WE LOVE KISMIF!EVERYTHING’S HAPPENIN’ SO FAST...

ESGAR ACELERADO AND PAULA GUERRA(editores/editors)

Ficha Técnica:Primeira Edição de Julho 2015 pela Universidade do Porto.Faculdade de LetrasPorto, PortugalCapa: Rudolfo Contracapa: Esgar AceleradoDesign: Esgar AceleradoCréditos de Imagem: Esgar Acelerado, Victor Torpedo,Ondina Oires, Rudolfo, João Belga, Anoik e Júlio Dolbeth

Credits:First Published July 2015 by University of Porto.Faculty of Arts and HumanitiesPorto, PortugalCover image: RudolfoBack Cover: Esgar AceleradoDesign: Esgar AceleradoImages Credits: Esgar Acelerado, Victor Torpedo,Ondina Pires, Rudolfo, João Belga, Anoik and Júlio Dolbeth

WE LOVE KISMIF!EVERYTHING’S HAPPENIN’ SO FAST...

“Porque escrevem e lêem os homens poesia? A res-posta, se existe resposta, não é fácil e temo que não seja tranquilizadora. E, no entanto, os homens es-crevem e lêem poesia há milénios. E, ainda antes de os primeiros e hesitantes símbolos haverem sido gravados em tabuinhas ou pedacinhos de argila, já a poesia, juntamente com o canto, servia aos homens nas palavras talvez excessivamente peremptórias de Rudolphus Agricola muitos séculos depois, “ut doce-at, ut moveat, ut delectet”, ou seja, “para ensinar, para comover, para deleitar”.

Manuel António PinaComo se desenha uma casa, 2011

Começamos pelas palavras de Manuel António Pina. Começamos por ele para fazer um elogio das artes como forma de conhecimento, de deleite e de rea-lização humana. Tal também se aplica às obras dos artistas presentes neste catálogo. Pois, servem para ampliar o nosso olhar e aguçar o nosso deleite face às vidas que retratam, a sociedade que interpretam e os afetos que transmitem. Este século tem assistido ao ressurgimento dos fanzines, dos livros de artista e de outros objetos editoriais autopublicados escri-tos, desenhados e publicados por designers gráficos, ilustradores e outros artistas, individual ou coletiva-mente, e que, com crescente frequência, recorrem ao cruzamento entre ‘velhos’ saberes - oficinais ligados às técnicas de tipografia, impressão, encadernamen-to e acabamentos – e ‘novos’ saberes digitais. Este ‘movimento’ é muito estimulante por várias razões: primeiro, porque trás a arte para a vida de forma mais natural, imediata e afetiva; segundo, porque demons-tra a intensa criatividade artística com que sempre se presenteou o underground, extravasando os sentidos e afetos da normatividade instituída; terceiro, porque atesta como a esfera de criação independente é ca-paz de se mobilizar e organizar sem ceder aos arautos do empreendedorismo reinantes na nossa sociedade; quarto, todas estas manifestações, direta ou indirecta-mente associadas à música e às cenas musicais alter-nativas, boicotam o mainstream, desvelando mundos (e sinergias) complexos de articulações entre as artes e a criatividade e as possibilidades de realização hu-

mana e libertação dos sentidos. Num tempo de incer-teza, crise, fragmentação, estes objectos são âncoras vivenciais, demonstrando redutos de transcendência humana. Basicamente, aqui residem as justificações para os convites feitos a estes artistas face à realização da KISMIF Conference 2015 sob o mote ‘Crossing Bor-ders of Underground Music Scenes’.

Comecemos pelo início, pelo punk. A ‘explosão’ de fanzines punk foi uma das principais responsáveis pelo incremento dos média alternativos: imprensa escrita local, rádios livres, televisões ‘piratas’. Efetiva-mente, desde cedo, os fanzines assumiram-se como uma parte muito importante da construção das cenas punk – a par das bandas, dos discos, dos concertos –, contribuindo ativamente para a criação e consoli-dação de um determinado sentido de comunidade e existência de símbolos de pertença. Os fanzines são formas materiais de representação simbólica. São objetos construídos de um modo voluntário que per-mitem aos indivíduos que participam no processo (de edição e de distribuição) afirmarem a sua existência social, integrarem (sub)culturas, tribos ou cenas musi-cais e participarem culturalmente; simultaneamente, os fanzines materializam-se num movimento local marcadamente juvenil de dinamização de uma cena underground, facilitando a divulgação de discos, de bandas, de concertos e de histórias. São um elemento fundamental de concretização de gostos, de afinida-des, de pertenças sociais, políticas, ideológicas, cul-turais, estilos de vida e musicais. Assim, os fanzines foram e são cruciais para a propagação de uma deter-minada forma e texto artístico onde se inscrevem as nossa preocupações científicas e pessoais. À semelhança de outras dimensões do movimento punk, a componente gráfica dos fanzines desem-penha um papel tão ou mais importante do que os textos escritos. Em analogia com as capas de discos e demotapes punk, ou mesmo da própria estética visual das bandas, encontramos em muitos fanzines uma orientação gráfica declaradamente Do It Yourself (DIY), assente numa mistura de técnicas de cut-and--paste, recorte, desenho/ilustração, textos escritos à mão e datilografados, manipulação de fotografias, etc. Fanzines como o Panache (1980), Sniffin’ Clue (1977) e a Ripped & Tom (1978), pioneiros na altura em que o

INTRODUÇÃO | INTRODUCTIONPAULA GUERRA

movimento punk estava a surgir em Inglaterra, con-tribuíram decisivamente para criar um verdadeiro ‘câ-none’ – tanto em termos gráficos, como em termos de conteúdo editorial – que se globalizou e que está ain-da presente em muitos dos fanzines punk atualmente produzidos. Todos os aristas convidados a partilhar o seu trabalho aqui se inscrevem não no ideário punk, mas nas propostas e abordagens gráficas e estéticas vinculadas pelo punk e pelos seus artefactos.

Já o dissemos, mas vamos repetir. Tem-se assistido ao ressurgimento de determinadas práticas indepen-dentes, DIY e underground. Estas práticas encontram inspiração em duas ‘tradições’ relativamente distintas – uma de cariz artístico, patente na produção de livros e publicações de artista, e uma outra de cariz subcul-tural/contracultural, relacionada com a produção de fanzines – que, contudo, convergem em muitos dos meios e formatos editoriais alternativos que, ao longo do tempo, têm utilizado para se expressar e comuni-car. Esse dinamismo encontra-se patente na prolife-ração de pequenas editoras underground, espaços dedicados à distribuição, venda e divulgação deste tipo de edição, websites e blogues especializados, li-vrarias e bibliotecas, artist-run-spaces, feiras e galerias especializadas em edição, design gráfico e ilustração, entre outros. Contrariamente aos ‘tradicionais’ produ-tores de fanzines que eram, por definição, amadores autodidatas, sem uma aprendizagem específica no ramo gráfico ou editorial, estamos aqui perante edi-tores e autores com formação específica ao nível do desenho e projeto editorial – o que tem despoletado significativas alterações nos modos de abordagem a este tipo de objetos editoriais. Com efeito, o cuidado e arrojo gráfico aplicados à conceção e produção de muitas destas publicações tornam-nas objetos híbri-dos, algures entre o fanzine, o livro de artista e, por vezes, os chamados big books.

Um dos apanágios fundamentais da edição indepen-dente, de cariz DIY, prende-se justamente com o facto dos seus processos de produção implicarem que o autor/editor tenha um papel ativo em todas as partes do processo: da conceção e direção editorial (criando sozinho e/ou convidando outros autores a colabora-rem), à maquetagem, passando pela impressão (nal-guns casos imprimindo e fazendo os acabamentos ou, pelo menos, acompanhando cuidadosamente todo o processo de impressão), distribuição e venda

ou troca. Este ‘boom’ da autoedição de publicações relacionadas com ilustração e design está também es-treitamente relacionado com uma dinâmica crescen-te de iniciativas e eventos públicos, mais mainstream ou mais underground, que associam design gráfico, ilustração e práticas DIY – exposições, workshops, conferências, debates, lançamentos de livros, fanzines e publicações independentes, etc. A este propósito, importa destacar o importante papel desempenha-do por diversas escolas de design, em particular no Norte da Europa, que estimulam os seus alunos a uma prática de produção ativa de publicações próprias, realizadas de forma autónoma, mas em que são dis-ponibilizados meios e incentivos. Progressivamente, têm vindo a surgir ofertas pedagógicas (graduadas e pós-graduadas) especificamente dirigidas para o campo da edição, ilustração e impressão que, de al-gum modo, procuram beneficiar deste crescente inte-resse em torno dos processos de edição realizados de forma autónoma, independente e DIY.

Este tipo de circuitos – de formação, produção, divul-gação e/ou distribuição – ligados à edição indepen-dente assume hoje grande relevância em todo este processo e na dinâmica associada, no sentido em que não só contribui para criar condições inéditas de visibilidade e reconhecimento deste tipo de práticas editoriais entre pares, como também permite que este tipo de produção cultural chegue a audiências mais amplas, ajudando ainda a viabilizar, do pronto de vista económico, novas práticas profissionais de designers gráficos e ilustradores – através da venda de fanzines e autoedições, ilustrações, mas também de roupa, acessórios, discos, memorabillia diversa.

Acabemos agora. As obras que vos mostramos a se-guir radicam na defesa das publicações e ilustrações independentes, fortemente ancoradas a uma prática DIY: são, sobretudo manifestações de mundos artís-ticos diversos na contemporaneidade vinculadas a um propósito de autenticidade capaz de despertar emoções, pensamentos e práticas de liberdade, de diferença e de cidadania, pois afinal vivemos tempos em que ‘everything’s happenin’ so fast’.

“Why do men read and write poetry? The answer, if there is one, is not easy, and it is surely not tranquilizing. How-ever, men write and read poetry for millennia. And even before the first and hesitant symbols having been en-graved in tablets or clay pieces, poetry, along with sing-ing, served the men in the words perhaps too peremp-tory of Rudolphus Agricola many centuries later, “ut doceat, ut moveat ut delectet” – that is “to teach them, to move them, and to delight them.”

Manuel António PinaComo se desenha uma casa, 2011

We start with the words of Manuel António Pina. We start with him to compliment the arts as a form of knowledge, of delight and human achievement. Such is also true for the works present here. They serve to ex-pand our look and to turn our delight towards the lives present in it, the society and emotion that they transmit. This century has seen the revival of fanzines, artist books and other self-published editorial objects written, drawn and published by graphic designers, illustrators and other artists, both individually and collectively. With in-creasing frequency they mix ‘old’ ways – the techniques of typography shops, of printing, binding and finishing the works – with the ‘new’ digital knowledge that the age of computers has brought. This ‘movement’ is very stimulating for various reasons: first because it brings art into life in a natural, immediate and affective way; second, because it demonstrates the intense artistic cre-ativity which the underground has always had present, crossing the borders of senses and affections; third, in the way that it shows the sphere of independent creation as capable of organizing itself without giving in to the relentless chords of entrepreneurship which have rung deep in our society; fourth, because all these manifes-tations, directly or indirectly associated with music and alternative music scenes, have attempted to boycott the mainstream, revealing complex worlds (and synergies) which articulate the arts and creativity with the possi-bilities of human realization and freedom of the senses. In a time of uncertainty, crisis, fragmentation, these ob-jects are anchors, showing us some of the last remains of human transcendence. Basically, here lies the justifica-tion for the invites made to these artists to participate in the KISMIF Conference 2015, under the banner ‘Crossing Borders of Underground Music Scenes’.

Let us start in the beginning, in the punk. The punk fanzine ‘explosion’ was one of the responsibles for the increase of alternative media: local press, free radios, pirate television channels. From the early days of punk, fanzines came across as a very important part of the construction of punk scenes – alongside bands, records and concerts – having a very active part in the creation and statement of a certain sense of community and symbolic belonging. Fanzines are material forms of symbolic representation – they are objects constructed voluntarily, which allow individuals who participate in the process (of making and distributing them) to state their social existence, integrate (sub)cultures, tribes or music scenes, and to participate culturally; simultane-ously, fanzines are materialized in youth-driven local movements which promote the underground, allowing the promotion of records, bands, concerts and histories. They are fundamental elements in the development of taste, affinities, and in the formation of social, politi-cal, ideological, musical and cultural belongings. Thus, fanzines were and are crucial to the spread of a certain form and artistic text where our scientific and personal concerns are inscribed.Much like in other dimensions of punk, the graphic as-pect of fanzines plays a role as or more important than the written texts. In analogy to the punk records and demotapes covers, or even to the visual aesthetics of the bands, we find in many fanzines a strongly Do it Your-self (DIY) graphical orientation, using a wide array of techniques varying from cut-and-paste, collage, photo-manipulation, hand or machine written text, drawing and illustration, etc. Fanzines such as Panache (1980), Sniffin’ Clue (1977) and Ripped & Tom (1978), pioneers at the time in which the punk movement was starting in England, made a decisive contribution to the creation of a canon – both in graphic terms and in written content. This in turn was globalized, and its influence can still be seen today in many punk fanzines. All the artists whose work is shown here can be found not in the sort of punk imagery one would be expecting – however, the graphic and aesthetic approaches of their work can be seen in close proximity with punk and its artefacts.

It is never too much to state this idea: we have been ob-serving a wide growth of independent, DIY and under-ground editorial practices. These find their inspiration in two relatively distinct traditions – one of a more artistic nature, present in artist pieces, the other found in a sub-cultural/countercultural context, related to the produc-

tion of fanzines – although both tend towards the same alternative editorial channels and formats which, over time, have been used to express and communicate such artefacts. These dynamics can be found in the prolifera-tion of independent fanzines and publications of illus-trators and designers – some self-edited, others released under small underground brands – as well as in the (re)birth of spaces dedicated to the distribution, sale and promotion of this sort of object – from websites to spe-cialized blogs, bookstores and libraries, not to mention fairs, artist-run-spaces and galleries dedicated to these matters, both online and offline. Contrary to the ‘tradi-tional’ producers of fanzines, who were by definition self-taught amateurs with little to no specific knowledge of the field of editing and graphic design, we stand in front of authors and editors with superior skills in terms of the development of their projects. This in turn has led to several and profound changes in the approach to these objects, noting how the boldness and care of the graphic choices have made them into hybrid entities, standing between the traditional fanzine, the artist book, and, sometimes, the so-called ‘big books’.

One of the core features of independent editing of a DIY nature is the fact that the processes of production bring the author/editor into participating in the whole process of development: from the conception of the project to its editorial management (creating alone or inviting au-thors to collaborate), to printing (sometimes including the work of binding and finishing the pieces), distribut-ing and selling/trading. This self-editing boom of publi-cations related to illustration and design is also strictly related to a growing development of public initiatives, either underground or mainstream, which associate graphic design, illustration and DIY practices in the form of showcases, workshops, conferences, debates, book releases, etc. In this regard, it is of note the important role of the various design schools, in particular those of Northern Europe, which stimulate their students to ac-tively partake in self-publishing autonomously, offering in return the means and incentives for them to develop such work. Like these, many other educational offers (both graduate and post-graduate) have been created, directed to the fields of editing, illustration, and print-ing, with hopes to benefit this growing interest in the processes of autonomous, independent and DIY editing.

This sort of circuits – of formation, production, promo-tion and/or distribution – associated with independent

publishing have now taken a great relevance in this whole process and in its associated dynamic, not only in their creation of unseen conditions of visibility and recognition of these editorial practices among peers, but also in allowing this sort of cultural objects to reach wider audiences, helping to economically legitimize new professional practices of graphic designing and il-lustration – through the sale of fanzines, self-editions, illustration, clothes, accessories, discs and memorabilia in general.

It is then time to finish this discourse: the work which we will show you next are deeply rooted in the defence of independent publication and illustration, strongly anchored in a DIY practice. These are mostly the expres-sions of various artistic worlds, bound by a need for authenticity which appeals to emotions, thoughts and practices of freedom. After all, in our world of difference and citizenship, it is to salute those who take the chance to stop while ‘everything’s happenin’ so fast’.

Algumas Referências | Some References

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ANOIKOUR FAVOURITE ROOM 3X3X313-17 July 2015 | Room to Breathe [201]Faculty of Arts and Humanities of the University of PortoCurated by Esgar Acelerado

Olá, eu sou o Anoik, um designer recentementee for-mado, e curto de ilustração, raparigas louras bonitas e stickers. Há uns tempos fazia graffiti, mas o destino apanhou-me – tentou converter-me num designer sem cabeça. Mas o espírito da street ainda ficou um bocadinho comigo, por isso ainda podes ver as cenas fixes que fiz.

O personagem Anoik é um anexo de Rui Torres, vive num compartimento secreto do hipocampos do de-signer, recôndito, forrado a escuro com leves tons de rosa. Anoik imagina-se ilustrador, mas tem nome de animal, tem nome de cão, já que Anoik foi o nome do Tydanate Bulldog do coronel do 12º batalhão de artilharia do exercito Inglês, que durante a primeira guerra mundial, a par do comando das sua tropas, fazia ilustrações e paisagens dos locais que visitava. Fora toda esta contextualização, Anoik pensa ser ilus-trador e Rui Torres trabalha para ser designer gráfico. Do trabalho dos dois saiam cartazes com narrativas implícitas, animais falantes e pseudónimos vários, tudo isto feito com bastante tinta preta e cor-de-rosa.

Hi there, I’m Anoik, a recently graduated Designer, and I realy dig illustration, hot blonde girls and stickers. A long time ago I did some Graffiti, but destiny caught up me - it tried to convert me into a numb designer, but some of the spirit of street action remained in me, therefore, you can see some coolness in some stuff I’ve made.

Anoik is an attachment of Rui Torres, living in a secret compartment of the designer’s hippocampus, secluded, furnished in the dark with light shades of pink. Anoik imagines himself an illustrator with the name of a pet - Anoik was the name of the Tydanate Bulldog of the Colo-nel of the 12th artillery battalion of English Army, which during the First World War, asides from commanding his troops, sketched illustrations and landscapes of the places he visited. Anoik thinks himself an illustrator and Rui Torres works to be graphic designer. From the work of the two of them we can see an array posters with implicit narratives, talking animals and several pseudonyms, all luxuriously bathed in black and pink ink.

LINKS:https://www.facebook.com/AnoikAnoik http://p3.publico.pt/cultura/design/1655/anoik-o-irmao-perdido-de-spock http://cargocollective.com/Anoik/About-Anoikhttps://circusporto.wordpress.com/2012/05/30/anoik/

JOÃO BELGAOUR FAVOURITE ROOM 3X3X313-17 July 2015 | No Room For You [203]Faculty of Arts and Humanities of the University of PortoCurated by Esgar Acelerado

João Belga é um artista que tem a maior parte do seu universo artístico no imaginário da música rock. O seu trabalho foca-se em referências musicais e literárias, sendo um “apanhador de imagem”, e nota-se nele in-fluências como as de Raymond Pettibond ou William Burroughs surgindo ao de leve, especialmente na componente fortemente kinestética dos trabalhos. Tendo experimentado formas como instalações artís-ticas ou vídeo-arte, continua a voltar à sua forma es-pecífica de pintar, com uma grande força figurativa e ambiguidade icónica, suas características. Não se pre-ocupou particularmente com definir questões como rutura, continuidade ou mudança.

João Belga, Luanda – Angola, 1968. Actualmente, vive e trabalha nas Caldas da Rainha. Artista plástico, com formação em pintura e desenho, tem vindo a apre-sentar o seu trabalho, com regularidade, desde 1997. Com um percurso singular e marginal, no actual pa-norama das artes visuais em Portugal, o trabalho de Belga, que também assina DJNIGHTMARE, é caracte-rizado pelo uso de “… técnicas de desvio, anamorfose e colagem (…) postas ao serviço da crítica do pensa-mento totalitário.” Segundo o próprio DJ frustrado, o desenho é: scratch, sampling, speed, noise, cut up, palimpsesto, graffiti, etc. (…) trabalho manual sujei-to a erro. Este percurso tem sido acompanhado pela criação de outros projectos, que visam a valorização das periferias artísticas e culturais. Neste sentido cria em 2003, conjuntamente com a designer Joana Mon-tez, o colectivo de intervenção artística Özzy Project. Mais recentemente, desde 2013, é membro fundador e de direcção da Associação Cultural Nau. Também é membro fundador e colaborador da associação P. Bernardo desde 2009. Desenvolve, também, a marca Permanent Damage (2009).

João Belga is an artist who has much of his artistic universe rooted in rock music imaginary. His work is anchored in the musical and literary references. He is a “grabber of images.” In his work, where you can trace the influence of Raymond Pettibond or of the William Bur-roughs cut up, there is a very kinesthetic component. Having dabbled in such forms as art installations or video-art, he continues to grapple with his own specific form of painting, with a characteristically high dose of figurative and iconic ambiguity. He doesn’t bother to de-fine issues such as rupture, continuity or change.

João Belga, Luanda – Angola, 1968. He currently lives and works in Caldas da Rainha. A visual artist, with a degree in painting and drawing, he has showcased his works regularly since 1997. The peculiar path of this artist, also signing under the name DJNIGHTMARE, un-characteristic of the current panorama of the visual arts in Portugal and even marginal in its shift, shows “tech-niques of deviation, anamorphosis and collage (…) put to service against totalitarian thought”. In the words of the frustrated DJ himself, drawing is: scratch, sampling, speed, noise, cut up, palimpsest, graffiti, and most of all, a handmade labor which is subject to mistakes. This path has been accompanied by the creation of other projects, which seek to value the artistic and cultural peripheries. To that extent, he created in 2003, alongside the designer Joana Montez, the artistic and cultural in-tervention collective Özzy Project. More recently, since 2013, he has been a founding and directing member of the Nau Cultural Association. He is also a co-founder and collaborator of P. Bernardo association, since 2009. He has also developed the Permanent Damage (2009) brand.

LINKS:http://withbubbles.blogspot.pt/2013/06/blog-post_24.htmlhttp://www.atelierpedrofalcao.com/set-author/joao-belga/

RUDOLFOOUR FAVOURITE ROOM 3X3X313-17 July 2015 | Room For One More [208]Faculty of Arts and Humanities of the University of PortoCurated by Esgar Acelerado

Rudolfo é a criação de alguém que passou demasia-das horas a jogar Pokémon. Rudolfo, “cromo mágico das bandas desenhadas”, começou a fazer fanzines com 16 anos, inspirado pelo visor Kamen Rider, nos passos de Godzilla, a segunda vaga de videojogos e as capas dos discos de heavy metal. O resultado foi o hate beat: um processo de saborear várias imagens. Elas são “bonecas feias e desmembradas, bonecas grotescas, mas todas têm sentimentos”

Rudolfo é um mestre de todos os ofícios e mais algum. Faz bonecos desde sempre, mas foi em 2007, quan-do tinha 16 anos, que começou a editar os seus fan-zines de banda desenhada que entretanto se viram misturados com toda a sua raiva emocional através dos seus discos carregados de hate beat e concertos cheios de espasmos, caos, fritaria e bastante rabetice.Do seu pequeno percurso hiperactivo contam-se uma série de fanzines próprios, participação em várias an-tologias de banda-desenhada da Chili Com Carne ou oriundas de outros países/continentes, ilustrações para várias publicações e também alguns discos em formato CD-r/mp3. No entanto, os seus feitos mais im-portantes podem ser reduzidos a uma lista: a criação e morte da antologia de banda desenhada trimestral e internacional lodaçal COMIX, que foi editada entre 2011-2013 através do selo Ruru Comix; ter sido a pri-meira e talvez a única pessoa a ser expulsa do festival Milhões de Festa; ter criado o bootleg mais másculo de sempre daquele rato amarelo que dá choques (Musclechoo); e, mais recentemente, do seu trabalho contínuo a ilustrar negative dad, uma BD escrita pelo Nathan Williams (Wavves) e o seu amigo, Matt Barajas (Heavy Hawaii). Também tem andado a fazer bimes-tralmente a sua nova revista de BD, Molly.

Rudolfo is the creation of someone who spent many hours playing Pokémon. Rudolfo “comic book nerd ex-traordinaire,” began making fanzines at 16 years old, inspired by the Kamen Rider visor, in the footsteps of Godzilla, the second wave of video games and the cov-ers of heavy metal releases. The result is hate beat: a pro-cess of tasting many images. They are “ugly and disabled dolls, grotesque dolls, but all of them with feelings.”

Rudolfo is a master of all crafts. He has made dolls for as long as he can remember, but it was in 2007, when he was 16 years old, that he started editing his own comic book fanzines, which would be infused with all of his emotional rage through his hate beat infused records, spasmodic concerts, chaos, madness and good dose of stubbornness. From his short and hyperactive path, we can observe a number of personal fanzines, participa-tion in several anthologies, both nationally, especially when organized by Chilli com Carne, and internation-ally; illustrations for several publications and some discs in a CD-R/mp3 format. However, his most remarkable achievement can be reduced to a list: the creation and death of the quaterly comic book anthology COMIX, which was edited between 2011-2013 through the Ruru Comix brand; having been the first and possibly only person to be kicked out of Milhões de Festa; having created the most manly bootleg off that shocky yellow mouse (Muscleshoo); and more recently, his continuous work in illustrating negative dad, a comic book written by Nathan Williams (Wavves) and his friend Matt Bara-jas (Heavy Hawaii). He has also been releasing his new bimonthly comic book magazine, Molly.

LINKS:https://www.facebook.com/rudolfo666?fref=nfhttp://p3.publico.pt/cultura/livros/627/simplesmente-rudolfohttp://www.vice.com/pt/read/o-rudolfo-nao-nos-desperta-o-desejo-lascivohttps://rurucomix.wordpress.com/

ESGAR ACELERADOAIN’T ART, BASTARDS!10-17 July 2015 | Edifício Montepio, PortoCurated by Paula Guerra and Esgar AceleradoOPENING: Friday 10th, 16h30 - 17h00

Esgar Acelerado formou-se em pintura na Escola de Belas Ar-tes do Porto. Foi dono da editora LowFly Records, onde edi-tou nomes como Bonnie Prince Billy (Will Oldham), Jad Fair, Anomoanon, Clockwork ou US Forretas Ocultos. Agora é um dos sócios da Chaputa! Records. Assinou os argumentos das pranchas semanais de Superfuzz, no jornal BLITZ, compila-das em álbum pela Devir. Fez ilustrações, BD e design para várias publicações, entre as quais Diário de Notícias, Expresso, Diário Económico, Mondo Bizarre, BLITZ, Luke, Stripburguer, Público, Vozes, DIF, Inútil ou 365 e foi presença habitual nos Catálogos de Ilustração Portuguesa (Bedeteca de Lisboa). Mentor da revista CRU, foi também um do criadores dos Estú-dios ArtVortex, com o ilustrador Rui Ricardo. Produziu capas de discos (para editoras de vários países), cartazes e pinturas. Está representado em coleções privadas em Portugal, Nova Zelândia, Estados Unidos, Canadá, Holanda, Japão, Alema-nha, Reino Unido e França. Gosta de desenhar, ver filmes a preto e branco e de ouvir discos de rock’n’roll refundido.

GENTE GULOSA, sobre o magnífico trabalho do Esgar Acele-rado por valter hugo mãe. “Tenho sempre a ideia de que as personagens do Esgar Acelerado trazem um ar de gula pelas coisas, uma gula pela vida com o seu aspecto frequentemen-te esbugalhado, de expressão grande e intensa. São uma co-lecção muito terna de figuras que mesclam o universo da BD com o da ilustração, entre o mais pragmático do primeiro gé-nero e o mais lírico do segundo. Eu tenho sempre a sensação do divertido que se junta a uma sensibilidade fremente e que leva tantas vezes a um tom também dramático, melancólico, desde logo romântico”.In http://www.mr-esgar.com/2010/11/about/

Esgar Acelerado graduated in painting at the School of Fine Arts in Porto. He was owner of LowFly Records label, where he edited names like Bonnie Prince Billy (Will Oldham), Jad Fair, Anomo-anon, Clockwork or US Forretas Ocultos. He is now a partner of Chaputa! Records. He signed the arguments of the weekly col-umns of Superfuzz in BLITZ newspaper, later compiled by Devir. He has made illustrations, comic books and design for various publications, including Diário de Notícias, Expresso, Diário Económico, Mondo Bizarre, BLITZ, Luke, Stripburguer, Público, Vozes, DIF, Inútil or 365 and was featured in the Portuguese Il-lustration Catalogs (Lisbon Bedeteca). Mentor of CRU magazine, he was also one of the creators of ArtVortex Studios, alsongside illustrator Rui Ricardo. He produced album covers (for publishers from various countries), posters and paintings. He is represented in private collections in Portugal, New Zealand, USA, Canada, Netherlands, Japan, Germany, UK and France. He likes draw-ing, watching movies in black and white and listen remelted rock’n’roll records.

PEOPLE WITH A SWEET TOOTH, on the magnificent work of Esgar Acelerado by valter hugo mãe. “I always have the idea that the characters of Esgar Acelerado bring with them a look of gluttony for things, gluttony for life with their frequently bulging appear-ance, with a hard and intense expression. They are a very tender group of figures that mix the cartoon imaginary world with that of illustration, from the more pragmatic of the former genre to the more lyrical aspects of the latter. I always have a sense of fun to which is added ferment sensitivity which many times lead to a tone that is also dramatic, even melancholic and hence roman-tic”.In http://www.mr-esgar.com/2010/11/about/

LINKS:http://canal180.pt/artists/esgar-acelerado/http://www.mr-esgar.com/https://www.facebook.com/EsgarAcelerado

JÚLIO DOLBETH10 COVERS13-17 July 2015 | Room For One [Anfiteatro Nobre]Faculty of Arts and Humanities of the University of PortoCurated by Esgar Acelerado and Júlio Dolbeth

Em rapaz, Júlio Dolbeth chegou a copiar as capas dos álbuns que mais gostava para os cadernos da escola. Manias de ilustrador. Por aquelas páginas, passaram certamente David Bowie, provavelmente Michael Jackson. Alguns anos depois, volta a repetir a façanha para mais um festejo do 10.º aniver-sário do Bodyspace em 2012. “Quis explorar esse lado de fã, muito ‘naif’”, conta Dolbeth. Mudou o sentido de três imagens (“não consigo fazer caras viradas para a direita, não sei por-quê”).

A Faculdade de Letras da Universidade do Porto não será grande o suficiente para acomodar todos os grandes artistas que têm colaborado na KISMIF Conference 2015. Entre estes, Júlio Dolbeth vai certamente marcar a sua presença de novo, surpreendendo-nos com fascinantes e distintas ilustrações. Nasce em Angola em 1973, vive e trabalha no Porto. Artista e ilustrador, é docente na Faculdade de Belas Artes na Univer-sidade do Porto, Co-fundador e curador da galeria Dama Afli-ta, no Porto, consultor do KISMIF. ’10 covers’ é uma exibição onde Dolbeth reinterpreta 10 capas emblemáticas que fazem parte da memória colectiva do público. Álbuns como Thriller de Michael Jackson, Houses of the Holy, de Led Zeppelin, Heroes, de David Bowie, e Kind of Blue, de Miles Davis, são alguns dos discos cujas capas foram ‘redenhadas’ com lápis de grafite e tinta da china por Júlio Dolbeth. . Esta exposição mostra que as capas dos discos deixam de ser um mero in-vólucro comercial, passando a integrar o projeto artístico dos músicos, ajudando a construir uma imagem mais completa do seu posicionamento, não só em termos estritamente mu-sicais, mas também em termos políticos, culturais, sociais e estéticos mais alargados. O design gráfico desempenha, nes-te contexto, uma função estratégica, adensando a obra dos músicos e tornando-se num veiculador de ideias. Saliente-se ainda que as imagens, textos e ideias veiculadas através das capas de discos não chegam apenas aos ouvintes, moldan-do decisivamente a forma como estes se relacionam com a música, mas também alcançam os diversos intermediários culturais – nomeadamente, críticos, jornalistas, promotores e agentes musicais – influenciando, positiva ou negativamente, a sua apreciação de determinado trabalho. As capas de discos constituem, assim, elementos cruciais para pensarmos a rece-ção de uma determinada obra ou artista.

LINKS:http://www.juliodolbeth.com/http://julioguestlist.blogspot.pt/https://www.facebook.com/julio.dolbeth

As a boy, Júlio Dolbeth copied the álbum covers that he like best into his school notebooks – illustrators quirks. Through those pages, many a David Bowie or a Michael Jackson were sure to be depicte – and some years later, he did it again, this time to celebrate Bodyspace’s 10th anniversary in 2012. “I wanted to ex-plore that very naif side, that fan relation to music”, says Dolbeth. He changed the angles of three images – “I can’t do faces looking at the right, I don’t know why”).

The Faculty of Arts and Humanities of the University of Porto will not be large enough to accommodate all the great artists who collaborate with KISMIF Conference 2015. And among these artists, Júlio Dolbeth will certainly mark once again KISMIF Con-ference, surprising us with their fascinating and distinctive illus-trations. He was born in Angola, in 1973, and lives and works in Porto. Artist, Illustrator, he is a lecturer at the Faculty of Fine Arts of the University of Porto, as well as the co-founder and curator of the Dama Aflita gallery in Porto, and a consultant of KISMIF. 10 Covers is an exhibition where Dolbeth reinterprets 10 em-blematic record covers that are part of the collective memories of the public. Albums like ‘Thriller‘ by Michael Jackson, ‘Houses of the Holy’ by Led Zeppelin, ‘Heroes’ by David Bowie and ‘Kind of Blue’ by Miles Davis are some of the records whose covers were ‘redesigned’ with a graphite pencil and Chinese ink by Júlio Dol-beth. This exposition shows that disc covers are no longer a mere commercial shell, integrating a bigger image into its positioning, not only in strictly musical terms, but also in terms of political, cultural, social and aesthetic forms. Graphic design is then of strategical importance, giving more substance to the work of the musicians and becoming a vehicle of ideas. To note that the images, texts, and ideas shared by disc covers do not reach just the listeners, shaping their relation to music decisively, but also reach several cultural intermediaries – such as critics, journalists, promoters and musical agents – influencing both positively and negatively their appreciation of a given work. Disc covers are then crucial elements to help us think the reception of an artists work.

ONDINA PIRESUNDER-VENTURES BY ONDINA10-17 July 2015 | Palacete Viscondes Balsemão, PortoCurated by Ondina Pires and Esgar AceleradoOPENING: Friday 10th, 14h30 - 15h30

Ondina Pires é uma heroína da classe trabalhadora, com mui-to orgulho, adora destruir realidades em tons de cinza para reconstruir um admirável mundo novo e catita. Esteve ligada à música (bateria e voz nas bandas: Pop dell’Arte e The Gre-at Lesbian Show), compositora, artista visual (co-autora com João Gralha de grandes foto-narrativas expostas na Fabrica Features Lisboa), jornalista (Time Out Lisboa, a revista cultu-ral Umbigo, entre outras) e escritora (Scorpio Rising - 2009 e Juntos Outra Vez - 2014. A menina tem um Mestrado em Estudos Americanos, e acredita que os EUA sempre foram um enorme laboratório de cibernética humana, mesmo antes de os americanos-nativos o habitarem.

Ondina Pires: o espetáculo da arte e da sábia-loucura. Ex-mú-sica em bandas como Ezra Pound e a Loucura, Pop dell’Arte, The Great Lesbian Show; escritora, viciada em collage e recor-tes; colecionadora de coisas bizarras. “Nasci a 9 de Novembro de 1961, na baixa de Lisboa, no seio de uma família muito hu-milde mas com algumas referências artísticas: livros, jornais, desenhos, pequenos quadros a óleo e o gosto pela música. (…) Com o 25 de Abril de 1974 vieram outras referências que se somaram às anteriores (…). Era o tempo da descoberta dos outros – os colegas de Liceu Camões, os vizinhos reaccioná-rios, o cinema, a música rock (aos 11 anos, paixão assolapada pela música de Susi Quatro!), as roupas que eu modificava ou fazia porque detestava aquilo que a minha mãe e a mi-nha madrinha me tentavam impingir… Em 1977, a segunda grande paixão musical – Sex Pistols! E nunca parei. Ao mesmo tempo que tentava “digerir no mesmo saco” o movimento punk, as contraculturas beat generation e hippie, música negra americana, os clássicos da literatura portuguesa (…), arte DADA, Surrealismo, Futurismo, Leninismo, Marxismo, Anarquismo, Fascismo e um ror de “ismos”, “gramava” a chati-ce dos programas escolares, ensaiava com colegas amigos do Camões os primeiros passos musicais e poéticos”.Ondina Pires in http://preguicamagazine.com/2015/01/29/ondina-pires-o-show-da-arte-e-da-loucura/

LINKS:http://www.chilicomcarne.com/index.php?option=com_rsgallery2&Itemid=42&catid=60http://www.discogs.com/artist/819651-Ondina-Pireshttp://www.flur.pt/tag/ondina-pires/http://www.cellariusnoisymachinae.org/#!ondina-pires/cp7t

Ondina Pires is a noble working-class heroine who loves to de-stroy grey realities to rebuild a new brave and kitschy world. She has been a musician (drums and vocals in bands: Pop dell’Arte and The Great Lesbian Show), composer, visual artist (Joao Gralha’s co-author in big photo-narratives exhibited in Fabrica Features Lisboa), journalist (Time Out Lisboa, cultural magazine Umbigo, among others) and writer (Scorpio Rising – 2009 and Happy Together - 2014). The girl has a Master’s Degree in Ameri-can Studies as she believes USA has always been a huge cyber human lab, even before the American-natives inhabited it.

Ondina Pires: the show of art and wise-insanity. Ex-musician in bands like Ezra Pound and The Madness, Pop dell’Arte, The Great Lesbian Show; writer, collage and scraps addict; collector of bi-zarre items. “I was born on November 9, 1961, in Lisbon down-town, within a very humble family that, nevertheless, had some intellectual references at home: books, newspapers, drawings, small oil paintings and a love for music. (...) With April 25, 1974 (The Revolution of Carnations) other artistic references came along and were added to the previous (...). It was the time of “discovering the Others” - Camões High School mates, the reac-tionary neighbours, films, rock music (At the age of 11 years old, I had a crush for Susi Quatro band hard-glamour rock!). As I hated the clothes bought by my mother and godmother I also used to modify them... In 1977 - the second big musical passion – The Sex Pistols! And I’ve never stopped. So, to cut the long story short, while I was trying to “digest in the same basket” Punk mouve-ment, countercultures like the Beat Generation and Hippie, Black American music, the classics of English literature (...), DADA, Sur-realism, Futurism art, plus Leninism, Marxism, Anarchism, Fas-cism and an amount of “isms”, I had to “endure” public education with its boring school “pedagogic” programs. At the same time, I was rehearsing the first musical and poetic steps with some of my best pals of Camões High School.”Ondina Pires in http://preguicamagazine.com/2015/01/29/ondina-pires-o-show-da-arte-e-da-loucura/

SARDINE & TOBLERONIWE LOVE 7710-17 July 2015 | Edifício MontepioCurated by Esgar Acelerado and Victor TorpedoOPENING: Friday 10th, 17h00 - 17h30

We Love 77 é uma exposição da autoria de Sardine & Toble-roni. Victor Torpedo é Sardine e Jay Rechsteiner é Tobleroni. Eles são aquilo que se chama de duo artístico, o que significa que fazem coisas juntos. Começaram como pintores - Sardine faz o lado direito e Tobleroni o lado esquerdo. No entanto, eles também irromperam por outras vias, como vídeos, ins-talações, arte online e toda essa cena. Eles descrevem o que fazem como Art Brut Conceptual, o equivalente ao que Punk é na música. We Love 77 é uma exposição de 77 pinturas de 77 bandas altamente influentes do punk com nomes que vão dos precursores americanos Stooges, a bandas contem-porâneas como os Libertines. Esta exposição pretende dar uma visão profunda e detalhada, num dos mais importantes movimentos culturais e sociais do século passado: o Punk. Este movimento teve um grande impacto sobre o cenário político e social, bem como sobre a arte contemporânea e a música, sempre questionando e rejeitando os valores mo-rais existentes e prestou-se à criação de um solo fértil para novas ideias que mudaram o mundo desde essa altura, tanto política como socialmente. URL: https://www.youtube.com/watch?v=zeJxJcov_gk#t=162

We Love 77, uma exposição de 77 pinturas do dupla artista Sardine & Tobleroni, narrando a evolução do punk rock. Sar-dine & Tobleroni foram inspirados a embarcar nesta série de trabalhos em 2005, quando a revista Mojo publicou uma edi-ção especial chamada de Punk 77 Smashers Punk. As pinturas incluem The Clash, X-Ray Spex, Sex Pistols, Ramones, Buzzo-cks, MC5, The Stooges, Patti Smith, New York Dolls, Siouxsie and the Banshees, Sham 69, The Damned, Joy Division e Black Flag, para citar apenas alguns dos artistas retratados. O duo participou numa numerosa série de exposições individuais, tanto no Reino Unido, onde estiveram sedeados durante vá-rios anos, como na Itália ou em Portugal, entre outros países. Fizeram parte de “Travelling Light” na 53 ª Bienal de Veneza, em 2009, e o seu show solo We Love 77 estreou-se em Feve-reiro de 2010, num espaço convertido especialmente para a exposição em Islington (Londres), com participações de Poli Styrene dos X-Ray Spex (recentemente falecida) ou Don Letts, tendo tido mais de 2000 visitantes.

We Love 77 is an exhibition of Sardine & Tobleroni. Victor Tor-pedo is Sardine and Jay Rechsteiner is Tobleroni. They are a so-called art duo which means they do stuff together. They started off as painters - Sardine doing the right hand-side and Tobleroni the left hand-side. However, they soon started doing other things as well such as videos, installations, online art and all that crap. They describe what they do as Conceptual Art Brut, the equiva-lent to what Punk is in music. We Love 77 is an exhibition of 77 paintings of 77 highly influential Punk bands, featuring names from the early American precursors like the Stooges, to contem-porary bands like the Libertines. This exhibition wants to give a profound and detailed insight into one of the most important cultural and social movements of the last century: Punk. It has had a great impact on the political & social landscape as well as on contemporary art and music, questioning and rejecting existing moral values and the creation of a fertile ground for new ideas that have changed the world politically and socially ever since. URL: https://www.youtube.com/watch?v=zeJxJcov_gk#t=162

We Love 77 – an exhibition of 77 paintings by artist duo Sardine & Tobleroni, chronicling the evolution of punk rock. Sardine & Tobleroni were inspired to embark on their series in 2005 when Mojo ran a special Punk Issue called 77 Punk Smashers. The paintings include The Clash, X-ray Spex, Sex Pistols, Ramones, Buzzocks, MC5, The Stooges, Patti Smith, New York Dolls, Siouxsie and the Banshees, Sham 69, The Damned, Joy Division and Black Flag, to name a few. The duo describes their practice as Conceptual Art Brut, the equivalent to what Punk is in music. They have participated in numerous group and solo exhibitions both in UK, Italy, Portugal and among other countries. They were part of ‘Travelling Light’ at the 53rd Venice Biennale in 2009 and their solo show ‘We Love 77’ opened in February 2010 in an Is-lington pop-up venue (London), with appearances from Poly Styrene of X-Ray Spex, Don Letts, and close to 2000 visitors.

LINKS:https://welove77.wordpress.com/http://www.themonkeyinthebox.com/https://en.wikipedia.org/wiki/Sardine_%26_Tobleronihttps://vimeo.com/55163356http://www.dazeddigital.com/artsandculture/article/6616/1/we-love-77