Embed Size (px)
Citation preview
COMENTARIO DE LÁMINAS DEL TEMAS 15. EL ARTE DEL SIGLO XX
PARA EXAMEN: ESTUDIAR LAS LÁMINAS COMENTADAS. PARA ENVIAR: MANDAR SINTETIZADAS:
-LÁMINA 7-LÁMINA 20-LÁMINA 33 (Esta no está comentada. Lo hacéis vosotros y así os váis acostumbrando. No cortéis y peguéis de internet, usad lo que ya sabéis (datos del estilo, del autor…)
* Os recomiendo que estudiéis todo lo recomendado en las pistas y no hagáis eliminaciones (“como esto lo ha mandado comentar, no cae”…). Estos cálculos no os suelen salir bien.
ARQUITECTURALÁMINA 1. THOMAS RIETVELD. Casa Schroder. Utecht (Holanda) LÁMINA 2. WALTER GROPIUS. Edificio de la Bauhaus. Dessau (Alemania) LÁMINA 3. LE CORBUSIER. Casa Stein. (1927). Garches (Alemania)LÁMINA 4. LE CORBUSIER. Unite Habitation (1947-52). Marsella (Francia)
LÁMINA 5. LE CORBUSIER. Villa Saboya. (1928-30). Poissy (Francia)UBICACIÓNDecir lo que es: Villa SaboyaLugar: Poissy (Francia)Datación: 1928-30Autor: Le Corbusier (Jeanneret, Charles-Édouard)Estilo: Racionalismo Funcional.ANÁLISIS FORMALTipo de edificio y función: Vivienda familiar.
Materiales usados: Acero, vidrio y cemento armado, encalada de inspiración mediterránea.
Elementos arquitectónicos que se observan: Le Corbusier resume en cinco puntos sus principios arquitectónicos; magníficamente ejemplificados en esta obra:*Los pilotes o columnas: para que la vivienda no se hunda en el suelo, y (por el contrario) quede suspendida sobre él, de forma tal que el jardín «pase» por debajo.*La terraza-jardín: que permite mantener condiciones de aislación térmica sobre las nuevas losas de hormigón, y convierten el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento. *La planta libre: aprovechando las virtudes del hormigón, que hacen innecesarios los muros portantes. Los tabiques se colocan de acuerdo a la distribución interna de la casa y no dependiendo de los muros de sustentación.
*La ventana longitudinal: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción. *La fachada libre.
COMENTARIOIntroducción histórica: Desde sus inicios, el siglo XX se presenta como un siglo muy complicado, de grandes y rápidos cambios, de grandes esperanzas y de grandes tragedias. Los mayores avances científicos y técnicos se han dado en este siglo, así como los mayores logros sociales dentro de los estados democráticos… Pero también es el siglo de las dos guerras mundiales y de terribles dictaduras que aún siembran el terror en sus dominios. Este siglo de grandes cambios y contrastes, tienen su fiel reflejo en el arte.Así, asistimos desde las primeras décadas de este siglo a una complejidad del arte, una diáspora de tendencias con ramificaciones que se entrecruzan, con lo que cada hecho artístico hay que ponerlo en relación con las tendencias y aspectos que lo conforman. Los artistas van moviéndose a lo largo de su carrera entre diferentes tendencias y movimientos.
Características generales del racionalismo: El movimiento denominado racionalismo agrupa las más fuertes personalidades de este siglo. Sus obras y su teorías son individuales pero tienen en común la importancia que le dan a la función y la simplicidad de las formas en sus creaciones. Para lograr estos objetivos, utilizan los siguientes recursos:
• Usan materiales altamente industrializados especialmente el hormigón armado. Es un material barato, adaptable, incombustible, anticorrosivo y que permite la construcción en esqueleto dejando la planta libre. Además permite la
prefabricación en serie. Se alterna con otros como acero, cristal o ladrillo.• Ahora los soportes no son los muros: son los pilares. Así, los muros quedan reducidos a una ligera membrana de cerramiento con gran número de ventanas que proporciona a los interiores luz y aire. Las cubiertas en general son adinteladas apoyando en los soportes con los que forman el esqueleto, consiguiendo un efecto ligero e ingrávido de gran audacia constructiva.• Los elementos decorativos desaparecen a favor de la forma recta y desnuda. Hay una gran preocupación por la proporción, la simplicidad y la asimetría. El espacio interno se basa en la planta libre con paredes interiores que se curvan y mueven libremente adaptándose a las diferentes funciones. En los exteriores los voladizos, los bajos libres y las terrazas en horizontal definen la nueva imagen.• Hay un gran interés por los temas urbanísticos ya que tratan de acomodar a los hombres al nuevo ritmo de vida y organizar sus agrupaciones, proponiendo nuevas fórmulas como la ciudad-jardín de Howard o la ciudad industrial de T. Ganier. Los edificios más representativos son las viviendas sociales, en especial rascacielos de viviendas, construcciones industriales, edificios administrativos, teatros, salas de conciertos y estadios deportivos.
Datos del autor y de su obra: Nace en Suiza, aunque la mayor parte de su obra se desarrolla en Francia. Aprende con Perret el uso del hormigón armado. Uno de sus primeros proyectos es la casa de Domino, en la que se contempla la posibilidad de su construcción en serie.Funda junto a su Primo J. Jeanneret y Ozefant un estudio del que salen propuestas urbanísticas: ciudades para tres millones de habitantes. En 1926 realiza una de sus obras más conocidas, la Villa Saboya, obra que estamos analizando. En su tratado de 1935, Le Modulor, recoge todas sus propuestas urbanísticas. Es un teórico, pero no utópico, ya que la mayoría de sus propuestas se aplican en las obras. Una de sus aplicaciones inmediatas fue la Unidad de Habitación de Marsella (1946-52), conjunto destinado a familias obreras, habitable y a bajo precio. Hacia 1950 se suaviza su Racionalismo y se aproxima al Organicismo expresado en su obra maestra, la iglesia de Notre-Dame du Haut en Ronschamps.La Villa Saboya destaca por su simplicidad de formas, los volúmenes elementales, su exacta proporción y su funcionalismo, lo que hace que sea el mejor ejemplo del racionalismo.
LÁMINA 6. LE CORBUSIER. Casa Capilla de Notre-Dame du Haut. Ronchamp (Francia).
LÁMINA 7: FRANK LLOYD WRIGHT. Casa Robie (1909). Chicago (Estados Unidos).LÁMINA 7: FRANK LLOYD WRIGHT. Casa de la Cascada o casa Kaufmann.
Pensilvania (Estados Unidos).UBICACIÓNDecir lo que es: Casa de la Cascada o Casa KaufmannLugar: Pensilvania (EEUU)Datación: 1936-1939.Autor: Frank Lloyd Wright.Estilo: Organicismo.ANÁLISIS FORMALTipo de edificio y función: Vivienda familiar.Materiales usados: Hormigón armado, piedra, vidrio.
Elementos arquitectónicos que se observan: La casa se diseñó en el año 1936 y se construyó en EEUU entre el año 1936 y 1939. Rápidamente fue difundida en revistas especializadas, muestras y periodicos como una obra de arquitectura excepcional.
Las casas de Wright tienen su sello personal. Planos abiertos, que se extienden sobre el terreno, espacios que fluyen entre los ambientes y pisos. Grandes aleros y paños vidriados que relacionan interior y exterior.
Fue construida como casa de fin de semana para Edgar Kaufmann, director de una gran tienda en Pittsburg. Se construye en Bear Run, en un paisaje rocoso , vegetal y surtido de manantiales. La obra combina una serie de planos horizontales constituidos por vigas cantilever de hormigon armado, que se introducen en la roca dejando pasar por debajo una cascada que puede ser vivida por los ocupantes de la vivienda.
La casa se diseña en tres plantas escalonadas, de las cuales la inferior ocupa una gran sal de estar asentada sobre una roca que emerge del suelo para convertirse en base de la chimenea. Una gran terraza de hormigón vuela sobre la cascada, integrándola de un modo espacial en la propia vivienda. El piso superior lanza otra terraza cuyo eje forma 90º con la de abajo, sobresaliendo de ella en una parte. De este modo sirve para techo y refugio de la inferior, pero al no ocultarla del todo no impide que en una zona de ésta el sol sea permanente.
Una escalinata baja directamente desde el living hasta el arroyo.
Un ligero vidriado separa el interior del exterior en los balcones que dan a la ladera y las aristas no tienen marco, lo que enfatiza la continuidad entre el interior y el bosque circundante.
En el interior, la casa refleja exactamente la vida de los Kaufman, con mobiliario diseñado especialmente para esta obra, por Wright.
El living principal es muy grande, se plantea como un espacio continuo que causa gran impresión, con un acceso, areas de estar y comer bien definidas.
En el piso superior los dormitorios son pequeños, muy funcionales y abiertos a sendos balcones.
Al atravesar la puerta de entrada sus ojos captan la esquina mas lejana, el lado sur de la casa que se proyecta como un gran plano sobre la colina que "vuela" sobre el arroyo.
Fue una casa famosa que convirtió al arquitecto Wright en el máximo exponente de la arquitectura organicista norteamericana o, podemos afirmar, de toda la historia de la arquitectura.
COMENTARIOIntroducción histórica: Desde sus inicios, el siglo XX se presenta como un siglo muy complicado, de grandes y rápidos cambios, de grandes esperanzas y de grandes tragedias. Los mayores avances científicos y técnicos se han dado en este siglo, así como los mayores logros sociales dentro de los estados democráticos… Pero también es el siglo de las dos guerras mundiales y de terribles dictaduras que aún siembran el terror en sus dominios. Este siglo de grandes cambios y contrastes, tienen su fiel reflejo en el arte.Así, asistimos desde las primeras décadas de este siglo a una complejidad del arte, una diáspora de tendencias con ramificaciones que se entrecruzan, con lo que cada hecho artístico hay que ponerlo en relación con las tendencias y aspectos que lo conforman. Los artistas van moviéndose a lo largo de su carrera entre diferentes tendencias y movimientos.
Características generales del organicismo: En los años 30, previos a la II Guerra Mundial, muchos arquitectos europeos emigraron hacia América por el ascenso del fascismo en Europa (1922 Musolini y 1933 Hitler).
Este hecho, hizo que las ideas arquitectónicas racionalistas entraran en el nuevo continente lo que, junto con la acción de arquitectos americanos como Wright, hizo que la arquitectura se volviera más innovadora y adquiriera nuevos rumbos.
Wright defendía dos principios en arquitectura:
El edificio debe estar en armonía con el paisaje.
El cliente debe sentirse realizado entre las paredes del edificio.Cada casa debe responder a las necesidades y modos de ser de quien habita en ella.Los edificios colectivos (oficinas, fábricas, centros culturales) deben hacer que sus usuarios las sientan como habitantes de ellos y no sólo como espectadores de los mismos.
Datos del autor y de su obra: De origen norteamericano,- nació en Wisconsin en 1869,-viaja a Tokyo, donde se siente fascinado por la arquitectura japonesa, igual
que por los templos mayas del Yucatán, por lo que puede decirse que tiene una formación cosmopolita. Para Wright, el respeto al entorno natural era fundamental en su arquitectura. Los edificios debían carecer de impacto medio-ambiental.En su obra hay dos etapas:
1ª etapa (1887 – 1909)Construyó casas familiares en urbanizaciones residenciales integradas en la naturaleza (“prairie houses”).
Estas viviendas tenías una chimenea central, y a partir de ella la vivienda se organiza en distintos ambientes de alturas distintas.
El volumen de la casa tiene forma de cruz de brazos desiguales.
Esta estructura se ha comparado con las villas de Palladio. Estos diseños tuvieron gran éxito, destacando la “Robie House”, construida en
1909.
2ª etapa (1909 en adelante)A partir de 1909 la vida de Wright entró en crisis profesional y familiar. Tras una serie de divorcios y situaciones trágicas, su tercera esposa le ayudó a remontar su carrera.
En 1936 construyó la “Casa de la Cascada”, obra más representativa de su arte y que estamos analizando. El éxito de esta casa hizo que se convirtiera en una autoridad y tuvo muchos encargos. En 1937 construyó la sede social de la “Compañía Jonson Wax en Wisconsin” En 1943 recibió el encargo de proyectar el “Museo Solomon Guggenheim” en
Nueva York. Se construyó entre 1956 – 59, en el que experimenta con las formas curvas.
Falleció en 1959.
El ingenio y la sensibilidad de Frank Lloyd Wright significaron y significan una gran contribucion al arte de la arquitectura.
LÁMINA 7: FRANK LLOYD WRIGHT. Museo Guggenheim (interior y exterior): Nueva York (Estados Unidos).
UBICACIÓNDecir lo que es: Museo GuggenheimLugar: Nueva York (EEUU)Datación: 1956-59.Autor: Frank Lloyd WrightEstilo: Organicismo.ANÁLISIS FORMALTipo de edificio y función: Museo de Arte Moderno.
Materiales usados: Los materiales de construcción utilizados fueron básicamente bloques de hormigón armado prefabricados para las paredes, pintura blanca utilizada en los muros interiores para que las obras se destaquen y un lucernario de vidrio con juntas de acero en la cubierta.Elementos arquitectónicos que se observan: Hacia 1943, el magnate y coleccionista de arte Solomon Guggenheim encargó a Frank Lloyd Wright la realización de un museo que albergara su valiosa colección de arte moderno, dejando claro que quería algo que se saliera de lo común respecto a lo que era un museo hasta ese momento.Wright empleó el hormigón armado en la complejísima estructura del edificio. En el exterior, de color blanco marfil, destaca la pureza de formas del tronco de cono invertido levantándose sobre un cuerpo prismático rectangular que le otorga una imagen casi escultórica. Realmente Wright cumplió a la perfección los deseos de Guggenheim ya que planteó una radicalmente nueva forma de recorrer un museo. Si hasta entonces, éstos constaban de un número de salas que había que recorrer en un sentido para admirar sus obras y, luego, en sentido contrario para salir, En el Guggenheim, tras entrar y comprar su entrada en el vestíbulo, el visitante se encuentra en la base de un bellísimo patio interior dominado por un enorme lucernario cenital que es la única fuente de luz natural, y rodeado de una rampa en espiral. Desde ahí se dirige al ascensor por el que asciende hasta la parte superior de la rampa desde dónde se inicia la visita del museo descendiendo por la rampa de suave inclinación mientras se contemplan las obras expuestas.Esta solución fue muy contestada por algunos artistas contemporáneos que incluso llegaron a firmar una carta oponiéndose al proyecto aduciendo que en las paredes curvadas los cuadros grandes quedarían en su parte central demasiado separados de éstas y que los bordes inferiores de los cuadros no quedarían paralelos a la ligeramente inclinada línea de intersección entre la pared y el suelo de la rampa. Final y afortunadamente, esta objeciones no fueron tomadas en cuenta.El empleo de esas formas geométricas simples en la concepción del edificio enlaza también con los proyectos de arquitectos utópicos como el neoclásico Boulée. Con este Guggenheim Museum de Nueva York,se inicia también una época en la que la arquitectura del edificio en sí adquiere igual importancia que las obras que alberga, tal y como podemos ver en otro ejemplo más reciente, como es el museo Guggenheim de Bilbao, o las ampliaciones innovadoras realizada en el Museo del Louvre, en París.COMENTARIO
Introducción histórica: Desde sus inicios, el siglo XX se presenta como un siglo muy complicado, de grandes y rápidos cambios, de grandes esperanzas y de grandes tragedias. Los mayores avances científicos y técnicos se han dado en este siglo, así como los mayores logros sociales dentro de los estados democráticos… Pero
también es el siglo de las dos guerras mundiales y de terribles dictaduras que aún siembran el terror en sus dominios. Este siglo de grandes cambios y contrastes, tienen su fiel reflejo en el arte.Así, asistimos desde las primeras décadas de este siglo a una complejidad del arte, una diáspora de tendencias con ramificaciones que se entrecruzan, con lo que cada hecho artístico hay que ponerlo en relación con las tendencias y aspectos que lo conforman. Los artistas van moviéndose a lo largo de su carrera entre diferentes tendencias y movimientos.
Características generales del organicismo: En los años 30, previos a la II Guerra Mundial, muchos arquitectos europeos emigraron hacia América por el ascenso del fascismo en Europa (1922 Musolini y 1933 Hitler).
Este hecho, hizo que las ideas arquitectónicas racionalistas entraran en el nuevo continente lo que, junto con la acción de arquitectos americanos como Wright, hizo que la arquitectura se volviera más innovadora y adquiriera nuevos rumbos.
Wright defendía dos principios en arquitectura:
El edificio debe estar en armonía con el paisaje.
El cliente debe sentirse realizado entre las paredes del edificio.Cada casa debe responder a las necesidades y modos de ser de quien habita en ella.Los edificios colectivos (oficinas, fábricas, centros culturales) deben hacer que sus usuarios las sientan como habitantes de ellos y no sólo como espectadores de los mismos.
Datos del autor: De origen norteamericano,- nació en Wisconsin en 1869,-viaja a Tokyo, donde se siente fascinado por la arquitectura japonesa, igual que por los templos mayas del Yucatán, por lo que puede decirse que tiene una formación cosmopolita. Para Wright, el respeto al entorno natural era fundamental en su arquitectura. Los edificios debían carecer de impacto medio-ambiental.En su obra hay dos etapas:
1ª etapa (1887 – 1909)Construyó casas familiares en urbanizaciones residenciales integradas en la naturaleza (“prairie houses”).
Estas viviendas tenías una chimenea central, y a partir de ella la vivienda se organiza en distintos ambientes de alturas distintas.
El volumen de la casa tiene forma de cruz de brazos desiguales.
Esta estructura se ha comparado con las villas de Palladio. Estos diseños tuvieron gran éxito, destacando la “Robie House”, construida en
1909.
2ª etapa (1909 en adelante)A partir de 1909 la vida de Wright entró en crisis profesional y familiar. Tras una serie de divorcios y situaciones trágicas, su tercera esposa le ayudó a remontar su carrera.
En 1936 construyó la “Casa de la Cascada”, obra más representativa de su arte y que estamos analizando. El éxito de esta casa hizo que se convirtiera en una autoridad y tuvo muchos encargos. En 1937 construyó la sede social de la “Compañía Jonson Wax en Wisconsin”
Todavía al final de su vida, Wright realizó otro proyecto revolucionario: el Museo Guggenheim de Nueva York , que ahora estamos comentando.
Encargada su construcción en 1943, por diversos problemas administrativos, la construcción del edificio no arrancó hasta 1956 y éste fue inaugurado en 1959, seis meses después del fallecimiento del genial arquitecto. El ingenio y la sensibilidad de Frank Lloyd Wright significaron y significan una gran contribucion al arte de la arquitectura.
ESCULTURALÁMINA 8. ARCHIPENKO. Mujer andando (1912). Museo de Arte Danver (Estados Unidos).LÁMINA 9. BRANCUSI. Pájaro en el espacio (1932-40); Colección Peggy Guggenheim. Venecia.LÁMINA 10. JULIO GONZÁLEZ. Mujer peinándose (1932); Museo de Arte Moderno. ParísLÁMINA 11. PABLO GARGALLO. El Profeta (1933); Museo Nacional de Arte Reina Sofia. Madrid.LÁMINA 12. ALEXANDER CALDER. Móvil sobre dos planos (1955); Museo. Nacional de Arte Moderno. París.
LÁMINA 13. ALEXANDER CALDER. Constelación; Museo Hirshhom. Washington (Estados Unidos).
LÁMINA 14. ALEXANDER CALDER. Pez; Museo Hirshhorn. Washington (Estados Unidos.
LÁMINA 15. HENRY MOORE. Figura recostada; Museo de Arte Moderno. Nueva York.
LÁMINA 16. HENRY MOORE. Grupo familiar; Museo de Arte Moderno. Nueva York.
PINTURA
FAUVISMO: MATISSELÁMINA 17. HENRY MATISSE. El mantel: armonía en rojo. (1908). UBICACIÓNDecir lo que es: El mantel: armonía en rojo.Lugar: Museo del Hermitage. San Petersburgo.Datación: 1908.Autor: Henry MatisseEstilo: FauvismoANÁLISIS FORMALTécnica y soporte: Óleo sobre lienzo.
Describir lo que representa: En esta obre se puede apreciar una habitación roja que él llamo “Armonía en Rojo” en donde se representa un comedor donde todos los elementos que forman la pintura,- la mujer sentada a la mesa, la fruta en ella dispuesta…,- se subordinan al color puro e intenso. Para él el verdadero tema del cuadro es la relación entre el dibujo del papel de la pared y el tejido de los manteles, con los objetos que están encima de la mesa.Por eso el paisaje que se ve a través de la ventana y la mujer se han convertido en parte de este esquema, son elementos decorativos, que incluso podríamos destacar que están mucho más simplificados en sus contornos que el resto de la composición.
Para así poder crear un perfecto conjunto decorativo, donde el color lo envuelve todo y dota a la composición de un ritmo y armonía cromática pese a los radicales contrastes de los tonos.
Elementos: (Tratamiento de laluz, del color…) El color se convierte en el ingrediente primordial del cuadro, siempre utilizado de una manera apasionada. Para ello aplica el color directamente del tubo, no los mezcla con el pincel en la paleta sino que busca la pureza del color, en pequeñas o grandes masas cromáticas que se contrastan de forma natural.
Recreándose en una mancha amplia y plana, el color se independiza del objeto, con su utilización arbitraría no muestra la realidad sino las sensaciones y sentimientos. Pero sin olvidar la línea porque sino el objeto podría llegar a perderse entre los grandes contrastes cromáticos, para ello recupera una sencilla línea negra hecha a partir de trazos nítidos y enérgicos. En cuanto al tema elegido sigue la línea impresionista muestra el día de la vida, sin pretensiones simplemente la naturalidad diaria llena de vitalidad.
Con obras como ésta dejaba claro que para él el color es el que da entidad a la pintura, el color puede desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva, de sombra o
de volumen. De esta manera la supresión de sombras y su sustitución por colores puros hace que la pintura brille más que nunca.
Una pintura que se hace presente a través del grumo y el empaste, consiguiendo que sintamos la pintura como materia. La mancha plana de color provoca en nosotros un valor plástico y figurativo, por ello podemos afirmar que el maestro construye sobre el color.
COMENTARIO
Breve comentario histórico: A principios del siglo XX las artes figurativas experimentaban la transformación más increíble y profunda de toda la historia. Los artistas dejaron de mirar hacia el pasado y comenzaron a buscar nuevas formas de lenguaje, que les permitieran mostrar todos los cambios que se estaban produciendo en el mundo que les rodeaba. Y de manera rotunda decidieron romper con la tradición e ir más allá de la reproducción de la realidad.
De esta forma nacían las vanguardias artísticas, una serie de movimientos que se caracterizaban por ser propuestas rupturistas, que proponían abandonar la imitación de la naturaleza para centrarse en el lenguaje de las formas. Un arte que exploraba la relación entre arte y vida. Mostrando una renovación radical de contenido, lenguaje y actitud vital, que afectaba también al espectador, ya que a partir de este momento tendrá una actitud activa, entrando a formar parte de la obra.
En este contexto nacía el Fauvismo uno de los movimientos que animaron la escena artística francesa en los inicios de siglo.
Características generales del fauvismo: Un grupo de jovencísimos pintores iniciaron su carrera artística en París bajo la influencia del gran Cézanne y los posimpresionistas. Todos tenían un punto en común buscaban un cambio radical en las artes y casi todos habían acudido en su aprendizaje al taller de Gustave Moreau un pintor simbolista que animaba a todos sus alumnos a crear con su propia personalidad.
Desde un principio sus propuestas supusieron una clara reacción contra el Impresionismo, en defensa del color y el objeto, ya que no les interesaba que estos dos elementos estuvieran dominados y reducidos por la luz. Y por ello el color sería el elemento clave de sus composiciones.
Estos artistas terminarían por defender una pintura de gran libertad, partiendo del simbolismo de Moreau, el expresionismo de Van Gogh y la pintura al aire libre crearon una nuevo arte que quería mostrar la luz y la realidad solamente a través de gamas de color. Con ellos la autonomía de la pintura era una realidad y lo
lograron convirtiendo al color en el gran protagonista de sus obras, un color violento y subjetivo que invadía de forma pasional todas sus obras.
Su nacimiento está unido a un determinado acontecimiento en París, en Octubre de 1905 en el Salón de Otoño una docena de artistas agrupados alrededor de la figura de Matisse hacen su primera aparición pública. El grupo poco o nada conocido colocó todas sus obras de cromatismo intenso en una misma sala, como contraste en medio de todas ellas colocaron una escultura más clásica, un torso de un niño de estilo florentino. El crítico de arte Louis Vauxcelles al contemplar aquella pequeña escultura de aires italianizantes, entre la orgía de colores casi puros, exclamaría el mítico comentario “Donatello parni les fauves” (Donatello entre las fieras). Y a partir de aquí nació la anécdota que sirvió para bautizar a estos osados coloristas. El calificativo negativo de fauves, fieras, definía a unos artistas que se defendían y distinguían por su violento y audaz manejo del color.
Pero realmente el Fauvismo tuvo una carrera efímera, ya que aunque les unía la utilización del colorido radical y arbitrario, nunca tuvieron una identidad de grupo, nunca se llegaron a organizar y pese a su gran revolución el movimiento sólo existió desde 1905 al 1907 hasta que todos sus integrantes siguieron caminos diferentes. Pero para la historia del arte los fauves serían recordados como una de las propuestas más avanzadas de su tiempo.
El gran representante del grupo y eje central será la figura de Henri Matisse, partidario de la liberación de color lo que buscaba era conseguir la auténtica autonomía del cuadro frente al motivo representado. Por ello el lienzo para el pintor se convertía en una superficie coloreada organizada según sus propias reglas pero con una clara intención decorativa, dicho por el propio artista lo que defendía era “la valentía para volver a la pureza de los recursos”.
Datos del autor: Matisse nacía en 1869 al Nordeste de Francia en el seno de una familia de clase media, estudió derecho en París y todo indicaba que su futuro estaría en el negocio familiar. Pero todo cambió en 1890, durante la recuperación de una apendicitis su madre le regaló una caja de pinturas, todo dio un giro radical, al año siguiente se iba a París e ingresaba en la Escuela de Bellas Artes, a partir de este momento la creación artística sería el eje central de toda su vida.
En su formación habrá tres claras influencias, Cézanne y su preocupación por la estructura sólida del cuadro y su independencia de la luz. Gauguin y su gusto por aplicar el color plano por toda la superficie del cuadro y Van Gogh por ser el primer artista que utilizó el color liberándose del tono local y la realidad.
Tal fue la admiración por Cézanne que en los inicios de su carrera compró su famosa obra de “Las Bañistas”, decía que gracias a ella se había mantenido en los momentos críticos de su trayectoria. Y así comenzó una búsqueda incansable de renovación.
Muy pronto buscó construir con el color la estructura del cuadro, alejándose por completo del orden de la naturaleza, su forma de crear desembocó en una dimensión decorativa y al mismo tiempo cada vez en una pintura más sintética.
Disponía los colores puros de manera arbitraria y libre por el lienzo, jugando con los fuertes contrastes sin preocuparse de la descripción de la realidad. Pensaba que la vida era color y que ese color tenía que estar en su obra, quería encontrar una luz duradera, una luz que invadía todo el conjunto de la composición y lo lograba porque los colores se avivaban unos a otros.
Defendía los colores simples e intensos, aventurándose en armonías atípicas. Estudiaba todo lo que tenía alrededor ya fuese clásico o moderno, y lo reutilizaba para crear su propio estilo. Llegando así a estudiar el color de los tapices orientales y los paisajes del Norte de África para reinterpretarlos en sus obras, creando un estilo de gran influjo en el diseño moderno.
Todas estas características las podemos encontrar en su obra “La Habitación roja” comúnmente conocida como “Armonía en rojo” fue creada cuando el grupo ya se había disuelto, y en ella vemos todos los postulados defendidos por el maestro francés.
Henri Matisse, figura culminante del movimiento fauvista, es junto con Picasso uno de los grandes mitos del arte contemporáneo, tanto por sus orientaciones técnicas y artísticas como por la calidad de sus obras.
Pintor, escultor y grabador, destacaría también en las disciplinas de las artes decorativas, la escenografía y la literatura. Y su influencia llegaría de una forma u otra a todos los pintores del siglo XX.
Su arte siempre fue amable, de gran luminosidad, apacible pero no por ello ingenuo sino un arte de gran virtuosismo e inteligencia. Un arte que es el reflejo de su espíritu interior.
LÁMINA 18. HENRY MATISSE. La danza; Museo del Hermitage. San Petersburgo
UBICACIÓNDecir lo que es: La danza.
Lugar: Museo del Hermitage. San Petersburgo.Datación: 1909Autor: Henri MatisseEstilo: Fauvismo.ANÁLISIS FORMALTécnica y soporte: Óleo sobre lienzo.Describir lo que representa: El cuadro evoca todas las danzas, las más trascendentes y las que afloran en la memoria de Matisse como las de las fiestas populares de su juventud y las sardanas que veía en sus estancias en Collioure.Matisse realizó este cuadro para un aristócrata ruso que era uno de los grandes coleccionistas de su arte. Tras la revolución la maravillosa colección de este noble fue requisada y pasaría a manos del estado soviético que expondría ésta en el museo Ermitage de San Petersburgo. La obra de Matisse, ya conocida antes de la expropiación, tendría así una enorme influencia en artistas rusos como Malevich que diría haber aprendido de Matisse que línea y color debían ser liberados de todo mimetismo naturalista.
Elementos: (Tratamiento de laluz, del color…) De este cuadro Matisse realizó dos
versiones. Se trata de un gran óleo sobre lienzo de 260x 391cm. El gran formato
empleado por Matisse busca crear una imagen monumental que dote a lo
representado de un carácter casi sagrado.
En él Matisse emplea sólo cuatro colores: el verde y el azul del fondo y el color
carne y el marrón del contorneado de las figuras.
Matisse parece resolver en ésta y otras obras la cuestión acerca de la primacía del
dibujo sobre el color o viceversa. Aquí parece conciliar el dilema entre la línea (a la
que se le relaciona con las tendencias más racionalistas del arte) y el color ( que se
emparienta generalmente con las más” emocionales”) en una imagen que es razón
y emoción, línea y color a la vez.
En la imagen Matisse parece desembarazarse de todo lo superfluo. Si el tema es
clásico y habitual en la pintura más académica del siglo XIX, el tratamiento no lo es
en absoluto.
Desaparecen la corrección anatómica, la convencional representación del volumen
por medio del claroscuro al igual que la del espacio por medio de la perspectiva.
Matisse, guiado por un extraordinario y lírico sentido del ritmo así como por un
instinto infalible para las armonías de colores convierte el movimiento de la danza
en un ritmo de elegantes y expresivas líneas onduladas dónde todo lo superfluo:
matices de color, corrección anatómica y verismo, se sacrifica buscando evocar por
medio de la pintura ese ritmo musical y sensual de la danza. El éxito de Matisse es
total; nunca una pintura con semejante economía de medios pictóricos había
evocado con tanto poder el ritmo sensual, seductor y casi sagrado de la danza. Las
figuras se convierten en gesto y balanceo; el movimiento de la línea es lo
primordial.
COMENTARIO
Breve comentario histórico: A principios del siglo XX las artes figurativas experimentaban la transformación más increíble y profunda de toda la historia. Los artistas dejaron de mirar hacia el pasado y comenzaron a buscar nuevas formas de lenguaje, que les permitieran mostrar todos los cambios que se estaban produciendo en el mundo que les rodeaba. Y de manera rotunda decidieron romper con la tradición e ir más allá de la reproducción de la realidad.
De esta forma nacían las vanguardias artísticas, una serie de movimientos que se caracterizaban por ser propuestas rupturistas, que proponían abandonar la imitación de la naturaleza para centrarse en el lenguaje de las formas. Un arte que exploraba la relación entre arte y vida. Mostrando una renovación radical de contenido, lenguaje y actitud vital, que afectaba también al espectador, ya que a partir de este momento tendrá una actitud activa, entrando a formar parte de la obra.
En este contexto nacía el Fauvismo uno de los movimientos que animaron la escena artística francesa en los inicios de siglo.
Características generales del fauvismo: Un grupo de jovencísimos pintores iniciaron su carrera artística en París bajo la influencia del gran Cézanne y los posimpresionistas. Todos tenían un punto en común buscaban un cambio radical en las artes y casi todos habían acudido en su aprendizaje al taller de Gustave Moreau un pintor simbolista que animaba a todos sus alumnos a crear con su propia personalidad.
Desde un principio sus propuestas supusieron una clara reacción contra el Impresionismo, en defensa del color y el objeto, ya que no les interesaba que estos dos elementos estuvieran dominados y reducidos por la luz. Y por ello el color sería el elemento clave de sus composiciones.
Estos artistas terminarían por defender una pintura de gran libertad, partiendo del simbolismo de Moreau, el expresionismo de Van Gogh y la pintura al aire libre crearon una nuevo arte que quería mostrar la luz y la realidad solamente a través de gamas de color. Con ellos la autonomía de la pintura era una realidad y lo lograron convirtiendo al color en el gran protagonista de sus obras, un color violento y subjetivo que invadía de forma pasional todas sus obras.
Su nacimiento está unido a un determinado acontecimiento en París, en Octubre de 1905 en el Salón de Otoño una docena de artistas agrupados alrededor de la figura de Matisse hacen su primera aparición pública. El grupo poco o nada conocido colocó todas sus obras de cromatismo intenso en una misma sala, como contraste en medio de todas ellas colocaron una escultura más clásica, un torso de un niño de estilo florentino. El crítico de arte Louis Vauxcelles al contemplar aquella pequeña escultura de aires italianizantes, entre la orgía de colores casi puros, exclamaría el mítico comentario “Donatello parni les fauves” (Donatello entre las fieras). Y a partir de aquí nació la anécdota que sirvió para bautizar a estos osados coloristas. El calificativo negativo de fauves, fieras, definía a unos artistas que se defendían y distinguían por su violento y audaz manejo del color.
Pero realmente el Fauvismo tuvo una carrera efímera, ya que aunque les unía la utilización del colorido radical y arbitrario, nunca tuvieron una identidad de grupo, nunca se llegaron a organizar y pese a su gran revolución el movimiento sólo existió desde 1905 al 1907 hasta que todos sus integrantes siguieron caminos diferentes. Pero para la historia del arte los fauves serían recordados como una de las propuestas más avanzadas de su tiempo.
El gran representante del grupo y eje central será la figura de Henri Matisse, partidario de la liberación de color lo que buscaba era conseguir la auténtica autonomía del cuadro frente al motivo representado. Por ello el lienzo para el pintor se convertía en una superficie coloreada organizada según sus propias reglas pero con una clara intención decorativa, dicho por el propio artista lo que defendía era “la valentía para volver a la pureza de los recursos”.
Datos del autor: Matisse nacía en 1869 al Nordeste de Francia en el seno de una familia de clase media, estudió derecho en París y todo indicaba que su futuro estaría en el negocio familiar. Pero todo cambió en 1890, durante la recuperación de una apendicitis su madre le regaló una caja de pinturas, todo dio un giro radical, al año siguiente se iba a París e ingresaba en la Escuela de Bellas Artes, a partir de este momento la creación artística sería el eje central de toda su vida.
En su formación habrá tres claras influencias, Cézanne y su preocupación por la estructura sólida del cuadro y su independencia de la luz. Gauguin y su gusto por aplicar el color plano por toda la superficie del cuadro y Van Gogh por ser el primer artista que utilizó el color liberándose del tono local y la realidad.
Tal fue la admiración por Cézanne que en los inicios de su carrera compró su famosa obra de “Las Bañistas”, decía que gracias a ella se había mantenido en los momentos críticos de su trayectoria. Y así comenzó una búsqueda incansable de renovación.
Muy pronto buscó construir con el color la estructura del cuadro, alejándose por completo del orden de la naturaleza, su forma de crear desembocó en una dimensión decorativa y al mismo tiempo cada vez en una pintura más sintética.
Disponía los colores puros de manera arbitraria y libre por el lienzo, jugando con los fuertes contrastes sin preocuparse de la descripción de la realidad. Pensaba que la vida era color y que ese color tenía que estar en su obra, quería encontrar una luz duradera, una luz que invadía todo el conjunto de la composición y lo lograba porque los colores se avivaban unos a otros.
Defendía los colores simples e intensos, aventurándose en armonías atípicas. Estudiaba todo lo que tenía alrededor ya fuese clásico o moderno, y lo reutilizaba para crear su propio estilo. Llegando así a estudiar el color de los tapices orientales y los paisajes del Norte de África para reinterpretarlos en sus obras, creando un estilo de gran influjo en el diseño moderno.
Todas estas características las podemos encontrar en su obra “La Habitación roja” comúnmente conocida como “Armonía en rojo” fue creada cuando el grupo ya se había disuelto, y en ella vemos todos los postulados defendidos por el maestro francés.
Henri Matisse, figura culminante del movimiento fauvista, es junto con Picasso uno de los grandes mitos del arte contemporáneo, tanto por sus orientaciones técnicas y artísticas como por la calidad de sus obras.
Henri Matisse quien es junto con Picasso, uno de los pintores más importantes del siglo XX. Su aportación al arte ha sido fundamental, no sólo por su propia obra, sino por la influencia que ésta ha ejercido en numerosos artistas posteriores. En sus primeras obras como” Lujo, calma y voluptuosidad”, combinó una factura puntillista de pinceladas más gruesas con una interpretación del color más libre. Paulatinamente, éste, el color, irá distribuyéndose en la superficie en planos más grandes, jugando con los contrastes violentos de complementarios, los gruesos empastes de pintura, y la ausencia de contornos precisos. Posteriormente, su obra evolucionará hasta adquirir una sutileza y elegancia sin par, en imágenes que nos hablan de cierta alegría de vivir, de un mundo placentero, ordenado, reposado ,- tal vez un tanto burgués,- dónde las formas se irán desnudando de todo lo accesorio, jugando con la elegancia de la línea y las masas de colores planos ordenadas siguiendo un ritmo casi “musical”.De su obra podemos destacar cuadros como” La raya verde ( Retrato de Mme. Matisse)”, “ La alegría de vivir”, “ La Musique”,“ La danza” que vamos a comentar a continuación, “ La Lección de Piano”, “ Puerta ventana en Collioure”, “La blusa rumana” o los extraordinarios collage finales de la serie “ Jazz”.
Pintor, escultor y grabador, destacaría también en las disciplinas de las artes decorativas, la escenografía y la literatura. Y su influencia llegaría de una forma u otra a todos los pintores del siglo XX.
Su arte siempre fue amable, de gran luminosidad, apacible pero no por ello ingenuo sino un arte de gran virtuosismo e inteligencia. Un arte que es el reflejo de su espíritu interior.
LÁMINA 19. HENRY MATISSE. La mujer con sombrero (1905).
LÁMINA 20. HENRY MATISSE. Madame Matisse o la raya verde; Museo de Arte del Estado. Copenhague (Dinamarca). UBICACIÓNDecir lo que es: Madame Matisse o La raya verde.Lugar: Museo de Arte del Estado. Copenhague (Dinamarca)Datación: 1905Autor: Henri MatisseEstilo: FauvismoANÁLISIS FORMALTécnica y soporte: Óleo sobre lienzo. (40.6 x 32.4 cm.)
Describir lo que representa: Se trata del retrato de la señora Matisse. Aparece tocada con un elegante sombrero, girada en tres cuartos y dirigiendo su profunda mirada hacia el espectador.
Elementos:
(Tratamiento de laluz, del
color…) En el Salón de
Otoño de 1905 se
expusieron algunos
cuadros de Matisse, pero
uno de ellos, la Raya Verde
o también conocido como
la Madame Matisse, causó,
a pesar de sus reducidas
dimensiones, un gran
impacto en el Salón debido
a la sabia saturación de los colores chillones: “pocos cuadros fauvistas están tan
completamente sustentados tan solo por el color como este Madame Matisse. Así,
El intenso colorido se convierte en el protagonista, aplicado con largas y
empastadas pinceladas que recuerdan al impresionismo.
Los colores son arbitrarios, rompiendo con la estructura habitual del color,
siguiendo a Cèzanne. Así, en el rostro de la dama apreciamos toques de color lila,
verde, azul o amarillo. El resultado es una obra cargada de elegancia e intensidad,
en la que el espectador disfruta de la estridencia tonal que identifica el estilo
fauvista, y especialmente de Matisse. En su cara traza una bisectriz de color verde
dividiendo el cuadro en dos mitades. Su lado derecho repite el color verde que la
divide, mientras que el izquierdo repite los tonos de su vestido. Esta Línea actúa
como una sombra divisora artificial formando un lado más claro y otro mas oscuro,
en términos cromáticos un lado mas fresco y uno mas caliente. La Luz natural esta
dirigida directo a los colores y las gruesas pinceladas le dan una imagen dramática.
COMENTARIO
Breve comentario histórico: A principios del siglo XX las artes figurativas experimentaban la transformación más increíble y profunda de toda la historia. Los artistas dejaron de mirar hacia el pasado y comenzaron a buscar nuevas formas de lenguaje, que les permitieran mostrar todos los cambios que se estaban produciendo en el mundo que les rodeaba. Y de manera rotunda decidieron romper con la tradición e ir más allá de la reproducción de la realidad.
De esta forma nacían las vanguardias artísticas, una serie de movimientos que se caracterizaban por ser propuestas rupturistas, que proponían abandonar la imitación de la naturaleza para centrarse en el lenguaje de las formas. Un arte que exploraba la relación entre arte y vida. Mostrando una renovación radical de contenido, lenguaje y actitud vital, que afectaba también al espectador, ya que a partir de este momento tendrá una actitud activa, entrando a formar parte de la obra.
En este contexto nacía el Fauvismo uno de los movimientos que animaron la escena artística francesa en los inicios de siglo.
Características generales del fauvismo: Un grupo de jovencísimos pintores iniciaron su carrera artística en París bajo la influencia del gran Cézanne y los posimpresionistas. Todos tenían un punto en común buscaban un cambio radical en las artes y casi todos habían acudido en su aprendizaje al taller de Gustave Moreau un pintor simbolista que animaba a todos sus alumnos a crear con su propia personalidad.
Desde un principio sus propuestas supusieron una clara reacción contra el Impresionismo, en defensa del color y el objeto, ya que no les interesaba que estos dos elementos estuvieran dominados y reducidos por la luz. Y por ello el color sería el elemento clave de sus composiciones.
Estos artistas terminarían por defender una pintura de gran libertad, partiendo del simbolismo de Moreau, el expresionismo de Van Gogh y la pintura al aire libre crearon una nuevo arte que quería mostrar la luz y la realidad solamente a través de gamas de color. Con ellos la autonomía de la pintura era una realidad y lo lograron convirtiendo al color en el gran protagonista de sus obras, un color violento y subjetivo que invadía de forma pasional todas sus obras.
Su nacimiento está unido a un determinado acontecimiento en París, en Octubre de 1905 en el Salón de Otoño una docena de artistas agrupados alrededor de la figura de Matisse hacen su primera aparición pública. El grupo poco o nada conocido colocó todas sus obras de cromatismo intenso en una misma sala, como contraste en medio de todas ellas colocaron una escultura más clásica, un torso de un niño de estilo florentino. El crítico de arte Louis Vauxcelles al contemplar aquella pequeña escultura de aires italianizantes, entre la orgía de colores casi puros, exclamaría el mítico comentario “Donatello parni les fauves” (Donatello entre las fieras). Y a partir de aquí nació la anécdota que sirvió para bautizar a estos osados coloristas. El calificativo negativo de fauves, fieras, definía a unos artistas que se defendían y distinguían por su violento y audaz manejo del color.
Pero realmente el Fauvismo tuvo una carrera efímera, ya que aunque les unía la utilización del colorido radical y arbitrario, nunca tuvieron una identidad de grupo, nunca se llegaron a organizar y pese a su gran revolución el movimiento sólo existió desde 1905 al 1907 hasta que todos sus integrantes siguieron caminos diferentes. Pero para la historia del arte los fauves serían recordados como una de las propuestas más avanzadas de su tiempo.
El gran representante del grupo y eje central será la figura de Henri Matisse, partidario de la liberación de color lo que buscaba era conseguir la auténtica autonomía del cuadro frente al motivo representado. Por ello el lienzo para el pintor se convertía en una superficie coloreada organizada según sus propias
reglas pero con una clara intención decorativa, dicho por el propio artista lo que defendía era “la valentía para volver a la pureza de los recursos”.
Datos del autor: Matisse nacía en 1869 al Nordeste de Francia en el seno de una familia de clase media, estudió derecho en París y todo indicaba que su futuro estaría en el negocio familiar. Pero todo cambió en 1890, durante la recuperación de una apendicitis su madre le regaló una caja de pinturas, todo dio un giro radical, al año siguiente se iba a París e ingresaba en la Escuela de Bellas Artes, a partir de este momento la creación artística sería el eje central de toda su vida.
En su formación habrá tres claras influencias, Cézanne y su preocupación por la estructura sólida del cuadro y su independencia de la luz. Gauguin y su gusto por aplicar el color plano por toda la superficie del cuadro y Van Gogh por ser el primer artista que utilizó el color liberándose del tono local y la realidad.
Tal fue la admiración por Cézanne que en los inicios de su carrera compró su famosa obra de “Las Bañistas”, decía que gracias a ella se había mantenido en los momentos críticos de su trayectoria. Y así comenzó una búsqueda incansable de renovación.
Muy pronto buscó construir con el color la estructura del cuadro, alejándose por completo del orden de la naturaleza, su forma de crear desembocó en una dimensión decorativa y al mismo tiempo cada vez en una pintura más sintética.
Disponía los colores puros de manera arbitraria y libre por el lienzo, jugando con los fuertes contrastes sin preocuparse de la descripción de la realidad. Pensaba que la vida era color y que ese color tenía que estar en su obra, quería encontrar una luz duradera, una luz que invadía todo el conjunto de la composición y lo lograba porque los colores se avivaban unos a otros.
Defendía los colores simples e intensos, aventurándose en armonías atípicas. Estudiaba todo lo que tenía alrededor ya fuese clásico o moderno, y lo reutilizaba para crear su propio estilo. Llegando así a estudiar el color de los tapices orientales y los paisajes del Norte de África para reinterpretarlos en sus obras, creando un estilo de gran influjo en el diseño moderno.
Todas estas características las podemos encontrar en su obra “La Habitación roja” comúnmente conocida como “Armonía en rojo” fue creada cuando el grupo ya se había disuelto, y en ella vemos todos los postulados defendidos por el maestro francés.
Henri Matisse, figura culminante del movimiento fauvista, es junto con Picasso uno de los grandes mitos del arte contemporáneo, tanto por sus orientaciones técnicas y artísticas como por la calidad de sus obras.
Henri Matisse quien es junto con Picasso, uno de los pintores más importantes del siglo XX. Su aportación al arte ha sido fundamental, no sólo por su propia obra, sino por la influencia que ésta ha ejercido en numerosos artistas posteriores. En sus primeras obras como” Lujo, calma y voluptuosidad”, combinó una factura puntillista de pinceladas más gruesas con una interpretación del color más libre. Paulatinamente, éste, el color, irá distribuyéndose en la superficie en planos más grandes, jugando con los contrastes violentos de complementarios, los gruesos empastes de pintura, y la ausencia de contornos precisos. Posteriormente, su obra evolucionará hasta adquirir una sutileza y elegancia sin par, en imágenes que nos hablan de cierta alegría de vivir, de un mundo placentero, ordenado, reposado ,- tal vez un tanto burgués,- dónde las formas se irán desnudando de todo lo accesorio, jugando con la elegancia de la línea y las masas de colores planos ordenadas siguiendo un ritmo casi “musical”.De su obra podemos destacar cuadros como” La raya verde ( Retrato de Mme. Matisse)”, “ La alegría de vivir”, “ La Musique”,“ La danza” que vamos a comentar a continuación, “ La Lección de Piano”, “ Puerta ventana en Collioure”, “La blusa rumana” o los extraordinarios collage finales de la serie “ Jazz”.
Pintor, escultor y grabador, destacaría también en las disciplinas de las artes decorativas, la escenografía y la literatura. Y su influencia llegaría de una forma u otra a todos los pintores del siglo XX.
Su arte siempre fue amable, de gran luminosidad, apacible pero no por ello ingenuo sino un arte de gran virtuosismo e inteligencia. Un arte que es el reflejo de su espíritu interior.
EXPRESIONISMO ALEMÁN: KANDINSKYLÁMINA 21. KANDINSY. El jinete azul (1903); Colección particular. Zurich LÁMINA 22. KANDINSY. Primera acuarela abstracta (1910); Colección Nina Kandinsky. Neully sur Seine (Francia).
LÁMINA 23. KANDINSY. Murnau. Casas en el Obermarkt (1908). Colección Thyssen-Bornemisza. Lugano.
LÁMINA 24. KANDINSY. Impresión n° 5 (parque); Museo Nacional de Arte Moderno. París.
CUBISMO: PICASSOLÁMINA 25. PABLO RUIZ PICASSO. El viejo guitarrista ciego; Instituto de Arte de Chicago. LÁMINA 26. PABLO RUIZ PICASSO. La familia del acróbata con un mono (1905); Museo de Arte Goteborg. Suecia. LÁMINA 27. PABLO RUIZ PICASSO. Los saltimbanquis (1905); National Gallery. Washington. Horta d'Ebre
LÁMINA 28. PABLO RUIZ PICASSO. Las señoritas de Avignon. Museo de Arte Moderno. Nueva York.
UBICACIÓNDecir lo que es: Las señoritas de Avignon.Lugar: Museo de Arte Moderno. Nueva York.Datación: 1907Autor: Pablo Ruiz PicassoEstilo:Cubismo.ANÁLISIS FORMALTécnica y soporte: Óleo sobre lienzo ( 244 x 233 cm)Describir lo que representa: El cuadro muestra a cinco mujeres desnudas. Hace referencia a las prostitutas que estaban en un burdel situado en dicha calle barcelonesa, donde al parecer no era difícil encontrar al joven Picasso que por entonces formaba parte del grupo de “Els cuatre gats”. Esta obra es considerada por muchos como el comienzo del cubismo.
El cuadro, realizado en 1907, permaneció varios años en el estudio del pintor, sin
que fuera dado a conocer al público, y sólo fue mostrado a amigos y a algunos
críticos. Picasso tenía miedo de que su obra no fuera entendida, y en cierto modo
así fue ya que algunas de las personas que la vieron mostraron su desagrado.
Fue Apollinaire, uno de los amigos que vieron la obra en el estudio del pintor, el
que dio ánimos a Picasso y a Braque para que continuaran con sus estudios sobre
esta nueva forma de representación pictórica, la que se convirtió unos años
después en el cubismo. Este cuadro sienta, pues, las bases, de este nuevo estilo que
cambiaría la historia del arte.
Elementos: (Tratamiento de la luz, del color…) : Formalmente el cuadro está
dividido de manera clara en tres franjas organizadas verticalmente. La parte
central es la más “clásica” en cuanto al aspecto, sin embargo se
percibe ya en estas dos figuras una compartimentación de sus cuerpos, pese a esto
existen referencias a la pintura tradicional de desnudos con especial similitud con
las “majas” de Goya, incluso en su posición pues aunque parecen de pie están
tumbadas como indica su postura con los brazos tras la cabeza.
En estas dos figuras se observa un principio importante de lo que luego sería la
pintura cubista, el diferente punto de vista con que se ven partes de una misma
obra. De la misma manera que los egipcios utilizaban una ley de frontalidad en la
que las figuras aparecían con el rostro de perfil y el torso de frente, Picasso sitúa a
estas dos figuras como si se vieran desde arriba, ya que así son mucho más
reconocibles que viéndolas desde su mismo plano horizontal. En esta franja los
colores son más clásicos, menos fuertes (entre blancos y celestes), y el tono de las
dos muchachas es más amable en relación con el de las otras tres.
Pero a diferencia de lo que puede parecer en un primer momento, ya que están en
el centro, lo más importante del cuadro no está en estas figuras, pues las líneas
quebradas que pueblan el lienzo nos hacen llevar la mirada fuera del cuadro. Si
queremos mirar el cuadro debemos regresar al lienzo una y otra vez ya que la obra
nos lleva fuera de sus límites.
Las líneas de composición son siempre oblicuas, dando un gran dinamismo a la
obra, incluso algunas de estas líneas nos llevan a la naturaleza muerta de la parte
baja del cuadro, detalle que aunque parezca anecdótico, no lo es tanto, como
veremos posteriormente.
Las otras dos franjas del cuadro están pintadas sobre otras figuras ya realizadas
anteriormente por Picasso.
Estas figuras tenían estéticamente un aspecto parecido a las figuras del centro (una
de ellas era de un marinero que aparecía tras una cortina y que entraba en el
prostíbulo), sin embargo Picasso decidió cambiar tanto estas figuras como el
tratamiento estético. La mujer que está a la izquierda corriendo una cortina de
color rojo cálido aparece con su rostro de perfil de color más oscuro que el resto
del cuerpo, que a su vez es más rojizo que los cuerpos de las mujeres que hay en el
centro. El color y la forma del rostro de esta figura lateral hay que relacionarlos
con la influencia que recibió Picasso poco tiempo antes en un viaje por Cataluña, y
por las pequeñas figuritas religiosas del Románico que supusieron para el pintor
una nueva visión del arte, suponiendo un primer paso en su decantamiento por
otro tipo de estética en vez de la
naturalista.
La franja de la derecha es algo más compleja en su interpretación desde el punto
de vista de la pintura de corte más tradicional, y posiblemente por ello es más
importante para la comprensión del cuadro. En esta parte aparecen dos figuras con
unos rostros extraños directamente influenciados por las máscaras que Picasso
pudo ver en el Museo etnográfico de París, el entonces Museo del Trocadero,
actualmente Museo del Hombre.
Estas máscaras, venidas de Costa de Marfil o Congo, llegaron por primera vez a
occidente a principios de siglo traídas por antropólogos y supusieron para los
artistas de la vanguardia parisina un descubrimiento tal que revolucionó para
siempre la Historia del Arte. No sólo Picasso sino que muchísimos artistas, como
Matisse, Brancusi, Braque o Derain entre otros, se vieron impresionados por la
frescura y la fuerza de estas obras de arte africano.
La concepción geométrica de los espacios que se disolvían en planos para
configurar conjuntos de gran sencillez, pero con una gran claridad a la hora de
mostrar con el mínimo de rasgos rostros con identidad propia, fue lo que las hizo
tan interesantes para Picasso y sus contemporáneos. Así que Picasso decidió
cambiar las figuras de la derecha por las mujeres con rostros co mo máscaras, que
llegan a un nivel de expresividad mucho mayor que el de las otras figuras.
Las máscaras son representaciones de rostros, Picasso no quiso hacer mujeres
escondidas tras máscaras, sino rostros de mujeres de una mayor expresividad, con
un nuevo planteamiento estético. De esas dos máscaras una, la de abajo, tiene
mayor abstracción; mientras que la de arriba todavía tiene referencias
perspectivas, la de abajo, que pertenece a una figura mucho más radical, ya es
plana e inicia lo que se llama “respeto al lienzo”, el respeto a las dos dimensiones
sin que aparezca la tercera, la profundidad, que desde el Renacimiento ha sido el
fundamento de la pintura occidental.
Así se inicia el desaprendizaje, casi diríamos el “olvido” de toda la tradición
pictórica tradicional desde el siglo XV, y el invento de la perspectiva matemática.
Olvido que es un punto de partida esencial para la comprensión de toda la pintura
del siglo XX.
Algunos críticos han afirmado que el rostro de la figura de la izquierda también
viene del descubrimiento del arte africano, sin embargo no parece que tenga este
sentido ya que en realidad no tiene ninguna similitud con las máscaras rituales del
continente negro.
Las figuras de las derecha son aún más fragmentadas, incluso hay una
descompensación entre distintas partes del cuerpo, con gran diferencia de formas
y tamaños, algo que llegará a su máxima expresión en el cubismo de años
posteriores. Por ejemplo, la figura de abajo está sentada de espaldas mientras que
su máscara nos mira, su brazo es desmesurado en comparación con su torso,
dando un gran paso hacia la libertad de formas en la pintura.
El pequeño bodegón de la parte más baja del cuadro tiene importancia no sólo en
la composición, sino también en la simbología del cuadro. El bodegón recoge
muchas de las líneas oblicuas de composición, es difícil imaginarse el cuadro sin él
ya que quedarían las figuras agitadas y descompuestas. El bodegón es el símbolo
de unión entre lo viejo y lo nuevo, entre la tradición del bodegón español del siglo
de Oro y Cézanne, su maestro y punto de partida de la pintura del siglo XX.
COMENTARIO Breve comentario histórico: Desde sus inicios, el siglo XX se presenta como un siglo muy complicado, de grandes y rápidos cambios, de grandes esperanzas y de grandes tragedias. Los mayores avances científicos y técnicos se han dado en este siglo, así como los mayores logros sociales dentro de los estados democráticos… Pero también es el siglo de las dos guerras mundiales y de terribles dictaduras que aún siembran el terror en sus dominios. Este siglo de grandes cambios y contrastes, tienen su fiel reflejo en el arte.Así, asistimos desde las primeras décadas de este siglo a una complejidad del arte, una diáspora de tendencias con ramificaciones que se entrecruzan, con lo que cada hecho artístico hay que ponerlo en relación con las tendencias y aspectos que lo conforman. Los artistas van moviéndose a lo largo de su carrera entre diferentes tendencias y movimientos.Características generales del cubismo: Se discute todavía la paternidad del movimiento cubista: para unos su creador sería Picasso (1907, Las Señoritas de Avignon), mientras que otros encuentran anticipos del cubismo en obras anteriores de Braque, otro de los integrantes, junto con Juan Gris y Ferdinand Leger, del movimiento.
El cubismo es un arte austero y cerebral. Los artistas cubistas, siguiendo los caminos trazados por Cezanne, intentan una reducción de la realidad a sus formas esenciales utilizando para ello la geometría (“La geometría es a las artes visuales lo que la sintaxis es a la escritura”, decía Apollinaire). Se trata de plasmar en el cuadro la cuarta dimensión de los objetos: el espacio-tiempo que se consigue mediante la suma de todas las perspectivas: lo delantero y lo trasero, el exterior y el interior se plasman al mismo tiempo por medio de superposiciones, descuartizamientos y transparencias.
Esta preocupación por las formas lleva a una despreocupación por aspectos como la luz y el color. El cubismo practica la moderación cromática y lumínica predominando en los cuadros los tonos grises, tierras, verdes apagados... En palabras de Eugenio D’Ors: “después del carnaval impresionista, se impone la cuaresma del cubismo”.
El cubismo pasa por una serie de fases de discutible denominación y no siempre fáciles de distinguir: cubismo analítico (también llamado eidético), cubismo sintético (uso del papier couché y de elementos reales, periódicos, cifras...), cubismo hermético y cubismo cristal.
Datos del autor: Nació en Málaga en 1881 y murió en Mongins (Francia) en 1973.
Es el pintor universal representativo del siglo XX.
Su obra representa la innovación del arte pictórico. Con él, la pintura cambia sus planteamientos estéticos y conceptuales de tal forma que se ha dicho que su revolución artística es similar a la que Einstein hizo en la Física o Freud en la Psicología.
Su formación inicial fue académica, ya que su padre era profesor en la Escuela de Artes y Oficios de Málaga. Con él inició su aprendizaje que siguió en las Escuelas de la Coruña y Barcelona.
Se dice que a los 14 años pintaba como Rafael.
A los 16 pintó la obra "Ciencia y Caridad" y a los 19 decoró el café barcelonés de "Els Quatre Gats". Aquí asistía a tertulias en las que entró en contacto con el Impresionismo, el Postimpresionismo y el Modernismo.
Toulouse Lautrec y Matisse serán los artistas que más le influyen en esta etapa inicial.
En las obras de esta 1ª juventud ya destacan el humanismo, la preocupación por los humildes que aparece a lo largo de su vida y que formará parte de la temática de Picasso. Tuvo varios períodos a lo largo de su vida:
PERIODO AZUL (1901-1904) Sus obras de estos años reaccionan frente al Impresionismo.
Surgen unos tipos humanos, escuálidos, infelices y dolidos de su trágica condición existencial Sirva como ejemplo "El guitarrista ciego" (1903). En las tertulias modernistas comprendió el valor simbólico del azul: melancolía, tristeza que se completa con un dibujo nervioso y vivaz, muy expresivo. Así, en esta época, Picasso, con 20 años retrata la desesperación, ve la vida con pesimismo y denuncia las miserias: mendigos, mujeres vencidas, ciegos trágicos y figuras tristes.
Los tema más importantes de esta época son: circos ambulantes con sus artistas pobres y trágicos, maternidades sin alegría, mendigos como en
En 1904 se estableció en París, en un viejo edificio de Montmartre conocido como el Bateau Lavoir porque recordaba a las barcazas del Sena.
PERIODO ROSA (1905-1906) A finales de 1904 comenzó a abandonar la melancolía y sustituyó los tonos
azules por los rosados. Hay cuadros de transición como "Los saltimbanquis" de 1905.
Aparece de nuevo el tema circense, los colores son más suaves y las formas más flexibles.
El período rosa se relaciona con su relación con Feriaune Olivier desde 1904.
Las formas de sus cuadros se endulzan y suavizan. El dibujo sigue siendo rápido y expresivo.
En 1906 conoce a Matisse y su obra enriquece los colores de su paleta.
El mismo año presenció una exposición de Cézanne y conoció las máscaras africanas del museo del Hombre de París. También estudió los relieves ibéricos y el arte egipcio.
El verano de 1906 estuvo en Gasol, pueblo de Lérida, y comienza su experimento de geometrización de rostros y figuras. Será la base del cubismo.
CUBISMO (1906-1924) En 1907 completó "Las Señoritas de la calle de Avignon", obra que estamos
analizando y que sentaba las bases del cubismo. En la etapa del cubismo (1907-1916) se distinguen es cubismo analítico (1907-
1911) y el cubismo sintético (1912-1916).
Cubismo analítico (1907-1911) Picasso se centra en el paisaje y en la figura humana. Su método de trabajo consiste en descomponer geométricamente las formas y
luego unirlas, mostrando los cuatro planos en el lienzo:
"Paisajes de Horta de Ebro. La Fábrica" “Retrato de Ambroise Vollar"
Como esta vía lo alejaba de la realidad, la abandonó a partir de 1912 e inició el cubismo sintético basado en el collage.
Cubismo sintético (1912-1916) Se basa en el uso del collage, se incorporan objetos a las pinturas: recortes de
periódico, rejillas, partituras, etc. Estos elementos daban un punto de realidad frente a los dibujos analíticos, que aplicaba después sobre este soporte:
"Naturaleza muerta con asiento de rejilla" (1912). La silla es sustituida por un trozo de hule trenzado.
Los cuadros de esta época son menos coloristas.
Se evoluciona hacia el rechazo a la naturaleza y al final de la etapa sólo hay formas coloreadas en el espacio.
A partir de 1916 recuperó la figura humana y el color al diseñar los decorados y el vestuario de los ballets rusos de Diaghilev
Picasso no abandonó totalmente el cubismo, lo alternó con obras más realistas según conviniera al tema.
"Los tres músicos" (1921) "La danza" (1925)
Desde 1916 Picasso inicia una etapa más clásica.
Un viaje a Italia le permitió conocer la obra de Rafael, Pompeya, el Renacimiento y la obra antigua. Influyen en su pintura de las máscaras, de dibujo excepcional, que retrata la expresión, mientras que el resto apenas queda apuntado. Pinta también grandes figuras en movimiento, de formas y líneas robustas, casi escultóricas.
A partir de 1925 Picasso cambia la temática de su obra, y algunos autores hablan de una etapa surrealista.
Era admirador del teórico Bretón y de la obra de Miró, pero en sus cuadros da menos importancia al mundo de los sueños que los surrealistas.
En los años 20 y 30 le afecta el ascenso de los fascismos y también las consecuencias de la crisis del 29.
Para Picasso la pintura es un conjunto de signos, como una metáfora con la que expresa las angustias de una época. Así su arte se vuelve también expresionista, aunque no se somete a las normas de ningún movimiento.
En 1929 pintó "Mujer sentada a orillas del mar, La Guerra Civil aumentó la tensión de Picasso que aparece en sus pinturas:
En 1937 recibió el encargo de la República de pintar el pabellón español de la Exposición Universal de París. Para ello pintó el "Guernica", obra en la que plasma el bombardeo de esta localidad por la Legión Cóndor alemana el 26 de Abril de 1937.
Durante la II Guerra Mundial (1939-45) Picasso siguió realizando obras dramáticas:
"Gato y pájaro" (1939) "Cráneo de buey” (1942)
A partir de 1945 Picasso realiza obras más optimistas con balcones abiertos al azul del Mediterráneo, palomas o temas pastoriles. Es la época de Antibes.
En los años 50 la guerra de Corea le provoca otros cuadros expresionistas (“Matanza en Corea”)
También en la década de los 50 realizó series de homenajes a los grandes maestros de la pintura, destacando "Las meninas", en honor a Velázquez.
Al final de su vida (1973) trabajó el grabado y la cerámica. La obra de Picasso es un símbolo del siglo XX con el miedo y la angustia que las
grandes guerras produjeron en la población. Picasso escribió: "El artista trabaja sobre sí mismo y su tiempo, trabaja para dar
claridad ante sus contemporáneos y su conciencia de sí mismo y de su tiempo".
Se trata de un nuevo humanismo que pinta el sufrimiento de la humanidad frente a la armonía del humanismo renacentista. Su obra es libre y abre nuevos caminos, aunque a lo largo de toda ella hay constantes: su compromiso con la época en que vive y su solidaridad con los humildes de cualquier lugar o momento…
LÁMINA 29. PABLO RUIZ PICASSO. La fábrica. Museo del Ermitage. San Petersburgo LÁMINA 30. PABLO RUIZ PICASSO. Naturaleza muerta con asiento de rejilla; Museo Picasso. París LÁMINA 31. PABLO RUIZ PICASSO. Violín, vaso y pipa sobre una mesa. Galería Nacional de Praga LÁMINA 32. PABLO RUIZ PICASSO. Los tres músicos (1921); Museo de Arte de Filadelfia LÁMINA 33. PABLO RUIZ PICASSO. Guernica; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Madrid.
SURREALISMO: DALÍLÁMINA 34. SALVADOR DALÍ. La persistencia de la memoria; Museo de Arte de Nueva York. UBICACIÓNDecir lo que es: La persistencia de la memoria.Lugar: Museo de Arte de Nueva York.Datación: 1904Autor: Salvador Dalí.Estilo: Surrealismo.ANÁLISIS FORMALTécnica y soporte: Óleo sobre lienzo (24,1 x 33 cm.) Describir lo que representa: Esta obra reúne muchas características de la pintura de Salvador Dalí. Como en tantos cuadros suyos, el fondo es la bahía rocosa de Port Lligat. Retenidas por una extensa llanura, aparecen yuxtapuestos elementos diferentes que provocan el asombro del espectador tanto por su heterogeneidad como por su singular aspecto. El retrato del pintor, que aparece en primer plano, se asimila a un caracol
arrastrándose por el suelo, cuyo cuerpo se pierde en la oscura arena como huella de color. Tres de los relojes de oro y plata representados en primer plano son blandos, se adaptan al cuerpo del caracol y cuelgan de la rama de un árbol sin hojas y del borde del resalto de una pared. El único reloj que parece conservar su consistencia normal está pintado en rojo y es devorado por las hormigas reunidas a su alrededor.
Elementos: (Tratamiento de laluz, del color…) : En el cuadro de Dalí no se cuestionan sólo la materialidad de lo representado, su color y su congruencia; también los signos del tiempo -el verdadero tema del cuadro- experimentan un cambio profundo, difícilmente comprensible desde el punto de vista racional. El tiempo fugitivo, que asimismo tiene su expresión simbólica en el cuerpo del caracol en disolución, autorretrato del pintor, no se refleja sólo en el avance de las manecillas, sino en la fusión de los relojes. A su vez, el reloj rojo invadido de hormigas es como una señal de alarma que llama la atención sobre la muerte, lo mismo que el esqueleto de árbol de la parte izquierda del cuadro. ¿Se relacionan estos signos de muerte con la cabeza sin vida tendida en el suelo y el cuerpo en disolución del pintor? ¿Refleja la angustia mortal inconsciente o representa La persistencia de la memoria que le paraliza?
COMENTARIO Breve comentario histórico: Desde sus inicios, el siglo XX se presenta como un siglo muy complicado, de grandes y rápidos cambios, de grandes esperanzas y de grandes tragedias. Los mayores avances científicos y técnicos se han dado en este siglo, así como los mayores logros sociales dentro de los estados democráticos… Pero también es el siglo de las dos guerras mundiales y de terribles dictaduras que aún siembran el terror en sus dominios. Este siglo de grandes cambios y contrastes, tienen su fiel reflejo en el arte.Así, asistimos desde las primeras décadas de este siglo a una complejidad del arte, una diáspora de tendencias con ramificaciones que se entrecruzan, con lo que cada hecho artístico hay que ponerlo en relación con las tendencias y aspectos que lo conforman. Los artistas van moviéndose a lo largo de su carrera entre diferentes tendencias y movimientos.
Características generales del surrealismo: El surrealismo pictórico pretende visualizar el subconsciente del individuo en su estado puro, esto es, sin las trabas que le impone la razón y al margen de las represiones éticas y morales de los convencionalismos sociales.
El poeta francés André Bretón fue el fundador del movimiento en 1924, y pintores como Marx Ernst o Miró lo llevarán a la pintura, destacando en este ámbito la figura de Dalí.
Datos del autor: Salvador Dalí (1904-1989) es el principal representante de la pintura surrealista.Nació en Figueras, Gerona. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926 por su espíritu rebelde. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico GARCÍA LORCA, Luis BUÑUEL, Rafael ALBERTI y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas y su desmesurada afición por el dinero (A. Breton, haciendo un juego de palabras con su nombre, lo llamará "Avida Dollars")1. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método "paranoico-crítico", inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La Persistencia de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. En esa época trabajó para el cine (escenas del sueño en Recuerda, de Hitchcock). Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington).La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.
Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Actualmente en Figueras se encuentra el museo que lleva su nombre.
1
