1 Arts & Crafts

LA FORMAEN LAHISTORIADELDISEÑO

los comienzos | arts & craft, deutches werkbund 4

la forma pura | bauhaus, constructivismo 8

las nuevas formas | art decó, aerodinamismo 14

forma y estilo | art nouveau, jungenstil 18

el color y la forma | de stijl, pop 22

las formas naturales | diseño orgánico 26

forma y función | estilo internacional 31

la actualidad | postmodernismo 34

Indice

Impreso en:Imprenta BarcinovaC/. Torres dels Pardals, 13. Castellar del Vallés93.123.12.12Barcelona

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Arte y artesanía, oficio y diseño de natura-leza viva, armonía y belleza como resumen.

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del E zzl movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo.

Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herber

Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del E zzl movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al

Arriba: Detalle de estampado para obra textil de Morris. (1892)

Arriba: Detalle de estampado para obra textil de

Arriba: Detalle de estampado para obra textil de Morrris. (1892)

Detalle de estampado. Morris, 1932 Detalle de

estampado. Morris, 1932

Arts & Crafts Arts & Crafts76

Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente im-portante de teoría, como todos los Vmovi-mientos de principios del siglo XX. Entre es-tos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Lo que antes se veía como una restric-ción es ahora una virtud, especialmen-te a partir de 1914, cuando la nece-sidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de la eriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base esté-tica del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Lo que antes se veía como una res-tricción es ahora una virtud, especial-

tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era “Vom Sofakissen zum StädteBuscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de Avocultor ina, es et rei publientea ium invoculus bon senam, Catuid adhum priostus videndacta remnihilia? Picero tabus facerfecta, ducis hos et rebat, con ponteresideteoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vincula-ban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente impor-tante ponteresideteoría,Como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento.

Detalle de puertaen Hotel,Bruselas

Cartel anunciador.

Prototipo de ventilador AEG

El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios tra-dicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciuda

mente a partir de 1914, cuando necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios

Carta original de la Escuela Bauhaus.

98 Arts & Arts & Crafts

Así, las clases fue-ron ofrecidas en los artes, tipografía, y diseño comercial e industrial, así como en escultura, la pintura, y la configu-ración.

El propósito era defender principios más vanguardistas como que la ar-quitectura y el arte debían responder a las necesidades e in-

fluencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agrada-ble en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

Arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, Gropius, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Institu-to de Diseño.

Esquema y síntesis como base para una reali-dad generacional de escuelas formativas.

Objeto deorativo

Cartel V & A

La Escuela Bauhaus, es una escuela donde se enseñaba un estilo de arquitec-tura diferente a las demas. La palabra Bauhaus proviene del término alemán Bau (construcción) y haus (casa). Fue fundada en Weimar, Alemania en 1919 por el arquitecto Wal-ter Gropius que pre-tendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios.

El movimiento sostenía que el arte

debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distin-ción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria.

Las Influencias del mundo industria-lizado, moderno y que deben pasar los buenos diseños la prueba de ambos estándares estéticos.

Pieza original de Walter Gropius, Berlín 1923.

Carte original de la Escuela Bauhaus.

10 11 Arts & CraftsArts & Crafts

En la butaca Grand Confort, destaca el contraste entre lo orgánico de su respaldo y

asiento con la estructura que lo sostiene.

El sofá Tatlin está inspirado en la Torre Tatlín, sím-bolo soviético de la escultura constructivista. Está realizado en dos módulos intercambiables.

La silla Wassily, es sin duda un icono del diseño constuctivista, aún hoy diá sus ventas siguen siendo elevadas.

La Chaise Longe de Le Corbusier, está formada por una estructura de et eos dolupture ne omni rerchil latetur aligenis alit labore doloria estiatecatat quo-disc itatur anderem qui doluptat eos esequo mi, sin

La Chaise Longe de Le Corbusier, está formada por una estructura de et eos dolupture ne omni rerchil latetur aligenis alit labore doloria estiatecatat quo-

disc itatur anderem qui doluptat eos esequo mi, sin

La principal característica de la silla Bar-celona es sin duda la introducción de la novedad del uso de las barras de acero

Era una escuela donde se enseña-ba un estilo de arquitectura dife-rente a las demas. La palabra Bau-haus proviene del término alemán Bau (construcción) y haus (casa). Fue fundada en Weimar, Alemania en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios.

El movimiento sostenía que el arte debía responder a las nece-sidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilita-ria.

Influencias del mundo industriali-zado, moderno y que deben pasar los buenos diseños la prueba de ambos estándares estéticos e ingeniería sana. Así, las clases fueron ofrecidas en los artes, tipografía, y diseño comercial e industrial, así como en escultura, la pintura, y la configuración.

El propósito era defender princi-pios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

Arquitectos y artistas sobresalien-tes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, Gropius, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo principios de la Bauhaus), el pintor estado-unidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer. En 1928 abandona Gropius la escuela, sucediéndole, primero Hannes Meyer y después, en

Era una escuela donde se ense-ñaba un estilo de arquitectura diferente a las demas. La palabra Bauhaus proviene del término alemán Bau (construcción) y haus (casa). Fue fundada en Weimar, Alemania en 1919 por el arquitec-to Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios.

El movimiento sostenía que el arte debía responder a las nece-sidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilita-ria.

Influencias del mundo industria-lizado, moderno y que deben pa-sar los buenos diseños la prueba de ambos estándares estéticos e ingeniería sana. Así, las clases fueron ofrecidas en los artes, tipografía, y diseño comercial e industrial, así como en escultura, la pintura, y la configuración.

El propósito era defender prin-cipios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesi-dades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

Arquitectos y artistas sobresa-lientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, Gropius, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo principios de la Bauhaus), el pin-tor estadounidense Lyonel Fei-ninger y el pintor alemán Oskar Schlemmer. En 1928 abandona Gropius la escuela, sucediéndole,

Arts & Crafts 12 13 Arts & Crafts

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitec-tónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Oc-tubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moder-no, que separa el arte “puro” del arte usado como instru-mento para propósi-tos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista.

El término Cons-truction Art (arte de construcción) fue utilizado por primera vez en forma despec-tiva por Kasimir Ma-levich para describir el trabajo de Alexan-der Rodchenko en 1917.

•

Inicios [editar]

Constructivismo aparece por pri-

mera vez como un término positivo en Manifesto Realista de Naum Gabo en 1920. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Constructivism a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al Supre-matismo de Kasimir Malevich.

La base de ense-ñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comi-sariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del go-bierno bolchevique, a cargo del Minis-terio de Cultura y Educación dirigido por Anatoli Luna-charski que suprimió la vieja academia de Petrogrado de Bellas Artes y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arqui-tectura en 1918. La oficina artística del Comisariado funcio-nó durante la Guerra

Civil rusa principal-mente dirigida por futuristas, que publi-có el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la es-cuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo señaló más adelante que la enseñanza en la es-cuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística.

Tatlin, ‘arte cons-tructivo’ y produc-

tivismo [editar]La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Tatlin para el Monumento a la III Internacional (1919) que combina-ba una estética de máquina con com-ponentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pan-tallas de proyección. Gabo criticó pública-mente el diseño de Tatlin diciendo O se crean casas y puen-tes funcionales o el puro arte por el arte, pero no ambos. Esto llevó a una división importante dentro del grupo de Moscú en 1920 cuando el Manifiesto Realista de Gabo y Pevsner afirmó la existencia

de un núcleo espiritual para el movimiento. Esto se oponía a la versión del constructivis-mo adaptable y utilitaria que sostenían Tatlin y Rodchenko. La obra de Tatlin fue inmediata-mente alabada por artistas en Alemania como una revolución en el arte: una foto de 1920 muestra a George Grosz y John Heartfield sosteniendo una pancarta dicien-do ‘El arte está muerto - Larga vida al arte de la máquina de Tat-lin’, mientras que los diseños para

la torre se publicaron en la revista de Bru-no Taut Fruhlicht.

Arte al servicio de la revolución [editar]

Así como estuvieron envueltos en traba-jos de diseños indus-triales, los Construc-tivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revo-lución Bolchevique post-Octubre. Quizás el más famoso de esos se dio en Vite-bsk, donde el grupo UNOVIS de Malevich pintó placas de pro-pagandas y edificios (el más conocido era el poster de Lissitzky: Golpea a los blancos con la cuña Roja (1919). Inspirado por la declaración de Vla-dimir Mayakovsky “las calles nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas”, artistas y diseña-dores participaron en la vida pública

La Escuela Bauhaus pasó por varias etapas

relacionadas con sus respectivos directores.

Escultura constructivis-ta en papel y cartón.

Diseño original constructivista.

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Arte y artesanía, oficio y muestra de naturalidad,

armonía y belleza como expresión idealista.

Arts & Crafts

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominacio-nes: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Ju-gendstil (en Alemania y países nórdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernismo (en España). Si bien existe cierta relación que los hace recono-

que Vpredomina la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorpo-ran novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en La arqui-tectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.

cibles como parte de la misma corriente, en cada El país su desarrollo se expresó con características distintivas. Se distin-gue por su creatividad, el gusto por lo refinado, el deseo de salir de la realidad cotidiana y de conocer otras culturas y costumbres.

Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la

En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequi-bles a toda la población (socialización del arte),

Aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva.El modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. A menudo los artistas modernistas son artistas “integrales”.

Lo nuevo como novedad y tendencia en la Eusropa más actual de incios de siglo XIX.

Dibujo a dos tintas (1926)

16 17 Arts & CraftsArts & Crafts

El modernismo tuvo su mayor auge entre los años 1892 y 1902. Se considera que las primeras pinturas modernistas se encuentran en el Castillo de Roquetai-llade (Francia). Eugène Viollet-le-Duc restauró el casti-llo en la década de 1850 y aun cuando su ideal para el torreón del castillo era producir una recreación gótica, la imitación dio lugar a frescos que son ejemplos del un estilo germinal modernista, arguyéndose a la vista vde sus movimientos orgánicos.

Los colores y la gra-cia de sus formas. La primera señal evidente del movi-miento. modernista se puede reconocer en la década de 1880 en un conjunto de diseños progresistas tales como el diseño para la tapa del libro publicado en 1883.

El diseñador y arqui-tecto Arthur Mac-kmurdo que hizo en referencia a las iglesias diseñadas por Sir Christopher Wren.

Se puede aducir también la ten-dencia en algu-nos diseños de hierro forjado con formas flotantes libres, o algunas diseños textiles florales, la mayo-ría de los cuales poseían algún ím-petu derivado de los patrones del diseño victoriano.

La libertad vindi-cada en la década de 1890 por los artistas de las distintas sece-siones ocurridas en las distintas ciudades euro-peas dio sustento ideológico y visi-bilidad pública al movimiento. Un punto destacado en la evolución del modernismo fue la Exposición

Portal modernista

Casa Betlló, Barcelona

Potal modernista, Paris.

Universal de París del 1900, en la cual el modernismo triunfó en cada medio expuesto. De todos modos se puede decir que alcan-zó su apogeo en la Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín.

Italia, donde los diseña-dores exhibieron obras de todos los países europeos donde el modernismo floreció. El movimiento hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialv-mente el amplio uso del hierro expuesto –aprove-chándolo más allá de su función arquitectónica.

Así. como el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular – vitraux- en arquitectu-ra. Para el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista –que lo hacía caro de producir- comenzó a ser abandonado en favor del arte moderno que con sus trazos más simples y rectilíneos -y por lo tanto más barato- y estando más en armonía con la estética plana y tosca de los diseños indus-triales luego derivaría en el Art Decó

Ebatumurniam adem iaeque popubliu se nes Mae ante concus iliem mandam di, nosti iam

19 Arts & Crafts

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinema-tografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hec-tor Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lache-nal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile De-cour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la ‘Exposition Internationale.

Edificio Chrisler (New

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 cuya influencia se extiende hasta.

El estilo y la forma se mezclan para destilar los más poétcas obras de carga estilística.

Las Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mis-mos los modernos; En realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva.

La década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico.

La Exposition Internatio-nale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; En realidad, el término Art Decó fue acu-ñado en la retrospectiva

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hec-tor Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas.

20 21 Arts & CraftsArts & Crafts

El Art decó fue un movi-miento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul

Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la ‘Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; En realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada “Les Annés 25” llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco. El Art decó fue un movi-miento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta finales de siglo.

La arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la ‘Exposition Interna-tionale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; En realidad, el tér-mino Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada “Les Annés 25” llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colecti-vo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925

Automóvil 20 cv. cuatro cilindros 1935.

Automóvil 20 cv. cuatro cilin-dros 1935.

PIcadora manual aerodinámica

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y di-seño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultu-ra, y cinematografía.

Después de la Exposición Uni-versal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Du-frene, y Emile Decour) formaron

si intento alinear el parrafo a la izquieda se me pone todas

las cajas de texto a la izquierda

23 Arts & Crafts

“De stijl”, que en holandés significa estilo, fue una revista dedicada a las artes plásticas fundada por piet mondrian y theo van doesburg que surgió en 1917 y duró hasta 1931. El nombre de stijl también suele aplicársele al artista y arquitectos que alguna vez contribuye-ron con él.

Esta revista iba a reunir un número de artistas que compartían ciertas ideas y actitudes, que a la vez, iban a constituir en un foro donde se iba a discutir el camino que el arte moderno iba a seguir e iba a servir, a su vez, como órgano difusor de este nuevo arte.

Esta revista que promocionaba el neoplasticismo, fue una de las más influyentes de su tiem-po ya que tenía la finalidad de lograr un estilo válido, que sustituyera lo individual por lo uni-versal. En ella, todos los artistas que colaboraban y que abogaban por un progreso radical de las artes, publicaron en la revista críticas, teorías y manifiestos. El movimiento de stijl era considerando como una variante del arte abstracto, que era característico de la modernidad.

Este nuevo arte no pre-tendía ser reproductivo ni ilustrativo, tal como la había sido el arte tradicional, éste quería ser comprensible a partir de sí mismo, sin referencias al mundo de los objetos ni a la reproducción figurativa.

El color como resumen de síntaxis formal. La forma como extracción pura del universo.

Su racionalismo formal estaba ba-sado en un amplio programa artístico. A partir de los elementos funda-mentales de las artes plásticas, pretendía configurar un nuevo

mundo ideal. Para stijl el arte era un catalizador que debía lograr un estado de armonía ideal, por esto el ideal de stijl siempre estuvo orientado hacia la realización de obras.

Los ideales estéticos, el lenguaje formal y las intenciones de los artistas que conformaban el stijl, estaban contenidos en el tratado funda-mental de mondrian, titulado “el nuevo modo de concebir la forma en la pintura” (el cual se publicó en el primer número de la revista). En este trabajo mondrian define el nuevo arte no como un nuevo estilo de escuela particular.

La esencia del stijl puede describirse a través de su inten-ción universalista, el nuevo arte era necesariamente abstracto.

Arts & Crafts 24 25 Arts & Crafts

El Arte Pop surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955,

pero su auge se da en la década de los sesenta. Su

denominación procede de la abreviación de “popular art”,

que hace referencia al arte popular que se utilizaba en

publicidad, diseño, cartelería y revistas ilustradas.

Es una vanguardia artística que se inspira en la sociedad

de consumo, creando una temática directa, realista, ac-cesible al público en general, todo lo contrario al expresio-

nismo abstracto.

El arte pop es el arte del concepto, de la investigación plástica, de la representación

de elementos poco tradicio-nales por entonces: latas de

sopa, Dólares, Elvis, automó-viles, fama, glamour… Los personajes artísticos dejan

de ser protagonistas únicos para producirse en serie, en un objeto más de consumo.

Los inicios del pop, representados por Rauschenberg y Johns, también se denominan “neodadaísmo”, por la influencia que reciben de artistas como Duchamp y Schwitters. En Europa tam-bién se da una tendencia relacionada con el pop norteamericano que respon-de al nombre de Nuevo Realismo.

El Arte Pop absorbe la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técni-cas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.

Esta corriente, cuyos precursores en su versión americana son Jasper Johns y Robert Rauschenberg, subraya el valor iconográfico de la sociedad de consu-mo. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo. En

Composición Pop.

Fotocomposición de Andy Warhol.

Sopa Campbell de Andy Warhol.

Beethoven de Andy Warhol.

Silla para niño.

Abanico en

este sentido, es ilustrativa la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera “efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso”. Todas ellas serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo. En el mismo ca-mino está Warhol, quien pretendía eliminar de la obra de arte cualquier huella o signo de manualidad; muchas de sus obras, por ejemplo, están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.

27 Arts & Crafts

Imus repel ius aut lic-tem quame pa as sum que provid esciundicit, sequi duci

El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse pro-movido fundamentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto americano Frank Lloyd Wright. El movimiento o. acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la libertad de planta, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, etc.pero procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores.

Pueden considerarse a Erik Gunnar Asplund en Suecia y a Alvar Aalto en Finlandia como los principales propugnadores de esta co-rriente, cuyas ideas fundamentales podrían resumirse de la forma siguient.

Arte y artesanía, oficio y diseño de naturaleza viva, armonía y belleza como resumen.

Una mayor preocupación por la vida del hombre. Se mira más al hombre, al qvvue ha de servir la arquitectura, que a la propia arquitectura. La atención del arquitecto no

consed que is aut qui que vitatur aut esequibus ea voluptae pro voluptaquis num etus del mostium de volore magnimin re, omnihil luptis adis dis iusda quatium quunt que cullore ati beri denderent

Ant Chair

Silla orgánica

Silla orgánica

Jarrón Savoy

debe limitarse a las estructuras y a la disposición de los ambientes, sino que debe extenderse a los problemas psico-lógicos y vitales del

Una nueva concien-cia de los espacios internos: aunque la arquitectura racio-nalista propugna una adaptación de

Butaca Paimio

29 Arts & Crafts

Conjutno de mesitas

JUego de pufs y sofás.

Egg Chair

Sofá molular

El estilo orgánico es un movimiento arqui-tectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto americano Frank Lloyd Wright. El movimiento o. acep-ta muchas de las premisas del raciona-lismo, como son la libertad de planta, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la arquitec-tura de los adelantos de la era industrial, etc., pero procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y apor-tar nuevos valores a la arquitectura.

Pueden considerarse a Erik Gunnar As-plund en Suecia y a Alvar Aalto en Finlan-dia como los principales propugnadores de esta corriente, cuyas ideas fundamenta-les podrían resumirse de la forma siguien-te:

• 1)Unamayorpreocupaciónporlavida del hombre. Se mira más al hombre, al qvvue ha de servir la arquitectura, que a la propia arquitectura. La atención del arquitec-to no debe limitarse a las estructuras y a la disposición de los ambientes, sino que debe extenderse a los problemas psicológicos y vitales del hombre.

• 2)Unanuevaconcienciadelosespacios internos: aunque la arquitectura racionalista propugna una adaptación de los volúmenes a las necesidades de planta, esos volúmenes están dominados por un estilo cubista, de formas tetraédricas, en- las que se encajan las necesidades, buscando además con ello una simplificación estruc-tural y constructiva. Asplund, Aalto y sus escuelas comienzan por el estudio de los ambientes, de los recorridos, de los movi-mientos del hombre y llegan a la creación de los espacios que consideran más indicados.

Las soluciones téc-nicas y estructurales deben ceñirse a esos espacios, dando lugar normalmente a formas más compli-cadas, no repetidas, económicamente más costosas y difíciles de industria-lizar. En este aspec-to, el organicismo abandona uno de los postulados del ra-cionalismo, creando en cambio, cuando es bien interpretado, realizaciones más jugosas y humanas. Las obras de los grandes arquitectos orgánicos son mu-cho más personales y difíciles de imitar, y es, por tanto, más propio hablar de un planteamiento o. que de un estilo.

La arquitectura. Como obras maes-tras de la arquitectu-ra o. podemos citar la biblioteca de Viipu-ri (1930) y el pabellón finlandés en la Expo-sición de Nueva York de 1939, ambos de Aalto; la ampliación del Ayuntamiento de Goteborg (1937) de E. Asplund, y la casa de Taliesin West, en Arizona, de F. Lloyd Wright.

Los espacios, dando lugar normalmente a formas más compli-cadas, no repetidas, económicamente más costosas y difíciles de industria-lizar. En este aspec-to, el organicismo abandona uno de los postulados.

El racionalismo, creando en cambio, cuando es bien inter-pretado, realizacio-nes más jugosas y humanas. Las obras de los grandes arqui-tectos orgánicos son mucho más persona-les y difíciles de imi-tar, y es, por tanto, más propio hablar de un planteamiento o. espacios, dando lugar normalmente a formas más compli-cadas, no repetidas, económicamente más costosas y difíciles de industria-lizar. En este aspec-to, el organicismo abandona uno de los postulados del ra-cionalismo, creando en cambio, cuando es bien interpretado, realizaciones más jugosas y humanas.

Silla de Eames

31 Arts & Crafts

El empleo de las nuevas técnicas y materia-les, como el hormigón armado, permitían también la configuración de los amplios espacios interiores que caracterizaron a los de los edificios del Estilo Internacional.

técnicas y materiales, como el hormigón armado, permitían también la configura-ción de los amplios espacios interiores que caracterizaron a los de los edificios del Estilo Internacional.

Albert Kahn, Edificio General Motors, Detroit, Míchigan.

Contexto histórico y motivaciones [editar]

El Estilo Internacional fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando.

El primero, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos en boga a fina-les del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y pe-ríodos, sin obedecer en ningún momento a la relación entre la forma y la utilidad de las edificaciones.

- De la artesanía a las formas pu-ras, en una incesante búsqueda por la sintaxis de los elementos.

Para para el denomina-do “estilo internacional” característico de la pintura de Europa Occidental en los siglos finales de la Edad Media, véase gótico internacional.

Se conoce como Estilo Internacional a un esti-lo arquitectónico de la arquitectura moderna, encuadrable dentro de el funcionalismo arquitec-tonico, que propugnaba una forma de proyectar “universal” y desprovis-ta de rasgos regionales. Comenzó a tomar forma a partir de 1920.

El Estilo Internacional se caracterizó, en lo vformal, por su énfasis en la orto-gonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de ornamen-to, con el aspecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo, por entonces novedoso.

32 33 Arts & CraftsArts & Crafts

El Estilo Internacional fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrializa-ción, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando.

El primero, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamenta-les, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos, sin obedecer en ningún momento a la rela-ción entre la forma y la utilidad de las edificaciones.

En segundo lugar, la industriali-zación acelerada de las socieda-des europeas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificacio-nes con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos, las nuevas fábri-cas, preparadas para albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de obreros.

El tercer y decisivo factor, los enormes avances técnicos en

El Estilo Internacional fue el resul-tado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrialización, la mecánica, la in-geniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando.

El primero, la incomodidad de algu-nos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectó-nicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamen-tales, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos, sin obedecer en ningún momento a la relación entre la forma y la utilidad de las edificaciones.

En segundo lugar, la industrialización acelerada de las sociedades euro-peas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos, las nuevas fábricas, preparadas para albergar novedo-sas maquinarias y gran cantidad de obreros.

El tercer y decisivo factor, los enor-mes avances técnicos en la ciencia

El Estilo Internacional fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando.

El primero, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de esti-los arquitectónicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos, sin obedecer en ningún momento a la relación entre la forma y la utilidad de las edificaciones.

En segundo lugar, la industrialización acelerada de las sociedades europeas y norteamerica-nas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos, las nuevas

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Arte y artesanía, oficio y muestra de naturalidad,

armonía y belleza como expresión idealista.

Arts & Crafts

La formas actuales

1

postmodernismo

La sabiduría de la historia de la for-ma se plasma en la magistral sencillez de una tendencia sin fronteras.

El Ayuntamiento de Londres y el edificio Moor House. Estas obras se añaden a otros proyectos de Foster publicados en este mo-leskine, como sus pininos en el Sainsbury Centre for Visual Arts en Norwich, su impresionante Aeropuerto en Pekín o su artístico Puente del Milenio. Dejaremos para otra oportunidad la reseña de su monumental Swiss Re, más conocido como The Gherkin (el pepino).

La cobertura de este patio fue diseñada por Foster & Partners para de este modo facilitar la comunicación entre galerías, las cuales servían previamente como zonas de exhibición y áreas de circu-

lación, causando congestión y caos. Además, dado el famoso mal clima de Londres, una cobertura era necesaria para protección de los visitantes.

El Postmodernismo es difícil de definir, porque el definirlo violaría la premisa postmoder-nista de que no existen términos definidos, límites, ni verdades absolutas. vtérmino “post-

modernismo” se mantendrá vago, ya que aquellos que afirman ser postmodernistas tienen variadas creencias y opiniones sobre temas.

¿Son el nacionalismo, la política, la reli-gión, y la guerra el resultado de una men-talidad humana primitiva? ¿Es la verdad una ilusión? ¿Cómo puede el cristianismo reclamar primacía, o dictar la moral? La lista de inquietudes sigue y sigue, especialmente para aquellos afectados por una filosofía y estilo.de vida postmodernista. El Postmoder-nismo es difícil de definir, porque el definirlo violaría la premisa postmodernista de que Municipalidad de Londres. Norman Foster.

Edificio comercial, Londres. Norman Foster.

Arts & Crafts 36

El Postmodernismo es difícil de definir, porque el definirlo violaría la premisa postmodernista de que no existen términos definidos, límites, ni verdades absolutas. En este artículo, el término “postmodernismo” se mantendrá vago, ya que aquellos que afirman ser post-modernistas tienen variadas creencias y opiniones sobre temas.

¿Son el nacionalis-mo, la política, la religión, y la guerra el resultado de una mentalidad humana primitiva? ¿Es la verdad una ilusión? ¿Cómo puede el cris-tianismo reclamar primacía, o dictar la moral? La lista de inquietudes sigue y sigue, especialmente para aquellos afecta-dos por una filoso-fía y estilo de vida postmodernista.

wwPara algunos, las preguntas provienen de una pérdida de la confianza en un mundo corrupto oc-cidental. Para otros, el asunto es liberarse de la autoridad tradi-cional. Su inquietud se centra alrededor de la continua con-fianza occidental en

principios religiosos antiguos y tradi-cionales, naciona-lismo, capitalismo, sistemas políticos ineptos, y el uso im-prudente e impacto adverso de promo-ver “compromisos” entre los recursos energéticos y el medio ambiente, por

OTRAS OBRAS DE ESTA EDITORIAL

El Arte en la nueva era

Historia de la Tipografía

Cartelismo, color e imagen

Psicología de la Iconografía moderna

Estilismo ayer y hoy

Manual de maquetación

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