimmering shades that light up and then fade in background space. Those shades convey all the nuances of emotions and start a quiet conversation with the audience.

The system of pictorial and expressive means, and any theme touched upon by the artist is determined by emo-tions. Each work by Innesa Pomelova is imbued with a spe-cial poetry. Like a magician she turns the chaos of colours into the world full of harmony and beauty with room for sincerity and dreams. Her works are kept in galleries, muse-ums, and private collections in Russia, USA, France, Italy, and Finland.

Natella Topuriya. Arts critic, member of the Union of Artists of Russia.


Федор Помелов Fyodor PomeloV

25.11.1974 г. Родился в г. Протвино Московской области.2001 г. Окончил МГАХУ «Памяти 1905 года», отд.

живописи.2003 г. Награжден дипломом Российской академии

художеств.2003 г. Принят в Союз художников. 2005 г. Награжден Знаком губернатора Моск. обл.

«Благодарю».2008 г. Победитель IV Межнационального конкурса

молодых художников «Москва — город мира», диплом 1 степени в номинации «Живопись».

2008 г. Окончил МГАХИ им. В.И. Сурикова, факуль-тет живописи.

Федор Помелов вошел в искусство как человек твор-ческий очень рано. Он начал принимать участие в выстав-ках еще в студенческие годы. Его художественное миро-воззрение, особое отношение к миру и чувство пре-красного формировались в художнической среде, кото-рая окружала его с детства. До окончания Суриковского института Федор Помелов стал членом Союза художни-ков, что говорит об определенной творческой зрелости и упорном труде на пути постижения тайн мастерства. В

Помелов Ф. РоСтоВ ВеЛИКИй.

СтАРый доМ.2007г. Х., м. 60х80

F. Pomelov. ROSTOV THe GReAT.

THe OLD HOuSe. 2007.

Canvas, oil. 60х80

25.11.1974 was born in the city of Protvino, Moscow region.

2001 Graduated from Moscow Art College named in memory of the 1905 Revolution, painting department

2003 Awarded with the Diploma of Russian Academy of Arts

2003 Granted membership of the Union of Artists 2005 Conferred «Gramercy» decoration by the Gover-

nor of Moscow region.2008 Winner of the IV International Competition of

young artists «Moscow–City of the World», First–Degree Diploma in the category «Painting»

2008 Graduated from V.I. Surikov Academy of Fine Arts in Moscow, painting department, studio of T.G. Naza-renko

Fyodor Pomelov as a creative person first appeared in the world of art at a very early age. He started to take part in exhibitions while still a student. His artistic worldview, special attitude towards the world and aesthetic sensitiv-ity were formed in artistic environment, as since childhood he was surrounded by painters. Before he even graduated from Surikov Institute Fyodor Pomelov became a member


его работах счастливо сочетаются культура живописной традиции, унаследованная от учителей, и незаурядный индивидуальный дар молодого художника, суть которого заключается в стремлении не показать натуру, а передать свои впечатления от нее.

Художник пробует себя в разных жанрах, но пей-заж заметно преобладает. Это пленэрные работы, раз-нообразные по выбранному мотиву. Каждый пейзаж проникнут только ему присущим настроением. В пере-даче эмоциональных состояний художнику удается достичь сложных оттенков. Они могут быть драмати-чески напряженными («Городской пейзаж», «Великий Устюг», «Мельница на Протве»), светлыми и гармонич-ными, безмятежными («Таруса. Дорога к храму», «Дом в Приморске», «Вечер. Боровск»). Часто натурная кон-кретность мотива сочетается со стремлением создать возвышенно–романтический образ («Вечер», «Пафну-тьевский монастырь»). А иногда образ природы получа-ет философское, символическое звучание («Разрушен-ный дом», «Городской пейзаж»).

Эмоциональная, свободная, раскованная манера пись-ма наполняет работы неповторимым очарованием. Спон-танное соединение красок передает живописную красоту фактуры. Художник чувствует пейзаж всем своим суще-ством, выплескивая на холст сгущенные концентриро-ванные краски, добивается психологической остроты и цветоносности. В пейзажах Федора Помелова ощущаются традиции русского импрессионизма.

of the Union of Artists, which is an evidence of a certain creative maturity and hard work done to grasp the secrets of mastery. His works harmoniously combine the culture of painting tradition inherited from his teachers, and out-standing individual gift of a young artist which may be described as aspiration for conveying impressions about nature, rather than for simply showing it.

The artist tries his hand at different genres, though landscape is a prevailing one in his oeuvre. His plain air works differ in motifs. Each landscape boasts its own mood. In his attempt to convey emotional states the artist manages to attain complex shades that vary from dramati-cally tense ones («The City Landscape», «Velikiy Ustyug», «Mill on the Protvya») to light, harmonious, and placid ones («Tarusa. The Way to the Church», «The House in Pri-morsk», «Evening. Borovsk»). He often combines concrete motifs with an aspiration to create a lofty romantic image («Evening», «Pafnutyevskiy Monastery»). And sometimes he gives the image of nature a philosophical symbolic twist («The Demolished House», «The City Landscape»).

His emotional, loose, and relaxed manner of painting fills his works with a unique charm. Spontaneous combi-nation of colours conveys the pictorial beauty of texture. The artist instinctively feels the landscape, and by spilling out thickened concentrated colours he attains a psychologi-cal keenness and colour intension. Landscapes by Fyodor Pomelov feature traces of Russian Impressionism tradi-tions.

Помелов Ф. тАРуСА. оСеннИй день. 2007г. Х., м. Из собрания


F. Pomelov. TARuSA. AuTuMn DAY. 2007. Canvas, oil. «Russian Gal-

lery — XXi century» magazine collection

Помелов Ф. ХРАМ В уСтЮге. 2006г. К., м. 77х65. Из собрания


F. Pomelov. THe CHuRCH in uSTYuG. 2006. Cardboard, oil. 77х65.



В отличие от пейзажей, натюрморты мастера под-черкнуто конструктивны и композиционно выверены, живописная манера более пластична, цветовой тон звуч-нее, более сдержанна колористическая гамма. Натюрморт часто имеет значение эксперимента, связан с решением чисто живописных проблем. Но натюрморты художни-ка не просто подбор предметов в нужном живописном порядке, они обладают глубоким и, можно сказать, фило-софским смыслом. Так, в работе «Венецианские маски», глаз лежащей на столе маски, следит за нами, напомина-

Помелов Ф. тАгАнРог. доМ

нА Юге 2004г. К., м. 70х60.

Из собрания журнала «Русская

галерея — XXi век»

F. Pomelov. TAGAnROG. HOuSe

in THe SOuTH. 2004. Cardboard,

oil. 70х60. «Russian Gallery — XXi


Помелов Ф. дождЛИВое Лето.

2004г. К., м. 34х50.

Из собрания журнала


F. Pomelov. Rainy Summer.

2004. Cardboard, oil. 34х50.

«Russian Gallery —

XXi century» magazine collection

Unlike his landscapes, still–lives by the master boast an accentuated alignment of the structure and the composi-tion. The painting manner is more plastic, colour shades are more imposing, and the colour range is more restrained. Still–lives often serve an experiment meant to solve just pictorial problems. However the artist’s still–lives are more than just an arrangement of objects in the right pictorial order. Besides they possess a profound, even a philosophi-cal meaning. Thus in his work «Venetian Masks» the eye–hole of the mask lying on the table watches us reminding

Живопись р у с с к а я г а л е р е я Рг 23

ет нам, что «жизнь театр». Интересны портреты Федора. При некотором композиционном однообразии, худож-ник стремится раскрыть внутренний мир и характер модели, духовное и психологическое состояние.

Федор Помелов — мастер молодой, еще не написав-ший свою главную картину, но и сейчас можно говорить о нем, как о живописце с яркой художественной индиви-дуальностью, художнике глубоком и искреннем.

Активно участвует в зональных, областных, городских и зарубежных выставках (более 50 выставок). Его работы находятся в частных коллекциях и галереях России, США, Франции, Италии и Финляндии.

Натэлла Топурия, искусствовед, член СХ России

Помелов Ф. гРоЗА В тАРуСе. 2008г.

Х., м. 70х90. Из собрания журнала


F. Pomelov. STORM in TARuSA. 2008.

Canvas, oil. 70х90. «Russian Gallery —


that «life is theatre». Fyodor’s portraits are no less interest-ing. Despite a certain compositional uniformity the artist tries to expose the inner world and the character of models, their spiritual and psychological state.

Fyodor Pomelov is a young artist. He has not yet created his major work, though we can already say he is a painter with a bright artistic individuality, a profound and sincere artist.

Natella Topuriya, Arts critic, member of the Union of Artists of Russia

Помелов Ф. РоСтоВ ВеЛИКИй. ПРоХодной дВоР.

2007г. Х., м. 60х80

F. Pomelov. ROSTOV THe GReAT. Passable Yard. 2007.

Canvas, oil. 60х80

Помелов Ф. тАРуСА. 2008г. Х., м. 70х90. Из собрания журнала


F. Pomelov. TARuSA. 2008. Canvas, oil. 70х90.



валентин Помелов Valentin PomeloV

07.03.1939г. Родился в г. Донецке, Украина.1959 — 1962г. Учился в Одесском художественном

училище.1964г. Окончил Ростовское художественное училище

имени Грекова, отделение живописи.1969г. Окончил c отличием МВХПУ (б. Строганов-

ское), отд. монументально–декоративной живописи.24.08.1999г. Умер и похоронен в г. Протвино.Судьбы художников складываются по–разному.

Известность, успех, шумиха вокруг того или иного имени, зачастую мимолетны и недолговечны. Чаще признание приходит лишь после смерти художника, а его картины продолжают свой самостоятельный жизненный путь, передавая радость и красоту того времени, в котором жил автор.

Валентин Помелев — художник, которого не волно-вала внешняя сторона жизни с ее суетностью и мелкими проблемами. Искренность, естественность самовыраже-ния — главные черты его творчества.

Множество современных измов не трогало душу художника. Его всегда привлекала реальная жизнь с ее внутренним, загадочным смыслом. Излюбленный жанр мастера — портрет. Выразительность и точность пор-третных характеристик, достигаются не внешними атри-

Помелов В. ПоРтРет В.ХудяКоВА. 1990г.

К., темпера. 50х40

V. Pomelov. PORTRAiT OF V. kHuDYAkOV.

1990. Cardboard, tempera. 50х40

Помелов В. ПРотВИно. ВИд нА ЛеСной БуЛьВАР. 1990г. К., м. 50х80

V. Pomelov. PROTVinO. VieW OF THe LeSnOY BOuLeVARD. 1990. Cardboard, oil. 50х80

07.03.1939 was born in the city of Donetsk, Ukraine;1959 — 1962 Studied at Odessa Art College;1964 Graduated from Grekov Art College in Rostov,

painting department;1969 Graduated from High School of Industrial and

Applied Art (former Stroganov) with honours, department of monumental and decorative painting;

24.08.1999 Died and was buried in the city of Pro-tvino;

All artists live very different lives. Fame, success and reclame around this or that name are often fleeting and transient. More frequently recognition comes after the death of the artist whose works start living their own life conveying joy and beauty of the artist’s epoch.

Valentin Pomelov was an artist who did not care about the appearance of life with its fuss and minute problems. Sincerity and natural self–expression are the major features that determine his oeuvre.

The artist did not bother about abundant modern isms. He always cared more about real life with its mysterious inner meaning. The artist’s favourite genre was portrait. He achieved expressiveness and accuracy of portrait character-istics by spontaneous pictorial power and painting plastic, rather than by external attributes or strained poses.


бутами или надуманной позой глянцевых «салонных образцов», а стихийной живописной мощью и пластикой картины.

В кажущейся простоте изображения кроется боль-шая внутренняя сложность, имеющая свое развитие. Его живописный талант бесспорен. Цвет, как главное сред-ство выражения души художника, активно пульсирует в его работах, образуя насыщенную живописную стихию. Движение кисти для него являлось движением мысли, да и самой жизни. Через цвет он воспринимал окружающий мир. Рисунок, композиция, ритм холста — все подчине-но цвету. Большинство его картин написано в технике ala Prima, в один присест, не от спешки, а от ежесекундно-го живописного порыва, с удивлением от увиденного.

Поразительны его графические листы. Высокий про-фессионализм, свободное владение материалом сочета-ются в его рисунках с умением тонко уловить эмоцио-нальное состояние и движение изображаемого. Компо-зиционно все остро и неожиданно построено на листе.Самобытный, высоко одаренный художник, как нередко это бывает, он не получил признание при жизни и раз-делил судьбу многих по–настоящему талантливых рус-ских людей. Многие его произведения находятся в музеях, галереях и частных коллекциях России, Франции, Италии, Финляндии.

Творческий путь Валентина Гавриловича Помелова — наглядный и яркий пример столь редкого в наши дни бес-корыстного и беззаветного служения Искусству.

Работы художника находятся в галереях, музеях и частных коллекциях России, Франции, Италии, Финлян-дии.

Династия художников Помеловых в 2005 году награж-дена Знаком губернатора Московской области «Благода-рю».

Константин Александров

Помелов В. гоРячИй КЛЮч.1971г. К., темпера.

100х80

V. Pomelov. GORYACHiY kLYuCH.1971. Cardboard,

tempera. 100х80

Помелов В. АВтоПоРтРет. 1996г. Х., м.

57х45

V. Pomelov. SeLF–PORTRAiT. 1996.

Canvas, oil. 57х45

Помелов В. МоСКВИчКА. 1971г.

Х., м. 133х80

V. Pomelov. THe MOSCOViTe. 1971.

Canvas, oil, 133x80

The seemingly simple images conceal immense inner complexity that evolves on its own even further. He undoubtedly had a painting talent. Colours as the major means of expression of the artist’s soul actively pulsate in his works forming a rich painting element.

He perceived brush motions as currents of thought and life itself. Through colours he perceived the outworld. Everything including the drawing, composition and can-vas rhythm is subject to the colour. He painted most of his works at a sitting using the ala Prima technique. Such choice was stipulated for by once–a–second pictorial impulses and wonder at the things seen, rather then by hurry. His graphic sheets are outstanding. They combine high professionalism and absolute knowledge of the material with an ability to subtly catch the emotional state and impulse of the objects depicted. His works boast a keen and unexpected compo-sition. As it often happens this unique and highly talented artist did not win recognition while alive and shared the fate of many really talented Russian people.

Many of his works are kept in museums, galleries, and private collections in Russia, France, Italy, and Finland.

The creative career of Valentin Gavrilovich Pomelov is a shining graphic example of disinterested and selfless service of the Art so rarely seen nowadays.

Konstantin Alexandrov,Honoured artist of Russia


Светлана Ведерникова родилась в 1952 году в Ленинграде.

Образование получила на графическом факультете Академии художеств им. И.Репина.

С 1984 года — член Союза художников Санкт– Петербурга.

Подобное чувство возникает при встрече с работа-ми Светланы Ведерниковой.

Ее влекут пейзаж и портрет, волшебный мир куколь-ного театра и ассоции «взрослых» текстов («Путеше-ствие в Арзрум» А.С. Пушкина, «Современные сказки» Стругацких или «Голоса Гефсиманского cада» петер-бургского искусствоведа и поэта Л.В. Мочалова).

Ее интересует все — явное и сокровенное, пред-метное и абстрагированное. Это проявляется в созда-ваемых ею образах, в ощущении хорошей, добротной, гуманистической школы ленинградской графики. Но

Все, как в первый раз...

All Like the First Time...

Ведерникова С. СтАРИК. 2005г. Х., м. 80х70

S. Vedernikova. OLD MAn. 2005. Canvas, oil 80х70

Ведерникова С. ФоРеЛь. 2008г. Х., м. 90х90

S. Vedernikova. TROuT. 2008. Canvas, oil 90х90

Svetlana Vedernikova was born in Leningrad in 1952.

She studied graphic art at I. Repin Academy of Arts.

Since 1984 she has been a member of St. Petersburg Union of Artists.

Such feeling appears when one first sees works by Svetlana Vedernikova.

She is inspired by the landscape and the portrait, by puppet show and associations of grown–ups› texts («Journey to Arzrum» by A.S. Pushkin, «Modern Fairy Tales» by the Strugatskie brothers, and «Voices of Gefsi-manskiy Garden» by L.V. Mochalov, St. Petersburg arts critic and poet).

She is interested in all including the obvious and the innermost, the subject and the abstract. Such inter-est becomes apparent in the images she creates, in the

Светлана ведерНиКова

Svetlana VeDeRnIKoVa


всюду виден природный импульс, собственный выбор, личностные предпочтения в постижении плодотвор-ных художественных заветов. Взгляд Светланы при-стален, чуток, пытлив. Она обладает прекрасным каче-ством «смотреть и видеть» — по формуле китайского мудреца Лао Цзы. И показать зрителю — добавим мы.

Такая способность таит в себе открытие, рожда-ет ощущение искренности, первозданности. Графика и живопись Ведерниковой озвучены чувственностью выразительной формы: линии певучи, рисунок тон-кий, но острый, цвет «звучит». Портреты детей трога-тельны. Их лица, фигуры, жесты решены как бы лег-

Ведерникова С. ИЗ СеРИИ «МуЗыКА», «дуХоВой отдеЛ»,

2004г. Шелкография, 50х70. Из собрания журнала «Русская галерея

— XXi век»

S. Vedernikova. FROM THe SeRieS «THe MuSiC», «WinD

SeCTiOn», 2004. Silkscreen, 50х70. «Russian Gallery — XXi century»

magazine collection

Ведерникова С. ИЗ СеРИИ «МуЗыКА», «ХоР». 2000г. Цв. гравюра

на карт. 60х80. Из собрания журнала «Русская галерея — XXi век»

S. Vedernikova. FROM THe SeRieS «THe MuSiC», «THe CHOiR».

2000. Colour etching on cardboard, 60х80. «Russian Gallery — XXi


feeling she mastered well the principles of good, sound, humanistic Leningrad graphic art school. However all her works feature a natural impulse, her own choice, and personal preferences in understanding fruitful art behests. Svetlana looks at the world in a staring, heed-ful, and prying manner. She has a wonderful quality to «look and see» just by the formula of the Chinese wise man Lao Zi. And to show to the audience as well, we could add.

Such ability promises revelation and gives a feel-ing of sincerity and primordialness. Graphic and painting works by Vedernikova are animated by sen-suality of the expressive form with smooth lines, sub-tle but keen drawing, and ringing colours. The por-traits of children are touching. Their faces, figures, and gestures seem to have been depicted with a light touch, whereas indeed everything is well thought and thoroughly arranged. Her inspired landscapes fea-ture both rural hills and lakes, St. Petersburg motifs of unique sculpture and ships of Vasilyevsky Island. Though indeed everything is created by the artist›s will and just presented to us in a way «it was all true».

Long time ago Svetlana decided that in this com-plicated, aggressive, and noisy world she would «speak about the good» through her works. It›s easy and inter-estingly difficult to speak about the good. It›s always hard to hold down a quiet key. In such case one could get stuck in syrup and run out of breath. But if at the age of 50 one still finds the canvas attractive it means one is a genuine artist.

Svetlana Vedernikova is a bright, pure and compas-sionate personality sharing those features with all things in existence including people, nature, ordinary blocks of bedroom communities and 19th century sculpture.

Ведерникова С. ЗАКАт. 2003г. Х., м. 90х80

S. Vedernikova. SunSeT. 2003. Canvas, oil 90х80


ким прикосновением — на самом деле все продумано и выстроено. Одухотворены пейзажи — и деревенские холмы и озера, и петербургские мотивы неповторимой скульптуры или кораблей Васильевского острова.

Но все организовано волей художника и только подано нам «как будто так и было».

В этом сложном, агрессивном, громком мире Свет-лана давно решила своим искусством «говорить о хорошем». Про хорошее говорить просто и интерес-но трудно. Долго держать тихую ноту сложно. Можно попасть в розовый сироп, может кончиться дыхание. Но если и в 50 лет человека каждый день что–то влечет к холсту — это ХУДОЖНИК.

Ведерникова С. ЦВетоК. 2006г. Х., м. 70х90

S. Vedernikova. THe FLOWeR. 2006. Canvas,

oil 70х90

Ведерникова С. ПРогуЛКА. 1984г Б., гуашь

65х45

S. Vedernikova. WALk. 1984 Paper, gouache 65х45

Ведерникова С. утРо. 2007г. Х., м. 90х60

3. S. Vedernikova. MORninG. 2007.

Canvas, oil 90х60

Ведерникова С. «ПАМятИ АРХИтеКтоРА Ф. ЛИдВАЛя»–2. 2004г.

Цв. гравюра на карт. 60х80. Из собрания журнала «Русская галерея

— XXi век»

S. Vedernikova. «in THe MeMORY OF THe ARCHiTeCT F.

LiDVAL»–2. 2004. Colour etching on cardboard, 60х80. «Russian Gallery

— XXi century» magazine collection

Ведерникова С. «ПАМятИ АРХИтеКтоРА Ф. ЛИдВАЛя»–1. 2004г.

Цв. гравюра на карт. 60х80. Из собрания журнала «Русская галерея

— XXi век»

S. Vedernikova. «in THe MeMORY OF THe ARCHiTeCT F.

LiDVAL»–1. 2004. Colour etching on cardboard, 60х80. «Russian Gallery

— XXi century» magazine collection

10 years ago she started teaching. She teaches draw-ing, painting and composition to students aged from 8 to 28 at the «Alexandrino» art school and Baltic Insti-tute. However her main wish is to «be lively, receptive, subtle, compassionate, bright, stubborn, hard–working and non–envious to maybe have a good life». I need say no more. After all Svetlana Vedernikova is no different, and her wish just like her oeuvre comes from the heart.

The major museums exhibiting works by Svetlana Vedernikova include the State Hermitage (St. Peters-burg), the State Russian Museum (St. Petersburg), Russian National Library (St. Petersburg), Museum of the Institute of Russian Literature (Pushkin’s House),


Светлана Ведерникова — ясный, чистый, чуткий человек, наделяющий этими чертами все сущее: людей, природу, ординарные корпуса «спальных» районов и скульптуру XIX века.

10 лет назад в ее жизнь пришло преподавание. У детей от 8 до 28 лет она ведет рисунок, живопись и ком-позицию в художественной школе «Александрино» и Балтийском институте. Но самое главное ее напутствие — «быть самому живым, восприимчивым, тонким, чутким, ярким, упрямым, не лениться и не завидовать — может, и жизнь сложится правильно». Что тут доба-вить. Ведь и сама Светлана Ведерникова такова, а поже-лание, как и все ее творчество, — от души.

Основные музеи, где находятся работы Светла-ны Ведерниковой: Государственный Эрмитаж (С–Пб.), Государственный Русский музей (С–Пб.), Российская национальная библиотека (С–Пб.), Музей Институ-та русской литературы (Пушкинский Дом), Музей современного искусства (Москва), Фонды Министер-ства культуры и Академии художеств России (Москва), Музей книги «Клингспор», г.Оффенбах (Германия), Национальная библиотека (Берлин), Национальная библиотека Саксонии (Дрезден), Библиотека Ватикана, Библиотека Университета Колорадо в Болдере (Аме-рика).

Анатолий Дмитренко,заслуженный работник культуры России,

профессор

Ведерникова С. КогдА РАЗВодят МоСты.

2006г. Х., м. 90х75

S. Vedernikova. WHen BRiDGeS ARe DRAWn.

2006. Canvas, oil. 90х75

Ведерникова С. ПАРК. 2000г.Б., гуашь, 60х50

S. Vedernikova. THe PARk. 2000. Paper, gouache,

60х50

Ведерникова С. БАРоККо. 2003г. Х., м.

80х60

S. Vedernikova. BAROQue. 2003. Canvas,

oil 80х60

Museum of Modern Art (Moscow), Funds of the Minis-try of Culture and the Academy of Arts of Russia (Mos-cow), Museum of the Book «Klingspor», Offenbach (Germany), National Library (Berlin), National Library of Saxony (Dresden), Vatican Library, Library of the Colorado University in Boulder (America).

Anatoliy Dmitrenko,Honoured worker of culture of Russia,

Professor

Ведерникова С. ВечеР. 2003г. Б., гуашь. 45х50

S. Vedernikova. eVeninG. 2003. Paper, gouache, 45х50


Какое чудо — восхищаться в живописи тем, что в реальности восхищения не вызывает.

Эжен Делакруа

В наше время огромных скоростей и глобальных пере-мен успеваем ли мы разглядеть и запомнить окружаю-щую нас красоту — красоту окрестностей, таких разных: городских и сельских, оживленных и безлюдных, засне-женных и цветущих, постоянно готовых радовать наш взгляд?

Творчество тульского художника Павла Ганжи посвя-щено бесконечному миру удивительных окрестностей. В своих пейзажах художник показывает и красоту старого дворика, знакомого с детства многим тулякам, и красоту овеянных тайной старинных улочек, и волшебного рус-ского леса, в котором, кажется, скрываются сказочные существа.

Натюрморты Павла — это маленькие окрестности каждого человека: забытая на окне тарелка с яблоками и старая скрипка, оставленная кем–то возле праздничного букета.

Этой же теме была посвящена персональная выстав-ка Павла Ганжи «Окрестности», недавно прошедшая в музее–усадьбе «Ясная Поляна».

«Считаю, что выставиться в «Ясной Поляне» — опре-деленного рода признание, если художник появляется в выставочном зале дома Волконского, значит, мы высоко оцениваем его творчество», — высказал свое мнение о работах художника директор яснополянского музея В.И. Толстой.

Минувшая выставка не первая для Ганжи. В родной Туле у него уже были персональные выставки, а в Москве художник активно участвует во многих групповых про-ектах.

Павел Ганжа уверен, что живопись должна быть эмо-ционально заряжена, к этому ведут непосредственный взгляд на вещи и постоянный контакт с природой. Это убеждение определило выбор той формы образования, которое он получил. Официальному диплому казенного учреждения Павел предпочел обучение в частной студии

ганжа П. ПодСоЛнуХИ. 2006г. Х., м. 90х70

P. Ganzha. SunFLOWeRS. 2006. Canvas, oil. 90х70

Цветовой реализм

Colour Realism

What a miracle — to admire in painting the objects that excite no admiration in reality.Eugene Delacroix

In our epoch of high speeds and global changes we hardly notice and remember the beauty surrounding us. We miss the beauty of surroundings including city and rural, busy and empty of people, covered with snow and blossoming ones. Although different they always delight the eye. Works by Tula artist Pavel Ganzha are dedicated to the endless world of wonderful surroundings. In his

Павел ГаНЖа Pavel GanzHa


(2000–2003гг.), в мастерской у состоявшегося художника. Такое образование существовало в старину, когда моло-дые люди работали в студии мастера, помогали ему и при этом обучались сами, перенимая бесценный опыт.

Полотна Ганжи, относящиеся в основном к жанрам пейзажа и натюрморта, отличаются особой манерой пись-ма (художник не использует кисти, выполняя всю работу мастихином), а также выверенной цветопластикой и раз-нообразием колорита. Сейчас художнику 30 лет (Павел родился в Туле в 1978г.), но он по–прежнему считает, что находится в самом начале творческого пути, открыт ко всему новому и много экспериментирует.

Интересно отметить, что тема старого города для Павла занимает особое место не только в творчестве.

ганжа П. яСнАя ПоЛянА. 2006г. Х., м. 70х60

P. Ganzha. YASnAYA POLYAnA. 2006. Canvas, oil. 70х60

ганжа П. яСноПоЛянСКИй ЛеС. 2007г. Х., м. 65х85

P. Ganzha. FOReST in YASnAYA POLYAnA. 2007. Canvas, oil. 65х85

ганжа П. гИМнАЗИчеСКИй дВоР. 2007г. Х., м. 80х70

P. Ganzha. GYMnASiA YARD. 2007. Canvas, oil. 80х70

ганжа П. уеЗдный гоРод. 2006г. Х., м. 75х65

P. Ganzha. CHieF TOWn OF A DiSTRiCT. 2006. Canvas, oil. 75х65

landscapes the painter demonstrates the beauty of the old backyard well–known to many Tula citizens since child-hood, of old mysterious streets, and of the magical Russian forest that seems to hide fairy creatures. In his still–lives Pavel depicts small objects that surround every person like a plate with apples left on the windowsill, or an old violin left by somebody near a festive bouquet. Pavel Ganzha is sure that painting should be emotionally charged, which can be achieved by ingenuous view of things and constant contact with nature. Such belief determined the type of education he got. To an official diploma of a public institu-tion Pavel preferred studies in a private studio (2000–2003) under the guidance of a mature artist. Such education was common in old times, when young people worked at mas-


ганжа П. чуЛКоВо. 2005г. Х., м. 85х75. Из собрания журнала


P. Ganzha. CHuLkOVO. 2005. Canvas, oil. 85х75. «Russian Gallery —


ганжа П. яБЛоКИ. ВечеР АВгуСтА. 2003г. Х., м. 70х67

P. Ganzha. APPLeS. AuGuST eVeninG. 2003. Canvas, oil. 70х67

ганжа П. СтАРИЦА. СентяБРь.

2005г. Х., м. 60х60

P. Ganzha. AGeD nun.

SePTeMBeR. 2005. Canvas, oil.

60х60


Художник ведет активную исследовательскую деятель-ность, посвященную тульской резной деревянной архи-тектуре. Ганжа стремится понять исторические корни деревянных орнаментов, почувствовать дух ушедших времен, чтобы наполнить свои произведения большей глубиной и новыми смысловыми звучаниями.

В различных путешествиях Ганжа пишет наиболее яркие впечатления от увиденных окрестностей. Ему хочется передать то, что удивило, потрясло. Например, в Крыму однажды ночью Павел ехал на попутке по опасному горному серпантину, и машина загорелась. А когда после бессонной тревожной ночи на склоне неизвестной горы наступило утро, открывшийся гор-ный пейзаж так восхитил художника своими красками, что он сразу же решил его написать.

Сейчас, когда живопись все чаще воспринимает-ся как цветовое пятно на службе у дизайна, картины Ганжи приобретают особую актуальность и привлека-тельность. Избрав для себя реалистическое направле-ние, художник бережно сохраняет лучшие традиции русского пейзажа.

Произведения Павла Ганжи, пронизанные любо-вью к родной природе, наполненные загадками старо-го города, способны не только органично дополнить декор современного интерьера, но и создать в нем атмосферу тепла и уюта.

Олеся Крапивка, искусствовед

ганжа П. СИРень. 2007г. Х., м. 80х66. Из собрания журнала


P. Ganzha. LiLAC. 2007. Canvas, oil. 80х66. «Russian Gallery —


ганжа П. ВеСенняя уЛИЦА. 2007г. Х., м. 56х80

P. Ganzha. SPRinG STReeT. 2007. Canvas, oil. 56х80

ter’s studio, helped him and studied adopting his invaluable experience. Most of Ganzha’s works are either landscapes or still–lives. They boast a special manner of painting (the artist does not use brushes, instead he uses palette knives to create his works), adjusted colour and plastic, and colour variety. The artist is 30 years old now (Pavel was born in Tula in 1978), but he believes that he is still at the beginning of his artistic career. He is open–minded and experiments a lot. It’s an interesting fact that the theme of the old city is not only the central theme of his works. Besides, the art-ist spends a lot of time on research of Tula carved wooden architecture. The artist is eager to understand the origins of wooden ornaments and feel the spirit of the past to fill his works with greater deepness and new meaning tinges. Dur-ing his numerous trips Pavel Ganzha depicts the brightest impressions of the surroundings he saw. He wants to con-vey the things that surprised and struck him. Nowadays when paintings are often perceived as colour spots in the service of design Ganzha’s works seem particularly urgent and attractive. He chose the realistic style, and he still gently maintains the best traditions of Russian landscape. Works by Pavel Ganzha penetrated with love to native nature are full of mysteries of the old city. They can harmoniously supplement the decor of modern interior and create an atmosphere of warmth and coziness in it. Works by the painter are kept in galleries and private collections in Mos-cow, Saint–Petersburg, Tula, Yugoslavia, and Netherlands.

Olesya Krapivka, Arts critic


Творческая биография художника, члена Союза художников России Виктора Михайловича Миронен-ко (род. В 1941 г.), целиком связана с Иркутском, где он учился в Иркутском художественном училище, и сибирская тематика стала главной в его творчестве. Окончив художественное училище с отличием, где дипломной работой впервые в истории училища стал портрет (педагога А. А. Савиных), написанный под руководством А. И. Вычугжанина, Виктор Мироненко получает рекомендацию для поступления в Москов-ский художественный институт имени Сурикова, но поехать на учебу не смог по семейным обстоятель-ствам. В Иркутске он получает высшее педагогическое образование, побудившее в нем интерес к отечествен-ной истории, в частности — к декабристам. Художник

Плещут байкальские волны….

Baikal Waves Splashing….

виктор мироНеНКо Viktor mIRonenKo

All creative career of Viktor Mikhailovich Mironenko (born in 1941), artist, member of the Union of Artists of Rus-sia, is connected with the city of Irkutsk where he studied at Irkutsk Art College. So the Siberian theme became the central one in his works. He graduated from the college with honours. His chose portrait as his graduation work (of the teacher A.A. Savinykh), which had not occurred in the history of the college before. Viktor Mironenko created it under the guidance of A.I. Vychugzhanin and got a recommendation for entering Surikov Art Institute in Moscow, though he could not go there due to the family commitments. In Irkutsk he got a pedagogical education, which made him interested in domestic history, particularly in the Decembrists. In the 70–80s of XX century the artist painted portraits of Volkonskiy and Trubetskoy that are now kept in Decembrists’ house museums in the city of Irkutsk. The narra-

Мироненко В. БАйКАЛьСКИй ЗАКАт. 2001 г.

орг.,м. 55x69

V. Mironenko. BAikAL SunSeT. 2001. Paperboard,

oil. 55x690


Мироненко В. ХоЛодно. СКоРо Снег. 2008г. К., м. 25х80. Из собрания журнала «Русская галерея — XXi век»

V. Mironenko. iT’S COLD. SnOW iS ABOuT TO FALL. 2008. Cardboard, oil. 25х80. «Russian Gallery — XXi century» magazine collection

Мироненко В. чИСтый ВоЗдуХ

БАйКАЛА. 2005 г., орг.,м.37x69

V. Mironenko. PuRe AiR OF BAikAL. 2005,

Paperboard, oil.37x69

Мироненко В. ИРКут ПРИнИМАет

оСень. 1999г. орг., м. 58х70. Из

собрания журнала «Русская галерея —

XXi век»

V. Mironenko. THe iRkuT MeeTS

THe AuTuMn. 1999. Paperboard, oil.

58х70. «Russian Gallery — XXi century»

magazine collection


в 70–80–х годах XX века пишет портреты Волконско-го, Трубецкого, которые находятся в домах–музеях декабристов в г. Иркутске. Тематический натюрморт «Из искры возгорится пламя» хранится теперь в музее имени Суворова в Санкт–Петербурге. Часто в своей работе Виктор Михайлович обращается к жанру пор-трета. Так, им написаны портреты современников — известных в Сибири людей — народного артиста В. К. Венгера, ученого–травника В. В. Телятьева, фотокорре-спондента В. Колоянова, героя Гражданской войны Н. В. Дворянова, первого губернатора Иркутской области

tive still–life «The Spark will Kindle a Flame» is now kept in Suv-orov Museum in St. Petersburg. In his work Viktor Mikhailovi-ch often turns to the portrait genre. Thus he created portraits of his contemporaries, well–known people in Siberia including the people’s actor V.K. Venger, the herbalist V.V. Telyatyev, photo-journalist V. Koloyanov, hero of the Civil War N.V. Dvoryanov, and the first governor of Irkutsk region of Reborn Russia Y. A. Nozhikov. The artist’s creative career was not straight: Viktor Mikhailovich spent almost ten years (1970–1978) on adminis-trative work directing an art fund and dealing with routine mat-ters like wringing studios and flats for artists, opening a salon

Мироненко В. ЦВетущИй БеРег

БАйКАЛА. 2006 г.орг., м. 50x83

V. Mironenko. BLOSSOMinG BAnk

OF BAikAL. 2006. Paperboard,

oil. 50x83

Мироненко В. БАйКАЛ. ЗоЛотАя

оСень. 2006 г.орг., м.12x18

V. Mironenko. BAikAL. GOLDen

AuTuMn. 2006. Paperboard, oil.12x18


возрожденной России Ю. А. Ножикова. Творческая биография художника не была гладкой: почти 10 лет (1970–1978 гг.) посвятил Виктор Михайлович админи-стративной работе на посту директора художественно-го фонда, занимаясь бытовыми вопросами: выбивани-ем мастерских, квартир для художников, открытием салона–магазина, творческой дачи на Байкале, строи-тельством дома с мастерскими по ул. Энгельса, 4 в г. Иркутске, что отнимало массу времени от творчества.

В дальнейшем Виктор Мироненко, вернувшись полностью к живописи, перешел к жанру пейзажа,

shop and a creative cottage at Lake Baikal, and building a house with studios at address Engels street 4, which required quite a lot of time, so he could not engage in creative work.

Eventually Viktor Mironenko again started devoting all his time to painting and tried his hand at the landscape genre dedi-cated to Lake Baikal ecology. For the artist Baikal means cold colours of the sky, water, and expanse. His images seem to be penetrated with bristling Baikal wind — he achieves such an effect by the manner he invented to sort of improvise on real themes and avoid exactness — so one may think one looks at the outworld through a spicular crystal. During his days–long

Мироненко В. СВетЛый день

БАйКАЛА. 2004 г.Х., м.51x82

V. Mironenko. LiGHT DAY OF

BAikAL. 2004. Canvas, oil.51x82

Мироненко В. БАйКАЛ

неПоКоРный. 2003 г.орг., м.

13x19

V. Mironenko. unRuLY BAikAL.

2003. Paperboard, oil. 13x19


посвященного экологии Байкала. Для художника Бай-кал — это холодноватые краски неба, воды, простора. Изображение у него кажется пронизанным колючим байкальским ветром — такой эффект дает найден-ная им манера как бы фантазировать на реальные темы, уходить от фотографичности, будто смотришь на окружающий мир через игольчатый кристалл. Во время своих многодневных походов по Байкалу худож-ник наблюдал, каким же страшным и невосполнимым может быть вмешательство человека в природу.

Так родился образ искалеченных, как бы взываю-щих к людям деревьев, протягивающих сухие ветки, с обнаженными корнями, с мучительными красками воды и неба. Картины несут в себе тревогу, предупре-ждение человечеству.

Много внимания Виктор Мироненко уделяет выставочной деятельности. Он участник всесоюзной, республиканской, зональных и областных выставок. За последние годы он провел несколько персональных выставок в России и за рубежом. В 1993 году художник два раза выставлялся в Германии, в г. Пфорцхайм, пять раз участвовал в международных плэйерах, проводив-шихся в Польше. Художник Мироненко полон сил и творческих планов, а кисть творца никогда не лежит без дела.


trips on Baikal the artist observed how terrible and irreplaceable human intervention in nature may be.

Consequently he created an image of crippled trees that seem to appeal to people stretching their dry branches with naked roots and poignant colours of water and the sky. His paintings convey alarm and warning of the humanity.

Viktor Mironenko also regularly takes part in exhibitions. He exhibited his works at All–Union, republican, zonal, and regional art shows. Lately he has arranged several solo exhibi-tions in Russia and abroad. In 1993 the artist twice exhibited his works in Pforzheim, Germany, five times he took part in international plein air sessions held in Poland. Artist Mironenko has a lot of energy and creative plans, and the creators’ brush is never on the shelf.

Olesya Krapivka, Arts critic

Мироненко В. ВеСнА. Р. ШАМАнКА. 1987г.

К., м. 40x50

V. Mironenko. SPRinG. SHAMAnkA RiVeR.

1987. Cardboard, oil. 40x50

Мироненко В. дождь. БАйКАЛ. 2001г. дВП, м. 49х59. Из собрания


V. Mironenko. RAin. BAikAL. 2001. Fiberboard, oil. 49х59. «Russian

Gallery — XXi century» magazine collection


алексей Солодилов (рекомендован Владимирским отделением Союза художников России)

alexey SoloDIloV (recommended by Vladimir Branch of the Union of Artists of Russia)

Лирический пейзаж Алексея Солодилова

Lyrical Landscape by Alexey Solodilov

Владимир на Клязьме — город с древней историей. И уже хорошо знакомы многим ценителям искусства имена владимирских художников. Одним из пред-ставителей молодого поколения, продолжающих тра-диции развития пейзажного жанра, является Алексей Солодилов.

Алексей Солодилов родился 15 марта 1974 г. во Вла-димире.

В 1989 году окончил Владимирскую художествен-ную школу.

С 1991г. поступил в ВГПУ на художественно– графический факультет, где учился у заслуженного художника России — Изотова Михаила Николаевича. Учитель привлекает молодого художника к работе с

Vladimir on the Klyazma boasts an ancient history. Vladimir artists are well known to many art connoisseurs. One of the representatives of the young generation that follow the traditions of the landscape genre is Alexey Solo-dilov.

Alexey Solodilov was born in Vladimir on 15 March, 1974.

In 1989 he finished Vladimir Art School.In 1991 he entered Vladimir State Pedagogical Univer-

sity to study painting and graphic art under the guidance of Mikhail Nikolayevich Izotov. The teacher got the young artist involved in work from nature and creative search. When searching for their own painting manner artists choose their own way. Since 1995 Alexey has taken part in

Солодилов А. СтАРый ПРуд. 2007г.

Х., м. 50х70. Из собрания журнала


A. Solodilov. THe OLD POnD. 2007.

Canvas, oil. 50х70 «Russian Gallery —



натуры и творческим исканиям. Поиски собственно-го почерка приводят художника к самостоятельному пути. С 1995 года Алексей участник художественных выставок, организованных Союзом художников Рос-сии. Выставляется на областных, региональных и Все-российских выставках. Лауреат III премии выставки–конкурса молодых художников г. Владимира и Вла-димирской области 2003 г. Параллельно преподает на кафедре изобразительного искусства ВГПУ рисунок, живопись и композицию. Стипендиат Министерства культуры Российской Федерации за 2004г. Награжден дипломами Союза художников России за успешное участие во всероссийских выставках «Возрождение» и «Наследие». Картины Алексея Солодилова находятся

art shows arranged by the Union of Artists of Russia. He exhibits his works at provincial, regional, and All–Russian art shows. In 2003 he was awarded with III prize of the competition exhibition of young artists from Vladimir and Vladimir region. At the same time he teaches draw-ing, painting, and composition in the department of fine art of Vladimir State Pedagogical University. In 2004 he received a scholarship of the Ministry of Culture of the Russian Federation. He was awarded with the Diplomas of the Union of Artists of Russia for taking part in All–Russian exhibitions including the «Renaissance» and the «Heritage». Paintings by Alexey Solodilov are kept in the Centre of Fine Art in Vladimir, private collections in Rus-sia and abroad.

Солодилов А. СоСны нА БеРегу. 2006г. Х., м. 35х70. Из собрания журнала «Русская галерея — XXi век»

A. Solodilov. PineS On THe BAnk. 2006. Canvas, oil. 35х70. «Russian Gallery — XXi century» magazine collection

Солодилов А. ЗИМой нА КЛяЗьМе. 2004г. Х., м. 30х60. Из собрания журнала «Русская галерея — XXi век»

A. Solodilov. in WinTeR AT THe kLYAzMA. 2004. Canvas, oil. 30х60. «Russian Gallery — XXi century» magazine collection


Солодилов А. В оКтяБРе. 2006г. Б., на дВП. 25х40

A. Solodilov. in OCTOBeR. 2006. Paper, fiberboard. 25х40

Солодилов А. ВЛАдИМИРСКИй дВоРИК.

2007г. Х., м. 50х70

A. Solodilov. VLADiMiR YARD. 2007. Canvas,

oil. 50х70

Солодилов А. у КоЛогРИВКИ. Вечер. 2007г. Х., м. 30х40

A. Solodilov. neAR kOLOGRiVkA. evening. 2007. Canvas, oil. 30х40

Since 2005 he has been a member of the Union of Art-ists of Russia.

Alexey well mastered all the academic canons, and his manner is close to the romantic ideal of the «lyrical land-scape». He works in the technique of oil painting. The works he has created are distinguished by clear light plas-tic, smooth harmony of Russian nature with no theatri-cal effects. His works may produce absolutely different impressions. They may impress the audience with mighty breath of spaciousness like in the work «The Vetluga River», or by quiet motifs like in the painting «August in the Country». The audience humbly comes under their state charmed with their inner mood.

Alexey’s works maintain the special role of light that links two elements — the sky and the earth. This medi-um helps to harmoniously unite perspective planes of the


в Центре изобразительного искусства г. Владимира, частных собраниях России и за рубежом.

С 2005 года член Союза художников России.Хорошо усвоив академические каноны, Алексей

близок к романтическим идеалам «лирического пейза-жа». Он работает в технике масляной живописи. Соз-данные им произведения отличает ясная легкая пла-стика, свободная от театральных эффектов плавная гармония русской природы. Впечатления от его работ могут быть совершенно разными: и поражающими зрителя могучим дыханием простора — как в работе «Река Ветлуга», и звучащими тихим мотивом в карти-не «Август в деревне». Зритель покорно поддается их состоянию, становится очарован внутренним настрое-нием.

В работах Алексея сохранена особая роль света, свя-зывающего две стихии, — небо и землю, среда, помога-ющая органично объединять пространственные планы картины. Колорит его произведений насыщен оттенка-ми чистых, насыщенных цветов, перекликающихся с тонкими градациями полутонов.

Работая над своими произведениями, художник демонстрирует художественный вкус, чувство стиля и прекрасное понимание русской живописи. Свои-ми работами Алексей словно раскрывает формулу Саврасова–педагога: «Надо у природы учиться. Видеть надо красоту, понять, любить. Если нет любви к при-роде, то не надо быть художником. Искусство и ланд-шафты не нужны, где нет чувства…»

Красулина С.В. искусствовед

painting. The coloration of his works boasts pure saturated colours resonating with subtle gradations of undertints.

When working over his paintings the artist uses his artistic taste, sense of style, and a wonderful understanding of Russian painting. Through his works Alexey seems to elaborate the formula deduced by teacher Savrasov: «One has to learn from nature. One has to see, understand, and love the beauty. Why become an artist if one does not love nature. Art and landscapes are pointless if there is no feel-ing…»

S.V. Krasulina, Arts critic

Солодилов А. ВечеРнИй СВет. 2007г. Х., м. 60х110

A. Solodilov. eVeninG LiGHT. 2007. Canvas, oil. 60х110

Солодилов А. СтАРые тоПоЛя. 2007г. Х., м. 35х45

A. Solodilov. OLD POPLARS. 2007. Canvas, oil. 35х45


Галина Кулешова Galina KuleSHoVa

анна и Татьяна КулешовЫ anna and tatyana KuleSHoVI

Группа «Арт–Paint». Семья Кулешовых

«Аpт–Paint» Group. The Kuleshovs’ Family

О, рисование! Ты — говорение, ты — объяснение линией, цветом…

Группа художников «Арт–Paint» — это семейный творческий союз, Галина Кулешова и ее дочери Анна и Татьяна. Родина художников — солнечный Казахстан, Алма–атинский край у подножия гор Алатау. Синева небес, величие гор, цветущие сады — яркие образы детства.

Семья в 1990 году переехала в Ленинградскую область, в отдаленный поселок в лесу с его живопис-ными окрестностями, озерами, уникальными памят-никами деревянного зодчества, а в 1998 году — в г. Липецк.

Галина Кулешова родилась в 1948 году, по обра-зованию филолог, многогранный творческий человек с неиссякаемой любовью к жизни. Ее широкая натура проявляется и в прозе, и в поэзии, и в изобразитель-ном искусстве, где она пробует различные направле-ния. Она рисует, занимается силуэтной вырезкой, поп–артом, компьютерной графикой.

Анна Кулешова в 2006 году окончила художественно–графический факультет Липецкого государственно-го педагогического университета. Татьяна Кулешова в том же году окончила Московское государственное

Oh, painting! You are the talking,You are the explanation by the line, and the colour…

The «Арт–Paint» group of artists is a creative family union that includes Galina Kuleshova, and her daughters Anna and Tatiana. The artists’ motherland is Alma–Ata region at the foot of the Altai Mountains in the sunny Kaza-khstan. The blue of the sky, the grandeur of mountains and blossoming gardens make up their childhood memories.

In 1990 the family moved to a remote village in the for-est in Leningrad region boasting picturesque surroundings, lakes, and unique relics of wooden architecture. And in 1998 they all moved to Lipetsk.

Galina Kuleshova was born in 1948. Philologist by edu-cation she is a many–sided creative personality with an inexhaustible love to life. Her big nature shows up in prose, poetry, and fine art, where she tries her hand at different genres. She draws, engages in silhouette portrait cutting, pop–art, and computer graphics.

Anna Kuleshova studied at Lipetsk State Pedagogical University to obtain her Diploma in painting and graphic art in 2006. In the same year Tatiana Kuleshova graduated from Moscow Art College named in memory of the 1905 Revolution. In summer 2007 they started a joint creative union.


академическое художественное училище памяти 1905 года.

Летом 2007 года было создано совместное творче-ское объединение.

Область современного искусства особенно интерес-на этой творческой семье в той мере, в какой она дает возможность поиска новых решений, необычного угла зрения на окружающий мир и имеет широкий выбор материалов и методов. Творчество Кулешовых можно назвать станковой живописью на основе цифрового этюда, созданного в программе Paint. Цифровые тех-нологии здесь являются художественным средством самовыражения. Paint — самая простая графическая программа из всего их разнообразия. Это позволяет минимальными средствами, не прибегая к спецэффек-там, достичь содержания, выразить эмоциональное состояние.

Арт–Paint. ПейЗАж

С ЛоШАдКой. 2007г. Х., акрил.

70х50. Из собрания журнала «Русская


Арт–Paint. LAnDSCAPe WiTH

A HORSe. 2007. Canvas, acrylic 70х50.

«Russian Gallery — XXi century»

magazine collection

Арт–Paint. СоЗеРЦАнИе(триптих). 2007г. Х., акрил. 90х70, 50х70. Из собрания журнала «Русская галерея — XXi век»

Арт–Paint. COnTeMPLATiOn (triptych). 2007. Canvas, acrylic, 90х70, 50х70. «Russian Gallery — XXi century» magazine collection

Modern art appeals to this creative family inasmuch as it renders opportunities to search for new solutions, origi-nal viewpoints at the outworld, and offers a wide choice of materials and methods. One may call the oeuvre by the Kuleshovs easel painting based on the digital sketch made in the Paint Program. Digital technologies here serve artistic means of self–expression. Paint is the simplest graphic pro-gram of all the available variety. It allows to attain meaning-fulness and express emotional state using minimum means with no special effects.

When working over a usual realistic painting one tra-ditionally uses analytic approach and disciplined thinking. Instead the Kuleshovs tend to paint spontaneously produc-ing unexpected images «in one breath». Depiction of lines and dots is based on intuitive sensations. Composition is built under the influence of feelings and inspiration. When the sketch is transferred to the canvas the image created


Арт–Paint. СИнИе ЦВеты. 2007г. Х., акрил. 60х80.

Из собрания журнала «Русская галерея — XXi век»

Аrt–Paint. BLue FLOWeRS. 2007. Canvas, acrylic,

60х80. «Russian Gallery — XXi century» magazine

collection

Арт–Paint. гоРодСКой МотИВ. 2007г. Х., акрил. 40х50

Аrt–Paint. THe CiTY MOTiF. 2007. Canvas, acrylic, 40х50


В процессе работы над привычной реалистичной картиной существует аналитический подход, дисци-плинированное мышление. Кулешовым, напротив, свойственно стихийное рисование, когда на одном дыхании рождаются неожиданные образы. Живопис-ное решение линий и пятен строится на интуитивном ощущении. Композиция складывается под влиянием чувств, вдохновения. При переносе эскиза на холст рисунок, созданный в процессе некой увлекающей

Арт–Paint.

РоднИК ЛЮБВИ. 2008г.

Х., акрил.140х105

Арт–Paint. SPRinG OF LOVe.

2008. Canvas, acrylic,140х105

Арт–Paint. Сочный нАтЮРМоРт.

2007г. Х., акрил. 40х50

Арт–Paint. juiCY STiLL–LiFe. 2007.

Canvas, acrylic 40х50

during a certain fascinating game maintains primordial-ness, notably the artists avoid corrections and considerable line clarification. They create a man–made work with the pictorial canvas attaining an artistic completeness. Whereas a certain vagueness extends the meaning and gives simple motifs a philosophical content. The paintings evoke a sub-jective emotional response, require mutual emancipation and ingenuousness from the audience, and convey the joy of being understanding.


игры, сохраняет первозданность, то есть художники не прибегают к поправкам, значительным уточнениям линий. Создается рукотворное произведение, живо-писное полотно приобретает художественную завер-шенность. А некоторая недосказанность углубляет смысловое значение и наполняет простые мотивы философским содержанием. Картины вызывают субъ-ективный эмоциональный отклик, требуют от зрителя взаимного раскрепощения, непосредственности, несут радость постижения бытия.

Основными изобразительными приемами являют-ся звучные, открытые цветовые пятна, живой контур, схематичность. Отсутствие светотеневой моделировки создает условный язык, выводит образы в область сим-

Арт–Paint. очАРоВАнИе (диптих). 2007г. Х., акрил.105х70

Арт–Paint. CHARM (diptych). 2007. Canvas, acrylic 105х70

Арт–Paint. Ай, да лук! 2007г. Х., акрил.

40х50

Арт–Paint. What an Onion! 2007.

Canvas, acrylic, 40х50

The main pictorial methods include intensive open col-our spots, lively contour lines, and sketchiness. Lack of light and shadow modeling creates a conventional language and gives the image a certain symbolism. The perspective is expressed through spatial properties of colour spots.

A. Matisse expressed the essence of such approach in solving compositional matters saying: «The entire arrange-ment of the picture is expressive; the place occupied by fig-ures, the empty space around them, the proportions, eve-rything has its share. Composition is the art of arranging in a decorative manner the diverse elements at the painter›s command to express his feelings. In a picture every part will be visible and will play its appointed role, whether it be principal or secondary. Everything that is not useful in


волической знаковости. Перспектива выражена про-странственными свойствами цветовых пятен.

А. Матисс в своих словах выразил суть такого под-хода в решении композиционных задач: «Экспрес-сия — во всем распорядке картины: места, которые занимают тела, пустое пространство вокруг них, про-порции — все это имеет свое значение. Композиция — есть искусство размещать декоративным образом различные элементы, которыми располагает художник для выражения своих чувств. В картине каждая часть будет видна и будет играть роль, которая ей предна-значена, роль главную или второстепенную. Все, что не имеет пользы для картины, тем самым вредно. Про-изведение несет гармонию целого: всякая излишняя деталь займет в восприятии зрителя место другой, существенной. Когда все отношения тонов найдены, то в результате должен получиться живой аккорд тонов, гармония, подобная гармонии музыкальной компо-зиции».

Темы, волнующие авторов, — это чувства, пере-живания человека, раскрывающиеся в простых моти-вах. Это портреты, цветы, пейзажи, в которых звучит поэзия русской души. Человек в изображениях имеет божественное начало, он одухотворен, прекрасен изну-три, и несет в мир все лучшее, чем наделяет его при-рода.

Марина Куинджи, искусствовед

Арт–Paint. ЛЮБАВА.2007г. Х., акрил. 60х80. Из собрания журнала


Аrt–Paint. LYuBAVA. 2007. Canvas, acrylic 60х80. «Russian Gallery —

XXi century» magazine collection.

Арт–Paint. тИШИнА. 2008г. Х., акрил.170х105. Из собрания журнала «Русская галерея — XXi век»

Аrt–Paint. QuieT. 2008. Canvas, acrylic, 170х105. «Russian Gallery — XXi century» magazine collection.

the picture is harmful. A work of art must be harmonious in its entirety: any superfluous detail would replace some other essential detail in the mind of the spectator. From the relationship found in all the tones there must result a living harmony of colors, a harmony analogous to that of a musi-cal composition».

The themes the authors find interesting include sensa-tions and feelings of Man conveyed in simple motifs. They create portraits, depict flowers, and make landscapes con-veying the poetry of Russian nature. The man depicted is of Divine, inspired and beautiful nature. He brings to the world all the best of what he has been endowed by Nature.

Marina Kuindzhi, Arts critic


виталий мироНов Vitaliy mIRonoV

Летописец тихой провинции

Quiet Province Chronicler

Виталий Миронов, известный российский живопи-сец родился в городе Новомосковске Тульской области в 1942 году, в 1969 году окончил Ярославское художе-ственное училище. В 1971 году поступил в Москов-ский государственный художественный институт им. В.И.Сурикова, который окончил в 1977 году.

Vitaliy Mironov is a well–known Russian painter that was born in the city of Novomoskovsk, Tula region, in 1942. He graduated from Yaroslavl Art College in 1969.

In 1971 he entered V.I. Surikov State Art Institute in Moscow to obtain his Diploma in 1977. In 1977 he started taking part in art shows. Since 1980 he has been a member of the Union of Artists

of Russia.Vitaliy Sergeevich success-

fully works in all fine art gen-res. The major themes of his works include modern routine of a provincial city, historical and architectural landscape, as well

Миронов В. уЛИЦА СЛоБодА.

2003г. г., к., м. 86x48

V. Mironov. THe SLOBODA

STReeT. 2003. Gouache,

cardboard, oil. 86Х48

Миронов В. ПоСЛеднИй Снег. 2000г. Х., м. 75х90

V. Mironov. LAST SnOW. 2000. Canvas, oil. 75х90

Миронов В. КонеЦ оСенИ. 1995г. г., к., м. 102х115

V. Mironov. enD OF AuTuMn. 1995. Gouache, cardboard, oil. 102х115


С 1977 года участвует в художественных выстав-ках. С 1980 года является членом Союза художников России.

Виталий Сергеевич успешно работает во всех жан-рах живописного искусства. Основные темы произве-дений — современный быт провинциального города, историко–архитектурный и лирический пейзаж. Его работы отличаются ярким, индивидуальным, живо-писным почерком, интересными композиционными и колористическими решениями. Прочно связанный с натурой, верный живым впечатлениям и личным пере-живаниям художник последователен в своем стиле, в своей художественной форме, неизменно верен сущ-ности национальных традиций отечественной живо-писи.

В последние годы Виталий Миронов много и пло-дотворно работает над созданием цикла работ «Провин-ция». Им написано много произведений о старом горо-де Боровске, о городах и местах Подмосковья и средней полосы России.

За многолетний плодотворный период своего твор-чества художник удостоен многих почетных наград, таких как:

1997 год — медаль «В память 850–летия Москвы»;1999 год — Заслуженный художник России;2002 год — Почетный гражданин города Боровска;2003 год — Серебряная медаль Российской академии

художеств за цикл произведений «Старый Боровск»;2006 год — Народный художник России;

as a lyrical landscape. His works are distinguished by a bright indi-vidual pictorial manner, interesting compositions and colours. The artist tightly bound with nature remains true to lively impressions and his personal feelings. He does not betray his style or pictorial form remaining faithful to the essence of national traditions of domestic painting.

Recently Vitaliy Mironov has fruitfully worked over the series «The Province». He created many works about the old city of Borovsk, about cities and places of Moscow region and central regions of Russia.

For the many years of his creative career he was awarded with many honorary prizes including:

1997 — «In honour of the 850th anniversary of Moscow»;1999 — Honoured Artist of Russia;2002 — Honoured citizen of the city of Borovsk;2003 — Silver medal of Russian Academy of Arts for the cycle

«Old Borovsk»;2006 — People’s artist of Russia;The public highly appraised his solo exhibitions held in Russian

and foreign cities including Istanbul and Jakarta.He also took part in the most prestigious exhibitions of this

country during the last few years. Vitaliy Mironov participated in plein air sessions of Russian artists in Russia and abroad.

More than 50 works of Vitaliy Sergeevich are owned by Rus-sian museums, and many of his works are kept in private collec-tions in this country and abroad. The artist takes part in social activ-ity, engages in foundation and work of picture galleries in Borovsk, Podolsk, and Shcherbinka. For many years Vitaliy Mironov has been a member of the painting commission of the Moscow region

Миронов В. дуноВенИе ВеСны. 1995г. Х., м. 50х80. Из собрания журнала «Русская галерея — XXi век»

V. Mironov. SPRinG BReATH. 1995. Canvas, oil. 50х80 «Russian Gallery — XXi century» magazine collection


Миронов В. БоРоВСКИй дВоРИК. 1991г. Х., м. 90х130

V. Mironov. BOROVSk YARD. 1991. Canvas, oil. 90х130

Миронов В. ВечеРнИй БоРоВСК. 1993г. Х., м. 100х130

V. Mironov. eVeninG BOROVSk. 1993. Canvas, oil. 100х130

Миронов В. ЗИМой В ЛеСу. 2001г. Х., м. 58х33

V. Mironov. in THe FOReST in WinTeR. 2001. Canvas, oil. 58х33

Миронов В. МАСтеРСКИе ХудожнИКоВ. 1987г. К., м. 34х61

V. Mironov. ARTiSTS’ STuDiOS. 1987. CARDBOARD, oil. 34х61


Высокую оценку общественности получили его пер-сональные выставки, проходившие в городах России, а так же за рубежом — в Стамбуле и Джакарте. Также он является неизменным участником самых престиж-ных выставок страны последних лет. Виталий Миронов принимал участие в плейерах российских художников в России за рубежом.

Более 50 произведений Виталия Сергеевича явля-ются собственностью музеев России, а также многие работы хранятся в частных коллекциях в нашей стра-не и за рубежом. Он также активно занимается обще-ственной деятельностью, проводит работу по созданию и работе картинных галерей в г. Боровске, г.Подольске, и г.Щербинке. Многие годы Виталий Миронов являет-ся членом живописной комиссии СХ России, членом правления и зам. председателя СХ России Московской области. Произведения художника встречают отклики зрителей и искусствоведов, неравнодушно относящих-ся к его творчеству. Хочется привести такие замечатель-ные слова из статьи искусствоведа П.П.Никифорова: «Пейзажи Миронова очень современны. Их эмоцио-нальная наполненность отражает чувствование нашего времени и не только светлые эмоции созерцания красо-ты, но острое чувство природы, драматическое ощуще-ние проблем, волнующих современного человека. Вся живопись художника неспокойна, что определяет и экс-прессивный, неповторимо своеобразный способ пись-ма: необычные цветовые решения, острый, энергичный мазок, неожиданные эффекты фактуры и красочной поверхности. Яркая эмоциональная активность в трак-товке природы позволяет создавать художнику слож-ные сюжетно–тематические пейзажи, не уступающие по смысловому потенциалу и событийности жанровым картинам и в то же время обладающие своей лириче-ской поэтикой, составляющей самостоятельную грань таланта и мастерства Виталия Миронова».


branch of the Union of Artists of Russia. Works by the artist are appreciated by the audience and arts critics partial to his oeuvre. I would like to quote the words from an article written by arts critic P.P. Nikiforov: «…landscapes by Mironov are up–to–date. The emotions they convey reflect understanding of our time including both the light emotions from nature contemplation and a subtle comprehension of nature, dramatic understanding of the problems modern people care about. All paintings by the artists are disqui-eted, which determines the unique expressive manner of painting that features unusual colours, keen energetic brush–strokes, unex-pected effects of texture and paint layer. Bright emotional activity in nature interpretation allows the artist to create complex narrative landscapes. They do not yield to genre paintings in meaning poten-tial or eventfulness, and still possess a lyric poetry that forms an independent side of the talent and mastery of Vitaliy Mironov».

Alesya Krapivka, Arts critic

Миронов В. Боровск. Снег сошел.1999г. Х., м. 50х50. Из собрания


V. Mironov. Borovsk. The snow has melted.1999. Canvas, oil. 50х50


Миронов В. МоЛчАноВКА. 1999г.

К., м. 49х96

V. Mironov. MOLCHAnOVkA. 1999.

Cardboard, oil. 49х96

народные промыслы р у с с к а я г а л е р е я Рг 53

Пенкина Р. КоМПоЗИЦИя «ЦИРК».

2007г. глина, роспись

R. Penkina. COMPOSiTiOn THe CiRCuS.

2007. Clay, decoration

римма ПеНКиНа Rimma PenKIna

Rimma Penkina was born in the city of Nadvornaya, Ivanovo–Frankov region, in 1951. A few years later in 1957 she moved to Dymkovo settlement to live with her grandmother, celebrated master of the Dymkovo toy Zoya Vasilyevna Penkina (1897–1988). Since then Rimma Penkina has considered the settlement her starting point, her native land that always dwelt with her. She still remembers spring flood, studies of citizens of «Vyatka Venice», and view of the city from Dymkovo.

Such bright memories served basis for her large many–figure composition «Dymkovo Childhood» consisting of two parts that include «Dymkovo in Flood» and «Old Vyatka». The idea occurred to her as early as 1986. She then perfected it and refined its details within two decades. The artist experimented with many–figure scenes with architectural motifs using them in many compositions like «Walking in the Park» (1983), «The First Leaves. Serezha Kostrikov» (1986), and «Moscow Kremlin» (2006). And only in 2006–2007 while preparing for her solo exhibition R. E. Penkina molded and painted the whole composition that consists of 100 figures. Like her many other works

Ветка дымковского древа

Branch of the Dymkovo Tree

Римма Пенкина родилась в 1951 году в городе Надворная Иваново–Франковской области. Затем, в 1957 году, переехала жить в слободу Дымково в дом к своей бабушке, известной мастерице дымковской игрушки Зое Васильевне Пенкиной (1897–1988). С тех пор слобода стала для Риммы Пенкиной отправной точкой, малой родиной, которая навсегда осталась в сердце. Она помнит весеннее половодье, занятия жителей «вятской Венеции», вид города со стороны Дымково.

Эти яркие воспоминания и легли в основу ее большой многофигурной композиции «Дымковское детство», состоя-щей из двух частей: «Дымково в разливе» и «Старая Вятка». Идея возникла еще в 1986 году. Она оттачивалась, дораба-тывалась в деталях на протяжении двух десятилетий. Опыт многофигурных сцен с архитектурными мотивами склады-вался постепенно в композициях «Гуляние в парке» (1983), «Первые листовки. Сережа Костриков» (1986), «Московский Кремль»(2006). И лишь в 2006–2007 годах, готовясь к персо-нальной выставке, Р.Э. Пенкина вылепила и расписала цели-ком всю композицию, в которой более 100 фигур. Эту работу мастерицы, как и многие другие произведения, можно счи-тать итогом ее 40–летней творческой деятельности.

54 Рг R U S S I A N G A L L E R Y vernacular arts

this work by the master can be regarded summation of her 40–year creative career.

Besides, the master paid tribute to her predecessors by creating «The Penkins’ Dynasty» Composition (2003–2004). The work consists of six fancily dressed noble ladies with each of them boasting her own pronounced portrait features, and peculiarities in the outfit and hairdo. The colour and the style of the toy’s ornament are typical of this master’s oeuvre.

Dymkovo craft released many unique works by unknown and celebrated Vyatka masters to the public. Besides it bequeathed us several dynasties of creators of this

Пенкина Р. Конь. 2008г. глина, роспись.

Из собрания журнала «Русская галерея

— XXi век»

R. Penkina. THe HORSe. 2008. Clay,

decoration. «Russian Gallery — XXi

century» magazine collection.

Пенкина Р. нАРяднАя БАРыня. 2008г.

глина, роспись. Из собрания журнала


R. Penkina. SMARTLY DReSSeD nOBLe

LADY. 2008. Clay, decoration. «Russian

Gallery — XXi century» magazine collection

Пенкина Р. оЛень. 2008г. глина, роспись.

Из собрания журнала «Русская галерея

— XXi век»

R. Penkina. THe DeeR. 2008. Clay,



Пенкина Р. КоМПоЗИЦИя

ЦыгАнСКИй тАБоР. 2007г.

глина, роспись

R. Penkina. COMPOSiTiOn GYPSY

CAMPinG GROunD. 2007. Clay,

decoration

Кроме того, мастерица отдала дань уважения своим пред-шественницам, создав композицию «Династия Пенкиных» (2003–2004), состоящую из шести нарядных барынь, каж-дая из которых имеет ярко выраженные портретные черты, свои особенности в костюме и прическе. Колорит и харак-тер орнамента игрушки характерен для творчества данной мастерицы.

Дымковский промысел подарил миру не только уни-кальные произведения неизвестных и известных вятских мастериц. Он оставил нам в наследство несколько династий создательниц этого жизнерадостного искусства, среди кото-рых особенно выделяется оригинальностью бытовых и ска-


cheerful art with the Penkins’ family standing out among them due to originality of common and fairy subjects, lively manner of molding, and brightness of toy decoration. One may remember Elizaveta Ivanovna Penkina (1879–1947), Lydia Nickolayevna Nikulina (1906–1961), and Zoya Vasilyevna Penkina whose works are well–known beyond Vyatka region boundaries. Evgeniya Viktorovna Penkina that worked in Dymkovo settlement in the late XIX — early XX centuries may be called the head of this dynasty.

Rimma Penkina has maintained and elaborated the traditions of her family for as along as 40 years. It’s great

Пенкина Р. ИндЮК. 2008г. глина, роспись.



R. Penkina. THe TuRkeY COCk. 2008. Clay,

decoration. «Russian Gallery — XXi century»

magazine collection.

Пенкина Р. ВодоноСКА. 2008г. глина,

роспись. Из собрания журнала


R. Penkina. WATeR BeAReR. 2008. Clay,



Пенкина Р. СКоМоРоХ. 2008г. глина,

роспись. Из собрания журнала «Рус-

ская галерея — XXi век»

R. Penkina. THe SALTiMBAnCO. 2008.

Clay, decoration. «Russian Gallery —


Пенкина Р. дыМКоВо В РАЗЛИВе.

глина, роспись. 2007г. глина, роспись

R. Penkina. DYMkOVO in FLOOD.

Clay, decoration. 2007. Clay,

decoration

зочных сюжетов, «живой» манерой лепки, яркостью в роспи-си игрушки семья Пенкиных. Достаточно вспомнить имена Елизаветы Ивановны Пенкиной (1879–1947), Лидии Нико-лаевны Никулиной (1906–1961), Зои Васильевны Пенкиной, творчество которых известно далеко за пределами вятской земли. Главой этой династии можно назвать Пенкину Евге-нию Викторовну, работавшую в слободе Дымково на рубеже XIX–XX веков.

Римма Пенкина уже 40 лет продолжает сохранять и раз-вивать традиции своей семьи. Это очень ответственно носить имя Пенкиных. Дымковская игрушка для мастерицы та нить, которая связывает современность с прошлым, помога-


responsibility to bear the name of the Penkins. She believes the Dymkovo toy is the link that connects the present with the past, helps to overcome difficulties of real life, and gives the feeling of happiness. Toys have filled up her life since childhood. Rimma saw the reverent hands of her grandmother, Zoya Vasilyevna, who turned clay into fairy–tales, telling them at the same time. She watched her mother Vera Vasilyevna Kiseleva (Penkina) making paints and decorating grandmother’s toys helping her. Little by little she gained her own experience. In 1966 young Rimma occupied herself with the Dymkovo craft. In 1970 she already replaced her mother working with her grandmother and continuing the family business. Rimma tried to find her own style and maintain her individuality surrounded by outstanding personalities of her predecessors, the task she has been solving in her works during all these years.

And she successfully coped with it. The master found her own themes and subjects, created her own ornament and elements of stucco decor, and what is more she maintained and added new meanings to well–known images of the past. Thus in 1970–80s her grandmother Z.V. Penkina created «Mother of a Large Family» work boasting amazingly laconic form and pithy meaning. The work eventually became her signature. The theme of mother’s love is eternal in all times, and the master interpreted it in a simple manner: she surrounded the figure of a traditional Dymkovo nun with babies in her arms by children of different ages, genders and heights arranging them in a semicircle. And in the late XX — early XXI centuries Rimma Penkina used this compositional arrangement of characters to create the image «Mother Motherland» with an absolutely different meaning. Into the centre she placed a burly figurine of a peasant woman clad in a traditional Dymkovo dress (kokoshnik, shirt with puffy sleeves, and a homespun skirt) that holds sheaves with bread symbolizing peace. She towers over small figurines


гуЛянИе В ПАРКе. 1983г.


R. Penkina. COMPOSiTiOn

WALkinG in THe PARk.

1983. Clay, decoration.

ет пережить трудности реальной жизни, дает ощущение сча-стья. Игрушка наполняла ее жизнь с самого детства. Римма видела трепетные руки бабушки Зои Васильевны, творящей из глины сказку, одновременно рассказывая ее вслух. Она наблюдала, как мама Вера Васильевна Киселева (Пенкина) наводила краски и расписывала бабушкины игрушки, помо-гая ей. Постепенно накапливался свой опыт. В 1966 году совсем юной Римма пришла работать в дымковский промы-сел. Начиная с 1970–х годов она уже встала на место матери, работая с бабушкой, продолжая семейное дело. Найти свое лицо и не потеряться в окружении ярких индивидуальностей своих предшественниц — вот задача, которую решала все эти годы в своем творчестве Римма Пенкина.

И это ей удалось. Мастерица не только нашла свои темы и сюжеты, создала свои орнаменты и элементы лепного деко-ра, она сохранила и вдохнула новое содержание в известные образы прошлого. Так, например, ее бабушкой, З.В. Пенки-ной, в 1970–80 годы был сотворен удивительный по лако-низму формы и емкости содержания образ — «Многодетная мать», который стал ее визитной карточкой. Тема материн-ской любви вечна во все времена, и мастерица ее решила просто: она окружила фигуру традиционной дымковской няни с грудными детьми на руках полукругом из детей раз-ного возраста, пола и роста. А Римма Пенкина на рубеже XX –XXI веков, взяв за основу это композиционное расположе-ние персонажей, создала совсем другой по содержанию образ «Родина — мать». В центре размещена дородная фигура крестьянки в традиционном дымковском наряде (кокош-ник, рубаха с пышным рукавом, домотканая юбка), в руках которой снопы с хлебом — символ мира. Она возвышается над окружившими ее небольшими по размеру фигурками воинов — представителей родов войск русской армии раз-личных времен: гусар, пограничник, партизан, моряк, сестра милосердия и т.д.

Обращение в своем творчестве к истории как источнику тем, сюжетов и образов характерно для Риммы Пенкиной.


of soldiers surrounding her. They represent branches of Russian armed forces of different epochs and include a hussar, frontier guard, guerilla, seaman, sister of charity, and other.

It’s typical of Rimma Penkina to turn in her works to history as a source of themes, plots, and images. But the history of Dymkovo craft is particularly dear to her. She knows toys went through tough times when masters stopped making them in the early XX century. Only Anna Afanasyevna Mezrina (1853–1938) kept doing her favourite work as in the old times. Since youth she was often visited by Alexey Ivanovich Denshin (1893–1948), Vyatka artist, who used to come to her place and watch her working. Using her toy images as a basis he created hand–made albums where he described the history of the craft, its characters, and the technology of toy making. Those albums A.I. Denshin brought to the capital together with her works and thus drew attention to the craft. His endeavors helped the craft to survive, and in the mid 1930s experienced masters like E.I. Penkina and E.A. Koshkina returned to their work and started teaching the youth. Denshin kept patronizing them all. That is how Vyatka craft with its succession and traditions survived. In memory of this stage of craft’s life Rimma Penkina made some compositions including «Alexey Denshin during Sketch Sessions» (2004) and «Alexey Denshin and Dymkovo Toy Masters» (2004). They portray representatives of famous Dymkovo dynasties like the Mezrins, Penkins, and the Koshkins as traditional fancily dressed noble ladies in the rig–out, colour and ornament typical of their toys. Besides they feature Alexey Ivanovich Denshin at an easel and his wife, celebrated master of the Dymkovo toy Ekaterina Iosifovna Koss–Denshina (1901–1979).

During her creative career each master perfects the shape of the traditional toy creating her own unique version of molding and decoration. Rimma Penkina


«дыМКоВСКое детСтВо».

1986–2007г. глина, роспись

R. Penkina. COMPOSiTiOn

DYMkOVO CHiLDHOOD.

1986–2007. Clay, decoration.

Но история дымковского промысла ей особенно дорога. Она знает, что было тяжелое время для игрушки, когда мастери-цы в начале ХХ века перестали ее лепить. Только одна Анна Афанасьевна Мезрина (1853–1938) продолжала по старинке заниматься любимым делом. С юности любил ходить к ней в гости и наблюдать ее работу вятский художник Алексей Иванович Деньшин (1893–1948). Он создал на основе ее игру-шечных образов рукотворные альбомы, в которых рассказал об истории промысла, его персонажах и технологии создания игрушек. Эти альбомы А.И. Деньшин отвез в столицу вме-сте с работами и привлек внимание к промыслу. Благодаря его усилиям промысел не погиб, в него в середине 1930–х годов вернулись другие опытные мастерицы, Е.И. Пенкина и Е.А. Кошкина, которые стали обучать молодых. Деньшин продолжал опекать всех. Так сохранился вятский промысел, преемственность и традиции в нем. В память об этом этапе в жизни промысла Римма Пенкина создала композиции «Алексей Деньшин на этюдах» (2004) и «Алексей Деньшин и мастерицы дымковской игрушки» (2004). Перед нами возникают представители известных дымковских династий Мезриных, Пенкиных, Кошкиных в образах традицион-ных нарядных барынь в костюме, колорите и орнаменте, характерном для их игрушек. Кроме того, за мольбертом изображен Алексей Иванович Деньшин и его жена, извест-ная мастерица дымковской игрушки Екатерина Иосифовна Косс–Деньшина (1901–1979).

В течение своей творческой жизни каждая мастерица отрабатывает форму традиционной игрушки, создавая соб-ственный, непохожий ни на кого ее вариант в лепке и роспи-си. Римме Пенкиной удалось найти свой узнаваемый образ нарядной барыни. Это небольшая, легкая игрушка, где все внимание уделено костюму. Обилие декоративных элемен-тов (множество разных оборок, лепные банты, пуговицы, шляпы разных фасонов и украшений, сумочки и зонтики), заливка ярким цветом отдельных частей, мелкий орнамент — все это составляет особый характер героинь Р. Пенкиной.


managed to create her own recognizable image of a fancily dressed noble lady. She makes small light toys focusing on the rig–out. Abundant decorative elements (a lot of different frills, stucco bows, buttons, hats of different styles and decorations, hand–bags, and umbrellas), use of bright colours to paint some parts, and minute ornaments determine the special nature of R. Penkina’s characters. She seems to play some special game, each time creating new smartly dressed strolling ladies.

Пенкина Р. КуРИЦА. 2008г. глина, роспись.



R. Penkina. THe Hen. 2008. Clay, decoration.

«Russian Gallery — XXi century» magazine

collection.

Пенкина Р. КоМПоЗИЦИя «дыМ-

КоВСКое детСтВо». 1986–2007г.


R. Penkina. COMPOSiTiOn DYMkOVO

CHiLDHOOD. 1986–2007. Clay,

decoration.

Пенкина Р. БАРыня. 2008г. глина,

роспись. Из собрания журнала «Русская


R. Penkina. THe nOBLe LADY. 2008.

Clay, decoration. «Russian Gallery — XXi


Пенкина Р. оФИЦеР С дАМой. 2008г.

глина, роспись. Из собрания журнала


R. Penkina. THe OFFiCeR WiTH A LADY.

2008. Clay, decoration. «Russian Gallery —


Она словно играет, создавая каждый раз через костюм все новые варианты нарядных гуляющих барынь.

Так же легко узнать ее яркого, в малиново–зелено–желтом колорите важного индюка с накладными цветами–розетками на крыльях и хвосте.

Для творчества Риммы Эдуардовны характерны тяготе-ние к жанровым и цирковым сценам, повествовательность в их решении, небольшой размер игрушки, любовь к деталям, сочетание яркого цвета и дробного орнамента.

Во всех ее работах прослеживается связь с древними тра-дициями всего промысла и, конечно, семьи Пенкиных, а также свой взгляд на их развитие. Мечта Риммы — передать из рук в руки юной наследнице общий опыт Пенкиных и тем самым продолжить уникальную династию мастериц дымковской игрушки. Только тогда не засохнет ветка дымковского древа.

Надежда Менчикова, искусствовед

Школа юного художника р у с с к а я г а л е р е я Рг 59

юНоГо худоЖНиКаof the young Artist

шКолаschool

Фирсов И. Юный жИВоПИСеЦ. После 1765. гтг

i. Firsov YOunG PAinTeR. After 1765. State Tretyakov Gallery

60 Рг R U S S I A N G A L L E R Y Fate of the artist

Один из первых учеников знаменитого Венециа-нова, работавший в молодости в артели странствую-щих иконописцев и ставший впоследствии членом Академии художеств, Никифор Крылов прожил очень недолгую (он не дожил и до тридцати лет), но насыщенную и яркую жизнь.

Никифор Степанович Крылов родился в 1802 году в городе Калязине Тверской губернии. Он про-исходил из мещанского сословия, его родители не были бедны, однако еще в ранней юности он выбрал своей судьбой художничество и поступил в артель странствующих иконописцев, расписывающих церкви. В 1823 году в одном из монастырей Твер-ской губернии его за этим занятием и обнаружил А.Г.Венецианов: «Заметил я между живописцами–работниками одного, который и писал смелее про-чих и был моложе других». В течение нескольких лет Венецианов стремился уговорить Крылова переехать на учебу в Петербург. И, наконец, в начале осени 1825 года Никифор Крылов из «мастеров» перешел в ученики, работая под руководством Венецианова и посещая натурный класс Санкт–Петербургской ака-демии художеств. В том же году Общество поощре-ния художников приняло его в число своих пенсио-неров и предоставило возможность выставлять свои работы в магазинах общества.

Молодой Никифор Крылов стал очень популяр-ным в Петербурге художником, он писал иконы и многочисленные, небольшие по размеру и бойко продающиеся работы, которые пользовались

Никифор КрЫлов (1802–1831)nikifor Stepanovich KRyloV (1802–1831).

н. Крылов. СПящИй МАЛьчИК(портрет тыранова). 1824г. Х., м.

n. krylov. SLeePinG BOY (Portrait of Tyranov). 1824. Canvas, oil.

Nikifor Krylov, who was one of the first apprentices of the famous Venetsianov, who worked in an artel of strolling icon–painters and eventually became a member of the Academy of Arts, lived a short (he did not attain the age of thirty) though eventful and bright life.

Nikifor Stepanovich Krylov was born in the city of Kalyazin, Tver province, in 1802. He descended from a bourgeois family, so his parents were not poor, how-ever when still a teenager he chose painting to be his fate and joined an artel of strolling icon–painters that decorated churches. At such work he was once found by A.G. Venetsianov in one of monasteries of Tver prov-ince in 1823: «Among workers–painters I noticed one that painted bolder than others and was younger than others». For several years Venetsianov tried to persuade Krylov to move to St. Petersburg for studies. And final-ly in the early autumn of 1825 Nikifor Krylov passed through the career chain from apprentice to journey-man working under the guidance of Venetsianov and attending nature class of St. Petersburg Academy of Arts. In the same year the Society of Encouragement of Artists accepted him as one of its pensioners and ren-dered an opportunity to exhibit his works in the shops of the Society.

Young Nikifor Krylov became a very popular art-ist in St. Petersburg. He painted icons and made many small and well–selling works that proved a great draw for the public. His works were exhibited at «academic» art shows, and in 1830 he was granted honoured mem-bership of the Academy of Arts. Despite his popularity

Писал смелее прочих...

One that painted bolder than others...

Судьба художника р у с с к а я г а л е р е я Рг 61

неизменным успехом у публики. Его произведе-ния выставлялись на академических выставках, а в 1830 году он получил почетное членство в Акаде-мии художеств. Несмотря на популярность, Кры-лов сохранил художническую пытливость и сделал несколько личных открытий в живописи. В этом плане очень интересна история создания одной из самых известных картин художника — «Зимне-го пейзажа» 1827 года, которую он писал с нату-ры на берегу реки Тосны близ Петербурга, а один из богатых купцов–меценатов построил ему там теплую мастерскую и дал стол и содержание на все время работы. В той же картине Никифору Крыло-ву мастерски удалось разрешить проблему изобра-жения снега в пейзаже. Большинство художников писали в то время летние пейзажи, к тому же зача-стую итальянские, и даже спустя два десятилетия небезызвестный К.П.Брюллов утверждал, что все можно изобразить в пейзаже, кроме снега: «Как ни напишите зиму, а все выйдет пролитое молоко».

Столь яркая и многообещающая жизнь худож-ника Никифора Крылова была прервана его скоро-постижной смертью от холеры в 1831 году.

Мария Липатова, искусствовед, член Ассоциации искусствоведов

н. Крылов. ЗИМнИй ПейЗАж.

(Русская зима). 1827г. Х.,м.

n. krylov. WinTeR LAnDSCAPe.

(Russian Winter). 1827. Canvas, oil.

Krylov maintained his artistic inquisitiveness and made several own discoveries in painting. In this context the story of creation of «Winter Landscape» seems particu-larly interesting. This painting, one of the artist’s most well–known works, was created in 1827. He painted it from nature on the bank of the Tosna River near St. Petersburg, and one of the rich merchant patrons built a warm studio for him, and provided him with food and salary for the whole work period. In the same painting Nikifor Krylov managed to masterly solve the problem of depicting snow in a landscape. Most artists of that period painted summer landscapes and, what is more, they often painted Italian landscapes. And even two dec-ades after the not unknown K. P. Bryullov claimed that in a landscape one could portray anything but snow: «No matter how you depict winter, the result will be spilt milk».

Such bright and promising life of the artist Nikifor Krylov was interrupted by his sudden death from chol-era in 1831.

Maria Lipatova, Arts critic, member of the Association of Arts Critics

62 Рг R U S S I A N G A L L E R Y Fate of the artist

михаил лариоНов (1881 –1964) mikhail laRIonoV (1881–1964)

Бунтарь русского авангарда

Russian Avant–Garde Rioter

Один из лидеров русского авангарда, неутоми-мый придумщик, бунтарь, непревзойденный живо-писец, рисовальщик, гениальный театральный деко-ратор (отчасти ему обязаны своей славой знаменитые дягилевские «Сезоны»)… О нем написаны десятки монографий на русском, французском, английском и других языках, половина из которых были созданы еще при жизни художника. И тем не менее, эта фигу-ра для зрителей и любителей изобразительного искус-ства остается до сих пор неизменно интригующей и притягательной, а для исследователей — бездонным источником для изучения и публикации еще большего количества книг и статей, чем о нем уже написаны.

Михаил Федорович Ларионов родился в 1881 году в Тирасполе Херсонской губернии в семье военного врача. С 1895 года семья перебирается на новое место службы отца — в Москву. Однако еще в течение мно-гих лет детей отправляли на лето в Тирасполь, а общи-тельный Миша часто приглашал в такие поездки и своих однокашников. В 1898 году Ларионов поступил

М. Ларионов. АКАЦИя ВеСной. 1904г. Х.,м.

M. Larionov. Acacia in Spring. 1904 Canvas, oil

М. Ларионов. отдыХАЮщИй СоЛдАт. 1911г. Х.,м.

M. Larionov. ReSTinG SOLDieR. 1911. Canvas, oil

One of the leaders of Russian avant–garde, inde-fatigable inventor, rioter, matchless painter, master of drawing, stage designer of genius (the famous «Dyagilev Seasons » partially owe their fame to him)...His life was described in dozens of mono-graphs in Russian, French, English, and other lan-guages with half of them written when the artist was still alive. And still the audience and fine art connois-seurs consider this personality intriguing and attrac-tive, and researches perceive him as an endless source for study and publication of even more books and articles about him than already written.

Mikhail Fyodorovich Larionov was born in the family of a military doctor in Tiraspol, Kherson province, in 1881. Several years later in 1895 the fam-ily moved to the father’s duty area in Moscow. How-ever many years after that the children spent summer holidays in Tiraspol, and sociable Misha often invited his mates to come with him. In 1898 Larionov entered Moscow College of Painting, Sculpture and Architec-

Судьба художника р у с с к а я г а л е р е я Рг 63

в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где вокруг него уже с первых лет формировались раз-ные художественные группы и объединения и где в 1901 году он познакомился со своей будущей спутни-цей Натальей Гончаровой.

Самый насыщенный событиями и плодотворный период жизни художника — время его работы в Рос-сии до эмиграции во Францию в 1915 году. Ларионов сначала использовал для формирования собственного стиля импрессионизм, затем стал одним из главных основателей и адептов примитивизма, а чуть позже пришел к своему главному открытию, нефигуратив-ному стилю — лучизму. Он был одним из главных организаторов знаменитого объединения «Бубновый валет», а позже — небезызвестных выставок «Ослиный хвост», «Мишень», выставки лубков и других, а также участвовал в скандальных диспутах, устраивал художе-ственные акции, расхаживал с товарищами по улицам с раскрашенными лицами и даже снимался в кино. И собственно все театральные идеи, которые Ларионов реализовывал в основном на европейских подмостках, были сформированы и даже отчасти обнародованы еще в Москве.

Годы жизни в Париже также были насыщены собы-тиями: многочисленные выставки, работа в театре и для издательств и редкие встречи с русскими из Рос-сии. Многие из тех, кто встречался с Ларионовым в Париже, вспоминали впоследствии, с какой радостью художник дарил понравившиеся гостям картины с надеждой, что если не он сам, то хотя бы его произве-дения вернутся на родину.

Большую часть своих картин Ларионов также пере-дал в Россию: после его смерти в 1964 году вторая жена художника А.К.Томилина по его завещанию передала наследие Ларионова и Гончаровой в Государственную Третьяковскую галерею.

Мария Липатова, искусствовед, член Ассоциации

искусствоведов

М. Ларионов. ПРАчКИ. 1911г. Х., м.

M. Larionov. LAunDReSSeS. 1911. Canvas, oil

ture, where soon after his entrance he started form-ing different art groups and unions, and where he met his future partner Natalia Goncharova in 1901.

The most eventful and fruitful period of the art-ist’s life was the time when he worked in Russia before emigrating to France in 1915. Larionov who first used Impressionism to form his own style then became one of the major founders and adherents of Primitivism to eventually move to his own discovery, the unfigured style of Rayonism. He was one of the main organizers of the famous union «The Knave of Diamonds», and later of the well–known «Donkey’s Tail» and «The Target». He also took part in arrang-ing the exhibition of popular prints and participated in scandalous disputes, started art campaigns, togeth-er with his mates walked along streets with their faces painted, and even acted in films. And actually all the «theatre» ideas that Larionov realized mainly on European stages were formed and partially made public in Moscow.

The years he spent in Paris were eventful too: he took part in numerous exhibitions, worked in the theatre and publishing houses, and sometimes met with the Russians from Russia. Many of those that met with Larionov in Paris eventually remembered how happy the artist was to present his guests with the paintings they liked hoping that at least his works would come back to his motherland.

Larionov gave most of his works to Russia: after his death in 1964 the second wife of the artist A.K. Tomilina gave the heritage of the artist to the State Tretyakov Gallery under the will of Larionov and Goncharova.

Maria Lipatova, Arts critic, member of the Association of Arts Critics

64 Рг R U S S I A N G A L L E R Y School of the young Artist

маньеризмmannerism

Б. Спрангер. ВенеРА И АдонИС. 1597г. Х.,м.

B. Spranger. VenuS AnD ADOniS. 1597. Canvas, oil

д. Арчимбольдо. ФЛоРА. 1591г. Х., м.

G. Arcimboldo. FLORA. 1591. Canvas, oil

А.Аллори. МАдоннА С МЛАденЦеМ. 1580г. Х., м.

A. Allori. MADOnnA AnD CHiLD. 1580. Canvas, oil

Пармиджанино(джироламо Маццола).

ПоРтРет ЗнАтной дАМы. 1523г. Х., м.

Parmigianino (Girolamo Mazzola). Portrait of

a noble Woman. 1523. Canvas, oil

Маньеризм (итальянское manierismo, от maniera — манера, стиль) — течение в европейском искус-стве XVI века, отражающее кризис гуманистиче-ской культуры Высокого Возрождения. Основным эстетическим критерием маньеризма становится не следование природе, а субъективная «внутрен-няя идея» художественного образа, рождающаяся в душе художника. Используя в качестве стилисти-ческих нормативов произведения Микеланджело, Рафаэля и других мастеров Возрождения, манье-ристы искажали заложенное в них гармоничное начало, культивируя представления об эфемерно-сти мира и шаткости человеческой судьбы, находя-щейся во власти иррациональных сил. В элитарном, ориентирующемся на знатока искусстве маньериз-ма возродились и отдельные черты средневеко-вой, придворно–рыцарской культуры. Ярче всего маньеризм проявился в искусстве Италии. Творче-ство ранних маньеристов (Понтормо, Россо Фьо-рентино, Беккафуми, Пармиджанино), выступив-ших в 20–х годах XVI века, проникнуто трагизмом и мистической экзальтацией; произведения этих

Mannerism (Italian manierismo, derives from maniera — manner, style) is a style in the European art of the XVI century reflecting the crisis of the humanistic culture of the High Renaissance. The major aesthetic criterion of Mannerism was a sub-jective «inner idea» of the pictorial image born in artist’s mind, rather than copying nature. By using works of Michelangelo, Raphael and some others as style standards Mannerist artists distorted their harmonious principle cultivating the ideas of eva-nescence of the world and weakness of the human destiny controlled by irrational forces. The elite art of Mannerism that oriented at art connoisseurs revived some traits of the Medieval court–knight culture. Mannerism was particularly typical of Ital-ian art. Works by early Mannerists (like Pontormo, Rosso Fiorentino, Beccafumi, and Parmigianino) that appeared in the 20s of the XVI century were penetrated with tragedy and mystical exaltation. Works by those masters are distinguished by sharp colour and light and shadow discordances, complex-ity and exaggerated expressivity of poses and motion


я.Понтормо(джакопо Карруччи). СнятИе С КРеСтА.

1525–1528г. дерево, м.

j. Pontormo (jacopo Carucci). THe DePOSiTiOn FROM THe CROSS.

1525–28. Wood, oil

Пармиджанино(джироламо Маццола). МАдоннА С дЛИнной

Шеей. 1534–1540г. Х., м.

Parmigianino (Girolamo Mazzola). MADOnnA WiTH THe LOnG

neCk. 1534–1540. Canvas, oil

мастеров отличаются острыми колористическими и светотеневыми диссонансами, усложненностью и преувеличенной экспрессивностью поз и моти-вов движения, удлиненностью пропорций фигур, виртуозным рисунком, где линия, очерчивающая объем, обретает самостоятельное значение. В манье-ристическом портрете (Бронзино и др.), открываю-щем новые пути в развитии этого жанра, аристо-кратическая замкнутость персонажей сочетается с обострением субъективно–эмоционального отно-шения художника к модели. Своеобразный вклад в эволюцию маньеризма внесли ученики Рафаэ-ля (Джулио Романо, Перино дель Вага и другие), в монументально–декоративных циклах которых преобладали атектоничные, насыщенные гротеск-ной орнаментикой решения. С 1540–х годов манье-ризм превращается в господствующее направление в придворном искусстве; живопись этого периода отмечена холодной, «академичной» официально-стью, педантичным аллегоризмом и принципиаль-

motives, elongation of figure proportions, and vir-tuosic patterns with the line that traces the volume acquiring its own meaning. The Mannerist portrait (Bronzino and others) that opens new ways in this genre development combines aristocratic restraint of characters with intensification of artist’s subjective emotional attitude towards the model. A special con-tribution to Mannerism evolution was made by Rap-hael ’s apprentices (including Giulio Romano, Perino del Vaga, and others) whose monumental decorative cycles mostly had atectonic features saturated with grotesque ornaments. From 1540s Mannerism was a leading trend in court art. Paintings created in that period were distinguished by gelid donnish official-ism, pedantic allegorism and principled eclecticism of the painting manner (G. Vasari, F. Zuccaro, G. P. Lomazzo). The Mannerist sculptures (B. Ammanati, B. Cellini, Giambologna, B. Bandinelli) are distin-guished by stylization of human figure, attenuated forms, as well as bold solutions of the problem of an


ным эклектизмом художественной манеры (Дж. Вазари, Ф. Цуккари, Дж. П. Ломаццо). Для скульпту-ры маньеризма (Б. Амманати, Б. Челлини, Джам-болонья, Б. Бандршелли) характерны стилизация человеческой фигуры, измельченность формы, а также смелое решение проблем абсолютно круглой статуи. В архитектуре маньеризма (Б. Амманати, Б. Буонталенти, Дж. Вазари, П. Лигорио, Джулио Романо) гуманистичная ясность образа вытесняет-ся стремлением к сценическим эффектам, к эсте-тизации декора и подчеркиванию экстравагантной детали. Деятельность итальянских мастеров Манье-ризм за пределами своей страны (Россо Фьоренти-но, Никколо дель Аббате, Приматиччо во Франции, В. Кардучо в Испании, Дж. Арчимбольдо в Чехии), а также широкое распространение маньеристиче-ской (в том числе архитектурно–орнаментальной) графики способствовали превращению маньериз-ма в общеевропейское явление. Принципы манье-ризма определили творчество представителей 1–й школы Фонтенбло (Ж. Кузен Старший, Ж. Кузен Младший, А. Карон), немца X. фон Ахена, нидер-ландских мастеров А. Блумарта, А. и X. Вредеман де Врис, X. Голциуса, К. ван Мандера, Б. Спрангера, Ф. Флориса, Корнелиса ван Харлема. Выступление в Италии, с одной стороны, академистов болонской школы, с другой — Караваджо ознаменовало конец маньеризма и утверждение барокко. В современном западном искусствознании сильны тенденции к нео-правданному расширению понятия «маньеризм», к включению в него мастеров или шедших своим, особым путем, или лишь испытавших отдельные маньеристические влияния (Тинторетто, Эль Греко, Л. Лотто, П. Брейгель Старший).

А.Бронзино. ПьетА. 1528–1530г. дерево, м.

A. Bronzino. PieTA. 1528–1530. Wood, oil

джамболонья (д. да Болонья) ПоХИщенИе СоБИняноК.

1574–1582г.

Giambologna ( G. Da Bologna) THe RAPe OF THe SABine WOMen.

1574–1582.

absolutely round statue. In Mannerist architecture (B. Ammanati, B. Buontalenti, G. Vasari, P. Ligo-rio, Giulio Romano) humanistic clarity of the image was ousted by tendency towards scene effects, decor aesthetization and emphasis on extravagant details. Activity of Italian Mannerist masters beyond the borders of their native country (Rosso Fiorentino, Niccole dell›Abbate, Primaticcio in France, V. Car-ducci in Spain, and G. Arcimboldo in Czech Repub-lic) and wide spread of Mannerist (including the architectural ornamental ones) graphic works con-tributed to popularity of Mannerism throughout Europe. Mannerism principles served the basis for the oeuvre of representatives of the first school of Fontainebleau (J. Cousin the Senior, J. Cousin the Junior, A. Caron), German painter H. von Achen, Dutch masters A. Blumart, A. and H. Vredeman de Vries, H. Goltzius, K. van Mander, B. Spranger, F. Floris, and Cornelis van Haarlem. The growing popularity of Bolognese School academists and Car-avaggio in Italy marked the end of Mannerism and strengthening of Baroque. Modern Western study of art tends to unreasonably widen the concept of Mannerism by including into it masters that either chose their own way or picked up just some Manner-ist influences (Tintoretto, El Greco, L. Lotto, and P. Breigel the Senior).


Краски для ткани подразделяются на две катего-рии: профессиональные и класса «хобби». К краскам класса «хобби» в мире предъявляются очень высокие требования: они должны пройти контроль междуна-родных экологических служб и служб здравоохране-ния, быть экологически чистыми , не вызывать аллер-гии, не иметь резкого запаха, поэтому зачастую они имеют более высокую стоимость. Сегодня на россий-ском рынке представлено большое разнообразие кра-сок для росписи ткани различных производителей.

Профессиональные краски для росписи шелка

Водорастворимые краски на активных красителях и контуры Avantgarde немецкой компании KREUL: палитра красок — 72 цвета, фасовка 50 мл, 275 мл, 1 л. Контуры расфасованы в тубах по 20 мл. Экологически чистые, высококонцентрированные краски, которые прекрасно смешиваются друг с другом. Фиксируются в запарниках или в СВЧ–печах.

Французская фирма РЕВЕО предлагает краски марки Soie, которые пригодны также и для росписи шерсти. Палитра этих красок 80 цветов, фасовка 45 мл, 1 л. Краски для росписи шелка на водной основе, закрепляющиеся обработкой горячим утюгом:

Краски по шелкуSilk Painting Colours

Для профессионалов и любителей

For Professionals and Amateurs

Fabric paints may be divided into two categories including professional and «hobby» class ones. Across the globe they place very high demands on «hobby» class paints: they are to be inspected by international environmental services and health services, they should be environmentally friendly, they should neither cause allergy, nor have a sharp smell, so they are often more expensive. Today Russian market boasts abundance of paints for fabric painting produced by different manufacturers.

Professional Paints for Silk Painting Water soluble paints based on active dyes and

«Avantgarde» contour liners manufactured by German company KREUL: colour palette consists of 72 colours, available in 50ml, 275ml, and 1l packages. Contour liners are packed in tubes of 20ml each. Those are environmentally friendly, highly concentrated paints that perfectly blend with each other. They can be fixed in steamers or microwaves.

French company PEBEO offers paints of «Soie» brand that can also be used for wool painting. The palette of those paints includes 80 colours, available in 45ml and 1l packages. These silk painting colours are water based; they can be fixed by hot ironing:

KREUL produces paints and contour liners «Javana». The colour palette includes 71 colours, available in 50 and 275ml packages. Contour liner palette consists of 29 colours including those with a mother–of–pearl effect and glitters, available in 20ml tubes and 50ml jars. These environmentally friendly paints contain natural pigments on water base. They can be fixed by ironing on the inner side within three minutes.

PEBEO offers «Seta Silk» paints: 29 colours (packed into 45ml jars), with a large variety of contour liners (on «Gutta» water base, relief «Lien», mother–of–pearl «Star»).These water–based paints have no smell and can withstand washing.

Colours for silk and thin cotton painting manufactured by German company MARABU. The line bears the same name: «Silk» — 55 colours that easily blend with each other. These water–based paints (do not cause allergy) are resilient to bleaching and can be used for different techniques including the contour, aquarelle, salt, nubby and stenciled (when used with thickener) ones. After the paints have been applied onto fabric they dry within 5–10 minutes. One can


KREUL — это краски и контуры Javana. Палитра красок 71 цвет, фасовка 50 и 275 мл. Палитра контуров — 29 цветов, в том числе с перламутровым эффектом и с глитерами, фасовка в тубы 20 мл и банки 50 мл. Экологически чистые, с натуральными пигментами на водной основе. Фиксируются утюжкой с изнанки в течение трех минут.

РЕВЕО предлагает краски Seta Silk: 29 цветов (фасовка в банки 45 мл), с большим выбором конту-ров (на водной основе Gutta, рельефные Lien, перла-мутровые Star). Краски на водной основе, без запаха, хорошо переносят стирку.

Краска для росписи по шелку и тонкому хлопку немецкой фирмы MARABU. Линия так и называется: Silk — 55 цветов, которые легко смешиваются между собой. Краска на водной основе (не вызывает аллергии) устой-чива к выцветанию и пригодна для всех техник: контур-ной, акварельной, солевой, узелковой и трафаретной (при использовании с загустителем). После нанесения на ткань высыхает в течение 5–10 минут. Зафиксировать прочность окраски и светостойкость можно утюгом (при положении терморегулятора в режиме «хлопок») или 15–минутной выдержкой изделия в духовке при 150°C.

При помощи различных добавок и вспомогатель-ных средств красками можно работать, применяя разную технику. Для украшения расписанного шелка можно воспользоваться контуром Fun Liner Glitter c блестками и зафиксировать его через тонкую ткань утюгом.

вспомогательные средства для росписи по шелку

KREUL: • осветлитель Javana служит для осветления интен-

сивных цветов красок по шелку. Можно добавлять в краски в любых количествах;

• сгуститель Javana предотвращает расплывание краски по шелку по негрунтованному шелку. Исполь-зуется в различных техниках (монотопия, шелкогра-фия, шпаклевочная техника, шаблонирование, сво-бодное рисование и др.);

• акварельный грунт Javana предотвращает рас-текание красок по шелку и обеспечивает роспись без контурных линий. После высыхания на шелке можно рисовать в акварельной технике;

• эффект соль Javana используется для получения витиеватых случайных орнаментов и узоров.

MARABU: • Aguarellgrund можно использовать самостоя-

тельно как грунт, а при добавлении его в краску, она становится нетекучей, что позволяет рисовать без контура.

• Verdicker сгущает краску, после чего ею можно работать в технике набивки или трафаретной роспи-си. После фиксации избыточный сгуститель про-сто вымывается теплой водой, очень незначительно влияя на гриф шелка.

fix paint durability and lightfastness with an iron (when temperature control knob is switched to «cotton» position) or by placing the article into an oven at temperature 150°C for 15 minutes.

When using different additives and auxiliary agents one can work with the paints applying different techniques. To decorate painted silk one can use «Fun Liner Glitter» contour liner with spangles to fix it through thin fabric with an iron.

auxiliary agents for Silk PaintingKREUL: • «Javana» lightener serves to lighten intensive colours

for silk painting. It can be added into paints in any quantity.

• «Javana» thickener prevents bleed of paint over ungrounded silk. It can be used in different techniques (like monotopy, screen printing, putty technique, sweeping–up, free–hand drawing, and other).

• «Javana» aquarelle ground prevents paint spreading over silk and provides an opportunity to paint with no contour lines. After it dries out one can use the aquarelle technique to paint on silk.

• «Javana» effect salt is used for random flowery ornaments and patterns.

MARABU: • «Aguarellgrund» may be used independently as

ground, besides, when added into paint it loses fluidity, which allows one to draw without contour lines.

• «Verdicker» thickens paints for them to be used in printing and stenciled painting techniques. After fixation


Для высветления тона краску можно просто разве-сти водой, но при предельном разбавлении уменьшат-ся блеск и водостойкость.

Чтобы этого не произошло, есть специальная добавка Malmittel, гарантирующая сохранение блеска и водостойкости даже при разбавлении краски водой в соотношении 1:20.

Универсальные краски для росписи текстиля

KREUL — краски Javana Tex различаются для свет-лых (палитра 31 цвет) и темных тканей (12 цветов). Это высокоукрывистые краски на водной основе. Все цвета можно смешивать между собой и разбавлять водой. Фиксируются утюгом с изнаночной стороны. Есть также флуоресцентные цвета и краски с метал-лическими оттенками.

Трансфертные краски фирмы KREUL — Fashion Pen. Рисунок выполняется на любой гладкой поверх-ности, после высыхания снимается и при помощи утюга наклеивается на ткань. Если вещь нужно пости-рать, рисунок снимается и затем вновь под утюг при-клеивается.

Краски на водной основе Textil и Textil plus от компании MARABU также подходят для шелка (а еще для хлопка, джута, льна и смешанных тка-ней, содержащих до 20% синтетики) и очень легки в применении. Textil применяется для росписи светлых тканей, Textil plus — для тканей темных оттенков. Цветовая палитра представлена 21 стан-дартными цветами, 8 металлизированными и 6 флуоресцентными. Краска густой консистенции, и для нанесения на шелк ее лучше развести водой. Время высыхания — от 2 до 6 часов. Фиксация ана-логична. Cветостойкие фломастеры Marabu Textil Painter для рисования по любому виду светлого текстиля. Тонкие (1–2 мм) используют для нанесе-ния надписей и мелких рисунков, толстые (2–4) — для закрашивания больших поверхностей. Пали-тра — 14 ярких цветов. Можно комбинировать их с красками Textil и Textil plus, способы фиксации для них те же: утюг и духов-ка. РЕВЕО предлагает аэро-зольные текстильные краски Seta Color. Палитра красок состоит из 59 концентриро-ванных оттенков, закрепляе-мых путем фиксации утю-гом. Фломастеры по тексти-лю фирмы РЕВЕО. Тонкие, супертонкие и широкие мар-керы Setascrib — наиболее удобные маркеры для роспи-си ткани, одежды, аксессуа-ров. Все цвета смешиваются между собой. Работы закре-пляются утюгом.

thickener odds are simply washed out with warm water, which has insignificant effect on silk handle.

To lighten the tone one can simply dilute paints with water, however maximum dilution decreases luster and water–resistance.

To avoid it one can use special additive «Malmittel» which guarantees luster and water–resistance will remain even if paint is diluted in the ratio 1 : 20.

universal Colours for textile Painting.

KREUL — «Javana Tex» paints differ for light (palette includes 31 colours) and dark fabrics (12 colours). These are highly covering water–based paints. All paints may be blended with each other and diluted with water. They can be fixed by ironing on the inner side. Fluorescent colour and paints with metallic shades are available too.

Transfer paints manufactured by KREUL Company — «Fashion Pen». The drawing is made on smooth surface, then taken off to be adhered onto fabric with the help of an iron.

«Textil» and «Textil plus» water–based paints manufactured by MARABU Company are good for silk (as well as for cotton, jute, linen, and mixed fabrics that contain up to 20% of synthetic materials) and easy to use. «Textil» is used for painting light fabrics, and «Textil plus» — for painting fabrics of darker shades. Colour palette includes 21 standard colours, 8 metallized and 6 fluorescent ones. The paint features a dense consistency, so before applying it onto silk one had better dilute it with water. Drying time varies from 2 to 6 hours. Fixation takes the same amount of time. Lightfast markers «Marabu Textil Painter» are good for painting on light textile of any type. Thin ones (1–2mm) are used to make writings and small drawings, whereas thick ones (2–4mm) are used for covering large surfaces. The palette includes 14 bright colours. They may be blended with «Textil» and «Textil plus» paints; the methods of fixation are the same — iron and oven. PEBEO offers aerosol textile paints «Seta Color». The palette includes 59 concentrated shades to be fixed by ironing. Textile markers manufactured by PEBEO

Company. Thin, super–thin, and wide markers «Setascrib» are the most comfortable markers for painting fabric, clothes, and accessories. All paints can be blended with each other. Works can be fixed with an iron.

70 Рг R U S S I A N G A L L E R Y decorative and applied art

ИСТоРИЯ БАТИКАНаиболее ранние сведения об окраске тканей в миро-

вой литературе относятся к I в. н. э. Плиний Старший дал в одной из своих книг описание способа окраски, который применялся в Египте.

Первоначально батик появился у народов Индоне-зии, где рисунок наносился с помощью воска (резерва), а затем ткань опускалась в краситель, который окрашивал только не покрытые воском участки. Операция повто-рялась несколько раз, если надо было получить разноо-бразные оттенки цвета. В дальнейшем батик получил широкое распространение в Азии и Европе.

С древнейших времен известна ручная роспись по ткани. Она была широко распространена в Японии, Китае, Египте и Африке, но поразительного художе-ственного совершенства и самобытности оно достигло на Яве. Отрывочные и далеко не полные сведения о раз-личных методах декорирования тканей не позволяют определить время зарождения этого вида декоративно–прикладного искусства.

В Индонезии, в некоторых областях Центральной Явы и прилегающих к ней островах сохранилась древ-нейшая форма резервирования, которой пользуются до сих пор при создании особой церемониальной ткани. Резервом здесь служит специально приготовленная рисовая паста, которую наносят с помощью бамбуковой палочки. Ткань берут только ручного прядения, краска приготовляется из корня одного растения, окрашива-ние происходит в несколько стадий и длится несколь-ко дней. После удаления пасты остаются простые, в основном геометрические изображения. Символическое значение батика проявляется в его традиционной сине–коричневой цветовой гамме, в изображении древних орнаментальных мотивов и особенно в том, что ни один обряд жизненного цикла не обходится без батика. Крис и батик здесь являются воплощением мужского и жен-ского начал.

Через хозяйственные записи известно, что индийские набивные ткани были предметом активного экспорта на Суматру и Яву в Средние века. Из стремления воспро-извести понравившиеся узоры в собственной технике возник типично яванский прибор — тьянтинг( джань-тинг) — маленький медный сосуд, который наполняется расплавленным воском и может быть разогрет на огне. Сосуд снабжен тонкой загнутой трубочкой, из кото-рой вытекает тонкая струйка воска, и это приспособле-ние позволяет нанести тонкие штрихи, линии и точки, составляющие сложный узор индонезийского батика.

батик, виды и техникаBatik types and technique

HIStoRy oF BatIKFabric decoration technique was first mentioned in the

world literature in the first century A.D. In one of his books Plinius Secundus described the method of decoration that had been used in Egypt.

Batik was originally developed by Indonesian peoples that applied patterns with the help of wax (resist). They then dipped fabric into dye that covered wax–free areas. The procedure was done several times to get different col-our shades. Eventually batik became widely spread in Asia and Europe.

Hand decoration of fabrics has been known since the ancient times. It was widely spread in Japan, China, Egypt, and Africa, though it was in Java where it achieved an out-standing artistic perfection and uniqueness. The available information on different techniques of decorating fabrics is fragmentary and not nearly complete, so it is impossible to know the time this type of decorative and applied art first appeared.

In Indonesia and a few regions of Central Java and the contiguous islands they still have the ancient technique of


А рисование от руки превращает простое окрашивание ткани, столь необходимое в повседневной жизни, в высо-коразвитое искусство.

Когда англичане в 1811г. оккупировали Яву, они решили распространить английские хлопчатобумажные ситцы, но натолкнулись на препятствие, которым было качество окраски местного батика. Оно было гораздо выше европейского, растительные красители не линяли при стирке.

БАТИК в РоССИИВ России батик появился примерно в 1920–е гг. вме-

сте с всеобщим увлечением стилем модерн и развивал-ся в основном в больших городах. Русские художники восприняли европейскую технику и стилистику, но не знали истоков и не опирались на какую–либо тради-цию. Отсутствие технологически развитых и отработан-ных приемов, недостаток опыта и неправильно понятая функциональность обусловили значительные колебания художественного уровня изделий. Художники объеди-нялись в артели и занимались производством платков, шалей; редко получали большой заказ — театральные и сценические занавеси или шторы для кафе.

С одной стороны, мода времен нэпа обусловила зна-чительный спрос, заказы на шикарные шелковые шали с изысканным орнаментом в восточном стиле, платья с асимметричным рисунком. Со временем увлечение рас-писными шалями сошло на нет, было объявлено мещан-ским.

С другой стороны, в работах театральных художни-ков Е. Е. Лансере, А. Г. Тышлера, В. А. Щуко ярко проя-вился революционный конструктивизм. Конструкти-визм определял форму, а политическая ситуация дикто-вала сюжеты, в том числе и в тканях того времени. Была большая потребность во флагах, вымпелах, новая тема-тика породила множество орнаментов с советской сим-воликой, расписанные серпами и молотами театральные занавеси сопровождали любую агитбригаду.

В 1930–х гг. занятие батиком было замечено и поддер-жано на правительственном уровне: издано несколько пособий по технологии, организовано несколько арте-лей, в дальнейшем превратившихся в фабрики. Но все-общая «уравниловка» не способствовала развитию худо-жественного батика, свойственного ему индивидуаль-ного вкуса. В 1950–е гг., после выхода партийного поста-новления «О всеобщем повышении качества и художе-ственного уровня изделий текстильной и легкой и мест-ной промышленности» ситуация в корне изменилась. Было организовано несколько галантерейных фабрик в Москве и Ленинграде, куда приглашали на работу уже известных художников и набирали учеников.

А. Алексеева, Т. Алексахина, К. Малиновская, С. Мар-голина, И. Иноземцева стояли у истоков развития бати-ка в нашей стране. Они создали первые композиции в батике, которые были основаны на строго классическом понимании геометрического и растительного орнамента и служили моделями для производства платков. Пона-чалу деятельность художников в основном была подчи-

reserving that is still used to create a special ceremonial fab-ric. The reserve used for it is a specifically made rice paste applied with the help of a bamboo stick. The fabric should be hand spun; the dye should be made of a root of a single plant. Dying is a multi–stage process that lasts a few days. After the paste is removed there remain simple mainly geo-metrical patterns. Batik’s symbolic meaning displays itself in its traditional blue and brown colour range, depiction of ancient ornamental motifs and particularly the fact that no ritual of life cycle can go without batik. In this region kris and batik are embodiments of Yang and Yin.

Household notes prove that Indian prints were products of active export to Sumatra and Java in the Middle Ages. Their yearning to reproduce the patterns they liked using their own technique gave birth to the typical Javanese uten-sil called tjanting, a small copper vessel that can be filled with melted wax and heated on fire. The vessel is equipped with a thin hooked tube that allows a thin stream of wax flow out of it. Such device helps to apply thin strokes, lines and dots that form an intricate design of Indonesian batik. Freehand decoration turns this simple fabric dying, which is so necessary in everyday life, into a highly developed art.

When the English invaded Java in 1811 they decided to spread English cottons, however they faced one problem which was the quality of local batik dying. It was much higher than that of European one, vegetable dyes did not fade of washing.

BatIK In RuSSIaIn Russia batik appeared in 1920–s together with com-

mon ardour for «modern» style and developed mainly in big cities. Russian artists adopted European technique and style; however they did not know the origins and did not rely on any tradition. Lack of technologically devel-oped and well–tested methods, insufficient experience and wrongly understood functionality stipulated for consider-able differences in the artistic level of articles. Artists united into artels and engaged in manufacturing headscarves and shawls sometimes receiving big orders for theatre and stage curtains or curtains for a caf.

On one side the fashion of New Economic Policy peri-od stipulated for a considerable demand, orders for chic silk shawls with an intricate Eastern–style ornament, and dresses with asymmetric patterns. Eventually this passion for ornamented shawls came to naught and was declared vulgar.

On the other hand works by some scene–designers including E.E. Lansere, A.G. Tyshler, and V.A. Shchuko now featured revolutionary constructivism. Constructiv-ism determined the shape, and the political situation dictat-ed plots of many works of art including fabrics. There was a great demand for flags and pennants, and the new theme gave rise to many ornaments with Soviet symbols, theatre curtains decorated with hammers and sickles came along with any team of agitators.

In 1930–s batik received prominence among mem-bers of the government that supported the technique by authorizing to publish a few manuals on the technology


нена платочному производству. Но со временем все чаще появлялась потребность в крупных панно для оформ-ления кафе, фойе кинотеатров, концертных залов и теа-тральных сцен.

Постепенно батик стал появляться на выставках союзного значения. Ведущую позицию там занимали художники из Прибалтики. Становление современной школы литовского текстиля, и в том числе батика, связа-но с именем его основателя Ю. Бальчикониса.

В 1970–е гг. появилось новое поколение художников–текстильщиков, получивших образование в Строганов-ском и Мухинском училищах. Именно с этого времени батик стал полноправным участником всех художе-ственных выставок как всесоюзного, так и международ-ного масштаба. Батик необычайно популярен и сегодня.

вИДы БАТИКА И еГо ТеХНИКАБатик (фр. batique — набивной) — многоцветная

ткань, рисунок на которую наносят ручным способом.Множество способов оформления тканей породило и

многообразие декоративных эффектов. Ручная роспись тканей производится тремя видами техник, каждая из которых имеет свои особенности оформления. Два из них — холодный и горячий батик — основаны на приме-нении особых составов, ограничивающих растекаемость краски по полотну.

В наше время техника батика существенно усложни-лась. Различают горячий и холодный батик в зависимо-сти от того, какую обработку проходит ткань. Процесс нанесения рисунка на полотно может быть одинаковым в обоих случаях, но затем в технике горячего батика рас-писанное изделие подвергают обработке горячим паром в специальных устройствах («запаривают»). Это делается для того, чтобы закрепить краски, и батик можно было стирать. Современные красители позволяют достичь эффекта простым проглаживанием горячим утюгом ткани с обратной стороны. Различают два основных способа нанесения краски в технике батика: свободная кистевая роспись и выполнение рисунка с помощью нанесения специальными инструментами резервирую-щего состава для достижения четкой графики линий. Возможно множество вариантов применения смешан-ной техники изготовления батика.

При холодном батике состав наносят на ткань в виде замкнутого контура, в пределах которого специальными красками в соответствии с эскизом расписывают изде-лие. Художественные особенности этого способа роспи-си состоят в том, что наличие обязательного цветного контура придает рисунку графический характер. Появ-ление в Европе восточных тканей привело в начале XX в. к увлечению ручной росписью тканей. Батик переживал второе рождение. Но воспроизвести классический про-цесс изготовления воскового батика европейцам было сложно, поэтому появился иной вид росписи: холодный резерв и другие приемы окрашивания. Однако эта тех-ника отличается от горячего батика не только темпера-турой резерва — изменился его состав, инструменты для его нанесения, а также стиль росписи. В результате

and organizing a few artels that eventually developed into factories. However general egalitarianism could not favour artistic batik development or individual taste typical of this technique. In 1950s after the Party issued the decree «On general increase of the quality and artistic level of goods of textile, light, and local industry» the situation changed dramatically. In Moscow and in Leningrad there appeared a few haberdashery factories that hired already well–known artists and recruited apprentices.

Originators of the batik process in this country include A. Alexeeva, T. Alexakhina, K. Malinovskaya, S. Margolina, and I. Inozemtseva. They created first batik compositions that were based on strictly classic understanding of geomet-ric and floral ornaments and served models for shawl man-ufacturing. First all artists’ efforts were devoted to shawl manufacturing, but eventually the demand for large panels to decorate cafes, cinema halls, concert halls and theatre stages began arising more often.

Gradually batik works started to appear at exhibitions of All–Union significance, where the leading role belonged to artists from the Baltic States. Formation of the modern school of Lithuanian textile including the batik is associated with the name of its founder Y. Balchikonis.

1970–s saw a new generation of textile artists that received their education at Stroganov and Mukhina colleg-es. It was then when batik became a full participant of all art exhibitions of both All–Union and international signifi-cance. Today batik is exceptionally popular as well.

BatIK tyPeS anD teCHnIque Batik (Fr. batique means «printed») refers to multicol-

oured fabric with patterns applied onto it by hand. Abundance of fabric decoration methods resulted in a

variety of decorative effects. Fabric decoration by hand is made with the use of three techniques, each with its own peculiarities of decoration. Two of them including the cold and hot batik are based on the use of special compounds that limit flowability of paint across the canvas.

Today the batik technique is much more complicated. Batik may be hot or cold depending on how fabric was processed. The process of application of patterns onto can-vas may be the same in both cases, but then in hot batik technique decorated items are treated («steamed») with hot steam in special machines. The procedure is performed to fix paints for the batik to be able to withstand washing. Modern dyes allow to achieve the effect by simply ironing the cloth with a hot iron on the inner side. Batik technique features two main methods of paint application includ-ing the free brush decoration and creation of patterns by applying reserve mixture with the help of special tools to achieve clear line graphics. Mixed technique of batik may be used in various ways.

The cold batik technique uses mixture that is applied onto fabric as a closed contour, within which the article is painted with special paints in correspondence with the sketch. The artistic peculiarity of this decoration method is that presence of an invariable colour contour gives the pat-tern a graphic character. The early XX century saw appear-


рисунок приобретает графи-ческую четкость. В отличие от горячего батика, данный метод не требует удаления резерва после окрашива-ния, более прост и безопа-сен и поэтому относится к числу наиболее популярных приемов росписи ткани. В холодном батике использу-ется в основном натураль-ный шелк, но первые опыты можно делать и на тонкой хлопчатобумажной ткани. При нанесении на шелк (если он не загрунтован спе-циально) жидкие краски обычно растекаются по всем направлениям, подчас неконтролируемо и чаще всего без образования четких контуров. В холодном батике краски наносят только поверхностно, мягкими кистя-ми, поролоновыми или ватными тампонами. На разных тканях краска растекается по–разному. Для первых опы-тов и для тренировок лучше использовать тонкие хлоп-чатобумажные ткани — батист или шифон. Белое про-стынное полотно, ситец, бязь используются для горячего и узелкового батика. На натуральный шелк лучше пере-ходить, когда вы достаточно овладели техникой росписи. Шелковые ткани очень разнообразны и по–разному под-даются росписи. Тонкий шелк — креп–шифон — идеа-лен для начинающих, особенно подходит для контурной росписи. Краска на эти ткани ложится ровно и хорошо расплывается.

Более плотные ткани — дюпон, туаль, креп–сатин, крепдешин и креп–жоржет — тоже подходят для работы в технике нанесения контуров, поскольку на них быстрее закрепляются разделяющие линии, чем на плотных шелках, таких как туеса. Эти виды шелка могут быть использованы для нанесения воска.

При горячем батике разогретый резервирующий состав используют как для нанесения контура, так и для покрытия отдельных участков ткани, чтобы предохра-нить их от растекающейся краски. Здесь необязательны контурные линии, поэтому в рисунке возможны мягкие переходы тонов.

Соединение различных технических приемов нане-сения состава позволяет художнику делать более тонкие и разнообразные разработки орнаментальных форм.

Третий способ ручной росписи тканей — свободная роспись, которая производится без применения этих составов. Рисунок наносят на ткань свободными мазка-ми, и только окончательная отделка рисунка иногда про-изводится при помощи холодного состава.

ance of Eastern fabrics in Europe, which evoked pas-sion for fabric decoration by hand. The period marked the second birth of batik. However it turned hard for the Europeans to repro-duce the classic process of wax batik making, so there appeared another method of decoration including the cold reserve and other tech-niques of painting. Though the difference between this technique and the hot batik one was not only the tem-perature of reserve, since its

ingredients changed as well together with the tools for its application and the style of decoration. Consequently the pattern acquired a graphic clearness. Unlike the hot batik this method does not require reserve removal after painting. Besides it is simpler and easier, so it is one of the most popular methods of fabric decoration. The cold batik technique mainly uses natural silk, however one can start with painting thin cotton cloths. When applied onto silk (if it has not been specially ground-ed) liquid paints spread in all directions, often in an uncon-trolled manner, leaving no clear contour lines. In the cold batik technique paints are applied only superficially with soft brushes, foam rubber or cotton balls. Paint spreads differently depending on the type of fabric. For your first works and practice it’s better to use thin cotton fabrics like cambric or chiffon. Fabrics like white sheeting, printed cotton, and coarse calico are used for hot and nubby batik. Experiments with natural silk should be made when you have mastered the technique of decoration. Thin silk called crepe–chiffon is an ideal choice for beginners. It is particu-larly good for contour painting. When applied onto such fabric paint forms an even layer and spreads well.

Thicker fabrics including DuPont, tual, crepe–satin, crepe de Chine, and Georgette crepe are also good for con-tour application technique, since on them dividing lines are fixed quicker, than on thick silk fabrics like tuesa. Such types of silk may be used to apply wax.

In hot batik technique heated reserve mixture is used both for applying contour lines, and for covering some parts of the cloth to save them from flowing paint. Here one does not need contour lines, so patterns may feature subtle shade blends.

Combination of different techniques of mixture appli-cation allows the artist to make more subtle and varied designs of ornamental forms.

The third method of fabric decoration by hand is free-hand decoration performed without these mixtures. The pattern is applied onto fabric in free strokes, and only the final decoration of the pattern is sometimes performed with the use of cold mixture.


Колористические возможности живописно-го произведения и сохранность картины зависят не только от качества материалов, применяемых в живописи, но и от того, насколько правильна тех-нология живописи. Следует отметить, что качество выпускаемых материалов достаточно высокое и те дефекты, которые встречаются в живописных про-изведениях, обычно являются следствием незнания техники живописи и материалов или низкокаче-ственных грунтов.

ПожУХАНИеПожухание — ненормальные изменения в красоч-

ном слое, при которых живопись теряет блеск, ста-новится глухой, черноватой. Причина пожухания — потеря пигментами связующего. Пожуханию способ-ствует:

• чрезмерное впитывание грунтом масляного свя-зующего;

• пересохший грунт или имеющий макро– и микро-трещины;

• нанесение красок на еще не просохший нижележа-щий красочный слой;

• избыток в связующем воска или разбавителя; • очень малое количество масла в красках; • очень медленное высыхание живописи; • отсутствие связи между маслом и пигментом.Для предупреждения пожухания рекомендуется

наносить краски на вполне просохший красочный слой. Сухой красочный слой следует предварительно обрабатывать лаком «Ретушь», в краски необходимо добавлять лаки или уплотненное масло № 1 или № 2; не злоупотреблять разбавителями. Для частичного устра-нения пожухания живопись протирают уплотненным маслом № 1 или № 2, а затем ретушным лаком.

ПоЧеРНеНИе Почернение или пожелтение, ухудшение цветовых

свойств красок происходит под воздействием физико–химических изменений в красочном слое. Почернение или пожелтение наступает:

дефекты масляной живописи и их исправлениеoil Painting Defects and methods of Correcting them

Colour potentiality of a painting and its safety depend on the quality of the materials used in painting practice, and what is more on how accurate the technology of painting is. It should be noted that the quality of materials manufac-tured today is rather high, so defects found in paintings are usually the result of either poor knowledge of the painting technique and the materials, or of low–quality grounds.

FaDInGFading refers to abnormal changes in the colour layer

causing the painting to lose luster and become dull and blackish. Fading usually happens when pigments lose their binding agents. Fading may be caused by:

• excessive absorption of oil binding agent by the ground;

• dry ground or ground with either macro or micro–cracks;

• application of colours onto still wet underlying paint layer,

• excess of wax or dilutant in the binding agent; • very little quantity of oil in paints; • very slow drying of a painting; • no adhesion between oil and pigment.To prevent fading it is recommended to apply paints onto

quite dry paint layer. One should treat a dry paint layer with «Retouch» varnish, add varnishes or bodied oils №1 or №2 into paints, and avoid excessive use of thinners. To partially eliminate fading one should treat paintings with bodied oil №1 or №2 and then treat them with retouch varnish.

BlaCKenInG Blackening or yellowing refers to deterioration of

colour properties of paints due to physical–chemical chang-es in the colour layer. Blackening or yellowing may be caused by:

• pasty brushstrokes over an insufficiently dry paint layer;

• use of oxidated pinene; • excess use of oil copal varnish; • inappropriate fusion of colours like white lead with

cobalt blue, ultramarine, red madder, Tuscan, and other;


• в связи с пастозными прописками по недостаточ-но просохшему красочному слою;

• при применении осмелившегося пинена; • при чрезмерном применении масляного копало-

вого лака; • при недопустимом смешении красок, например:

белил свинцовых с кобальтом синим, ультрамарином, краплаком красным, золотисто–желтым ЖХ и др.;

• под воздействием сернистых газов и сероводоро-да;

• от сырости, недостатка света при высыхании кра-сок.

Для частичного устранения почернения может быть рекомендована протирка живописи уплотненны-ми маслами № 1 или № 2, а затем лаком «Ретушь».

КРАКелЮРКракелюр — трещины, образующиеся на живопис-

ном слое. Кракелюр подразделяют на жесткий с остры-ми краями и мягкий, или плывущий, который может быть поверхностным или же глубоким. Образование кракелюра вызывают:

• не выдержанные необходимое время грунты; • прописка по полусырому красочному слою; • переклеенные грунты и грунты, содержащие недо-

статочное количество клея; трещины в грунте; • чрезмерно разбавленная краска подмалевка; • преждевременное покрытие лаком картины; • колебания влажности и температуры воздуха; • механические повреждения холста. Для ликвидации такого серьезного дефекта, каким

является кракелюр, требуется работа реставратора.

оТСлоеНИе Отслоение живописного слоя вызывается нанесе-

нием красок на поверхность сухой, часто старой живо-писи. В таком случае полностью отсутствует адгезия — сцепление свежей краски с нижележащим слоем, и по высыхании краска отслаивается. Для сцепляемости краски с сухим живописным слоем его предварительно прошкуривают — делают достаточно шероховатым — и затем тщательно обрабатывают лаком «Ретушь».

МелеНИе КРАСоК Этот дефект вызывается потерей пигментом краски

связующего — масла. Меление красок происходит: • при тянущем грунте; • когда масло диффундирует в рыхлый или трещи-

новатый грунт; • когда нижележащие слои красок обладают боль-

шей маслоемкостью, чем наносимые; • краски, у которых пигменты плохо удерживают

связующее; к таким краскам относятся: цинковые и свинцовые белила, краплаки, золотисто–желтая ЖХ, кобальт зеленый, ультрамарин, умбра, сиена и неко-торые другие. Меление красок часто сопровождается растрескиванием красочного слоя. Во избежание меле-ния красок при работе на тянущих грунтах и в других

• influence of sulfurous gases and hydrogen sulfide;

• moisture, lack of light when paints dry out.

To partially eliminate blackening it is recommended to treat paintings with bodied oils №1 or №2 and then with «Retouch» varnish.

CRazInGCrazing refers to cracks that appear in a pictorial layer.

Crazing may be divided into two types including the hard one with sharp edges and the soft or floating one that may be either superficial or deep. Crazing may be caused by

• grounds that have not been given time to mature; • drawing over a half–wet paint layer; • grounds with too much glue, as well as grounds with

insufficient quantity of glue; cracks in the ground; • too diluted undercoat paint; • premature varnishing of a painting; • variances in air humidity and temperature; • mechanic damages of canvas. Liquidation of such a serious defect, as crazing will

require efforts of a restorer.

PeelInG Pictorial layer peeling may be caused by application of

colours onto the surface of dry and often old paintings. In such case there is absolutely no adhesion which refers to cohesion of fresh paint with an underlying layer, and con-sequently paint peels off. To provide cohesion of paint with a dry pictorial layer one should first sandpaper it to make it uneven and then thoroughly treat it with «Retouch» var-nish.

ColouR CHalKInG Such defect appears when paint pigments lose their

binding agent which is oil. Colour chalking may be cause by:

• viscous ground; • oil diffusing into friable and fractured ground; • underlying paint layers having better oil absorption

than those applied; • paints whose pigments cannot well hold the binding

agent that include zinc white and white lead, red mad-ders, Tuscan, cobalt green, ultramarine, umber, sienna, and some other.

Colour chalking often comes together with colour layer cracking. To prevent colour chalking when working over viscous grounds and in some other cases that cause chalking it is recommended to paint over pictorial var-nishes.

SHRInKInGShrinking refers to shrinkage of a paint layer. It may

happen due to quick decrease of paint volume which causes creasing of a paint layer. Possible causes of shrinking:


случаях, вызывающих меление, рекомендуется писать на живописных лаках.

ССеДАНИеСседание — сжатие красочного слоя. Оно проис-

ходит при быстром уменьшении объема красок, что вызывает сморщивание красочного слоя. Причины сседания:

• краски были сильно разбавлены маслом и нанесе-ны пастозно;

• для живописи применялось некачественное масло (например, горячего прессования), разбавленные кра-ски нанесены на недостаточно просохший нижележа-щий живописный слой;

• колебания температуры и влажности воздуха.

ПоМУТНеНИе жИвоПИСИ Помутнение живописи происходит: • при потере красками связующего; • при поглощении даммарным лаком влаги, если

этим лаком была покрыта картина; • при применении окислившегося пинена; • при применении прогорклого масла. Для устранения помутнения живопись протирают

лаком «Ретушь» или уплотненными маслами № 1 или № 2.

При помутнении покрывного лака (даммарного) лаковое покрытие обрабатывают над парами спирта.

• paints were too much diluted with oil and applied pastily;

• low–quality oil was used for painting (like hot–pressed oil), or diluted paints were applied onto an insufficiently dry underlying pictorial layer;

• variances in air humidity and temperature.

PaIntInG BluSHInGPainting blushing may be caused by: • colours losing their binding agent; • dammar varnish absorbing moisture if the painting

was covered with this varnish; • use of oxidated pinene; • use of rancid oil. To eliminate blushing the painting is treated with either

«Retouch» varnish, or bodied oil №1 or №2. If cover varnish (dammar varnish) blushes varnish coat

should be treated over alcohol vapor.

WaRPaGe (DeFoRmatIon) This defect refers to formation of wavy irregularities in the

painting. Folds appear: • if canvas is poorly stretched; • if the stretcher is wrongly made; • if when stretching canvas nails are arranged wrongly or

sparsely; • due to abrupt changes in air temperature and humidity. Folds are usually wide wavy irregularities of canvas; some-

times warpage of canvas is characterized by folds that radiate sideways from stretcher corners. To eliminate canvas warpage the painting is placed into conditions of normal humidity and temperature (normal humidity 60–65%, temperature + 20 degrees). If deformation cannot be eliminated, the canvas is cautiously tightened with stretcher wedges avoiding overtight-ening.

Warpage is a serious damage of canvas and it often requires treatment by a restorer.

DentSDents appear due to mechanic damages of a painting

(blows, pressure on canvas, etc.). Dents may appear on grounded canvases too. Usually in

dent places there appear signs of crazing or even paint layer peeling; the defect aggravates when one tries to get rid of those dents by moistening the canvas with water.

RemoVal oF ContamInatIonS oFF PaIntInG SuRFaCe

Here we do not imply restoration of paintings by removal of contaminations. Instead we mean facial clean-ing of paintings that are of no special artistic value, since professional restoration requires special knowledge and skills. To remove contaminations that appeared on the sur-face of varnish film one can use emulsions with the follow-ing content:


ПоКоРоБлеННоСТЬ (ДеФоРМАЦИЯ)

Этот дефект состоит в образовании на картине волноо-бразных. Складки образуются:

• при слабой натяжке холста; • при неправильно сделанном подрамнике; • при неправильном или редком расположении гвоздей

при натяжке холста; • при резких изменениях температуры и влажности воз-

духа. Обычно складки представляют собой широкие вол-

нистые неровности холста, иногда покоробленность холста характеризуется складками, расходящимися в стороны от углов подрамника. Для устранения поко-робленности холста картину помещают в нормаль-ные влажностно–температурные условия (нормальная влажность 60–65%, температура +20 градусов). Если деформация не устраняется, то холст осторожно подтя-гивают клинками подрамника, но без перетяжки. Поко-робленность — серьезное повреждение холста и часто требует вмешательства реставратора.

вМЯТИНы Вмятины образуются при механических повреждениях

картины (ударах, нажатиях на холст и т. п.). Вмятины могут быть и на грунтованных холстах. Обыч-

но на местах вмятин образуется кракелюр или даже отслаи-вание красочного слоя, дефект усиливается при смачивании холста водой при попытках удаления вмятин.

УДАлеНИе ЗАГРЯЗНеНИЙ С ПовеРХНоСТИ КАРТИН

Речь идет не о реставрации картин с удалением загрязне-ний, а лишь о косметической чистке картин, не представляю-щих какой–либо особой художественной ценности, так как профессиональная реставрация — с удалением загрязнений — требует специальных знаний и навыков. Для удаления загрязнений, образовавшихся на поверхности лаковой плен-ки, применяют эмульсии следующих составов:

№ п/п Вода Пинен Спирт

1 50% 50% –

2 45% 45% 10%

3 30% 60% 10%

4 30% 50% 20%

№ Water Pinene Alcohol

1 50% 50% –

2 45% 45% 10%

3 30% 60% 10%

4 30% 50% 20%

Количество спирта в эмульсии должно регулиро-ваться, так как повышенное содержание его в эмульсии может вызвать растворение лаковой пленки. Поэто-му эмульсию следует предварительно проверить на небольшом малозаметном участке картины.

Для удаления загрязнений применяют ватные там-поны и щетинные круглые кисти.

Статья взята с сайта http://worldleonard.h1.ru

The quantity of alcohol in emulsion should of course be regulated, since its increased quantity in the emulsion may result in dissolving the varnish film. Therefore the emulsion should first be tested on a small barely visible part of the painting.

To remove contaminations one can use wads of cotton wool and round bristle brushes.

The article was taken from http://worldleonard.h1.ru


Понятие о масштабе. методы копированияConcept of Scale. Copying methods

Рисовальщик может разбить свои рисунок на пер-спективные планы — передний, средний и дальний. Сравнивая их между собой, будет легче определить масштабность предметов и решить тональную задачу рисунка.

И. И. Ростовцев

A painter may divide his painting into perspective plans including front, middle, and far ones. By compar-ing them it’ll be easier to determine the scale of objects and choose the tone of the painting.

I.I. Rostovtsev

В живописной практике приходится выполнять изо-бражения очень крупных предметов, например: деревья, дома, леса, реки, облака, дороги и т. д. Но изображения таких крупных объектов не всегда помещаются на листе бумаги или холсте обычных размеров. Мелкие предметы, которые едва заметны глазу, порой трудно или невозмож-но изобразить такими же маленькими, в натуральную величину, например: мелкие насекомые, совсем малень-кие полевые цветочки, травинки или снежинки и т. д. Поэтому художники при написании картины изображе-ние очень крупных предметов уменьшают, а очень мел-кие предметы увеличивают по сравнению с истинными размерами.

В основе такого отношения художника к действитель-ному размеру изображаемых предметов лежит понима-ние масштаба и хорошее знание пропорции данного изо-бражаемого предмета.

Понятие масштаба — это соотношение разницы линейных размеров изображения данного предмета к его действительным размерам.

В искусстве рисунка понятие масштаба предполагает следующие действия.

1. При всяком увеличении или уменьшении действи-тельных размеров предмета в картине пропорции самого предмета должны быть соблюдены художником точно, ибо только тогда предмет будет узнаваемым и реалистич-ным.

2. Живописное понимание масштаба в картине заклю-чается и в строгом соблюдении природных соотношений размеров и величин всех изображенных предметов между собой. Существующая разница в размерах данных пред-метов (по высоте, ширине, длине) должна быть верно передана в картине. Например, соотношение величин фигур животных и деревьев, деревьев и гор и т. д.

Рассмотрим основные методы копирования и мас-штабирования изображения в искусстве рисунка.

1. Увеличение или уменьшение любой картины (рисунка) или копирование ее без изменения размеров

In painting practice one sometimes has to depict very large objects like trees, houses, forests, rivers, clouds, and other. However images of such large objects cannot always fit in a sheet of paper or canvas of usual size.

Minute objects that can hardly be seen by the unaided eye are hard or even impossible to depict as small as they really are, namely in actual size. They include small insects, tiny wild flowers, grasses, flecks of snow, and other.

Therefore when working over a painting artists decrease the size of large objects they depict, and increase the size of tiny objects they portray as compared to their actual sizes.

Such treatment of actual sizes of the objects depicted is based on artists’ understanding of scale and good knowl-edge of proportions of the objects they portray.

The scale refers to correlation of difference of linear sizes of certain object’s image to its real sizes.

In the art of drawing the concept of scale implies the following actions:

When either increasing or decreasing actual sizes of an object in a painting the artist should accurately maintain the proportions of the object itself, since it’s the only way for the object to remain recognizable and realistic.

Pictorial understanding of scale in a painting sug-gests scrupulous attention to natural correlations between dimensions and sizes of all objects depicted. The exist-ing difference in sizes of those objects (height, width, and length) should be correctly conveyed in the painting. Take for example correlation between sizes of animal figures and trees, trees and mountains, and other.

Let us explore the main methods of copying and scaling of an image in the art of drawing.

The artist may enlarge or compress any painting (draw-ing) or copy it without changing its sizes reposing on visual study and freehand drawing, which requires high profes-sional mastery and skills from the painter.

The artist may enlarge or compress any drawing or copy it without changing its sizes by having it Xeroxed and mak-ing further amendments of the image.


художник может выполнить на осно-ве визуального исследования и свобод-ного рисунка от руки, что требует от живописца высокого профессиональ-ного мастерства и навыков.

2. Увеличение или уменьшение любого рисунка или копирование его без изменения размеров можно испол-нить с помощью ксерокопии, а затем внести необходимые дополнительные поправки в изображение.

3. Точное копирование любого рисунка без изменения размеров воз-можно выполнить с помощью копиро-вальной бумаги. Копировальная бумага накладывается на лист ватмана пли на загрунтованный холст, затем сверху на копирку кладется оригинал, закрепля-ется так, чтобы в дальнейшем при рабо-те не смещалось изображение. Рисунок оригинала можно обводить шарико-вой, гелевой ручкой пли карандашом.

Если оригинал нежелательно пор-тить, можно рисунок обвести острым концом деревянного черенка кисти или остро заточенной спичкой и т. д.

4. Точное копирование любого рисунка без изменения его размеров возможно выполнить с помощью кальки (полупрозрач-ной бумаги или пленки). Полупрозрачная бумага накла-дывается на оригинал, закрепляется по сторонам и затем карандашом или ручкой обводится контур виднеющего-ся через кальку рисунка. Полученный рисунок на кальке переносится с помощью копирки на холст.

5. Получить точно изображенный рисунок видимо-го объекта можно на основе выполнения фотографии данного объекта. Затем фотографию объекта возможно увеличить или уменьшить, далее с помощью все той же кальки (полупрозрачной бумаги) — полученный рисунок перенести па холст.

6. Существует механический способ копирования и увеличения масштаба данной картины с помощью инструментов пантографа и проектора.

7. Применяется пропорциональный измерительный циркуль, помогающий проверить точность увеличен-ного изображения. Способы копирования при помощи инструментов требуют умения и опыта их настройки и значительной доработки изображения.

8. Со времен Средневековья и до наших дней сохра-нился метод копирования, называемый пропись–калька, при котором готовый рисунок, исполненный либо на бумаге, либо на полупрозрачной бумаге, по всему конту-ру прокалывали иглой, а затем прикладывали к холсту и плотно закрепляли. После чего получившиеся отверстия от иглы, то есть проколы, протирали ватным тампоном с угольной пылью или набивали графитным порошком.

9. Существует самый старинный прием переноса и увеличения рисунка — это метод масштабной сетки.

В. Серов. ПоРтРет Ф.ШАЛяПИнА.

1905г.

V. Serov. PORTRAiT OF F. SHALYAPin.

1905.

Exact copying of any drawing with-out changing its sizes may be performed with the help of carbon paper. Carbon paper is applied onto a sheet of What-man paper or a grounded canvas, then the original is placed onto the carbon paper and fastened for the image not to be displaced while further work. The original drawing may be outlined with a ball–point pen, roller pen or a pencil. If it is undesired to spoil the original, one can outline the drawing with the sharp end of brush’s wooden handle, sharp ground match, or anything of the kind.

Exact copying of any drawing with-out changing its sizes may be performed with the help of tracing paper (semi-transparent paper or film). Semitrans-parent paper is applied onto the origi-nal with its sides fastened and then the contour lines of the drawing one can see through such tracing paper are outlined with either a pencil, or a pen. The pat-tern that appeared on tracing paper can be transferred to canvas with the help of carbon paper.

One can get an accurately depicted image of a visible object by taking a

picture of this object. Then one may enlarge or compress the picture of this object with the help of the same tracing paper (semitransparent paper) to then transfer the drawing to canvas.

One may use a mechanical method of copying and increasing the scale of a certain painting with the help of tools like a panthograph or a projector apparatus.

One can also use proportional compasses allowing to check accuracy of an enlarged image. Methods of copy-ing with the help of tools require skills and experience in their adjustment, as well as considerable modification of the image.

The copying method called pin prick method has sur-vived from the Middle Ages till nowadays. Using this meth-od they needled holes along the contour lines of an image made either on paper, or semitransparent paper to then apply it onto canvas and fasten thoroughly. After that they treated the holes left by the needle by wiping them with a cotton ball with coal dust or by filling them with graphite powder.

The oldest technique of transferring and enlarging an image is the measuring grid technique.

The grid is drawn above the original image to divide it into squares.

The first grid lines that are applied onto the image are this painting’s horizontal and vertical mid lines that form a cross.

Then off this cross made up of this painting’s mid lines they protract additional lines of the measuring grid. Famous masters of painting often applied this method to transfer


Сетка чертится поверх ори-гинала и делит изображение на квадраты. Первыми линиями сетки, что наносятся на изображе-ние, являются горизонтальная и вертикальная серединные линии данной картины, и они образуют крест.

Затем от этого креста из сере-динных линий данной картины откладываются последующие вспомогательные линии мас-штабной сетки. Известные масте-ра живописи часто обращались к данному методу для переноса эскиза на холст крупных разме-ров. Необходимо отметить, что масштабную сетку можно не про-черчивать непосредственно на оригинале, ее можно нанести на кальку или прозрачную пленку и закрепить малярным скотчем поверх боковых поверхностей картины.

Далее получившееся число квадратов прочерчивается уже на другом, большом листе кальки. Данная большая масштабная сетка должна иметь увеличение каждого квадрата настолько, насколько вы хотите увеличить картину в целом. Например, исходная картинка имеет размер квадратов 1 см, вы хотите увели-чить картинку в три раза, следовательно, большие квадра-ты увеличенной масштабной сетки будут равны 3 см.

Затем, прослеживая каждый сантиметр исполнения контура, вы переносите контуры формы предметов на большие квадраты кальки и получаете увеличенное изо-бражение контура рисунка. Далее переносится увели-ченный рисунок (на большом листе кальки) на рабочую поверхность большого холста с помощью копироваль-ной бумаги, предварительно все листы закрепляются. Кальку с увеличенным рисунком (как и любой рисунок на бумаге) прикрепляют кнопочками к одной из боко-вых граней деревянного подрамника холста, чтобы не смещалось изображение. После этого на холст кладут копировальные листочки и сверху накрывают калькой с рисунком, который уже прикреплен к раме холста. Затем производится обводка рисунка на кальке. Он про-ясняется на холсте, и его можно закрепить, прописав масляными красками нужного цвета. Такой метод рабо-ты позволяет исполнить копию более точно и аккурат-но, без лишних загрязнений, исправлений рисунка на крупном холсте.

Если же требуется еще более масштабное увеличение изображения, например, необходимо перенести рисунок на стену размером 2 м по высоте на 6 м по длине, то также можно прибегнуть к использованию квадратов масштаб-ной сетки и применить лекала, нарисованные и вырезан-ные из плотного картона, для изображения увеличенных предметов на плоскости картины.

о.Кипренский. ПоРтРет неИЗВеСтной С

РеБенКоМ. 1809г.

O. kiprenskiy. PORTRAiT OF A STRAnGeR WiTH A

CHiLD. 1809.

sketches to large canvas. It should be noted that one does not neces-sarily need to draw the measur-ing grid on the original painting. It can be just as well applied onto tracing paper or transparent film and then fastened above side sur-faces of the painting with a mask-ing tape.

Then one should draw as many squares on another larger sheet of tracing paper. Enlargement of every square in this big measur-ing grid should equal the intended enlargement of the whole paint-ing. Thus if the original painting features one centimeter squares, and you want to make the paint-ing thrice as big, then the big squares of the enlarged measur-ing grid should be three centim-eters large.

Then observing every centim-eter of the contour one transfers the contour lines of object shapes

onto big squares of tracing paper to get an enlarged image of the image contour. Then one transfers the enlarged image (the one on big sheet of tracing paper) onto the working surface of big canvas with the help of carbon paper. All sheets should first be fastened. The tracing paper with the enlarged image on it (like any other drawing on paper) should be fastened with drawing pins to one of the side edges of the wooden stretcher of the canvas for the image not to be displaced. After that one should place sheets of carbon paper onto the canvas and cover them all with trac-ing paper with the image already fastened to the frame of the canvas. Then one can trace the image on the tracing paper. After it has appeared on the canvas one can fix it by using oils of the colour required. Such method allows to make a more accurate and exact copy with no unnecessary stains or corrections of the image on a big canvas.

And if it is necessary to make a more considerable enlargement of the image, if, for example, one needs to transfer an image onto a wall two meters high and six meters wide, one can use measuring grid squares as well and apply patterns drawn and cut out of thick cardboard to depict enlarged images on the plane of the painting.

Школа юного художника р у с с к а я г а л е р е я Рг 81 р у с с к а я г а л е р е я Рг 81

Журнал

русская галерея – XXI век

RUSSIAN GALLERY — XXI CENTURY

© Издательский дом «ПАНОРАМА», № 3 / 2008Выходит 6 раз в год

ШЕФ–РЕДАКТОР Кирилл Москаленко

ГЛАВНЫЙ РЕДАКТОР Светлана Надыкта

ПРЕДСТАВИТЕЛЬ В ВЕЛИКОБРИТАНИИ Татьяна Ли

тел: 0798 320–4812

РЕДКОЛЛЕГИЯ Татьяна Бойцова, искусствовед, начальник отдела

информации Союза художников России

ЛИТЕРАТУРНЫЕ РЕДАКТОРЫ Олеся Крапивка, ИСКУССТВОВЕД Мария Липатова

ВЫПУСКАЮЩИЙ РЕДАКТОР Светлана Фомина

ДИЗАЙНЕР ОБЛОЖКИ Юлия Миронцева

ДИЗАЙНЕР / ВЕРСТАЛЬЩИК Даша Гашек

КОРРЕКТОРЫ Татьяна Белова, Альбина Галиева

ПЕРЕВОД Наталья Кочеткова

ФОТОГРАФ Антон Михайлов

ОТВЕТСТВЕННЫЙ СЕКРЕТАРЬ РЕДАКЦИИ Григорий Москаленко

УЧРЕДИТЕЛЬ © Издательский дом «ПАНОРАМА»

ИЗДАТЕЛЬ © Издательский дом «ПАНОРАМА»

ГЕНЕРАЛЬНЫЙ ДИРЕКТОР Кирилл Москаленко

ФИНАНСОВЫЙ ДИРЕКТОР Галина Игнатова

МЕНЕДЖЕР ПРОИЗВОДСТВА Елена Смирнова

РАСПРОСТРАНЕНИЕ Светлана Максимова телефон: (495) 945–1473

МЕНЕДЖЕР ПО СВЯЗЯМ Татьяна Петропавлова С ОБЩЕСТВЕННОСТЬЮ телефон: (499) 257–1339

[email protected]

Адрес редакции:Москва,

Верхняя ул., д. 34. Тел /факс: (499) 257–1339

Почтовый адрес редакции: 107031, Москва,

а/я 49 ИД «Панорама» e–mail: russgal21@mail. ru

Отпечатано в типографии ООО «Стрит–Принт» Тираж 7000 экз.

Журнал на 1–е полугодие 2008 г. распространяется через каталоги:

ОАО «Агентство Роспечать», «Почта России» и «МК — Периодика»,а также путем прямой редакционной и зарубежной подписки.

Журнал зарегистрирован Федеральной службой по надзору за соблюдением законодательства в сфере массовых

коммуникаций и охране культурного наследия. Свидетельство о регистрации ПИ № ФС 77–22072 от 24. 10. 2005 г.

Перепечатка без разрешения редакции ЗАПРЕЩЕНА.

chief eDitor Kirill Moskalenko

eDitor–in–chief svetlana nadykta

rePresentAtiVe in greAt BritAin tatiana lee

tel. : 0798 3204812

eDitoriAl BoArD tatiana Boytsova, Art's critic, Head of office of information of the Union of Artists of Russia

literAry eDitor olesya Krapivka,

Art critic Maria lipatova

coMMissioning eDitor svetlana fomina

BooK coVer Designer Julia Mirontseva

Designer/ MAKer–uP Dasha gashek

Proof–reADers tatiana Belova, Albina galieva

trAnslAtion natalia Kochetkova

PhotogrAPher Anton Mikhailov

eXecutiVe eDitor grigoriy Moskalenko

founDer © «Panorama» Publishing house

PuBlisher © «Panorama» Publishing house

Director–generAl Kirill Moskalenko

finAnciAl Director galina ignatova

ProDuction MAnAger elena smirnova

DistriBution svetlana Maximova phone: (495) 945–1473

MAnAger Pr tatiana Petropavlova phone: (499) 257–1339

[email protected]

editorial office address: Moscow,

Verkhnaya st., 34. tel /fax: (499) 257–1339

editorial office mailing address: 107031, Moscow, PoB 49 «Panorama» Publishing house

e–mail: russgal21@mail. ru Printed in the printing–house of stret–Print

circulation 7000 copies.

Magazine in the 1st half of the year 2008 is distributed via catalogues:

«rospechat Agency» Public corporation», «russian Post» and Jsc «MK — Periodica», and also through direct editing

and foreign subscription.

Magazine registered by federal service for surveillance on legislation observance in the sphere

of Mass communications and cultural heritage Protection. registration certificate № fs 77–22072 issued on 24. 10. 2005

reprinting without the editor’s prior permission MAy not tAKe PlAce.

Magazine

русская галерея – XXI век

RUSSIAN GALLERY — XXI CENTURY

© «Panorama» Publishing house, № 3 / 2008 issued six times per year


Payment terms:

Payment requisites (euRo)«Panorama» not–for–Profit organization,Address: Pechatnikov str., 22, building 1, 107045, Moscow, russia. Account №40703978838180233849, Bank Beneficiary: sBerBAnK Vernadskoe branch 7970, Moscow, russia, sWift: sABrruMM

Payment requisites (uSD)«Panorama» not–for–Profit organization,Address: Pechatnikov str., 22, building 1, 107045, Moscow, russia. Account №40703840238180233849, Bank Beneficiary: sBerBAnK Vernadskoe branch 7970, Moscow, russia, sWift: sABrruMMthe client pays for the bank subscription fees transfer services.

the bank letter should contain: the title of the periodical, the period the payment has been made for.

For delivery to be carried out one should: specify the exact address, to which the periodical should be delivered, and send a copy of the bank letter confirming the payment has been made.

editorial office address:russia, 107031, Moscow, PoB 49«PAnorAMA» Publishing house, phone/fax +7(499) 257–13–39,e–mail: russgal21@mail. ru

Subscription through subscription agencies to effect subscription it is necessary to address to one of the partners of Jsc «MK–Periodica» in your country or to Jsc «MK–Periodica» directly. Address: russia, 129110 Moscow; 39, gilyarovsky street,Jsc «MK–Periodica» tel. : (495) 681–9137, 681–9763; fax (495) 681–3798e–mail: info@periodicals. ruinternet: http://www. periodicals. ru

РАЗМеР МоДУлЯ СТоИМоСТЬ ПУБлИКАЦИИ (руб)

1/1 полосы 45 000

2–я полоса обложки 90 000

3–я полоса обложки 70 000

Foreign subscription through editorial office:Dear sirs!«PAnorAMA» Publishing house offers an opportunity for foreign readers to regularly receive «russian gallery — XXi century» Magazine.

rAte sheet for Print ADVertiseMent

in the MAgAZine

MoDule siZe PuBlicAtion Price ($)

1/1 page 1 500

second cover page 3 000

third cover page 2 500

for further information, please contact: +7 (495) 621–2738

Subscription rate in 2008, delivery included

half–year subscription rate (three issues) $

90

Подписаться на журнал можнона почте в любом отделении связи

RUSSIAN GALLERY

XXI CENTURY

руССКая Галерея

XXI веК

Внимание! В платежном поручении обязательно укажите «за подписку на журнал «РУССКАЯ ГАЛЕРЕЯ – XXI ВЕК» 1–е полугодие». Цена подписки указана ниже.

Возможна подписка на журнал через отделения Сбербанка России по форме ПД–4. В графе «Назначение платежа» платежного документа следует написать: «за подписку на журнал «Русская галерея – XXI век» на 1–е полугодие» (три номера) и соответственно оплатить 630 руб. Доставка включена. НДС не взимается.

Справки по телефону: +7 (495) 945–14–73 9.00–17.00 (время москов-ское)

Каталог агентства «Роспечать» —

с. 236, индекс 20239

ПРАЙС–лИСТ НА РАЗМеЩеНИе РеКлАМНоЙ ИНФоРМАЦИИ в жУРНАле:

Справки по телефону: +7 (494) 257–13–39

а такжеПо СиСТеме адреСНой ПодПиСКи

(производится издательством)

Оплату адресной подписки следует произвести по реквизитам:

НП ИО «Перспектива»,ИНН 77025 37832/КПП 770201001, Вернадское ОСБ 7970, г. Москва Сч. № 40703 81073 81801 33848, БИК 044525225, к/сч № 30101 81040 00000 00225 Банк получателя Сбербанк России, г. Москва

Каталог российской прессы «ПОЧТА РОССИИ» индекс 61869

Documents

Содержание 3 4 J - nsau.edu.ru fileрусская галерея Рг 3 30 J 18 J 40 J j 78 Дефекты масляной живописи и их исправление