Vida y Obras

ÍNDICE

Prólogo................................................................................................2

1.Introducción.....................................................................................3

1.1. Planteamiento del trabajo.................................................3

1.2. Objeto de la investigación.................................................3

1.3. Metodología.......................................................................3

2.Desarrollo........................................................................................4

2.1. Jean-Michel Basquiat.........................................................4

2.1.1. Biografía................................................................4

2.1.2. Obras seleccionadas............................................12

2.2. Relaciones y comparativa entre sus obras.................................24

3.Conclusiones..................................................................................27

4.Bibliografía.....................................................................................27

4.1. Bibliografía específica.....................................................27

4.2. Bibliografía general.........................................................27

4.3. Internet...........................................................................27

5.Índice de ilustraciones...................................................................28

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PRÓLOGO . A través del presente trabajo teórico de investigación, se pondrá a

disposición el desarrollo del análisis de las obras resultantes de un artista -concretamente pintor- contemporáneo y la profundización en la vida del mismo.

Las obras seleccionadas en concreto abordarán el mismo estilo pero con una diferencia que marcará toda la obra del artista: la evolución en el tiempo. Ésta es una elección que permite la comparación próspera de la obra en general del artista.

El propósito del mismo trabajo de investigación es brindar una visión completa y de forma clara del desarrollo de la contraposición de las obras, basado en datos recogidos en la búsqueda de documentos.

Disponer de la información precisa y oportuna de la dinámica de la antítesis de los trabajos del artista resulta relevante tanto para conocer a fondo a un pintor contemporáneo como para orientar a conocer sus obras.

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1 . INTRODUCCIÓN . 1.1. Planteamiento del trabajo.El trabajo comenzó con la elección de un artista

contemporáneo para indagar posteriormente en su vida y en su obra. La elección del artista se debe a que era un artista poco conocido sobre el cual podría ser muy interesante investigar, un artista que había llevado el arte del graffiti de las calles a los museos. Se trata de desarrollar un trabajo de investigación en el que más tarde habrá que realizar una comparativa entre las obras del mismo artista. Es por este motivo por el cual la elección de escoger un artista que pasó de realizar “vandalismo”, a realizar obras de arte con un gran valor económico, se llevó a cabo; la comparación entre las obras que realizó en su vida callejera y las que realizó en el momento más exitoso de su vida puede resultar de un gran interés.

Investigando en diversas fuentes, encontramos una infinidad de artistas contemporáneos; por otro lado, concretamente en el mundo del arte del graffiti, destacan Keith Haring y Jean-Michel Basquiat. Ambos, unidos por el trágico destino de la muerte a una edad muy temprana, son dos de los más célebres autores de graffitis que transformaron un gesto agresivo de las calles en un nuevo género para el arte. La pintura de Basquiat era la expresión del malestar metropolitano de los barrios multiétnicos de Nueva York. Puesto que Keith Haring no se encontraba en la lista de artistas contemporáneos para realizar el trabajo, la elección final fue la de Jean-Michel Basquiat; además, este último estuvo relacionado con otros artistas contemporáneos relevantes, como Andy Warhol.

1.2. Objeto de la investigación.Los objetos principales del trabajo de investigación consistirán

en contrastar las obras del artista escogido; la dinámica que aparece en sus trabajos será analizada y se llevará a cabo su comparación y una previa comprensión de los mismos para poder describir con certeza sus contenidos.

1.3. Metodología.El trabajo se regirá por la investigación de la vida y obra del

artista; para ello, será necesario abundante material adecuado para documentarse y poder realizar el trabajo. De cualquier modo, no sólo los datos recogidos en libros, enciclopedias, revistas e internet servirán; películas, documentales y otros materiales de carácter audiovisual pueden ser muy útiles a la hora de comprender el arte que realizaba este artista.

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2.DESARROLL O. 2.1. Jean-Michel Basquiat.

2.1.1. Biografía.Jean-Michel Basquiat fue un pintor estadounidense que nació

en el hospital de Brooklyn, Nueva York, el 22 de diciembre de 1960. Su padre, Gerard Basquiat, era un contable nacido en Haití y su madre, Matilde Andradas, era una diseñadora gráfica nacida en Brooklyn pero de padres portoriqueños. La familia vivía por entonces en Park Slope, Brooklyn. Tres años después, nació su hermana, Lisane. Desde muy pequeño, Basquiat demostró una gran afinidad por el arte; ayudaba a su madre con su trabajo realizando dibujos inspirados en los dibujos animados que veía en la televisión. Gracias a su madre, Basquiat pudo visitar los museos más importantes e influyentes de la ciudad de Nueva York: Brooklyn Museum, The Museum of Modern Art y el Metropolitan Museum of Art. Probablemente su madre fue la mayor influencia artística que tuvo, y el impulso que le llevó a ser quien fue.

En 1966 nació otra hermana, Jeanine, y la familia se mudó a otra sección de Brooklyn. El pequeño Jean-Michel se cambió a una escuela católica privada. Allí realizó un cuaderno con su amigo Marc Prozzo; Marc ilustraba y él escribía. Además, aprendió a leer en español, francés e inglés.

Basquiat continuó dibujando inspirándose en lo que veía en la televisión, como películas de Alfred Hitchcock, además de coches, cómics, libros que leía...

Cuando tenía siete años, en 1968, un coche le atropelló mientras jugaba con una pelota; se rompió un brazo y tuvo lesiones internas, lo que le dejó hospitalizado en el King's County Hospital durante un mes. Mientras se recuperaba, su madre le regaló un ejemplar de la Anatomía de Gray. Las láminas del libro le dejaron fascinado y más adelante se vería la influencia en sus obras.

El mismo año del accidente, sus padres se separaron; él y sus dos hermanas vivieron con su padre en East Flatbush. En 1971 volvieron a mudarse -sin trasladarse de Brooklyn- y tuvo que dejar la escuela católica privada por una escuela pública, la primera de muchas a las que Basquiat asistiría. Tres años más tarde, el padre de Basquiat se mudó a Mira Mar, Puerto Rico, con sus tres hijos, debido a una oferta de trabajo. El joven Basquiat asistió a una escuela episcopal. A los 15 años intentó escaparse de casa sin éxito.

En el día de Acción de Gracias de 1976, la familia regresó de Puerto Rico a Boerum Hill Brownstone, por lo que de nuevo Basquiat tuvo que cambiar de colegio. Unas semanas más tarde ingresó en la City-As-School, centro escolar para niños con talento, en el que el aprendizaje se realizaba sobre la práctica. En esta escuela Basquiat conoció a Al Díaz,

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un graffitero del Lower East Side; pronto se harían muy buenos amigos y colaborarían juntos en sus pinturas. En diciembre de ese mismo año, Basquiat volvió a escaparse de casa y huyó a Washington Square Park en Greenwich Village, donde solía ir con Al Díaz. Tras dos semanas de búsqueda, su padre lo encontró y lo llevó de regreso a casa. Basquiat reconoció años más tarde que sólo estaba sentado allí tomando drogas.1

Basquiat por entonces firmaba como “SAMO” (SAMO, que son las siglas de SAMe Old shit, es decir, "la misma vieja mierda”, “la misma mierda de siempre”) en las paredes de las calles; lo que empezó como una forma de vida, se convirtió casi en una religión para él y para su amigo Díaz. Comenzaron a tener fama por pintar sus graffitis en las calles y en los vagones de metro del bajo Manhattan, donde abundaban las galerías de arte: escribían frases y poemas que tenían mucho cargamento poético y filosófico, pero sobre todo crítico. Consideraban su “Proyecto SAMO” como una forma de salvación para las mentes inútiles; los murales que pintaba llevaban inscripciones como “SAMO salva idiotas” o “SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, la política de la nada y la falsa filosofía” (Fig. 1).

En 1977, el padre de Basquiat llevó a su novia Nora Fitzpatrick a vivir a su casa; para Basquiat fue una amiga y una figura materna. Ese mismo año se graduaba en la escuela Al Díaz; Basquiat preparó una caja llena de crema, que estampó en la cabeza del director mientras éste hablaba. Basquiat fue expulsado justo un año antes de graduarse, y dejó los estudios definitivamente.

Un año más tarde, cuando contaba con dieciocho años, abandonó su casa definitivamente. Su padre le dio algo de dinero, entendiendo finalmente que Basquiat se marchaba por su propio bien.

Basquiat tenía un gran interés también por la música. Sus ídolos musicales fueron Jimi Hendrix y Janis Joplin, artistas que murieron jóvenes por culpa de la drogadicción; Charlie Parker, Billie Holiday, Sugar Ray Robinson y Joe Louis, fueron otros de sus ídolos a los que representaría posteriormente en sus pinturas. Basquiat quería ser una estrella, quería triunfar y ser famoso como ellos.2

Durante dos años, Basquiat estuvo viviendo en las calles, en

1 Citado en Suzi Gablik, “Reportaje para Nueva York: The Graffiti Question,” Art in America, 70 (octubre 1982), p. 36.

2 Cathleen McGuigan, “New Art, New Money: The Marketing of an American Artist,” The New York Times Magazine, febrero, 1985, p. 29.

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Figura 1. Basquiat realizando graffitis de SAMO.

edificios abandonados o en casas de varios amigos suyos en el bajo Manhattan. Frecuentaba fiestas de graffiteros y músicos, donde conoció a los futuros miembros de su banda de música. La banda actuaba por los clubes de la zona.

Jean-Michel comenzó a pintar a mano camisetas y postales. Las vendía para adquirir algo de dinero. Un día, vendiéndolas en un restaurante en el SoHo, coincidió con Andy Warhol, a quien vendió una postal, y con Henry Geldzahler.

Él y su amigo Alexis Adler continuaron residiendo juntos en casas de amigos por toda la zona baja de Manhattan; estuvieron un tiempo viviendo en casa de un amigo muy cercano, Felice Ralster. Basquiat pintaba todo lo que pudiera en la casa: las paredes, los suelos, frigoríficos, puertas... Más tarde, Adler y él se trasladarían a una casa. Basquiat por entonces se movía entre artistas de todo tipo, desde músicos hasta filmadores. Por aquella época, la subcultura de los barrios marginales que se desarrolló a finales de los años sesenta comenzó a extenderse y llegó hasta la zona que frecuentaba Basquiat. La cultura hip-hop, el rap, el graffiti, las bandas callejeras, las drogas... Basquiat comentó que “no había demasiada gente negra en esas calles”.3

Gracias a un amigo, Basquiat conoció a Rammellzee, un conocido Dj graffitero de la zona con quien tuvo una fuerte amistad.

El 11 de diciembre de 1978, Philipe Faflick escribió un artículo para The Village Voice en el que hablaba de “SAMO”, las pintadas realizadas por Basquiat pocos años atrás4. Causó un gran interés por toda la ciudad de Nueva York; los textos iban acompañados de fotografías en las que sólo se identificaban los nombres de “Al” y “Jean”.

Poco depués del artículo, en 1979, Basquiat y Al Díaz quisieron terminar con SAMO, y escribieron “SAMO is dead” (SAMO está muerto) en las paredes de las calles del SoHo.

Basquiat se centró entonces en seguir pintando camisetas, postales, en hacer collages y dibujos. Combinaba el arte del graffiti con el expresionismo abstracto, tratando temas como jugadores de béisbol, el asesinato de Kennedy, el consumismo de las pequeñas cosas como los caramelos “PEZ”, etcétera. Colaboró con John Sex y Jennifer Stein, y vendía sus trabajos por el SoHo y enfrente del Museum of Modern Art.

En mayo de ese mismo año, Basquiat formó la banda Channel 9

3 Citado en Hager, Art After Midnight, p. 40.

4“[...] We had pretty much stopped looking at the walls until this fall, when we noticed something new (…) SAMO is the logo of the most ambitious-and sententious-of the new wave of Magic Marker Jerremiahs […].” “[...] Habíamos dejado de mirar las paredes hasta el otoño, cuando nos percatamos de algo nuevo (…) SAMO es el logotipo de los Jeremías más ambicioso y sentencioso de la nueva ola de la Magia […].” Philip Faflick, “SAMO Graffiti.” 1978.

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junto con sus amigos Michael Holman, Shannon Dawson y Vicent Gallo; más tarde la banda pasó a llamarse Test Pattern y finalmente Gray. Wayne Clifford y Nick Taylor se unieron a la banda. Basquiat tocaba el clarinete y le daba un toque distintivo al grupo de jazz, punk y pop; algunas veces lo llamaban “música ruidosa”. En otoño de 1979, solía caminar por los alrededores de la Escuela de Artes Visuales, donde conoció a los artistas y graffiteros Keith Haring y Kenny Scharf. Basquiat admiraba el trabajo artístico de Haring, y le consideraba un pilar fundamental para el mundo del graffiti. Cuando Basquiat murió, Haring realizó una pintura en su memoria.

Jean-Michel conoció entonces a Glenn O'Brian, el productor del programa TV Party en la televisión neoyorkina, y Basquiat comenzó a aparecer muchas veces en este programa. En Mudd Club, Basquiat conoció a Diego Cortez, un artista que abrió muchas puertas a Jean-Michel. Vendía sus trabajos artísticos a otras personas, y Basquiat estrechó su relación con Henry Geldzahler, quien, además de su amigo, se convirtió en coleccionista del arte de Basquiat. En este momento realizó su primera participación en una exposición colectiva, en el Times Square Show, en un edificio entre la calle 41 y la Séptima Avenida de Times Square de Nueva York. La exposición estaba organizada por Colab (Colaborative Projets Incorporated), un grupo de artistas basado en el Lower East Side, y Fashion Moda. Los tipos de artistas de cada una de las dos organizaciones eran muy diferentes: por un lado estaba la cultura neo-pop, y por el otro la del rap y del graffiti. Fue la primera vez que el arte de la calle tomaba contacto con el arte de las galerías. La crítica la clasificó de algo en estado bruto, rebelde, un ejemplo del mal gusto. Desde la exposición, el sistema le prestó una creciente atención al graffiti.

El 3 de agosto de 1980, la banda Gray tocó por última vez. Basquiat anunció que se retiraba de aquello, ya que su talento artístico había sido reconocido. Glenn O'Brien llamó a Basquiat para realizar el papel de un personaje en una película que él mismo había escrito. Pero la película nunca llegó a ser lanzada; sin embargo, Basquiat pudo conocer a Andy Warhol a través de O'Brien. Con el dinero que ganó con la película, Basquiat compró materiales artísticos, y las oficinas de la producción de la película en la calle Great Jones le proporcionaron un nuevo espacio donde comenzar a pintar seriamente por primera vez. A través de O'Brien pudo vender lienzos con dibujos expresionistas a los miembros de la producción.

En enero de 1981 Basquiat se fue a vivir con su novia Suzanne Mallouk, artista y cantante, a un apartamento. Un mes más tarde, Diego Cortez organiza la exposición “New York/New Wave”, en el Instituto de Arte y Recursos Urbanos de Long Island City. Cortez contó con Basquiat para esta exposición, en la que participaron más de veinte artistas, entre los que se encontraba Andy Warhol, y algunos artistas graffiteros.

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Basquiat había plasmado en una pared una veintena de dibujos y pinturas, lo que llamó la atención e hizo que destacara en la exposición. Un día después de la apertura de ésta, Basquiat regresó a su casa de Brooklyn y le dijo a su padre lo que había conseguido.

Más tarde Haring organizó el “Lower Manhattan Drawing Show”, para el cual seleccionó más de setenta artistas, entre ellos, Basquiat. Inmediatamente después, Basquiat fue llamado para participar en otras exposiciones organizadas por amigos que había conocido con anterioridad. Ese mismo año viajó por primera vez a Europa, para llevar a cabo su primera exposición individual en la Galleria d'Arte Emilio Mazzoni de Módena, Italia. La exposición se tituló “SAMO”.

Annina Nosei le invitó a participar en una exposición que realizó en su galería, junto con obras de otros artistas. En las obras de Basquiat se podían ver policías, conejos y nativos americanos. Nosei se enteró de que Basquiat no tenía estudio donde trabajar, y por ello le dejó que usase su galería como estudio. En enero de 1982 Basquiat y su novia se mudaron a un apartamento en el SoHo, que Nosei había conseguido para él. Conoció a Shenge Kapharoah, artista procedente de Barbados. Ambos se hicieron grandes amigos ya que compartían intereses en ideología africana.

En marzo de ese mismo año, Basquiat tuvo su primera exposición individual en Estados Unidos, en la Annina Nosei Gallery. Basquiat volvió a exponer en Italia, pero esta vez en la Galleria Civica del Comune de Módena, en la exposición “Transavanguardia: Italia/América”, organizada por Achille Bonito Oliva. En abril viajó a Los Ángeles para realizar una exhibición en la Larry Gagosian Gallery, con Gagosian y Annina Nosei como organizadores de la misma. Basquiat se enamoró de Los Ángeles, donde residió en casas de amigos durante medio año, y estuvo volviendo siempre que pudo hasta el final de su vida; además, allí consiguió varios compradores de arte que se convirtieron en coleccionistas de sus obras.

Ese mismo año expuso en la Documenta 7 de Kassel, convirtiéndose así en el artista más joven entre los 176 invitados a esta exposición, una de las más importantes en Alemania. Su trabajo fue presentado entre artistas como Joseph Beuys, Anselm Kiefer, A. R. Penck, Gerhard Ritcher y Andy Warhol, además de Francesco Clemente. Ese mismo año creó su primer portafolio, titulado Anatomy, editado con siete pruebas de artista, que Annina Nosei se encargó de publicar en su galería.

En septiembre expuso en Zúrich, y un mes más tarde Suzi Gablik publicó un artículo en el que incluyó a varios artistas del graffiti, entre los que mencionaba a Basquiat, y a los que consideraba parte del nuevo “movimiento del graffiti”. De todos modos, Basquiat no era el representante principal del graffiti porque los mensajes que había escrito con “SAMO” no coincidían con los dogmas del arte del graffiti, incluyendo su paleta de colores. No obstante, debido a su raza y a su juventud, el

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arte de Basquiat se consideraba graffiti por todo el mundo.

En el otoño del 82, ciertas diferencias personales llevaron al fin de la relación amistosa con Annina Nosei; trabajó entonces duramente en su estudio, y él consideró que realizó las mejores pinturas hasta el momento, y no paraba de consumir drogas. En noviembre, Bill Stelling y Patti Astor contaron con Basquiat para llevar a cabo una exposición en la Fun Gallery, pero el precio de los cuadros se había marcado sin tener en cuenta el valor actual del arte de Basquiat. La exposición se había celebrado a pesar de los consejos sobre no hacerla de Annina Nosei; las instalaciones diseñadas por Basquiat parecían un completo desastre, y obtuvo malas críticas en todo el SoHo por ello. Basquiat tuvo la oportunidad por entonces de ser fotografiado por James Van Der Zee, un famoso fotógrafo, que había realizado ya retratos de artistas de la época, cantantes, actores y actrices... Basquiat admiraba a James Van Der Zee, y más tarde realizaría un retrato en pintura para él. Las fotografías aparecieron en Interview, en una entrevista realizada a Jean-Michel. En diciembre expuso en Rotterdam; muchas de las obras de la exposición fueron las mismas que las que se expusieron en la Fun Gallery.

El interés por la música continuaba, y produjo una grabación de rap con Fred Braithwaite, Al Díaz, Rammellzee y otros dj's en varios clubes de Manhattan.

A principios de 1983 Annina Nosei presentó el portafolio y algunas obras de Basquiat en su galería. Basquiat aparece entonces en la Exhibición Bienal de 1983 en el Whitney Museum of American Art de Nueva York. Basquiat fue uno de los artistas más jóvenes en participar en la Bienal de Whitney. En una entrevista, Basquiat confesó su buena relación con Andy Warhol; además, adquirió un edificio que le alquiló el propio Warhol en la calle Great Jones (Fig. 2). Warhol y Basquiat trataban temas sobre arte, sobre filosofía de vida, hacían obras juntos, se retrataban mutuamente... Ambos artistas trabajaban de forma conjunta, a pesar de las críticas sobre la mezcla entre arte blanco y arte negro.

Basquiat se preocupaba mucho por los problemas racistas; un joven graffitero de 15 años de raza negra murió a manos de la policía de Nueva York por vandalismo, y el artista quedó muy afectado por ello. A pesar de que Suzanne Mallouk organiza un fondo para ayudar a la familia del adolescente a resolver el caso legalmente, Basquiat se mantiene

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Figura 2. Basquiat en su estudio.

distante y decide no participar.

Alrededor de octubre del 83, Basquiat y Warhol viajaron por el mundo: Milán, Madrid, Zúrich, Tokio... En noviembre regresaron a Nueva York para trabajar juntos con Franceso Clemente. A finales de año hizo un viaje a Los Ángeles, donde conoció a la cantante Madonna; con ella pasaba el tiempo. Sólo le quedaba entonces un distribuidor oficial de su arte, en Suiza. Había tenido ya problemas con los distribuidores.

A principios del 84 Basquiat alquiló un rancho en Hawaii, que tomó como estudio para realizar sus pinturas y dibujos con los materiales que había comprado en Los Ángeles. Regresó a Nueva York para conseguir más distribuidores gracias a Warhol; el distribuidor de Warhol en Europa organizó exposiciones para Basquiat. Contaron con algunas obras de Basquiat para la reinauguración del Museum of Modern Art de Nueva York, en mayo. En la subasta de primavera de Christie de pintura contemporánea, un cuadro de Basquiat alcanzó la cifra récord de 19.000 dólares. Durante el resto del año participó en exposiciones por ciudades de todo el mundo. Conoció a Jennifer Goode, hermana del dueño del New York club Area; con ella tuvo la relación amorosa más romántica de su vida.

Sus amigos estaban cada vez más preocupados por el excesivo uso de las drogas. Iba a fiestas y bares de moda, donde lo encontraban casi en coma o con ideas de persecución; en cualquier caso, había sido amenazado varias veces de muerte y le habían robado pinturas de su estudio, incluso sus propios galeristas se llevaban obras sin terminar para exponerlas o venderlas. Aparecía en revistas, destacando como portada en 1985 de The New York Times Magazine. Basquiat había conseguido con veinticuatro años un grado de éxito que no era común: poseía un sentido audaz de color y de composición, manteniendo equilibrio entre el color y la espontaneidad, la amenaza y el ingenio. Mientras se movía exponiendo entre las galerías de Nueva York, Los Ángeles, Europa y Japón, su salud se deterioraba por culpa de las drogas.

En el 86 participó en Luna, Luna, en Hamburgo, con artistas como Salvador Dalí. A finales de ese mismo año, su novia decidió terminar con la relación, y advirtió a los amigos de Basquiat de los problemas que éste sufría con la heroína.

El 22 de febrero de 1987 Andy Warhol murió. Basquiat quedó muy afectado por esta pérdida, ya que la unión que habían tenido el último año había sido muy fuerte. Los amigos de Basquiat consideraron que aquélla había llevado a la muerte del mismo inevitablemente.5

Basquiat no había realizado ninguna exposición en Nueva York desde

5"It put him into a total crisis .... He couldn’t even talk" “Esto le dejó en una crisis total... Ni siquiera podía hablar”. (Entrevista a Fred Braithwaite).

“The death of Warhol made the death of Basquiat inevitable [...]” “La muerte de Warhol llevó a la muerte inevitable de Basquiat [...]”. (Entrevista a Donald Rubell).

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hacía un año y medio, pero finalmente tuvo la oportunidad en enero de 1988 y además se instalaron exposiciones en París y en otras ciudades europeas. En abril de ese mismo año trató de abandonar su adicción a las drogas y se retiró a su casa de Hawaii. Volvió a Nueva York en junio, anunciando que se había liberado de esas sustancias, pero el 12 de agosto de 1988, a los 27 años, muere en su apartamento de la calle Great Jones. La autopsia reveló que se trataba de una sobredosis de heroína y otras drogas opiáceas. A su funeral, cinco días después de su muerte, acudieron sus amigos y familiares; está enterrado en el cementerio Greenwood de Brooklyn. El 5 de noviembre realizaron un homenaje en el que se recitó poesía, se habló de Basquiat e incluso actuó la banda Gray.

A lo largo de su corta pero intensa carrera artística realizaría más de cuarenta exposiciones individuales y participaría en unas cien colectivas.

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2.1. 2 . Obras seleccionadas . Arroz con pollo, 1981 (Fig. 3).

Se trata de una obra de grandes dimensiones. Hay que destacar que la mayoría de obras de Basquiat tiene unos tamaños considerables.

Basquiat se representa en la obra a sí mismo con Suzanne Mallouk, su novia. Ambos personajes aparecen deformados, o casi con forma de esqueletos, recuperando un estilo que se asemeja al primitivo africano. Los dos protagonistas aparecen desnudos, plasmados por delante de una gran masa de color amarillo que asoma por encima de otra con magentas y naranjas.

Suzanne es blanca, con tonos azulados. Sujeta con una de sus manos un pecho, mientras que con la otra mano, que es apenas un trazo de color negro con tres trazos más representando los dedos, sostiene un tenedor. La cara de ella tiene unos garabatos de color rojo alrededor de los ojos y de la boca, y se unen con el pecho para culminar en el pezón. Se le pueden ver unos dientes blancos en la boca abierta. Su cabello parece estar formado por alambres que salen de la cabeza, de distintas longitudes y con diferentes direcciones. El sexo de ella parece una almendra amarilla, situada en medio de todo su cuerpo, que es una masa azul y blanca.

En contraposición a Suzanne, aparece Basquiat de color negro. Igualmente deformado físicamente, se le pueden ver las costillas y las vísceras, los intestinos, está abierto. Los elementos en su cara son de color blanco: ojos, nariz y boca. No tiene dientes, no se le ven; ni las pupilas. Su pelo está garabateado, y por encima de éste, asoma un

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Figura 3. Arroz con pollo, Jean-Michel Basquiat, 1981

sombrero de color rojo, probablemente mexicano. Está acercando el plato humeante de pollo a una mesa, tal vez de cristal; la superficie no aparece representada, sino que es una mesa esquemática. El humo que sale del pollo no es un humo realista, es un humo expresivo, abstracto, representado con tres trazos a modo de remolinos que ascienden. El plato de comida está encuadrado en un pequeño rectángulo blanco, dentro del fondo amarillo que une a Suzanne y a Basquiat.

Para Basquiat, la figura de su madre fue un elemento fundamental en su niñez; ésta era portorriqueña y había transmitido sus costumbres al pequeño Basquiat: el idioma6 y las comidas, como el arroz con pollo.

Al lado de ella se puede leer la palabra “TAR”.7 La inscripción tenía un gran sentido metafórico para Basquiat y para Suzanne; ella había sido una niña con cierto aspecto árabe, a la que su madre sometió a no exponerse al sol para aumentar la blancura de su piel.8 Basquiat siempre le dio una gran importancia al tema de la raza y del color de las pieles.

Al fondo se pueden ver ventanas, cables, antenas,... Basquiat representaba todo lo que estaba viendo, lo que estaba viviendo en las calles por aquella época de su vida.

6 “[…] La presencia de su madre estaba con él y él estaba con ella a través de las palabras.” Suzanne Mallouk, citado en La viuda de Basquiat, Jennifer Clement, p. 54.

7 Brea, alquitrán (traducción).8 Íbid. 6.

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Autorretrato, 1982 (Fig. 4).

En esta pintura, también de grandes dimensiones, realizada con una técnica que combina el barniz a pistola con los colores al óleo, Basquiat se representó a sí mismo como un guerrero tribal que sostiene un arma.

Perteneciente a una de las primeras etapas del artista (1980-82), se puede ver cómo utiliza gestos pictóricos en el lienzo, usando una figura para representar su propio cuerpo; éste es una mancha negra, con brazos y dedos delgados y largos. Podría recordar a un esqueleto, evidencia de su obsesión por la muerte; es notoria en él la presencia de la heroína y las drogas en su vida. También puede recordar al sentimiento africano que Basquiat siempre anheló, ya que se asemeja a las antiguas estatuas primitivas de África.

El brazo que sostiene el arma está estirado hacia arriba, en alto; el arma es una lanza, más bien una flecha grande, que se asemeja a las antiguas flechas africanas, con la punta en “V” y plumas al final. La deformación expresiva agranda los ojos, los dientes, las manos y los pies. En su cabeza, los pelos se expanden a su libre albedrío.

A pesar de las deformaciones que se producen en la figura negra, tosca y bruta, destaca en el cuadro por su peso frente a un fondo blanco

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Figura 4. Autorretrato, Jean-Michel Basquiat, 1982

en el que resaltan pequeñas figuras, y en el cual se revela el conocimiento de algunos clásicos del arte norteamericano del siglo XX: Pollock, Rauschenberg, Twombly,... Se pueden apreciar con claridad los trazos blancos por encima de un fondo negro y gris.

No obstante, incluye de nuevo imágenes como iconografía de su vida en las calles en el fondo del cuadro; por ejemplo la presencia de los graffitis, las palabras, formas que simulan edificios o elementos de los mismos (se pueden apreciar ventanas, puertas,...).

Existe una monocromía en el cuadro; los grises, blancos y negros se extienden por todo el lienzo. Sin embargo, unas pequeñas manchas amarillas, rojas y marrones resaltan en la monocromía. De cualquier modo, la forma del autorretrato de Basquiat es la mancha más pesada en el cuadro.

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Bombero, 1983 (Fig. 5).

De nuevo nos encontramos con un autorretrato colectivo. Esta es una de las obras menos conocidas de Basquiat; sin embargo, la historia que se esconde detrás de la obra es de gran interés y merece la pena hacer una descripción del mismo.

Parece que el cuadro está pintado con una gran rapidez; simplemente Basquiat se centró en representar la escena que quería de forma básica, sin indagar en elementos reminiscentes como hizo en obras anteriores. Además, Basquiat ha llegado a un punto de su vida en el que recurre más a su pensamiento actual que a su vida pasada en la calle.

Tres personajes ocupan la totalidad de la tela: Basquiat, Suzanne Mallouk y un bombero. Todos vuelven a tener formas expresivas y sus cuerpos son amorfos.

Basquiat es totalmente negro, pero aparece sonriente; una gran sonrisa deja mostrar sus dientes blancos. Los ojos y la nariz también son del mismo color blanco, y no se ha dibujado el pelo en la cabeza. Parece como si estuviera cayéndose, intentando sostenerse en Suzanne.

Ésta es blanca y aparece de perfil. El brazo que estaría en primer plano, más cerca de los espectadores, se compone de muchas líneas. Esta vez no va desnuda, sino que lleva un vestido o falda de color blanco. También aparece sonriente, mostrando sus dientes, y sólo se le ve un ojo. Ella le pega un puñetazo a Basquiat en la cicatriz9, metiendo el puño

9 Cuando Basquiat fue atropellado a los siete años, su bazo tuvo que ser extirpado. La operación le dejó una cicatriz desde el pecho hasta el estómago.

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Figura 5. Bombero, Jean-Michel Basquiat, 1983.

justo donde estaría su bazo.10 Unas líneas azules representan la cicatriz de Basquiat, parece como si le partiesen por la mitad, como si fuera a abrirse por culpa del puñetazo. Dentro de la mano -o de la marca que se produce por el golpe- se puede leer “BOF”, un texto a modo de onomatopeya del sonido que se produciría en aquel instante.

El origen de la obra se remonta a un conflicto en la convivencia de la pareja: Suzanne esperó en casa durante días sin que Basquiat apareciese por allí. Escuchaba rumores de que se había marchado a Los Ángeles, o que estaba viviendo con otras mujeres. Entonces Basquiat volvió a casa, y Suzanne, enfadada, le advirtió que si no se marchaba, llamaría a los bomberos; si llamaba a la policía, Basquiat se enfadaría mucho -por eso le amenazaba llamando a los bomberos-. Él se reía, y ella entonces le pegó un puñetazo mientras él continuaba riendo y la abrazaba.11 Suzanne comentó: “Entonces, claro está, unas semanas después pintó Bombero, pero el cuadro no era gracioso y el bombero que aparecía en él me daba miedo”.12

De hecho, el bombero que pintó Basquiat parece que tiene una calavera en vez de rostro. Está vestido de rojo y lleva el casco típico de los bomberos de Nueva York de los años 80. Probablemente, el bombero significase para Basquiat la muerte, de manera metafórica. Muerte de su vida artística, muerte porque quizá pudiera ser encarcelado por posesión de drogas... Muerte porque sería el final de la vida que acababa de conocer y tanto disfrutaba.

10 Ibíd. 9.

11 La viuda de Basquiat, Jennifer Clement, p. 71.12 Ibíd, p. 72.

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Jim Crow, 1986 (Fig. 6).

Jim Crow fue una ley promulgada en Estados Unidos que consistía en tratar a los negros por igual que a los blancos, pero por separado. Basquiat siempre tuvo en mente la preocupación racial. Para él era muy importante el color de la piel, siempre sintió la infravaloración de su raza y quiso demostrar al mundo en una época donde apenas existía la tolerancia que lo importante no era ser negro o blanco. Ningún negro había conseguido triunfar en el mundo del arte, exponer en galerías y menos aún en los museos y exposiciones más importantes a nivel mundial.

Esta obra nos ofrece una declaración social por parte de Basquiat. El artista incluye textos de nuevo e imágenes pictóricas. Esta obra está pintada sobre madera, lo que le da una apariencia como si se tratase de un graffiti pintado en la pared de un granero o de un rancho en algún lugar remoto de Estados Unidos. Utiliza las palabras para enumerar varios ríos: el río Hudson, el río de Ohio, el Támesis (“THAMES RIVER” en la obra); pero la escritura del río Mississippi se repite por todas partes, haciéndose destacar.

En el centro, una figura esquelética negra con ojos contorneados en rojo se sitúa bajo un arco, rojo también, que a su vez se encuentra debajo del letrero de “JIM CROW”. No tiene rostro, ni ropa. Únicamente se

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Figura 6. Jim Crow, Jean-Michel Basquiat, 1986

pueden ver unos ojos grandes, sin pupilas, como si fueran dos almendras blancas rodeadas de rojo en medio de una cabeza negra. Hay tanta pintura en la cabeza, que se pueden ver los chorretones negros resbalando entre las maderas. Su cuerpo sólo son costillas negras y dos finos brazos extendidos, trazados un par de veces únicamente. Las manos son dos meros puntos.

Basquiat podría haber representado a la sociedad negra a través de este personaje, un personaje que quizá se trate de él mismo; un autorretrato que sirviera para generalizar sobre la raza negra y todo el sufrimiento que tuvo que pasar. Al fondo hay una franja azul, donde se pueden leer unas letras amarillas que escriben “MISSISSIPPI”. Es el propio río, en el que el personaje negro navega en un barco del mismo color.

La obra en sí podría dar también la sensación de un dibujo en el cuaderno del colegio: las rayas que forman las maderas serían el papel del cuaderno; la repetición de varios ríos, como si quisiera aprenderlos; el nombre de dicha ley, como si se lo acabasen de explicar en la clase de Historia y hubiera sentido la necesidad de representarlo en su cuaderno de esta manera.

A la izquierda del protagonista se aprecian unos garabatos, con formas sinuosas y con rectas; las rectas parecen cárceles, rejas. Es la separación entre ambas razas.

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Riding with Death13, 1988 (Fig. 7).

Para concluir el análisis de cinco de las obras personales de Basquiat, parece adecuado comentar esta pintura, ya que resume el estilo de vida que llevaba el artista y la filosofía de su vida de forma muy clara. Basquiat murió joven y de forma trágica a causa de sus hábitos y de la drogadicción en la que se vio envuelta su vida. Parece como si hubiera sabido que el día de su muerte se acercaba; Riding with Death es una de sus últimas pinturas antes de enfrentarse a su fatídico destino en agosto de 1988.

La diferencia entre esta pieza tardía y las que había realizado anteriormente en su vida es notable. Es un cuadro que destaca frente al resto del repertorio de obras de Basquiat, debido a su simplicidad tal vez. Sin embargo, se reitera que la muerte era un tema al que Basquiat recurría constantemente, un tema que tenía muy presente debido a la vida que llevaba, y probablemente también por el escaso período de tiempo que había pasado desde la muerte de su gran amigo e influyente artista Andy Warhol. La estética de lo trival y lo primitivo africano persiste en la obra; la deformación expresiva de las figuras también.

El personaje que monta encima del esqueleto, podría ser él mismo. Basquiat ya no es negro. Basquiat ahora es marrón, con un fino trazo

13 Viajando con la muerte (traducción).

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Figura 7. Riding with Death, Jean-Michel Basquiat, 1988.

negro que lo rodea, que define sus delgados brazos, los cuales dejan ver los huesos; las costillas, las falanges, los blancos resaltan en varias zonas de su cuerpo. Se está muriendo lentamente.

El esqueleto en el que el personaje monta está escorzado, a cuatro patas. Basquiat demuestra aquí la sabiduría que adquirió con el libro de Anatomía de Gray que le regaló su madre en su infancia: el cráneo y las formas de los huesos se asemejan más a la realidad que los cuerpos expresivos que realiza. No están tan deformados, ni tampoco le hace falta pintar las costillas ni la pelvis; la postura se entiende perfectamente con ver el movimiento de ambos fémures y casi se puede adivinar cómo sería su siguiente movimiento y la manera en la que caminaría. Tiene manchas marrones y negras en la boca, como si le hubiera dado un mordisco al personaje que monta sobre él.

El lugar envuelve a la escena. Quizá sea lo que lo distingue del resto de las obras, se trata de una característica definitiva. Es un lugar sólido y la pintura es muy refinada. Parece que se remonta al graffiti antiguo de Basquiat.

Sin duda parece que esta obra se trataba de una predicción de la vida de Basquiat. Se debe recordar que sus ídolos fueron artistas que murieron jóvenes, a la edad de 28 años -como murió él-: Jim Morrison, Jimi Hendrix, Janis Joplin. Basquiat solía decir: “vive rápido y muere joven”14. En esta pieza se ve el desarrollo de Basquiat en cuanto a su vida artística se refiere.

14 Esta anécdota y la propia obra sugieren algún tipo de profecía; viajar con la muerte, donde parece que hay mucha más fuerza artística.

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Gravestone, 1987 (Fig. 8).

Además de obras realizadas en lienzos y telas, se pueden destacar otras obras del artista que hizo durante su efímera vida. Se trata de obras como Gravestone, una obra compuesta por tres paneles con goznes, que recuerda a un retablo y que se coloca en el suelo. Esta obra fue creada por Basquiat en homenaje a Warhol, tras la muerte de éste.

El panel central es una puerta pintada de color plata, el mismo color plateado de la peluca que lucía Andy Warhol; sobre ella, Basquiat escribió “Perishable” (perecedero) dos veces, y después garabateó sobre la palabra con signos, como si los hubiera hecho enfadado.

El panel de la izquierda muestra un crucifijo amarillo y un tulipán negro, y el panel derecho representa una de las cabezas con los ojos en blanco característicos de los personajes que creaba Basquiat. En los cuadros que realizaban conjuntamente Basquiat y Warhol aparecían muchos tulipanes rojos y blancos, pero en esta obra el tulipán es negro. 15

15 Warhol, Basquiat, Clemente. Obras en Colaboración, p. 49.

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Figura 8. Gravestone, Jean-Michel Basquiat, 1987.

Bananas, 1984 (Fig. 9).

Bananas es un cuadro que se produjo en colaboración con Andy Warhol. En este tipo de obras, realizadas por ambos artistas, se pueden observar con claridad los recursos tanto de Basquiat como de Warhol en sus obras independientes y personales. Bananas es una obra importante para entender el proceso de colaboración además del enfoque individual y temático de cada uno de los artistas. Al parecer, Warhol trabajó primero con el lienzo, pintando la silueta de una mano en rojo; después, Basquiat le dio la vuelta al lienzo y dibujó una línea negra a lo largo del borde de éste; luego añadió más elementos.

Warhol le volvio a dar la vuelta al lienzo y pintó el logotipo azul GE, y después, en rojo, el precio de “$4'99”.

De todos modos, hay veces en las que se hace difícil reconocer qué es lo que hizo Basquiat y qué es lo que hizo Warhol. El mismo Warhol afirmó: “Primero lo dibujé y después lo pinté como Jean-Michel. Creo que los cuadros que hacemos juntos son mejores si no se sabe quién hizo

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Figura 9. Bananas, Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, 1984.

qué”.16

El cuadro en sí parece como si se tratara de un cartel publicitario: los precios en oferta, los símbolos del dólar, los de las marcas, los plátanos, los cartones de leche... Son elementos de la vida cotidiana, del día a día.

En cualquier caso, Bananas es un cuadro que, para comprenderlo, debería poder verse desde todos los ángulos, rotarlo una y otra vez -al igual que lo hicieron los autores del mismo- y contemplarlo desde los distintos puntos de vista. Si le damos la vuelta, se pueden ver con más facilidad formas de manos, signos y símbolos, textos o letras...

2.2. Relaciones y comparativa entre sus obras.

La obra de Basquiat se puede diferenciar en tres etapas.

En la primera etapa, que dura de 1980 hasta el 82, Basquiat utiliza gestos pictóricos en el lienzo, utilizando una figura para representarse a sí mismo que recuerda a un esqueleto, una evidencia de su obsesión por la muerte; también se puede encontrar iconografía de su vida callejera: los grafitis, palabras, formas que parecen ser edificios...

Probablemente, la obra de Basquiat también fue influida por otros artistas del siglo XX como Pollock o Picasso. Se debe recordar que Basquiat había visitado los museos más importantes de la ciudad de Nueva York cuando era pequeño, entre los que se encontraba el Museum of Modern Art, donde probablemente se inspiraría y recogería esa información que plasmaría de un modo u otro en sus futuras obras. Cuando comenzó a trabajar en lienzo se sintió atraído por el trabajo de Pollock a principios de los años cuarenta, con sus formas densamente pintadas superponiéndose unas a otras, dibujando sus contornos y con su escritura. Basquiat también compartía con Pollock su atracción por las imágenes de las culturas anteriores. Más tarde se internaría en el arte rupestre de manera más plena en obras basadas directamente en dibujos de cuevas africanas. Él personalizó el concepto de darle su propia firma estilística con líneas gruesas como el goteo del aceite, letras y un hueso. Probablemente también vio y admiró las obras tardías de Picasso cuando éste volvió a dibujar y a pintar como un niño, empleando colores intensos, líneas trazadas de un golpe y figuras de la naturaleza en su anatomía y deformadas, un estilo parecido al de Basquiat.

Sus obras de 1980 y 1981 tenían como tema Nueva York, y en concreto la vida urbana en las calles, debido a que había decidido voluntariamente vivir en éstas. Se puede ver cómo las obras de esa época tenían temas frecuentes de las calles como accidentes automovilísticos, en concreto, un coche de viajeros y un camión de leche que chocan bajo la ventana de un bloque de pisos, o un horizonte

16 Diaries, p.566.

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esbozado en las casas de la ciudad, con antenas de televisión en los tejados, carteles comerciales en las fachadas, aviones y la luna en el cielo.

Algunas de sus obras tempranas están firmadas como “SAMO”, lo que indica que el artista no había rechazado por completo su faceta anterior de artista callejero, ya que sus cuadros son un homenaje a la vida en la calle y a la existencia de ésta.

A finales de los ochenta, cuando había encontrado un domicilio más o menos fijo y había dejado la pintura de frases “SAMO”, ya tenía dinero para comprarse materiales de pintura; fue entonces cuando se consolidó como artista. Exploró técnicas y estilos y desarrolló su vocabulario de temas, motivos y elementos simbólicos.

Los métodos y materiales que utiliza en esta época proceden de la calle, como un trozo suelto de lona colgado de una paleta desechada de madera sin sujetarlo por los lados o el fondo, de forma que quede visible el soporte de madera. Debido a su costumbre de pintar en la calle sin poder utilizar lienzo, Basquiat pinta en cualquier superficie disponible como puertas, ventanas o cajas.

En el segundo período, desde finales de 1982 hasta 1985, aparecen pinturas de varios paneles y también lienzos individuales en los que se ven varas de camillas con superficies densas, escritura, collages e imágenes sin relación aparente. En estas obras se ve el interés en la identidad negra e hispana que él tenía y su identificación con acontecimientos y personajes famosos de raza negra. Para Basquiat, su madre siempre fue muy importante y por ello adquiría un gran interés en esta temática.

En esta segunda fase de su trabajo, Basquiat se centra en temas del mundo negro y desigualdades sociales, y aumenta su vocabulario de imágenes y personajes populares. Comenzó a utilizar una singular estructura de lienzo. En el soporte se empleaban cuatro tiras de moldura, cruzadas en las esquinas y atadas juntas con cordel. La tela se estiraba entonces sobre las varas, dejando visibles las esquinas. Daba un efecto de una obra sin pulir, hecha a mano, de aspecto primitivo que recordaba a los escudos africanos, los instrumentos polinesios de navegación, los objetos españoles de culto... Las obras de este período muestran una obra más complicada.

Los collages siempre le habían llamado la atención y fue en esta época cuando añadió con gran libertad dibujo y fotocopias encoladas tomadas de su propia obra. Durante esta fase intermedia vivió el surgir más pronunciado de los iconos del pop, arte en el cual se representan personajes de dibujos animados o tebeos, personajes famosos y alusiones a la anatomía, al dinero... Basquiat introdujo estos elementos en su obra, ya que siempre había sido un gran admirador de éstos. Le

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resultaban muy atractivas las imágenes de dibujos animados de personajes urbanos peleándose a puñetazos. Esto está vinculado con la veneración que sentía por los boxeadores negros y con sus frecuentas alusiones por escrito al boxeo negro.

Los cuadros pintados por Basquiat en su segunda etapa muestran un gran conjunto de sus muchos intereses y energías, y las palabras describen los temas que son de importancia para él. Incluía en sus obras palabras que veía llenas de sentido, en especial las relacionadas con sus preocupaciones en cuanto a problemas de raza o derechos humanos.

La última etapa, que se inicia aproximadamente en 1986 y concluye con su muerte en 1988, muestra un tipo de descripción figurativa, con un nuevo estilo pictórico en el que los símbolos, el contenido y las fuentes son distintos. Parece como si el artista hubiese roto con su iconografía anterior habiéndose hecho demasiado familiar y cómodo y hubiese seguido hacia adelante, adentrándose en un nuevo territorio.

En los últimos cuadros se puede ver un mensaje de desilusión y derrota. Este grupo de obras tardías también se caracteriza por un cambio en el estilo pictórico. Los anchos trazos en varias direcciones a un solo golpe, con pintura debajo y encima, zonas enteras de imágenes dibujadas y pintadas quedan tapadas, dando paso a áreas monocromas de color y que sirven de fondo a figuras aisladas. Los personajes también son planos, con menos detalle.

Podemos ver la gran variación en las obras tardías, lo que nos hace ver que Basquiat exploraba un nuevo vocabulario. Buscaba nuevos medios para expresar su preocupación por temas raciales, por ejemplo, y para no ser reconocido sólo por sus calaveras o por sus homenajes a músicos famosos de color. Pero este deseo de cambiar se fue apagando por el consumo de las drogas, que acabaron con su vida.

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3 . CONCLUSIONES . Los análisis realizados de las obras sólo destacan como sugerencias,

ya que el verdadero significado de estas obras de Basquiat se esconde en los lienzos, en sus pinceladas, en sus trazos, sus garabatos...

Con sus cuadros quiso mostrar al mundo su dolor interno, su opresión racial, su vida, y dejar en sus obras un legado que perdurase.

Las obras de Jean-Michel Basquiat permiten contemplar la evolución que tuvo el artista desde su juventud, cuando se comenzó a relacionar con el graffiti, hasta que acabó exponiendo sus obras por galerías y museos de las ciudades más importantes del mundo; cómo todas las influencias que tuvo en su vida y el entorno en el que se relacionó permitieron llevar el arte de Basquiat a donde se encuentra actualmente.

4 . BIBLIOGRAFÍA . 4.1. Bibliografía específica.

Clement, J. 2003: La viuda de Basquiat. Barcelona, Debate.

Marshall, R. 1992: Jean-Michel Basquiat: Ahuyentando fantasmas. Nueva York, Whitney Museum of American Art.

Speranza, G. 2002: Warhol, Basquiat, Clemente. Obras en colaboración. Madrid, Ediciones Aldeasa.

4.2. Bibliografía general.

Zuffi, S. 2001: 1000 años de pintura. Milán, Electa.

4.3. Internet.

Página oficial de Jean-Michel Basquiat: http://basquiat.com/

Obras de Jean-Michel Basquiat: http://www.wikipaintings.org/en/jean-michel-basquiat

Documental sobre el artista: http://www.youtube.com/watch?v=foerFJqupYM

Documental sobre Basquiat en tres partes: http://www.youtube.com/watch?v=cpEOaQ3hEuY

Entrevista a Basquiat en TV Party: http://www.youtube.com/watch?v=f-Yv7j2cGAs

Basquiat, la película (enlace a información de la misma): http://www.filmaffinity.com/es/film798131.html

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5 . ÍNDICE DE ILUSTRACIONES . (Por página):

Imagen de portada: Logo de Jean-Michel Basquiat.

p. 5: figura 1. Fotografía de Jean-Michel Basquiat realizando graffitis de SAMO, 1980.

p. 9: figura 2. Basquiat en su estudio, 1987.

p. 12: figura 3. Arroz con pollo, Jean-Michel Basquiat, 1981. Pintura acrílica y lápices de óleo sobre lienzo. 172,7 x 213,4 cm. Colección de Felipe Grimberg.

p. 14: figura 4. Autorretrato, Jean-Michel Basquiat, 1982. Pintura acrílica, lápices de óleo y pintura de espray sobre lienzo. 193 x 238,8 cm. Colección de Bo Franzen.

p. 16: figura 5. Bombero, Jean-Michel Basquiat, 1983. Acrílico y lápices de óleo sobre lienzo. 165,9 x 229,9 cm. Kitakyushu Municipal Museum of Art, Japón.

p. 18: figura 6. Jim Crow, Jean-Michel Basquiat, 1986. Lápices de colores y pintura de espray sobre madera. 206 x 204 cm. Colección privada.

p. 20: figura 7. Riding with Death, Jean-Michel Basquiat, 1988. Acrílico y lápices de colores sobre lienzo. 249 x 289,5 cm. Colección privada.

p. 22: figura 8. Gravestone, Jean-Michel Basquiat, 1987. Acrílico y lápices de colores sobre madera y otros materiales reciclados. 140 x 172,4 cm. Colección privada.

p. 23: figura 9. Bananas, Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, 1984. Acrílico sobre tela. 193 x 249 cm. Colección Bruno Bischofberger, Zúrich.

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