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La cultura del litoral en el diseño para marcas
Diseñador Alan Berry Rhys
Diseño Gráfico
Mateo Olivera
Legajo 0091366
Introducción a la investigación
Prof. Ana Lía Monfazani
2020 – 2° cuatrimestre
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SINSTESIS
Se realizó la investigación sobre ocho trabajos del diseñador Alan Berry Rhys, con el título “La cultura del
litoral en el diseño para marcas”. Los trabajos fueron seleccionados, partiendo de la base de que debían
contener dicha cultura, observando los que mantenían una paleta de colores más osadas y saturadas. Una
combinación de colores no tan convencional. Por otro lado, se tuvo en cuenta la composición y como se
entrelazaban las figuras y como convivían en la composición gráfica. Esto hace
La investigación tiene un carácter cualitativo y se realizó una observación documental, ya que se
recolectaron los datos y se observaron los elementos realizados por el artista. Donde se procedió a verificar
el marco conceptual de la disciplina, el diseño gráfico, y luego se elaboraron las preguntas problema sobre
el recorte de la cultura del litoral. Para el cual obtuvimos las respuestas realizándole una entrevista a Alan,
donde nos comentó sobre sus trabajos, experiencias, proyectos, quien nos dio consejos y se entablo una
charla fluida, entretenida.
REFLEXIÓN SOBRE EL PROCESO DE INVESTIGACIÓN
Cuando se planteó buscar un diseñador y una problemática o recorte para investigar me genero mucha
duda, ya que no tenía los conocimientos básicos del diseño gráfico. A medida que fue cursando el
cuatrimestre y fui viendo contenidos, teorías, practica y empecé a tener una observación más analítica dentro
del diseño, me pude ir dando cuenta de cómo realizar una observación correcta de las piezas gráficas
seleccionadas. En donde tenía que hacer el análisis utilizando mi marco teórico y no salirme de este. El cual
no conocía a fondo. Fui obteniendo herramientas de investigación y teóricas de mi disciplina que me
ayudaron en el proceso y al momento de tener que analizar las piezas para llegar a una conclusión y poder
obtener las respuestas que necesitaban mis preguntas. De igual manera al momento de realizar la entrevista
se confirmaron las observaciones que había realizado y me aporto más para completar mi análisis sobre
esas obras. La investigación me ayudo a adquirir nuevos conocimientos y conceptos que antes no poseía,
ya sea de la carrera como de la materia. A pesar de que se deban cumplir con ciertas formalidades y
estructuras, supe llevarlo a cabo.
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La cultura del litoral en el diseño para marcas
Diseñador Alan Berry Rhys
Diseño Gráfico
Mateo Olivera
Legajo 0091366
Introducción a la investigación
Prof. Ana Lía Monfazani
2020 – 2° cuatrimestre
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Índice
1. Introducción……………………………………………………………………………………………… p. 6
2. Desarrollo: La cultura del litoral en el diseño para marcas.…………………………………………p.13
a. Cultura del litoral: mitología, vivencias y hábitos………………………………………………..p.13
b. Elección de historias para la creación de la pieza gráfica……………………………………...p.14
c. Herramientas para la elaboración de la composición…………………………………………...p.14
d. Centros de inspiración: comenzando a la composición………….…………………….............p.15
3. Conclusión...……………………………………………………………………………………………...p.17
4. Bibliografía…………...…………………………………………………………………………………...p.18
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INTRODUCCION
El objetivo de esta investigación es analizar e investigar ocho trabajos del diseñador Alan Berry Rhys (véase
imágenes 1 a 8), los cuales fueron seleccionadas por su trabajo con dicha cultura y su composición gráfica,
se seleccionaron las que poseían una paleta de colores más osada y dependiendo su composición. Se
buscó, también, comprender el proceso creativo que lleva a cabo para obtener la pieza grafica final. Se
buscó analizar de donde provenían las historias que se cuentan y como estas se entrelazan con las demás
piezas que se encuentran dentro de la gráfica, refiriéndose a colores, tipografías, formas y contrastes. Se
elaboraron preguntas problema en base al tema seleccionado ¿cómo es el proceso para elaborar la gráfica
basándose en la cultura del litoral? ¿Cómo es la selección de las historias de dicha cultura? ¿Qué recursos
utiliza para llegar a elaborar la pieza gráfica final? ¿qué herramientas utiliza? ¿Cómo es la selección de la
paleta de colores? ¿qué complementación le da a la comunicación? ¿Cómo fue el desarrollo de la tipografía?
¿cómo se relaciona con las figuras? ¿cuáles son las características más relevantes dentro de la gráfica?
¿cómo es el proceso de desarrollo para las marcas? Para contestarlas se realizó una observación
documental y se utilizó como técnica una entrevista con Alan Berry.
Objetivos generales
1- Analizar el uso de la cultura del litoral en los diseños de Alan Berry para diversas marcas.
2- Indagar sobre el proceso de creación de las placas graficas que crea Alan.
Objetivos específicos
1- Describir las paletas de colores que se utilizan.
2- Investigar las historias utilizadas y como son plasmadas con la importa del diseñador.
3- Describir la tipografía que utiliza.
4- Investigar cómo se relacionan las figuras en la imagen.
5- Indagar sobre las historias que el diseñador plasma y si, efectivamente, se interpreta en los diseños.
Metodología
Cualitativa, basadas en una entrevista que se realizó a Alan Berry Rhys, diseñador independiente. En la
observación documental de las diversas placas graficas que hacían referencia a la cultura del litoral, logos,
prendas, afiches, serigrafías y libros.
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Marco teórico
Colores
Dentro de muchas disciplinas la teoría del color es un componente básico que se debe tener en cuenta a la
hora crear, diseñar, producir. El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz y los
objetos devuelven la luz que no absorben hacia su entorno.
Goethe, poeta alemán, propuso la teoría del color como un material esencial para la comprensión de las
variables del fenómeno del color y su aplicación. “la obra sobre el color que más influyó en que tanto los
científicos como el público en general prestaran atención a una serie de fenómenos cromáticos físicos y
psicológicos a lo largo del siglo XIX y posteriormente en el XX” (Gage, 2001). Goethe, quien fue el creador
del circulo cromático, hace énfasis en la reacción del ojo sobre el color, quien indica y afirma que el color es
un grado de la oscuridad, “El color en sí mismo es un grado de la oscuridad” (Goethe, 1992). Hace énfasis
en lo que nos producen los colores, lo indescriptible que nos sucede al observarlos. “En contraposición a la
física newtoniana, Goethe se propuso el desarrollo de una física cualitativa, de la experiencia,
«absolutamente independiente de las matemáticas»1 (Goethe, 1951, pág. 1.982). Para Goethe, la
interpretación newtoniana del color era algo así como describir una rosa en términos de un conjunto de
partículas subatómicas de color rojo uniforme: ignorar totalmente la esencia y la belleza de la flor. Por este
motivo planteó una observación a la naturaleza que se ocupara de los colores, pero no en cuanto ciencia
natural, sino como conocimiento filosófico que surge de la práctica artística” (Brusatin, 1986).
Circulo cromático.
Goethe toma de otros artistas, filósofos y científicos sus teorías del color para darle un cierre, creando así el
circulo cromático, conformado por púrpura, rojo, amarillo, verde, cian y azul oscuro que se pueden observar
con la descomposición de la luz donde podrán encontrarse otras tonalidades e intensidades. “Es al círculo
cromático al que Goethe dedicará más atención. El círculo cromático será para el poeta una imagen que
cumplirá la función de presentar visualmente la totalidad de su Teoría, cuya morfología servirá de soporte
para graficar las cualidades expresivas del color y sus relaciones intrínsecas, pero también, a diferencia de
teorías y modelos de épocas y autores anteriores, proporcionará una estructura para visualizar las
asociaciones culturales o simbología de los colores” (Calvo 2010). Este círculo representa hoy en día la
teoría del color como la conocemos, el circulo cromático es la referencia más latente para poder divisar el
color y sus componentes. “A estos tres o seis colores, que caben cómodamente en un círculo, se circunscribe
la teoría elemental de los colores. Todas las demás variedades, cuya gama es infinita, se relacionan más
bien con la técnica aplicada, el oficio del pintor y del tintorero y, en un plano general, con la vida” (Goethe,
1992). Goethe expresa como los colores poseen distintas tonalidades, pero estos jamás podrán observarse
dentro del circulo porque no parten desde un inicio sino son variaciones que realiza el interventor. (Véase
imagen 9)
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Tipografía
Cuando se requiere realizar una comunicación visual, un elemento imprescindible para maximizarlo y captar
la atención es localizar la tipografía adecuada. Por lo cual esto no debería realizarse aleatoriamente, sino
que debería realizarse en conjunto con los demás elementos que completen las placas gráficas. Es
importante destacar que la importancia tipográfica en el mensaje es tal que habitualmente puede prescindir
de otros elementos que la apoyen y aun así lograr una efectividad óptima de comunicación. “la tipografía
posibilita la conveniente interpretación de la iconografía dentro en los distintos objetos gráficos, facilitando
así la comprensión y por ende la comunicación.” (Calles 2012).
Al generar una comunicación visual también se debe tener en cuenta el receptor del mensaje, el diseñador
como emisor realiza una comunicación que llega a un receptor el cual puede mal interpretar el mensaje o
bien no comprenderlo. Por ello también depende de que el receptor sepa leer y entender el idioma, es decir,
que no siempre el no entender un mensaje es sinónimo de que este mal elaborado el diseño. “No confundas
legibilidad con transmitir un mensaje. Que algo sea legible no significa que comunica. Más aun, no significa
que comunico lo deseado” (Carson, 2003). Se puede realizar una excelente comunicación, una buena pieza
gráfica, pero también hay factores que escapan a las posibilidades de inspección del diseñador. Pero para
ello y para omitir errores de comunicación esto debe estar acompañado de una composición grafica
pertinente, que acompañe a la tipografía. “Diseñar con tipografía no es meramente registrar discursos o
construir herramientas mnemotécnicas; es producir artefactos visibles con propiedades lingüísticas para
controlar su interpretación.” (Calles, 2012).
Calles, diseñador gráfico mexicano, afirma que la tipografía no es únicamente registrar frases, discursos,
etc. Es producir valores visuales con propiedades para poder guiar la interpretación, llevar al receptor del
mensaje al camino que se quiere llevar, no solamente una acción del azar por completar una parte de la
imagen y rellenar. Insiste en la importancia de la tipografía como una selección consiente que lleva a una
correcta comunicación.
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Identidad de marca
La identidad de marca o imagen de marca representa lo que esta representa, sus valores, objetivos, como
quiere impactar en el mercado y a quien quiere dirigirse. Por todo esto es de gran importancia que se atienda
y que a la par del crecimiento de la empresa, evolucione. “El público recibe continuamente mensajes
transmitidos de manera intencionada o no intencionada. Es la manifestación visual de una empresa o
asociación por medio de la forma, el color y movimiento, con el objeto de representar de manera coherente
y tangible una identidad corporativa.” (Costa).
Dentro de la imagen de marca podemos encontrar varios puntos importantes, los cuales deben ser
desarrollados en conjunto, ya que cuentan una jerarquía propia pero que hacen al conjunto. Principalmente
tenemos el nombre de la organización, es lo que se requiere para que sea reconocida, nombrada y
diferenciada. En donde intervienen diversos factores, los cuales deben remitir a la imagen que se quiere dar,
puede referirse al servicio o producto que se distribuirá, donde el encargado deberá emplear la creatividad
para ser un nombre breve, fácil de pronunciar, y esto ayudará a su memorización y permanencia en la mente
del público.
Luego, el logotipo, donde se le deberá dar una iconicidad una gráfica para que sea reconocida. Donde se
podrá emplear hasta el nombre de la empresa realizado con cierta identidad y originalidad utilizando un
lettering o bien una composición gráfica. “…es el primero de los signos visuales de identidad. Forma
particular que toma una palabra escrita con la cual se designa y al mismo tiempo se caracteriza una marca
comercial, grupo o una institución”. (Costa). Dentro de este aspecto podemos encontrar diversos logos que
varían según la necesidad y selección del encargado de la imagen de marca. Utilizando únicamente un logo
o bien un logo con una comunicación tipográfica.
Un aspecto fundamental dentro de la imagen de marca es el color, el cual posee connotaciones psicológicas,
donde evocan diferentes sensaciones y emociones, de esta forma lo que se logra es realzar la identidad y
reforzar la identificación de una marca. “El color es sensorial e individual, subjetivo, por tanto. La psicología
clasifica sus percepciones adjudicándole significados, y atendiendo a las funciones que en él se aprecian”
(J.C. Sanz). El lenguaje del color es usado en la creación de productos, en el diseño, decoración, publicidad,
etc. Donde consiente o subconsciente actúa sobre el espectador creando sensaciones perceptibles.
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La cultura del litoral en el diseño para marcas
1. Cultura del litoral: mitología, vivencias y hábitos.
Como eje principal de la investigación se tiene a la cultura del litoral, que comprende las provincias de Entre
Ríos, Santa Fe, Chaco, Formosa, Corrientes y Misiones. Se realizó una investigación sobre sus costumbres,
creencias, dioses, hábitos y su mitología, donde se entablo una relación paralela con las obras de Alan Berry
Rhys quien dio un giro contemporáneo a las historias que se encuentran sumergidas en el litoral. Estas
historias relatan la vida de sus divinidades y seres mitológicos que alguna vez, dicen los lugareños,
caminaron por estas provincias y sus países limítrofes. Luis Guillermo Blanco (2010) expresa que “Ligados
a la región geográfica en donde se dice que y transmitidas estas creencias generacionalmente por tradición
oral, muchos de esos seres reciben un culto, se les venera, se les hace pedidos y se les dedican ofrendas,
y, en general, a todos ellos se les teme, pero, por sobre todo, se los respeta”.
Alan cuenta estas historias de una forma novedosa, gráfica y moderna dándoles vida nuevamente,
tomándolo como una entidad personal y para diversos emprendimientos u empresas que así lo requieran.
Dentro de esta cultura la deidad más conocida, a nivel internacional, es la diosa de la tierra, la pachamama.
Quien se conoce en muchas regiones de Latinoamérica y del mundo. “Una de las que van a conocer todos
es la pachamama que es la más conocida, a nivel internacional y que es la madre tierra, que en una
oportunidad hice mi versión para una revista” cuenta el diseñador (véase imagen 8). Pero dentro de las
gráficas realizadas por el diseñador encontramos como un pilar muy fuerte a la historia del Yaguareté-Aba,
es un brujo o chaman que cambia de forma a un yaguareté (según la etimología del nombre en guaraní
significa verdadera fiera) y ataca los pueblos en busca de comida. “La historia de yaguareté-aba es de las
que más me atrapo, es el pie grande latinoamericano, hice muchas ilustraciones de eso para distintas
marcas. Es más, lo cómico es que allá a los nenes que no quieren dormir o hacer la tarea, no es mira que
te lleva el hombre de la bolsa, es mira que te lleva el yaguareté-aba” expreso Alan en la entrevista realizada.
Es una leyenda que no es conocida si no es por gente de estas zonas o aledañas, pero cuando se observan
las obras del artista, uno está obligado a investigar quien es Yaguareté-Aba, a que hace referencia. En
donde uno comienza a descubrir todo este mundo mitológico que cuenta el artista, pero que si lo observamos
no tenemos la certeza de que es lo que trata esa historia, por lo que sí o sí habría que remitirse a una fuente.
(véase imagen 5 y 10)
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2. Elección de historias para la creación de la pieza gráfica.
El diseñador en los tantos viajes que realizaba por partes del litoral fue recopilando información y empezando
a adaptarla a sus trabajos. Amante de la pesca y con amigos viviendo por estas provincias emprendía viajes
concurridos para practicar este deporte, entre estas salidas fue conociendo a lugareños que compartían la
misma pasión, donde comenzó este interés por esta cultura diferente. Ya que, al compartir noches de
camping, en las cenas, se comentaban estas leyendas. “Cuando terminábamos el día de pesca volvíamos
para comer lo que habíamos agarrado y ahí fue cuando empecé a escuchar estas leyendas que se contaban
de la pachamama, la muerte, el yaguareté-aba, la princesa del lago, y ahí fue como me fui interiorizando y
de a poco investigando por mi cuenta” comenta el diseñador.” Comento Berry (2020).
Se le consultó al diseñador por qué este interés por las historias habiendo tantas cosas para tomar como
inspiración, a lo que respondió Berry (2020) “por qué son historias que cuando las leía, me contaban o
investigaba ya las iba graficando en mi cabeza, son historias que no conocía. Tal vez comparada con otras
mitologías, uno por cultura general sabe sobre mitología griega, la cultura mexicana está llena de
diseñadores que la utilizan para sus proyectos, por ejemplo. En cambio, con estas historias es diferente si
no las escuchas no te van a llegar” explico. Al comenzar con la investigación se descubrió que la información
es acotada sobre estas leyendas, no abunda en la web, pero hay muchos artículos sobre la cultura del litoral
e investigaciones realizadas o bien periodistas que abordan estos temas, se descubrió que hay más material
físico que digital.
Mientras se fue sumergiendo más en estas historias fue recolectando información, libros, puntos de
inspiración, folletos y escribiendo sus vivencias. “Además de usar estas historias de la mitología, uso la
cultura del litoral plenamente. Pongo muy presente al yaguareté que es un icono, a la cultura que abarca
todo el litoral. Entonces es un poco más amplio y abordo otros conceptos” aclara el diseñador (véase imagen
11 y 12). En los trabajos que se observaron del diseñador se ve muy presente al yaguareté que ya es parte
de la cultura de estos lugares y como los fue representando para diversas marcas y lo tomo como una
característica propia de sus diseños (véase imagen 13).
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3. Herramientas para la elaboración de la composición.
Para la puesta en marcha y para encarar un trabajo es primordial conocer y saber que herramientas se van
a utilizar para así tener la organización y ser más eficaces a la hora de abordar el proyecto. Alan Berry
expresa “Parece bastante infantil como arranco un proyecto, pero lo primero es que armo en mi cabeza
como quiero que este distribuida la composición y voy dibujando con papel y lápiz en un cuaderno que tengo.
Ahí es donde tengo todos los trabajos desde que arranque como diseñador, son todos garabatos y sin
detalles. Es más que nada para plantear la idea principal” (véase imagen 14). Esto se podría ver como algo
un poco anticuado al tener todos los medios digitales que existen hoy en día, pero también entra en juego
la comodidad y la costumbre de un diseñador de como arrancar el diseño. Los bocetos que se realizan sobre
trazos de papel son algo escuetos, sin detalle, para no perder la línea y mantener la idea de un eje central
de donde nacerá el afiche, el logotipo o la composición gráfica.
Luego, una vez tenga las ideas principales del diseño lo vuelca directamente a formato digital donde empieza
a generar los detalles y las proporciones de las piezas gráficas. Berry (2020) comenta “Ya una vez que tengo
todo armado en el papel me voy a la tablet o la computadora y paso todo lo que tenía a formato digital, donde
ya puedo empezar a darle más forma. Acá ya le voy dando las proporciones y comienzo con los detalles
para ir dándole vida al proyecto, ya para este punto tengo armado y pensada la paleta de colores, la tipografía
y la relación entre las figuras” (véase imagen 15). Las ventajas de trabajar en este formato digital es la amplia
capacidad de modificación que posee los programas de hoy en día. Ya que poseen una cantidad de
herramientas que hacen que la construcción de la pieza gráfica sea más cómoda y veloz, además de que
los trabajos salen para el cliente con una resolución adaptable para las necesidades que tenga.
4. Centros de inspiración: comenzando la composición.
Alan cada vez que debe encarar un trabajo ya dispone de bocetos dentro de su cabeza o en el papel, que
fue haciendo, como contamos anteriormente, donde luego dependiendo de los requerimientos de la empresa
o el emprendedor, los ajusta a aquellas necesidades. Pero para poder llegar a estos bocetos o a una pieza
final no todo se asoma desde una chispa de creatividad sino también de la experiencia, desde la observación
y otros puntos de inspiración.
a. Composición de figuras.
El diseñador a la hora de componer las figuras tiene varios puntos de referencia e inspiración, como
comentamos antes, utiliza como trasfondo de la figura la mitología y cultura del litoral. Pero para llevar a
cabo la pieza final se guía en base a otros puntos de referencia. Berry (2020) nos cuenta “Cuando tengo
que empezar a componer una figura de base tengo las historias que conozco y con eso empiezo a jugar y
componer las piezas. Pero con eso armo la situación en las que lo voy a poner, ahora en la estética que
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llevan me guio mucho por ilustraciones antiguas, tengo carpetas armadas con referencias que me ayudan.
Pero una gran referencia que uso es la mitología griega que tiene mucho contenido para investigar”. Como
comenta el diseñador, tomando de ejemplo la mitología griega, podemos encontrar películas, objetos,
imágenes, recreaciones, dibujos, cuentos, libros y hasta documentales donde explican cómo fue el paso de
esa cultura por la tierra. De ahí el diseñador obtiene mucha inspiración. Se puede observar en muchos de
sus diseños como las figuras humanas dan una imagen a como realizaban las ilustraciones en la antigua
Grecia, se logra notar desde el peinado hasta las terminaciones de las manos, donde es más delicado. Que,
si lo comparamos con la cultura guaraní, esta es algo mucho más abrupta, incluso más difícil de descifrar a
simple vista ya que no posee muchos de detalles, donde se realizaban más esculturas que pinturas. (véase
imagen 16 a 18).
b. Utilización de colores
Con respecto a los colores que se utilizan en las composiciones son colores saturados, llamativos, queriendo
tener la atención del público en todo momento. Berry (2020) confirma “Como te comenté, cuando llego a la
composición de la pieza ya tengo la paleta de colores pensada, trato siempre de seguir una línea de colores
que me remonten al litoral, donde ahí es todo más colorido y trato de exagerar eso. Son paletas que ya tengo
armadas y dependiendo la composición la implemento para que me complete la composición, no es para
nada al azar. En un punto busco que esos colores sean como la carnada viva para el público.”. Al observar
las piezas se pueden ver que muchas de estas usan colores muy saturados, muy llamativos y brillantes, que
hace alusión a las carnadas que se usan en la pesca (véase imagen 19 y 20).
c. Haciendo la tipografía y caligrafía.
A la hora de analizar la tipografía que utiliza el diseñador se ve que va por el recurso de la caligrafía. Berry
(2020) cuenta “Cuando estudié diseño tuve caligrafía, y ese recurso lo sigo utilizando. Todo lo hago a mano,
me guio tal vez con alguna tipografía, como por ejemplo la Helvética, pero la llevo para el lado que me parece
que más complementa a la historia o que combina mejor. Obviamente uno se tiene que amoldar al cliente,
pero lo más interesante es crearlas en tus diseños, le das otra impronta y otro valor”. Confirmando la
observación de que en estos diseños del litoral se guía con tipografías para elaborar las letras, lo que se
llama lettering, teniendo como punto de inspiración carteles antiguos o los afiches que se realizaban en la
antigüedad donde la publicidad era elaborada a mano. Berry (2020) explica “tengo un fanatismo por los
afiches antiguos que se realizaban a mano, artesanalmente, por personas que vivían de eso. Lo que quiero
representar con estas tipografías que realizo. es el contexto en el que transcurrían estas historias y que se
acople todo en un mismo contexto”. Al realizar la observación se pudo observar como realiza la tipografía
con rotuladores y lápices para luego pasarlo al formato digital. Una vez realizado este paso, las incorpora
en sus diseños para complementar la composición (véase imagen 21).
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CONCLUSIÓN
Durante el desarrollo se pudieron responder todas las preguntas que se habían planteado desde un principio,
con la observación, el análisis de la teoría frente a las piezas gráficas y la entrevista realizada. Se pudo
visualizar como Alan sigue una línea dentro de todos sus diseños y como comienza este interés dentro de
la cultura del litoral. De donde provienen sus centros de inspiración y cuales son. También el por qué se
utiliza una paleta de colores tan saturada, donde el propósito es llamar la atención del cliente o consumidor
haciendo alusión a la carnada artificial que se utiliza para pescar. Pero que, por otro lado, los que observan
esas piezas deban investigar sobre quien es, por ejemplo, Yaguareté-Aba y a que hace referencia ya que
no es de carácter popular como puede ser otro personaje. Donde se llega a la conclusión de que las
empresas utilizan estas piezas de la cultura del litoral y de su mitología para sus marcas ya que tiene una
originalidad particular y una impronta que acompaña al diseñador.
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Bibliografía
- Ingrid Calvo (2010) Teoría de los colores de Johann Wolfgang von Goethe. Recuperado el 29 de
octubre del 2020, de http://repositorio.uchile.cl/bitstream/handle/2250/144576/cuatro-
aproximaciones-a-la-teoria-de-los-colores.pdf?sequence=1&isAllowed=y
- Paco Calles (2012) Más allá de la forma: tipografía semántica. Recuperado el 29 de Octubre del
2020, de http://www.monografica.org/04/Art%C3%ADculo/5892.
- Luis Guillermo Blanco (2010) Sobre seres sobrenaturales míticos argentinos. Recuperado el 29 de
octubre del 2020, de https://www.ellitoral.com/index.php/diarios/2010/06/28/opinion/OPIN-05.html
- Leo Motta (2020) Yaguareté-abá, el legendario hombre tigre. Recuperado el 29 de Octubre del 2020,
de https://misiones.italiani.it/scopricitta/yaguarete-aba-el-legendario-hombre-tigre/
- Gabriela Bustos Rojo (2012) Teorías del Diseño Gráfico. Viveros de Asís 96, Col. Viveros de la Loma,
Tlalnepantla, C.P. 54080, Estado de México: Editorial Red Tercer Milenio.
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La cultura del litoral en el diseño para marcas
Diseñador Alan Berry Rhys
Diseño Gráfico
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Introducción a la investigación
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Piezas graficas a observar.
IMAGEN 1
Composición para la empresa textil REVOLVER
IMAGEN 2
Composición para la empresa textil REVOLVER
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IMAGEN 3
TAPA DE DISCO, ALBUM “LA VETERANA”; “SOLO UN POCO” PARA LA BANDA YANGA.
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IMAGEN 4
TAPA DE DISCO HOMENAJE DE MAGIN DIAZ
IMAGEN 5
COMPOSICIÓN PARA FACON ARGENTINA
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IMAGEN 6
IDENTIDAD DE MARCA PARA “CERVERZA
FIERA”.
IMAGEN 7
COMPOSICION PARA MARCA TEXTIL
REVOLVER.
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IMAGEN 8
COMPOSICIÓN PARA REVISTA
CREATIVEBOOM.
Madre de la naturaleza, que en guaraní significa
madre de todo.
IMAGEN 9
TEORÍA DEL COLOR.
Figura 1. Teoría del color. Recuperado de https://decofilia.com/color-y-decoracion-el-circulo-
cromatico-i/
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IMAGEN 10
Escultura en San Ignacio, Misiones, que representa al Yaguareté-Aba. El hombre que se convierte en
yaguareté.
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IMAGEN 11
El remanso, packaging diseñado por Alan
Berry.
IMAGEN 12
Banner realizado para marca Fiera Cerveza.
Utilizado para el local.
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IMAGEN 13
Trabajos del diseñador donde figuran los yaguaretés.
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IMAGEN 14
Figura 3. ARGENTINIDAD, POR ALAN BERRY RHYS. Recuperado de http://www.distritoarte.com/alan-
berry-rhys/
IMAGEN 15
Figura 8. ARGENTINIDAD, POR ALAN BERRY RHYS. Recuperado de http://www.distritoarte.com/alan-
berry-rhys/
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IMAGEN 16
Representación de la antigua diosa Atenea Minerva.
Figura 1. Recuperado de https://www.etsy.com/es/listing/451505380/decoracion-de-la-pared-de-la-
impresion?epik=dj0yJnU9Mkc1ZHlNclo4U3VjQV9zdzZ2TmxGT0w3R2g1cXUySGYmcD0wJm49ZlB4VFdT
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IMAGEN 17
Restauración de obra de la antigua Grecia. Donde se observan las terminaciones comparadas con las
obras del diseñador y la comparativa con las figuras humanas representadas.
Recuperado de https://i.pinimg.com/564x/85/15/0b/85150bb187fa3ed4e3048eb627001fc2.jpg
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IMAGEN 18
Diseño de Alan Berry sobre TACA, una princesa guaraní que cuidada la aldea de los ataques de los
yaguaretés.
Diseño utilizado por la marca Revolver.
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IMAGEN 19
Señuelos de pesca artificiales.
Recuperado de https://www.takemefishing.org/es/tipos-de-senuelos-artificiales/
IMAGEN 20
Señuelos artificiales con colores similares a los que se utiliza dentro de las gráficas del diseñador.
Recuperado de https://fishingsuperbait.com/es/tipos-de-senuelos-de-pesca-artificiales/
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IMAGEN 21
Alan realizando la tipografía, previo a pasarlo al formato digital.
Figura 6. ARGENTINIDAD, POR ALAN BERRY RHYS. Recuperado de http://www.distritoarte.com/alan-
berry-rhys/
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Entrevista al emprendedor Alan Berry
La cultura del litoral en el diseño para marcas
Se realizó la entrevista con el emprendedor por video llamada, vía zoom, la misma duro aproximadamente
una hora y quince minutos. La charla fue muy fluida y se pudieron hablar de todos los temas que había
pensado y más. Comenzamos hablando un poco de sus estudios, de marcas de ropa para los que está
trabajando, sus actuales proyectos y los que tiene a futuro. Se dejó que se explayara en su totalidad en cada
pregunta que se le hizo y conto sobre todas las marcas que lo contrataron. Se consultó sobre sus puntos de
inspiración, recomendó libros para leer sobre emprendimiento y diseño, comento muchos de sus referentes.
En la entrevista se aprendió mucho del proceso de selección y de inspiración que toman los diseñadores.
La entrevista se focalizo en como nació y de donde proviene la inspiración para utilizar la cultura del litoral.
Que referencias utiliza para llegar a la pieza grafica definitiva. Conto como era el proceso de elaboración y
las herramientas que utilizaba y como. Nos comentó como las marcas se contactan con él y como es el
proceso.
Entrevista.
¿Cómo surge este interés por la cultura del litoral?
Bueno, yo nací en Capital, pero iba mucho a pescar con familiares y en esas idas y venidas fui aprendiendo
mucho sobre la cultura. Más que nada observándolo, me llamaban muchísimo la atención los carteles en la
ruta que estaban en los puestos de pesca. Donde los colores no pegaban ni un poco, pero era más por el
ojo no entrenado, tal vez, del dueño del puesto. Ósea, que era apropósito por gusto propio, y eso me parecía
lo más loco. Te llamaba poderosamente la atención como estaban hechas las letras, como combinaban las
figuras y se comunicaban. Mientras fui creciendo y de más grande, fui mucho para el lado del Paraná con
amigos a pescar. Tengo muchos amigos de esos lados, y cuando puedo me escapo para allá. Ahí fue como
empecé a empaparme de esas culturas y esas historias. Por ejemplo, cuando voy a misiones y veo los
paquetes de yerba que acá no llegan, pero porque son más independientes, el packaging me parece mucho
mejor que las empresas grandes, tiene graficas mucho más interesantes. Al ser empresas chicas los diseños
son muchos más osados y llamativos, no es solo puro marketing, cuentan una historia. A su vez, me gustan
mucho las historias que cuentan los pueblerinos. De ahí, también, un poco nace como esta cosa rara de la
cultura del litoral y como lo impuse también como una marca personal. Ya que muchas empresas me llaman
por estos diseños más inusuales, si se quiere. Después si, fui yo quien se metió y se puso a investigar y ver
qué como es esta mitología. Me compre libros historias y demás que cuentan todo esto.
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¿Qué recursos utilizas para llegar a la pieza grafica final?
Más que nada diseño el sistema de piezas, donde en los libros que leí e historias que escuche, armo la
batalla de las princesas guaraníes que se pelean con yaguaretés, yararás y contra la naturaleza. Yo como,
que voy diseñando los sistemas, veo primero que tengo que armar, el cliente que quiere. Entonces todo el
tiempo voy bajando imágenes, tipográficas, paletas de colores. Que a medida que tengo otros laburos y me
dan la libertad para crear, los uso. Uso mucho el boceto a mano alzada, pero más que nada para tener una
idea macro de cómo voy a encararlo. Si los ves son dibujos de nenes, pero después esas ideas, con
anotaciones y demás los plasmo todo a donde tiene que ir. Así tengo peseteado como va a ser el sistema
grafico de piezas y después lo paso a diseño digital. Muchas de las cosas que hago también las hago en
papel, las pinto y después las paso, pero porque me copa esa cosa más manual de cómo queda. Que
también queda para mí. Utilizo mucho el iPad y la computadora, que la realidad es mucho más cómoda,
puedo cambiar lo que quiera cuando quiera. Tengo todas las herramientas en un solo lugar, puedo agrandar
achicar mover, no me jode nada. Los trazos a su vez son más firmes si se quiere. Uso muchísimo Photoshop,
tiene muchas más herramientas para explotar que otras.
¿De dónde sale la selección para cada pieza, refiriéndose a las historias del litoral?
Como te comentaba, mucho nace de esas idas y venidas para esos lados. Al tener mucha gente conocida
de allá uno se va empapando de esas cosas, son historias que todavía se siguen contando y como voy a
pescar y la movida es fogón, asado y demás. Uno termina hablando de todo. Pero también como me copo
esto de la mitología del litoral me puse a investigar y me puse a ver cómo eran realmente y no solo lo que
escuchaba de conocidos. Saco mucho de libros que tengo, de cuadros. Más que nada me fijo que la historias
estén buenas y que la historia que tengas para contar sea copada y se pueda entender en una pieza gráfica,
por ejemplo, la princesa peleando contra el yaguareté es algo explicito que lo ves al toque. En cambio, hay
algunas que son más difíciles de recrear, pero todo está también en la imaginación de cada uno.
¿Qué recursos gráficos utilizas para recrear las figuras y de donde viene la inspiración?
Mucho saco de paquete de pesca que compre o que eran de mi tía, que tiene una tipografía a mano rara
copada, de los 50 60. Busco por esos lados, tengo muchos cuadros sobre la cultura del litoral en el estudio
y entonces como que eso me va guiando también. Uso mucho de referencia el arte antiguo, por ejemplo,
esculturas romanas, afiches antiguos, cultura guaraní de los libros que tengo, cultura del litoral. Una banda
de cosas, de ahí voy tomando y voy construyendo la pieza final. Me guio mucho con aplicaciones me armo
mis propias carpetas donde tengo todo sobre eso y otros laburos, voy tomando de todos lados un poco. Pero
cada laburo es un mundo, y voy buscando en base a las necesidades que vayan surgiendo distintas formas
de inspiración.
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¿Cómo es la selección de paletas de colores?
Más que nada eso son paletas que voy armando antes, que me copan, colores saturados como son los
envases de yerba, por ejemplo. Eso es más una elección personal, es como cuando los puestos de pesca
usan colores que en el diseño tal vez vos no vez tan cotidiano y que en teoría del color estaría mal que se
combinen. Pero si, son paletas de colores saturadas que me gusta que llamen la atención y que se acoplen
bien con las figuras y la historia.
Ya pienso cómo van los colores desde antes, me encantan los colores. No sé, digo bueno hoy voy a usar
naranja y verde y no van, pero me copa igual como queda. Me parece lo más interesante, que
supuestamente no van juntos, pero no importa, los usos iguales y de todas formas rinde. Digo, bueno que
colores quiero usar y que grafica me bajan esos colores, tengo carpetas llenas de todas estas
combinaciones. Encima allá, por ejemplo, vas y está lleno de verde hace contraste con los carteles que ves.
No es como que entras Patagonia y son todos colores apagados todos colores ocres, vas a misiones y es
todo verde son todos colores llamativos. Entonces, nada, me gustan mucho. Tengo ya armadas las paletas
de colores que voy a utilizar y las bajo a la gráfica que mejor quede.
¿Cómo es la comunicación que hay entre el diseñador y las marcas?
Las marcas se contactan conmigo siempre por mail o por alguna red social, sea Instagram, Facebook o
Behance. Pero más que nada por la ultima, ya que es un portfolio de mis trabajos que está organizado por
estilo, colores, laburos, etc. Una vez que se contactan pactamos una reunión para empezar a ver cómo
encarar el proyecto. Trabajo mucho para afuera, Londres, Australia, nueva Zelanda, es donde me va mejor.
Muchas marcas me llaman para diseñar, marcas reconocidas o no tanto. En argentina también tengo
muchos clientes, pero acá me doy el gusto de poder perfilar los diseños más para mis ideas, que se cómo
puede quedar la pieza final. Muchos me dan esa libertad también, algo en lo que me gusta meterme es en
las gráficas y creaciones de logos para lugares gastronómicos. Es divertido, es un desafío muy bueno para
encarar y estos lugares siempre me dieron la posibilidad de poder desarrollarme libremente. Después están
las marcas que quieren que les hagas los que ellos quieren como ellos quieren, que como en todo trabajo
va a haber cosas que no te gusta, y esta es una de ellas. Te ponen limitaciones, te dicen cómo hacer las
líneas, que quieren que tenga, la paleta de colores. A veces eso desalienta, pero sigue siendo trabajo, la
libertad en el arte está en lo que uno hace y no a lo que uno le dicen que hacer. Tengo proyectos pendientes
con muchas marcas que estamos trabajando, pero por tema pandemia esta todo frenado. Los trabajos que
hago para afuera siguen su curso y como está todo medianamente activo por allá se sigue trabajando y
siguen saliendo. Pero si, dentro de las marcas y el diseñador hay muchas idas y vueltas, a veces tienen
mucha burocracia y eso es desgastante. Un diseño a veces pasa por 20 personas y las 20 personas quieren
opinar de ese laburo y no saben de lo que hablan, pero igual acotan, y está bien les pagan para eso… más
allá de eso el diseño es una de las disciplinas más lindas que hay, la expresión en una hoja es libertad.
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¿Cuál es tu historia favorita de la cultura del litoral?
Todas, la verdad todas están buenas y tiene algo para contar en el papel. Desde la naturaleza o directamente
desde las historias mismas. Pero si tengo que elegir una, voy con la de Yaguareté Aba y la princesa, la de
yaguareté aba es la del hombre que se convierte en yaguareté para asustar a los pueblerinos por el maltrato
a las tierras y la explotación, y la princesa es la historia de una mujer guaraní que pelea contra la yarará que
se comía las gallinas del pueblo y la mata para convertirse en la princesa y después mata al yaguareté que
se comía a los bebes para convertirse en reina, una historia de superación y poderío femenino. Esa es la
mitología guaraní y del litoral, es diversa, es fuerte, es chocante. Ya de por si en esos lugares hay muchas
amenazas en la naturaleza, hay una fuerte creencia por la pachamama. Esta bueno leer sobre eso, son
distintos puntos de vista de cómo ver la vida también.
¿Alguna recomendación de sobre el diseño o algo que quieras agregar sobre estos trabajos?
Sobre la cultura, que está muy buena leerla, aprender sobre otras costumbres. Empaparse sobre otras
miradas de cómo encarar las cosas, no solo es una mitología muchos pueblos viven de forma distintas a las
que conocemos y eso es un parte del todo. Estos trabajos reúnen a muchas culturas, aunque no lo cuente
explícitamente, las mujeres son referencia de esculturas romanas, por ejemplo, el enlace de los elementos
dentro de las piezas graficas son un ejemplo de cómo eran los afiches antes y como lo son ahora en el litoral.
Como conté, los colores, las figuras todo cuenta algo.
Y lo otro, nada que el diseño hay que disfrutarlo, es un proceso de aprendizaje constante, es algo que a
pesar de ser trabajo tiene que ser entretenido y divertido. Cuando ya es una carga, los diseños no salen
como uno espera. Fui docente mucho tiempo y veía a alumnos que se volvían locos por complacer al
docente, pero también hay que entender que en algunos aspectos el diseño es subjetivo y tal vez convences
al docente dándole otra forma, siendo creativo. Mucho se basa en eso, en inventar, investigar, probar, jugar,
diseñar, esto es práctica y error muchas veces. Van a haber diseños que a vos no te gusten pero que al otro
le van a encantar, eso también es parte del aprendizaje y va a haber diseños que a vos te encanten, pero
no se los vas a poder vender a nadie. También hay una parte de oferta demanda que la ves en este mundo
también. Por ejemplo, yo inventé una marca de yerba ficticia porque nadie me contrataba para realizarla y
la hice porque me gusta y eso lo pude exponer como muestra en Londres y a la gente le encanto, fue un
éxito, la pase a serigrafía y la gente la compro. Por eso digo, inventa, proba, uno nunca sabe. Hay que hacer
lo que a uno le guste, aunque se escuche muy cliché. Hay que probar y errar, las cosas en algún punto van
a salir bien.
