Destacados de Programación Noviembre 2016 - …allegrohd.com/images/acpacs/Allegro_HD_Destacados_Noviembre_2016.pdf(1881-1945) y Años de Soledad, de Astor Piazzolla (1921-1992),

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Destacados de Programación – Noviembre 2016



Destacados de Programación Noviembre 2016

ÓPERA – La traviata: ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – Estreno 5 de noviembre – Pág. 3

CONCIERTO – Camerata IUNA: Conciertos en Libertad – Estreno 5 de

noviembre – Pág. 5

CONCIERTO – Herbert von Karajan: concierto conmemorativo en su 100.º aniversario – Estreno 6 de noviembre – Pág. 7

ÓPERA – Cyrano de Bergerac: ópera en cuatro actos de Franco

Alfano – Estreno 12 de noviembre – Pág. 9

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: obras de Nicolas Bacri – Estreno 13 de noviembre – Pág. 11

CONCIERTO – Hollywood en Viena 2013: tributo a James Horner –

Estreno 13 de noviembre – Pág. 13

ÓPERA – Roméo & Juliette: ópera en cinco actos de Charles Gounod – Estreno 19 de noviembre – Pág. 15

CONCIERTO – Joseph Calleja: tributo a Mario Lanza – Estreno 20 de

noviembre – Pág. 17

ÓPERA – Andrea Chénier: ópera en cuatro actos de Umberto Giordano – Estreno 26 de noviembre – Pág. 19

CONCIERTO – Jackie Evancho: Awakening – Estreno 27 de noviembre

– Pág. 21



Una de las grandes óperas verdianas, servida desde el Festival de Salzburg con un trío

protagonista de excepción.

Género: ópera, música clásica, música romántica, verismo.

Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón, Thomas Hampson, Helene Schniderman, Diane Plicher, Salvatore Cordella, Paul Gay, Herman Wallén, Luigi Roni, Wilhelm Schwinghammer, Dritan Luca, Friedrich Springer, Wolfram Igor Derntl, Athol Farmer; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Willy Decker [dirección de escena], Wolfgang Gussmann [escenografía y vestuario], Susana Mendoza [vestuario], Catherine Zuber [vestuario], Hans Toelstede [iluminación], Athol Farmer [coreografía], Klaus Bertisch [dramaturgia].

Director: Carlo Rizzi.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2005.

Lugar: Grossen Festspielhaus, Salzburg.

Duración: 140 minutos.

La traviata es una magnífica y célebre ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas II, La dama de las camelias (1852), aunque no del propio texto, sino de

una posterior adaptación teatral. Titulada en principio Violetta –como la protagonista

principal del drama–, está basada en la vida de una cortesana parisina, Alphonsine Plessis. Tanto Piave como Verdi pretendían seguir a Dumas dándole a la ópera una ambientación contemporánea, pero las autoridades de La Fenice insistieron en que se ambientara en el pasado, hacia 1700. No fue hasta la década de 1880 que se respetaron los deseos

Ópera: La traviata Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno 5 de noviembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



originales del compositor y del libretista y se representaron producciones realistas y respetuosas con la intención original. La obra tuvo un estreno poco exitoso en el teatro La Fenice de Venezia, el 6 de marzo de 1853. El público se burló de la representación varias veces, dirigiendo especialmente sus burlas hacia la soprano Fanny Salvini-Donatelli, que interpretaba a Violetta, pues aunque era cantante bien considerada, fue tomada por

demasiado vieja –a los 38– y además con sobrepeso como para encajar en el papel dramático de la joven Violetta, quien muere de tuberculosis. A pesar de todo, el primer acto encontró el aplauso al final; en el segundo, sin embargo, el público se volvió contra la representación, especialmente con el barítono (Felice Varesi) y el tenor (Lodovico Graziani). Al final de la ópera, el público rió a carcajadas, mostrando un total desprecio por su trágico y doloroso final. Al día siguiente Verdi escribió a su amigo Muzio: La traviata anoche un fracaso. ¿Fallo mío o de los cantantes? El tiempo lo dirá. Tras unas revisiones entre 1853 y mayo de 1854, que afectaron principalmente los actos II y III, la ópera se representó de nuevo en Venezia, esta vez en el Teatro San Benedetto y con un éxito mucho mayor, especialmente de crítica, en gran medida debido al retrato de Violetta hecho por Maria Spezia-Aldighieri. Desde entonces su popularidad ha sido constante y se ha mantenido en el repertorio hasta la actualidad. La traviata aparece como la número uno en la lista elaborada por Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo en las temporadas 2007/2008 y 2011/2012, la primera de Italia y de Verdi.

Con ella Verdi alcanzó un estilo maduro, con mayor hondura en la descripción de los personajes, mayor solidez en las construcciones dramáticas y una orquesta más importante y rica. No obstante, es una obra algo atípica dentro de su producción, por su carácter realista. No refiere grandes hechos históricos, como Nabucco, ni está basada en tragedias, como Macbeth, sino que es un drama psicológico de carácter intimista. Fue la primera ópera en la que los actores usaron trajes contemporáneos de la época, ya que lo normal en aquel momento es que los personajes usaran trajes históricos, correspondientes a siglos pasados o a otras civilizaciones, como ocurrió con Aida, en la que se usaron ropas del antiguo Egipto; Nabucco, del antiguo Israel, o Rigoletto, que evocaba la Italia del norte del siglo XVI.

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Ópera: La traviata Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno 5 de noviembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La traviata es, por méritos propios, una de las grandes óperas de la historia. Giuseppe Verdi muestra todo su genio como operista en esta descomunal obra. El gran Festival de Salzburg echa el resto aquí en esta impresionante producción que cuenta con Anna Netrebko, Rolando Villazón, Thomas Hampson como protagonistas, acompañados por Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena, la Filarmónica de Viena y la batuta de Carlo Rizzi. Todo un lujo.

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Concierto de la fantástica agrupación argentina desde uno de los templos más

característicos de Buenos Aires.

Género: concierto, música clásica, música contemporéna, música de cámara.

Director: Rodrigo Javier González.

Orquesta: Camerata IUNA.

Año: 2016.

Lugar: Templo Libertad, Buenos Aires.


La Camerata del IUNA [Instituto Universitario Nacional del Arte] nace en 2005, primeramente bajo el nombre de Ensamble Stringendo, pues surge entonces como un grupo de cámara de dicha institución, conformado por un quinteto de cuerdas y continuo, debutando en el Centro Internacional Jorge Luis Borges, en un concierto organizado por asuntos culturales del departamento de artes sonoras del IUNA. Posteriormente ofreció varios conciertos en los Ciclos jóvenes músicos del IUNA, organizados por asuntos culturales, así como conciertos fuera del circuito académico. El ensamble desarrollo su actividad dentro y fuera de la institución, trabajando sobre el repertorio tradicional y explorando nuevos repertorios, estrenando obras, realizando música para cortos y para otros eventos puntuales, incluso incursionando dentro del repertorio popular de distintas raíces. En 2008 recibe la propuesta del Decano Julio García de institucionalizarse y pasar a formar parte de la planta funcional del ex-conservatorio nacional, ahora conocido como Departamento de Artes Musicales del IUNA, dando su primer concierto como Camerata del IUNA en diciembre de 2008. Desde el año 2008 incrementa su cantidad de integrantes,

Concierto: Camerata IUNA Conciertos en Libertad Estreno 5 de noviembre 20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador



variando el número de acuerdo al repertorio abordado y se consolida como grupo estable

con el nombre de Camerata IUNA –perteneciente al departamento de artes musicales– en el año 2009, aunque por su lado el Ensamble Stringendo continúa paralelamente su actividad integrado por instrumentistas de la camerata. A partir de 2010 comienza su actividad de forma sostenida y permanente dirigida por su fundador, Rodrigo Javier

González –egresado en la especialidad de dirección orquestal en la misma institución–, con la ayuda de intérpretes jóvenes y entusiastas, Ariel Romeo y Juan Bringas en los violines, Andrés Hojman en la viola, María Paula Leiva en el violonchelo y Pablo Leone en el contrabajo. El objetivo de la camerata es la de desarrollar las habilidades artísticas de sus integrantes, investigar repertorio poco difundido, abordar las obras académicas de repertorio y expandir sus horizontes hacia la música de diversas raíces populares y folklóricas.

Conciertos en Libertad es un ciclo de conciertos desarrollado por la Sinagoga de la Congregación Israelita de la República Argentina, también conocida como Templo Libertad. Un 27 de septiembre de 1897 los residentes judíos en Buenos Aires, unidos en la

Congregación Israelita de Buenos Aires –llamada más adelante con el nombre de la República

Argentina–, colocaron en el actual terreno de Libertad 779, frente a donde se encontraba el llamado Palacio Miró, la piedra fundacional de la que sería la primera sinagoga de Buenos Aires. Debido al notable crecimiento de la comunidad judía el edificio allí construido fue modificado en gran medida en 1932, adquiriendo la fisonomía actual. El proyecto de esta modificación fue elaborado por el arquitecto Norman y los ingenieros Alejandro Enquin y Eugenio Gantner. Fue declarada Monumento Histórico Nacional el 29 de diciembre de 2000.

El programa aquí interpretado en una mixtura de gran interés que transita entre obras de compositores consagrados a nivel mundial e histórico, como la Romanza para orquesta de cuerdas OP. 42, de Jean Sibelius (1865-1957), las Danzas de Transilvania de Béla Bartók (1881-1945) y Años de Soledad, de Astor Piazzolla (1921-1992), en un arreglo de Rodrigo Javier González; con otras de autores de menor trascendencia histórica, pero de sumo interés en la actualidad: 2 Movimientos de Estampas Nocturnas, de Manuel Ponce (1882-

1948), el Carnavalito del Duende, de Cuchi Leguizamón –arr. Rodrigo Javier Gonzalez– y una selección de Tangos de Mariano Mores (1918-2016), en arreglo de Ricardo Francia.

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Concierto: Camerata IUNA Conciertos en Libertad Estreno 5 de noviembre 20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Camerata IUNA es una agrupación joven, pero ya con una importante trayectoria de más de diez años. Aquí puede disfrutar de su recital desde el Templo de Libertad porteño, con un programa que incluye obras de autores universales como Jean Sibelius, Béla Bartók y Astor Piazzolla, con otros más locales pero de gran calidad compositiva: Manuel Ponce, Cuchi Leguizamón y Mariano Mores. Todo ello con los arreglos y la dirección de Rodrigo Javier González.

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El mejor de los homenajes posibles a quien dedicó toda su vida con pasión a la música:

sobre un escenario y con grandes intérpretes.

Género: concierto, música clásica, música barroca, música romántica, violín.

Intérpretes: Anne-Sophie Mutter.

Director: Seiji Ozawa.

Orquesta: Filarmónica de Berlin.

Año: 2008.

Lugar: Musikverein, Viena.


Herbert von Karajan (1908-1989) es sin duda uno de los grandes directores de la historia. Fue el más destacado director de orquesta del periodo de la posguerra y posiblemente del siglo XX. Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años. Realizó más de 900 grabaciones y vendió más de 300 millones de discos en todo el mundo. Hay un consenso general sobre el don de Karajan para extraer una bella sonoridad de una orquesta. Donde la opinión varía es acerca de los grandes fines estéticos para los que el sonido Karajan era empleado. Un crítico llegó a definirlo así: Vemos que Karajan eligió un sonido para todo propósito, altamente refinado, enlacado, calculadamente voluptuoso, que podría ser aplicado, con las modificaciones estilísticas que estimaba necesario, a Bach y Puccini, Mozart y Mahler, Beethoven y Wagner, Schumann y

Concierto: Herbert von Karajan Concierto conmemorativo en su 100.º aniversario: Anne-Sophie Mutter, Filarmónica de Berlin y Seiji Ozawa Estreno 6 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



Stravinski... muchas de sus interpretaciones tienen una cualidad prefabricada que otros como Toscanini, Furtwängler y otros nunca tuvieron... muchas de las grabaciones de Karajan son exageradamente pulidas.

El homenaje se abre con el Concierto para violín en Re mayor, Op. 61, de Ludwig van Beethoven (1770-1827), que fue compuesto en 1806 y es el único concierto del compositor para este instrumento admitido como propio. Es una importante obra del repertorio violinístico, muy interpretada desde entonces, que demuestra su inmensa capacidad creadora para el universo violinístico. Se estrenó el 23 de diciembre de 1806 en el Theater an der Wien, en interpretación de Franz Clement, destacado violinista del momento para el que Beethoven lo había compuesto. La leyenda dicta que el autor alemán concluyó la parte solística tan tarde que Clement tuvo que leer a primera vista algunos de los pasajes en su estreno. Clement interrumpió el concierto entre el primer y el segundo movimiento para interpretar una composición propia, no sabemos si para mostrar su descontento o para hacer ver que era un mejor intérprete de lo que las condiciones les obligaron a hacer. La obra no tuvo buena recepción por parte de los espectadores, y el concierto fue ejecutado pocas veces durante las décadas siguientes. La obra fue resucitada hacia 1844, 17 años después de la muerte de Beethoven, interpretada por Joseph Joachim y con la dirección orquestal de Felix Mendelssohn.

La otra gran obra del programa es la Sinfonía n.º 6 de Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). La obra, compuesta en la tonalidad de Si menor ha pasado a la historia con el sobrenombre de Patética. Es la última sinfonía del autor ruso, compuesta entre febrero y finales de agosto de 1893. El compositor la dirigió en San Petersburgo el 28 de octubre de ese año, nueve días antes de su muerte. La segunda interpretación, bajo la dirección de Eduard Nápravník, tuvo lugar veinte días después en un concierto memorial. El título de Patética no es del propio autor, sino que fue sugerido por su hermano menor Modest, con la palabra rusa que utilizó, patetícheskaya, que significa apasionada o emotiva. La interpretación más plausible habla de una retrospectiva autobiográfica que desemboca en un Requiem para sí mismo, resultante de una premonición que el compositor habría tenido de su próximo fin, aunque esto es terreno abonado para la leyenda. La hermosa Sarabande de la Partita para violín n.º 2 BWV 1004 cierra el concierto con el mejor sentimiento posible.

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Concierto: Herbert von Karajan Concierto conmemorativo en su 100.º aniversario: Estreno 6 de noviembre 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Homenajear a una figura de la talla de Herbert von Karajan es siempre una responsabilidad inmensa. Es por ello que solo artistas de la categoría de Anne-Sophie Mutter y Seiji Ozawa pueden atreverse con ello con las máximas garantías posibles. Les acompaña la que fuera la orquesta de su vida, la Filarmónica de Berlin.

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Una ópera que nos traslada a la Francia del siglo XVII, de la mano de un gran elenco

encabezado por Plácido Domingo.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Plácido Domingo, Sondra Radvanovsky, Arturo Chacón Cruz, Rodney Gilfry, Corrado Carmelo Caruso, Roberto Accurso, Javier Franco, Itxaro Mentxaka, Nahuel di Piero, Silvia Vázquez, Misquel Solá Juan José Navarro, Juan Felipe Durá, Antonio Lozano Mora, Antonio Gomez Cano, Amadis de Murga, Rubén Belmonte; Coro de la Generalitat Valenciana; Michal Znaniecki [dirección de escena y escenografía], Boguslaw Palewicz [iluminación], Isabelle Comte [vestuario].

Director: Patrick Fournillier.

Orquesta: Orquesta de la Comunitat Valenciana.

Año: 2007.

Lugar: Palau de les Arts Reina Sofía, Valencia.

Duración: 140 minutos. Cyrano de Bergerac, ópera en cuatro actos del compositor italiano Franco Alfano (1876–1954), sobre libreto en francés de Henri Cain, que se basó en el drama homónimo del francés Edmond Rostand, donde se novela la vida del escritor y soldado Cyrano de Bergerac. Este fue un poeta, dramaturgo y pensador francés del XVII que fue considerado como un libertino por algunas de sus ideas y por su actitud irrespetuosa hacia las instituciones religiosas y seculares. El estreno tuvo lugar en el Teatro de la Ópera de Roma el 22 de enero de 1936. Después se realizó un estreno de su versión francesa, la cual se fue imponiendo poco a poco sobre la italiana, y que fue estrenada en la Opéra-Comique

Ópera: Cyrano de Bergerac Ópera en cuatro actos de Franco Alfano Estreno 12 de noviembre 18:30 Argentina/Uruguay | 16:30 Colombia/Ecuador



de Paris el 29 de mayo de 1936, bajo la dirección de Albert Wolff. Esta ópera es muy poco conocida y por tanto poco representada; situándose en las estadísticas de Operabase como la n.º 209 en el período entre 2005-2010, siendo la 62.ª en Italia y la primera de Alfano, con solo 13. Desde la primera función de la obra teatral de Rostand, en diciembre de 1897, la leyenda de Cyrano se fue convirtiendo en un tema popular en la literatura y en la escena. La obra se tradujo a docenas de lenguas y se adaptó a múltiples ámbitos: comedia musical en

Broadway, ballet, dos óperas –esta de Alfano y una de David DiChiera de 2007–, además de

varios filmes –entre los que destaca el protagonizado por Gerard Depardieu–. El papel de Cyrano se escribe aquí para tenor lírico de ancho registro o en ocasiones para un registro de tenor lírico spinto, tipo Cavaradossi de Tosca o Álvaro de La forza del destino. Gran parte del encanto de la obra se encuentra en su diálogo ocurrente, por lo que la profusión de arias no es excesiva. El libreto precisó contener grandes secciones de recitativos que continuaran la acción, dejando al compositor con relativamente pocas secciones que permitían que los personajes reflexionaran en sus emociones. Alfano exhibe aquí una grandilocuente paleta orquestal, en la que se observan reflejos del impresionismo francés y resonancias de la escritura de Richard Strauss, dentro del marco general de la tradición lírica italiana que, sin ser plenamente vanguardista, establece lazos con Claude Debussy. Alfano fue un compositor y pianista italiano que pasó a la historia al finalizar la inacabada ópera de Puccini, Turandot. Aprendió a tocar el piano con Alessandro Longo y posteriormente estudió en Napoli armonía y composición con Camillo de Nardos y Paulo Serrao, y más tarde en Leipzig con Hans Sitt y Salomón Jadassohn. Tras residir en Berlin y Paris, ocupó diversos puestos musicales: profesor de composición (1916) y director del conservatorio de Bologna; director del Liceo musicale de Torino y superintendente del Teatro Massimo de Palermo (1940); director de la sección de ópera de la Academia Santa Cecilia de Roma (1942-1947); y finalmente en el Liceo musicale de Pesaro. Compuso doce óperas, siendo las más conocidas Resurrezione (1904) y sobre todo Cyrano de Bergerac; además de obras instrumentales y varios ciclos de canciones.

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Ópera: Cyrano de Bergerac Ópera en cuatro actos de Franco Alfano Estreno 12 de noviembre 18:30 Argentina/Uruguay | 16:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La de Cyrano de Bergerac es una historia bien conocida, gracias a la obra de teatro de Edmond Rostand y la posterior película. Menos saben quizá que fue también convertida en ópera por Franco Alfano. Descúbranla aquí en esta magnífica producción del Palau de les Arts de Valencia, con unos cantantes de primer nivel, empezando por Plácido Domingo, a quienes acompañan Sondra Radvanovsky, Arturo Chacón Cruz, Rodney Gilfry, entre otros. El Coro de la Generalitat y la Orquesta de la Comunitat Valenciana son dirigidos por Patrick Fournillier.

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La fantástica agrupación francesa ofrece dos obras del poco conocido, pero absolutamente

recomendable, compositor galo.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, violonchelo.

Intérpretes: Sébastien Van Kuijk, Tatjana Vassiljeva.

Director: Nicolas Krauze.

Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.

Año: 2011 [Chaconne] y 2014.

Lugar: Francia [Nocturne].


Nicolas Bacri (1961) es uno de los compositores más frecuentemente interpretados y grabados en Francia, a pesar de que sigue siendo bastante desconocido para el gran público, tanto en su país natal como en el resto del panorama internacional. Después de un período marcado por el atonalismo altamente polifónico, su interés en el pasado musical está lejos de ser un signo de conservadurismo musical, sino más bien una herramienta que es constantemente renovada en la exploración de su propio pensamiento musical. No se trata únicamente de un retroceso o una recuperación, sino más bien de una refundación de la música pura del siglo XX a la del siglo XXI, pero sin avergonzarse de sus raíces en el XIX. Su catálogo, compuesto actualmente por más de 140 obras, se diversifica en multitud de géneros y formaciones, por el que ha recibido reconocimientos de importancia, como el Premio de Roma Villa Medici (1983-1985), Premio de Stéphane Chapelier, Premio de André Caplet de l'Academie des Beaux Arts, Premio Pineau-Chaillou 1991, Premio de Hervé Dugardin, Gran Premio de la Nouvelle Académie du Disque 1993, Premio Georges

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Obras de Nicolas Bacri Estreno 13 de noviembre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador



Wildenstein de l'Académie des Beaux Arts, la Casa de Velázquez (Madrid, 1991-1993), Premio Pierre Cardin de l'Académie des Beaux Arts, Lauréat de la Fondation d'Entreprise du Crédit Nacional, Premio de Claude Arrieu, Lauréat du Concours 5ème Jeunes Artistes Europeens y el Gran Premio de la Música symphonique 2006. Ha recibido además encargos de algunas instituciones de primer orden en el panorama internacional, como el Ministerio Francés de Cultura, Radio-France, Orchestre des Jeunes de la Méditérannée, Alte Oper, Tapiola Sinfonietta, Pro Cuarteto…

Algunas de sus obras orquestales han sido interpretados por orquestas de talla mundial: Mahler Chamber Orchestra, London Symphony Orchestra, Philharmonia Orchestra, WDR Sinfonie Orchester-Köln, Munich Philharmonic Orchestra, Munich Chamber Orchestra, European Camerata, Tapiola Sinfonietta, Collegium Musicum Bruggensis, Liège Philharmonic Orchestra, Orchestre National de France, Orchestre Philharmonique de Radio-France, Orchestre de Chambre de Paris, y dirigidas por maestros como Kees Backels, Michel Béroff, Martin Brabbins, Semyon Bychkov, Constantinos Carydis, Daniel Harding, Richard Hickox, Jean-Jacques Kantorow, Louis Langrée, Josep Pons, Yves Prin, Leonard Slatkin, Jean-Christophe Spinosi, David Stern, Arturo Tamayo, Yann-Pascal Tortelier, Pascal Verrot, entre otros. Bacri hizo su debut como director con la Orquesta Sinfónica de Londres con su obra A Day [Cuatro Imágenes para orquesta] en la Ópera Real del Palacio de Versalles en septiembre de 2013. Varias de sus obras han sido registradas en CD y publicadas en sellos de la importancia de RCA BMG Red o Deutsche Grammophon. En el presente recital se interpretan dos de sus obras que miran hacia el pasado musical, concretamente una hacia el Barroco y otra hacia el Romanticismo, contando además con dos denominadores comunes: el violonchelo como instrumento solista y el lenguaje más puramente contemporáneo para desarrollarlas. La primera de ella es su Folia: chaconne symphonique pour viola ou violoncelle et orchestre de cordes Op. 30b, obra de 1990, que se trata de una variación de su Op. 30, una Folia para orquesta de cuerda. La folía fue una de las danzas, construidas sobre un basso ostinato, más conocidas e interpretadas en el Barroco europeo. La segunda obra es su Nocturne pour violoncelle et orchestre de cordes Op. 90, compuesta en 2004, que pasa por el tamiz del lenguaje contemporáneo uno de

los géneros solísticos –especialmente para teclado– más importantes de todo el siglo XIX.

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Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Obras de Nicolas Bacri Estreno 13 de noviembre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, dirigida por su fundador Nicolas Krauze, sigue empeñada en hacerles disfrutar por medio de un repertorio variopinto y, en ocasiones como esta, realmente desconocido. Le invitamos a descubrir dos obras del compositor contemporáneo francés Nicolas Bacri, que son interpretadas contando con la presencia de los violonchelistas Sébastien Van Kuijk y Tatjana Vassiljeva.

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Un nuevo episodio de estos programas dedicados a lo mejor de las bandas sonoras, con el

tributo a uno de los grandes compositores de las últimas décadas.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, bandas sonoras.

Intérpretes: Ildikó Raimondi, Deborah Cox, Jeremy Schonfeld.

Director: David Newman.

Orquesta: Orquesta Sinfónica ORF de Viena.

Año: 2013.

Lugar: Wiener Konzerthaus.


James Roy Horner (1953-2015) fue un compositor y director de orquesta estadounidense, dedicado principalmente a la composición de bandas sonoras para filmes de Hollywood, con los que logró alcanzar el éxito y situarse como una de las mentes más dotadas para este tipo de composiciones, a las que se dedicó durante los últimos 35 años de su vida. Merced a sus trabajos recibió diez nominaciones para los Oscar de la Academia, dos de ellas en el apartado de Mejor Canción y ocho en el apartado a la Mejor Banda Sonora: Aliens, el regreso (1986), Campo de sueños (1989), Braveheart (1995), Apolo 13 (1995), Titanic (1997), A Beautiful Mind (2001), Casa de arena y niebla (2003) y Avatar (2009). Consiguió dos estatuillas con Titanic, tanto en el apartado a la mejor música como a la mejor canción.

Horner empezó a tocar piano a los cinco años, y siendo aún muy joven se trasladó a Londres para estudiar en el Royal College of Music. Más tarde continuó sus estudios en el

Concierto: Hollywood en Viena 2013 Tributo a James Horner Estreno 13 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



Green Valley High School de Sedona, Arizona. Consiguió su licenciatura en música y el grado de maestro en la Universidad del Sur de California. Allí comenzó a trabajar en su doctorado, junto a Paul Chihara. Pero la música académica no fue lo que más fascinó a Horner, y después de varios trabajos puntuales con el American Film Institute a finales de la década de los 70 e inicios de los 80, terminó su enseñanza de teoría de la música en la UCLA e inició su carrera en la música cinematográfica. A finales de década de los 80 e inicios de los 90 su trabajo en cine empezó a ser reconocido, convirtiéndose en uno de los grandes de la música para cine. Su banda sonora para Titanic es la más conocida del director, especialmente su canción My heart will go on, interpretada por Celine Dion. De entre sus obras son también destacables las bandas sonoras para el American Film Institute y para las películas de terror y ciencia ficción de bajo presupuesto. Horner ha ganado dos Óscar, dos Globos de Oro, tres Premios Satellite, tres Premios Saturn y ha sido nominado a tres Premios de Cine de la Academia Británica (BAFTA). Durante la década de 1980 y principios de los 90 Horner también se dedicó a las películas de animación, escribiendo partituras orquestales para An American Tail (1986), The Land Before Time (1988), Fievel va al Oeste (1991), Rex, un dinosaurio en Nueva York (1993), Casper, Jumanji y Balto (estas tres de 1995). En la década de los 90 fue bastante aclamado por el público gracias a sus obras para Braveheart y Apolo 13, las cuales le granjearon gran éxito y dos nominaciones a los Óscar. Pero fue en 1997 cuando llega su mayor éxito: Titanic. Desde Titanic, Horner siguió componiendo para grandes producciones, como La tormenta perfecta, Enemy at the Gates, La máscara del Zorro, La leyenda del Zorro, Casa de arena y niebla y El hombre bicentenario o A Beautiful Mind (2001). El presente concierto es todo un tributo a su carrera, por larga e importante, sin duda una de las más destacadas de la industria cinematográfica hollywoodiense. El concierto se inicia con algunas obras de otros autores, como Michael Nyman, Steve Bramson, John Williams o David Arnold, para pasar después a centrarse en Horner y algunas de sus grandes BSOs: Star Trek, Braveheart, Willow, A Beautiful Mind, Apollo 13, Aliens, The Mask of Zorro, An American Tail, Avatar, Legends of the Fail, Titanic y The Land Before Time.

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Concierto: Hollywood en Viena 2013 Tributo a James Horner Estreno 13 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: James Horner ha pasado, sin duda alguna, a un ocupar un lugar de auténtico privilegio entre los amantes del cine, pero también de las bandas sonoras originales. Trabajos como Braveheart, Titanic, Willow, Apollo 13 o Avatar son recordados como auténticas obras maestras. Ildikó Raimondi, Deborah Cox, Jeremy Schonfeld, Orquesta Sinfónica ORF de Vienay David Newman dan vida a su música. Un programa que emocionará a los fans de Horner y que descubrirá un mundo maravilloso a los aún no lo conozcan.

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El clásico de Shakesperare pasado en la visión operística del autor francés y protagonizado

aquí por un dúo de lujo.


Intérpretes: Nino Machaidze, Rolando Villazón, Mikhail Petrenko, Russell Braun, Cora Burggraaf, Falk Struckmann, Juan Francisco Gatell, Susanne Resmark, Christian Van Horn, Mathias Hausmann, Jean-Luc Ballestra, Robert Murray; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Bartlett Sher [dirección de escena], Michael Yeargan [escenografía], Catherine Zuber [vestuario], Jeniffer Tipton [iluminación], Chase Brock [coreografía], B.H Barry [escenas de lucha].

Director: Yannick Nézet-Seguin.

Orquesta: Orquesta del Mozartuem de Salzburg.

Año: 2008.

Lugar: Felsenreitschule, Salzburg.


Romeo y Julieta [Roméo et Juliette] es una ópera en un prólogo y cinco actos que Charles Gounod (1818-1893) compuso sobre libreto en francés de Jules Barbier y Michel Carré, basado en el famoso drama homónimo de William Shakespeare. Tuvo su estreno en el Théâtre-Lyrique Impérial du Châtelet de París, el 27 de abril de 1867. Esta ópera es, justo a Faust, la más célebre del autor francés y continúa en repertorio, aunque no está entre las más representadas. En Operabase aparece la n.º 60 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 5.ª en Francia y la segunda de Gounod, con 72 representaciones. A pesar de ello, según las estadísticas esta ópera encabeza, desde su estreno el 29 de abril de 1867, la lista de obras de más éxito en la Ópera de París.

Ópera: Roméo & Juliette Ópera en cinco actos de Charles Gounod Estreno 19 de noviembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



Además, la temporada de la Metropolitan Opera House de New York se inauguró durante lustros con esta obra. Su libreto, que se atiene al drama de Shakespeare con sorprendente fidelidad, procede, como el libreto de Faust, de Barbier y Carré. Narra el amor trágico de la pareja veronesa, modelo del amor leal y en argumento de numerosas obras musicales a lo largo de la historia. Después de haber logrado un gran éxito con Fausto, Gounod escribió ocho óperas más, aunque únicamente Mireille y Romeo y Julieta fueron recibidas con entusiasmo por el público. Esta última siempre había estado en el pensamiento de Gounod, pues la idea de poner en música una de las tragedias más conocidas de Shakespeare le emocionaba especialmente. Gounod se enamoró de la historia de los amantes desgraciados de Shakespeare a los diecinueve años, cuando asistió a un ensayo orquestal de la sinfonía dramática Romeo y Julieta de Berlioz. Aquel poderoso retrato musical de la tragedia shakespeariana marcó a Gounod profundamente. En 1841, durante su viaje a Italia, Gounod había pensado en escribir una ópera sobre la historia de Romeo y Julieta, utilizando el famoso libreto de Felice Romani, al que ya habían puesto música Bellini y Vaccai. Gounod hizo unos esbozos, pero el proyecto fue abandonado. Su ópera Fausto se había hecho popular en el Théâtre Lyrique desde su estreno en 1859, lo que llevó a un encargo del director. En 1864 Gounod se propuso crear la versión operística de Romeo y Julieta. Sus antiguos colaboradores siguieron la conocida tragedia escena a escena, preparando un libreto en solo tres meses. Simplificaron la historia original, eliminando personajes secundarios y reduciendo la trama a sus elementos esenciales; Gounod pudo así centrar su atención en el romance cautivador que es el núcleo de la trama.

En la primavera de 1865, inspirado por la belleza de la Riviera francesa, Gounod se dedicó a escribir. En una carta a su mujer Gounod admitió que escribir Romeo y Julieta le había hecho sentir como si hubiera vuelto a los veinte años de nuevo. La versión del año 1865 es una remodelación de los esbozos juveniles. Se trataba de una versión operística basada sobre la alternancia de números musicales y diálogos hablados pero de estos diálogos hablados nada queda. La versión del año 1867 es la versión del estreno, con la adición de algunas piezas. Romeo y Julieta llenó los teatros de ópera con multitud de admiradores fanáticos, pero no gustó a todo el mundo, pues Algunos críticos afirmaron que no estaba a la altura de Fausto.

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Ópera: Roméo & Juliette Ópera en cinco actos de Charles Gounod Estreno 19 de noviembre 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Las obras de William Shakespeare han sido siempre una especie de imán para los autores de óperas de todas las épocas. Charles Gounod no fue menos, como podrá comprobar en esta magnífica obra, que cuenta con las voces protagonistas de dos impresionantes cantantes de la actualidad: Nino Machaidze y Rolando Villazón. La Orquesta del Mozarteum de Salzburg, el Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena y la dirección de Yannick Nézet-Séguin completan el plantel, en esta producción magnífica del Festival de Salzburg.

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Sentido homenaje de un gran tenor de nuestros días a uno de los más grandes artistas

líricos del siglo XX.

Género: concierto, ópera, música clásica, música romántica, voz.

Intérpretes: Joseph Calleja.

Director: Frédéric Chaslin.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de Navarra.

Año: 2013.

Lugar: Konzerthaus, Viena.


Alfredo Arnoldo Cocozza, más conocido en la historia nombre artístico de Mario Lanza (1921-1959) fue un célebre tenor y actor estadounidense. Nacido en Philadelphia, hijo de inmigrantes italianos, su madre, María Lanza, tenía una hermosa voz, pero no pudo estar en los escenarios porque su padre no se lo permitió. Por eso, cuando a los dieciséis años Alfredo anunció su intención de convertirse en cantante, esta se entusiasmó con el sueño que ella misma no había podido cumplir y le dio todo el apoyo posible y le hizo tomar lecciones de canto. Fue descubierto por el director Sergei Koussevitzky, que quedó tan impresionado con su voz que le ofreció una beca. Fue entonces cuando decidió usar Mario Lanza como sobrenombre artístico, reivindicando el nombre y apellido de su madre. En el Festival de Música de Berkshire hizo su debut, en la obra Las alegres comadres de Windsor. Su carrera operística fue interrumpida por la Segunda Guerra Mundial. Retomó su carrera

Concierto: Joseph Calleja Tributo a Mario Lanza Estreno 20 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



de cantante en octubre de 1945 en un programa de la cadena radial CBS denominado Grandes momentos de la música, donde hizo seis apariciones cantando música operística. Más tarde estudió bajo la dirección de Enrico Rosati durante quince meses. A raíz de un concierto en el Hollywood Bowl su talento llamó la atención del ejecutivo y fundador de la cinematográfica MGM, Louis B. Mayer, quien hizo firmar a Lanza un contrato cinematográfico de siete años de duración. Al mismo tiempo que iniciaba su carrera cinematográfica realizó sus primeras grabaciones comerciales para RCA Victor. Las primeras cintas que protagonizó, That Midnight Kiss y The Toast of New Orleans, fueron tan exitosas como su carrera discográfica, lo que incrementó enormemente su fama. En 1951 Lanza encarnó al tenor italiano Enrico Caruso en la cinta The Great Caruso, que obtuvo un resonante éxito. Tras pasar por graves problemas de depresión, así como económicos, retomó su carrera, pero ya sin el éxito anterior. Tuvo serios problemas de salud que le impidieron desarrollar su carrera como debiera.

La corta carrera de Lanza abarca ópera, radio, conciertos, grabaciones y películas. Fue el primer artista de la RCA Victor sello rojo, de la cual recibió un Disco de Oro. También fue el primer artista en vender dos millones y medio de álbumes. Lanza inspiró la carrera de las sucesivas generaciones de cantantes de ópera, incluidos Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Leo Nucci y José Carreras, así como las de cantantes aparentemente con diferentes antecedentes e influencias. En 1994 el tenor José Carreras rindió homenaje a Lanza en una gira de conciertos por todo el mundo, y declaró: Si soy cantante de ópera es gracias a Mario Lanza.

En el presente concierto, el tenor maltés Joseph Calleja, uno de los grandes representantes de la voz de tenor en las últimas dos décadas, ofrece un concierto en homenaje a esta trascendental figura, a la que el mundo de la lírica le debe mucho. En el recital se ofrecen algunos pasajes de óperas que hicieron célebre a Lanza, de autores europeos del siglo XIX: Édouard Lalo [Le Roi d’Ys], Amilcare Ponchieli [La Gioconda], Goerges Bizet [Carmen], Giacomo Puccini [Le Villi y Tosca], Giuseppe Verdi [I vespri siciliani y Rigoletto], Pietro Mascagni [Cavalleria rusticana], Jules Massenet [Thaïs, Werther y Le Cid], Francesco Paolo Tosti [‘A Vucchella] y Nicholas Brodzsky [Be my love].

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Concierto: Joseph Calleja Tributo a Mario Lanza Estreno 20 de noviembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Joseph Calleja ofrece el mejor tributo que un tenor puede rendir a otro tenor: su voz. Se acompaña de la Orquesta Sinfónica de Navarra y la batuta de Frédéric Chaslin para mostrar respeto al gran Mario Lanza, uno de los más grandes tenores de la escena lírica del pasado siglo.

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La más célebre ópera de Giordano en la impresionante producción del Festival de Bregenz,

que les dejará pegados al asiento.


Intérpretes: Héctor Sandoval, Scott Hendricks, Norma Fantini, Tania Kross, Rosalind Plowright, Tobias Hächler, Bengt-Ola Morgny, Peter Bronder, David Stout, Wieland Satter, Richard Angas, Giulio Mastrototaro; Coro del Festival de Bregenz, Coro Filarmónico de Praga; Keith Warner [dirección de escena], David Fielding [escenografía], Constance Hoffman [vestuario], Davy Cunningham [iluminación], Lynne Page [coreografía].

Director: Ulf Schirmer.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de Viena.

Año: 2011.

Lugar: Festspielhaus, Bregenz.


Andrea Chénier es un drama histórico en cuatro actos de Umberto Giordano (1867-1948) y libreto en italiano de Luigi Illica, para el que se basó de manera libre en la vida del poeta francés André Chénier, que fue ejecutado durante la Revolución Francesa. Es una ópera de corte verista, cuyo estreno tuvo lugar en La Scala de Milano el 28 de marzo de 1896. Es sin duda la ópera más famosa de Giordano, la que se ha conservado en el repertorio hasta hoy día, quizá junto a su otra ópera Fedora. Durante la primera mitad del siglo XX fue interpretada con cierta frecuencia y entró en el repertorio operístico estándar.

Ópera: Andrea Chénier Ópera en cuatro actos de Umberto Giordano Estreno 26 de noviembre 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador



Una de las razones que contribuyó a su popularidad fue la espléndida música lírico-dramática del tenor principal, que provee a un cantante con talento muchas oportunidades para lucirse en escena. En las estadísticas de Operabase aparece como n.º 86 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 34.ª en italiano y la única que aparece de Giordano. Cuando compuso Andrea Chénier a los 27 años, Giordano era un desconocido. Tras su

estreno era ya un hombre célebre. Lo siguió siendo hasta su muerte, a pesar de que –como

sucedió con Mascagni y Leoncavallo– no volvió a tener un éxito como ese. Luigi Illica, uno de los grandes libretistas de Puccini, creó con gran sapiencia escénica un libreto operístico con fondo histórico. Su estilo corresponde al naturalismo temprano y en algunos destellos se le puede considerar como un predecesor de Tosca. El gran valor del libreto se encuentra en sus personajes realmente logrados y bien caracterizados, además de en su dramatismo auténtico y sus rasgos poéticos. Giordano consigue adaptar el texto con notable efectividad, pues en los instantes de mayor tensión, su talento innegable se despliega para

crear melodías expresivas y conmovedoras. No siempre se muestra inspirado al 100% –algo que se podría reprochar a muchos compositores de óperas de éxito, sobre todo de la

época del verismo–, pero la obra a nivel global es realmente intensa y conmovedora.

Giordano nació en Foggia, una localidad cercana a Napoli, un 27 de agosto de 1867. Tras formarse musicalmente desde joven, decidió entonces dedicarse a componer óperas, en un momento en el que en los teatros italianos dominaba la corriente del naturalismo, lo que en la ópera se suele denominar como verismo. No es otra cosa que la representación de la vida real con toda su crueldad y dureza, algo que otros operistas italianos del momento hicieron con verdadera maestría. Giordano logró con su tercera ópera, este Andrea Chénier, un éxito sensacional. No obstante, nunca más pudo repetir dicho triunfo con ninguna otra obra. Algunas de sus otras óperas de cierta importancia, como Fedora (1898), Siberia (1903), Madame Sans-Géne (1915) y La cena delle beffe (1924) estuvieron en cartel durante un período limitado y nunca se trasladaron fuera de las fronteras de su país natal. Gracias a Andrea Chénier y Fedora, ocasionalmente recuperada, el nombre de Giordano se mantiene junto al de sus colegas veristas Puccini, Leoncavallo y Mascagni.

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Ópera: Andrea Chénier Ópera en cuatro actos de Umberto Giordano Estreno 26 de noviembre 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Umberto Giordano ha pasado a la historia de la música unido de manera indefectible a una de sus obras. Se trata precisamente de su ópera Andrea Chénier, que les invitamos a disfrutar en esta producción absolutamente fascinante del Festival de Bregenz, que siempre logra sorprender. Al coro del festival y al Filarmónico de Praga se une la Orquesta Sinfónica de Viena, bajo la dirección de Ulf Schirmer, para acompañar a un elenco protagonizado por Héctor Sandoval, Scott Hendricks, Norma Fantini y Tania Kross.

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Una de las jóvenes promesas de la canción melódica, el pop y Broadway, en un hermoso

concierto que les trasladará a un entorno maravilloso.

Género: música clásica, música popular urbana, Broadway, voz.

Intérpretes: Jackie Evancho, Cheyenne Jackson; The Brandywine Singers; First State Ballet Theatre.

Director: Peter Kiesewalter.

Orquesta: The Chester County Pops.

Año: 2014.

Lugar: Longwood Garden Open Air Theatre, Philadelphia.


Jacqueline Marie Jackie Evancho (2000) es una cantante estadounidense que ganó popularidad tras presentarse en la quinta temporada del programa televisivo America's Got Talent con el aria de Puccini O Mio Babbino Caro, sorprendiendo a los jueces con su potente voz de soprano a pesar de solo tener diez años de edad. Jackie quedó en segundo lugar en aquella edición. Su segunda grabación, O Holy Night, se alzó hasta el número 2 en Billboard y fue disco de platino, vendiendo un millón de copias. Evancho tiene un estilo de canto que abarca la fusión, el classical crossover de Sarah Brightman y Hayley Westenra, acercándose también al pop y a Broadway. A pesar de su corta edad ya ha grabado seis discos: Prelude to a Dream (2009), O Holy Night (2010), Dream With Me (2011), Heavenly Christmas (2011), Songs from the Silver Screen (2012) y Awakening (2014). Entre 2008 y 2010 participó en varios concursos de jóvenes talentos e hizo algunas breves apariciones en eventos, sobre todo en Pensilvania. Grabó su primer álbum de forma independiente, tras lo que creó un canal en Youtube con el que logró despertar el interés

Concierto: Jackie Evancho Awakening Estreno 27 de noviembre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador



de algunos productores y del público en general. Jackie impresionó a compositores como Tim Janis y David Foster, cada uno de los cuales la incluyeron en sus conciertos a partir de 2009. Un año después ganó mucha popularidad gracias a su paso por America's Got Talent. Después editó un EP ya en un contrato con Columbia Records, convirtiéndose en la artista debutante más vendida de 2010, logrando colocarse en el top 10 como la artista debutante más joven en la historia de los Estados Unidos, además de ser la solista más joven en conseguir un disco de platino por sus ventas. Actuó por primera vez ante el presidente estadounidense Barack Obama en la iluminación del árbol de Navidad en Washington DC en 2010. En junio de 2011 se edita su primer álbum de larga duración con un sello importante, Columbia, producido por David Foster, que se estrenó directamente en el puesto n.° 2 del Billboard 200 y llegó al top 5 como la artista debutante más joven en la historia del Reino Unido. Billboard clasificó a Jackie en la parte alta de su lista de Artistas de Álbumes Clásicos en 2011. Poco después se convirtió en la persona más joven en dar un concierto en solitario en el Lincoln Center de New York como parte de su tour Dream With Me. Ha realizado tres especiales de PBS, el primero de ellos, Dream With Me in Concert, fue el especial con más difusión y éxito en toda la historia de la Cadena PBS.

Jackie lanzó su quinto álbum de estudio, titulado Awakening, en 2014, tras firmar con Sony Masterworks. El álbum constó de doce canciones, incluyendo una mezcla de piezas clásicas como Vocalise de Rachmaninoff, Dormi Jesu y la versión de Ave María de Vavilov, además de algunos temas pop, rock y classical crossover como With or Without You de U2, Your Love de Ennio Morricone, Je t'aime de Lara Fabian y Memories de Whitin Temptation, además de varias canciones originales. El concierto ofrecido aquí forma parte de su gira de promoción del álbum, grabado aquí en el impresionante Open Air Theatre y otras localizaciones de los hermosos Longwood Gardens. Además de algunas de esas canciones y temas aparecidos en la edición original del álbum, Evancho añado otros nuevos, como Take me there o el célebre aria de Puccini O mio babbino caro, que le dio la fama siendo una niña. Además, se une al cantante de Broadway y actor Cheyenne Jackosn para ofrecer algunos dúos de gran impacto.

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Concierto: Jackie Evancho Awakening Estreno 27 de noviembre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Jackie Evancho es una de las cantantes más solicitada en los últimos años. Podrán disfrutar aquí de su preciosa e hipnótica voz en un repertorio en el que descubrirán algunos grandes éxitos, con otros menos conocidos pero que se adaptan a ella como un guante. Se le une en algunos de ellos el actor y cantante Cheyenne Jackson para completar una velada realmente mágica.

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MIAMI BEACH, FL 33139 USA

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Destacados de Programación Noviembre 2016 - …allegrohd.com/images/acpacs/Allegro_HD_Destacados_Noviembre_2016.pdf(1881-1945) y Años de Soledad, de Astor Piazzolla (1921-1992),