ARAT de Sangre y Raza. Cía de danza.

FICHA

El Proyecto “ARAT” mostrará la evolución del flamenco desde sus raíces, partiendo de su origen en las danzas árabes del siglo XVII, pasando por los lugares y momentos importantes para esta Danza a través de poesías de grandes literatos, reconociendo a algunos de los más grandes artistas que el flamenco ha dado, para llegar al final al estilo lleno de matices y movimiento coreográfico que dan el sello a las creaciones de nuestro coreógrafo Juan Manuel Prieto.

La compañía “de Sangre y Raza” nace en 2014 para hacerse un hueco en el mundo de la danza española tras ganar con Raigambre el único premio de coreografía que se concedió en la XXIII edición del Certamen de Danza Española y Flamenco de Madrid celebrado dentro de la programación de la Suma Flamenca 2014. Tras nuestro primer año como compañía hemos decidido crear una segunda producción centrándonos esta vez en el mundo del flamenco.

Estilo: Flamenco y estilización (matices de clásico español y danzas árabes).

Número de bailarines: Ballet creado para 13 personas.

Músicas: Varios artistas: Daniel Yagüe, Silverio Franconetti, Sabicas, Lola Flores, Paco de Lucia, Camarón, Estrella Morente, Enrique Morente, Niña Pastori, Miguel Poveda, David Palomar, India Martínez…

Duración: 1 hora y 45 minutos aproximadamente.

Contacto Distribución: Isabel Rufino: endanza2005@yahoo.es TLN: 665592341 / 918085777

Comunicación: Roberto Pereira: comunicacion@desangreyraza.com TLFN: 697749867

Compañía: Carlos Fajardo: desangreyraza@desangreyraza.com TLFN: 679339875

COMPANÑ IÍA

Para “de Sangre y Raza” el año 2014 fue un año de experiencias y de crecimiento, pues nada más nacer como compañía, “Raigambre” (pieza de Folklore) nuestra primera coreografía en ver la luz fue seleccionada para el 23 Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco haciéndonos con el único premio a coreografía grupal que se otorgó en esa edición además de conseguir dos contratos de coreografía que otorgaba el jurado del Certamen (Compañía del CSDMA de Madrid y Compañía Flamenco Vivo-Carlota Santana en Nueva York) y el premio al mejor vestuario realizado por Carmen Granell.

Esto nos dio la energía necesaria para embarcarnos en el proyecto de nuestro primer espectáculo “de Sangre y Raza” con mucha más convicción que antes presentando un programa que recogía las cuatro disciplinas de la Danza Española y defender así nuestra premisa de que “la danza española en todas sus especialidades merece la oportunidad de ser mostrada al mundo”

Con un éxito notable en el estreno y una muy buena reacción del público empezamos a conseguir nuestros primeros contratos como compañía siendo seleccionados además por la red de teatros de Castilla-La Mancha para la programación de primavera 2015 de varios de sus teatros y a su vez moviéndonos como productora propia para poder sacar adelante nuestro sueño.

Es así que decidimos empezar a preparar una nueva producción, esta vez más centrada en el flamenco aunque con ciertos toques estilizados y modernistas y con algunas alusiones al origen árabe de esta danza. Nace así la idea de “ARAT” de "Fellah-Mangu” a Flamenco que mostrará un repaso histórico de la evolución del Flamenco desde su origen en las danzas árabes hasta su cara más actual sin olvidarnos de algunos de los más grandes artistas que este estilo ha dado. Reconociendo en la obra, a Granada y sus cuevas del Sacromonte como el germen de donde parte y se desarrolla esta Danza.

PROYECTO ARTIÍSTICO

Si hay alguna danza española que tiene su propia idiosincrasia en la historia de la danza Española, esta es el Flamenco. Tanto es así que en el año 2010, la UNESCO lo declara “Patrimonio Cultural inmaterial de la humanidad”, en cuya resolución afirma:

“El flamenco está hondamente arraigado en la comunidad que lo practica, fortalece su identidad y se transmite sin interrupción de generación en generación.”

La palabra “flamenco” referida al género artístico se remonta a mediados del siglo XIX. Sin embargo su origen etimológico, así como pasa con los orígenes del arte propiamente, son desconocidos. La corriente más aceptada hoy en día es la corriente del origen gitano-morisco, la cual sitúa el origen de este arte en la baja Andalucía como fusión de las culturas gitana, morisca, andaluza, judío sefardí y cristianos mozárabes. Según esta teoría, el origen de la palabra “flamenco” es la expresión árabe Fellah-mangu (ضرأ ريغ نم) que significa “Campesino sin tierra”, la cual hace una clara referencia a las culturas “marginadas” por la sociedad de entonces: Morisca y gitana.

La compañía de Sangre y Raza a través de nuestros estudios sobre el Flamenco tomamos esta teoría como referente para desarrollar nuestro espectáculo, y así lo bautizamos como “ARAT” termino caló que significa el ser, la existencia y la sangre, y el subtítulo “de Fellah-mangu a Flamenco”, alude a este origen de nuestro baile.

“ARAT” es un repaso historicista de esta danza, desde sus comienzos con mezclas moriscas del siglo XVIII hasta nuestros días, mostrando a través de las Danzas, el vestuario y la puesta en escena cómo ha evolucionado el arte Flamenco, no solo en los palos, sino en el entorno donde se representa, así como haciendo un sentido homenaje a muchas de las grandes figuras internacionales que al mundo del espectáculo y a la cultura en general ha aportado el Flamenco.

Coreográficamente vamos a mostrarles un “ciclo” ya que empezaremos escenificando lo que hoy conocemos como flamenco, mostrando el extremo más actual y estilizado y enfocando la danza al aspecto más teatral del mismo, con un concepto de espacio escénico e iluminación teatral lleno de dramatismo, movimientos y figuras coreográficas propias del s.XXI. Tras esta presentación a modo de obertura daremos un salto en el tiempo y nos trasportamos al siglo XVII, presentando uno de los más posibles orígenes del flamenco: las danzas de los árabes que se asentaron en la baja Andalucía. Escenificaremos cómo estos bailes pudieron transformarse a lo largo de 5 siglos, para hacer un repaso a la vida de nuestro arte más antiguo tanto en lo coreográfico como en lo musical, tratando de mostrar la evolución del mismo y terminando de nuevo con el flamenco más actual que vimos en la primera escena.

Con este “ciclo” queremos representar que es lo que somos actualmente y de dónde venimos.

0. OBERTURA. S. XXI: FARRUCA El flamenco actual recoge nuestras raíces más profundas y nutriéndose de ellas

escenifica danzas más teatralizadas, con movimientos coreográficos más actuales y contemporáneos. Así en esta obertura, una farruca con tintes musicales árabes es bailada por toda la compañía en escena con un marcado acento estilizado y más propio del siglo XXI.

Esta coreografía representa lo que somos en la actualidad y termina en un “flash-forward” que nos lleva a nuestros orígenes, la España mitad musulmana mitad Cristiana. Aquella donde en el Al-Ándalus, se produce la mezcla de culturas que con sus diversas tradiciones ha forjado nuestro pueblo y sus costumbres.

1. RABAD / ARRABÁD / ARRABAL. S. XVII Las siluetas de las bailarinas aparecen en escena formando diversas figuras geométricas portando unos candiles y danzando una pieza más árabe que flamenca que nos cuenta uno de los más factibles orígenes del flamenco y el que hemos tomado como nuestro para esta pieza.

En su danza con pasos árabes mostrarán un ir y venir de figuras geométricas de la cultura morisca.

2. CUEVAS DEL SACROMONTE. S. XVII: ZAMBRA MORA

Entramos en las famosas cuevas del Sacromonte de Granada, un barrio donde los gitanos se asientan huyendo del orden administrativo y del orden local impuesto por la administración Cristiana. Este barrio, colindante con el barrio musulmán del albaicín se puede considerar el germen de nuestro baile, ya que es aquí donde gitanos y moriscos se entremezclan y lo fusionan. Representaremos la célebre conocida Zambra, cuyos orígenes se cree que son la evolución de las anteriores danzas moriscas. Estas zambras se bailaban con los pies descalzos sobre el suelo, con instrumentación de la época y con faldas con amplios pliegues para hacerlas flotar en el aire y aseguradas a la altura de las caderas

3. PATIO ANDALUZ. FINALES DEL S. XVIII: BAILES DEL CANDIL

Entramos en los mundos del principio del flamenco más popular, en los patios de las casas andaluzas. Los bailes del candil era una antigua fiesta campesina en la que, aunque predominaba la juventud, se hacía presente toda “la comunidad”. Son fiestas totalmente ritualizadas que se hacían al aire libre cuando el tiempo lo permitía y donde, al caer la tarde, se reunían para pasar la velada y allí mismo se arrancaban a cantar, tocar y bailar, cada uno en su estilo y a su modo, y donde compartían sus artes y sus conocimientos hasta la caída de la noche a la luz de los candiles. De ahí tomaron sus nombres como bailes de Candil.

La finalidad de estas fiestas era la de entablar relaciones de amistad entre los jóvenes de distinto sexo y para los padres, buscar los posibles acuerdos nupciales. Es por esta razón, por lo que toda la velada estaba supervisada por los padres de los jóvenes con ritos absolutamente estipulados, como el llamado “abrazo ritual” donde cada bailaor tenía el derecho a dar un abrazo a la bailaora con la que hubiera bailado, pero este abrazo no podía pasar de ser un abrazo estilizado, poniendo los brazos sobre los hombros de la mujer. Si alguno excedía de este abrazo corría la suerte de ser expulsado de la velada por “la comunidad”.

En esta pieza veremos cómo el folklore fue dando paso a danzas más aflamencadas y boleras, como era propio en la época, a través de bailes individuales y grupales, que en el ambiente de la corrala y con la intimidad del final de la tarde improvisaban.

© LIFE

Estas fiestas tenían generalmente un final violento, ya que por lo general el ambiente se caldeaba por el alcohol. Es por esto que el organizador de la velada golpeaba el candil y lo tiraba al suelo, provocando el final de la luz para que toda “la comunidad” abandonará el lugar.

4. CAFÉS CANTANTES. FINALES S.XIX Y PRINCIPIOS S. XX: SEGUIRIYA

El siguiente paso en la evolución del flamenco fue acercarlo al público de las ciudades, las cuelas comienzan a abrirse a la cultura y a sentirse cada vez más atraídos por el ocio y el mundo del espectáculo.

Podemos decir que en este momento el flamenco pasa de ser simplemente una manifestación cultural y social a transformarse en parte de las artes escénicas y por tanto comienza a profesionalizarse.

Con la llegada del s. XIX nace la bata de cola, y hemos creído muy importante el uso de la misma en la coreografía representado. Así la bailaora, inspirándonos en “La Macarrona” bailará las famosas “Seguiriyas de Silverio” en el café cantante del mimo nombre.

5. LAS ÓPERA FLAMENCAS. PRIMERA MITAD DEL S.XX: SOLEARES Con el cierre de los cafés cantantes en los

años 20, los espectáculos flamencos pasaron a celebrarse en plazas de toros o pequeños teatros. Fue una época abierta a la creatividad y que conformó definitivamente la mayor parte del repertorio del flamenco. La coreografía cambia para mostrarnos una imagen grupal, en el que las bailarinas del cuerpo de baile nos mostrarán los principios de los dibujos coreográficos en escena, con unos Soleares de “La Niña de los Peines”.

6. LA MUERTE DE LORCA: AÑO 1936. S. XX: POESÍA COREOGRAFIADA

Federico García Lorca, puede considerarse el gran defensor del Flamenco y del pueblo gitano y su asesinato en los albores de la guerra civil española, una gran pérdida para la raza. Un cambio musical y una iluminación escénica en la que primará la oscuridad y la penumbra presentarán esta escena en la que la coreografía reflejará el sentimiento de pena y transición que vivieron tanto el pueblo como el flamenco en sí mismo, llevando al espectador a vivir con ellos este periodo tan oscuro representado esta vez con un baile de los llamados “libres”.

7. POSTGUERRA: EL EXÍLIO DEL FLAMENCO

A causa de la situación creada en nuestro país por la guerra civil, los artistas españoles se vieron obligados a exiliarse y buscar un futuro tanto en Europa como en tierras americanas. Fue así como el flamenco empezó a internacionalizarse y comenzó a ser apreciado y muy valorado en Sudamérica, donde triunfaron tanto los palos más tradicionales como aquellos que llamamos “cantes de ida y vuelta” por su carácter de mezcla con las culturas folklóricas y los ritmos propios estos países. Ritmos como las Rumbas, las Milongas, las Guajiras o las Colombianas harían a estos pueblos sentir una conexión con nuestro arte más arraigado.

Representamos así una Guajira de “La Niña de la Puebla” que mostrará una vez más en

escena las famosas batas de cola que tanto furor causaban en las giras internacionales de las compañías flamencas, añadiendo además otros de los elementos más propios de este arte como son el abanico o las castañuelas.

8. EL FLAMENCO EN EL CINE. HOMENAJE A LOLA FLORES : AÑOS 50 S. XX: LA COPLA

Lola Flores fue una de las imágenes más carismáticas del flamenco como cultura. Ella bailaba, cantaba, actuaba… y todo ello lo hacía con una firma y carácter propio. Con una de las canciones que más famosa la hicieron, el lerele” mostraremos una imagen de cómo el flamenco se hizo un hueco en el mundo del cine y de la televisión de principios del s. XX.

9. HOMENAJE A ANTONIO EL BAILARÍN. AÑOS 50-60 S. XX: LA CAÑA Podemos decir que Antonio Ruíz Soler fue el

padre de la danza española en lo que a la danza del hombre se refiere. Él fue el primero en adentrarse en los nuevos conceptos de creación y coreografía y uno de los estandartes de esta danza en todo el mundo. Creador de grandes ballets de repertorio de la danza española como Sombrero de Tres Picos es uno de los pilares de inspiración para nuestro coreógrafo.

En este homenaje intentaremos hacer un estudio del estilo que marcó la vida artística de este bailarín y creador para acercar al público un poco más de su trayectoria, representando una Caña, que nos recordará al famoso vídeo con Capa y sombrero que el maestro representó y que tanto le caracterizaba.

10. ALEGRÍAS DE CAMARÓN: AÑOS 69. SIGLO XX: ALEGRÍAS

Puesto que el Flamenco no es solo baile, sino que viene del Cante y del Toque, no podemos dejar de hacer una alusión a las 2 grandes figuras que marcaron el Cante y la Guitarra a finales del siglo XX, como fueron Camarón de La Isla y Paco de Lucía.

Tomaremos para este Homenaje una de sus más conocidas Alegrías, “Las Alegrías del Barrio de Santa María”, compuestas en Homenaje a dicho barrio por su reconstrucción en la postguerra.

La coreografía mostrará un elenco de mujeres cuya danza y vestuario nos recordarán los cuadros Flamencos que podían acompañar a estos músicos

11. HOMENAJE A GADES: AÑOS 70 S. XX: FARRUCA

Además de Antonio “el Bailarín” otra de las grandes figuras de la danza española y el flamenco es Antonio Gades. Entre los dos firmaron lo que hoy consideramos las bases de la escuela pero Gades irá un paso más allá en su carrera como creador y coreógrafo al llevar sus creaciones por todos los grandes teatros del mundo e incluso dando el salto al mundo del cine de la mano de Carlos Saura en películas como El Amor

Brujo, Carmen o Flamenco.

Con esta Farruca, mostraremos un Gades que evoluciona, saltándose los cánones establecidos para crear un Flamenco que sabe nutrirse del Ballet Clásico y de la Danza Contemporánea, representando un solo, que se convertirá en un paso a dos, llevando al escenario a la figura de una de sus más conocidas parejas artísticas: Cristina Hoyos.

12. DEMOCRACIA ESPAÑOLA. FINALES S. XX: TANGOS Y BULERÍAS

A finales del siglo XX el flamenco empezó a experimentar una evolución muy amplia y veloz, dejándose influenciar por las diferentes corrientes artísticas que lo rodeaban y de otras disciplinas de la danza (contemporáneo, clásico, moderno…) así como de las innovaciones técnicas en lo que al mundo escénico se refiere. Nace así el concepto más actual del flamenco y lo que hoy conocemos como tal.

Esta etapa nos presenta también a grandes figuras no sólo en el baile sino también en el cante y en el toque, y que no debemos dejar de lado como son Paco de Lucía, La Familia Morente, Joaquín Cortés.

Miguel Poveda, Sara Baras y David Palomar. En esta pieza veremos de una manera fresca e innovadora cómo estos jóvenes artistas han dado un aire nuevo al flamenco, aunque bebiendo claramente de sus antecesores.

13. FLAMENCO DRAMÁTICO: S. XXI: NANA DEL CABALLO GRANDE

Una de las nuevas corrientes del Flamenco y de la danza en general ha tratado de incorporar al baile una carga dramática y una temática con carga social. Con esta nana de India Martínez, que en su momento representó Camarón, y que lleva al Flamenco esta poesía de Lorca, presentamos al espectador un paso a dos dramático que nos adentrará a la actual problemática sobre la violencia de género.

14. FLAMENCO ACTUAL: S. XXI: SOLEÁ POR BULERÍAS

Tras mostrar un recorrido por la historia del flamenco y haber hecho alusión a grandes figuras de todas las disciplinas de este arte, es el turno de sacar a relucir todo lo que nos define como compañía cerrando el espectáculo con una pieza del más puro estilo de nuestro coreógrafo, llena de movimiento en escena que trataran de mantener al público expectante hasta el final de la pieza.

A lo largo de la obra vamos a adentrarnos en los distintos espacios donde el Flamenco ha sido representado y donde ha evolucionado constantemente. Esta representación de los espacios va a ser narrada y representada de forma conceptual, una forma más propia del teatro actual, de manera que el espectador pueda situarse en un espacio y una época. La iluminación, los sonidos ambientales y algunos elementos de escenografía se darán la mano como fuentes creadoras en gran medida de dichos espacios, tanto en los exteriores, como los interiores.

Empieza el espectáculo en la época actual, donde el Flamenco se baila en los grandes escenarios con una iluminación más arriesgada. En nuestro caso, representaremos con cámara negra y una iluminación a base de ambientes y calles que moldean perfectamente la anatomía y los movimientos de los bailarines jugando con las sombras que los propios bailarines se producen a sí mismos o a sus compañeros y haciendo aparecer y desaparecer a los bailarines con la propia luz, algo muy característico de la forma de diseñar de Carlos Fajardo.

Al terminar la coreografía suena una llamada a la oración de una mezquita musulmana. Durante la llamada y creando un “flash forward” el fondo negro del escenario se abre a modo de diafragma cinematográfico y nos traslada a una noche estrellada en cualquier ciudad de la baja Andalucía. Una época, marcada en gran medida por la gran población morisca, representada por una danza estilizada, cuya música y baile están impregnados de esta influencia morisca. Las bailarinas no solo están vestidas de la época sino que portan faroles propios

de esta cultura.

Durante la oración comenzará un amanecer, como símbolo del nacimiento de nuestra cultura y nuestro arte. Este amanecer estará representado con un ciclorama, cuya iluminación al igual que ocurre en el sur de España y en el norte de África, convierte el cielo de un azul oscuro, pasando por los rojos propios de los primeros rayos de sol, a un cielo color fuego.

Montaje “de Sangre y Raza”

Un oscuro acompañado de la poesía en off “Granada, Elegía humilde” nos servirá de transición de época ya que nos traslada a finales del siglo XVII en la misma ciudad de Granada, cuna del cante jondo y del flamenco más racial, que desde tiempos inmemorables, se baila directamente en el suelo -como sigue haciéndose en la actualidad - por los gitanos en sus famosas Cuevas del Sacromonte. Una época donde estas cuevas tal y como son en la actualidad, eran espacios pequeños con el techo muy bajo, lo cual se va a representar reduciendo el espacio del escenario a través de bambalinas. Además eran lugares oscuros, iluminados por velas y fuego tal y como se podrá apreciar en la iluminación, ya que está se basará en iluminación lateral que entra al escenario a través de reflectores en movimiento para, tal y como se hacía en el teatro antiguo, crear el efecto de fuego que se mueve.

Renderizado para ARAT de las Cuevas del Sacromonte

Renderizados del diseño de Iluminación para el inicio de “ARAT”

Grabado antiguo zambra gitana

3 estrofas de la poesía “Granada, elegía humilde” seguidas deñ sonido de campanas de iglesia nos vuelve a trasladar de época, recordándonos que la población morisca prácticamente ha desaparecido. Nos encontramos en una noche de un patio andaluz en la Granada del siglo XVIII, lugar desde donde este baile comienza a extenderse al resto de las culturas. Siendo una época totalmente cristiana veremos que el espacio está cerrado a través de una reja de inspiración árabe, al igual que ocurre actualmente en cualquier pueblo andaluz. Los bailes que veremos son ya los palos más tradicionales del flamenco, perdiendo la música esa gran influencia morisca.

A Finales del siglo XIX y hasta los años 20 del siglo XX aparecen los cafés cantantes, donde nuestro baile más universal empieza a consolidarse como foco de atracción turística y símbolo del país a través de grandes figuras que se hacen mundialmente conocidas.

Los sones de una guitarra Española y una voz en off nos taslada de época y ha estos cafés cantanes, justo al Café de Silverio.Es aquí donde veremos a “La Macarrona” en un esdpacio que recrea los escenarios de estos cafés cantantes, iluminado, como se hacía en la época, con candilejas en forma de concha de metal.

Renderizado para ARAT de una noche en un patio andaluz Patios andaluces

Renderizado para ARAT de un café cantante

Grabado antiguo café cantante

El asesinato del poeta Federico García Lorca, y en extrapolación, hablando de los horrores de una guerra civil sin sentido nos trasporta a una escena en penumbra, mientras una mujer gitana enlutada, a modo de plañidera, llora la muerte del poeta, con un baile “libre” que acompaña a los versos que escribió Machado “La muerte fue en Granada”. Este baile se enmarcará entre 4 velas que los gitanos colocan en homenaje al gran literato.

Cuando termina la Plañidera el telón de boca del escenario se cierra, sube la luz de sala y nos encontramos en un pequeño Teatro de los años 20. Con un sonido ambiente de sala de Teatro con público, nos encontramos al encender la luz de las candilejas en un teatro pequeño de los años 20. Seuna la música, sube el telón y empieza un baile grupal de batas de cola sin ninguna pretensión lumínica, más que el poder ver a las bailarinas y sus vestidos.

Renderizado para ARAT de las óperas Flamencas

Cuadro de ópera Flamenca

Renderizado para ARAT de una plañidera

Termina la función y se apaga la luz del teatro. A continuación se enciende todo el escenario en Blanco y vemos a técnicos montando un set de Rodaje. Nos hemos trasportado a una grabación de un film de Lola Flores, que como era habitual, recreaban los espacios de los años 20. Así estamos de nuevo en un Café cantante, pero esta vez iluminado con focos propios de una película. El director se sienta en su silla, los focos de la época, fresnel antiguos, se colocan en su sitio y en off oímos la célebre frase que marca el inicio del rodaje. “luces, motores, cámara y acción”. El ayudante de cámara se acerca al proscenio y con una claqueta de la época inicia el rodaje en sí mismo

Termina el rodaje y un bailarín, haciendo un homenaje a Antonio “El bailarín” sale al centro del proscenio del escenario iluminado solo con luz blanca de focos PAR mientras el escenario atrás en oscuro se convierte en na cámara negra de un escenario de los años 60. Una época donde empiezan a aparecer las grandes figuras de este baile. Una vez que el escenario se ha desmontado, se ilumina todo el escenario con luz blanca de focos PAR. Una iluminación sin pretensiones escénicas y sin ningún concepto teatralizado del uso de ésta, siendo tan básica que se llegan a ver los focos que iluminan el escenario.

Una vez que con Antonio nos hemos trasportado a un escenario teatral, las siguientes escenas va a trascurrir siempre en dicho espacio. Sin embargo, aún situándose en el mismo emplazamiento, cada una de ellas corresponden a décadas distintas, por lo cual van a estar iluminadas al estilo y con el material de cada una de esas épocas. Así vamos por los espacios que Saura reflejó en sus películas, con esas tonalidades ámbares en los fondos, en las Alegrías de Camarón, a una iluminación más teatralizada en La Farruca de Gades y terminando en la democracia con la incorporación de la luces inteligentes, el uso del color excesivo y de los patrones de dibujos llamados Gobos, que nos va a trasporta a los años Pop de España.

Renderizado para ARAT de un rodaje de época

Fotografía de época de Antonio “El Bailarín” Renderizado para ARAT de “La caña” de Antonio

Durante estos últimos bailes, más teatralizados y con un concepto del espacio y el movimiento escénico más actual vamos a ver como las luces y en general toda la parte técnica y avances en el teatro, se ponen a disposición del espectáculo, ayudándolo, apoyándolo y sobretodo participando como un elemento más dentro del sentido dramático y estético de un baile que empezó siglos atrás como una muestra de la alegría y las penurias de las razas más desfavorecidas del país.

Fotografías Reales

Renderizados para ARAT

Tras esta etapa el fondo negro del escenario sube y nos encontramos en el siglo XXI., donde los nuevos coreógrafos están emergiendo, con un sentido de la danza más contemporáneo y con un estudio de la iluminación mucho más elaborado. Volvemos entonces a esa iluminación que vimos al principio, donde los contraluces, la iluminación de calle y la ausencia o casi ausencia de la luz frontal crean volúmenes y formas muy teatralizadas y contemporáneas.

Cuando termina esta coreografía, el fondo negro se vuelve a cerrar, pero igual que hicimos al principio, imitando a un diafragma cinematográfico, y así completar el ciclo que representamos, ya que con este cierre y sonando la misma farruca que oímos en la primera escena, volvemos al final de esa coreografía a modo de “Bis”.

Montaje DSYR

Al ser ARAT un espectáculo que crea una línea historicista, nuestra diseñadora de vestuario Carmen Granell ha hecho un profundo estudio de colores, tejidos y diseños mediante un intenso trabajo de investigación que efectuó en paralelo al que hemos desarrollado con la coreografía, el sonido y el diseño de escena. En ARAT podremos encontrar piezas de vestuario que reflejan de un manera muy fiel cada una de las etapas de la historia del flamenco que vamos mostrar. Empezando por sus orígenes en las prendas de los gitanos zíngaros que llegaron a España y se asentaron en las cuevas del sacromonte, nos hemos encontrado con la parte más compleja de desarrollar dentro del proyecto completo, puesto que nos situamos entorno al s.XVII, donde obviamente aún no existía la fotografía, y hablamos de un pueblo con pocos medios por lo que tampoco existen cuadros de la época que reflejen detalles de dicha sociedad. Tan solo a través de algunos grabados y guiándonos por los textos de algunos historiadores que reflejan sus escenas costumbristas, llegamos a la conclusión de que durante varios siglos, el pueblo gitano se asentó en la península sin apenas variar sus costumbres ni sus ropajes. Esto también puede apreciarse en las fotografías de etapas posteriores que seguirán siendo prácticamente idénticas. Es por esto, por lo que Carmen Granell se ha basado en estas fotografías para poder recrear nuestro vestuario, el cual, aun adaptándose ligeramente a los tiempos y a las necesidades del cada baile, toma de esta raíz de juegos de texturas y colores y la usa a lo largo de varios siglos:

Considerada la primera imagen tomada a los gitanos andaluces

Igualmente sucederá con las etapas inmediatamente posteriores como los Bailes del Candil o el inicio de los Café cantantes, puesto que hasta finales del s.XIX no aparece la fotografía. Serán los oleos de los pintores costumbristas de la España de la época los que nos darán las pistas para desarrollar estas escenas tan características y llenas de matices, texturas y complementos al vestuario.

Mujeres gitanas de distintos países

También, a lo largo de la obra vamos a ver la evolución de una de las prendas más características y mundialmente conocidas del Flamenco, la bata de cola, ya que a lo largo de una hora y media se va a mostrar 3 tipos de esta, desde una bata de finales del XIX hasta lo que en el siglo XX y el s.XXI, conocemos como bata. Entrado el siglo XX el diseño de vestuario será más actual y en esta etapa, Carmen Granell tratará de transportar al espectador a un momento y un lugar concreto inspirándose en fotografías y videos de los diferentes capítulos de la historia para llegar por fin al sXXI donde Carmen tendrá total libertad creativa y donde las líneas minimalistas dan lugar a dos diseños muy particulares que muestran en dos ejemplos completamente diferentes la esencia pura de la danza española y el flamenco actuales, siendo el primero de líneas muy sencillas y corte muy contemporáneo y mostrando el segundo unos más tintes flamencos pero dentro de esta simplificación del diseño que define la corriente más contemporánea de los diseños actuales.

Óleos costumbristas del pueblo Gitano

FOTOGRAFIÍAS:

PRENSA:

Crítica de Gemma Ortega

EQUIPO ARTIÍSTICO: Idea original de Juan Manuel Prieto y Carlos Fajardo.

Dirección: Juan Manuel Prieto - Carlos Fajardo.

Dirección artística y coreografía: Juan Manuel Prieto.

Diseño de Producción y dirección escénica: Carlos Fajardo.

Asistente de dirección: Roberto Pereira.

Asistente de dirección de arte: Carla Navas.

Diseño de Vestuario: Carmen Granell.

Figurinista: Juan Berlanga.

Diseño de Iluminación: Carlos Fajardo (AAI).

Diseño de sonido: Juan Rivas.

BAILARINES COMPAÑÍA:

José Alarcón, Juan Carlos Avecilla, Juan Berlanga, Daniel Cabezuelo, Alejandro Cerdá, Lorena Díaz, Laura Fúnez, María Martín, Lucía Martínez, Crístel Muñoz, Alejandro Muñoz, Alba Ríos, Elisa Suárez y Sou Jung Youn

EQUIPO TEÍ CNICO Distribución: Isabel Rufino

Jefe técnico: José Ramón Díaz.

Secretaria dirección/Coordinación: Mayte Picot

Maquinista: José Ramón Díaz.

Técnico de iluminación: Carlos Fajardo.

Técnico de Sonido: Juan Rivas.

Comunicación: Roberto Pereira.

C.V.’s

Juan Manuel Prieto

Durante sus estudios se forma con maestros clásicos como Mar Mel, Julia Estévez o Gonzalo Zaragoza. Paco Pozo, Maleni García o Gloria López serán sus maestros de Danza Española y Escuela Bolera. Merche Esmeralda, Beatriz Martín o “Currillo”, grandes figuras del flamenco y Arantxa Carmona en Folklore o Gloria García como maestra de Contemporáneo. Igualmente realiza distintos cursos con maestros como Rocío Molina, Antonio Najarro, Daniel Doña, Francisco Velasco.

Formando parte de la compañía-taller “Larreal” participa en festivales internacionales como; el IV Festival Internacional de Ballet de Cali y en el teatro principal de Bogotá (Colombia), y en el Festival Internacional de Danza y Arte de Querétaro 2011.

Su vida profesional empieza en el Ballet Flamenco de Madrid como solista en los espectáculos de “Carmen” y “España Baila Flamenco”. Con posterioridad trabajará en el Ballet Flamenco de José Greco, representando la Ópera Flamenca de “Carmen”.

Además es el maestro de Danza Española y Flamenco en la escuela “Alegría” (Japón) dirigida por Mari Fujimura.

Carlos Fajardo (A.A.I)

Estudia Licenciatura del arte en la universidad de Granada y se gradúa como Técnico superior en Imagen en la escuela C.E.V durante los años 2001 al 2003, obteniendo la mayor puntuación de toda la promoción.

El primer encargo importante viene de la mano de la compañía “El Duende Teatro” con el montaje “Dile a mi hija que me fui de viaje”, que le lleva a estar incluido en la primera ronda de los premios MAX al mejor diseño de

iluminación del año 2008.

En el 2011 diseña la puesta en escena y la iluminación de la gira internacional “Mundo Abisal” de Jorge Drexler, que implica el reconocimiento internacional de público y crítica. A este diseño les siguen el diseño de iluminación y puesta en escena de las giras mundiales “Bailar en la Cueva” en 2014 y “Perfume” en 2015 para el mismo cantante.

Destacan además, los diseños del musical “West Side Story” para el Teatro Nacional Sucre de Ecuador dirigido por Chía Patiño y de la obra de teatro “Las Burladas por Don Juan”, que recibe el premio de la ONU-Mujeres en su campaña “El valiente no es violento”.

Actualmente compagina sus diseños de Teatro y musicales en América y Europa, junto con los diseños y dirección de “de sangre y Raza”.