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O GRAFITE COMO EXPRESSÃO DE ARTE E PENSAMENTO COLETIVO

Desde os primórdios, a raça humana sempre sentiu necessidade de se comunicar, ainda que no começo fosse com desenhos rupestres em cavernas, ilustrando cenas de caça e rituaisVisto inicialmente como poluição visual, o grafite vem, cada vez mais, se tornando um instrumento possível de embelezamento e uma forma de protesto e de crítica aos problemas das grandes cidades.

A origem do nome “grafite”

Grafite ou grafito é uma palavra de origem italiana “graffito” que significa “escrita feita com carvão”. São inscrições gravadas ou desenhadas pelos antigos nas paredes das cidades e monumentos.

O grafite, prática de fazer marcas, inscrições e desenhos em muros, surgiu no Império Romano, onde eram feitas estas manifestações artísticas, por isso o nome grafite vem do italiano “graffiti”. Contudo, o grafite só ganhou popularidade nos anos 70, no Bronx, bairro de população negra de Nova York. Assim, as pessoas queriam uma forma de comunicação entre membros de um mesmo grupo ou registro de indignação frente ao preconceito e às injustiças sociais, onde os artistas passassem a ter uma linguagem intencional para interferir na cidade.

Revolução Plebeia?O grafite foi iniciado na Roma Antiga pelos plebeus que queriam protestar contar a falta de direitos e poderes na sociedade romana. Os plebeus, revoltados, faziam protestos e manifestações artísticas em espaços públicos. Os pichadores deixavam mensagens para a organização entre eles ou contra o próprio Estado.

Arte Urbana e o Hip Hop

O hip-hop surgiu na década de 70 como um movimento cultural entre os latino-americanos, os jamaicanos e os afro-americanos da cidade de Nova York mais precisamente no sul do Bronx.

O disc-jockey Afrika Bambaataa é considerado como o pioneiro e criador deste movimento social altamente influente.

Em 12 de Novembro de 1973, fundou a Zulu Nation, uma organização com objetivos de auto-afirmação que promovia o combate através das quatro vertentes do hip-hop e que invocava “Paz, União e Diversão”. Esse dia é, até hoje, celebrado como sendo o dia do nascimento do hip-hop.

Bambaataa definiu os pilares da cultura hip-hop como sendo quatro: o MCing, o DJing, o B-boying e o Graffiti Writing.

Hip Hop (Subcultura é o conjunto de particularidades culturais de um

grupo que se dista do modo de vida dominante sem se desprender dele)

GrafiteGoiânia – O trabalho feito pelo duo goiano de design Bicicleta Sem Freio em uma das fachadas do Centro Cultural Oscar Niemeyer (CCON) durante o festival Bananada, em 2015, foi eleito um dos 30 melhores murais do Brasil de acordo com eleição realizada pelo site Street Art Brasil.

O desenho realizado por Renato Reno e Douglas de Castro ficou em sétimo lugar. A primeira posição ficou com o mural de Nunca, feito em Kiev, capital da Ucrânia.

RAPRap (em inglês, também conhecido como emceeing) é um discurso rítmico com rimas e poesias, que surgiu no final do século XX entre as comunidades Afro-descendentesnos Estados Unidos. É um dos cinco pilares fundamentais da cultura hip hop, de modo que se chame metonimicamente (e de forma imprecisa) hip hop.

Pode ser interpretado a capella bem como com um som musical de fundo, chamado beatbox. Os cantores de rap são conhecidos como rappers ou MCs, abreviatura para mestre de cerimônias.

BreakBreakdance (também conhecido como breaking ou b-boying em alguns lugares) é um estilo de dança de rua, parte da cultura do hip hop criada por afro-americanos e latinos na década de 1970 em Nova Iorque, Estados Unidos, normalmente dançada ao som do hip-hop, funk ou breakbeat.O breakdancer, breaker, b-boy, ou b-girl é o nome dado a pessoa dedicada ao breakdance e que pratica o mesmo. No inicio, o breakdance era utilizado como manifestação popular e alternativa de jovens para não entrar em gangues de rua, que tomavam Nova Iorque em meados da década de 1970.[1] Atualmente, o breakdance é utilizado como meio de recreação ou competição no mundo

Linha do tempo do Grafite (ou pichação?)

Grafites em PompeiaO local onde a maior quantidade de grafites romano preservado foi Pompeia, devido ao desastre que se abateu sobre a cidade foi, com aproximadamente 10,000 grafites tendo sido descobertos na cidade.[ Os conteúdos dos grafites romanos incluíam desde menções de coito sexual, recados amorosos, até poesias e trechos de obras clássicas romanas.

Pela liberdade contra a guerra e a opressão

O ano de 1968, foi agitado em todo o mundo. Nos Estados Unidos havia movimentos pacifistas (contra a guerra do Vietnã) e contra o racismo. Na Europa, estudantes se rebelaram contra as autoridades. E no Brasil os universitários organizaram passeatas contra a ditadura militar

Contra a Ditadura Militar no BrasilEm 1968, enquanto a população protestava nas ruas sob o lema “é proibido proibir”, os generais do regime militar brasileiro (1964-1985) se preparavam para endurecer ainda mais a ditadura.

Em 13 de dezembro daquele ano, o presidente Artur da Costa e Silva emitiu o Ato Institucional de número 5, o AI-5, que restringiu os direitos da população e instaurou a censura

Breve contexto histórico na contemporaneidade

O grafite está ligado diretamente a vários movimentos, em especial ao Hip Hop. Para esse movimento, o grafite é a forma de expressar toda a opressão que a humanidade vive, principalmente os menos favorecidos, ou seja, o grafite reflete a realidade das ruas.O grafite foi introduzido no Brasil no final da década de 1970, em São Paulo. Os brasileiros não se contentaram com o grafite norte-americano, então começaram a incrementar a arte com um toque brasileiro. O estilo do grafite brasileiro é reconhecido entre os melhores de todo o mundo.

Muitas polêmicas giram em torno desse movimento artístico, pois de um lado o grafite é desempenhado com qualidade artística, e do outro não passa de poluição visual e vandalismo. A pichação ou vandalismo é caracterizado pelo ato de escrever em muros, edifícios, monumentos e vias públicas. Os materiais utilizados pelos grafiteiros vão desde tradicionais latas de spray até o látex.

Arte Urbana na Contemporaneidade

Surgiu na Filadélfia (fim da década de 1960/início da década de 1970)

Cornbread e Coll Earl

Ganhou notoriedade : Nova York

Grafiteiros Taki 183 e Stan 153 (deram vida à “escola” de grafite moderno.

Início da década de 80

Autoridades de Nova York – batalha contra os “vândalos” grafiteiros.*Galerias e instituições artísticas – aos poucos – apreciando o potencial dessa nova linguagem artística

Trabalho dos principais líderes da cena nova-iorquina, entre eles Futura 2000 e Dondi White, causaram impacto no mundo da arte contemporânea e a arte das latas de tinta spray começam a se materializar

Uma das obras mais famosas de Basquiat, Ironia do Policial Negro carrega mensagens sociais evidentes. Aqui, não existe um recado sutil nem uma insinuação: o pintor tece duras críticas às práticas racistas que vigoravam (e ainda vigoram) nos Estados Unidos.Negro e filho de imigrantes, ele não tinha medo de "meter o dedo na ferida" e confrontar a sociedade norte-americana com suas falhas e preconceitos.A obra combina grafite e pintura expressionista e apresenta um indivíduo no centro. O seu chapéu, que se assemelha a uma gaiola, o identifica como um agente da Polícia.Nos EUA, como em outros países, as forças policiais são conhecidas pela sua brutalidade, sobretudo com os cidadãos negros. A dualidade de padrões e a violência da autoridade têm sido denunciadas em massa nas últimos anos com o movimento Black Lives Matter (Vidas Negras Importam).No começo da década de 80, Basquiat já estava alertando para estas questões, se perguntando por quê um homem negro se juntaria a uma polícia racista.A profissão, neste caso, é vista como uma outra forma de domínio e opressão. Isso fica explícito com a palavra "pawn" (peão, alguém que é manipulado) no canto inferior direito.

Um pouco do gênio de Basquiat

PAWN = alguém que

é manipulado

Ironia do policial negro

Chapéu em forma de

gaiola

Energia, as cores vivas,

as pinceladas rápidas e a

figura de grandes

dimensões.

Keith Haring e a reinvidicação do espaço público na arte

Rebelde criativo e inovador, o arista desenhou figuras que expressavam a sua preocupação pelo que se passava no mundo

Levou arte para as ruas de Nova Iorque e isso fez dele uma lenda. Os traços gráficos de Keith Haring espalharam-se pela cidade em graffitis e painéis publicitários do metro. Símbolos, desenhos, cores. Tudo é intenso na curta vida deste artista americano

Keith Haring tinha esta ideia subversiva de que a arte devia ser para todos. Não lhe fazia sentido continuar a ser um artista de estúdio para apresentar os trabalhos no circuito fechado das galerias. Queria o grande público, por isso desafiou-se a usar o espaço da rua, onde todos passam e podem ver.

Cac

horro

• O Artista criou um complexo código visual. Suas obras tornaram-se reconhecíveis por todos, Keith usava a linha de contorno com traço grosso tornando suas figuras muito simples e as cores que mais utilizava eram as primárias e as secundárias

Mur

ais

e cu

ltura

hip

hop

•Ativista social, sua arte não pretendia sequer ter valor de mercado. Seus temas favoritos incluíam bebês radiantes até salsichas voadoras e cachorros transformados em divindades, sempre desenhados em espaços públicos inutilizados. Apesar de parecer simples, as obras de arte de Keith haring eram extremamente autorais e complexas: Ele inventou uma linguagem simbólica, como se fosse seu próprio alfabeto, um alfabeto para os novos tempos.

•Keith Haring fez política através de composições que falavam da prevenção da AIDs, quando ninguém queria falar sobre a condição social, do abuso de drogas, do apartheid na África do Sul. Vida, morte, amor, sexo e guerra — a famosa lista dos temas que abraçou.

Con

tra a

Aid

s

•Em 1986, assinou projetos públicos encomendados e fez murais por todo o mundo, incluindo um sobre a sida, no bairro de Raval em Barcelona, e outro no Muro de Berlim, a apelar à unificação alemã. Em vida, chamaram-no a participar na Bienal de São Paulo e na Veneza e a expor, por exemplo, no Museu de Arte Moderna de São Francisco.

•Keith Haring está hoje representado em dezenas de coleções, incluindo o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque, o MoMA.

Mural em Barcelona contra a Aids

Mural TUTTOMONDO em Pisa, na Itália

Meados da década de

1980 e fim da década de 1990 uma

estética de rua pós-

grafite ganha as ruas

Essa forma de arte tinha

desenvolvido técnicas inovadoras,

como o estêncil

Pioneiros: Blek le

Rat(Xavier Prou) e John

Fekner

Os artistas usavam várias

mídias: adesivos, cartazes,estêncil

Suas obras ocupavam os mesmos espaços públicos proibidos do grafite, mas

não se dedicavam a imagens que iam além de

formas caligráficas

Os artistas tinham uma marca que era figurativa

ou exibia um personagem: OBEY Giantde Shepard Faired e os ratos de estêncil usados

por Banksy

Pouco ou nada se sabe sobre o misterioso inglês Banksy, há quem diga, inclusive, que se trata de um grupo de pessoas. O que se sabe é que os polêmicos trabalhos aparecem ao redor do mundo e encantam ou revoltam aqueles que passam: ninguém passa incólume a essa arte de rua.

Os trabalhos de Banksy podem ser encontrados na Inglaterra, na França, em Viena, em São Francisco, em Barcelona, nos Estados Unidos, na Austrália e até na Faixa de Gaza.Irônico, controverso, sarcástico, rebelde, irreverente, as obras de Banksy são feitas na rua e para a rua, tem como público alvo os transeuntes. Como a maior parte das peças está em espaços públicos, o trabalho é sujeito a perenidade do tempo e ao vandalismo.

Essa é uma pintura mural feita em 2005 em Londres. Na época, a cidade britânica passava por uma onda de protestos.Na obra, vemos um manifestante com o rosto coberto. Ele faz um movimento como se fosse atirar um coquetel explosivo, entretanto, o que ele carrega é um ramo de flores.A imagem exibe um paradoxo ao aliar um ato "violento" com a delicadeza das flores.A obra foi escolhida para ilustrar a capa do livro do artista Wall andPiece (2005), traduzida como "Guerra e Spray".

Love is in the Air (Soldier throwing flowers)

Napalm (Can't Beat That Feeling)

Nessa impactante obra, Banksy faz uma montagem relacionando aGuerra do Vietnã com a cultura capitalista americana.Isso porque, o artista combinou as imagens de Mickey Mouse e Ronald McDonald, símbolos do American Way of Life, com a figura de uma menina vietnamita que foi fotografada fugindo dos horrores da guerra.A foto foi feita em 8 de junho de 1972 pelo fotógrafo Nick Ut, e teve muito reconhecimento, ganhando o Prêmio Pulitzer de Fotografia de Notícias Spot e a classificação de Foto de Imprensa Mundial do Ano.

Fotografia de Nick Ut, 1972Na obra de Banksy, os personagens americanos são colocados de mãos dadas com a figura da menina em desespero -após ter o corpo queimado pela bomba química napalm.Assim, o artista nos leva a refletir sobre a responsabilidade dos EUA no sofrimento de tantas pessoas. Mais de 2 milhões de vietnamitas morreram nessa guerra

A Guerra do Vietnã ,um período sombrio da história da humanidade, durou 16 anos A menina que foge desesperadamente em direção ao fotógrafo é Kim Phuc, na época com apenas 9 anos de idade.Ela corria de um ataque aéreo de napalm, substância altamente inflamável chamada de fogo líquido, produzida à base de gasolina gelificada. Seu corpo estava coberto pelo líquido que queima a pele a quase 800 ºC mesmo sem pegar fogo, o que explica a expressão de dor e pânico de Kim.

A composição foi pintada em um prédio em Londres, no ano de 2011.Nela, Banksy ilustra uma mulher em queda livre com um carrinho de compras. Os itens comprados começam a dispersar no ar, assim como o sapato da moça.A crítica ao consumismo, e consequentemente ao capitalismo, é clara.Ele nos faz refletir sobre como o sistema em que vivemos é insustentável e sobre o quanto estamos à beira de um colapso, mas mesmo assim, o consumo é estimulado e as pessoas sentem compulsão por adquirir produtos e mais produtos.f

Shop Until You Drop

Nessa obra, produzida em 2007 em Bethlehem, na Palestina, o artista expõe um soldado sendo revistado por uma menina.Aqui, ele propõe uma inversão de papéis em uma situação que normalmente ocorre com civis, que é a de ser revistado pelas forças armadas. A menina veste uma roupa cor-de-rosa e representa a inocência.A região palestina é marcada por intenso conflito entre judeus e árabes, onde o povo árabe é exposto à extrema violência por parte do Estado de Israel

Stop and Search

Foi realizada em 2002 em Londres, na Inglaterra.Na obra, é exibida a figura de uma menina que estende a mão para pegar seu balão, que é levado pelo vento. O balão é em formato de coração e pintado em vermelho, enquanto o restante da obra é preta.Há ainda a frase "There is always hope", que traduzida para o português significa "Há sempre esperança".Aqui, Banksy deixa uma mensagem de

crença em dias melhores, mesmo com todo o desalento que há no sistema em que vivemos.Esse trabalho é, talvez, o mais famoso do artista. Ele foi reproduzido em uma tela e vendido em 2018 em um leilão em Londres por mais de 1 milhão de libras.

Girl with a red baloon

No momento em que foi batido o martelo da venda, a obra se autodestruiu por meio de um dispositivo colocado na moldura, surpreendendo todos os presentes.Dessa forma, Banksy realizou mais uma ação artística que questiona o mercado da arte.

Obra de Banksy em prédio de Bristol, na Inglaterra

Obra de Banksy destinada à arrecadação de fundos contra a COVID-19

Arte de rua, grafite e pichação no BrasilO primeiro registro de pichação como arte no Brasil foi o emblemático “Abaixo a Ditadura”. Era o começo da street artbrasileira. A pichação política nasceu no meio universitário, na década de 1960, com influência do movimento estudantil de Maio de 68 francês. As inscrições eram simples, pois demandavam agilidade para escapar da repressão policial. Com o passar do tempo, as inscrições foram difundidas pelo meio urbano, fazendo surgir pichações não só em muros, mas em construções públicas e viadutos. Nenhuma das pichações vinha assinada, elas traziam apenas a ideia de contrariedade ao regime.

A pichação surgiu, então, de uma necessidade de manifestação popular:

Feita sem autorização em propriedades públicas e privadas, sendo assim considerada um ato de vandalismo

Com o passar dos anos, as letras dos pichos foram ganhando formas mais acabadas e receberam o nome de GRapichos

Eduardo Kobra

Visita ao Mural Etnias de Eduardo KobraFoto: arquivo pessoal

QUESTÃO DE PROVAO mural “Etnias” de Eduardo Kobra, que fica no Boulevard Olímpico da Praça Mauá, possui 15 metros de altura e 170 metros de comprimento e retrata cinco rostos indígenas de cinco continentes diferentes: os Huli da Nova Guiné (Oceania); os Mursi da Etiópia (África); os Kayin da Tailândia (Ásia); os Supi da Europa e os Tapajós das Américas. Esse mural teve como objetivo representar a paz e a união entre os povos.

Pode-se dizer que essa obra é arte pública por ser a) um panorama e estar ligada a uma totalidade da representação indígena sobre a

terra. b) fisicamente acessível e modificar a paisagem circundante de modo permanente ou

temporário. c) uma tendência da arte contemporânea em que o artista, sem elaboração formal,

promove um debate cívico. d) cabível em locais abertos ou fechados de modo a propiciar que o espectador seja

parte integrante da obra.

Bibliografia

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LAZZARIN, L. F. “Grafite e o Ensino da Arte”. Revista Educação & Realidade. 32(1): 59-74, jan/jun. 2007.

“temos a arte para não morrer da verdade”FRIEDRICH NIETZSCHE