Note per l’arte

Venerdì 30 luglio 2010

San Floriano (VR)Tenuta di Squarano, Cantine Marchesi Fumanelli

presenta

Note per l’arteTenuta di Squarano, Cantine Marchesi Fumanelli

30 luglio 2010

Concerto Duo da CameraAnastasiia Dombrovska e Édua Amarilla Zádory

Espressioni di ColoreOpere di Daniele Tessarini

Promotori

In collaborazione con

Con la speciale partecipazione di Monica Rubele Giornalista e conduttrice RAI

Direttore artistico Maria Sole Vincenzi

Referenze fotografi che Zauro Matteo www.armamentis.com

Realizzazione grafi ca Prismagraf & Rainbow S.r.l. www.prismagraf.net

Duo Zadory-Dombrovskaviolino-pianoforte

1° Premio ex aequo Concorso Internazionale di musica da camera

“Gaetano Zinetti” 2009

Programma

J.S. Bach R. Schumann Sonata in La maggiore BWV 1015 Scherzo in do minore Dolce • Allegro • Andante un poco • Presto (dalla Sonata F.A.E.)

Arvo Pärt E. Grieg Fratres Sonata in Sol minore Lento doloroso • Allegretto tranquillo Allegro animato

A. Dvorak F. Kreisler Sonatina in Sol maggiore Schöne Rosmarin Allegro risoluto • Larghetto Molto vivace • Allegro

B. Bartók Ch. Sinding Danze Rumene Suite Adagio • Presto

Brahms P. de Sarasate Danze Ungheresi Nr. 6 e Nr. 7 Aria Tzigana

Édua Amarilla Zádory, di nazionalità ungherese ed austriaca, a 7 anni

era già una grande promessa. Nel 1992 iniziò a studiare con i famosi

violinisti Habib Kayaleh e Tibor Varga. Uno dei più importanti violinisti del

XX secolo, Yehudi Menuhin, riconobbe l’eccezionale talento di Édua e la

invitò alle sue master classes di Gstaad, Svizzera. Nel 1997 si trasferisce a

Vienna dove studia con Günter Pichler ed Ernst Kovacic. Dopo gli studi

universitari si perfeziona con István Ruha, Péter Komlós e l’Altenberg Trio

Wien. Inizia quindi la sua carriera concertista internazionale, sia come

solista che come leader di varie formazioni cameristiche. Numerose sono

le sue apparizioni in TV e alla radio (in Ungheria, Svizzera, Austria, Bel-

gio, Francia) e le incisioni realizzate per la Hungaroton. Seguono tournée

in U.S.A., Argentina, Santo Domingo, Iran, Marocco e Turchia, sempre ac-

compagnata dal favore della critica. La sua vita professionale a Vienna è

scandita dai numerosi impegni concertistici nella Sala d’oro della Wiener

Musikverein, sia come spalla dell’Orchestra da camera di Vienna che come

leader di numerosi gruppi cameristici. Èdua suona un violino Gagliano del

1801.

Anastasiia Dombrovska, nata nel 1987 in Ucraina, si è perfezionata

con Heinz Medjimorec presso la University of Music and Performing

Arts di Vienna. È stata premiata in numerosi concorsi internazionali: 2°

Premio all’International Piano Competition “Konzerteum” (1999, Greece),

1° Premio al Concorso Internazionale “Art of the XXI Century” (1999, Kiev

- Worsel, Ucraina), 2° Premio all’International Piano Competition “Sergei

Prokofi ev” (2001, Donjezk, Ucraina), 1° Premio all’International Junior

Piano Competition (EUMCY) in Kosice (2001, Slovakia), 3° Premio all’In-

ternational Chopin Piano Competition di Narwa (2004, Estonia). Svolge

intensa attività concertistica sia come solista, anche invitata da Orchestre

come la Philharmonic Symphony Orchestra di Tallinn (Estonia) o l’Orche-

stra Sinfonica di Kiev (Ucraina), che come camerista.

Nel 2009 il Duo Zádory-Dombrovska si è aggiudicato il 1° Premio ex

aequo al Concorso internazionale di musica da camera “Gaetano Zinetti”.

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)

Johann Sebastian Bach è stato un compositore, organista, clavicembalista e maestro di coro tedesco del periodo barocco, universalmente considerato uno dei più grandi geni nella storia della musica. Discende da una famiglia di musicisti professionisti, probabilmente anche Bach iniziò ripetendo la musica ascoltata in tenerissima età con gli strumenti che può suonare un preadolescente. Le sue opere sono notevoli per profondità intellettuale, padronanza dei mezzi tecnici ed espressivi e bellezza artistica. Bach operò una sintesi mirabile fra lo stile tedesco e le opere dei compositori italiani (particolarmente Vivaldi). Lo stile musicale di Bach nasce dalla sua straordinaria genialità nelle invenzione contrappunti-stiche, nello sviluppo dei motivi e nel suo gusto per l’improvvisazione alla tastiera. In tutta la sua adolescenza la produzione di Bach mostrò crescente abilità nell’organizzazione di opere complesse, basate sui modelli di Dietrich Buxtehude, Georg Böhm e Johann Adam Reincken. Il periodo 1713-14, quando un vasto repertorio di musica italiana si rese disponibile per l’orche-stra di corte di Weimar, fu un punto di svolta. Da quel momento Bach assorbì nel suo stile i tratti della musica italiana, caratterizzati da contorni melodici semplici, maggiore concisione ritmica e modulazioni più chiare.Ci sono diverse caratteristiche più specifi che dello stile di Bach. Nel periodo barocco alcuni compositori tendevano a scrivere solo un canovaccio dello spartito, che veniva di volta in volta arricchito dagli esecutori con abbellimenti e passaggi improvvisati, Bach tendeva ad annotare tutto sullo spartito, in modo da lasciar poco spazio alla libera interpretazione degli esecutori. Questo può essere stato causato dalla sua predilezione per il contrappunto, non permettendo così che gli esecutori potessero variarlo in maniera arbitraria. Le strutture contrappuntistiche di Bach tendono ad essere più complesse di quelle di Händel e della maggior parte degli altri compositori dell’epoca. Bach, però, in alcune opere come L’arte della fuga e l’Offerta Musicale, non diede alcuna indicazione circa gli strumenti da impiegare, lasciando intendere la possibilità di esecuzione su strumenti diversi. Il grado di complessità strutturale, la diffi coltà tecnica e l’esclusione del genere melodrammatico, tuttavia, resero la sua opera appannaggio solo dei musicisti più dotati e all’epoca ne limitarono la diffusione fra il grande pubblico, in paragone alla popolarità raggiunta da altri musicisti contem-poranei come Telemann o Händel.Molto devoto e di fede luterana, Bach pose la musica sacra al centro delle sue composizioni. In particolare, il tono degli inni luterani fu alla base di molte sue composizioni. Il suo interesse per la liturgia lo portò alla realizzazione di composizioni elevatissime sia dal punto di vista tecnico che da quello qualitativo.Il catalogo delle opere di Bach, noto come Bach-Werke-Verzeichnis, abbreviato in BWV, è stato redatto nel 1950 dal musicologo Wolfgang Schmieder. Tale catalogo comprende sia i lavori cer-tamente scritti dal compositore, sia quelli che gli sono stati attribuiti nel corso del tempo (dei quali solo in parte è stato possibile identifi care l’autore); la numerazione procede non per ordine cronologico, ma seguendo un criterio di classifi cazione basato sugli strumenti impiegati e sulla forma delle varie opere (cantata, corale, oratorio, eccetera).Nel 1829 l’esecuzione della Passione secondo Matteo, diretta a Berlino da Felix Mendelssohn, riportò alla conoscenza degli appassionati la qualità elevatissima dell’opera compositiva di Bach, che è da allora considerata il compendio della musica contrappuntistica del periodo barocco.

Arvo Pärt, o Paart (1935 – oggi)

Arvo Pärt iniziò effettivamente a comporre nel 1958 con le Zwei Sonatinen per pianoforte. Gli studi sulla dodecafonia e la serialità postweberniana lo condussero a sperimentare i sistemi compositivi delle avanguardie dell’epoca. Nonostante questo giunse alla conclusione che “la sua convivenza con l’atonalità lo stava portando a un vicolo cieco”, così decise di approfondire il barocco e il canto gregoriano conducendo contemporaneamente una ricerca di semplifi cazio-ne progressiva nella sua musica, allo scopo di eliminare il “superfl uo” e l’esagerazione dalle sue composizioni.Il risultato fu la creazione di un nuovo stile molto rigoroso ed originale: il tintinnabuli, costruito interamente su triadi e scale tonali, dove l’impiego della voce umana è di rilevante importanza.Da quel momento la sua lunga carriera è stata dedicata al perfezionamento del suo metodo com-positivo, da lui ancora oggi utilizzato.La defi nizione, dettata dallo stesso Pärt del suo stile è: «Lavoro con pochissimi elementi - una voce, due voci. Costruisco con i materiali più primitivi - con l’accordo perfetto, con una spe-cifi ca tonalità. Tre note di un accordo sono come campane. Ed è perciò che chiamo questo tintinnabulazione»Con questo particolare genere Pärt dimostra come sia possibile produrre opere valide nonostan-te l’utilizzo di un’armonia estremamente semplice e la riduzione ai minimi termini del materiale compositivo. Infatti, il modo di comporre di Pärt è generalmente costruito solamente su due voci: una funge da accompagnamento, arpeggiando e ripetendo le note di un accordo tonale (come spiega sopra Pärt, la “Tintinnabulazione”), l’altra è la “melodia” (spesso vocale), ovvero la voce principale. Il tintinnabuli quindi è uno stile a metà fra monodia e polifonia, senza però rientrare realmente in nessuna delle due categorie.

Antonín Dvorák (1841 – 1904)

Le opere di Dvorák sono organizzate in diversissime forme: le sue nove sinfonie si rifanno a modelli classici che Ludwig van Beethoven avrebbe approvato e sono comparabili a quelle di Johannes Brahms, ma egli lavorò anche nel campo del poema sinfonico e l’infl uenza di Richard Wagner è evidente in alcune composizioni. Molte delle sue opere mostrano anche l’infl uenza della musica folkloristica ceca, sia per i ritmi, sia per le forme melodiche; forse gli esempi più noti sono le due raccolte di Danze slave (Danze slave per pianoforte a 4 mani, op. 46 e 72, scritte nel 1878).Oltre alle composizioni già menzionate, Dvorák scrisse opere, musica da camera e musica per pianoforte. Le opere di Dvorák furono catalogate da Jarmil Burghauser in Antonín Dvorák. The-matic Catalogue. Bibliography. Survey of Life and Work (Export Artia Prague, Cecoslovacchia, 1960). In questa catalogazione, ad esempio, la Sinfonia Dal nuovo mondo (Op. 95) è B178.Durante la vita di Dvorák solo cinque sinfonie furono largamente conosciute. Il suo editore, Simrock, non ambiva a pubblicare grandi opere sinfoniche, dato che queste erano diffi cili da ven-dere. La prima ad essere pubblicata fu la n. 6, poiché la sua stella internazionale si stava levando e famosi direttori come Hans Richter, cui era dedicata, desideravano nuove opere sinfoniche ed il loro patrocinio. Dopo la morte di Dvorák, la ricerca condusse ad altre quattro sinfonie, delle

quali la prima era andata persa dal compositore stesso. Tutto ciò portò ad una confusa situazione in cui la Sinfonia n. 9. Dal nuovo mondo è stata alternativamente chiamata n. 5, n. 8 e n. 9. In questa voce esse sono numerate secondo l’ordine in cui furono scritte, che è il normale sistema di numerazione usato attualmente.Dvorák scrisse la sua Sinfonia n. 1 in Do minore quando aveva appena ventiquattro anni. Sottoti-tolata Le Campane di Zlonice (nome di un paesino nella Boemia nativa di Dvorák), è chiaramente l’opera di un compositore ancora inesperto, sebbene sia una buona promessa. Lo Scherzo è considerato essere il movimento più forte. Possiede molte somiglianze formali con la Sinfonia n. 5 di Ludwig van Beethoven, seppure in armonia e strumentazione la n. 1 di Dvorák è un’opera più romantica, che segue lo stile di Franz Schubert.La Sinfonia n. 2 in Si bemolle maggiore segue ancora Beethoven come modello; ma la Sinfonia n. 3 in Mi bemolle maggiore mostra chiaramente l’improvviso e profondo impatto di Dvorák con la musica di Richard Wagner e Franz Liszt.L’infl uenza di Wagner, tuttavia, non durò molto; non si può quasi più percepire nella Sinfonia n. 4 in Re minore. Quest’ultima fra le sinfonie del Dvorák più giovane è anche considerata la migliore.Le sinfonie intermedie di Dvorák, la Sinfonia n. 5 in Fa maggiore (pubblicata come n. 3) e la Sin-fonia n. 6 in Re maggiore (pubblicata come n. 1), sono felici opere bucoliche. La n. 5 è l’opera più pastorale, la n. 6 possiede una grande somiglianza con la Sinfonia n. 2 di Brahms, in particolare nel primo e ultimo movimento.La Sinfonia n. 7 in Re minore del 1885 è la sinfonia più romantica del compositore, e spesso quella stimata più bella, potrebbe a malapena essere in contrasto più puro con la Sinfonia n. 8 in Sol maggiore (pubblicata come n. 4). Insieme all’ultima sinfonia, queste due sono considerate il picco degli scritti sinfonici di Dvorák e tra le sinfonie meglio riuscite del XIX secolo.Di gran lunga la più celebre, comunque, è la Sinfonia n. 9 in Mi minore (pubblicata come n. 5), meglio nota sotto il suo sottotitolo, Dal Nuovo Mondo. Essa fu scritta tra gennaio e maggio del 1893, mentre Dvorák era a New York. Al tempo della sua composizione, Dvorák affermò di aver usato elementi dalla musica americana come spiritual e musica nativa americana in quest’opera, ma in seguito lo negò. Nel primo movimento c’è un assolo di fl auto che ricorda molto Swing Low, Sweet Chariot, e uno dei suoi studenti raccontò che il secondo dipingeva, in modo program-matico, i lamenti di Hiawatha. Il secondo movimento ricordava così tanto uno spiritual nero che furono scritti dei testi per esso e diventò Goin’ Home. Dvorák era interessato alla musica indi-gena americana, ma, in un articolo pubblicato sul New York Herald il 15 dicembre 1893, scrisse “Nella Sinfonia n. 9 ho semplicemente scritto temi originali che racchiudono le peculiarità della musica indiana”. È generalmente riconosciuto che l’opera ha più in comune con la musica popo-lare della Boemia nativa di Dvorák che con la musica americana.I Poemi Sinfonici di Dvorák sono considerati alcuni dei suoi lavori più originali.[1] Ne scrisse cinque, tutti tra il 1896 e il 1897, e presentano una numerazione Opus sequenziale: The Water Goblin, Op. 107; The Noon Witch, Op. 108; The Golden Spinning Wheel, Op. 109; The Wood Dove, Op. 110; The Hero’s Song, Op. 111. I primi quattro poemi sono basati sulle ballate del folklorista Ceco Karel Erben. The Hero’s Song nasce da un’ideazione di Dvorák, e pare sia un lavoro auto-biografi co.

Béla Viktor János Bartók (1881 – 1945)

Venne sin da piccolo educato alla musica, dapprima dalla madre che gli insegnò i rudimenti del pianoforte, in seguito (a soli dodici anni) dal maestro L. Erkel che lo iniziò alla composizione.Più tardi studiò pianoforte con István Thoman e composizione con János Koessler all’Accademia Reale della Musica di Budapest. Lì incontrò Zoltán Kodály e insieme raccolsero musica popolare dalla regione. Precedentemente, l’idea che Bartók aveva della musica popolare ungherese deriva-va dalle melodie gitane che potevano essere ascoltate nei lavori di Franz Liszt, e nel 1903 Bartók scrisse un grande lavoro orchestrale, Kossuth, in onore di Lajos Kossuth, eroe della rivoluzione ungherese del 1848, contenente melodie gitane di quel tipo. Da questo poema sinfonico lavorò per estrarre una marcia funebre pianistica che rese celebre Bartók come pianista-concertista-compositore per lo stile “nazional-ungherese” che prende come modello le Rapsodie ungheresi di Liszt, in particolare la celebre Seconda.Dopo aver scoperto le musiche contadine dei magiari, che erano le autentiche musiche popolari ungheresi, Bartók cominciò a includere canzoni popolari nelle proprie composizioni oltre ad usare frequentemente fi gure ritmiche di matrice folklorica.La musica di Richard Strauss, che incontrò nel 1902, lo infl uenzò molto: questo nuovo stile emer-se durante gli anni seguenti. Bartók stava costruendo la sua carriera pianistica, quando nel 1907 ottenne il posto di professore di pianoforte all’Accademia Reale. Questo gli permise di rimanere in Ungheria e di non girare l’Europa come pianista, e gli lasciò più tempo per raccogliere altre canzoni popolari, soprattutto in Transilvania. I suoi lavori orchestrali erano ancora scritti alla maniera di Johannes Brahms o Richard Strauss, ma scrisse numerose composizioni brevi per pianoforte che mostrano il suo crescente interesse per la musica tradizionale. Probabilmente il primo brano che mostrava chiaramente i suoi nuovi interessi è Quartetto per archi n. 1 (1908), che contiene vari rimandi alla musica folklorica. Nel 1908 scrive anche le 14 bagatelle per piano-forte, in cui comincia a delineare il suo stile che appunto parte dal pianoforte, distaccandosi dal romanticismo, basandosi su procedimenti armonici basati su intervalli diminuiti ed eccedenti, sulla bitonalità e su una ritmicità timbrica e barbarica. Altre composizioni pianistiche importanti in Bartók sona la Rapsodia Op.1 e i Quattro pezzi per pianoforte, ricchi di infl uenze Brahmsiane,, più altri lavori da camera quali la Sonata per violino e pianoforte e il Quintetto per pianoforte ed archi.La carriera concertistica di Bartók non riuscì però mai a ricevere onorifi cenze, questo scarso successo internazionale lo costrinse ad accontentarsi di un posto come insegnante di pianoforte all’Accademia Musicale di Budapest.Le prime infl uenze popolari nelle sue composizioni cominciarono quando iniziò a raccogliere melodie popolari con Zoltán Kodály: nel 1907 compose le Tre canzoni popolari del distretto di Cisk. Bartók nonostante gli insuccessi continua a cercare un connubio tra la musica popolare e le sale da concerto nello stile pianistico, cominciando con le Due Elegie Op.8b, e con le Quattro Nenie Op.9. Le Nenie sono basate sul canto popolare ungherese e c’è l’uso delle scale modali, non presenti nella musica occidentale.Con Bartók non si esplora il delicato mondo timbrico-impressionista di Ravel e Debussy affi dato al tocco dei martelletti ma si guarda piuttosto avanti alla percussività che troveremo nell’Allegro Barbaro del 1911, parallelamente alla Toccata Op.11 di Prokof’ev e alla Danza Rituale del Fuoco di Manuel De Falla in cui il pianista rende l’effetto percussivo anche con una gestualità partico-lare per trovare l’approccio giusto sui tasti.

Johannes Brahms (1833 –1897)

Brahms nacque da una famiglia modesta, secondo di tre fi gli. Suo padre era musicista popolare e suonava diversi strumenti, e fu lui a dare al giovane Johannes le prime lezioni di musica. Il ragazzo rivelò un talento musicale naturale; precoce e attirato da tutti gli strumenti, cominciò a studiare pianoforte a sette anni e pareva destinato alla carriera concertistica. Il suo primo con-certo pubblico è attestato nel 1843, a dieci anni.A vent’anni, nel 1853, Brahms ebbe alcuni degli incontri più signifi cativi della sua vita: prima il grande violinista Joseph Joachim, con il quale iniziò una lunga e profi cua collaborazione; poi fu proprio Joachim a presentarlo a Franz Liszt, ma soprattutto lo introdusse in casa Schumann che lo considerò immediatamente e senza riserve un genio, e lo indicò come il musicista del futuro; Brahms, per parte sua, considerò Schumann il suo unico e vero maestro, restandogli vicino con devozione fi no alla morte. L’attività concertistica di Brahms continuò fi no agli anni settanta. Una recensione cosí descrive il suo stile pianistico di quegli anni: «Molti artisti possiedono una tec-nica più brillante, ma sono pochi quelli che sanno tradurre le intenzioni del compositore in maniera altrettanto convincente, o seguire il volo del genio beethoveniano e rivelarne tutto lo splendore, come fa Brahms». Nel 1862 soggiornò a Vienna, dove fu assai apprezzato, e vi si stabilì defi nitivamente nel 1878. Fu lì che avvenne il suo unico incontro con Wagner e soprattut-to, nel 1870, conobbe Hans von Bülow, il grande direttore che divenne suo amico e uno dei suoi principali estimatori.Alla continua ricerca di perfezione stilistica, Brahms fu assai lento nello scrivere e soprattutto nel pubblicare ed eseguire le proprie opere, o almeno quelle che egli considerava “importanti”. La sua Prima sinfonia (che von Bülow defi nì “la Decima di Beethoven”) ebbe la prima esecuzio-ne solo nel 1876, a Bayreuth: il maestro aveva già 43 anni e viveva di musica praticamente da sempre. Negli ultimi 20 anni di vita, Brahms poté infi ne dedicarsi soprattutto alla composizione: le altre 3 sinfonie, il Concerto per violino, il Secondo Concerto per pianoforte, fi no ai magistrali capolavori cameristici dell’ultimo periodo. L’estetica di Brahms si fonda su una straordinaria mi-scela di forme classiche rigorose, fondate su una grande sapienza contrappuntistica e polifonica, e spirito profondamente romantico, che si manifesta nel magnifi co colore musicale, nell’inventi-va melodica, nelle sorprendenti sovrapposizioni ritmiche.

Robert Alexander Schumann (1810 – 1856)

Figlio di un ricco libraio ed editore, la madre dava lezioni di pianoforte, si appassionò durante la sua infanzia alla poesia ed alla musica, assecondato dal padre. Nel 1830 divenne allievo di piano-forte di Friedrich Wieck, e si dedicò interamente alla musica. Studiò intensamente Il clavicemba-lo ben temperato di Bach. Schumann non poté coronare il sogno di diventare un grande pianista a causa di esperimenti insensati a cui si sottopose per perfezionare la sua tecnica pianistica durante l’inverno del 1831-1832 e che gli causarono la perdita dell’uso dell’anulare della mano destra. Schumann decise allora di dedicarsi alla composizione (nel 1831 appaiono le variazioni Abegg). Fece molti viaggi in Italia e rimase affascinato dalle musiche italiane. Introspettiva e spesso stravagante, la sua prima produzione è stata un tentativo di rompere con la tradizione delle forme e delle strutture classiche che riteneva troppo restrittive. Con le sue

composizioni Schumann attrasse l’attenzione di molti e si trovò al centro di una cerchia di gio-vani musicisti e appassionati di musica. Nel 1843 iniziò un periodo compositivo più vario in cui però sono prevalenti le opere corali (senza dubbio la parte più misconosciuta dell’opera di Schumann).

Edvard Hagerup Grieg (1843 – 1907)

Grieg è ilcompositore per il quale si può più a buon diritto parlare di arte naïve, fresca, ingenua e diseguale: un compositore che rifugge le grandi forme, dedicandosi con gli anni sempre più esclusivamente al bozzetto lirico.Ad indicare a Grieg la via verso la formazione del proprio stile fu senz’altro la lingua musicale ma-terna del folklore norvegese. La facile riconoscibilità di questo stile contribuì in modo signifi ca-tivo al successo della sua musica mentre egli fu in vita ma fu in genere considerata con sospetto o disinteresse dai musicisti del Novecento. La sua scrittura armonica, sciolta e tendenzialmente paratattica, sviluppa elementi propri della musica tradizionale norvegese, ma al tempo stesso converge in modo sorprendente verso l’esperienza condotta da autori contemporanei.Grieg fu per altro consapevole di collocarsi alla periferia della vita musicale europea e realizzò i suoi lavori migliori tutte le volte che seppe accettare pienamente tale dimensione culturale. È il caso di molti Pezzi lirici per pianoforte, di alcuni numeri del Peer Gynt (tra cui sono notissimi Il mattino, la Canzone di Solveig e Nell’antro del re della montagna) o della Holberg suite, in stile antico, dove al sentimento di isolamento geografi co subentra quello della distanza storica.Nei momenti meno felici invece il suo stile rivela la presenza di modelli scarsamente metaboliz-zati, siano quelli scolastici appresi a Lipsia, come nel caso del Concerto per pianoforte e orche-stra, o quelli delle partiture wagneriane, del cui cromatismo sono impregnate le composizioni degli ultimi anni.

Fritz Kreisler (1875 – 1962)

Fritz (Friedrich) Kreisler nacque a Vienna da una famiglia ebrea. Studiò prima nella sua città, per-fezionandosi poi a Parigi, sotto la guida, tra gli altri, di Léo Delibes e Jules Massenet. Dopo essere stato scartato a un’audizione per la Wiener Philharmoniker, lasciò la musica per la medicina e la pittura. Tornò trionfalmente al violino con un concerto con i Berliner Philharmoniker nel 1899, e giunse al successo in America nel corso di successive tournèe dal 1901 al 1903.In America tornò prima della fi ne della Prima guerra mondiale, alla quale aveva preso parte nelle fi le dell’esercito austriaco fi no al congedo anticipato per ferita. Nel 1924 tornò in Europa, sog-giornando prima a Berlino e poi, dal 1938, a Parigi, per poi fare ritorno negli USA nel 1943, dove richiese ed ottenne la cittadinanza a seguito delle persecuzioni razziali.Esecutore brillante ed acclamato virtuoso del violino, Kreisler compose anche diversi brani di musica vocale e strumentale, originali o trascritti da autori classici. Scrisse anche un quartetto d’archi e numerose cadenze (da quelle del concerto per violino e orchestra di Johannes Brahms a quella del concerto di Ludwig van Beethoven), ancora oggi molto eseguite.

Christian August Sinding (1856 – 1941)

Dopo aver studiato negli anni della prima età il violino e il pianoforte, compì più regolari corsi di studio presso il Conservatorio di Lipsia, perfezionandosi poi a Berlino, Dresda e Monaco.Rivelato all’attenzione del mondo musicale da un Quintetto si dedicò alla composizione, acco-gliendo spesso nella musica le tradizioni del suo Paese. Autore di preziose pagine sinfoniche, da camera e vocali, sopravvisse al suo tempo con un pezzo pianistico esile ma felice, il Mormorio di Primavera, risalente al 1893 e diffuso in numerosissime trascrizioni.Del resto proprio nella musica da camera, vocale (ben duecento liriche per canto e pianoforte) e strumentale, incentrata sul breve respiro melodico e sostenuto da personali tessiture armoniche, è da ricercare il momento più vivo della sua arte.

Pablo Martín Melitón de Sarasate y Nevascués (1844 – 1908)

Studiò a Madrid e Parigi ed esordì come violinista a Londra a soli diciassette anni iniziando da quel momento una carriera folgorante.Édouard Lalo gli dedicò la Symphonie espagnole e Bruch la Schottische phantasie. Aveva un re-pertorio brillante composto di capricci, parafrasi, danze e attingeva da temi popolari che variava. Anche le sue doti di grande comunicativa, unito ad una padronanza tecnica fuori del comune, concorsero alla sua fama che fu universale. Si avvaleva per i suoi concerti di due Stradivari del 1711 e del 1724.Come compositore scrisse opere funzionali al violino che sono ancor oggi presenti nel reperto-rio dei migliori violinisti.

BHR Group è un gruppo costituito da persone che condividono il pro-posito di migliorare e ampliare i servizi per fornire soluzioni multidisci-plinari che possano anticipare le esigenze sempre più complesse di un mercato in continuo cambiamento. Consapevoli di poter raggiungere tali obiettivi solo attraverso la collaborazione, il confronto e la condi-visione delle competenze personali e professionali, la struttura è una realtà aperta a nuovi partner (professionali o aziende) che sposino gli stessi ideali del gruppo.

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“Find your solution… Improve your business!”

La mission di Business & Human Resources Group è quella di fornire soluzioni fi nalizzate a dare competitività alle imprese per sviluppare il loro business.

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L’azienda svolge da sempre una intensa attività di assistenza e consulenza per le imprese, grazie ad una struttura formata da professionisti e tecnici specializzati dotati di conoscenze specifi che, professionalità, impegno ed esperienza.

Geo Studio si propone quindi come partner per l’azienda, in grado di risolvere ogni problema riguardante la sicurezza sul lavoro, l’ambiente, la qualità, la privacy, la progettazione di impianti, la prevenzione incendi, la sicurezza nel settore ali-mentare, l’acustica ambientale e l’acustica nel settore edile e la formazione. Il continuo aggiornamento normativo inoltre richiede che le aziende si affi dino a professionisti in grado di informare e proporre soluzioni innovative, che aiutino l’impresa ad avere un grado di “compliance” elevato con le normative vigenti e Geo Studio si è affermato negli anni per questo servizio in grado di effettuare per ogni realtà azien-dale una fase preliminare di “risk assessment” e proporre la soluzione ottimale per la realtà produttiva o commerciale analizzata.

Questo punto di forza consente a Geo Studio di presentarsi come riferimento affi dabile e sempre presente per ogni pro-blematica aziendale, non come semplice erogatore di servizi, ma come consulente attivo con soluzioni concrete ed ade-guate. L’obiettivo aziendale è quello di proporre un servizio di consulenza a 360 gradi, garantendo al cliente un ruolo di interlocutore presente ed effi ciente, anche attraverso l’asse-gnazione ad ogni azienda di un tecnico qualifi cato che sia da riferimento per ogni esigenza, sia questa immediata o piani-fi cata.

Geo Studio riveste quindi un ruolo di particolare importanza nel processo di riorganizzazione e trasformazione intrapre-so da molte aziende offrendo servizi altamente qualifi cati e assicurando una assistenza continua concentrando risorse e impegno. L’obiettivo è la risposta più effi cace alle aspettative del Cliente, per poter affrontare e risolvere con rapidità e competenza tutte le problematiche relative agli adempimen-ti richiesti, siano essi di natura organizzativa, tecnica, proget-tuale, legale o amministrativa.

Note per l’arteVenerdì 30 luglio 2010

San Floriano (VR)Tenuta di Squarano, Cantine Marchesi Fumanelli