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Tp. II: Antonioni y el neorrealismo interior | 1
“El Desierto Rojo”
Este film de Michelangelo Antonioni se centra en Giuliana, una mujer
cuyo mundo interno es increíblemente rico y se confunde hasta para
ella misma con la misma realidad. Esta historia transcurre en Ravena,
donde ella se ve rodeada de un ambiente hostil y frío poblado por
fábricas y sumergida en el progreso industrial. En el transcurso de la
película se desarrollará este personaje, acompañándolo en su soledad.
Análisis
Según Josep Torrell (en el prólogo de “Para mí hacer una película es
vivir” de Antonioni, p.13), la ruptura que logra Michelangelo Antonioni
con el cine dominante se ve reflejada en diferentes aspectos:
Ampliación temática
Este film trata sobre la
crisis de los valores, sobre la
soledad, la pérdida de toda
estructura sólida y de la
identificación con el vacío.
Antonioni se ocupa de
mostrar el decaimiento de los
valores, la pérdida de la
confianza en los antiguos códigos. Cuando Giuliana le pregunta a su
amigo acerca de su posición en la política, él da una respuesta vaga
pero que refleja claramente la inestabilidad del momento. Así como la
escena en las que queman las paredes para calentarse, desarman la
estructura para sobrevivir.
Además existe la presencia de la temática ambiental cuando hablan
acerca del petróleo en le mar. Quizás podría pensarse que Antonioni
deja que se filtre su opinión acerca del tema. “Sí, quizás es una película
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que anticipa el tema ecológico; en aquel tiempo todavía no se hablaba
de ello” (Antonioni, 2002: p.259)
Transformación Narrativa
Personajes:
El interior de esta mujer
se muestra constantemente,
no tanto el diálogo como con
las imágenes. Como en esta
toma en la que se la ve
enmarcada por una puerta y
desde ese lugar inmóvil de
encierro cuenta cómo se sentía
al estar internada.
Mientras ella habla sobre
sus miedos, se detiene a
corroborar que hay una
madera floja en el piso, esto
abre todo un mundo debajo
del mismo, como el inestable
interior de esa mujer que
está por salir a la superficie.
Esta mujer es una niña sobre todo cuando está con su marido. Ella
no es digna de independencia y confianza, cuando está frente a él, no se
expresa con libertad sino que intenta contentarlo.
El recorrido Giuliana no tiene un objetivo claro. Antonioni desarrolla
una búsqueda cuyo centro es justamente que este personaje está
perdido “No sé donde mirar”, dice ella en el film. No sabe ya qué es el
mundo real y qué una alucinación. Estos mundos se combinan para
mostrar y desarrollar, no una acción sino el mundo interno del
personaje.
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Además, los personajes femeninos son portadores de esperanza y
diríamos que en este film también es portador de curiosidades, de
búsqueda, de profundidad. Más allá del estado mental de Giuliana, ella
se pregunta cosas acerca de la vida que los demás deciden pasar por
alto. Ella tiene una necesidad de comprender aquello que los demás ni
se detienen a pensar. En la escena luego de que ella le ha sido infiel al
marido, expresa su culpa y le contesta diciendo que no debe pensar en
ello y Giuliana responde “Claro, con eso se soluciona todo”, hablando
así acerca de mucho más que la infidelidad, hablando sobre la falta de
responsabilidad, sobre la falta de conocimiento y decaimiento de una
sociedad que durante demasiado tiempo dio todo por sentado y pasó
por alto aquello que debería haber cambiado. Es por eso que por
momentos ella parece una niña, porque ella pregunta, cuestiona,
genera y hasta imagina. Pero este personaje que al comienzo parece una
mujer más, se va definiendo y agudizando a medida que avanza la
película hasta vernos totalmente inmersos en el interior de esta mujer a
la que llegamos a conocer como una parte propia.
Sin embargo, el
protagonismo no es absorbido
por esta mujer en todo
momento. El espacio y los
objetos funcionan como un
personaje más y hasta como
protagonistas, en diferentes
situaciones.
Ese ambiente hostil, duro,
rígido en el que esta mujer se ve inmersa, con todos los sonidos y
sensaciones que esto implica, no puede pasarse por alto. Aquel lugar
con sus colores y belleza dura son tanto parte de su entorno como de
su interior. Es un lugar que además es un puerto, un lugar de
comercio, de tránsito, de cambio, inestable
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Cuando la heroína se
despierta de noche,
intranquila y va a la
habitación de su hijo, se
muestra un robot que
funciona solo. Este es
un juguete frío, su
rostro está muy lejos de
ser humano, de esta
forma se muestra esta sociedad en la que el gran progreso llega al hogar
(que también tiene una decoración muy fría) y a los niños, lo que se
supone es lo más cálido y humano.
Cine del después
El hecho transcendental e importante que ha ocurrido fue el
accidente automovilístico de
Giuliana. Todo lo que Antonioni
muestra es el después, las
consecuencias (no inmediatas,
pero igualmente cercanas) que
tuvo este hecho en la vida de los
personajes. No se muestra la
acción, sino lo que queda.
Es muy claro que esta mujer se ve a travesada y marcada todo el
tiempo por aquel accidente. Teme ser catalogada de loca incluso teme
perder credibilidad y confianza de quienes la rodean, pero más aún de
darse cuenta que no está curada como se ve en esta escena.
Final
El final es ambiguo y abierto.
Luego de escenas de un gran
clímax, en las que no se sabe si
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Giuliana se subirá a un barco y lo abandonará todo o acudirá
nuevamente a un intento de suicidio, se la vuelve a ver envuelta en el
mismo ambiente de la mano de su hijo mientras dice:
Hijo:“¿por qué el humo es amarillo?”
Giuliana: “porque tiene veneno”
Hijo: “Entonces si un pajarito pasa por ahí se muere”.
Giuliana: “Los pajaritos lo saben y no pasan por ahí. Vamos”
Luego se van tomados de la mano mientras la cámara se queda en el
espacio.
Podría haber miles interpretaciones. Que ese vamos significa que
finalmente abandonarán este lugar (literalmente) o que ella ya sabe que
hay algo tóxico, como ese humo amarillo por el cual no debe pasar, o
que los pajaritos son los demás que temen pasar por un lugar peligroso.
Antonioni nos deja elegir nuestro propio final o ninguno. Permite que
el espectador complete la narración o la acepte como algo infinito, sin
conclusión.
Innovación Formal
Este film comienza con un fuerte impacto mediante la utilización del
sonido industrial, aturdidor y constante pero que lentamente va
perdiendo protagonismo frente a una voz de mujer, que cual sirena
canta una melodía sin letra y sin aparente estructura.
Se maneja muy bien el contraste: fábrica vs. Mujer, exterior vs.
Interior. Es como si el director ya anticipara el viaje de lo objetivo a lo
subjetivo, de lo externo a lo interno, de la simple realidad a la
fragmentación.
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Tomas de espaldas
Este recurso ayuda a poner al
protagonista en rol de espectador.
Antes de Antonioni el espectador se
identificaba con le personaje por su
accionar, ahora el personaje se acerca
al espectador poniéndose en su rol. Ya
no reacciona sino que registra la
realidad.
Raccord de aprehensión retardada
En la primera toma se ve la fábrica y un estallido de vapor, en el
plano siguiente los personajes aparecerán en otro ángulo que el del
punto de vista anterior.
En esta escena Giuliana mira el diario que cae volando y en seguida
lo vemos cayendo en otra toma que nos induce a pensar que es un
plano subjetivo, hasta que los personajes entran en cuadro,
haciéndonos ver que ese no era en realidad su punto de vista.
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Este recurso refuerza la idea de espectador, el personaje no acciona y
no es ya el punto de vista principal sino que como nosotros, como esa
cámara observa el hecho u objeto.
Además desorienta al
espectador y hace que como
ocurría en ese tiempo, las
estructuras y códigos se pusieran
en duda, ya en el próximo plano
subjetivo el espectador
inconscientemente quizás dudará
poniendo en tela de juicio los
códigos del cine que instintivamente conoce.
Por último, se evidencia en esta escena el valor de los objetos, en una
película de cine clásico difícilmente se hubiera dedicado varios
segundos a la filmación de un objeto que no tiene influencia
argumental.
El mundo subjetivo de esta
mujer está todo el tiempo en la
superficie, en un juego entre la
realidad subjetiva y objetiva. Sus
pesadillas cuentan inestabilidad,
ella habla sobre arenas
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movedizas y eso nos lleva a pensar que el título se refiere al mundo
interior de esta mujer.
Esta toma dura varios segundos. Se muestra el cabello de ambos
personajes, marido y mujer, en una situación tensa pero no sus rostros.
Es sin duda una nueva forma de contar.
Planos subjetivos con mucho dramatismo
En esta escena el personaje se
brota hasta casi cometer una
locura, es una situación límite. Los
planos subjetivos pueblan la
escena, mostrando aquellos rostros
que la juzgan, entre esa niebla que
da un aspecto onírico y surrealista.
Sin embargo, es una especie de
tiempo muerto, o más bien hasta el
tiempo es subjetivo. La sensación
del espectador es que no es un
tiempo real en el que transcurren
estas tomas.
Puesta en escena
Un recurso muy interesante es que la
cámara empiece a filmar antes de que el
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personaje aparezca y termina de grabar luego de que el mismo salió de
campo. Esto aporta además, un factor sorpresa ya que no se sabe por
dónde le mismo entrará ni hacia dónde se dirige.
En este caso, por ejemplo, ella sale del plano y la cámara se queda
unos segundos más con el espacio.
Dirección de Arte
Los colores son un elemento muy útil que cambia el ritmo, ánimo y
tono del relato. Giuliana
le cuenta una historia a
su hijo y Antonioni decide
mostrar la imaginación
de ella o del niño
(suponemos que de ella) y
los colores cambian
notablemente, son más
vibrantes y saturados.
Incluso la temperatura cambia ya que el cuento transcurre en una
playa paradisíaca. Esto también marca una diferencia entre el relato
objetivo (con tonos más oscuros, densos y opacos) y subjetivo.
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“Europa 51”
La obra de Roberto Rossellini es un film de postguerra. La historia se
centra en Irene, una mujer estadounidense de altos recursos
económicos. Está casada desde hace varios años, y vive en Roma, lugar
que disfruta. (y no trabaja) El suicidio de su hijo crea en ella un
conflicto muy grande, que la traumatiza. La culpa por no haber
cumplido con su rol de madre y no haber tenido en cuenta las
necesidades de su hijo provoca en Irene el deseo de ayudar. Recorre a lo
largo de la película vecindarios de clase baja. Vagabundea conociendo
gente que necesita colaboración de distinta índole. Todo sucede en el
momento, situaciones improvisadas que se generan y la hacen sentirse
ocupada.
Generar una nueva faceta de su vida es una forma de perdonarse así
misma la muerte de su hijo. Pero esa búsqueda empieza a profundizar
las relaciones que va construyendo en su camino, terminando en una
clínica para enfermos mentales, alejada de los suyos, llorando tras los
barrotes de una ventana mínima mientras la aclaman sus nuevos
amigos.
Actriz protagonista: Ingrid Bergman
Si bien una de las características del neorrealismo italiano era la
utilización de actores no profesionales, la protagonista de Europa 51 fue
la excepción: ella ya era una estrella (y nada más ni nada menos que de
Hollywood).
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La historia entre Roberto Rossellini e
Ingrid Bergman es una auténtica historia de
amor.
Una vez que ella haya visto la película
“Roma, ciudad abierta” (Rossellini, 1945) le
envía una carta, admirada por el trabajo del
director. Era tal sus ganas de trabajar con él
que la sueca, muy afamada y estrella de
Hollywood decide viajar a Italia.
Rossellini, conmovido por la carta y la declaración de Bergman le
abre sus brazos, esperándola y anticipando lo que sería su actriz
“fetiche”.
La primer película que filmó Rossellini con Bergman fue
“Strómboli” (1950). A partir de allí la actriz formó parte de los caprichos
e ideas: como dice el autor de Paisajes de la Modernidad, el director
pretende en su obra el explorar la relación hombre-mundo, figura-
fondo, hombre-mujer, conciencia-caos. (Domenec Font, 2002, Pág. 42-
43) Y bien que se puede observar esto en su trabajo. Cómo va
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incorporando en su obra sus ideas, mutando lentamente hacia la
filmación de su vida cotidiana.
Roberto Rossellini fue un pionero en el cine moderno y él nunca
fue consciente de ello. Como bien dice Domenec Font, los textos de
Rossellini poco se interesaban por el cine, sino que abordaban
cuestiones difusas entre la ciencia y la cultura. (Domenec Font, 2002)
así es como se va a ver en este film y en toda su obra la presencia de la
tecnología, las fábricas, las diferentes clases sociales y su modo de vivir.
Análisis de “Europa 51”
Irene
Se pueden observar dos
momentos muy diferentes de Irene
en el film: una Irene rodeada de
gente adinerada, hablando de
viajes, comiendo en su hogar. Una
Irene resguardada, casera, y
egocéntrica. (Escenas de interior)
Luego del conflicto (la muerte
de su hijo) hay un cambio, una
nueva manera de encaminarse ante
la vida. Se la ve con otro atuendo,
mas cubierto, oscuro y menos
glamoroso, saliendo a las calles y
vagabundeando en pos de ayudar a
quienes lo necesitan.
Así es como se va a rodear de familias numerosas, intervenciones
musicales, caminatas sin demasiado sentido por las calles.
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Montaje
Rossellini juega
permanentemente con la estética
de su obra. Los planos se
intercalan entre planos generales
y primeros planos donde el
protagonista es el cuerpo de algún
actor: asi es como la profundidad
es explorada, la relación figura-
fondo.
Un ejemplo es cuando Irene
se entera de que su hijo se ha
lastimado y sale corriendo, donde
la cámara la acompaña. Y luego de
la persecución el plano cambia a
una toma supina donde varios
vecinos observan lo sucedido.
Dirección de fotografía
Este film esta grabado en blanco y negro.
La luz en las tomas de interior
son siempre iguales: un reflector frontal
que varía de intensidad. Se ve
claramente la sombra de los actores
proyectadas en las paredes. (de esa
forma también se dilucida desde donde
ha sido iluminada cada escena)
Muchas veces los rostros están
muy oscuros, muy poco iluminados,
acentuando los contornos.
La sombra anticipa en varias
escenas la llegada de un personaje al
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cuadro. Por ejemplo el caso de Andrea, cuando está Irene hablándole y
él simplemente la escucha mientras fuma fuera de cuadro, pero su
sombra está a la vista. Cuando necesitó hablar entró al cuadro.
(1:02:00)
Conflicto
El suicidio de Michelle, su hijo, provoca en Irene una depresión y
culpa que la arrastra permanentemente a reprocharse por lo que no
hizo en su momento. Hasta reconoce ella misma que está punto de
enloquecer.
Cuando su marido vuelve de la guerra Michelle queda solo, con
poca atención y cariño esta acostumbrada a darle cuando estaban solo
ellos en la casa.
Andrea, amigo de la familia, acompaña en este duro momento a
Irene, y en una rara postura del personaje (o extraña actuación por
parte del actor) se muestra frío, sintiendo poca empatía con la madre
del niño. Su forma de apaciguar su dolor fue diciéndole a Ingrid que la
muerte de Michelle había sido por causas ajenas a ella: la sociedad es la
culpable, que permite tantos horrores. Porque el niño nació en plena
guerra y mamó desde muy chico los bombardeos, la desesperación, el
abandono por parte del padre (que se había ido a la guerra).
Pero es este amigo familiar el que le abre una nueva puerta a
Ingrid, le despierta el interés por ayudar: quizá el entusiasmo de la
solidaridad sea para lavar culpas del pasado cercano que aun la
atormenta.
Puesta en escena
En la primer media hora del film prácticamente todos las escenas
son de interior. Las situaciones oscilan entre la casa de Irene y el
hospital donde queda internado Michelle.
Escenografía: si bien en la película se trabaja con elementos
realistas, pareciera que la casa de Irene y su familia (casa lujosa por
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cierto) fuera una gran marquesina. Elementos estáticos, como sin vida y
sin uso hacen de fondo y dan un marco socio-económico al film.
Sonidos: claramente se destaca la escena de la fábrica. Irene
tiene que reemplazar en el trabajo a una mujer con la que hizo una
relación estrecha. En toda la secuencia, allí donde hace el reemplazo,
todo el tiempo están los ruidos de máquinas.
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Comparación entre “El desierto rojo” y “Europa 51”
Similitudes
- Los films fueron hechos en Italia,
como parte del movimiento
neorrealista que surgió de la
mano de Rossellini.
- En ambas películas la
protagonista es una mujer. (por lo
tanto el símbolo de la esperanza
también está presente.)
- Tanto con Giuliana como con
Irene se decide hacer hincapié en
un desorden mental, así como
ambas habitan el vagabundeo.
- Por más que haya una década de
diferencia entre ambos films, ellos
cuentan acerca del vacío, la
pérdida, la pos guerra y un
cambio la vida de los que la
padecieron. Como dice Antonioni,
además de que hay un gran
cambio, lo que más cambia es el
punto de vista ("Para mí hacer
una película es vivir")
- En ambas películas se utilizan
actores no profesionales
exceptuando sus protagonistas.
- Ambos directores juegan con el
explorar de los extremos:
Antonioni resalta fábrica vs.
Mujer, exterior vs. Interior.
Rossellini relación mujer-mundo
(que tiene que ver con el exterior
vs. Interior que luego plantearía
Antonioni), conciencia-caos.
Diferencias
- “Europa 51” está filmada en
blanco y negro, mientras que “El
desierto rojo” a color.
- Antonioni se preocupa por
mostrar al exterior la gran carga
emocional y lo profundo que son
sus personajes, mientras que
Rosellini busca la profundidad
estética, basándose en lo tangible,
presente y aparente.
- Antonioni focaliza en una
temática hasta el momento no
explorada, que es la conciencia
ecológica.
- Mientras que Rossellini ponía de
frente al protagonista, visible,
donde el espectador se pudiera
identificar, con Antonioni el
personaje se acerca al espectador
poniéndose en su rol. Ya no
reacciona sino que registra la
realidad
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Conclusión
Ha sido muy productivo en análisis de "El desierto Rojo", de Antonioni y
"Europa 51", de Rossellini. Se considera que a pesar de que ambos films
tengan muchos puntos en común, es muy interesante ver el sello de
cada director plasmado en el producto final. Inclusive sería asombroso
si se pudiera pedir que cada uno de ellos que hiciera su film basado en
un mismo argumento y contexto histórico, serían dos películas tan
personales como similares.
Es enriquecedor ver obras de aquellos que respetaron sus propios
impulsos, que innovaron, que rompieron con lo que se consideraba
"correcto" en su tiempo, que siguieron sus caprichos hasta el final. Por
eso para disfrutar de este cine es necesario que acompañemos a los
directores rompiendo el esquema de representación al que estamos tan
acostumbrados y dejarnos llevar por la propuesta de este mundo
mágico. Por último, como artistas, es inspirador ver que es posible y
que siempre va a haber nuevas fronteras y esquemas que investigar.
Lelia Parma
Es muy interesante ver cómo director enfatiza su punto de vista, cómo
tiñe el film con su forma de pensar y también con su vida cotidiana.
En esta comparación, Michelangelo Antonioni tuvo la posibilidad de
expresarse mucho más con la llegada del color a la pantalla grande, y le
fue beneficioso por su forma de contar. La paleta de colores fue muy
interesante. En cambio Rosellini se queda con una escala de grises y
una iluminación básica y repetitiva.
Ambos artistas aportaron mucho a la historia del cine, sobre todo
aplicando nuevas formas de contar historias, muy característico en el
neorrealismo italiano, marcando un antes y un después.
Poder ver películas de hace 60 años, poder analizarlas y compararlas
entre sí es muy enriquecedor.
Sabrina Zuliani
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Bibliografía
- Delleuze Gilles (2005) La imagen – tiempo. Estudios sobre el
cine 2. Paidós, Barcelona.
- Font Domenec. Masculin / Femenin. Apuntes sobre el cuerpo
del actor moderno.
- Font Domenec (2002) Paisajes sobre la modernidad. Paidós,
Barcelona
- Antonioni Michelangelo (2002) Para mí, hacer una película es
vivir. Paidós, Barcelona
Filmografía
Antonioni, Michelangelo. (1964) "El desierto rojo"
Roberto Rossellini, (1952) Europa 51
