DOSSIER DE PRENSA · CuSO4•5H2O es el resultado de la experimentación con sulfato de cobre (II), un compuesto químico de cristaliza-ción rápida, en reacción con materiales

DOSSIER DE PRENSA

Product Design Madrid interviene con piezas de diseño contemporáneo el Museo Nacional de Artes Decorativas• Durantecasidosmeses,36piezasdeartistasydiseñadoresactua-lesdialogaránconpiezasdelacoleccióndelMuseoNacionaldeArtesDecorativas

• Laexposición‘ArtDesign:Diálogoentredosépocas’coincideconlasemanadelasgrandesferiasdeartedeMadridyestárecomendadaporARCOensuprogramaVIP

Madrid. 5 de febrero de 2014.- La Plataforma Internacional de Diseño Industrial Product Design Madrid (PDM) y el Museo Nacional de Artes Decorativas (MNAD) organizan ‘Art Design: Diálogo entre dos épocas’, una exposición comisariada por Rossana Orlandi que tendrá lugar en el MNAD del 13 de febrero al 30 de marzo.Esta muestra supone un hito para el sector del diseño ya que es la primera vez que un grupo de piezas de Art Design entra en un museo de Madrid para convivir con su colección. ‘Art Design: Diálogo entre dos épocas’ se desarrollará en la tercera planta del MNAD, espacio donde se ex-ponen objetos de época Borbónica del siglo XVIII. De esta forma, las piezas de Art Design seleccionadas se expondrán en el recorrido habitual del museo con la intención de crear un diálogo entre piezas de diferentes siglos.

La exposición se inaugurará el día 13 de febrero a las 19:00 horas, y coincidirá con la semana de las ferias de arte de Madrid. Además, ARCO (Feria de Arte Contemporáneo) incluirá ‘Art Design: Diálogo entre dos épocas’ como exposición recomendada en su programa VIP.

Los productos que conforman la muestra son algunas de las piezas de Art Design que fueron selecciona-das entre todos los participantes de la Feria de Diseño Industrial PDM2, que tuvo lugar el pasado mes de noviembre en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. Estas piezas, seleccionadas por Rossana Orlandi –referente internacional del diseño industrial- y PDM, ya fueron expuestas en la feria de antigüedades y co-leccionismo FERIARTE, siendo la primera vez que se presentaba una exposición dedicada exclusivamente al Art Design en España.

Los diseñadores que mostrarán sus productos en la exposición son: Alejandro Tápias, Angelica Eriksson,Carissa Santoso, díez+zeíd, diéz+diéz, Hisae Ikenaga, Irene Gaumé, Giffintermeer Studio, Joel Blanco,Jorge Penadés, Mª José Gutiérrez, Mimétrica, Noviembre Estudio, Paco Orti, Paul Manriq y Roben.

Se presentan también veinte piezas de artistas y diseñadores brasileños inspiradas en la obra del portugués Raphael Bordallo Pinheiro, cuya fábrica de loza vidriada se inauguró en 1884. Con ella comenzó en Portugal una actividad de revitalización de las artes tradicionales de la cerámica, y Bordallo Pinheiro se convirtió en un referente del Art Noveau y Art Decó portugués. Sus piezas han entrado a formar parte de la imaginería tradicional lusa y a ser patrimonio artístico y cultural del país.

El desayuno de prensa tendrá lugar el jueves 13 de febrero de 10:30 a 13:00 horas en el Museo Nacional de Artes Decorativas.

INFORMACIÓNPRÁCTICA

‘ART DESIGN: DIÁLOGO ENTRE DOS ÉPOCAS’Museo Nacional de Artes Decorativas C/ Montalbán, 12, 28014 Madrid Tel. 91 532 64 99 www.mnartesdecorativas.mcu.es#ArtDesign

Horario: De martes a sábado de 9:30 hs. a 15:00 hs. Domingos y festivos: De 10:00 hs a 15:00 hs. Apertura vespertina (de 17:00 a 20:00 hs.): todos los jueves Cerrado: Todos los lunes

Cómo llegar:Autobuses Cibeles 1, 2, 5, 9,10, 14, 15, 20, 27, 34, 37, 45, 51, 52, 53, 74, 146 y 150.Puerta de Alcalá 1, 2, 9, 15, 19, 20, 28, 51, 52, 74 y 146.Metro: Banco de España y Retiro (línea 2)Cercanías: RecoletosAparcamiento público: C/ Montalbán (entre C/Alfonso XI y Pº del Prado)

PRODUCT DESIGN MADRID EN CONTEXTO

Product Design Madrid es una plataforma internacional de diseño industrial que tiene como objetivo facilitar la promoción de diseñadores emergentes. Ha organizado, por segundo año consecutivo, PDM, la feria de diseño industrial que cuenta con eventos satélite y que se ha convertido en referente del diseño industrial al reunir, por primera vez en Madrid, a todos los agentes del diseño nacional e internacional: diseñadores, empresas, asociaciones y escuelas.Tras el exitoso primer año, Product Design Madrid, ha pasado a convertirse en una plataforma internacional con eventos satélite como Barcelona Design Week, el Fuori Salone de Milán, DecorAccion y una colabo-ración especial con Design Days Dubai. Dentro de esta plataforma, la feria PDM2 es el evento principal de promoción y difusión de diseño de producto. La feria PDM2 se ha convertido en el termómetro del diseño industrial al exhibir 84 productos de jóvenes diseñadores y la muestra de los productos de 29 empresas españolas del sector del hábitat.Product Design Madrid cuenta con el apoyo institucional de Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, ICEX España Exportaciones e Inversiones, Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Madrid y Cámara de Comercio de Madrid. Además, posee la colaboración de RED (Reunión de Empresas de Diseño), ADI-FAD (Asociación de Diseño Industrial para el Fomento de las Artes y el Diseño) y FEDERMUEBLE (Federación de Empresarios del Mueble), entre otros.

INFORMACIÓN SOBRE BORDALLO PINHEIRO

Raphael Bordallo Pinheiro fue caricaturista y editor, imprimió siempre a su trabajo una crítica social desde el humor y la trasgresión, y es considerado como el primer dibujante de comics portugués. Como ceramista combinó tradición con técnicas modernas para trasmitir originalidad y contemporaneidad. Diseñó personal-mente los moldes de las piezas, que todavía hoy se reproducen.

En 2012 Vista Alegre, propietaria de la firma Bordallo Pinheiro, invitó a 20 artistas contemporáneos brasile-ños para crear obras inspiradas en el legado artístico de Rafael Bordallo Pinheiro: Adriana Barreto, Barrão, Caetano de Almeida, Efraín Almeida, Erica Verzutti, Estela Sokol, Fábio Carvalho, Frida Baranek, Isabela Capeto, Laerte Ramos, Marcos Chaves, Maria Lynch, Martha Medeiros, Regina Sil-veira, Saint Clair Cemig, Sérgio Romagnolo, Tiago Carneiro da Cunha, Tonico Lemos Auad, Tunga y Vik Muniz.

Durante el proceso creativo, cada uno de los artistas invitados trabajó durante diez días en la fábrica Borda-llo Pinheiro en Caldas da Rainha, en el centro de Portugal, donde se familiarizaron con toda la preparación técnica de las piezas, profundizaron en el legado artístico de Bordallo y buscaron inspiración para sus crea-ciones.El objetivo principal fue capturar la pasión, la creatividad, el humor y la transgresión de las obras del artista portugués fundador de la marca, considerado patrimonio artístico e histórico de la cultura portuguesa, con una interpretación contemporánea, de acuerdo con la mirada particular de cada uno.El proyecto culminó con la creación de las 20 obras originales que se exponen ahora conviviendo con la cerámica de Alcora del siglo XVIII que es patrimonio del Museo.

PRÓXIMOS EVENTOS DE PDM:Exposición‘ARTDESIGN:DIÁLOGOENTREDOSÉPOCAS’Museo Nacional de Artes Decorativas 13 Febrero / 30 Marzo 2014

FuoriSaloneMilánSuperstudio Piú – Via Tortona8 – 13 Abril 2014http://www.productdesignmadrid.com

COMUNICACIÓNYPRENSADEPDM:Leticia G. Vilamea / Felipe Olaya(+34) 650 64 36 19 / (+34) 677 29 11 39 / 91 521 62 [email protected]

MUSEONACIONALDEARTESDECORATIVASSela del Pozo / Raquel CachoDepartamento de Difusión y Comunicación(+34) [email protected]

COMUNICACIÓNYPRENSABordalloPinheiroJuantxo [email protected] / 91 781 10 30

DESCARGADELASIMÁGENESYDELCARTEL:http://bit.ly/LM46sW

Organizan

Patrocinador

Comisarios

Rossana OrlandiProduct Design Madrid

Product Design Madrid

directores

José David Pérez Fernandez Davide Ridenti

directora ejecutiva

Beatrice Oppiciproject management

Raúl Téllez

departamento gráfico

Rodrigo Pérez

departamento de difusión

Felipe OlayaLeticia García

Diseño de la exposición

DISEÑADORES

Alejandro Tápias Angelica Eriksson

Carissa Santoso díez+zeíd

Hisae IkenagaIrene Gaumé

Giffintermeer StudioJoel Blanco

Jorge PenadésMª José Gutiérrez

MimétricaNoviembre Estudio

Paco OrtiPaul Manriq

Roben


Adriana BarretoBarrão

Caetano da AlmeidaEfrain Almeida

Erika VerzuttiEstela Sokol

Fábio CarvalhoFrida Baranek

Isabela CapetoLaerte Ramos

MarCos ChavesMaria Lynch

Martha MedeirosRegina Silveira

Saint Clair CeminSérgio Romagnolo

Tiago Carneiro da CunhaTonico Lemos Auad

TungaVik Muniz

Bordallianos do Brasil

coordinaciónCristina Guzmán

montajeEquipos de Conservación, Mantenimiento y limpieza

difusión y comunicaciónDepartamento de Difusión y Comunicación

Museo Nacional de Artes Decorativas

Organizan

Patrocinador

Comisarios



directores


directora ejecutiva


Raúl Téllez


Rodrigo Pérez




DISEÑADORES








Roben











TungaVik Muniz






CRÉDITOS

Organizan

Patrocinador

Comisarios



directores


directora ejecutiva


Raúl Téllez


Rodrigo Pérez




DISEÑADORES








Roben











TungaVik Muniz






ColombiaItalia / [email protected]

www.alejandrotapias.com

CalcantitaALEJANDRO TAPIAS

Suécia / Sweden Brasil / [email protected]

www.escandinavotropical.com

Vovó

ANGELICA ERIKSSON para ESCANDINAVO-TROPICAL

DISEÑADORES DE PRODUCT DESIGN MADRID

CuSO4•5H2O es el resultado de la experimentación con sulfato de cobre (II), un compuesto químico de cristaliza-ción rápida, en reacción con materiales de uso cotidiano. Cada pieza responde a distintas variables como: tempera-tura, sobresaturación química, luz, tiempo y material. Mez-clando química y diseño obtengo como resultado objetos únicos.CuSO4•5H2O es un trabajo de experimentación en constante evolución y objetos por crear.

Inventando Realidades. Vovó es una cuna de flores que cuenta la historia de mis dos abuelas, una sueca, y la otra brasileña. Escandinavo en estética, su magia y sentimien-to único vienen de la imaginación de mi abuela brasileña. La palabra “vovó” significa abuela en portugués, y tiene un fuerte sentido onomatopéyico del ir y venir de una cuna. Vovó es una cuna para mimar tus plantas, para mecerlas y quizá, cantar una nana a tus flores.

Indonesia / [email protected]

www.carissasantoso.withtank.com

Azulejos “Life only One” (Brain Map)

CARISSA SANTOSO

Las casitas apoyadas en un azulejo representando una ca-lavera son las emociones que afectan una zona específica del cerebro entre las 5 posibles.

España / [email protected]

díez+zeíd

El Besodíez+zeíd

Esta obra participa del planteamiento animista que en las religiones orientales dota de alma o espíritu a cualquier ser aunque este sea inanimado, como es el caso de los elementos de mobiliario o los objetos cotidianos.Ello nos permite jugar con la idea de dotar a esta pieza de cualida-des propiamente humanas, para poder observar en ella un beso apasionado.


díez+díez

Sistema modular Nómadadíez+díez

[email protected]

www.formatocomodo.com

Mesa dormida / Sofá de la serie “Malformaciones de fábrica”

HISAE IKENAGA

En un mundo cada vez más mutable y dinámico, NÓMADA se abre a los cuatro puntos cardinales para contener, a modo de fardos apilados, las pertenencias y experiencias que acumulamos a lo largo de nuestro camino. Realizado en aluminio y acero, con un sencillo sistema de montaje permite realizar composiciones a diferentes alturas, adap-tables a diversas funciones (mesa baja, estantería o rinco-nera).

Desde el verano de 2008 trabajo con una serie de piezas con el fin de imaginar que los objetos producidos en serie tienen un mal congénito que se manifiesta en un absurdo error de producción.Las piezas pertenecen a la colección de Cristina Gadea y Rodrigo Autric Tamayo.


www.irenegaume.com

TipiIRENE GAUMÉ

SIN TITULO 2010alfombra/tipihilos de algodón, acrílico y mohairaprox. 1,65m diámetroPVP: 1400 euroProducido en el Audaxtextiel Museum, Tillburg

La creación del Tipi es un ejercicio de deconstrucción en el que la obra tejida actúa de alfombra, de manto/poncho o tipi.Es un trabajo que profundiza en la ilustración sobre el textíl haciendo referencia al arte precolombino con detalles sobre el consumismo y la tecnología.

EEUU / [email protected]

www.giffintermeer.com

Sugarframes

GIFFINTERMEER STUDIO/Jess Giffin, Jim TerMeer

Sugarframes es un experimento sobre el desarrollo, que usa las calidades cristalinas del azúcar para generar la forma. Poniendo un arrancador de andamio en un baño de azú-car, se formarán cristales en su superficie. El marco azu-carado se escanea con láser y luego se imprime en 3D. El producto final son todas las etapas del proceso.Esto hace surgir preguntas sobre su desarrollo.Si hacemos productos en vía de desarrollo, ¿cómo determinamos cuándo están terminados?¿Cuándo un tomate es un tomate?


www.industroll.tumblr.com

PánparaJOEL BLANCO


www.jorgepenades.com

Nomadic Chair & Nomadic BenchJORGE PENADÉS

Pánpara es el vínculo entre dos productos artesana-les: el pan y la cerámica. Una iluminación tanto de techo como de mesa. Como un pan muy especial, ha tenido un total de 3 hornadas antes de estar lista.

Nomadic Chair es un asiento de uso efímero.En respuesta a las necesidades tanto actuales como futuras nacidas de la sociedad moderna, este proyecto explora el potencial del mobiliario de uso temporal. Reduciendo el confort al mínimo pero con la intención de ampliar la movilidad al máximo, Jorge Penadés nos anima a reconsiderar nuestras ideas acerca del mobiliario contemporáneo, ofreciendo nuevas propuestas en un contexto más efímero.


onneon.com

Chandeliers

Mª JOSÉ GUTIÉRREZ ENCINAS / ONNEON


www.mimetrica.com

deep_Lamp

MIMETRICA

La chandelier, o lámpara de araña, es un tipo de iluminación que tiene su origen en la Edad Media, y que adaptándose a los tiempos, ha sobrevivido hasta el día de hoy, siendo un tipo de lámpara relativamente común. El tubo de vidrio del neón, por sus características, puede presentar gran si-militud con los brazos de estas lámparas. Mi propuesta es fabricar verdaderas chandeliers de neón que dialoguen con el espacio en que se encuentren ubicadas.

Sea_lamp forma parte de una linea de iluminación basada en diseño y fabricación digital en impresión 3d. Esta pieza de autor única está inspirada en sistemas corales y radiola-rios y construida con un material polímero.


www.noviembreestudio.com

Little talksNoviembre Estudio


www.pacoorti.com

EXOESQUELETOS (ARMADURAS)

PACO ORTÍ

Lámpara de humo con iluminación led, realizada en cristal soplado sobre una base de corian y madera acabada en pan de oro.Representa el diálogo entre un padre y su hijo. Un momento parado en el tiempo, que brilla en la memoria. “A veces recuerdas una palabra, otras el relato entero, o simplemente una imagen. Sucede mientras hablas y escu-chas sin querer llegar a ningún sitio. En la memoria puedes seguir sintiendo el tiempo deslizarse hacia el techo como el humo, todo sucede mientras un padre y su hijo hablan”.

Algunas especies animales presentan exoesqueleto: un es-queleto externo continuo que recubre su cuerpo, protegién-doles.Los seres humanos en cambio, nacemos sin ninguna protección exterior, absolutamente indefensos e inermes.Esta pieza reflexiona sobre nuestro grado de indefensión y vulnerabilidad. Es un exoesqueleto humano artificial. Una pieza dura y rígida, que al estar resuelta en cerámica, es a su vez, sumamente frágil —vulnerable, humana—.


www.paulmanriq.com

Inconsciencia

PAUL MANRIQ

Franco/AustriacaFrench/[email protected]

www.roben.fr & www.abendland.co

Abendland

ROBEN

¿Por qué cuando hacemos algo mal se nos enciende la bombilla para solucionar la situación?Tomando conciencia de nuestras acciones no tendríamos reacciones negativas en la persona.


www.paulmanriq.com

¡qué calorcito! (líne liquid)

ABENDLANDcarrare es una pequeña escultura con forma de casa, un guiño a las casas de mañana completamente “conectadas”.- Techo de la casa, corte de 15° para tablet (ej:IPAD) - Puerta de casa, corte de 25° para smartphone. Edición limitada de 25 piezas hechas a mano.Interesado en las culturas y sus símbolos, intento hacer objetos más cons-cientes sobre el pasar del tiempo y la interculturalidad de nuestra sociedad que se evoluciona entre el pasado, el pre-sente y el futuro.En breve “menos diseño ordinario para más arte ordinario”.

Técnica: multidisciplinas (pasión,más pasión,creatividad y exclusividad).

DISEÑADORES DE BORDALLOPINHEIRO

ADRIANA BARRETO

1 2 3 4 5

6 7 8 9 10

11 12 13 14 15

16 17 18 19 20

1 CALDOS DA RAINHA

Comp. 450mm Larg. 300mm Alt. 215mmLength 1 ’’ Width 1 ’’ Height ’’

CAETANO DE ALMEIDA3 DELICATESSE

EFRAIN ALMEIDA4 PLÁTANO BORDALLO

BARRÃO2 TERRINA NOÉ


Comp. 310mm Larg. 295mm Alt. 450mmLength 1 ’’ Width 1 ’’ Height 1 ’’

Length 2 ½’’ Width 1 Height ’’Comp. 630mm Larg. 245mm Alt. 80mm

ERIKA VERZUTTI5 BEIJO

Pirâmides com pimento: Comp. 190mm Larg. 155mm Alt. 400mm

Cabaça com nabo: Comp. 190mm Larg. 190mm Alt. 385mm

Pyramids with pepper Length ¾’’ Width ’’ Height. 1 ’’

Gourd with cole Length ¾’’ Width ¾’’ Height 1 ½’’

ESTELA SOKOL6 VAI E VEM

FÁBIO CARVALHO7 FLOREIRO ARCHEIRO

Vai e Vem: Comp. 400mm Larg. 135mm Alt. 138mmVai and Vem: Length: 1 ’’ Width ½’’ Height ½’’

Comp. 240mm Larg. 240mm Alt. 430mm

Length 1’’ Width 1’’ Height 1

FRIDA BARANEK8 XINA

Ananás: Comp. 265mm Larg. 265mm Alt. 72mm

Bananeira: Comp. 322mm Larg. 322mm Alt. 87mm

Pineapple Length 1’’ Width 1’’ Height 2,7’’

Banana Length 1 ¼’’ Width 1 ¼’’ Height

ISABELA CAPETO

9 DESPACHO


Length 1 Width 1 Height

LAERTE RAMOS10 FURNARIUS RUFUS


Length 1 ¼’’ Width 1 Height 1

MARCOS CHAVES11 AS PAREDES TÊM OUVIDOS

MARTHA MEDEIROS13 ENXAME

REGINA SILVEIRA14 ASSOMBRADA

MARIA LYNCH12 A ÚLTIMA LAGOSTA

SAINT CLAIR CEMIN15 GALO BORDALLO

SÉRGIO ROMAGNOLO16 CAMPINO SOBREPOSTO

TIAGO CARNEIRO DA CUNHA17 BIZANTINO COM FUMAÇA

TONICO LEMOS AUAD18 SERMÃO AOS PEIXES

TUNGA

19 TRANSBORDÁ-LO

VIK MUNIZ20 COLADOR DE CACOS

Comp. 480mm Larg. 460mm Alt. 160mmLength 1 Width 1 Height



Length 1 Width 1 Height 1


Length 1’’ Width 1’’ Height 1’’


Length 1 ’’ Width ¾’’ Height 2’’


Length 1 ‘’ Width ’ Height: 1 ’


Length 1 ½’’ Width . 1’’ Height: 1’’


Length 2’’ Width 1 ’’ Height 1 ’’


Length 1 Width 1 Height ’’

Pote: Comp. 26,5cm Larg. 22cm Alt. 24cm

Prato Grande: Comp. 345mm Larg. 345mm Alt. 30mm

Pote: Comp. 265mm Larg. 220mm Alt. 240mm

Prato Fruta: Comp. 200mm Larg. 200mm Alt. 25mm

Pot: Length 1’’ Width ’’ Height 1’’

Big plate: Length 1 ’’ Width 1 ’’ Height ’’

Dinner plate: Length 1 ’’ Width 1 ’’ Height ’’

Fruit Plate: Length ’’ Width ’’ Height 0’’

ADRIANA BARRETO

Adriana Barreto nació en Río de Janeiro en

1949, donde vive y trabaja. Actualmente,

Adriana Barreto pinta, dibuja, crea

instalaciones, performances, vídeos y

fotografías.

Su biografía está marcada por exposiciones

en diversas instituciones, entre las cuales

destacan: el Museo de Bellas Artes de Río de

Janeiro; MAM – Museo de Arte Moderno de

Río de Janeiro; Museo de Arte de Pampulha en Belo Horizonte; Museo de Arte Moderno de

Bahía en Salvador; Brazilian-American Cultural Institute, Washington; BIDE – Banco

Interamericano de Desarrollo Económico, Washington, y Oi Futuro Flamengo, en Río de

Janeiro. En 1992 participó en el Festival Internacional de La Peinture, Château Musée Grimaldi,

en Cagnes-sur-Mer, en 2001 en la Cuarta Bienal de Cerámica en el Centro de Arte Lia Bermúdez,

Macaíbo, Venezuela. En 2012 presentó, en el Museo de las Comunicaciones, la exposición

“Agora Sim”, en el ámbito de la iniciativa “Portugal Brasil Ahora”, en Lisboa. Participó en la

exposición colectiva “Place of Residence”, en Shangai, curada por Alfons Hug.

“La sopera que estuvo olvidada durante cuatro siglos, ahora

exalando solamente la generosidad de de aquella que dio

nomre a la ciudad, sirve como cobijo a criaturas de las formas

más variadas, buscando todavía aquel caluroso gesto inicial”.

BARRÃO

Escultor, artista multimedia. Inicia su carrera con el

Grupo Seis Manos, 1983-1991, formado con Ricardo

Basbaum y Alexandre Dacosta. El grupo desarrolla

actividades con vídeo, pinturas en vivo, espectáculos

musicales y performances, y promueve el proyecto de

Improvisación de Pintura y Música.

En 1993, Barrão participa en las muestras de arte en Rua

I y Pintura! Pintura!, ambas en Rio de Janeiro. En 1984

realiza su primera exposición individual, “Televisiões”, en la Galeria Contemporãnea, y paritipa

en la exposición colectiva “Come Vai Você, Generação 80?”, realizada en la Escola Artes Visuais

do Parque Lage, Rio de Janeiro.

Recibe el premio Brasilia de Artes Plásticas en el Museo de Arte de Brasilia, en 1990. Realiza,

con Sandra Kogut, el vídeo “AG. Profunda”. En 1992 lleva a cabo una exposición individual en la

Galeria Camago Vilaça. En el año 2010 participa en el proyecto Próximo Futuro en la fundación

Calouste Gulbenkian en Portugal. Crea, en colaboración con el artista Luiz Zerbini y el editor de

películas y vídeo Sérgio Mekler, el grupo Chelpa Ferro, en 1005, que trabaja con escultura,

instalaciones tecnológicas y música electrónica. En 2012 expone en la Galeria Fortes Vilaça, en

Sao Paulo, y en el Museo ALdrich (EEUU).

“Continuando con la poética de Barrão de apropiación de

los objetos, desconectándolos de sus contextos y usos

originales, dándoles un nuevo sentido, llegamos a la “Terrina

Noé”.

Una composición naturalista, partiendo del universo

cerámico de Rafael Bordallo Pinheiro, pero en esta ocasión

Barrão no se limita a reutilizar los restos ya realizados y

finalizados durante el proceso productivo, sino que

interviene en el proceso cerámico. El juego de encaje y

acumulación comienza inmediatamente con el contacto de los materiales plásticos y moldes

cerámicos, utilizando también la paleta de colores bordallianos.

CAETANO DA ALMEIDA

José Caetano de Almeida Filho (Campinas, São Paulo, 1964) es un pintor y grabador. Estudia artes plásticas en la Fundação Armando Álvares PEnteado – Faap, de 1983 a 1988, donde es alumno de Evandro Carlos Jardim (1935) y Nelson Leirner (1932), entre otros. Hacia 1984 asiste a los talleres de grabado de la Pinacoteca do Estado de São Paulo – Pesp. Entre 1986 y 1991 realiza la serie Bestiário, recreando ilustraciones de libros y enciclopedias. En la década de 1990 comienza a exponer lienzos saturados con representaciones de animales y plantas de gran opulencia cromática. Con frecuencia reelabora pinturas consagradas a la historia del arte, como en Madames, 1999, inspiradas por los cuadros de Jean-Marc Nattier (1685 – 1766) del Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – Masp. En la serie “Mundo Plano”, 2000/2003, realiza composiciones inspiradas en patrones de tela recogidos de sus viajes a Francia e India, y en los trabajos de Thomas Pollock (1815 – 1912), Alfredo Volpi (1896 – 1988) y otros artistas. En 2005, crea la serie Grotesco, en la que evoca pinturas de la antigüedad romana descubiertas en el Renacimiento.

“Delicatesse” estaba adormecida en un prototipo de los tiempos de la facultad de Caetano de Almeida (1986). Fue Bordallo Pinheiro quien lo despertó con una invitación de la Fábrica Bordalo Pinheiro para que el artista participase en el proyecto Bordallianos do Brasil. Los maravillosos y encantados animales de Rafael Bordallo Pinheiro sedujeron al artista y, motivado por el reto de la tridimensionalidad, viajó a Cladas da Rainha y, investigando los moldes de Raeal, dio vida a

su “Delicatesse”. Caetano de Almeida la adaptó con alas de un callo de lucha y seleccionando delicadas flores cuidadosamente elaboradas por los artesanos de la fábrica, decoró el mundo de su gallina pelirroja. “Delicatesse” se ha convertido en una gallina provocativa, dramática y contemporánea, actualizada al mundo de hoy, llena de contradicciones y contratiempos.Una gallina muy especial que vive en su mundo colorido y florido, donde sus juegos de delicadeza y equilibrio causan una tensión constante en la fragilidad de su huevo”.

ADRIANA BARRETO

Adriana Barreto nació en Río de Janeiro en

1949, donde vive y trabaja. Actualmente,

Adriana Barreto pinta, dibuja, crea

instalaciones, performances, vídeos y

fotografías.

Su biografía está marcada por exposiciones

en diversas instituciones, entre las cuales

destacan: el Museo de Bellas Artes de Río de

Janeiro; MAM – Museo de Arte Moderno de

Río de Janeiro; Museo de Arte de Pampulha en Belo Horizonte; Museo de Arte Moderno de

Bahía en Salvador; Brazilian-American Cultural Institute, Washington; BIDE – Banco

Interamericano de Desarrollo Económico, Washington, y Oi Futuro Flamengo, en Río de

Janeiro. En 1992 participó en el Festival Internacional de La Peinture, Château Musée Grimaldi,

en Cagnes-sur-Mer, en 2001 en la Cuarta Bienal de Cerámica en el Centro de Arte Lia Bermúdez,

Macaíbo, Venezuela. En 2012 presentó, en el Museo de las Comunicaciones, la exposición

“Agora Sim”, en el ámbito de la iniciativa “Portugal Brasil Ahora”, en Lisboa. Participó en la

exposición colectiva “Place of Residence”, en Shangai, curada por Alfons Hug.

“La sopera que estuvo olvidada durante cuatro siglos, ahora

exalando solamente la generosidad de de aquella que dio

nomre a la ciudad, sirve como cobijo a criaturas de las formas

más variadas, buscando todavía aquel caluroso gesto inicial”.

BARRÃO

Escultor, artista multimedia. Inicia su carrera con el

Grupo Seis Manos, 1983-1991, formado con Ricardo

Basbaum y Alexandre Dacosta. El grupo desarrolla

actividades con vídeo, pinturas en vivo, espectáculos

musicales y performances, y promueve el proyecto de

Improvisación de Pintura y Música.

En 1993, Barrão participa en las muestras de arte en Rua

I y Pintura! Pintura!, ambas en Rio de Janeiro. En 1984

realiza su primera exposición individual, “Televisiões”, en la Galeria Contemporãnea, y paritipa

en la exposición colectiva “Come Vai Você, Generação 80?”, realizada en la Escola Artes Visuais

do Parque Lage, Rio de Janeiro.

Recibe el premio Brasilia de Artes Plásticas en el Museo de Arte de Brasilia, en 1990. Realiza,

con Sandra Kogut, el vídeo “AG. Profunda”. En 1992 lleva a cabo una exposición individual en la

Galeria Camago Vilaça. En el año 2010 participa en el proyecto Próximo Futuro en la fundación

Calouste Gulbenkian en Portugal. Crea, en colaboración con el artista Luiz Zerbini y el editor de

películas y vídeo Sérgio Mekler, el grupo Chelpa Ferro, en 1005, que trabaja con escultura,

instalaciones tecnológicas y música electrónica. En 2012 expone en la Galeria Fortes Vilaça, en

Sao Paulo, y en el Museo ALdrich (EEUU).

“Continuando con la poética de Barrão de apropiación de

los objetos, desconectándolos de sus contextos y usos

originales, dándoles un nuevo sentido, llegamos a la “Terrina

Noé”.

Una composición naturalista, partiendo del universo

cerámico de Rafael Bordallo Pinheiro, pero en esta ocasión

Barrão no se limita a reutilizar los restos ya realizados y

finalizados durante el proceso productivo, sino que

interviene en el proceso cerámico. El juego de encaje y

acumulación comienza inmediatamente con el contacto de los materiales plásticos y moldes

cerámicos, utilizando también la paleta de colores bordallianos.

CAETANO DA ALMEIDA

José Caetano de Almeida Filho (Campinas, São Paulo, 1964) es un pintor y grabador. Estudia artes plásticas en la Fundação Armando Álvares PEnteado – Faap, de 1983 a 1988, donde es alumno de Evandro Carlos Jardim (1935) y Nelson Leirner (1932), entre otros. Hacia 1984 asiste a los talleres de grabado de la Pinacoteca do Estado de São Paulo – Pesp. Entre 1986 y 1991 realiza la serie Bestiário, recreando ilustraciones de libros y enciclopedias. En la década de 1990 comienza a exponer lienzos saturados con representaciones de animales y plantas de gran opulencia cromática. Con frecuencia reelabora pinturas consagradas a la historia del arte, como en Madames, 1999, inspiradas por los cuadros de Jean-Marc Nattier (1685 – 1766) del Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – Masp. En la serie “Mundo Plano”, 2000/2003, realiza composiciones inspiradas en patrones de tela recogidos de sus viajes a Francia e India, y en los trabajos de Thomas Pollock (1815 – 1912), Alfredo Volpi (1896 – 1988) y otros artistas. En 2005, crea la serie Grotesco, en la que evoca pinturas de la antigüedad romana descubiertas en el Renacimiento.

“Delicatesse” estaba adormecida en un prototipo de los tiempos de la facultad de Caetano de Almeida (1986). Fue Bordallo Pinheiro quien lo despertó con una invitación de la Fábrica Bordalo Pinheiro para que el artista participase en el proyecto Bordallianos do Brasil. Los maravillosos y encantados animales de Rafael Bordallo Pinheiro sedujeron al artista y, motivado por el reto de la tridimensionalidad, viajó a Cladas da Rainha y, investigando los moldes de Raeal, dio vida a

su “Delicatesse”. Caetano de Almeida la adaptó con alas de un callo de lucha y seleccionando delicadas flores cuidadosamente elaboradas por los artesanos de la fábrica, decoró el mundo de su gallina pelirroja. “Delicatesse” se ha convertido en una gallina provocativa, dramática y contemporánea, actualizada al mundo de hoy, llena de contradicciones y contratiempos.Una gallina muy especial que vive en su mundo colorido y florido, donde sus juegos de delicadeza y equilibrio causan una tensión constante en la fragilidad de su huevo”.

ERIKA VERZUTTI

Erika Verzutti nace en São Paulo, Brasil, en 1971, donde vive y trabaja. Se graduó en Diseño Industrial en la Universidad Mackenzie, São Paulo, Brasil (1991). Realizó el Máster en Artes Visuales en Goldsmiths College, Londres, Reino Unido. En dibujos, collages, pinturas y esculturas, Erika Verzutti ejercita la libre yuxtaposición de elementos y estilos diversos. A pesar de usar materiales clásicos como la arcilla o el bronce, la artista rompe con las prácticas formales al revelar la estructura de las obras, incorporando accidentes como arañazos, salpicones y vertidos. Muchas de sus esculturas prestan e special atención a la naturaleza, en el uso de frutas y verduras como moldes de esculturas. La artista ha realizado exposiciones individuales en São Paulo, Belo Horizonte, Tokio y Londres. En 2012 tuvo una importante exposición panorámica en el Centro Cultural São Paulo. Entre sus exposiciones grupales, destacan: Aire de Lyon, Fundación Proa (Buenos Aires, 2012); la 11º Bienal de Lyon (Lyon, 2011); When Lives Become Form: Creative Power from Brazil, Yerba Buena Center of the Arts (San Francisco, 2010) / Hiroshima City Museum of Contemporary Art (Hiroshima, 2009) / Museum of Contemporary Art, Tokio, (Tokio, 2008); “De perto e de Longe” (De Cerca y Lejos) – Paralela 08, Liceu de Artes e Ofícios, (São Paulo, 2008); Desenho Contemporâneo, MCO Arte Contemporânea, (Porto, 2006); Plastic.o.rama, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, (Rio de Janeiro, 2005). Su obra está presente en las colecciones de ASu Art museum, Tempe (EEUU); Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil, entre otras.

“Para trabajar en “Beijo” escogí elementos de trabajo de Bordallo Pinheiro que privilegian su forma y sus contornos. La elección de los vegetales –el pimiento, el rábano y el espárrago- fue una aproximación inmediata, porque normalmente trabajo a partir de frutas y verdura. Fue un desafío escoger entre tantas formas delicadamente esculpidas, había también maíces, piñas, calabazas… Entonces empecé a buscar los jarrones, una forma que he estado eligiendo como esencial en mi obra, como si todo el trabajo artístico pudiese ser discutido a partir de los

primeros impulsos del trabajo con arcilla (o así lo quiero creer…). En este trabajo, dos jarras se encuentran y se

complementan la una a la otra, sus contornos casi se encajan; en un lado la jarra calabaza ofrece sus curvas para contrastar su par geométrico –éste creado a partir de azulejos de púa de Bordallo, remodelados en este caso, formando una columna recta. Uno de los elementos de “Beijo” se mantiene útil (hay un espárrago sorpresa usado como tapón en la tapa-rábano) mientras que la jarra geométrica ya nació esculpida y cerrada. Esta contradicción refleja aspectos de coexistencia entre objetos utilitarios y objetos de arte.”

ESTELA SOKOL

Estela Sokol nace en 1979, en São Paulo, ciudad donde vive y trabaja. Realiza varias exposiciones individuales: “Si el desierto fuese naranja las cosas serían rosas”, Taipa Museum, Macao, China, 2012; Pinturas y Esculturas, Zipper galería, São Paulo, BR, 20102. Secret Forest, Gallery 32, Londres, Reino Unido, 2011; Licht Konkret, Galerie Wuensch, Linz, Áustria, 2011. A morte das Ofélias, Galeria Anita Schwartz, Rio de Janeiro, BR, 2011. Dawn for Interiorus, Galeria Bisagra, Buenos Aires, Artentina. Clarabóia, Paço Das Artes, São Paulo, BR, 2010; Sol de Inverno, Palácio das Artes, Fundação Clóvis Salgado, Belo Horizonte, BR. 2008; Meio Dia e Meia, Centro Universitário Maria Antonioa, São Paulo, 2006, BR, entre otras.

También participó en diversas exhibiciones grupales en Br asil y en el extranjero, inlcuyendo: III Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, 2011; 16ª Bienal de Cerveira, Cerveira, Portugal, 2011. “Mapas invisíveis” (Mapas Invisibles), Caixa Cultural São Paulo, 2011; Light Art Bienalle, Linz, Austria, 2010; Graphias, Memorial da América Latina, São Paulo, 2009; Nova Arte Nova, Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, 2009 y Rio de Janeiro, 2008.

“Desarrollada a partir de letterings elaborados por Bordallo Pinheiro para señalar las calles de Caldas de Rainha, la pieza “Vai e Vem” pretende combinar la poética geométrica formal de la artista Estela Sokol con el irónico estilo universal de las caricaturas creadas por Bordallo en paralelo a su búsqueda naturalista.

“Vai e Vem” invita al espectador a transgredir el uso común de los letterings usando un juego entre colores y

EFRAIN ALMEIDA

Efrain Almeida nace en 1964 en Boa Viagem, Ceará, y después se trasladó con su familia a Fortaleza y finalmente a Rio de Janeiro, su actual ciudad de residencia. Entre 1986 y 1990 estudió en la Escuela de Artes Visuales de Parque Lague en Rio de Janeiro y en MAM/RJ. A pesar de todas las referencias de la historia del arte universal que recibió en los cursos de Pintura y Escultura, el artista abandona las influencias visuales que marcaron su infancia. Sus piezas son generalmente pequeñas pero proponen una ocupación global del espacio que las acoge, invitando al observador a acercarse para revelar los pequeños detalles. Son piezas que evocan la armonía entre lo popular y lo erudito, lo instintivo y lo calculado, lo simple y lo sofisticado. Efrain Almeida comenzó exponiendo en 1987 en Rio de Janeiro. Desde entonces ganó Brasil y el mundo, exponiendo en centenares de ciudades Brasileñas, en Europa, EEUU y Asia. Tiene obras en importantes colecciones públicas, tales como el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela, España); el Museo de Arte Moderno – MoMA (Nueva York, EEUU), el Toyota Municipal Museum of Art, Japón; en ASU Art Museum, en la Universidad de Arizona, EEUU; el Museo de Arte Moderno de São Paulo; el Museo de Arte Moderno Aloísio Magalhães – MAMAM (Recife); y el Museo de Arte Contemporáneo de Ceará.

La pieza que tulé Plátano Bordallo fue desarrollada cuando me di cuenta de que en el repertorio de imágenes de Bordallo hay muchas representaciones de insectos. También es algo recurrente en mi trabajo las imágenes de las mariposas y polillas. Paseando por un parque en Calda da Rainha, cogí una pequeña rama de Plátano, a la que se dio forma en los talleres de modelaje de la Fábrica de Faiança Bordallo Pinheiro. En la misma pieza, puse a los lados las polillas moldeadas por mí, con la mosca de Bordallo. El resultado es un diálogo, una

negociación e hibridación de diferentes poéticas y tiempos, enfatizando así el carácter innovativo y atemporal en la obra de Bordallo Pinheiro.

EFRAIN ALMEIDA

Efrain Almeida nace en 1964 en Boa Viagem, Ceará, y después se trasladó con su familia a Fortaleza y finalmente a Rio de Janeiro, su actual ciudad de residencia. Entre 1986 y 1990 estudió en la Escuela de Artes Visuales de Parque Lague en Rio de Janeiro y en MAM/RJ. A pesar de todas las referencias de la historia del arte universal que recibió en los cursos de Pintura y Escultura, el artista abandona las influencias visuales que marcaron su infancia. Sus piezas son generalmente pequeñas pero proponen una ocupación global del espacio que las acoge, invitando al observador a acercarse para revelar los pequeños detalles. Son piezas que evocan la armonía entre lo popular y lo erudito, lo instintivo y lo calculado, lo simple y lo sofisticado. Efrain Almeida comenzó exponiendo en 1987 en Rio de Janeiro. Desde entonces ganó Brasil y el mundo, exponiendo en centenares de ciudades Brasileñas, en Europa, EEUU y Asia. Tiene obras en importantes colecciones públicas, tales como el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela, España); el Museo de Arte Moderno – MoMA (Nueva York, EEUU), el Toyota Municipal Museum of Art, Japón; en ASU Art Museum, en la Universidad de Arizona, EEUU; el Museo de Arte Moderno de São Paulo; el Museo de Arte Moderno Aloísio Magalhães – MAMAM (Recife); y el Museo de Arte Contemporáneo de Ceará.

La pieza que tulé Plátano Bordallo fue desarrollada cuando me di cuenta de que en el repertorio de imágenes de Bordallo hay muchas representaciones de insectos. También es algo recurrente en mi trabajo las imágenes de las mariposas y polillas. Paseando por un parque en Calda da Rainha, cogí una pequeña rama de Plátano, a la que se dio forma en los talleres de modelaje de la Fábrica de Faiança Bordallo Pinheiro. En la misma pieza, puse a los lados las polillas moldeadas por mí, con la mosca de Bordallo. El resultado es un diálogo, una

negociación e hibridación de diferentes poéticas y tiempos, enfatizando así el carácter innovativo y atemporal en la obra de Bordallo Pinheiro.

ERIKA VERZUTTI

Erika Verzutti nace en São Paulo, Brasil, en 1971, donde vive y trabaja. Se graduó en Diseño Industrial en la Universidad Mackenzie, São Paulo, Brasil (1991). Realizó el Máster en Artes Visuales en Goldsmiths College, Londres, Reino Unido. En dibujos, collages, pinturas y esculturas, Erika Verzutti ejercita la libre yuxtaposición de elementos y estilos diversos. A pesar de usar materiales clásicos como la arcilla o el bronce, la artista rompe con las prácticas formales al revelar la estructura de las obras, incorporando accidentes como arañazos, salpicones y vertidos. Muchas de sus esculturas prestan e special atención a la naturaleza, en el uso de frutas y verduras como moldes de esculturas. La artista ha realizado exposiciones individuales en São Paulo, Belo Horizonte, Tokio y Londres. En 2012 tuvo una importante exposición panorámica en el Centro Cultural São Paulo. Entre sus exposiciones grupales, destacan: Aire de Lyon, Fundación Proa (Buenos Aires, 2012); la 11º Bienal de Lyon (Lyon, 2011); When Lives Become Form: Creative Power from Brazil, Yerba Buena Center of the Arts (San Francisco, 2010) / Hiroshima City Museum of Contemporary Art (Hiroshima, 2009) / Museum of Contemporary Art, Tokio, (Tokio, 2008); “De perto e de Longe” (De Cerca y Lejos) – Paralela 08, Liceu de Artes e Ofícios, (São Paulo, 2008); Desenho Contemporâneo, MCO Arte Contemporânea, (Porto, 2006); Plastic.o.rama, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, (Rio de Janeiro, 2005). Su obra está presente en las colecciones de ASu Art museum, Tempe (EEUU); Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil, entre otras.

“Para trabajar en “Beijo” escogí elementos de trabajo de Bordallo Pinheiro que privilegian su forma y sus contornos. La elección de los vegetales –el pimiento, el rábano y el espárrago- fue una aproximación inmediata, porque normalmente trabajo a partir de frutas y verdura. Fue un desafío escoger entre tantas formas delicadamente esculpidas, había también maíces, piñas, calabazas… Entonces empecé a buscar los jarrones, una forma que he estado eligiendo como esencial en mi obra, como si todo el trabajo artístico pudiese ser discutido a partir de los

primeros impulsos del trabajo con arcilla (o así lo quiero creer…). En este trabajo, dos jarras se encuentran y se

complementan la una a la otra, sus contornos casi se encajan; en un lado la jarra calabaza ofrece sus curvas para contrastar su par geométrico –éste creado a partir de azulejos de púa de Bordallo, remodelados en este caso, formando una columna recta. Uno de los elementos de “Beijo” se mantiene útil (hay un espárrago sorpresa usado como tapón en la tapa-rábano) mientras que la jarra geométrica ya nació esculpida y cerrada. Esta contradicción refleja aspectos de coexistencia entre objetos utilitarios y objetos de arte.”

ESTELA SOKOL

Estela Sokol nace en 1979, en São Paulo, ciudad donde vive y trabaja. Realiza varias exposiciones individuales: “Si el desierto fuese naranja las cosas serían rosas”, Taipa Museum, Macao, China, 2012; Pinturas y Esculturas, Zipper galería, São Paulo, BR, 20102. Secret Forest, Gallery 32, Londres, Reino Unido, 2011; Licht Konkret, Galerie Wuensch, Linz, Áustria, 2011. A morte das Ofélias, Galeria Anita Schwartz, Rio de Janeiro, BR, 2011. Dawn for Interiorus, Galeria Bisagra, Buenos Aires, Artentina. Clarabóia, Paço Das Artes, São Paulo, BR, 2010; Sol de Inverno, Palácio das Artes, Fundação Clóvis Salgado, Belo Horizonte, BR. 2008; Meio Dia e Meia, Centro Universitário Maria Antonioa, São Paulo, 2006, BR, entre otras.

También participó en diversas exhibiciones grupales en Br asil y en el extranjero, inlcuyendo: III Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, 2011; 16ª Bienal de Cerveira, Cerveira, Portugal, 2011. “Mapas invisíveis” (Mapas Invisibles), Caixa Cultural São Paulo, 2011; Light Art Bienalle, Linz, Austria, 2010; Graphias, Memorial da América Latina, São Paulo, 2009; Nova Arte Nova, Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, 2009 y Rio de Janeiro, 2008.

“Desarrollada a partir de letterings elaborados por Bordallo Pinheiro para señalar las calles de Caldas de Rainha, la pieza “Vai e Vem” pretende combinar la poética geométrica formal de la artista Estela Sokol con el irónico estilo universal de las caricaturas creadas por Bordallo en paralelo a su búsqueda naturalista.

“Vai e Vem” invita al espectador a transgredir el uso común de los letterings usando un juego entre colores y

ADRIANA BARRETO

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1 CALDOS DA RAINHA


















FRIDA BARANEK8 XINA





ISABELA CAPETO

9 DESPACHO














TUNGA

19 TRANSBORDÁ-LO


























FRIDA BARANEK

Estudió Arquitectura en la Universidad de Santa

Úrsula, Rio de Janeiro, y realizó el Máster en Diseño

Industrial en Saint Martin’s School of Design en

Londres. Trabajó de 1978 a 1983 en el Mueso de

Arte Moderno y en la Escuela de Artes Visuales de

Rio de Janeiro. Pasó un año en Nueva York, donde

estudió en la Parsons School of Design en 1985.

Nacida en Río de Janeiro, también vivió en São

Paulo, París, Berlin, Londres y Nueva York, donde

reside actualmente.

Sus trabajos han sido presentados en las mayores exposiciones internacionales, como la 20º

Bienal de São Paulo (1989); la 49º Bienal de Venecia (1990); el “Metropolis International Art

Exhibition” en Berlin (1991); “Ultramodern: The Art of Contemporary Brasil”, en la Fundación

Gulbenkian (Lisboa, 1993); y “Discover Brazil”, en el Ludwig Museum (Colonia, 2005).

Sus obras forman parte de las colecciones del National Museum of Women in the Arts

(Washington), el LEF Foundation (San Francisco) y el Washington University Art Museum (San

Luis) y la Loumeier Foundation (San Luis), todas en EEUU, así como en el Ministère de la Culture

y el Fonds National d’Art Contemporain (Francia), el Pusan Metropolitan Art Museum (Corea del

Sur) y los Museos de Arte Moderno de Rio de Janeiro y São Paulo. En 2009 realizó la exposición

individual “Exteriores” y en 2010 participó en la exposición grupal “Grandes artistas, grandes

formatos”, ambas en la Galería Raquel Arnaud, que la representa desde 1990.

Fue observando las texturas en los moldes de la

piña y las hojas del plátano cuando me inspiré para

usarlas como “segunda piel”. “Xina” (del portugués

“abacaxi” – piña – y “banana”), son platos

simbólicos; una interpretación simbólica de frutas

y hojas tropicales, una presencia constante en la

historia de Bordallo Pinheiro.

ISABELA CAPETO

La estilista Isabela Capeto se formó en la Accademia di Moda en Florencia. Pasó un tiempo en el área de creación de algunas de las marcas brasileñas más importantes antes de abrir la suya propia en 2003. De un pequeño taller en Rio de Janeiro, pasó a una tienda en uno de los puntos más carismáticos de la ciudad y rompió fronteras, llevando su ropa a más de 50 países, incluyendo Barneys y Macy’s en EEUU, Browns en Inglaterra, Colette y Le Bon Marché en Francia; Saks y Harvey Nichol’s en EEUU. En 2008 Isabela Capeto participó en la exposición Neo Tropicália en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, con un panel de bordados. La misma exposición se llevó después al Museo de Arte Moderno de São Paulo, donde Isabel presentó un mosaico con 296 fotos de mujeres vistiendo su ropa. Un viaje, un paisaje, un libre o simplemente una persona pueden servir de inspiración para colecciones que ignoran las tendencias de moda mundiales. Bordados en profusión, el aprovechamiento de telas, trucos de tintura y aplicaciones que hacen de su trabajo una marca inconfundible que tiene la cara de Brasil.

“Cuando llegué a la fábrica de Bordallo me volví loca con todas aquellas maravillas… ¡Todo era fantástico para enviárselo a alguien o para ofrecerlo como regalo! Decidí juntar lo que es más común cuando piensas en el tema: junté el cerdo, que me impresionó mucho, las frutas y las verduras, y puse todo junto sobre hojas de manera que convertí todos estos elementos en uno solo. Aunque son piezas separadas, quería dar la impresión de que esto se encontró en un bosque tropical junto con lagartos, moscas y abejas. ¡Quería que fuese una verdadera naturaleza muerta!”.

FÁBIO CARVALHO

Fábio Carvalho, artista plástico carioca (Rio de Janeiro, Brasil), integró importantes proyectos de cartografiado de la producción emergente en Brasil en la década de 1990, cuando comenzó su carrera, y ya ha realizado nueve exposiciones individuales y participado en más de 80 exposiciones colectivas, tanto por todo Brasil como en exposiciones internacionales en Berlín, Frankfurt, Guelnhause – Alemania; Buenos Aires – Argentina; La Habana – Cuba; Cuenca – Ecuador; Nueva York – EEUU; Budapest – Hungría; Lisboa, Oporto, Cerveira – Portugal; Praga – República Checa; Londres, Cardiff – Reino Unido. El artista también participó en las Residencias Artísticas “Bordallianos Brasileiros – Faianças Bordallo Pinheiro” en Caldas da Rainha (2011), “Proyecto Artistas Contemporáneos – Vista Alegre”, en Ílhavo (2011), y “Maus Hábitos”, Oporto (2012), todas en Portugal. Fábio Carvalho tiene más de 60 obras suyas en colecciones públicas y privadas en Brasil y en el extranjero. Además de poseer textos críticos escritos por Angélica de Maoraes, Daniela Bousso, Nelson Brissac, Tadeu Chiarelli, Katia Canton, Dodora Guimarães, Fatima Bercht (EEUU), Ken Johnson (EEUU), Reynaldo Roels Jr. Y Marco Veloso, entre otros, el artista tiene obras suyas reproducidas en varias publicaciones, tales como la revista G Magazine en Marzo/2012; el Catálogo de Tendencias SENAI Moda & Design / FIRJAN – septiembre; la revista SANTA art magazine nº7 – 2011; el Catálogo de Tendencias Moda verano 2012 – ASSINTECAL; la revista MODO DE VIDA – mayo/2010; la portada del libro Las Ciudades de la Ciudad, 2006; la revista BRAVO! – marzo/2003, además de diversos catálogos de arte.

“La pieza ̎Florero Archeiro ,̎ cuyo punto de partida es la jarra Archeiro, es el resultado de un collage de elementos apropiados de diversas piezas que juntas componen una nueva pieza. Todos los detalles del ̎Florero Archeiro ̎ son creaciones originales de Bordallo Pinheiro o de aquellos que lo sucedieron. Sin embargo, los colores de la pintura se alteraron mucho, transformando el jilguero portugués en un canario brasileño. El uniforme del arquero perdió su color original, y recibió el color del uniforme Imperio Brasil. Es una pieza que, aunque perfectamente encajada en la poética de mi trabajo, donde normalmente contrapongo elementos estereotipados

de fuerza y masculinidad con elementos tradicionalmente considerados como femeninos, creo que sigue siendo una pieza muy fiel a Bordallo Pinheiro. Es una pieza marcadamente decorativa, pero utilitaria al mismo tiempo; tiene un uso, una función. Es más, la pieza solo estará lista cuando su propietario la utilice como florero. También así cada copia de la pieza será diferente de las demás, dependiendo de las flores y el uso que cada propietario prefiera darle.

FÁBIO CARVALHO

Fábio Carvalho, artista plástico carioca (Rio de Janeiro, Brasil), integró importantes proyectos de cartografiado de la producción emergente en Brasil en la década de 1990, cuando comenzó su carrera, y ya ha realizado nueve exposiciones individuales y participado en más de 80 exposiciones colectivas, tanto por todo Brasil como en exposiciones internacionales en Berlín, Frankfurt, Guelnhause – Alemania; Buenos Aires – Argentina; La Habana – Cuba; Cuenca – Ecuador; Nueva York – EEUU; Budapest – Hungría; Lisboa, Oporto, Cerveira – Portugal; Praga – República Checa; Londres, Cardiff – Reino Unido. El artista también participó en las Residencias Artísticas “Bordallianos Brasileiros – Faianças Bordallo Pinheiro” en Caldas da Rainha (2011), “Proyecto Artistas Contemporáneos – Vista Alegre”, en Ílhavo (2011), y “Maus Hábitos”, Oporto (2012), todas en Portugal. Fábio Carvalho tiene más de 60 obras suyas en colecciones públicas y privadas en Brasil y en el extranjero. Además de poseer textos críticos escritos por Angélica de Maoraes, Daniela Bousso, Nelson Brissac, Tadeu Chiarelli, Katia Canton, Dodora Guimarães, Fatima Bercht (EEUU), Ken Johnson (EEUU), Reynaldo Roels Jr. Y Marco Veloso, entre otros, el artista tiene obras suyas reproducidas en varias publicaciones, tales como la revista G Magazine en Marzo/2012; el Catálogo de Tendencias SENAI Moda & Design / FIRJAN – septiembre; la revista SANTA art magazine nº7 – 2011; el Catálogo de Tendencias Moda verano 2012 – ASSINTECAL; la revista MODO DE VIDA – mayo/2010; la portada del libro Las Ciudades de la Ciudad, 2006; la revista BRAVO! – marzo/2003, además de diversos catálogos de arte.

“La pieza ̎Florero Archeiro ,̎ cuyo punto de partida es la jarra Archeiro, es el resultado de un collage de elementos apropiados de diversas piezas que juntas componen una nueva pieza. Todos los detalles del ̎Florero Archeiro ̎ son creaciones originales de Bordallo Pinheiro o de aquellos que lo sucedieron. Sin embargo, los colores de la pintura se alteraron mucho, transformando el jilguero portugués en un canario brasileño. El uniforme del arquero perdió su color original, y recibió el color del uniforme Imperio Brasil. Es una pieza que, aunque perfectamente encajada en la poética de mi trabajo, donde normalmente contrapongo elementos estereotipados

de fuerza y masculinidad con elementos tradicionalmente considerados como femeninos, creo que sigue siendo una pieza muy fiel a Bordallo Pinheiro. Es una pieza marcadamente decorativa, pero utilitaria al mismo tiempo; tiene un uso, una función. Es más, la pieza solo estará lista cuando su propietario la utilice como florero. También así cada copia de la pieza será diferente de las demás, dependiendo de las flores y el uso que cada propietario prefiera darle.

FRIDA BARANEK

Estudió Arquitectura en la Universidad de Santa

Úrsula, Rio de Janeiro, y realizó el Máster en Diseño

Industrial en Saint Martin’s School of Design en

Londres. Trabajó de 1978 a 1983 en el Mueso de

Arte Moderno y en la Escuela de Artes Visuales de

Rio de Janeiro. Pasó un año en Nueva York, donde

estudió en la Parsons School of Design en 1985.

Nacida en Río de Janeiro, también vivió en São

Paulo, París, Berlin, Londres y Nueva York, donde

reside actualmente.

Sus trabajos han sido presentados en las mayores exposiciones internacionales, como la 20º

Bienal de São Paulo (1989); la 49º Bienal de Venecia (1990); el “Metropolis International Art

Exhibition” en Berlin (1991); “Ultramodern: The Art of Contemporary Brasil”, en la Fundación

Gulbenkian (Lisboa, 1993); y “Discover Brazil”, en el Ludwig Museum (Colonia, 2005).

Sus obras forman parte de las colecciones del National Museum of Women in the Arts

(Washington), el LEF Foundation (San Francisco) y el Washington University Art Museum (San

Luis) y la Loumeier Foundation (San Luis), todas en EEUU, así como en el Ministère de la Culture

y el Fonds National d’Art Contemporain (Francia), el Pusan Metropolitan Art Museum (Corea del

Sur) y los Museos de Arte Moderno de Rio de Janeiro y São Paulo. En 2009 realizó la exposición

individual “Exteriores” y en 2010 participó en la exposición grupal “Grandes artistas, grandes

formatos”, ambas en la Galería Raquel Arnaud, que la representa desde 1990.

Fue observando las texturas en los moldes de la

piña y las hojas del plátano cuando me inspiré para

usarlas como “segunda piel”. “Xina” (del portugués

“abacaxi” – piña – y “banana”), son platos

simbólicos; una interpretación simbólica de frutas

y hojas tropicales, una presencia constante en la

historia de Bordallo Pinheiro.

ISABELA CAPETO

La estilista Isabela Capeto se formó en la Accademia di Moda en Florencia. Pasó un tiempo en el área de creación de algunas de las marcas brasileñas más importantes antes de abrir la suya propia en 2003. De un pequeño taller en Rio de Janeiro, pasó a una tienda en uno de los puntos más carismáticos de la ciudad y rompió fronteras, llevando su ropa a más de 50 países, incluyendo Barneys y Macy’s en EEUU, Browns en Inglaterra, Colette y Le Bon Marché en Francia; Saks y Harvey Nichol’s en EEUU. En 2008 Isabela Capeto participó en la exposición Neo Tropicália en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, con un panel de bordados. La misma exposición se llevó después al Museo de Arte Moderno de São Paulo, donde Isabel presentó un mosaico con 296 fotos de mujeres vistiendo su ropa. Un viaje, un paisaje, un libre o simplemente una persona pueden servir de inspiración para colecciones que ignoran las tendencias de moda mundiales. Bordados en profusión, el aprovechamiento de telas, trucos de tintura y aplicaciones que hacen de su trabajo una marca inconfundible que tiene la cara de Brasil.

“Cuando llegué a la fábrica de Bordallo me volví loca con todas aquellas maravillas… ¡Todo era fantástico para enviárselo a alguien o para ofrecerlo como regalo! Decidí juntar lo que es más común cuando piensas en el tema: junté el cerdo, que me impresionó mucho, las frutas y las verduras, y puse todo junto sobre hojas de manera que convertí todos estos elementos en uno solo. Aunque son piezas separadas, quería dar la impresión de que esto se encontró en un bosque tropical junto con lagartos, moscas y abejas. ¡Quería que fuese una verdadera naturaleza muerta!”.

ADRIANA BARRETO

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1 CALDOS DA RAINHA


















FRIDA BARANEK8 XINA





ISABELA CAPETO

9 DESPACHO














TUNGA

19 TRANSBORDÁ-LO


























MARCOS CHAVES

Marcos Chaves nació en Rio de Janeiro en 1961 y comenzó su actividad artística en la primera mitad de la década de 1980. Trabajando sobre los parámetros de la apropiación y la intervención, su obra se caracteriza por el uso de diferentes medios, moviéndose libremente entre la producción de objetos, fotografías, vídeos, dibujos, palabras y sonidos. Ha participado en las Bienales: Mainfesta7 – La Bienal Europea de Arte Contemporáneo, Bolzano, Italia; la 25ª Bienal Internacional de São Paulo, SP; la 1º y la 5º Bienal de Mercosul, Porto Alegre, Brasil; la 4º Bienal de La Habana, Cuba; la 3º Bienal de Lulea, Suiza. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en galerías e instituciones como: Mori Art Museum, Tokio (Japón); Martin-Gropius-Bau, Neuer Berliner Kunstverein (NBK), Berlin, Ludwig Museum, Koblenz, Zeppelin University, Friedrichshafen, Alemania; Fri-Art Centre d’Art Contemporain de Fribourg, Verein Shed im Eisenwerk, Frauenfeld, Switzerland; Espace Topographie de L’Art, Paris, Francia; Siftelsen3,14, Bergen, Noruega; Vantaa Art Museum, Helsinki, Finlandia; Butcher’s Project, Londres, G39, Cardiff y Northen Gallery, Sunderland, Reino Unido. Iziko South African National Art Gallery, Sudáfrica; Centro per l’Arte Contempránea Luigi Pecci, Prato, Italia; The Jim Thompson Art Center, Bangkok, Tailandia, Oporto 2001, Portugal; Esbjerg Kunstmuseum, Dinamarca; Lehmann Maupin Gallery, Nueva York; Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia, Museo Patrio Herreriano, Valladolid, Galería Blanca Soto Arte, Madrid, España; MIS, CCBB, MAM-SP, Galería Nara Roesler, São Paulo; MAM-RJ Paço Imperial, CCBB, Galería Laura Alvim, Oi Futuro, Galería Laura Marsiaj, Galería Gentil Carioca, Galería Progetti e Galería Artur Fidalgo, Rio de Janeiro.

Llegué a Lisboa un sábado por la mañana y esa misma tarde ya estaba fotografiando piezas de Bordallo en los dos museos de Caldas da Rainha. Fui rápidamente “abducido” por este soporte para cartas. El hecho de que la pieza fuese más subjetiva (una enorme oreja de pared), absurda y que de alguna manera flirteara con el surrealismo me atrajo inmediatamente; aparte del hecho de que contiene un dicho popular, no menos surrealista, que es un recurso que normalmente utilizo en mis obras. Supe que el molde tendría que ser restaurado y eso era oportunidad para traer de vuelta la obra de un genio, que ya se había dejado de producir. Elegí mantener la pieza tal y como era e insertar interferencias puntuales, creando un efecto tanto en cuanto a la forma como en cuanto al

mensaje. Siempre he pensado en este proverbio como una declaración de pequeña paranoia, surrealista, confundiendo personas con paredes, como si todo lo que dijéramos interesara a las demás personas. Fue entonces cuando se me ocurrió que podría distraerse con otras cosas, en lugar de nosotros, y pensé en unos auriculares, un facsímil ampliado del de Apple, tan difundido en el mundo contemporáneo. Combinando ambos objetos con dibujos realizados en tiempos tan diferentes, con 100 años entre ellos, tuve la oportunidad de rendir tributo a ambos genios, Bordallo Pinheiro y Steve Jobs, y crear un nuevo contexto, una pieza nueva, también una marca de Bordallo.

MARÍA LYNCH

María Lynch trabaja como artista visual explorando diversos medios. Entre sus principales exposiciones están “The Jerwood Drawing Prize”, que ha itinerado por varias ciudades de Inglaterra, incluida Londres, 2008. Ganó el premio “Funarte de Artes Plásticas Marcantônio Vilaça”, participó en la exposición Performance Presente Futuro Vol III, Oi Futuro, RJ. En 2011 fue artista invitada en la 6ª Bienal de Curitiba VentoSul y en 2012 fue invitada para exponer en el Palacio Imperial, RJ, y para la Residencia artística Bordallo Pinheiro en Lisboa, Portugal. Fue también invitada para exponer en las Olimpiadas de Londres, 2012, en el Barbican. En el año 2013 realizó una exposición individual en la Galería Anita Schwartz e invitada por el Ministro de Exteriores a realizar una residencia en Lima. María está presente en algunas colecciones públicas tales como: Museo de Arte Contemporáneo Niterói, Brasil, Centro Cultural Candido Mendes, Rio de Janeiro, Brasil, Committee for Olympic Fine Arts 2012, Londres, Coleção Gilberto Chateaubriand, Brasil/MAM-RJ, Rio de Janeiro, Brasil, Ministerio de Relaciones Exteriores, Palacio Itamaraty, DF, Brasil.

“Una antropofagia del reino animal. En este trabajo busqué un lenguaje en diálogo con mi obra. Un contexto fantástico, donde grandes animales invierten su escala con la langosta y la atacan. La langosta gigante se convierte en plato principal para que el reino animal deguste este plato caro y exquisito. Con un dramático tono de sangre, nos hace pensar que somos los siguientes en atacar estos animales comestibles que están ahí, en la bandeja, preparada para meterla en el horno”.

LAERTE RAMOS

Laerte Ramos se formó en artes plásticas por la FAAP y participó en residencias en París, Suiza y Holanda. Ha participado también en muestras en instituciones como Stedelijk Museum Amsterdam, Cité des Arts (Paris), Museum of Brazilian Art (FAAP), Palace of the ARts /Clóvis Salgado Foundation, Belo Horizonte, y Maria Antônia Univesrity Centre, en São Paulo, entre otros. Entre los premios recibidos, destacan los siguientes: 8ª Bienal do Mar, Vitória, ES; Premio Projéteis, Funarte – Rio de Janeiro, RJ; 10º Premio Cultura Inglesa Festival – Centro Brasileiro Británico, SP; 61º Premio Salón Paranaese de Arte, MAC – Curitiba, PR; Premio Adquisición, Lelocleprints04, Musée des Beaux Arts du Le Locle, Suiza; Oremio Beca Anual XXIX, XXII y XXIII de Arte FAAP; Premio Adquisición, Don Alvar Nuñes Cabeza de Vaca, Muestra Brasil de Grabados.

“Furnarius rufus” es el nombre científico de un pájaro popularmente conocido como Hornero. Este pájaro construye nidos usando paja y estiércol con arcilla húmeda. La forma del nido recuerda a un horno, de ahí la relación entre el pájaro y el horno. El proyecto producido en la fábrica de cerámica de Bordallo Pinheiro usa una forma similar al común icono de una casa, que puede servir como casa a un pájaro, o no. La escultura tiene ornamentos que fueron dibujados de un panel del maestro Rafael Bordallo Pinheiro, que contenía dibujos de pájaros en la región y fragmentos

recortados de azulejos en relieve. Añadiendo la forma-icono de la casa, la obra aúna el nido, la casa, el arte de Bordallo, las paredes de la escultura en los mismos tonos de color del panel original, des-caracterizando sin embargo el azulejo original. La escultura está suspendida por cables y puede colocarse en interiores o exteriores”.

LAERTE RAMOS




MARÍA LYNCH

María Lynch trabaja como artista visual explorando diversos medios. Entre sus principales exposiciones están “The Jerwood Drawing Prize”, que ha itinerado por varias ciudades de Inglaterra, incluida Londres, 2008. Ganó el premio “Funarte de Artes Plásticas Marcantônio Vilaça”, participó en la exposición Performance Presente Futuro Vol III, Oi Futuro, RJ. En 2011 fue artista invitada en la 6ª Bienal de Curitiba VentoSul y en 2012 fue invitada para exponer en el Palacio Imperial, RJ, y para la Residencia artística Bordallo Pinheiro en Lisboa, Portugal. Fue también invitada para exponer en las Olimpiadas de Londres, 2012, en el Barbican. En el año 2013 realizó una exposición individual en la Galería Anita Schwartz e invitada por el Ministro de Exteriores a realizar una residencia en Lima. María está presente en algunas colecciones públicas tales como: Museo de Arte Contemporáneo Niterói, Brasil, Centro Cultural Candido Mendes, Rio de Janeiro, Brasil, Committee for Olympic Fine Arts 2012, Londres, Coleção Gilberto Chateaubriand, Brasil/MAM-RJ, Rio de Janeiro, Brasil, Ministerio de Relaciones Exteriores, Palacio Itamaraty, DF, Brasil.

“Una antropofagia del reino animal. En este trabajo busqué un lenguaje en diálogo con mi obra. Un contexto fantástico, donde grandes animales invierten su escala con la langosta y la atacan. La langosta gigante se convierte en plato principal para que el reino animal deguste este plato caro y exquisito. Con un dramático tono de sangre, nos hace pensar que somos los siguientes en atacar estos animales comestibles que están ahí, en la bandeja, preparada para meterla en el horno”.

LAERTE RAMOS




ADRIANA BARRETO

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1 CALDOS DA RAINHA


















FRIDA BARANEK8 XINA





ISABELA CAPETO

9 DESPACHO














TUNGA

19 TRANSBORDÁ-LO


























REGINA SILVEIRA

Porto Alegre, 1939. Vive en São Paulo, Brasil. Estudió Arte en el Instituto da Artes da UFRGS (1959), Máster (1980) y Doctorado en Artes en la Escola de Comunicações e Artes, USP. Es docente en la Universidad de Puerto Rico, MAyaguez Campus (1969-73); en FAAP in São Paulo (1973-85) y en el Departamento de Arte de ECA/USP desde 1974. Ha participado en diversas bienales internacionales, como la Bienal de São Paulo (1983, 1998); la Bienal de Mercosul (2001, 2011); y la 6ª Bienal de Taipei (2006). Fue invitada para participar en espectáculos de grupos culturales, entre los que se encuentran “Brazil: Body and Soul”, en el Museo Guggenheim, Nueva York (2001); “Philagrafika 2010” en Philadelphia y la “Meditations Biennale”, en Poznan, (2012), entre otros. Recientemente ha realizado exposiciones individuales, como Lúmen, en 2005 (Palacio de Cristal, Muso Reina Sofía), Madrid (2005); Troppel Reversed, en 2009, en el Museo de Arte de Koge, Dinamarca; Shadow Line (2009) en el Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro; AByssal, en Atlas Sztuki (2010), en Lodz, Polonia; 1001 Days and Other Enigmas, en la Fudação Iberê Camargo, Porto Alegre, Brasil (2011) y Offscale, en la Galería Luciana Brito, São Paulo (2013). La artista ha recibido premios como el John Simon Guggenheim Foundation (1990); la Pollock-Krasner Foundation (1993) y la Fundación Fulbright (1994); el “Award in Arts, for LIfe and Work” otorgado por la Fundação Bunge (2009) y el “Great Art Critics Award”, otorgado por Tramazul, en MASP (2010/2011), por la APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte), en 2011.

El proyecto para hacer “ASSOMBRADA” EMPEZÓ CON CAUTELA. Implicaba estudiar Bordallo Pinheiro y recoger información sobre el artista, hasta el momento de pedir pequeñas ranas de imitación para llevar a cabo estudios previos. Pero incluso cuando el sujeto es las afinidades, ¿cómo acoplar poética –mía y suya- sin que se disuelva ninguna de las dos? ¿Cómo puedo uno entrar en una conversación cerrada con el otro –otro artista como éste, con una obra fuerte, crítica y sobrecogedora- para que de la combinación resulte de hecho una nueva cualidad? Por todo esto opté por la silueta de mi mano, como un signo

autobiográfico, un tipo de marca y sombra de mí misma – para unirme a las ranas de Bordallo, las inconfundibles ranas bordallianas, su marca preferida. Con ellas apiladas sobre la mano, amontonadas, traté de crear con las ranas y la mano una especie de ideograma visual que re-significara esa extraña unión en la tapa de la terrina. Inseparables, mano y ranas deberían contar la misma historia. Sin embargo, en “ASSOMBRADA” no queda claro a propósito si la sombra de mi mano agarrando y conteniendo esas pequeñas ranas, es para expresar dominio, o si son las ranas las que irrumpen y crecen inesperadamente –negras, como un fantasma- sobre mi mano oscura para inmovilizarla en la tapa de la terrina.

SAINT CLAIR CEMIN

Saint Clair Cemin (Cruz Alta, 1951) es un artista plástico brasileño. Vive y trabaja en Nueva York. Estudió en la École Nationale Supérieure de Beaux Arts en Paris, Francia. En sus esculturas, Saint Clair Cemin mezcla materiales como el bronce, hierro, madera, mármol y resinas sintéticas. Para cada serie de esculturas, busca una dirección ideal donde juntarlas. Esto hizo que el artista estuviera dividido entre París y Nueva York, donde se estableció en 1978. Pero fue en China donde el escultor encontró el lugar adecuado para producir, con rigor oriental, sus últimas piezas. Tan diferentes en forma como en los materiales utilizados, estas obras concilian el espíritu provocativo y el humoroso. Sus obras se encuentran en varios museos del mundo y en exposiciones internacionales.

“Elsa Rebelo me invitó a Bordallianos de Brasil, e insistió en ello. Yo, ignorante de la obra de Bordallo, reclamaba un calendario entero (lo cual era verdad). Finalmente, me mandó imágenes de su obra. Esto me convenció inmediatamente, porque la obra de Bordallo Pinheiro encaja tanto con mi mentalidad artística que verlo fue como encontrar a un familiar cercano desconocido hasta el momento. Debería utilizar los moldes de la fábrica, pero como no soy mucho de “ready –made”, sugerí hacer algo al estilo Bordallo.

Fui a mi estudio en Bourgogne y, entre miles de esbozos y estudios encontré un gallo extravagante y autárquico que, orgulloso, sujeta una pluma, preparado para escribir algo. En este punto me di cuenta de que este era el retrarto de Bordallo, Galo Bordallo, Borgalo!

Cada vez creo más en la influencia del futuro sobre el pasado. Estoy seguro de que mi futuro contacto con la obra de Rafael Bordallo estaba ya produciendo un efecto retroactivo, una inspiración secreta para que, sin saber por qué, más de un año antes hiciese un retrato filosófico de Rafael Bordallo. El gallo se hizo en la fábrica de Caldas da RAinha, no con plumas sino con el famoso lápix mecánico de Bordallo, el que se ve en sus autoretratos, en las caricaturas que dibujó”.

MARTHA MEDEIROS

Durante más de 25 años en el mercado de la moda, Martha es la propietaria de la boutique multi-marca Maison M en Maceió. El nacimiento de su marca propia siguió un curso natural, pues por petición de sus clientes comenzó a crear algunas piezas para ocasiones especiales. En 2004, la marca Martha Medeiros ganó un corner en su tienda y con la creciente demanda de clientes de todo Brasil, a principios de 2008 empezó a atender a clientes con cita, en São Paulo, en el Barrio dos Jardins. Martha heredó de su abuela, profesora de arte, la pasión por el arte y la artesanía, y su trabajo se diferencia por rescatar el lujo del tejido hecho a mano. Cada pieza requiere horas de trabajo manual, hilo a hilo, junto con una técnica de modelaje y estilos adquiridos en su formación en moda. Alrededor de 200 mujeres organizadas en cooperativas de tejido en pequeñas ciudades en los márgenes del río San Francisco, en Alagoas, están involucradas en el proceso de confección de encaje como el de Renascença (Renacimiento), la más tradicional de todas, además de otras técnicas como filé, Richelieu, encaje de bolillos y la delicadísima Boa Noite (“Buenas noches”), ahora confeccionada solamente en Ilha do Ferro, en medio de San Francisco, a unos 320 km de Maceió.

“Enxame” es simultáneamente una pieza utilitaria y decorativa de gran delicadeza que puede ser usada con o sin encaje sobrepuesto. Un plato grande, la flor conocida en Brail como ”vaso de leche” (lirio) y las abejas son modelos del universo artístico y creativo de Bordallo Pinheiro.

La pieza fue desarrollada a partir de la máxima que a Martha Medeiros le gusta defender: Creer que siempre hay una reina dentro de cada mujer, y que las abejas trabajan para servir a la reina madre, igual que toda mujer debe servir a

la Reina dentro de sí misma. Este es también el objetivo de la diseñadora – que cada mujer vestida por Marha Medeiros se sienta como una reina.”

MARTHA MEDEIROS

Durante más de 25 años en el mercado de la moda, Martha es la propietaria de la boutique multi-marca Maison M en Maceió. El nacimiento de su marca propia siguió un curso natural, pues por petición de sus clientes comenzó a crear algunas piezas para ocasiones especiales. En 2004, la marca Martha Medeiros ganó un corner en su tienda y con la creciente demanda de clientes de todo Brasil, a principios de 2008 empezó a atender a clientes con cita, en São Paulo, en el Barrio dos Jardins. Martha heredó de su abuela, profesora de arte, la pasión por el arte y la artesanía, y su trabajo se diferencia por rescatar el lujo del tejido hecho a mano. Cada pieza requiere horas de trabajo manual, hilo a hilo, junto con una técnica de modelaje y estilos adquiridos en su formación en moda. Alrededor de 200 mujeres organizadas en cooperativas de tejido en pequeñas ciudades en los márgenes del río San Francisco, en Alagoas, están involucradas en el proceso de confección de encaje como el de Renascença (Renacimiento), la más tradicional de todas, además de otras técnicas como filé, Richelieu, encaje de bolillos y la delicadísima Boa Noite (“Buenas noches”), ahora confeccionada solamente en Ilha do Ferro, en medio de San Francisco, a unos 320 km de Maceió.

“Enxame” es simultáneamente una pieza utilitaria y decorativa de gran delicadeza que puede ser usada con o sin encaje sobrepuesto. Un plato grande, la flor conocida en Brail como ”vaso de leche” (lirio) y las abejas son modelos del universo artístico y creativo de Bordallo Pinheiro.

La pieza fue desarrollada a partir de la máxima que a Martha Medeiros le gusta defender: Creer que siempre hay una reina dentro de cada mujer, y que las abejas trabajan para servir a la reina madre, igual que toda mujer debe servir a

la Reina dentro de sí misma. Este es también el objetivo de la diseñadora – que cada mujer vestida por Marha Medeiros se sienta como una reina.”

REGINA SILVEIRA

Porto Alegre, 1939. Vive en São Paulo, Brasil. Estudió Arte en el Instituto da Artes da UFRGS (1959), Máster (1980) y Doctorado en Artes en la Escola de Comunicações e Artes, USP. Es docente en la Universidad de Puerto Rico, MAyaguez Campus (1969-73); en FAAP in São Paulo (1973-85) y en el Departamento de Arte de ECA/USP desde 1974. Ha participado en diversas bienales internacionales, como la Bienal de São Paulo (1983, 1998); la Bienal de Mercosul (2001, 2011); y la 6ª Bienal de Taipei (2006). Fue invitada para participar en espectáculos de grupos culturales, entre los que se encuentran “Brazil: Body and Soul”, en el Museo Guggenheim, Nueva York (2001); “Philagrafika 2010” en Philadelphia y la “Meditations Biennale”, en Poznan, (2012), entre otros. Recientemente ha realizado exposiciones individuales, como Lúmen, en 2005 (Palacio de Cristal, Muso Reina Sofía), Madrid (2005); Troppel Reversed, en 2009, en el Museo de Arte de Koge, Dinamarca; Shadow Line (2009) en el Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro; AByssal, en Atlas Sztuki (2010), en Lodz, Polonia; 1001 Days and Other Enigmas, en la Fudação Iberê Camargo, Porto Alegre, Brasil (2011) y Offscale, en la Galería Luciana Brito, São Paulo (2013). La artista ha recibido premios como el John Simon Guggenheim Foundation (1990); la Pollock-Krasner Foundation (1993) y la Fundación Fulbright (1994); el “Award in Arts, for LIfe and Work” otorgado por la Fundação Bunge (2009) y el “Great Art Critics Award”, otorgado por Tramazul, en MASP (2010/2011), por la APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte), en 2011.

El proyecto para hacer “ASSOMBRADA” EMPEZÓ CON CAUTELA. Implicaba estudiar Bordallo Pinheiro y recoger información sobre el artista, hasta el momento de pedir pequeñas ranas de imitación para llevar a cabo estudios previos. Pero incluso cuando el sujeto es las afinidades, ¿cómo acoplar poética –mía y suya- sin que se disuelva ninguna de las dos? ¿Cómo puedo uno entrar en una conversación cerrada con el otro –otro artista como éste, con una obra fuerte, crítica y sobrecogedora- para que de la combinación resulte de hecho una nueva cualidad? Por todo esto opté por la silueta de mi mano, como un signo

autobiográfico, un tipo de marca y sombra de mí misma – para unirme a las ranas de Bordallo, las inconfundibles ranas bordallianas, su marca preferida. Con ellas apiladas sobre la mano, amontonadas, traté de crear con las ranas y la mano una especie de ideograma visual que re-significara esa extraña unión en la tapa de la terrina. Inseparables, mano y ranas deberían contar la misma historia. Sin embargo, en “ASSOMBRADA” no queda claro a propósito si la sombra de mi mano agarrando y conteniendo esas pequeñas ranas, es para expresar dominio, o si son las ranas las que irrumpen y crecen inesperadamente –negras, como un fantasma- sobre mi mano oscura para inmovilizarla en la tapa de la terrina.

SAINT CLAIR CEMIN

Saint Clair Cemin (Cruz Alta, 1951) es un artista plástico brasileño. Vive y trabaja en Nueva York. Estudió en la École Nationale Supérieure de Beaux Arts en Paris, Francia. En sus esculturas, Saint Clair Cemin mezcla materiales como el bronce, hierro, madera, mármol y resinas sintéticas. Para cada serie de esculturas, busca una dirección ideal donde juntarlas. Esto hizo que el artista estuviera dividido entre París y Nueva York, donde se estableció en 1978. Pero fue en China donde el escultor encontró el lugar adecuado para producir, con rigor oriental, sus últimas piezas. Tan diferentes en forma como en los materiales utilizados, estas obras concilian el espíritu provocativo y el humoroso. Sus obras se encuentran en varios museos del mundo y en exposiciones internacionales.

“Elsa Rebelo me invitó a Bordallianos de Brasil, e insistió en ello. Yo, ignorante de la obra de Bordallo, reclamaba un calendario entero (lo cual era verdad). Finalmente, me mandó imágenes de su obra. Esto me convenció inmediatamente, porque la obra de Bordallo Pinheiro encaja tanto con mi mentalidad artística que verlo fue como encontrar a un familiar cercano desconocido hasta el momento. Debería utilizar los moldes de la fábrica, pero como no soy mucho de “ready –made”, sugerí hacer algo al estilo Bordallo.

Fui a mi estudio en Bourgogne y, entre miles de esbozos y estudios encontré un gallo extravagante y autárquico que, orgulloso, sujeta una pluma, preparado para escribir algo. En este punto me di cuenta de que este era el retrarto de Bordallo, Galo Bordallo, Borgalo!

Cada vez creo más en la influencia del futuro sobre el pasado. Estoy seguro de que mi futuro contacto con la obra de Rafael Bordallo estaba ya produciendo un efecto retroactivo, una inspiración secreta para que, sin saber por qué, más de un año antes hiciese un retrato filosófico de Rafael Bordallo. El gallo se hizo en la fábrica de Caldas da RAinha, no con plumas sino con el famoso lápix mecánico de Bordallo, el que se ve en sus autoretratos, en las caricaturas que dibujó”.

ADRIANA BARRETO

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16 17 18 19 20

1 CALDOS DA RAINHA


















FRIDA BARANEK8 XINA





ISABELA CAPETO

9 DESPACHO














TUNGA

19 TRANSBORDÁ-LO


























TIAGO CARNEIRO DA CUNHA

Tiago Carneiro da Cunha nació en 1973 en São Paulo y actualmente vive en Rio de Janeiro. En 1998 el Gobierno brasileño le otorgó una beca de estudios Apartes/Capes, que le permitió realizar un posgrado en Artes Visuales en la Goldsmiths College, en Londres, donde recibe clases de Chapman Brothers, Pierre Bismuth y Liam Gillick, entre otros artistas. Desde entonces, ha realizado exposiciones individuales en la Galería Fortes Vilaça (São Paulo), en la Galería Kate Macgarry (Londres), y Misako & Rosen Gallery (Tokio, con Erika Verzutti) y ha participado en exposiciones colectivas en museos y galerías de todo el mundo. Entre sus más destacadas exposiciones recientes se incluyen “Law of the Jungle” – a la que fue invitado a curar por Lehmann Maupin Gallery, Nueva York, en 2010 – y “ New York: Tiago Cargneiro da Cunha and Klara Kristalova”, actualmente en exposición en el San Francisco Museum of Modern Art SFMoma. Sus trabajos se incluyen en colecciones públicas y privadas como la Coleção Gilberto Chateaubriand (Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro), Saatchi Collection (Reino Unido) y Thyssen-Bornemisza TB21 (Austria). Artista invitado en la University of the Arts, Philadelphia, en 2009 y Profesor Invitado en el Ciclo de Conferencias de la Bienal Cap acete / São Paulo.

“Como admirador que soy desde hace mucho de la obra “Bordalliana”, quería aprovechar la oportunidad de este proyecto para conocer más íntimamente una de mis esculturas favoritas de Bordallo Pinheiro: el “Gato Bizantino”. Comencé simplemente retrazando con mi dedo los patrones en la superficie aún húmeda del Gato recién sacado del molde, como una manera de estudiar la topografía de la pieza, y gradualmente añadí elementos del lenguaje escultural que exploro en mi propia obra. Enfaticé estos efectos utilizando los maravillosos esmaltes escurridos de la fábrica BP

y –finalmente- de alguna manera propuse la inversión del uso original de la pieza, convirtiéndolo en un incensario escupidera, es decir, pasando de un movimiento (líquido) hacia abajo a un movimiento (de humo) hacia arriba. Fue un inme nso placer poder desarrollar esta escultura basada en una obra que admiro tanto, y ser capaz de contar con el apoyo de un equipo maravilloso en la fábrica BP para esta empresa: ¡muchas gracias de nuevo, a todos!”

TONICO LEMOS AUAD

Antonio Carlos (Tonico) Leal Auad (1968)

nació en Belém, Pará. Se graduó en

Arquitectura Urbanística, FAU/USP. Con una

beca CAPES obtuvo el Máster en la Goldsmith

University de Londres. Utiliza dibujos,

instalaciones y fotografías, y con ellos busca

exponer las experiencias diarias, que casi

siempre pasan desapercibidas, para una

mayor percepción y reflexión del espectador.

Tonico Lemos Auad vive y trabaja en Londres.

Acaba de realizar una exposición en el Aspen Art Museum (Colorado). Entre sus exposiciones

recientes, destacan: “The British Art Show 06”, organizada por la Hayward Gallery (Londres),

“Trial Balloons/Globos Sonda”, 2006 en MUSAC – Centro de Arte Contemporáneo (Castilla y

León), “Art Circus (Jumping from the Ordinary)”, 2005, en la International Triennale of

Contemporary Art (Yokohama), “Beck’s Futures”, 2004, en el Institute of Contermporary Arts

(Londres)/CCA (Glasgow) y “Adaptive Behaviour” en el New Museum of Conporary Art (Nueva

York). The Folkestone triennial 2011, Inglaterra. Individual en el Centro Cultural São Paulo.

Textile Art and the Social Fabric. MUHKA. Antwerp 2009.

“La idea de la obra era cambiar el contenido religioso

de la pieza original, haciéndola un poco más

“abstracta”. Algo como una escultura de ondas que

referencia un paisaje marítimo, bastante

característico de Brasil y Portugal. Sacar una pieza

inédita de la colección, o poco conocida por el

público que conoce la producción de Bordallo,

además de trazar la relación con los trabajos de mi

producción artística personal.

SÉRGIO ROMAGNOLO

Sérgio Mauro Romagnolo (São Paulo, 1957). Escultor, pintor, diseñador, artista inter-media y profesor. Estudió en el Colegio Iadê de São Paulo, entre 1976 y 1977. En 1980 entra en el curso de artes plásticas de la Facultad de Artes Plásticas de la Fundação Armando Alvares Penteado – Faap, en São Paulo. Entra en contacto con la obra de Regina Silveira, Nelson Leirner y Julio Plaza. Entre 1980 y 1984 es profesor en escuelas públicas y privadas. Enseña pintura en Faap entre 1985 y 1986. En ese año realiza su primera exposición individual en la Galería Luisa Strina, en São Paulo. En los primeros 90 pasa a dedicarse a la escultura y trabaja como profesor en talleres. Participa en la Bienal Internacional de São Paulo en 1977, 1983, 1987 y 1991. En 1999 finaliza el Máster en artes en la Escuela de comunicación y Artes de la Universidad de São Paulo – ECA/USP, con la disertación “Esculturas: Arrugas y Alegorías”, y en 2012 finaliza su doctorado en arte en la misma institución con una tesis titulada El vacío y el hueco en Escultura”. Entre 2000 y 2005 es profesor en la Escuela Santa Marcelina, São Paulo, y a partir de 2007, en la Universidad Estatal Paulista – UNESP.

“La pieza Campino Sobreposto es parte de una serire de trabajos que usan la composición a través de la sobreexposición de dos imágenes similares. El objetivo es cuestionar los niveles de represetanción de las formas. Como si sobreponiendo ambas imágenes lográramos una imagen más realista que con una sola. Otro objetivo es constuir formas con más complejidad y dificultad; en el caso de Campino, constuirla demandaba una gran habilidad de los artistas de Bordallo Pinheiro, principalmente en cuanto a los moldes y la unión de las piezas.”

SÉRGIO ROMAGNOLO

Sérgio Mauro Romagnolo (São Paulo, 1957). Escultor, pintor, diseñador, artista inter-media y profesor. Estudió en el Colegio Iadê de São Paulo, entre 1976 y 1977. En 1980 entra en el curso de artes plásticas de la Facultad de Artes Plásticas de la Fundação Armando Alvares Penteado – Faap, en São Paulo. Entra en contacto con la obra de Regina Silveira, Nelson Leirner y Julio Plaza. Entre 1980 y 1984 es profesor en escuelas públicas y privadas. Enseña pintura en Faap entre 1985 y 1986. En ese año realiza su primera exposición individual en la Galería Luisa Strina, en São Paulo. En los primeros 90 pasa a dedicarse a la escultura y trabaja como profesor en talleres. Participa en la Bienal Internacional de São Paulo en 1977, 1983, 1987 y 1991. En 1999 finaliza el Máster en artes en la Escuela de comunicación y Artes de la Universidad de São Paulo – ECA/USP, con la disertación “Esculturas: Arrugas y Alegorías”, y en 2012 finaliza su doctorado en arte en la misma institución con una tesis titulada El vacío y el hueco en Escultura”. Entre 2000 y 2005 es profesor en la Escuela Santa Marcelina, São Paulo, y a partir de 2007, en la Universidad Estatal Paulista – UNESP.

“La pieza Campino Sobreposto es parte de una serire de trabajos que usan la composición a través de la sobreexposición de dos imágenes similares. El objetivo es cuestionar los niveles de represetanción de las formas. Como si sobreponiendo ambas imágenes lográramos una imagen más realista que con una sola. Otro objetivo es constuir formas con más complejidad y dificultad; en el caso de Campino, constuirla demandaba una gran habilidad de los artistas de Bordallo Pinheiro, principalmente en cuanto a los moldes y la unión de las piezas.”

TIAGO CARNEIRO DA CUNHA

Tiago Carneiro da Cunha nació en 1973 en São Paulo y actualmente vive en Rio de Janeiro. En 1998 el Gobierno brasileño le otorgó una beca de estudios Apartes/Capes, que le permitió realizar un posgrado en Artes Visuales en la Goldsmiths College, en Londres, donde recibe clases de Chapman Brothers, Pierre Bismuth y Liam Gillick, entre otros artistas. Desde entonces, ha realizado exposiciones individuales en la Galería Fortes Vilaça (São Paulo), en la Galería Kate Macgarry (Londres), y Misako & Rosen Gallery (Tokio, con Erika Verzutti) y ha participado en exposiciones colectivas en museos y galerías de todo el mundo. Entre sus más destacadas exposiciones recientes se incluyen “Law of the Jungle” – a la que fue invitado a curar por Lehmann Maupin Gallery, Nueva York, en 2010 – y “ New York: Tiago Cargneiro da Cunha and Klara Kristalova”, actualmente en exposición en el San Francisco Museum of Modern Art SFMoma. Sus trabajos se incluyen en colecciones públicas y privadas como la Coleção Gilberto Chateaubriand (Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro), Saatchi Collection (Reino Unido) y Thyssen-Bornemisza TB21 (Austria). Artista invitado en la University of the Arts, Philadelphia, en 2009 y Profesor Invitado en el Ciclo de Conferencias de la Bienal Cap acete / São Paulo.

“Como admirador que soy desde hace mucho de la obra “Bordalliana”, quería aprovechar la oportunidad de este proyecto para conocer más íntimamente una de mis esculturas favoritas de Bordallo Pinheiro: el “Gato Bizantino”. Comencé simplemente retrazando con mi dedo los patrones en la superficie aún húmeda del Gato recién sacado del molde, como una manera de estudiar la topografía de la pieza, y gradualmente añadí elementos del lenguaje escultural que exploro en mi propia obra. Enfaticé estos efectos utilizando los maravillosos esmaltes escurridos de la fábrica BP

y –finalmente- de alguna manera propuse la inversión del uso original de la pieza, convirtiéndolo en un incensario escupidera, es decir, pasando de un movimiento (líquido) hacia abajo a un movimiento (de humo) hacia arriba. Fue un inme nso placer poder desarrollar esta escultura basada en una obra que admiro tanto, y ser capaz de contar con el apoyo de un equipo maravilloso en la fábrica BP para esta empresa: ¡muchas gracias de nuevo, a todos!”

TONICO LEMOS AUAD

Antonio Carlos (Tonico) Leal Auad (1968)

nació en Belém, Pará. Se graduó en

Arquitectura Urbanística, FAU/USP. Con una

beca CAPES obtuvo el Máster en la Goldsmith

University de Londres. Utiliza dibujos,

instalaciones y fotografías, y con ellos busca

exponer las experiencias diarias, que casi

siempre pasan desapercibidas, para una

mayor percepción y reflexión del espectador.

Tonico Lemos Auad vive y trabaja en Londres.

Acaba de realizar una exposición en el Aspen Art Museum (Colorado). Entre sus exposiciones

recientes, destacan: “The British Art Show 06”, organizada por la Hayward Gallery (Londres),

“Trial Balloons/Globos Sonda”, 2006 en MUSAC – Centro de Arte Contemporáneo (Castilla y

León), “Art Circus (Jumping from the Ordinary)”, 2005, en la International Triennale of

Contemporary Art (Yokohama), “Beck’s Futures”, 2004, en el Institute of Contermporary Arts

(Londres)/CCA (Glasgow) y “Adaptive Behaviour” en el New Museum of Conporary Art (Nueva

York). The Folkestone triennial 2011, Inglaterra. Individual en el Centro Cultural São Paulo.

Textile Art and the Social Fabric. MUHKA. Antwerp 2009.

“La idea de la obra era cambiar el contenido religioso

de la pieza original, haciéndola un poco más

“abstracta”. Algo como una escultura de ondas que

referencia un paisaje marítimo, bastante

característico de Brasil y Portugal. Sacar una pieza

inédita de la colección, o poco conocida por el

público que conoce la producción de Bordallo,

además de trazar la relación con los trabajos de mi

producción artística personal.

ADRIANA BARRETO

1 2 3 4 5

6 7 8 9 10

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16 17 18 19 20

1 CALDOS DA RAINHA


















FRIDA BARANEK8 XINA





ISABELA CAPETO

9 DESPACHO














TUNGA

19 TRANSBORDÁ-LO


























VIK MUNIZ

Vik Muniz nación en São Paulo, Brasil. Vive y trabaja en Nueva York y Rio de Janeiro. Una retrospectiva completa de la obra de Vik recorrió Brasil en 2009/2010, después de hacer recorridos por EEUU, Canadá y México. Los espacios donde la muestra se presentó incluían el Miami Art Museum, Seattle Art Museum, P.S.1 MoMA, the Museum of Contemporary Art in San Diego, Museum of Art São Paulo y el Museum of Contemporary Art en Montreal, con un público de más de 500.000 personas. En 2011 y 2012 la retrospectiva se presentó en el Museu Coleção Berardo, en Lisboa, en el Centro de Arte Contemporáneo, en Málaga, España, y en el Museu Collection Lambert, en Avignon, Francia. Los trabajos de este artista forman parte de colecciones de los mayores museos internacionales, tales como: Art Institute de Chicago, Los Angeles Museum of Contemporary Art, J. Paul Getty Museum, Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art (Nueva York), Museu de Arte Moderna de São Paulo, y Victoria and Albert Museum en Londres, entre otros. Además de hacer arte, VIk está involucrado en proyectos sociales que hacen uso del hecho creativo como una fuerza para el cambio.

La cerámica es un material profundamente simbólico de la continuidad de valores dentro de una familia a través de generaciones, tanto por su fragilidad como por su herencia. Recuerdo perfectamente el dolor que mi madre sentía cada vez que una vieja pieza de vajilla se rompía en casa. Estos objetos llevaban recuerdos de bodas, funerales, bautizos, cenas de navidad y comidas de domingo, los restos y rastros de todos los antepasados que habían utilizado esas piezas, desgraciadamente era como si una estirpe genética entera se hubiera desintegrado. Todavía la veo, triste, intentando pegar los trozos, como tratando de reparar el pasado de la mejor manera que podía. “O colador de cacos” es una especie de duende de la

memoria. Asumiendo todas sus imperfecciones, esculpe la imposible forma del legado de las convenciones y tradiciones familiares. Es una entidad que aparece en la noche para arreglar la manera artificial y confusa en la que fijamos nuestros recuerdos.

TUNGA

Tunga nace en Palmares en 1952 y vive en Rio de

Janeiro, Brasil. Su carrera artística comienza en

los 70. Se graduó en arquitectura en Rio de

Janeiro y realizó su primera exposición individual

en 1974 en el Museum of Modern Art en Rio de

Janeiro. Con exposiciones en escenarios

internacionales en las dos últimas décadas, su

obra ha sido ampliamente vista en Europa y

América Latina desde los 70 y significativamente expuesta en EEUU desde mediados de los 90.

El trabajo de Tunga se compone de esculturas, instalaciones, performances, dibujos, poesía,

cine y otros; investiga diversas formas de expresión, incluyendo literatura, poesía, filosofía,

psicoanálisis, teatro y ciencia.

“…

TRÁNSITO DE BORDES

BORDADO TRANSE

DA EN DOBLADO

OBRA Y ANTRO

…”

TUNGA

Tunga nace en Palmares en 1952 y vive en Rio de

Janeiro, Brasil. Su carrera artística comienza en

los 70. Se graduó en arquitectura en Rio de

Janeiro y realizó su primera exposición individual

en 1974 en el Museum of Modern Art en Rio de

Janeiro. Con exposiciones en escenarios

internacionales en las dos últimas décadas, su

obra ha sido ampliamente vista en Europa y

América Latina desde los 70 y significativamente expuesta en EEUU desde mediados de los 90.

El trabajo de Tunga se compone de esculturas, instalaciones, performances, dibujos, poesía,

cine y otros; investiga diversas formas de expresión, incluyendo literatura, poesía, filosofía,

psicoanálisis, teatro y ciencia.

“…

TRÁNSITO DE BORDES

BORDADO TRANSE

DA EN DOBLADO

OBRA Y ANTRO

…”

VIK MUNIZ

Vik Muniz nación en São Paulo, Brasil. Vive y trabaja en Nueva York y Rio de Janeiro. Una retrospectiva completa de la obra de Vik recorrió Brasil en 2009/2010, después de hacer recorridos por EEUU, Canadá y México. Los espacios donde la muestra se presentó incluían el Miami Art Museum, Seattle Art Museum, P.S.1 MoMA, the Museum of Contemporary Art in San Diego, Museum of Art São Paulo y el Museum of Contemporary Art en Montreal, con un público de más de 500.000 personas. En 2011 y 2012 la retrospectiva se presentó en el Museu Coleção Berardo, en Lisboa, en el Centro de Arte Contemporáneo, en Málaga, España, y en el Museu Collection Lambert, en Avignon, Francia. Los trabajos de este artista forman parte de colecciones de los mayores museos internacionales, tales como: Art Institute de Chicago, Los Angeles Museum of Contemporary Art, J. Paul Getty Museum, Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art (Nueva York), Museu de Arte Moderna de São Paulo, y Victoria and Albert Museum en Londres, entre otros. Además de hacer arte, VIk está involucrado en proyectos sociales que hacen uso del hecho creativo como una fuerza para el cambio.

La cerámica es un material profundamente simbólico de la continuidad de valores dentro de una familia a través de generaciones, tanto por su fragilidad como por su herencia. Recuerdo perfectamente el dolor que mi madre sentía cada vez que una vieja pieza de vajilla se rompía en casa. Estos objetos llevaban recuerdos de bodas, funerales, bautizos, cenas de navidad y comidas de domingo, los restos y rastros de todos los antepasados que habían utilizado esas piezas, desgraciadamente era como si una estirpe genética entera se hubiera desintegrado. Todavía la veo, triste, intentando pegar los trozos, como tratando de reparar el pasado de la mejor manera que podía. “O colador de cacos” es una especie de duende de la

memoria. Asumiendo todas sus imperfecciones, esculpe la imposible forma del legado de las convenciones y tradiciones familiares. Es una entidad que aparece en la noche para arreglar la manera artificial y confusa en la que fijamos nuestros recuerdos.

ADRIANA BARRETO

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1 CALDOS DA RAINHA


















FRIDA BARANEK8 XINA





ISABELA CAPETO

9 DESPACHO














TUNGA

19 TRANSBORDÁ-LO


























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DOSSIER DE PRENSA · CuSO4•5H2O es el resultado de la experimentación con sulfato de cobre (II), un compuesto químico de cristaliza-ción rápida, en reacción con materiales