Embed Size (px)
DESCRIPTION
Somos CHG, Chile Gráfico una revista dedicada a difundir y fomentar el diseño y las artes gráficas chilenas entre los alumnos de la carrera.
Citation preview
ESPECIAL: V Bienal de Diseño 2013
Entrevista
Ville Kokkonen y su mirada NórdicaEntrevista
Constanza Gaggero: Diseño FemeninoReportaje
Modelo de Exportación: Finlandia
Tipografía Chilena
Tipos Chilenos de Exportación
Las artes y el cómic desde lo femenimo
Marcela Trujillo y sus “Tumores Femeninos”
Grandes Maestros:
Vicente Larrea
N°1
Revi
sta
Men
sual
de
Dis
eño
y A
rtes
Grá
fica
s Ch
ilena
s |
M
arzo
201
3
3
6
10
14
20
26
29
32
36
Tipos Chilenos de Exportación
ESPECIAL V Bienal de Diseño
Ville Kokkonen y su mirada nórdica
Modelo de Exportación
Constanza Gaggero: Diseño Femenino
Maestros: Vicente Larrea
Marcela Trujillo y su “Tumores
Femeninos”
¿Qué Hacer?
Fundador y Editor en JefeMaría Luisa del Solar | [email protected]
GráficosMarcela Paz Soto | [email protected]
Marketing EstrategicoVictoria Rodriguez | [email protected]
ProgramadorJuan Cuesta | [email protected]
Contribudores y EscritoresAndres Carmona | [email protected]
Rosario Escribano | [email protected]
OGRAMA | www.ograma.clfacebook.com/chg | twitter @chg | www.chg.cl
Índice
Revista Mensual de Diseño y Artes Gráficas Chilenas | Abril 2013
6
10
14
20
262932
36
4
El lanzamiento de una revista es siempre un desafío financiero y humano, pero es también una aventura intelectual. Desafío, porque pensamos que existe un lugar para las revistas especializadas en la mente de los jóvenes y que es posible interesar –dentro del terreno del análisis de los conflictos– un público amplio sin por lo tanto ceder a modas y facilidades. Aventura, porque analizar los cambios del mundo contemporáneo, las nuevas formas de diseñar, sus relaciones con los cambios en el campo mundial, se ha convertido en una prioridad de nuestro equipo. Del encuentro entre las expectativas de un público y publicaciones nacerá, así lo esperamos, una dinámica de la cual CHG quiere ser vector.
Nos proponemos como equipo lograr entregar la información a nuestros lectores de manera eficaz y eficiente, siendo un real aporte para los estudiantes logrando llegar a ellos a través del diseño. Queremos fomentar y potenciar el diseño chileno para que asi, este se convierta en un motor real de cultura y economía. Esperamos llegar a ser a lo largo del tiempo la plataforma para los jóvenes donde converjan todas las actividades, reportajes, noticias y todo la información que tenga que ver.
Maria Luisa del Solar
Editorial
5
Con motivo del LANZAMIENTO TOUR 2013, CoolTour Design invita a diseñadores, artistas visuales, publicistas, estudiantes y profesionales afines a estas áreas, a participar de la creación del afiche oficial de difusión y promoción de CoolTour Design – TOUR 2013. Hay 3 importantes premios y un jurado compuesto por profesionales del diseño tanto nacionales como de calidad internacional que evaluará las propuestas.
Premios: - 1er LUGAR: 1 viaje ida y regreso, Santiago/Buenos Aires/Santiago, estadía por 1 semana en la ciudad de Buenos Aires, más alojamiento, desayunos, ingreso a discotecas, city tour y todo lo asociado a la gira Diseño Palermo 2013. Como parte del premio, el ganador también recibirá 20 copias de su afiche impreso, que será distribuido en las principales Escuelas de Diseño a lo largo de todo el país, en algunos eventos de diseño a determinar y será parte del merchandising de las giras del tour 2013. - 1ra mención de honor: 1 set – edición 22 a 27 – de revista CHG + una beca por el 50% del costo de la gira al Encuentro Latinoamericano de Diseño Palermo 2013. - 2da mención de honor: 1 pack de productos LOVIT, conformado por 1 libro Latinotype y 2 juegos de naipes (2 mazos All In 1 + 2 mazos All In 2).
Más información y bases en: www.cooltourdesign.com - www.facebook.com/cooltourdesign
1er Concurso de afiche CoolTour Design 2013
“Hace 7 años, estando aún en la universidad, iniciamos esta aventura sin imaginar la proyección e importancia que llegaría a tener hoy en día para nosotros y el diseño en Chile. No tenemos palabras para definirlo, quizás lo más sincero es decir que siempre hemos seguido nuestro instinto y conservamos un especial cariño por seguir haciendo lo que nos gusta y apasiona.”
Auspiciadores
Noticias
6
Tarjetas de presentación de la Unión
de los Tipógrafos.
¿Times New Roman o Berenjena? Diversos diseñadores locales están creando fuentes utilizadas en espacios tan disímiles como diarios, supermercados, procesadores de texto o sistemas de transporte público. El invento ha andado bien. Hoy la producción se vende en los cinco continentes.
La tipografía utilizada para el título principal es
Nahueltoro, diseñada por Santiago Toro y se distribuye
gratiutamente en andez.cl
Usted las conoce, aunque quizás no sepa que Times
New Roman, Arial o Verdana son tipografías del
pasado. Hoy Amster, Nahueltoro, La Vega, Pincoya
Black, Llanquihue, Chasquilla o Nicanor son sólo
algunas de las fuentes que conforman la creciente
oferta nacional.
Elemental, primera fuente de lectura continua
creada en 2002, inauguró la historia de la tipografía
digital en Chile.
Para precisar el concepto, la Real Academia
Española establece como tipógrafo a la “persona
que sabe o profesa la tipografía”, ésta última
entendida como “el arte de imprimir”. El artículo
“Notas sobre la tipografía en Chile”, escrito por
los académicos Pedro Álvarez y Eduardo Castillo,
da cuenta de algunos hitos en la difusa historia de
esta disciplina que, en sus inicios, se valió de tipos
romanos deteriorados.
Durante el siglo XIX la formación tipográfica se
produjo al interior de las imprentas. Personaje
clave en la modernización de éstas fue el español
Manuel Rivadeneira, quien arribó al país en 1839.
Tuvo que pasar casi un siglo para que, en 1940,
el Estado fundara la Escuela Nacional de Artes
Gráficas.
La primera letra del alfabeto coincide con la del
apellido del tipógrafo más célebre del siglo XX.
El polaco Mauricio Amster dejó su legado en las
editoriales Nascimento, Zig-Zag y en Universitaria,
donde trabajó tres décadas. El fundador de la
Escuela de Periodismo de la U. de Chile publicó dos
textos importantes para la formación de nuevos
actores en el “arte de imprimir”. Se trata de “Técnica
gráfica” (1954) y “Normas de composición: guía
para autores, editores, correctores y tipógrafos”
(1969). Por esos años la tipografía era conocida
como “letrística”.
Tipografía
7
Tipografía Elemental, diseñada por
Francisco Gálvez en el año 2002,
pionera en las fuentes digitales
chilenas.
Todos somos tipógrafos.
Estudiar diseño no le sirvió mucho a
Francisco Gálvez para diseñar fuentes
digitales. Aprendió en un proceso de
ensayo y error. El creador de la, hoy
histórica, Elemental construye fuentes
a partir de algunas letras esenciales.
Luego combina, analiza los problemas
que se producen componiendo texto.
Las que más originan complicaciones son
las sans serif (sin remate). “Cualquiera
puede hacer letras, pero lograr que se
combinen bien es la tarea más lenta
del proceso”. El académico de la UC
dibuja las letras a mano, las digitaliza y
finalmente las edita en un programa
que le permite controlar el espaciado y
convertir el conjunto en el archivo para
instalar y usar.
El creador de Australis posee experiencia
en el desarrollo de letras por encargo:
“Desarrollamos la de Transantiago y
las de La Tercera y La Cuarta. Vender
fuentes no es un gran negocio y en
ese sentido es bien destacable lo que
pasa con Latinotype”. Gálvez habla
en plural, pues se refiere también a
Rodrigo Ramírez, socio en Fresco Type
y diseñador de la tipografía oficial del
Gobierno de Chile (GobCL).
¿Hay algo en común entra la producción
local? “Soy bien crítico de esta producción
media chovinista, idealizada de manera
nacional, porque la tipografía sirve para
escribir en cualquier idioma”, finaliza el
creador de Amster, fuente inspirada en
la iconografía de la lira popular.
Fundición tipográfica chilena.
Miguel Hernández estudió diseño en la
Universidad del Bío-Bío. Aunque no tuvo
formación académica en tipografía, su
experiencia es clave para esta historia.
Inspirado en Gálvez, comenzó a leer y
a participar de foros de internet para
crear nuevas fuentes. En 2007 creó,
junto a sus dos socios, Latinotype, la
primera fundición tipográfica chilena.
La empresa hoy está compuesta por
Luciano Vergara (Concepción), Miguel
“Desarrollamos la de Transantiago y las de La Tercera y La Cuarta.
Vender fuentes no es un gran negocio, a menos que te dediques a ello.
En ese sentido es bien destacable lo que pasa con Latinotype”.
Reportaje
Herández (Santiago) y Daniel Hernández
(Buenos Aires). El equipo también está
integrado por las dos primeras mujeres
chilenas en comercializar fuentes: Paula
Nazal Selaive y Guisela Mendoza.
Por estos días Latinotype publica una
oferta: por 69 dólares es posible comprar
tres fuentes a elección. “La tipografía es
un negocio incipiente en Chile. Nosotros
estamos tomándole el peso a lo rentable
que es la especialidad, pues es un trabajo
que ya está hecho y se vende solo”,
cuenta Hernández, creador de Cadena
Black, fuente inspirada en los letreros
de las micros amarillas pintados por Juan
Cadena.
A Latinotype le ha ido bien. La
fundición posee compradores en los
cinco continentes.. Y, hablando de
Chile, Hernández cree que los mayores
referentes para la búsqueda de
identidad gráfica han sido elementos
precolombinos, poblacionales, de la
cultura de los libros y, finalmente, el
trabajo de Vicente Larrea.
8
Esos tipos de la UTEM y las mansas typas
La Choly. Así se llama la premiada tipografía, diseñada por Flora
Argemi, que utiliza el logotipo de la revista mensual mansastypas.
cl. El espacio, dirigido por la diseñadora Bárbara Urrutia, pretende
que “todos puedan conocer la tipografía desde una perspectiva
femenina, no feminista”. En el sitio hay entrevistas, especiales
fotográficos y análisis de letreros urbanos. Otros tipos son los de
la UTEM. En esostiposdelautem.cl es posible encontrar 20 fuentes
nacionales para descargar y usar gratuitamente. Este proyecto, hoy
llamado Andez, pone a disposición de los navegantes las creativas
propuestas de estudiantes de diseño de la UTEM.
Mazúrquica berenjerénica populárica
Javier Quintana, autor de Botota (tipografía inspirada en La Vega),
nos cuenta como es su proceso creativo. Primero observa, luego busca
una idea y postriormente piensa conceptos que puedan desembocar
en buenas figuras. “Mirar en la calle, en cualquier contexto, siempre
ayuda para sacar ideas, a ver las cosas de otro punto de vista”, dice
veloz. Luego comienza a trabajar en bocetos, generalmente de las
letras a y l, hasta el archivo final que sale del software Font Lab. “Es
un proceso larguísimo, son muchas horas de dedicación, pero cuando
ves terminado el trabajo, sientes un satisfacción y sabes que valio la
pena”.
Sobre la comercialización, el diseñador de Berenjena cree que “para
que sea un negocio rentable hay que construirse un nombre en el
extranjero, pues el mercado local es muy pequeño y la mayoria solo se
va a tipografias extrangeras. Si bien hay ciertas búsquedas comunes,
algo así como un estilo o rasgos identitarios y la verdad es super
complicado. Finalmente una a es una a y tiene que verse como una a“.
Quintana, también creador de mazúrquica, ha tenido la posibilidad
de trabajar un libro con tipografías creadas por él. Describe al proceso
como “algo bien fascinante, porque puedo controlar muchas más
cosas y eso cuando estas creando algo nuevo es super entretenido”.
Muestra de ese ejercicio es “Por la güeya del Matadero, memorias
de la cueca centrina” (2011). El diseñador precisa que elegir tal o cual
tipografía conlleva un discurso implícito: “El mío es hablar desde acá”
“Somos 5 chicas con ganas de expandir el nicho Tipográfico femenino.”
En la Escuela de Diseño de la Universidad Tecnológica
Metropolitana de Santiago de Chile surgió “Esos
Tipos de la Utem”, que se constituyó con el propósito
de tributar –de manera respetuosa y responsable– al
desarrollo de la tipografía en el país.
El equipo lo conforman : Bárbara Urrutia, María
Paz Alvarado, Denise Gray, Camila Aravena, Paula
Fuenzalida.
Tipografía
9
Lo mejor del continente
Cada dos años se realiza, simultáneamente en 13 países de América Latina, la bienal
Tipos Latinos. Felipe Cáceres es organizador del quinto encuentro, que se realizará
en 2012, y forma parte del colectivo creador del sitio uniontipografos.org. Esta
plataforma, que no pertenece a la sociedad mutualista Unión de Los Tipógrafos
(1853), ha creado una comunidad entre los creadores del siglo XXI. A juicio de
Cáceres, “el elemento común es la búsqueda de una identidad visual del país, es un
tema súper complejo. Aunque también hay una búsqueda personal de estilo”.
Mazúrquica, inspirada por Violeta Parra y diseñada por Javier Quintana.
Aplicaciones de las tipografías Nahueltoro y Rita
Especial
Reportaje
10
“La investigación en diseño es un campo en expansión. Los proyectos seleccionados en esta sección de la 5° Bienal de Diseño destacan por su diversidad. Así, la muestra incluye proyectos de investigación que aportan conocimientos relevantes sobre temas tan variados como la
identidad nacional, el patrimonio arqueológico,……Otras investigaciones exploran el potencial del diseño para mejorar procesos productivos industriales y artesanales, tanto en contextos urbanos como rurales. Finalmente, la muestra incluye proyectos que
vinculan el diseño al patrimonio natural y al paisaje.”
11
Bienal de diseño llega a la estación Mapocho
En la Estación Mapocho recorre cien stands con lo mejor del trabajo
de diseñadores y arquitectos chilenos y extranjeros entre 2010 y 2012.
El foco de la quinta versión de la bienal, organizada por la Universidad
del Desarrollo y la Universidad Católica, destaca el diseño chileno y
su proyección internacional. La entrada es liberada. De 10 a 20 horas.
Plaza de la Cultura s/n. Metro Cal y Canto.
Estracto del texto
Bienal Diseño.
Pensamiento Global, Creatividad
Local. pp96
Reportaje
12
Diseño finlandés e italiano
De conferencia estuvo Seppo Koho, conocido
por sus lámparas Secto Designs. Ahi aprovecho
para invitar a los asistentes a recorrer la
exposioción, porque junto con aprender de
materiales y procesos del diseño, el arquitecto
hizo una visita guiada por la exposición Light
Wood, mostrando sus piezas favoritas. A las
16 horas, puede ser uno de los 70 asistentes
a la charla del brasileño Renato Imbriosi y
trás ella, participar de la conversación que
sostendrá con sus pares chilenos Laura Novik
(Raíz Diseño), Macarena Peña (ONA), Ricardo
Pulgar y Claudia Betancourt (Walka).
A las 18 horas parte la ponencia del arquitecto
de interiores y diseñador de muebles
finlandés Petri Vainio, quien discutirá sobre la
manipulación de la madera. El domingo, en la
sala microteatro del primer piso se inaugura,
a las 7 PM, el Pabellón de la Luz, con 45
luminarias destacadas del diseño italiano de
los últimos 50 años. Además, podrá conocer al
ganador del concurso Luz para la vivienda, que
planteó el desafío de diseñar una luminaria
eficiente, segura y a bajo costo.
Fotografia:
Colectivo Aire Gemelo.
13
Reportaje
Circuito de diseño
A comprar. Aprovechando el contexto de la Bienal, nueve tiendas
ubicadas en Isidora Goyenechea, Drugstore, Barrio Italia y Alonso
de Córdova tendrán descuentos en sus productos de 40% en el
caso de Cómodo (Providencia 2124), 50% en Interdesign (Isidora
Goyenechea 3200). También puede darse una vuelta por el
local de Walmer (Nueva Costanera 3629), donde podrá ver una
vitrina de diseñadores emergentes, con el trabajo inspirado en la
naturaleza de Hielo Sur, una empresa de diseño de mobiliario e
interiorismo premium enfocada a proyectos residenciales. En la
tienda de Muebles Sur (Orrego Luco 150), una muestra histórica
con diseños de mobiliario de Nicolás Hernández, Germán
Rodríguez y Eveli Fernández.
Fotografia: Felipe Gonzalez.
“Ciudad de Lego”
Fotografía para
Noticias IPP.
Recorrido de Diseño
Bandera gigante de Lego
También puede ser un constructor. Esté atento,
porque al entrar a la Bienal podrá recibir piezas de
Lego e instrucciones de cómo armarlas y participar
de la construcción de una bandera chilena gigante,
que se estará levantando al interior de la estación.
La estructura tendrá seis metros de alto y se irá
montando por bloques. Aproveche y coloque
algunas de las 380 mil piezas que darán vida al
emblema nacional.
14
Ville KoKKonen
la Mirada nórdica
Invitado especial de la Quinta Bienal del Diseño, este diseñador vino a empaparnos de la sensibilidad finlandesa. El director de diseño de la prestigiosa firma Artek estuvo en Chile participando del evento y en su estadía pudo impregnarse de nuestra cultura y darnos las claves del diseño finés del que tanto debemos aprender.
“El gran desafío es ser capaz de olvidar por un segundo todo lo que se ha hecho anteriormente, de lo contrario se seguirá haciendo lo mismo que ya se ha hecho hasta ahora. Hay que volver a analizar la problemática desde su origen. Por ejemplo en el diseño de una silla; el mundo está lleno de sillas, por eso hay que volver al dilema y la necesidad de sentarse.”
15
Estuvo menos de una semana en nuestro país, pero tuvo
la posibilidad de conocer Valparaíso, visitar el campo de
experimentación arquitectónica de la PUCV Ciudad Abierta
en Ritoque, y sorprenderse con los edificios modernistas que
descubrió en su recorrido por Santiago. Sencillo, simpático y
académico en sus planteamientos, a sus 37 años es el director
de diseño de la mundialmente conocida firma finlandesa Artek,
creada en 1935 por Alvar Aalto, todo un referente y uno de los
contribuyentes más innovadores al diseño moderno.
Tanto desde su posición de director como de diseñador, Ville está
en constante proceso creativo. Su colección White para Artek
conmemorando sus 75 años de existencia fue lanzada el 2011 en
la Feria Internacional del Mueble de Milán, y seleccionada para la
colección permanente del Instituto de Arte de Chicago. Se trata
de una luminaria compuesta por cuatro conexiones diferentes.
El proyecto es el resultado de un estudio de investigación hecho
por Artek sobre el uso de la luz en los espacios domésticos, las
oficinas y los espacios públicos.
Gráfica realizada para Diseño
Escandinavia NOW!
16
Editorial
Kokkonen nació en Helsinki en 1975 y estudió Diseño Industrial
en el Ontario College of Art and Design y en la Universidad de
Arte y Diseño de Helsinki. En su rol como director de diseño
de Artek ha realizado proyectos de colaboración internacional,
como el Pabellón Artek 2007 con el arquitecto Shigeru Ban y
UPM. En su participación en la Bienal de Diseño fue parte de los
expositores del segundo taller nacional DIEN (Diseña Innovación,
Emprende Negocios) y el pasado 8 de enero presentó su trabajo y
experiencia en una charla monográfica en la Estación Mapocho.
Aquí nos habla de su particular visión del diseño.
Afiche para la campaña
realizada en Finlandia para
potenciar el diseño.
Especial V Bienal de Diseño
“Uno de los aspectos más importantes para un diseñador es que comprenda la totalidad del ciclo de vida de un
material.”
17
Ville Kokkonen durante su
conferencia
¿Cuáles son las principales características del diseño finlandés?
Puede caracterizarse como útil, reduccionista, tranquilo y sencillo en su forma, y pero muy
delicado en su escala. Se trata de materiales honestos, durables. El diseño finlandés está
representado por los objetos cotidianos que han estado en uso durante décadas. Esto se
pueden vincular a muchos de los monumentos del diseño finlandés. Sin embargo, la identidad
del propio trabajo de campo y de los diseñadores ha cambiado últimamente por productos
más centrados en los bienes intangibles. Hoy el diseño finlandés está haciéndose camino a la
investigación centrada en el usuario, basada en el diseño de servicios, el diseño estratégico y
desarrollo de conceptos para apoyar a las industrias en las que el “design thinking” no existía
antes.
¿De qué forma la geografía, la cultura y el acceso a los materiales determinan el trabajo de un diseñador?
Uno de los aspectos más importantes para un diseñador completo es que comprenda la
totalidad del ciclo de vida de un material. Los aspectos geográficos y culturales son importantes,
han estado en foco durante mucho tiempo como fuente de inspiración, comportamiento
y punto de vista del usuario. Este conocimiento e información es actualmente en nuestro
mercado global una necesidad más usable y asequible que nunca.
“Uno de los aspectos más importantes
para un diseñador completo es que
comprenda la totalidad del ciclo de vida de un material”
Entrevista
18
Especial
¿Por qué aceptaste venir a la bienal?
Porque siento mucha curiosidad por saber lo que
está pasando en Latino América, en especial en
Chile, he recorrido varias veces Europa
revisando lo que estamos haciendo
allá, pero ahora quiero saber cuál
es el estado del diseño en este gran
país y porque creo que Sudamérica
tiene un tremendo potencial al
que hay que sacar provecho desde
ya. Especialmente Chile, que tiene una gran
variedad de grandes recursos y opciones para
realizar proyectos en distintos materiales como es
el caso de la industria maderera. Además estoy
muy contento de poder estar en contacto con los
profesores locales, empresas, grandes y pequeñas,
que trabajen con diseño y diseñadores chilenos,
realmente es una experiencia muy grata.
¿Qué consejo le darías a las nuevas generaciones de diseñadores?
Cuando se trata de jóvenes y recién graduados, gran
parte del estudio es estar buscado
ejemplos, estudiando el pasado y la
historia del diseño como la Bauhaus
o el modernismo. Sin embargo,
todo esto es abordado muy desde
la superficie, y el gran desafío es ser
capaz de olvidar por un segundo
todo lo que se ha hecho anteriormente, de
lo contrario se seguirá haciendo lo mismo que ya
se ha hecho hasta ahora. Hay que volver a analizar
la problemática desde su origen. Hay demasiados
arquetipos, por eso los diseñadores y las empresas
deben volver a plantearse en conjunto los
proyectos, analizando la verdadera problemática a
la hora de enfrentar un nuevo diseño.
“Gran parte del estudio es estar
buscado ejemplos, estudiando el
pasado y la historia del diseño tanto
dentro de su pais como fuera, un gran
ejemplo de ello es la Bauhaus o el
modernismo”
Diseño industrial finlandés
expuesto durante la
conferencia de Kokkonen
19
ReportajeNoticia
Con la exposición del destacado diseñador francés, José Bodet,
la Universidad del Pacífico abordó el concepto de innovación,
asumido como objetivo estratégico para el Gobierno durante el
año 2013.
El simposio, cerrado para estudiantes del área del diseño, se llevó
a cabo el miércoles 17 de abril en Casa Central de la Universidad
del Pacífico.
“Ser innovador no es una cualidad, es una actitud. Tener una
actitud innovadora no es algo que se aprenda en el momento,
sino algo que viene desde la educación en la infancia. Se debe
aprender toda la vida y estar conectado a la educación”, dijo en
la oportunidad el experto, haciendo un nexo entre educación e
innovación, y destacando la importancia de la lectura desde una
temprana edad.
La innovación, aclaró, tiene mucho que ver con la cultura que se
adquiere por medio de la educación. Esto determina las actitudes
frente a la innovación, así como también el entorno social y
familiar, y la historia. En palabras de Bodet, “todo esto hace que
seas una persona con capacidad de innovar. Es importante no
tener perjuicios por que se cierra la puerta al descubrimiento.
Lo que uno debe hacer es quitarse el miedo a lo nuevo y
desconocido”.
Durante su exposición, Bodet relató parte de su historia de
actitudes innovadoras, que van desde su primer contacto con
la tecnología, hasta su actual desempeño enfocado en mejorar
la calidad de la educación en la enseñanza media y superior,
pasando por su llegada a Chile en el 95’, sus primeros pasos en
pre prensa (1992), su experiencia en el área de publicidad, en
flujo de color ICC (1996), en flujo de pre prensa PDF (1999) y su
experiencia como evangelista de InDesign (2000), entre otros.
Universidad del Pacífico realiza
Simposio de Diseño
“Ser innovador no es
una cualidad, es una
actitud”
Bodet durante el
simposio con los
alumnos
20
21
Diseño Realizado por Scandinavian
Group Design
Finlandia transformó el diseño en una industria nacional
y marca internacional, esta semana llega a Chile una
delegación de ese país y el lugar de encuentro será en la V
Bienal de Diseño de Santiago para contar su experiencia a
un sector que está empezando a despegar.
22
Design in Scandinavia
Entre 1954 y 1957 la exhibición “Design in
Scandinavia” recorrió 24 museos de Estados Unidos
mostrando 700 objetos de diseño creados en
Suecia, Dinamarca, Noruega y Finlandia. Más de
un millón de personas, solo en los Estados Unidos,
hicieron fila para ver la muestra de sillas, alfombras,
platería, vasos y jarrones traídos del frío nórdico. Su
influencia fue tal que transformó la decoración de
los hogares estadounidenses con su estilo, que hoy
se conoce como mid-century modern, y de paso,
creó la marca del diseño escandinavo.
“En esta bienal queremos ver cómo podemos, a
través del diseño, fortalecer la imagen país, la
identidad país, mejorar la competitividad, generar
emprendimientos y potenciar una industria que
hoy es bastante incipiente”, explica Alejandra
Amenábar, presidenta de la bienal y decana
de la Facultad de Diseño de la Universidad del
Desarrollo, universidad que organiza la cita
junto a la Universidad Católica. “Finlandia es un
referente de esto mismo. De partida es un país muy
pequeño, con pocos habitantes, que a partir de sus
tradiciones, de su trabajo con materiales locales
-como la madera y el vidrio- ha sabido potenciar
esto, y a partir de las competencias, habilidades
y sensibilidades propias de sus diseñadores han
sido capaces de desarrollar productos sumamente
vanguardistas para el mercado global, queremos
aprender de esto”.
Afiche de la exhibición Design
in Scandinavia
Hoy éste es uno de los grupos más respetados y populares del
mundo en cuanto a diseño se refiere. Finlandia, específicamente,
ha aprovechado esa marca y la ha transformado en una industria
y prioridad, impulsada por una política nacional de diseño.
Esta semana una delegación proveniente de Helsinki, la Capital
Mundial del Diseño 2012, llegó a Chile para contar las claves de su
éxito en la 5ª Bienal de Diseño, que estará en el Centro Cultural
Estación Mapocho hasta el 13 de enero, ahi hablaran de sus
extrategias como pais para lograr que el diseño surgiera.
“En esta bienal queremos ver cómo podemos, a
través del diseño, fortalecer la imagen país, la
identidad país, mejorar la competitividad, generar
emprendimientos y potenciar una industria que
hoy es bastante incipiente”.
Especial
23
Cuestión de Estado
El tour por Estados Unidos fue el hito que
internacionalizó el diseño escandinavo, además
del éxito de los muebles de Aalto y los textiles
de Marimekko, el trabajo en Finlandia había
comenzado mucho antes. Ya a fines del siglo XIX se
había creado la Sociedad Finlandesa de Artesanías y
Diseño, que tenía como objetivo promover las artes
manuales dentro de la industria y la educación.
Por esta razón creó una escuela que enseñaba
estos oficios artesanales, que con los años fue
ganando reputación y en 1973 se transformó en la
Universidad de Arte y Diseño de Helsinki, una de las
mas respetadas al dia de hoy.
“Hemos tenido Diseño Industrial como una
profesión por varias décadas ya. Somos uno de
los pioneros, después de la Bauhaus de Alemania,
en los estudios profesionales en esa área. Es una
parte integral de la industria finlandesa”, dice
Harri Koskinen, actualmente el principal diseñador
finlandés y quien participó en las conferencias y
actividades de la bienal en Santiago.
La reputación del diseño finlandés comenzo a crearse a mediados
del siglo XX, gracias a la combinación de su participación en
las trienales de Milán, una serie de premios y un trabajo de
promoción internacional.
Sin embargo, su momento clave fue en los años 90: el país estaba
en recesión, la banca en una grave crisis y el desempleo en una
terrible alza, a lo que se sumó el endeudamiento del Estado, la
inflación y el colapso de la Unión Soviética, un importante socio
comercial, todo esto presagiaba que el desarrollo de la industria
del diseño se veria frenada, pero fue entonces que surgió
un movimiento nacional que apostaba por medidas de largo
plazo, más que por soluciones inmediatas. Entre ellas figuraba
la creación de una política nacional de diseño. Su formulación
comenzó en 1996 gestandose durante varios años, cuando
Design 2005! finalmente vio la luz el año 2000 con tres objetivos:
mejorar la calidad del diseño, promover el uso de oportunidades
inherentes al diseño para mejorar la competitividad y fomentar
el empleo, y desarrollar la calidad de vida y una cultura nacional
distintiva, creando una marca reconocible a lo largo y ancho de
todo el mundo.
Diseño de adornos navideños,
por Scandinavian Group
Reportaje
24
Partiendo por casa
Clave en la implementación de esta
política fue el Design Forum Finland,
el nombre más internacional que
tomó la Sociedad de Artesanías y
Diseño en la década de los ochenta
para centrarse en promover el diseño
entre la pequeña y mediana empresa,
y el extranjero. “Nuestra tarea más
importante es promocionar el diseño
finlandés tanto en casa como en el
exterior. Crear los contactos correctos
con diseñadores, empresas y retailers.
También es clave que las empresas
entiendan la importancia del uso
del diseño”, explica Heidi Valkola,
project manager de la organización,
que además de diseñadores como
Koskinen y Ville Kokkonen, traerá la
muestra “Light Wood” a Santiago .
“Nuestro desafío es conseguir que
las compañías vean la necesidad
de invertir en diseño. Porque éste
todavía se percibe principalmente
como el diseño de objetos”.
Esa visión global es lo que muchos creen que Chile
debería imitar. “Esa política nacional de diseño es
algo que a nosotros nos falta. Ellos enseñan diseño
en los colegios, hasta hay beneficios tributarios
para las empresas que incorporan diseño en sus
procesos, y una serie de otras acciones que apuntan
al desarrollo de esta industria que gira en torno al
diseño”, comenta Amenábar.
Diseños creados por
Marimekko, empresa dedicada
mayoritariamente al diseño textil
Folleto diseñado para el Design Forum por
Piritta Hannonen
Especial
25
Nordic Light Candelistick, diseñado por
Jonas Grundell
Lecciones para Chile
Una de las razones por las que la organización invitó
a Finlandia a la muestra es por los paralelos que
ven entre ambos países -el aislamiento geográfico,
su reducido mercado interno, el uso de materias
primas- . “Lo que se hace en Chile es muy parecido
al diseño nórdico”, dice Alfonso Díaz, jefe de Arte,
Arquitectura y Diseño de la DIRAC del Ministerio
de Relaciones Exteriores. Tal como hace Chile
ahora, Finlandia comenzó a hacerse un espacio
participando en ferias internacionales.
“En eso está trabajando el Consejo de la Cultura la
DIRAC, organismos que han sido fundamentales
para concretar la presencia nacional en el Salón
del Mueble en Milán y 100% Design en Londres”,
comenta Cristián Montegú, presidente de Chile
Diseño.
Una de esas es The Andes House. La oficina, que
nació en 2007 con la exitosa línea de lámparas
Made in Mimbre, ha participado en estas ferias con
éxito y eso les ha permitido internacionalizarse. Y
su receta ha sido muy finlandesa: Objetos originales
creados con materias primas locales y una cuota de
diseño. “Yo creo que la diferencia es poder trabajar
con el contexto que nosotros tenemos. Yo no quiero
diseñar como diseñan los italianos, o como lo hacen
los ingleses. Yo tengo una realidad y con eso tengo
que trabajar. Y eso da una oportunidad de hacer
un diseño distinto que es lo interesante”, afirma
Cristián Domínguez, uno de los socios de The Andes
House. “Lo que acá percibíamos como debilidade
-la precariedad de la industria, los oficios antiguos,
el uso de materiales muy chilenos- en el extranjero
son fortalezas”, explica Díaz, de la DIRAC.
Quizás el impulso final es lograr que el país entienda
el valor agregado que aporta el diseño. “Uno de los
puntos que queremos destacar es cómo la industria
y los diseñadores deben colaborar. Usar el diseño
es realmente un recurso de la industria, debe ser
una parte integral”, dice Koskinen, que en sus 42
años ha diseñado para marcas como Iitala y Seiko, y
es el responsable de la botella del vodka Finlandia,
reconocible en todo el mundo.
Reportaje
“Hay un posicionamiento del diseño chileno como diseño joven
en el mundo, que es súper importante. Cuando se preguntan
adónde buscamos diseño joven, Chile aparece como candidato
en donde ya hay al menos diez empresas que tienen productos
interesantes”
26
Especial V Bienal de Diseño
Editorial
co
nsta
nza g
ag
ger
o
Esta diseñadora gráfica dice que hoy todo es tan visual, que resulta inevitable asimilar
todo. Lo bello y perfecto, pero también lo feo, en pequeñas dosis, claro. Esa es una de las
premisas de esta chilena que lleva seis años creando y mirando en Londres, donde instaló
su estudio. En la 5ª Bienal de Diseño que se está desarrollando en Santiago presentó el
trabajo que realizó para el British Museum
“Uno aprende a mirar sin darse
cuenta”
27
Diseñado por Constanza
Gaggero para el museo
Británico.
Vino desde Londres, por unos días, y reconoce estar feliz. Contrario a lo que
muchos puedan pensar, Constanza Gaggero, destacada diseñadora gráfica
chilena, advierte que en estas tierras algo más espontáneas, sus ojos descansan.
“Allá es demasiado. Vas al supermercado y todos los empaques son maravillosos;
y luego vas a la farmacia, ¡y lo mismo! Todo es perfecto y eso, a veces, agota,
uno de verdad se cansa de ver diseño, dieño, diseño en todas partes!”. Chile la
recibe, entonces, con todas sus informalidades, pero también con proyectos
personales y con la actual Bienal de Diseño que, por estos días, acoge parte de
su trabajo realizado en el British Museum. “El museo había hecho cambios en el
año 2000, pero querían transformar su imagen e identidad, desde el logotipo
en adelante. Por cosas de la vida impresionantes, me tocó liderar ese gran
proyecto y fue increible, una experiencia sumamente grata”, aclara.
Tiene 33 años y hace seis que se fue a vivir a Londres en compañía de su marido,
el diseñador Juan Pablo Rioseco. Ahí nacieron sus dos hijos, Tomás y Gabriel, de
5 años y de 11 meses. Una oportunidad que ambos han sabido aprovechar. Él,
porque se fue con empleo estable y ella porque trabajó algunos años en este
prestigioso museo. Hace tres meses decidió independizarse y abrió su oficina
Gaggeroworks, lugar que le permite trabajar para la editorial British Museum
Press, para Southbank Centre (entidad dedicada al arte) y para algunos clientes
privados
“En mi casa no hay nada que no me guste mucho. Compro cosas por lo lindas que son. No importa que no sirvan o que no sean ricas, ¡porque son bellas! Por eso colecciono, por el valor estético.”
Entrevista
28
La cuota de fealdad
En su caso, el talento, dice, viene de los genes y de una historia
familiar que se resume así: papá y abuelo arquitectos (Leonardo y
Hugo Gaggero), muchos lápices de colores y una casa única para
pasar la infancia. esto explica mucho de la personalidad y del
trabajo de Constanza realiza en Londres.
“Crecí en una casa supervolada de Pedro Valdivia Norte, llena
de desniveles y escondites, como una casa de cuentos.. Había
también muchos muebles de diseño, aunque también mezclados
con un ambiente medio ‘hippón’. Mi abuelo tenía un altillo al
que se llegaba por una escalera de caracol y solo se podía entrar
en contadas ocasiones. Ahí estaban los lapicitos de colores todos
ordenados, ¡era bien mágico! Creo que esa casa me marcó harto.
Quizá una de chica no se da cuenta, pero como que te va entrando
todo por osmosis”.
Ahora vivimos en Islington, un barrio medio alternativo, en
un departamento con jardín en el primer piso. Soy medio
loca. Colecciono platos en las murallas, papelitos, laminitas de
botánicas, en fin, cosas que me parezcan lindas, con un diseño
interesante. ¡Es que tengo puros cachureos! (ríe).
Creo que el escenario para desarrollarse en el diseño depende del
minuto. Acá hay más oportunidades para emprender, está lleno
de gente inventado proyectos nuevos, en Londres en cambio la
competencia es feroz. Por eso has dicho que tu vida
allá te ha obligado a esforzarte el doble. Claro,
porque uno tiene que elevar el estándar. Allá hay
que esforzarse cinco veces más para ser innovador.
Desde mi mirada como diseñadora, la verdad estoy
un poco desencantada. Algo me pasa al darme
cuenta de que todo está tan manoseado.
Y creo que ese el precio por vivir en una de las mecas
del diseño. Entonces, tus ojos descansan cuando
vienes a Chile. Descansan. Allá es demasiado.
Vas al supermercado y todos los empaques son
maravillosos, y luego vas a la farmacia, ¡y lo mismo!
Todo es perfecto y eso a veces agota. También hace
bien ver cosas feas o que no todo esté tan pensado.
Acá no está todo controlado, es un poco más hippie.
Fotografía tomada el año 2006 en el museo
Britanico, cuando Gaggero trabajo con ellos.
Especial
“Soy medio loca. Colecciono platos en las murallas,
papelitos, laminitas de botánicas, en fin, cosas que
me parezcan lindas, con un diseño interesante. ¡Es
que tengo puros cachureos!”
29
Vicente Larrea
Vicente Larrea ingresó a la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de
Chile pensando en convertirse en dibujante publicitario, pero dentro de la
universidad surgió su interés por el diseño gráfico. Uno de sus profesores fue
Waldo González y fue muy importante en la formación de Larrea. Luego de
terminar sus estudios ingresó a trabajar en el Departamento de Extensión de
la Universidad y tras cuatro años decide instalar una pequeña oficina en la
calle Huérfanos. Carlos Quezada, estudiante de cerámica y cercano a Larrea, le
pide que diseñe la carátula del primer disco de un nuevo conjunto folclórico,
Quilapayún. El disco se titula Víctor Jara + Quilapayún y se trata de uno de los
primeros emprendimientos de la Dicap (Discoteca del Cantar Popular).
Luego de este trabajo vinieron aproximadamente 120 carátulas de discos y
cerca de 300 afiches, los cuáles convirtieron a la oficina de los Larrea en uno de
los referentes ineludibles del período. En términos tipográficos, los carteles de
la oficina Larrea arraigaron en el imaginario de la época la transformación de
la escritura manual en un código cultural -con el contorno irregular y el trazo
grueso como rasgos principales- hasta convertirse en una de sus características
iconográficas.
Maestro del Cartel Chileno
“La cultura general ayuda a hacer buen
diseño”
“La Juventud se Compromete con la
Patria”. La concepción es de Vicente.
Combinando expresiones visuales
tomadas de la película El Submarino
Amarillo, con tipografías en palo
seco. (1971, 75 x 109 cm, offset)
Cartel To laugh about everytime...,
inspirado por el diseñador Ben
Shann. (1968, 37 x 76,8 cm, serigrafía)
Reseña
30
DIPLOMADO
“CREATIVIDAD E INNOVACIÓN, DESDE EL DISEÑO Y LOS NEGOCIOS” (1° SEMESTRE 2013)En la actualidad Chile ha entrado en una nueva fase donde el desarrollo sostenido, la globalización y la revolución
tecnológica transformarán radicalmente nuestro paisaje económico e industrial. En este contexto de cambio continuo y
generalizado, nuestro país tiene ante sí un extraordinario desafío: La Innovación. ¿De qué manera podemos desarrollar
como país las condiciones, herramientas y plataformas que nos permitan innovar desde nuestra realidad? ¿Cómo
encontrar soluciones creativas, descubrir oportunidades y detectar necesidades que puedan alimentar la innovación?
La Universidad Católica se encuentra en un proceso de desarrollo de proyectos académicos que tiene como misión
promover transversalmente el espíritu emprendedor e innovador, desde donde han surgido reflexiones y muchas
actividades en torno a la relevancia del diseño como proceso de pensamiento creativo que promueve la innovación.
Desde una mirada que reúne a las disciplinas del diseño y los negocios, surge la oportunidad de generar un diplomado
que le permita a ejecutivos, emprendedores y profesionales aprender técnicas y herramientas que fomentan la
generación de ideas y además conocer metodologías de creación, evaluación y comunicación para acortar la brecha entre
la idea y su ejecución. Se trata de un programa pionero en reunir de manera interdisciplinaria a los mejores docentes
UC pertenecientes a la Escuela de Diseño y de la Escuela de Administración. El Diploma está dirigido a ejecutivos y
profesionales de empresas, pertenecientes a cualquier área dentro de la organización que posean interés vocación por la
creatividad e innovación continua de productos y procesos. Está pensado para quienes quieran impulsar ideas o proyectos
innovadores dentro de su contexto de trabajo o bien para emprender un nuevo negocio mediante el desarrollo de la
creatividad, el conocimiento de sus clientes/usuarios, la creación de nuevas oportunidades, la innovación y el aumento
de productividad. Para cursar el Diploma no se requieren conocimientos previos en Diseño, Ingeniería, ni Administración.
Valor: $1.975.000.- ( incluye $ 25.000 de Inscripción (25% de descuento por inscripción anticipada)
Cursos
31
ReportajeNoticia
Un muro. ¿A quién le podría importar tanto un
muro? ¿Qué trascendencia podría llegar a tener
una muralla pintada con caras alargadas de colores?
Mucha, más de la que podemos imaginar. Y aunque
de manera tardía, cuando ya no hay nada más que
hacer, porque su destrucción fue total, vale la pena
señalar una o dos ideas sobre quién es este Thierry
Noir, su importancia mundial en el graffiti, y lo que
significa perder esa obra que estaba enclava en el
corazón del Barrio Lastarria.
Atendiendo al contexto general, esto parte mucho
más atrás del inicio de Thierry Noir en el street art.
Tiene que ver con el más famoso muro de occidente,
el que no necesita presentaciones. Ese que separó
las dos alemanias durante casi tres décadas.
Con una reputación que ahorra explicaciones más
profundas, basta sólo mencionar que el muro –
sí, el muro de Berlín- se levantó en 1961 con el
nombre oficial de Muro de contención antifascista;
mandado a construir por parte de las autoridades
de la ex RDA, fue durante toda su existencia, objeto
de discordia y un icono del siglo XX.
Imposible olvidar esas imágenes, transmitidas
por todo el mundo, de alemanes de ambos lados,
martillo en mano, destruyendo y cruzando el muro
para abrazarse a los sones de la novena sinfonía
de Beethoven, gente desconocida que por razones
ideológicas, eran rotuladas por las autoridades
como enemigos políticos. Pero esas imágenes de
alegría contrastan con las otras, las que resultan
también imposibles de olvidar, las de cientos de alemanes que
murieron tratando de cruzar esa muralla que dividió el mundo,
que marcó un enfrentamiento ideológico materializado en
ladrillos, actor protagónico de la Guerra Fría.
La obra de Thierry Noir en Santiago ha
desaparecido o mejor dicho, ha sido destruida
-probablemente- por intereses inmobiliarios que
solo vieron en el muro caras alargadas de colores
sobre un fondo azul.
la destrucción del mural deLos muros de la vergüenza:
thierry noir
Mural del artista en el barrio Lastarria, próximamente será
demolido
32
Editorial
“Tenemos un complejo de inferioridad tremendo, de
partida, no asumimos nuestras raíces mapuches, lo
vemos con vergüenza. Culturalmente es un país súper
avergonzado. No se siente cómodo”
Las artes y el cómic desde lo femenimo:
Marcela trujillo y sus tumores femeninos
33
Fluida, locuaz, chora, creativa, simpática, graciosa, fresca y sobre todo desacomplejada,
asi la describen sus amigos. La siguiente entrevista encarna muchos de esos epítetos.
Marcela se explaya sobre el carácter autobiográfico de su obra, reconoce una apertura
de intimidad femenina a través de su trabajo, detalla los episodios de censura a los que
la ha sometido —a fines de la dictadura, en democracia en The Clinic—, y repara en los
problemas de los artistas chilenos para conectarse con sus raíces.
Pneumonía necrotizante
“A principios del 2007 mi hija Lulú, 3 años, se infectó con un pneumococo que la tuvo un mes
en la UCI. Fué un episodio trágico de los que quisiera olvidar. Una vez que estuvo sana en
casa, me preguntaba cómo podría hacer para que ésto no fuera una experiencia traumática
para ella. Comenzamos juntas a recordar los episodios que eran mínimamente divertidos.
Finalmente decidí hacer una pintura y graficar el suceso de forma lúdica, para que ella
pudiera verlo como un mapa donde las anécdotas suceden con principio y fin, desde lejos,
como arriba de un avión para que sintiera que es algo que puede dejar atrás.”
Entrevista
34
Especial V Bienal de Diseño
Editorial
"Ladies of cosmopolitan blood"Acrílico sobre tela, 122 x 122 cm.
Acuarela de la serie Tumores Femeninos
genial, porque eran súper honestos, pero a la vez
súper gracioso, tenía ese punto de vista femenino y
acá yo no había visto nada así.
Comencé a leer historias de Julie Doucet o Phoebe
Clemensy y con todo eso me di cuenta de que
yo quería hacer mi historia también, porque me
pareció súper choro y decidí hacer a Maliki, ahí
empecé a hacer estos comics sin tener alguna idea
de publicar, solo los quería hacer para regalárselos
a mis amigos, no tenía toda esa carga de la plata
y empecé a disfrutarlo harto porque tenía esa
frescura, después se fue poniendo más complicado
técnicamente, porque ya las narraciones eran mas
elaboradas y todo..Pero eso es a grandes rasgos
como empecé con esto.
Ahora Marcela presentará “Tumores Femeninos”,
una exposición formada por una serie de pinturas
donde la artista recrea cúmulos mezclando cabello,
zapatos de tacón, trozos de organismos humanos y
vegetales, entre otros ingredientes.
“...No fue hasta que llegue a nueva york donde empecé a leer
comic sobre mujeres, autobiográficos también sobre la mujer,
sus traumas, sus dramas, sus falencias y como la mujeres se exige
mucho, y esto me parecía genial, porque eran súper honestos,
pero a la vez súper gracioso...”
Como buena alumna de Arte de la U. de Chile,
Marcela vivía aferrada a los óleos, hasta que en los
90 la artista se mudó a Nueva York y el mundo de
la ilustración le abrió la cabeza metiendola de lleno
en el cómic. Por años, renegó de la pintura hasta
que una ruptura amorosa la devolvió a los pinceles,
tras buscar una forma de expresión más visceral.
Hoy, Trujillo es aplaudida en ambas disciplinas. El
año pasado tuvo una retrospectiva de pintura en
el MAVI, al mismo tiempo que se consolidaba como
dibujante con el libro Maliki cuatro ojos.
¿Cómo te diste cuenta que tu vida era material para hacer un comic?
No fue algo instantáneo, lo primero que hice fue
para El Trauko, eran guiones de un amigo y yo se los
dibujaba, y eran historias de un hombre, historias de
personajes masculinos que eran buenos para tomar
y todo… Yo no tenía nada que ver con eso y cuando
estaba en la u comencé a escribir y a dibujar sobre
eso, este fue mi primer trabajo autobiográfico, a
todos les encanto porque podían reconocerse, pero
no fue hasta que llegue a nueva york donde empecé
a leer comic sobre mujeres, autobiográficos, sus
traumas, sus dramas, sus falencias y como se exige
mucho a la mujer en general, y esto me parecía
“...La idea de dibujar tumores no me vino porque
los tenga. El concepto de TUMOR viene de la manía
que tengo de acumular cosas, no solo cachureos
físicos, sino cosas emocionales”
35
Como ella misma cuenta “la idea de
dibujar tumores no me vino porque
los tenga, los quiera o tema tener.
El concepto de TUMOR viene de
esa manía que tengo de acumular
cosas, no solo cachureos físicos, como
muñecas, recortes, revistas o libros,
sino cosas emocionales que no puedo
expresar, cosas que guardo por
miedo al rechazo o a estar bajo mis
expectativas o de los demás. Yo creo
It's time to bed, sweetheart"Acuarela sobre papel, medidas 36 x 26 cm, 1999
“...Nosotras siempre tendremos
esta tendencia a acumular, a juntas,
a enredar las cosas, a hacer nudos
emocionales, que podrían convertirse
en tumores...”
It's time to bed, sweetheart"Acuarela sobre papel
Medidas 36 x 26 cm, 1999
que las personas, y en especial las mujeres, tenemos muchas presiones sociales
y personales que nos obligan a “ser” o “vernos” de determinadas maneras, y
por muy evolucionadas y librepensadoras que lleguemos a sentirnos siempre
tendremos esta tendencia a acumular, a enredar las cosas, a hacer nudos
emocionales, que podrían convertirse en tumores (quizás no tan excéntricos
como estos)”. De ahi sale toda esta idea, de generar una serie de pinturas donde
quede plasmado todo eso, esa maraña de tumores que vamos acumulando dia
tras dia las mujeres. Las obras se exhiben en la Factoría Santa Rosa, una ex
fábrica textil, ubicada en el corazón del barrio Franklin.
Entrevista
36
Feria Internacion del Comic en Santiago (FIC)
El corazón del encuentro es una gran exposición, que tiene entrada
liberada y se realizará los días 20 y 21 de abril en el Área de diseño
del Instituto Profesional Santo Tomás (Vicuña Mackenna #4835,
Estación de Metro San Joaquín).
Hoy, cuándo el cómic ya está instalado en Chile
y esta industria -que funde arte y entretención-
vive un saludable momento, la Feria Internacional
de Cómic de Santiago (FIC) tendrá su esperada
segunda versión, los días 19, 20 y 21 de abril del
2013.
La feria contara con stands de expositores, charlas,
talleres, concrusos, premiaciones, y hasta un
encuentro con un cazatalentos de Marvel, formarán
parte de este importante evento en torno al cómic
nacional que será gratuito y tendrá como sede
el Área de Diseño del Instituto Profesional Santo
Tomás (Vicuña Mackenna #4835, Estación de Metro
San Joaquín).
Este año FIC Santiago tiene una lista de importantes
invitados, como por ejemplo, James O’Barr,
creador de “El Cuervo” (1981), la novela gráfica
independiente más vendida hasta el momento,
que inspiró la película homónima protagonizada
por Brandon Lee y de la cual se prepara un remake.
Junto con él, destaca la visita de C.B. Cebulski,
escritor y editor de Marvel Comics, y Vicepresidente
de Desarrollo Creativo de Marvel.
La cita también contará con la participación de
Renee Witterstaetter, escritora, productora y
editora, en títulos como Superman (DC Comics),
Silver Surfer, Conan The Barbarian y Conan Saga,
She-Hulk (Marvel), X-Files, Jurassic Park, Xena y
Hércules (Topps Comics), Martín Canale, uno de los pioneros y
más reconocidos escultores de figuras de cómic en el Mundo,
quien trabaja actualmente para Sideshow Collectibles.
Para quienes deseen profundizar más en algunas áreas del rubro,
se organizaron talleres de Escultura, Guión y Clínica de Cómic.
Cada taller tiene un valor único de $5.000 y 20 cupos disponibles.
¿Qué hacer?
37
“Diosas Tutelares” en Posada del Corregidor
Goethe interpretaba su concepto de “el eterno femenino” como la idea de
belleza que está en todas las mujeres. El trabajo de Lila Calderón transita por
estas reducciones simbólicas de la condición de ser mujer, de ser mujer en esta
contemporaneidad, donde el ya intentarlo puede ser un acto heróico, más
aún pintar estas deidades con atributos femeninos con tanta insistencia, bien
podría parecer un lamento heróico, un intento de simbolización de aquellos
fantasmas de la condición de ser y estar siendo mujer hoy.
¿Es que las Diosas no son hoy posibles?
Una divinidad tutelar es un espíritu o deidad a cargo de ser guardián, patrón o
protector de un lugar particular, accidente geográfico, persona, linaje, nación,
cultura o profesión en la religión politeísta o animista. Un concepto similar
en el cristianismo sería el santo patrono o, en un grado inferior, el ángel de
la guarda. En el catolicismo, María es considerada de una sola naturaleza, la
humana, y no de naturaleza divina. En el politeísmo griego, Atenea era la diosa
patrona de la ciudad de Atenas. Minerva de Roma, y así, muchas Diosas han
habitado el imaginario de las diversas culturas.
Como vemos en esta serie de pinturas, las diosas frecuentemente son parte
de un largo panteón icnográfico que incluye los géneros convencionales y,
en algunos casos, incluso deidades que huelen y transpiran a Latinoamérica,
telúricas, cargadas de frutos y coloridos de la tierra, adonde son convocados
los inciensos y auras doradas de Bizancio y los referentes culturales de nuestra
occidentalidad mestiza, en una paleta cargada de poesía.
Desde el 12 al 26 de Abril.
Galería de Arte Posada del Corregidor.
Lunes a viernes de 10:00 a 18:00 horas.
Esmeralda N° 749, Santiago
Pinturas que son parte de las
exposición.
Panoramas
38
El 15 de abril se festeja en todo el país el Día de la Cocina Chilena
y para ponerle un poco de color, el sitio Cositas ricas ilustradas
(http://cositasricasilustradas.blogspot.com) invita a todos los
amantes de la gastronomía patria a enviar su mejor receta criolla.
La preparación más apetitosa será ilustrada por Pati Aguilera,
creadora del sitio, e incorporada a un libro en el que seleccionará
algunos de los mejores platos de la cocina chilena. Además,
recibirán un set de recetas magnéticas firmadas por la autora.
“La idea es difundir nuestra gastronomía y transmitir las
delicias que durante décadas se han disfrutados en nuestra
mesas”, explica la ilustradora, quien durante más de un año ha
condimentado con sus dibujos y colores recetas tradicionales
como el charquicán, el pebre, las sopaipillas o el borgoña.
Con más de 20 mil visitas, muchas de ellas desde el extranjero,
y un fiel grupo de seguidores que queda semana se deleitan
con las preparaciones de Pati Aguilera, Cositas ricas ilustradas se
ha transformados en una vitrina para aquellos que gozan de la
ilustración y la comida.
La invitación esta hecha, deleite para el paladar y deleite para la
vista, estan todos invitados a participar y/o a disfrutar de estas
exquisitas recetas para preparar en casa, todo esto con el toque
de la ilustradora nacional.
Pati Aguilera sazona las mejores recetas chilenas
Quienes quieran participar en el concurso pueden
enviar sus recetas a cositasricasilustradas@ajicolor.
cl.Tienen plazo hasta el 30 de abril.
Receta ganadora el año 2012, “Mote con Huesillos“
y su respectiva ilustración.
¿Qué hacer?
39
Una clase magistral
Responsable de transmitir a los jóvenes aprendices la práctica y los secretos
del oficio, en la Edad Media y el Renacimiento el maestro era el encargado de
ayudar a sus discípulos a encontrar su propio camino artístico.
La ilustración y la historieta chilena no fueron ajenas a esa práctica. Durante
la primera mitad del siglo XX, quienes deseaban dedicarse a este arte -por
entonces considerado menor- ingresaban a alguna de las múltiples revistas
o alguna de las grandes editoriales donde las imprentas consumían día a día
enormes cantidades de material gráfico.
Ahí eran recibidos por maestros como Coré, Coke, Pepo o Máximo Carvajal,
quienes aconsejaban, guiaban y apoyaban la labor de los imberbes aspirantes.
Algunos de esos maestros están hoy presentes en la muestra para demostrar
que sus enseñanzas siguen vigentes. El trazo prodigioso de Pepo, el talento de
Carvajal para poner acción una línea, el humor de Nato, el color de Mario Igor,
la amplitud de registros de Vicar, son lecciones que vale la pena repasar.
Presten atención, tomen nota y disfruten lo que estos grandes maestros vienen
a compartir con nosotros. ¡Hay mucho por aprender!
Exposición Cinco Grandes de la época de Oro:De Nato, Mario Igor, Máximo Carvajal, Pepo y Vicar
16 de marzo al 23 de abril de 2013, en
PLOP! Galería
Merced 349, local 7. Barrio Lastarria,
Martes a domingo. 12:00 a 21:00 h
Obras en venta
Entrada: Liberada
Renato Andrade, Nato (1921 – 2006)Dibujó para la revista El Cabrito. Creó los personajes
Cachupín, en la revista Estadio, y Toribio, el
Náufrago, en Pobre Diablo. Fue director de arte de
populares publicaciones y trabajó en la colección
infantil de Quimantú.
Víctor Arriagada, Vicar (1934 – 2012) Comenzó como dibujante en la revista Mampato,
para después trabajar en las revistas Barrabases,
El Pingüino, Topaze, etc. Creador del personaje El
Huaso Ramón. Es internacionalmente conocido por
ser uno de los dibujantes más importantes de Pato
Donald.
René Ríos Boettiger, Pepo (1911 – 2000)Creador del legendario personaje Condorito. En
su larga trayectoria dio vida a personajes como
Viborita y colaboró en las revistas Can Can, El
Peneca, El Pingüino, entre muchas otras.
Mario Silva Ossa (Coré) (1913 – 1950)Fue el gran portadista de la revista El Péneca
y uno de los primeros ilustradores chilenos en
obtener amplio reconocimiento por su labor y
realizó innumerables trabajos para las colecciones
infantiles de editorial Zig-Zag.
Máximo Carvajal (1935 – 2006)Dibujó en Mampato y creó Dina y Nino en la tierra
perdida. Fue parte del equipo que llevó al papel
el radioteatro El siniestro Doctor Mortis, original
de Juan Marino, y que se convertiría en una
importante historieta chilena. Publicó también en
revistas como Rocket, La papaya y Ácido.
Mario Igor (1929-1995)Trabajó en la revista Okey, en la que dio vida
a la historia La marca del escorpión, y en el
departamento de historieta de Zig-Zag. Colaboró
en las publicaciones Mampato y Condorito, entre
otras.
Los Artistas
Panoramas
