Destacados de Programación Septiembre 2017allegrohd.com/images/acpacs/allegro_hd_destacados_septiembre_2… · Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2017 235

Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2017

235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 1

Destacados de Programación – Septiembre 2017



Destacados de Programación Septiembre 2017

ÓPERA – La traviata, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – 2 de septiembre – Pág. 3

CONCIERTO – Sacrificium. El arte de los castrati: Cecilia Bartoli & Il Giardino

Armonico – 3 de septiembre – Pág. 5

ÓPERA – Lucia di Lammermoor, ópera en tres actos de Gaetano Donizetti [Royal Opera House] – Estreno 9 de septiembre – Pág. 7

CONCIERTO – De Berlín a Nueva York: Renée Fleminng, Klaus Florian Voght &

Christian Thielemann – Estreno 10 de septiembre – Pág. 9

ÓPERA – Otello, ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – Estreno 13 de agosto – Pág. 11

CONCIERTO – Requiem alemán, de Johannes Brahms: Coro Radio de Baviera, Filarmónica de Múnich & Christian Thielemann – 16 de septiembre – Pág. 13

CONCIERTO – Primavera en Viena 2016: Hélène Grimaud, Sinfónica de Viena &

Manfred Honeck – Estreno 17 de septiembre – Pág. 15

ÓPERA – Anna Bolena, ópera en dos actos de Gaetano Donizetti – 23 de septiembre – Pág. 17

DOCUMENTAL – De Bach a las raíces: desde Leipzig a África – Estreno 23 de

septiembre – Pág. 19

CONCIERTO – Mariss Jansons: concierto de despedida – 24 de septiembre – Pág. 21

BALLET – Cisne, creación para cisnes y bailarines, de Luc Petton – Estreno 24 de septiembre – Pág. 23

CONCIERTO – Tesoros barrocos: homenaje a Antonio Vivaldi – Estreno 29 de

septiembre – Pág. 25

ÓPERA – Rusalka, ópera en tres actos de Antonín Dvořák – Estreno 30 de septiembre – Pág. 27



Una de las grandes óperas verdianas, servida desde el Festival de Salzburg con un trío

protagonista de excepción.

Género: ópera, música clásica, música romántica, verismo.

Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón, Thomas Hampson, Helene Schniderman, Diane Plicher, Salvatore Cordella, Paul Gay, Herman Wallén, Luigi Roni, Wilhelm Schwinghammer, Dritan Luca, Friedrich Springer, Wolfram Igor Derntl, Athol Farmer; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Willy Decker [dirección de escena], Wolfgang Gussmann [escenografía y vestuario], Susana Mendoza [vestuario], Catherine Zuber [vestuario], Hans Toelstede [iluminación], Athol Farmer [coreografía], Klaus Bertisch [dramaturgia].

Director: Carlo Rizzi.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2005.

Lugar: Grossen Festspielhaus, Salzburg.

Duración: 140 minutos.

La traviata es una magnífica y célebre ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas II, La dama de las camelias (1852), aunque no del propio texto, sino de

una posterior adaptación teatral. Titulada en principio Violetta –como la protagonista

principal del drama–, está basada en la vida de una cortesana parisina, Alphonsine Plessis. Tanto Piave como Verdi pretendían seguir a Dumas dándole a la ópera una ambientación contemporánea, pero las autoridades de La Fenice insistieron en que se ambientara en el pasado, hacia 1700. No fue hasta la década de 1880 que se respetaron los deseos

Ópera: La traviata Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 2 de septiembre 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



originales del compositor y del libretista y se representaron producciones realistas y respetuosas con la intención original. La obra tuvo un estreno poco exitoso en el teatro La Fenice de Venezia, el 6 de marzo de 1853. El público se burló de la representación varias veces, dirigiendo especialmente sus burlas hacia la soprano Fanny Salvini-Donatelli, que interpretaba a Violetta, pues aunque era cantante bien considerada, fue tomada por

demasiado vieja –a los 38– y además con sobrepeso como para encajar en el papel dramático de la joven Violetta, quien muere de tuberculosis. A pesar de todo, el primer acto encontró el aplauso al final; en el segundo, sin embargo, el público se volvió contra la representación, especialmente con el barítono (Felice Varesi) y el tenor (Lodovico Graziani). Al final de la ópera, el público rió a carcajadas, mostrando un total desprecio por su trágico y doloroso final. Al día siguiente Verdi escribió a su amigo Muzio: La traviata anoche un fracaso. ¿Fallo mío o de los cantantes? El tiempo lo dirá. Tras unas revisiones entre 1853 y mayo de 1854, que afectaron principalmente los actos II y III, la ópera se representó de nuevo en Venezia, esta vez en el Teatro San Benedetto y con un éxito mucho mayor, especialmente de crítica, en gran medida debido al retrato de Violetta hecho por Maria Spezia-Aldighieri. Desde entonces su popularidad ha sido constante y se ha mantenido en el repertorio hasta la actualidad. La traviata aparece como la número uno en la lista elaborada por Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo en las temporadas 2007/2008 y 2011/2012, la primera de Italia y de Verdi.

Con ella Verdi alcanzó un estilo maduro, con mayor hondura en la descripción de los personajes, mayor solidez en las construcciones dramáticas y una orquesta más importante y rica. No obstante, es una obra algo atípica dentro de su producción, por su carácter realista. No refiere grandes hechos históricos, como Nabucco, ni está basada en tragedias, como Macbeth, sino que es un drama psicológico de carácter intimista. Fue la primera ópera en la que los actores usaron trajes contemporáneos de la época, ya que lo normal en aquel momento es que los personajes usaran trajes históricos, correspondientes a siglos pasados o a otras civilizaciones, como ocurrió con Aida, en la que se usaron ropas del antiguo Egipto; Nabucco, del antiguo Israel, o Rigoletto, que evocaba la Italia del norte del siglo XVI.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00305_La_Traviata_Opera_en_3_actos_de%20Giuseppe%20Verdi_Anna_Netrebko_Filarmonica_de_Viena_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00305_La_Traviata_Opera_en_3_actos_de%20Giuseppe%20Verdi_Anna_Netrebko_Filarmonica_de_Viena_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00305_La_Traviata_Opera_en_3_actos_de%20Giuseppe%20Verdi_Anna_Netrebko_Filarmonica_de_Viena_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00305_La_Traviata_Opera_en_3_actos_de%20Giuseppe%20Verdi_Anna_Netrebko_Filarmonica_de_Viena_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00305_La_Traviata_Opera_en_3_actos_de%20Giuseppe%20Verdi_Anna_Netrebko_Filarmonica_de_Viena_5.jpg

Ópera: La traviata Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 2 de septiembre 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La traviata es, por méritos propios, una de las grandes óperas de la historia. Giuseppe Verdi muestra todo su genio como operista en esta descomunal obra. El gran Festival de Salzburg echa el resto aquí en esta impresionante producción que cuenta con Anna Netrebko, Rolando Villazón, Thomas Hampson como protagonistas, acompañados por Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena, la Filarmónica de Viena y la batuta de Carlo Rizzi. Todo un lujo.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00305_La_Traviata_Opera_en_3_actos_de%20Giuseppe%20Verdi_Anna_Netrebko_Filarmonica_de_Viena_1.jpg












La excepcional mezzosoprano romana interpreta un hermoso y reivindicativo programa

dedicado a honrar a los castrati y sus increíbles voces.

Género: concierto, ópera, música clásica, música barroca, bel canto, castrati.

Intérpretes: Cecilia Bartoli.

Director: Giovanni Antonini.

Orquesta: Il Giardino Armonico.

Año: 2009.

Lugar: Palacio Real, Caserta.


Cecilia Bartoli es una mezzosoprano romana que ha forjado su carrera sobre los pilares de las óperas de Wolfgang Amadeus Mozart y Gioachino Rossini, además del repertorio barroco, de la que es una incansable defensora e investigadora. Como mezzosoprano ligera de coloratura cuenta con un timbre aterciopelado y una técnica acreditadamente impecable, siendo la mayor figura lírica aparecida en Italia desde Giulietta Simionato. Destaca especialmente por su labor de recuperación del repertorio de compositores ignotos o injustamente olvidados, de los castrati italianos o de cantantes antológicas como María Malibrán. Bartoli comenzó su educación desde niña de la mano de sus padres. En 1985, cuando contaba con 19 años, hizo una aparición en un programa de talentos de la televisión italiana. Riccardo Muti, por aquel entonces director del Teatro de La Scala, escuchó su actuación y la invitó a una audición. Años más tarde Herbert von Karajan la

invitó a cantar en el Festival de Salzburg de 1990 –aunque su muerte impidió realizar dicho

Concierto: Cecilia Bartoli & Il Giardino Armonico Sacrificium. El arte de los castrati 3 de septiembre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



debut–. En esa época Bartoli captó la atención de Daniel Barenboim cuando la escuchó actuando en un homenaje a María Callas en la televisión francesa. Trabajando con dos de los grandes directores del siglo XX, como el propio Barenboim y Nikolaus Harnoncourt, Bartoli se concentró en papeles mozartianos, desarrollando una exitosa carrera internacional. Además de Mozart y Rossini ha prestado atención a la música barroca y del período clásico temprano de compositores como Christoph Willibald Gluck, Antonio Vivaldi, Franz Joseph Haydn o Antonio Salieri. Dentro de su faceta musicológica recuperó el legado de la legendaria cantante del siglo XIX María Malibrán, y con su disco Sacrificium ha devuelto a la actualidad el olvidado y muy difícil repertorio de los castrati, encabezando

las listas de ventas con las estrellas de la música pop –lo que no ocurría desde los tiempos

de Luciano Pavarotti–. Ha sido condecorada con la Ordine al merito della Repubblica Italiana, Orden de las Artes y Letras y el Premio Musical Léonie Sonning en su edición de 2010, entre muchas otras distinciones. En 2016 se la distingue en Estocolmo con el premio Polar, considerado el Premio Nobel de la música. Sacrificium. El arte de los castrati es un excepcional concierto rodado en el impresionante y absolutamente adecuado Palacio Real de Caserta, una hermosa localidad cercana a Napoli. Con este programa y el registro discográfico que le precedió, Bartoli quiere rendir un homenaje a las miles de voces que fueron sacrificadas en el nombre de la música: los castrati. Desde el Renacimiento, Europa, que tenía en sus centros religiosos las prohibición de que las mujeres pudiesen cantar, encontró en esta figura de los

capones –como se les llamaba en la España del Barroco– una magnífica solución. La cuestión era simple, pero realmente sanguinaria: castrar a los niños en su mejor estado vocal, justo antes de que cambiasen la voz adulta, con lo que se mantenía así toda su calidad y se proveía a la iglesia y los teatros de cantantes adultos con una voz angelical. Cada año eran castrados en Europa miles de niños, con todos los problemas que ello conllevaba. Algunos de estos castrati se convirtieron en auténticas estrellas del canto, por los que teatros y capillas se peleaban para contar con sus servicios.

El presente programa muestra ejemplos de algunos de los mejores operistas del siglo XVIII y de los papeles que para castrati del momento compusieron en sus óperas. Así aparecen obras de Nicola Porpora (1686-1768), Geminiano Giacomelli (c.1692-1740),

Francesco Araia (1709-1770), Riccardo Broschi (c.1698-1756) –hermano del célebre

Farinelli– y el gran Georg Friedrich Händel (1685-1759).

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00317_Cecilia_Bartoli_Sacrificium_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00317_Cecilia_Bartoli_Sacrificium_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00317_Cecilia_Bartoli_Sacrificium_3.JPG www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00317_Cecilia_Bartoli_Sacrificium_4.JPG

Concierto: Cecilia Bartoli & Il Giardino Armonico Sacrificium. El arte de los castrati 3 de septiembre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La historia de la música está repleta de atrocidades. Sin duda, la de los castrati fue una de las más inmensas y permitidas durante siglos. Cecilia Bartoli, una de las grandes voces del panorama mundial en los últimos veinticinco años, le invita a deleitarse con compositores que dedicaron con pasión a componer grandes papeles operísticos para algunos de los mejores castrati de la historia. La música de Nicola Porpora, Geminiano Giacomelli, Francesco Araia, Riccardo Broschi y Georg Friedrich Händel viene servida por su extraordinaria voz, junto al conjunto historicista Il Giardino Armonico y la dirección de Giovanni Antonini.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00317_Cecilia_Bartoli_Sacrificium_1.jpg

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00317_Cecilia_Bartoli_Sacrificium_2.jpg

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00317_Cecilia_Bartoli_Sacrificium_3.JPG

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00317_Cecilia_Bartoli_Sacrificium_4.JPG



Una de las grandes óperas del autor italiano en magnífica producción del Royal Opera House, con Damrau, Castronovo y Tézier como trío protagonista.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Diana Damrau, Charles Castronovo, Ludovic Tézier, Taylor Stayton, Kwangchul Youn, Peter Hoare, Rachael Lloyd, Sacha Plaige, David Alexander, Sarah Northgraves, Remi Rachuba; Coro del Royal Opera House; Katie Mitchell [dirección de escena], Vicki Mortimer [escenografía], Joseph Alford [coreografía], Jon Clark [iluminación].

Director: Daniel Oren.

Orquesta: Orquesta del Royal Opera House.

Año: 2016.

Lugar: Royal Opera House, London.


Lucia di Lammermoor [Lucía de Lamermoor] es un drama trágico en tres actos con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basado en la novela The Bride of Lammermoor, de Sir Walter Scott. Donizetti compuso esta ópera en 1835, un momento de su vida en el que varios factores le habían llevado a la cumbre de su reputación como compositor de ópera. Gioachino Rossini se acababa de retirar y Vincenzo Bellini había muerto poco después del estreno de Lucia, por lo que Donizetti quedó como el único genio reinante de la ópera italiana. La ópera triunfó no solamente por el interés

Ópera: Lucia di Lammermoor Ópera en tres actos de Gaetano Donizetti Estreno 9 de septiembre 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador



suscitado por el Donizetti compositor, sino que también existía en Europa un creciente interés por la historia y la cultura de Escocia: una visión romántica de sus violentas guerras y enemistades, además de su folclore y su mitología, intrigaban a los lectores el público del siglo XIX. Sir Walter Scott había usado estos estereotipos en su novela La novia de Lammermoor, que inspiró varias obras musicales, además de esta Lucia de Donizetti. La historia se refiere a Lucy Ashton, una joven mentalmente frágil que se ve atrapada en la enemistad entre su propia familia y la de los Ravenswood. Se ambienta en las colinas Lammermuir [Lammermoor], en la Escocia del siglo XVII. Tuvo su estreno en el Teatro de San Carlos en Nápoles el 26 de septiembre de 1835. Donizetti revisó la partitura para una versión en francés posterior, Lucie de Lammermoor, que fue estrenada el 6 de agosto de 1839 en el Théâtre de la Renaissance en París.

A pesar de todo, durante largo tiempo esta ópera fue considerada como mera pieza de lucimiento para sopranos de coloratura y no se la consideraba una parte sustancial del repertorio operístico. Tras la Segunda Guerra Mundial un pequeño número de sopranos

muy capaces, especialmente Maria Callas –con interpretaciones desde 1952 y especialmente aquellas de La Scala y Berlín en 1954/55 bajo la dirección de Herbert von

Karajan– y después Dame Joan Sutherland –con sus interpretaciones de 1959 en el Royal

Opera House Covent Garden, que se repitieron en 1960–, revivieron la ópera en toda su gloria trágica original. Desde su renacimiento, Lucía de Lammermoor se ha convertido en una referencia del repertorio operístico estándar, apareciendo como número 19.ª en la lista de las óperas más representadas en el mundo, la 11.ª en Italia y la 2.ª de su autor, tras El elixir de amor.

Después de que la Lucia di Lammermoor original fue representada en París, el Théâtre de la Renaissance encargó a Donizetti una versión en francés, Lucie de Lammermoor, con libreto de Alphonse Royer y Gustave Vaëz, no es una simple traducción, pues Donizetti alteró algunas de las escenas y los personajes. Entre los cambios más notables se citan la desaparición del rol de Alisa, la amiga de Lucía. Esto permite a la versión francesa aislar a Lucía y dejar un impacto emocional más fuerte que en el original. Más aún, Lucía pierde la mayor parte del apoyo de Raimondo; su papel queda considerablemente disminuido mientras que crece el personaje de Arturo. Donizetti creó además un nuevo personaje, Gilbert, basado libremente en el cazador de la versión original. Sin embargo, es una figura más desarrollada, que sirve igualmente a Enrico y Edgardo, divulgando sus secretos al otro por dinero. La versión en francés suele ser representada con menor frecuencia que la versión italiana.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00378_Lucia_di_Lamermoor_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00378_Lucia_di_Lamermoor_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00378_Lucia_di_Lamermoor_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00378_Lucia_di_Lamermoor_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00378_Lucia_di_Lamermoor_5.jpg

Ópera: Lucia di Lammermoor Ópera en tres actos de Gaetano Donizetti Estreno 9 de septiembre 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Gaetano Donizetti es uno de los mejores operistas de la historia. Muchos de sus dramas han traspasado el tiempo y se han mantenido en el imaginario colectivo de la ópera. Lucia di Lammermoor es, sin duda, uno de sus grandes títulos. Se la ofrecemos aquí en las voces de Diana Damrau, Charles Castronovo, Ludovic Tézier, Taylor Stayton, Kwangchul Youn, Peter Hoare, Rachael Lloyd, Sacha Plaige, David Alexander, Sarah Northgraves y Remi Rachuba. Les acompaña la Orquesta y Coro del Royal Opera House londinense, con la dirección musical de Daniel Oren.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00378_Lucia_di_Lamermoor_1.jpg







Una magnífica velada lírica, a medio camino entre la opereta y el musical, con obras de

Strauss II, Gershwin, Bernstein o Weill, que sin duda les fascinará.

Género: concierto, opereta, música clásica, música romántica, música contemporánea.

Intérpretes: Renée Fleming, Klaus Florian Vogt; Coro de la Ópera Estatal de Dresden; Ballet de la Ópera Estatal de Dresden; Raphäel Coumes–Marquet [coreografía].

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Orquesta Estatal de Dresden.

Año: 2013.

Lugar: Semperoper, Dresden.


En los locos años veinte y los años treinta del siglo XX, Berlín se convirtió en un brillante centro de la Operette alemana. La ciudad fue el telón de fondo y la inspiración para una nueva era independiente de opereta, la cual estaba abierta a algunos elementos de jazz, abarcando además ritmos de danza modernos, transatlánticos, convirtiendo en borrosa la frontera con estos géneros y la música de cine. Eduard Künneke, Paul Abraham y Paul Lincke son los representantes más importantes y exitosos de este período. Fue en Nueva York, en aquel entonces, donde George Gershwin e Irving Berlin, seguidos por Frederick Loewe y Leonard Bernstein, llevaron a Broadway a una tormenta hasta

Concierto: De Berlín a Nueva York Renée Fleming, Klaus Florian Vogt & Christian Thielemann Estreno 10 de septiembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



entonces nunca vista por medio de sus inolvidables musicales. Kurt Weill y Robert Stolz

–ambos tuvieron que abandonar Alemania para escapar del régimen nazi– son dos compositores que hicieron que estas dos ciudades, primero Berlín y más tarde Nueva York, fueran centrales en su vida y su trabajo. En este concierto, Christian Thielemann y la Orquesta Estatal de Dresden lo llevarán a un viaje musical entre Berlín y Nueva York, presentando un programa deliciosamente alegre que transita entre la opereta y el musical.

Renée Fleming y Klaus Florian Vogt son el dúo vocal ideal para esta velada perfecta que les dejará fascinados. Para Christian Thielemann este concierto supone una especie de regreso a sus propias raíces: Me encanta la opereta y en mis primeros años de dirección he ido recorriendo mi camino a través de este repertorio, que me ha servido mucho para situarme donde estoy hoy. Lo que parece ligero y fácil es realmente lo más difícil de todo. Lo mismo ocurre con los musicales, entre los que se encuentran verdaderas joyas: piezas que soportan la comparación con las mejores en potencia expresiva, ingenio y calidad musical.

Se interpretan una serie de obras, entre muy conocidas y menos transitadas, de varios de los autores más celebrados y afamados de este momento en ambas ciudades. Así, podrá disfrutar de las siguientes piezas: obertura de Grigri y Berliner Luft [Frau Luna], de Paul Lincke; Ein Lied geht um die Welt, de Hans May; Du sollst der Kaiser meiner Seele sein, de Der Favorit, y Zwei Herzen im Dreivierteltakt, obras de Robert Stolz; el Intermezzo de Tänzerische Suite e Ich bin nur ein armer Wandergesell, de Der Vetter aus Dingsda, ambas de Eduard Künneke; Es leuchten die Sterne, de Leo Leux; Blume von Hawaii, de Paul Abraham; The Lorelei y Dancing in the Streets [Pardon My English], obertura de Strike Up The Band y Fascinating Rhythm [Lady, Be Good!], de Georges Gershwin; Maria y Tonight [West Side Story], de Leonard Bernstein; I Could Have Danced All Night [My Fair Lady], de Frederick Loewe; Foolish Heart [One Touch Of Venus], de Kurt Weill; Du bist die Welt für mich [Der singende Traum], de Richard Tauber; Anything You Can Do [Annie Get Your Gun], de Irving Berlin; y Sachsen-Kürassier-Marsch, de Johann Strauss II. Una oportunidad de disfrutar de estos géneros a medio camino entre la llamada música clásica, la música para la escena y los nuevos géneros surgidos en Estados Unidos y Europa, que se fueron imbricando con los preexistentes para dar vida a una variedad musical de una riqueza pocas veces vista hasta entonces.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00394_De_Berlin_A_Nueva_York_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00394_De_Berlin_A_Nueva_York_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00394_De_Berlin_A_Nueva_York_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00394_De_Berlin_A_Nueva_York_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00394_De_Berlin_A_Nueva_York_5.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00394_De_Berlin_A_Nueva_York_6.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00394_De_Berlin_A_Nueva_York_7.jpg

Concierto: De Berlín a Nueva York Renée Fleming, Klaus Florian Vogt & Christian Thielemann Estreno 10 de septiembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a disfrutar de esta magnífica gala lírica que, bajo el título De Berlín a Nueva York, ofrece una selección de obras de autores de la importancia de Georges Gershwin, Leonard Bernstein, Kurt Weill, Johann Strauss II, Richard Tauber o Paul Abraham. Las interpretan la soprano estadounidense Renée Fleming y el tenor alemán Klaus Florian Vogt, acompañados por la Orquesta Estatal de Dresden, el Coro y Ballet de la Ópera de Dresden y la batuta de Christian Thielemann.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00394_De_Berlin_A_Nueva_York_1.jpg









Otra de las grandes óperas verdianas sobre Shakespeare, que llega desde el Festival de

Pascua de Salzburg y con un excepcional elenco artístico.

Género: ópera, música clásica, música romántica.

Intérpretes: José Cura, Dorothea Röschmann, Carlos Álvarez, Benjamin Bernheim, Christa Mayer, Georg Zeppenfeld, Bror Magnus Todenes, Csaba Szegedi, Gordon Bintrer, Sofia Pintzou; Coro de la Ópera Estatal de Dresden, Coro Infantil del Festival y Teatro de Salzburg; Vincent Boussard [dirección de escena], Vincent Lemaire [escenografía], Christian Lacroix [vestuario], Helge Letonja [coreografía], Guido Levi [iluminación], Stefan Ulrich [dramaturgia].


Orquesta: Orquesta Estatal de Dresden.

Año: 2016.

Lugar: Grosses Festspilehaus, Salzburg.


Otello, ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto en italiano de Arrigo Boito, a partir de la obra de William Shakespeare The Tragedy of Othello, the Moor of Venice [La tragedia de Otelo, el moro de Venecia]. Fue la penúltima ópera de Verdi, que tuvo su estreno en el Teatro alla Scala de Milán, el 5 de febrero de 1887. Verdi, tras concluir en 1871 su célebre Aida, decidió que era el momento de poner fin a su exitosa carrera como operista, a pesar de que por aquel entonces era probablemente el compositor más popular y quizá más rico de Italia. Precisamente por

Ópera: Otello Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 16 de septiembre 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador



dicho éxito su retiro era, en opinión de su editor, Giulio Ricordi, una forma de malgastar su talento y perder los notables beneficios que proporcionaban sus obras. De esta manera surgió una especie de intriga que pretendía obligar al compositor a salir de su retiro para escribir otra ópera. Verdi, que era especialmente selectivo en la elección de temas, necesitaría de un acicate mayúsculo para volver al trabajo. En consecuencia, si iba a mostrarse conforme en crear otra ópera tras una década de retiro, el libreto debía captar su interés. Ya que era bien sabido que Verdi admiraba las obras teatrales de Shakespeare

y que había creado ya una ópera basada en las tramas shakespearianas –aunque su único intento hasta entonces, Macbeth [1847], no fue bien recibida cuando fue revisada para

interpretarse en París en el año 1865–, la elección de un texto del bardo inglés parecía un acierto seguro. Tras planearlo todo minuciosamente, Ricordi, junto con el director Franco Faccio, sutilmente insinuaron a Verdi la idea de una nueva ópera. Durante una cena en la residencia milanesa de Verdi durante el verano de 1879 ambos llevaron la conversación hacia

la obra de Shakespeare y al libretista Arrigo Boito –de quien Ricordi decía que era también

un gran admirador de la obra–. A pesar del escepticismo inicial por parte del compositor, en pocos días llevaron a Boito para que se encontrase con Verdi y le presentara un esquema de un libreto para una ópera basada en Otello. Sin embargo, Verdi todavía mantenía que su carrera había terminado. A pesar de todo, las colaboraciones con Boito en la revisión de la anterior ópera Simon Boccanegra ayudaron a convencer a Verdi de la capacidad de este como libretista. Finalmente, comenzó la producción de esta ópera, que Verdi inicialmente llamó Iago. Conforme el público italiano supo que el retirado Verdi volvía a las tablas, abundaron los rumores al respecto. Al mismo tiempo, la mayor parte de los directores, cantantes y gestores de mayor importancia en Europa ansiaban tener la oportunidad de participar en dicho estreno, a pesar del hecho de que Faccio y La Scala de Milán ya habían sido seleccionados como director y local del estreno. Se habían seleccionado los dos protagonistas masculinos también: el más destacado tenor dramático de Italia, Francesco Tamagno, sería el protagonista, mientras que el estimado cantante francés Victor Maurel asumiría el rol barítono del perverso Iago. Romilda Pantaleoni, una cantante bien conocida, obtuvo el papel de Desdemona.

La ópera suele ser interpretada con mucha frecuencia. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 28 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 17.ª en Italia y la 8.ª de Verdi.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00988_Otello_Verdi_1.JPG www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00988_Otello_Verdi_2.JPG www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00988_Otello_Verdi_3.JPG www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00988_Otello_Verdi_4.JPG www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00988_Otello_Verdi_5.JPG

Ópera: Otello Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 16 de septiembre 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Giuseppe Verdi era un gran shakespeariano, entre ellas Otello surge como una obra maestra. Llega aquí desde el Festival de Pascua de Salzburg con las voces de José Cura, Dorothea Röschmann, Carlos Álvarez, Benjamin Bernheim, Christa Mayer, Georg Zeppenfeld, Bror Magnus Todenes, Csaba Szegedi, Gordon Bintrer y Sofia Pintzou, junto al Coro de la Ópera Estatal de Dresden, el Coro Infantil del Festival y Teatro de Salzburg y la Orquesta Estatal de Dresden, bajo la dirección de Christian Thielemann.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00988_Otello_Verdi_1.JPG







Una de las obras cumbre en la historia de la música sacra, brindada a través de una

interpretación absolutamente magnífica.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música vocal, música sacra.

Intérpretes: Christine Schäfer, Christian Gerhaher; Coro de la Radio de Baviera.


Orquesta: Filarmónica de Munich.

Año: 2009.

Lugar: Kulturzentrum, Gasteig.


Sin duda, uno de los puentes directos entre Johann Sebastian Bach y el siglo XIX lo tenemos en la figura de Johannes Brahms (1833-1897). Si bien no hizo tanto por el redescubrimiento de la obra del Kantor como su compatriota Felix Mendelssohn, sí que se encuentra en Brahms un puente tendido, especialmente en la música coral, con la escritura bachiana. Brahms fue, además, uno de los primeros en recuperar obras vocales del Barroco alemán, como hizo de manera recurrente con la figura de Heinrich Schütz. Esto influyó poderosamente en su manera de concebir la composición coral, lo que se aprecia de manera evidente en algunas de sus grandes obras.

Concierto: Requiem alemán, de Johannes Brahms Coro Radio de Baviera, Filarmónica de Múnich & Christian Thielemann 16 de septiembre 21:30: Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



Este Ein Deutsches Requiem [Requiem alemán] Op. 45 es una reflexión introspectiva basada en textos bíblicos, traducidos al alemán, sobre la vida y la muerte, que Brahms

comienza a perfilar hacia 1856 –cuando fallece su amigo Robert Schumann– y que terminará a partir de 1865, cuando la muerte de su madre le hace obsesionarse más por estas cuestiones. Ya para el verano de 1866 tendrá completados seis movimientos. La obra se estrenó primeramente de forma parcial en la Catedral de San Pedro de Bremen (abril de 1868), para hacerlo de forma completa en la Gewandhaus de Leipzig en 1869. Brahms concibe la obra en siete movimientos y la prescribe para soprano, barítono, coro, orquesta y órgano, aunque existe una versión que elimina la orquesta y el órgano y se acompaña únicamente de dos pianos, arreglo que parece destinado a facilitar la interpretación de la obra por orfeones y conjuntos corales no profesionales de buena parte de Alemania, pero también de otros países, lo que ayudaría a dar a conocer su nombre en algunos países donde no era todavía no muy apreciado. En 1871 se produce el estreno de la obra en Inglaterra, de la mano de Juluis Stockhausen, amigo de Brahms que además interpretó la parte de barítono solista, que tuvo lugar en la residencia de Sir Henry Thompson.

Brahms sufrió una cierta incomprensión por parte de buena parte del público, pues la composición de un Requiem en el que apenas se menciona de directa a Dios resultaba algo extraño y levantaba suspicacias. No en vano, Brahms designó a la obra como eine Art deutsches Requiem [una especie de Requiem alemán], pues su intención era la de configurar la pieza como una composición de carácter puramente musical, dejando a un lado, por supuesto, su carácter y concepción litúrgica. Brahms eligió para los textos la traducción alemana que de la Biblia realizara Lutero, y la selección de textos efectuada

por el compositor fue concebida con el fin de reconfortar a los vivos –aquellos que han

perdido algún ser amado–, más que para conmemorar las vidas u orar por las almas de quienes han muerto. En cierta ocasión el mismo Brahms declaró lo siguiente: «admitiré que podría omitir el término alemán y llamarlo simplemente un Requiem por lo Humano o por la Humanidad». Precisamente por su concepción fue llamado por algunos como el Requiem ateo. De cualquier manera, y aunque la obra se aleje de aspectos puramente religiosos, es bien cierto que el logro espiritual que se produce en esta composición es prácticamente un milagro.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00267_Brahms_Misa_de_Requiem_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00267_Brahms_Misa_de_Requiem_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00267_Brahms_Misa_de_Requiem_3.jpg

Concierto: Requiem alemán, de Johannes Brahms Coro Radio de Baviera, Filarmónica de Múnich & Christian Thielemann 16 de septiembre 21:30: Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El Requiem alemán de Johannes Brahms es una de las grandes obras sacras, no solo del siglo XIX, sino de toda la historia de la música occidental. Una pieza que rezuma espiritualidad vista de una visión en cierta manera externa a la religiosidad. Llega aquí en la interpretación de la soprano Christine Schäfer y el barítono Christian Gerhaher, y especialmente del Coro de la Radio de Baviera, acompañados por la Orquesta Filarmónica de Munich, todos ellos bajo la dirección de Christian Thielemann.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00267_Brahms_Misa_de_Requiem_1.jpg





Un magnífico recital, con la pianista francesa y la orquesta director austríacos, para

celebrar la hermosa primavera vienesa.

Género: conciertos, música clásica, música romántica, piano.

Intérpretes: Hélène Grimaud.

Director: Manfred Honeck.

Orquesta: Sinfónica de Viena.

Año: 2016.

Lugar: Sala dorada de la Musikverein, Viena.


Primavera en Viena, con este título se viene presentando, desde hace cuatro décadas, el concierto de Pascua protagonizado actualmente por la Orquesta Sinfónica de Viena, que es emitido en directo por la televisión austriaca, ofreciendo al público algunos de los mejores intérpretes en el panorama mundial. Se trata de una de las grandes citas musicales del año en Viena, que es además una de las ciudades más musicales del planeta.

La gran protagonista en estos conciertos es su anfitriona, la Orquesta Sinfónica de Viena, que como embajadora cultural de Viena y orquesta de conciertos de primer nivel mundial desempeña la mayor parte de la actividad sinfónica que compone la vida musical de la

Concierto: Primavera en Viena 2016 Hélène Grimaud, Sinfónica de Viena & Manfred Honeck Estreno 17 de septiembre 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador



capital austríaca. La preservación del sonido orquestal vienés tradicional ocupa un papel central en sus muchas actividades artísticas. Wiener Symphoniker es uno de los conjuntos más prestigiosos de Europa y cuenta con 128 miembros, por lo que la orquesta es precisamente el vehículo adecuado para las grandes obras románticas de autores como Brahms, Bruckner, Mahler o Richard Strauss. El célebre Musikverein y el Konzerthaus vieneses son los principales lugares de interpretación para la Sinfónica de Viena. La orquesta también ha estado en residencia en el Bregenzer Festspiele desde 1946 y continúa manteniendo lazos cercanos con el festival. A partir de 2006 la orquesta agregó otra medalla a su solapa, pues es desde entonces orquesta titular de la Ópera de Viena, desarrollando así la numerosa actividad que se lleva a cabo en el Teatro an der Wien. Las incursiones internacionales periódicas a los centros musicales más importantes completan la amplia agenda de esta tradicional orquesta vienesa, fundada en 1900 con el nombre de Wiener Concertverein. Los objetivos iniciales eran producir conciertos orquestales asequibles para el público en general y satisfacer la necesidad de estrenos y primeras interpretaciones de obras contemporáneas. La nueva orquesta hizo su debut oficial en el gran salón del Musikverein el 30 de octubre de 1900 bajo la batuta de Ferdinand Löwe.

La otra gran protagonista de la velada es Hélène Grimaud, pianista francesa que actualmente es una de las más destacadas intérpretes de su generación. Desciende de una familia con distintos acervos culturales: por parte de padre tiene la rama sefardí del

Norte de África, y por su madre de judíos de Córcega. Su familia cambio de apellido –de

Grimaldi a Grimaud– antes de que naciera. A la edad de siete años descubre el piano y empieza su formación con Jacques Rouvier. Estudia en el conservatorio de Marsella junto a Pierre Barbizet. Es aceptada en 1982, a la corta edad de trece años, y gana el premio del Conservatorio de París. Tenía quince años cuando grabó la Segunda Sonata de Sergei Rachmaninov. Hélène Grimaud salió victoriosa de esta primera grabación, salvando todos los obstáculos, pero su carrera aún no estaba lanzada. Durante el verano de 1987 Grimaud corrió el riesgo de presentarse ante Jorge Bolet, que daba clases públicas de interpretación en el Festival Internacional de Piano de La Roque d'Anthéron. Cuando ya la conocían los especialistas, Hélène Grimaud tocó para el gran pianista americano de origen cubano. Eligió Après une lecture du Dante, de Franz Liszt, ante Jorge Bolet que es quizá su mejor intérprete. Quedó entusiasmado. En 1987 inicia su carrera como solista, en un recital junto a la Orquesta de París dirigida por Daniel Barenboim. Desde entonces su carrera ha sido fulgurante, situándola en un lugar de privilegio del pianismo mundial.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00402_Primavera_en_Vienna_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00402_Primavera_en_Vienna_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00402_Primavera_en_Vienna_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00402_Primavera_en_Vienna_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00402_Primavera_en_Vienna_5.jpg

Concierto: Primavera en Viena 2016 Hélène Grimaud, Sinfónica de Viena & Manfred Honeck Estreno 17 de septiembre 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Primavera en Viena 2016 le ofrece la oportunidad de disfrutar de la excepcional pianista gala Hélène Grimaud, acompañada por una de las grandes orquestas austríacas, la Sinfónica de Viena, que dirige aquí Manfred Honeck. En programa el fantástico Concierto para piano n.º 4, de Ludwig van Beethoven, así como el tercer movimiento de su Sinfonía Pastoral, a las que se suman valses, marchas, oberturas y ballets de Richard Strauss, Franz von Suppé, Carl Michael Ziehrer y Max Schönherr.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00402_Primavera_en_Vienna_1.jpg







Una de las óperas menos conocidas del operista italiano, pero de gran calidad, que le

ofrecemos en las voces de un trío protagonista de auténtico lujo.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Anna Netrebko, Elīna Garanča, Ildebrando d’Arcangelo, Francesco Meli, Elisabeth Kulman, Peter Jelosits, Dan Paul Dumitrescu; Coro de la Ópera Estatal de Viena; Eric Génovèse [dirección de escena], Jacques Gabel y Claire Sternberg [escenografía], Luisa Spinatelli [vestuario], Bertrand Couderc [iluminación].

Director: Evelino Pidò.

Orquesta: Orquesta de la Ópera Estatal de Viena.

Año: 2011.

Lugar: Ópera Estatal, Viena.


Anna Bolena es una tragedia lírica en dos actos con música de Gaetano Donizetti (1797-1848) y libreto en italiano de Felice Romani, basada en Enrico VIII ossia Anna Bolena, de Ippolito Pindemonte, y Anna Bolena, de Alessandro Pepoli, ambas sobre la vida de la segunda esposa del rey Enrique VIII de Inglaterra. Fue estrenada en el Teatro Carcano de Milano, el 26 de diciembre de 1830. El dúo Sul suo capo aggravi un Dio entre Anna [soprano] y Giovanna Seymour [mezzosoprano] está considerado uno de los mejores de todo el repertorio operístico. Esta ópera forma parte de una serie de óperas de Donizetti que tratan del período Tudor en la historia inglesa, que incluye Roberto Devereux, Maria Stuarda e Il castello di Kenilworth. Los principales papeles femeninos de las óperas Anna

Ópera: Anna Bolena Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti 23 de septiembre 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux son a menudo conocidos como las Tres Reinas de Donizetti.

La ópera fue escasamente representada entre la segunda mitad del siglo XIX y principios del siglo XX, cayendo después en el olvido. Anna Bolena no se representó con frecuencia hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Su retorno al escenario marcó un gran triunfo para Maria Callas junto a la mezzosoprano Giulietta Simionato en abril de 1957, en La Scala. A partir de Callas la obra siguió representándose. Otras intérpretes que destacaron en el papel de Anna han sido Leyla Gencer, Montserrat Caballé, Renata Scotto, Edita Gruberová, Mariella Devia y Anna Netrebko. Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 221 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 64.ª en Italia y la undécima de Donizetti, con 12 representaciones en el período. Hacia finales de la década de los años veinte del siglo XIX, Donizetti, imbuido por el nuevo estilo romántico, empieza a introducir una serie de elementos distintos en sus obras, que lo acercan a los postulados del nuevo movimiento. Evolución que también en estos momentos está llevando a cabo su rival Vicenzo Bellini de modo independiente. Ejemplo de este periodo de transición pueden ser las obras Albor di Granata [1826], Gemma di Vergy [1827], Elisabetta al castello di Kenilworth [1829] o Anna Bolena. En todas estas óperas se pueden observar nuevos elementos relacionados con el sentimentalismo romántico, con los temas históricos o con las nuevas formas en lo estrictamente musical; no obstante aún se pueden observar algunos elementos relacionados directamente con la ópera bufa y con el bel canto que, influidos por Rossini, sigue arrastrando en su producción. La ópera pertenece a una etapa en donde los elementos románticos priman sobremanera. Donizetti, cada vez más alejado de la ópera bufa, se adentra en un tema de

ambientación medieval muy al gusto de ese movimiento. Junto a este tema medieval –en este momento la definición de los períodos históricos era aún confusa– el desarrollo de

unos amores reales –a los que la censura italiana es transigente ya que se trata de un rey

cismático– ahondan en la idea romántica junto con los sentimientos que se acercan a la locura de la protagonista y una ambientación escénica muy próxima a lo gótico.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00298_Anna_Bolena_Opera_en_2_actos_de_Gaetano_Donizetti_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00298_Anna_Bolena_Opera_en_2_actos_de_Gaetano_Donizetti_2.JPG www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00298_Anna_Bolena_Opera_en_2_actos_de_Gaetano_Donizetti_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00298_Anna_Bolena_Opera_en_2_actos_de_Gaetano_Donizetti_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00298_Anna_Bolena_Opera_en_2_actos_de_Gaetano_Donizetti_5.jpg

Ópera: Anna Bolena Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti 23 de septiembre 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Como todos los operistas, Gaetano Donizetti tiene algunas óperas que no son tan conocidas en su producción. Anna Bolena es una de ellas, por eso redescubrirla siempre es un placer, especialmente cuando viene servida en las voces protagonistas de Anna Netrebko, Elīna Garanča e Ildebrando d’Arcangelo, a las que se unen Francesco Meli, Elisabeth Kulman, Peter Jelosits y Dan Paul Dumitrescu. Les acompañan la Orquesta y Coro de la Ópera Estatal de Viena, bajo la dirección de Evelino Pidò.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00298_Anna_Bolena_Opera_en_2_actos_de_Gaetano_Donizetti_1.jpg


http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00298_Anna_Bolena_Opera_en_2_actos_de_Gaetano_Donizetti_2.JPG

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00298_Anna_Bolena_Opera_en_2_actos_de_Gaetano_Donizetti_2.JPG









Un documental que le invita a conocer las raíces de la música barroca europea a través de

Rubén Dubrovsky y su Vienna Bach Consort.

Género: documental, música barroca, música clásica, música popular, voz.

Intérpretes: Bernarda Fink, Francisco Brito.

Director: Rubén Dubrovsky.

Orquesta: Vienna Bach Consort.

Año: 2015.

Lugar: Hofburgkapelle, Wiener Konzerthaus y Zacherlfabrik, Viena.


La música barroca es el estilo musical europeo surgido en la época cultural homónima

que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera –en torno a 1600– hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. Es uno de los estilos de la que se conoce

como música clásica, académica o culta –términos bastante obsoletos e inadecuados–, al que antecede la música renacentista y le sigue el Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, el Barroco fue uno de los períodos más trascendentes en el desarrollo musical europeo, por múltiples razones. El término Barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo retorcido o una construcción elaborada, envuelta, siguiendo el término original barrueco o berrueco, tomando del portugués, que describía una perla deformada. En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del estilo musical del siglo anterior, que se

Documental: De Bach a las raíces: desde Leipzig hasta África Estreno 23 de septiembre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



consideraba tosco, extraño, áspero y anticuado. Desde mediados del pasado siglo, con la llegada de corrientes filológicas que perseguían el estudio profundo de las fuentes primerias y secundarias con el fin de interpretar estos repertorios de la manera más fidedigna posible, la música del Barroco ha ido viviendo un desarrollo cada vez mayor, surgiendo numerosos especialistas en la interpretación y su estudio. El llamado

historicismo –movimiento de interpretación de la música antigua con criterios e

instrumentos originales– ha supuesto uno de los movimientos interpretativos más sustanciosos e importantes del siglo XX. En este documental, titulado De Bach a las raíces: desde Leipzig hasta África, el conjunto Bach Consort de Viena, bajo la dirección del director e instrumentista argentino Rubén Dubrovsky, interpreta música europea del Barroco a las que añade unos toques con raíces latinoamericanas. Los dos mundos de la música folklórica argentina y de la música barroca europea se contraponen e imbrican entre sí de manera impresionante. Dubrovsky lleva sus raíces musicales a la audiencia, destaca lo que tienen en común y, a medida que el programa musical se desarrolla, se embarca en una búsqueda entretenida, enigmática y perspicaz de pistas que van desde Leipzig a las raíces de la música barroca en África.

Esto se debe a que en el siglo XVI tres culturas entraron en contacto entre sí en América Latina: los indígenas, los conquistadores españoles y los esclavos africanos. Violines y tiorbas se mezclaron con charangos argentinos, jaranas mexicanas y tambores africanos. De Argentina a México nuevos bailes explotaron en vida. Como polizones, estos bailes viajaron con el botín colonial a España. Esta música rápidamente conquistó Europa, con la mezcla de culturas siguiendo su curso. Mientras que los bailes ardientes fueron olvidados pronto en Europa, en la Argentina han permanecido vivos en la forma de una música folklórica sofisticada y tienen gran importancia para enseñarnos sobre la manera original de hacer música y los instrumentos en el período barroco. Mientras que la mezzosoprano Bernarda Fink y el tenor Francisco Brito realizan interpretaciones de obras barrocas en la tradición sudamericana y presentan la música argentina de acuerdo con la interpretación europea, el etnólogo musical, Gerhard Kubik, y el periodista musical Albert Hosp, tienen su propia opinión al respecto, la cual será desvelada a lo largo del documental.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00400_Bach_a_las_raices_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00400_Bach_a_las_raices_2.jpg

Documental: De Bach a las raíces: desde Leipzig hasta África Estreno 23 de septiembre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: ¿Cuáles son los orígenes de la música barroca europea? Esta pregunta, nada sencilla, es la que sostiene el argumento de este documental en el que Rubén Dubrovsky, al frente del dúo solista conformado por Bernarda Fink y Francisco Brito, así como de su conjunto, Vienna Bach Consort, se afana por rastrear dónde se encuentran las raíces de lo que hoy se conoce como música barroca. Si quiere descubrirlo, le invitamos a disfrutar de este fantástico documental.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00400_Bach_a_las_raices_1.jpg

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00400_Bach_a_las_raices_2.jpg



Último concierto del gran director letón como titular de la Orquesta del Real

Concertgebouw Amsterdam, con la que nos ha regalado tantos inmensos momentos.

Género: concierto, música clásica, música contemporéna, voz, música sinfónica.

Intérpretes: Thomas Hampson.

Director: Mariss Jansons.

Orquesta: Orquesta del Real Concertgebouw Amsterdam.

Año: 2015.

Lugar: Het Concertgebouw, Amsterdam.


Mariss Jansons (1943) es un director de orquesta letón, que ha sabido posicionarse, con un trabajo apasionado, entregado y alejado del glamour que acompaña a otros directores, como uno de los mejores exponentes de la dirección orquestal en las últimas tres décadas. A Jansons la vocación le viene de familia, pues es hijo del director Arvīds Jansons. Su madre, una judía en territorio ocupado por los nazis, tuvo que darle a luz a escondidas después de que su padre y su hermano fuesen asesinados en el Ghetto de Riga. Desde niño aprendió a tocar el violín junto a su padre. En 1946, su padre ganó el segundo premio en una competición nacional y fue escogido por Yevgeny Mravinsky para ser su asistente en la Filarmónica de Leningrado. Cuando su familia se unió a él en 1956, Jansons ingresó al Conservatorio de Leningrado para formarse piano y dirección coral. En 1969 se traslada a Viena para seguir formándose, entonces con Hans Swarowsky, y después en Salzburg con nada menos que Herbert von Karajan. Karajan había invitado a Jansons para ser su asistente en la Filarmónica de Berlín, pero las autoridades soviéticas impidieron que Jansons aceptara el nombramiento. Ya en 1973 fue nombrado director asociado de la

Concierto: Mariss Jansons Concierto de despedida 24 de septiembre 20:25 Argentina/Uruguay | 18:25 Colombia/Ecuador



Orquesta Filarmónica de Leningrado, y seis años más tarde director musical de la Orquesta Filarmónica de Oslo, con la que le unió una relación duradera y realmente fructífera, aunque terminó renunciando en 2000 tras varias disputas por la mala acústica de la sala de conciertos. En 1992 se le nombra director invitado principal de la Orquesta Filarmónica de Londres y de la Orquesta Sinfónica de Londres, y al año siguiente director musical de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, donde permaneció hasta 2004.

En 1996 sufrió un ataque cardíaco mientras dirigía las páginas finales de La bohème en Oslo. Tras un delicado proceso de recuperación y de abandonar definitivamente los Estados Unidos, en 2003 comenzó como director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, sucediendo a Lorin Maazel, entidad con la que ha ido renovando cargos de manera consecutiva, de forma que actualmente sigue siendo su titular, y por varios años. Solo un año más tarde es nombrado también director titular de la Orquesta del Real Concertgebouw Amsterdam, de la que se despide en el presente concierto, a la que llegó

como sucesor de Riccardo Chailly y con la que ha conseguido magníficos logros –en Allegro HD hemos sido testigos de algunos de esos hitos, como la integral de sinfonías de Beethoven

que hemos ofrecido de forma íntegra–. En 2006, 2012 y 2016 dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena.

Para su despedida, Jansons ha seleccionado un programa realmente variado y verdaderamente expresivo: se abre con tres de los lieder de Des Knaben Wunderhorn [El cuerno mágico de la juventud], un ciclo de lieder basados en una recopilación homónima de cantos populares alemanes, realizada por Clemens Brentano y Achim von Arnim entre 1805-1808, y que Gustav Mahler (1860–1911) puso en música en varias colecciones entre 1880 y 1990; le sigue la obra Ick seg adieu, estreno mundial de esta creación del compositor holandés Martjin Padding (1956); Aaron Copland (1900-1990) es uno de los máximos exponentes de la música clásica en los Estados Unidos, y de él se interpretan, The Dodger, The Little Horses y The Boatmen’s Dance, extraídas de Old American Songs, dos colecciones de arreglos de canciones de su país, compuestas entre 1950 y 1952, inicialmente para voz y piano, y posteriormente para barítono o mezzosoprano y orquesta; concluye el recital con el Concierto para orquesta de Béla Bartók, obra en cinco movimientos compuesta en 1943 y que es una de las más populares de su autor.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00328_Mariss_Jansons_Concierto_de_despedida_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00328_Mariss_Jansons_Concierto_de_despedida_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00328_Mariss_Jansons_Concierto_de_despedida_3.jpg

Concierto: Mariss Jansons Concierto de despedida 24 de septiembre 20:25 Argentina/Uruguay | 18:25 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Mariss Jansons es sin duda uno de los grandes directores de las últimas décadas. Se unión con la Orquesta del Real Concertgebouw de Amsterdam es una de las fructíferas y enriquecedoras del siglo XXI. Se despide como titular del conjunto holandés con este magnífico recital en el que, acompañado por el barítono Thomas Hampson, ofrecen obras de Gustav Mahler, Martjin Padding, Aaron Copland y Béla Bartók. La mejor despedida posible para uno de los grandes.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00328_Mariss_Jansons_Concierto_de_despedida_1.jpg





Un espectáculo de danza absolutamente impresionante, en el que se combina, como

nunca se ha visto, la danza de seres humanos y hermosos cisnes.

Género: ballet, música clásica, danza contemporánea.

Intérpretes: Aurore Castan-Aïn, Katia Petrowick, Marie Sinnaeve, Aurore Godfroy, Anaïs Barthe y Delphine Berdiel [bailarines], Luc Petton [dirección artística, concepto y coreografía], Marilén Iglésias [coreografía], Xavier Rosselle [música], Jean Paul Céalis [escenografía], Raul Pajaro Gomez [escenografía], Marion Egner, Karin Wehner [vestuario], Sylvie Vautrin [iluminación], François Coquet, Guillaume Habrias [trabajo con cisnes].

Año: 2013.

Lugar: Grand T, Nantes.


Este innovador proyecto, y único en el mundo, crea un vínculo entre el arte y la naturaleza, entre hombre y el animal en una búsqueda permanente y un acto de creación que cuestiona el concepto de cuerpo humano/cuerpo volátil en su esencia estética y filosófica. Esta investigación se centra en la presencia de animales, especialmente aves, en un proceso bajo el signo de dejar ser, consistente en dejar el mayor espacio para el animal y el bailarín durante el acto creativo para que puedan interaccionar. Lo que está en juego es un estado del ser que lleva, por su propia lógica, una filosofía y estética

Ballet: Cisne Creación para cisnes y bailarines, de Luc Petton Estreno 24 de septiembre 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



particulares. Por medio de un trabajo de escucha e interacción los bailarines se abren a su otro ser, el animal, y le dan el espacio que le corresponde en un juego de improvisación, creación intuitiva e instantánea que resulta apabullante. Por un lado, las propiedades de los animales contaminan el bailarín cuyas posiciones y cuerpo receptivos irrumpen en la escena en un beneficio del estado del animal; por el otro, el ave acepta el juego y ayuda a construir la red de abstracciones fluctuantes que conforman la obra. Siempre abierto al riesgo y lo inesperado, el trabajo que se teje a discreción en el espectáculo es también una manera de pensar nuevas formas de ser para la raza humana en las últimas investigaciones sobre la ciencia de la conciencia, la etología y las artes escénicas. Cisne es un proyecto que da vida al concepto de zooësis, neologismo compuesto por zoología y poesía que cuestiona la figura y el cuerpo del animal en el arte, logrando transgredir la línea divisoria que separa al hombre de los animales, creando así una dinámica fructífera. Esta disciplina, centrada en sus inicios en cuestiones de origen animal y específicamente en el ámbito filosófico, discute los conceptos de alteridad y la denuncia del enfoque antropomórfico y antropocéntrico frente a los animales. Para Dominique Lestel, filósofo, etólogo y profesor, el animal es el futuro del hombre, por lo que esta creación entre bailarín y ave se construye en torno a los conceptos de la excitación y la atención al desarrollo de las aves en su propio ritmo. Luc Petton habla de flujo de escucha e invita a los bailarines a modular su estado físico y su presencia en relación al animal, lo que conlleva una desterritorialización y desarrolla en los bailarines una nueva sensibilidad, un nuevo modo de su alteridad con el animal. Esta proximidad e interdependencia han creado una fructífera dinámica que el investigador estadounidense y profesor de Historia de la conciencia, Donna Haraway, ha denominado como coreografía ontológica.

Cisne surge como una poética del espacio-tiempo, donde los límites entre la animalidad y la humanidad, así como entre los elementos, aire, tierra y agua se presenten como una indecisión, al igual que en aquel momento en que la especie humana todavía caminaba sobre las metamorfosis. Esta creación combina imágenes arcaicas y un tratamiento coreográfico contemporáneo que sirva a sus objetivos. El inicio del protocolo de impregnación de los cisnes se realizó en la primavera de 2010, momento justo de su nacimiento y salida del huevo, presentando desde entonces un contacto inmediato con los bailarines, que después serán sus compañeros en el escenario, para seguir muy de cerca su proceso de crecimiento hasta llegar a la edad óptima en la que enfrentarse al reto de aparecer en un escenario frente al público y cocrear un espectáculo con seres humanos.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00365_Cisne_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00365_Cisne_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00365_Cisne_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00365_Cisne_4.jpg

Ballet: Cisne Creación para cisnes y bailarines, de Luc Petton Estreno 24 de septiembre 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Luc Petton y su Compagnie Le Guetteur crean este mágico y genuino espectáculo audiovisual que combina lo mejor de la danza contemporánea con la inclusión de cisnes en escena. Los bailarines Aurore Castan-Aïn, Katia Petrowick, Marie Sinnaeve, Aurore Godfroy, Anaïs Barthe y Delphine Berdiel se unen a la dirección artística, concepto y coreografía de Luc Petton, la coreografía de Marilén Iglésias, la música de Xavier Rosselle y el trabajo con los cisnes llevado a cabo por Francçois Coquet y Guillaume Habrias, en un espectáculo que le transportará.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00365_Cisne_1.jpg






La extraordinaria mezzosoprano Vivica Genaux y el Vienna Bach Consort, que dirige Rubén

Dubrovsky, interpretan música sacra del gran maestro veneciano.

Género: conciertos, música barroca, música clásica, música sacra, voz.

Intérpretes: Vivica Genaux; Vienna Chamber Choir.

Director: Rubén Dubrovsky.

Orquesta: Vienna Bach Consort.

Año: 2015.

Lugar: Catedral de San Esteban, Viena.


Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un compositor y violinista italiano, cuya abundante obra concertística ejerció una influencia determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento del género concertante, así como de otros géneros puramente instrumentales, como la sonata o la sinfonía. Autor ciertamente prolífico, la producción vivaldiana no se relaciona únicamente con la música instrumental, sino que destacó sobremanera como operista, firmando algunos de los títulos más brillantes en la Europa de la primera mitad del XVIII, además de como un excepcional compositor de música vocal sacra, de la que practicó prácticamente la totalidad de los géneros más importantes del momento, aplicando en ellos su escritura tan particular y definitoria. Célebre al extremo merced a la composición de Las cuatro estaciones, sus conciertos para violín y

Concierto: Homenaje a Vivaldi – Música sacra Tesoros barrocos Estreno 29 de septiembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



orquesta, cuya fama ha eclipsado prácticamente el resto de su obra, Vivaldi es con todo merecimiento uno de los más grandes autores del período Barroco y de la historia de la música occidental. El genial compositor veneciano, que era conocido como Il prete rosso –por su color de pelo rojizo y por estar ordenado sacerdote–, vivía un tanto alejado de la vida sacerdotal que le exigía su cargo. A pesar de que ejercía como maestro de música y compositor en

el Ospedale della Pietà veneciano –una institución que acogía a jóvenes huérfanas y que en aquel momento presumía de tener uno de los mejores conjuntos instrumentales y

vocales de toda Europa, conformado únicamente por féminas–, fue acusado en diversas ocasiones de no cumplir con los mandatos eclesiásticos, como en 1737, cuando se le acusó de no dar nunca da misa, a lo que Vivaldi responde lo siguiente en una carta dirigida a Bentivoglio: No he dicho misa por espacio de 25 años y no tengo intención de volver a hacerlo, no por causa de prohibición u ordenanza alguna, sino por mi propia voluntad, a causa de una enfermedad que he sufrido desde la infancia y que todavía me atormenta. Por esta razón vivo casi siempre en interiores y nunca salgo si no es en góndola o carruaje, ya que no puedo caminar sin sentir dolor y opresión en el pecho. Ningún caballero me ha invitado a ir a su casa, ni siquiera nuestro príncipe, porque todos conocen mi debilidad. Puedo salir a pasear después de la cena, pero nunca voy a pie. Ésta es la causa de que nunca diga misa. Hasta la década de 1920 la creencia de que Vivaldi poseía un catálogo amplio y ambicioso parecía ridícula. Sin embargo, con el paso de los años y el estudio de las fuentes, así como con el descubrimiento de varias de sus partituras autógrafas, su corpus sacro se ha ido poniendo en liza hasta convertirse en un pilar fundamental dentro de su catálogo compositivo. Vivaldi compuso un notable número de obras sacra en latín, para formaciones diversas y en prácticamente la totalidad de géneros del momento. En ella se

aprecian todas sus capacidades instrumentales –desarrolladas por la cuerda y partes

obligadas de una profundidad y belleza fascinantes– y vocales –las que fue conjugando

paralelamente con el desarrollo de la ópera–. En este concierto se interpretan ejemplos de sus distintas tipologías de composiciones sacras, desde las obras para doble coro y orquesta, como el Kyrie RV 587; para coro y orquesta simple, como el Credo RV 591; orquesta de cuerda, dos oboe y trompeta, como el Gloria in excelsis Deo RV 588; pasando por las obras de pequeño formato para solista y acompañamiento instrumental: el salmo Nisi Dominus RV 608 y los motetes Sum in media tempestatum RV 632 e In turbato mare irato RV RV 627.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00396_Tesoros_Barrocos_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00396_Tesoros_Barrocos_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00396_Tesoros_Barrocos_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00396_Tesoros_Barrocos_4.jpg

Concierto: Homenaje a Vivaldi – Música sacra Tesoros barrocos Estreno 29 de septiembre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Antonio Vivaldi es uno de los compositores más importantes de la historia. Gran creador en el género del concierto, destacó también en otros géneros, como el de la ópera y el de la música sacra. Vivica Genaux, el Vienna Bach Consort y Vienna Chamber Choir, bajo la dirección de Rubén Dubrovsky, le rinden homenaje a su figura y a su creación sacra, en este concierto ofrecido desde la fantástica catedral de Viena.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00396_Tesoros_Barrocos_1.jpg






La ópera más célebre del gran compositor bohemio, en una excelente producción de la

Ópera Estatal de Baviera con Opolais, Vogt y Krasteva como trío protagonista.

Género: ópera, música clásica, música postromántica.

Intérpretes: Kristīne Opolais, Klaus Florian Vogt, Nadia Krasteva, Günther Groissböck, Jamna Bacchle, Ulrich Ress, Tara Erraught, Evgeniya Sotnikova, Angela Brower, Okka van der Damerau, John Chest; Coro de la Ópera Estatal de Baviera, Coro Infantil de la Ópera Estatal de Baviera; Martin Kušej [dirección de escena], Martin Zehetgruber [escenografía], Heidi Hackl [vestuario], Reinhard Traub [iluminación], Olaf A. Schmitt [dramaturgia].

Director: Tomáš Hanus.

Orquesta: Orquesta Estatal de Baviera.

Año: 2010.

Lugar: Teatro Nacional, Munich.


Rusalka es una ópera en tres actos con música de Antonín Dvořák (1841-1904) y libreto en checo de Jaroslav Kvapil, que tuvo su estreno en Praga, el 31 de marzo de 1901. El nombre de la ópera se toma de la mitología eslava. El libreto, escrito por el poeta Jaroslav

Kvapil –sin que le fuera encargado por ningún compositor– se basa en los cuentos de hadas de Karel Jaromír Erben y Božena Němcová. Una rusalka es una duendecilla de la mitología eslava que normalmente habita en un lago o en un río. Rusalka es una antiquísima figura de los cuentos de hadas que aparece en la literatura europea ya en el año 1387, en los

Ópera: Rusalka Ópera en tres actos de Antonín Dvořák Estreno 30 de septiembre 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



poemas del trovador francés Jean d'Arras y en poemas posteriores, donde se la puede encontrar como sirena, ondina o melusina. Rusalka es, como las ninfas y las ondinas, un espíritu elemental, ligado con el cuerpo y la sangre al reino de los hombres, pero también a causa de su falta de alma, al mundo de los espíritus. Su anhelo es convertirse en ser humano y poder amar como una mujer terrenal, hasta el precio del sufrimiento y de la muerte. La ópera contiene elementos que aparecen también en el célebre cuento La Sirenita, de Hans Christian Andersen, y Undine, de Friedrich de la Motte Fouqué. El poeta lo terminó en 1899. Kvapil creó un verdadero libro de cuentos, que si bien recibió muchas influencias resulta a la vez homogéneo, bello y lleno de vivacidad. Al tiempo de tenerlo terminado comenzó a buscar un compositor interesado en él. Y dado que sus amigos compositores estaban implicados en otros proyectos, alguno de ellos mencionó que Dvorák estaba buscando un texto que poder musicalizar. El compositor, que siempre se interesó en las historias de Erben, leyó el libreto y lo encontró de gran interés. Dado, además, que uno de sus deseos más fervientes era lograr un éxito rotundo con una ópera e incluso quizá llegar a escribir auténticas óperas populares, como Verdi, compuso la música en un tiempo relativamente corto, ya que la comenzó el 22 de abril de 1900 y la completó para finales de noviembre. Sería su mejor obra dramática y merece un lugar entre las mejores óperas de su tiempo. El ambiente mágico del primer y último acto está maravillosamente conseguido, tiene algo de Wagner aquí y allá, pero es antes que nada checa, con la más profunda y fina sensibilidad para un verdadero arte popular. La ópera cuenta con melodías de una belleza pura y conmovedora. Se sabe que para su composición se retiraba todos los días durante diversas horas junto a un lago solitario en el bosque. Dvorák se valió de todos los recursos estilísticos de moda en aquella época, el desarrollo clásico, la técnica del leitmotiv, las formas del lied y del aria, todos ellos se sintetizan de manera armoniosa para ofrecer una mezcla interesante de los modismos de la música impresionista y tintes del expresionismo. Algunas arias son en efecto similares a las melodías folclóricas, hay algunas armonías típicas de la música checa, el libreto recuerda a las baladas checas de Karel Jaromír Erben, pero sobre todo, la melodía y las palabras en checo se corresponden perfectamente. Representa la piedra angular del repertorio de los teatros de ópera checos, apareciendo en Operabase como la n.º 56 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, la 1.ª en la República Checa y en la producción de Dvořák.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00379_Rusalka_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00379_Rusalka_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00379_Rusalka_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00379_Rusalka_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00379_Rusalka_5.jpg

Ópera: Rusalka Ópera en tres actos de Antonín Dvořák Estreno 30 de septiembre 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Antonín Dvořák es mundialmente conocido por sus composiciones instrumentales y orquestales. Sin embargo, su catálogo operístico es de una notable importancia, especialmente con Rusalka, su ópera más célebre, que llega aquí en producción de la Ópera Estatal de Baviera y las voces de Kristīne Opolais, Klaus Florian Vogt, Nadia Krasteva, Günther Groissböck, Jamna Bacchle, Ulrich Ress, Tara Erraught, Evgeniya Sotnikova, Angela Brower, Okka van der Damerau y John Chest. Les acompañan el Coro y Coro Infantil de la Ópera Estatal de Baviera, además de la Orquesta Estatal de Baviera y la dirección de Tomáš Hanus.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00379_Rusalka_1.jpg







ALLEGRO HD 235 LINCOLN ROAD, SUITE 201

MIAMI BEACH, FL 33139 USA

Documents

Destacados de Programación Septiembre 2017allegrohd.com/images/acpacs/allegro_hd_destacados_septiembre_2… · Allegro HD – Destacados de Programación – Septiembre 2017 235