p.plataformaintegra.net · Web viewAnaliza y comprende los diferentes movimientos de la pintura, sus artistas y sus obras a través de los tiempos. Diferenciar los conceptos sobre

CONTENIDOS DEL PERIODO 1,2,

1. EL ARTE A TRAVÉS DEL TIEMPO (1 ,2 PERIODO)

Prehistoria ( Actividad, cuánto sabes?) Trabajo individual. Guía Artistas más representativos de cada época o movimiento artístico (Exposiciones) en

grupo. Retroalimentación de cada época resumen corto de cada uno, en el cuaderno. ( a cada

movimiento colocar una imagen representativa , pégala junto al resumen)

2. Teoría del color ejercicios 3. Los colores primarios4. Los colores Secundarios5. Los colores cálidos y fríos6. Circulo cromático7. El blanco y negro8. Clasificación del color9. Mono cromatismo10. Los colores terciarios11. Los colores complementarios

(3, 4 PERIODO)

PROYECTOS

INDICADORES DE LOGRO PRIMERO, SEGUNDO Y TERCER PERIODO

Analiza y comprende los diferentes movimientos de la pintura, sus artistas y sus obras a través de los tiempos.

Diferenciar los conceptos sobre la teoría del color. Conoce los colores primarios y la obtención de los secundarios. Aplica correctamente la teoría del color en sus trabajos estéticos- plásticos. Coordino y oriento activamente mi capacidad perceptiva y mi motricidad,

hacia la construcción de formas expresivas. Es respetuoso con sus compañeros y docente en la clase. Trabaja activamente durante las clases. Crea y hace composiciones artísticas.

ESTUDIANTE: ______________________________________________________________________________________

IMPORTANTE: Cada actividad se evaluara y se realizara en clase, algunas se harán en casa si es necesario, se calificara el comportamiento en clase, si algún estudiante no trae la tarea correspondiente o no trabaja en clase la calificación será 1.0, el respeto hacia los compañeros y docente es fundamental.

INSTITUCION EDUCATIVA LA LIBERTADBucaramanga - 2020

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Cursos: 9°

AREA ARTISTICA NOTA:


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Cursos: 8°- 9°


EL ARTE A TRAVÉS DEL TIEMPO

La historia del arte es la evolución del arte a través del tiempo. Estudia los sistemas de pensamiento de cada época manifestados en la pintura, la escultura, la arquitectura y otras artes.

LA PREHISTORIA

La prehistoria es la etapa que precede a la Historia. Es la época más extensa del desarrollo de la humanidad desde la aparición del primer homínido hasta la invención de la escritura o la llegada de las primeras civilizaciones. Está dividida en dos grandes períodos: la Edad de Piedra y la Edad de los Metales; edades que, gracias a la evolución progresiva del hombre, dejaron a la humanidad un valioso legado cultural.No es posible crear una cronología exacta de la prehistoria. Ya sea por las diferencias temporales en la que ha sido datada, por el carácter local en la evolución de las culturas en distintas áreas geográficas y por los resultados de los estudios arqueológicos hoy que desmantelan hipótesis y/o periodizaciones sobre este período.

EL ARTE PREHISTÓRICO

Los orígenes del arte se remontan a la época de mayor esplendor del Paleolítico Superior con la cultura Magdaleniense alrededor de 15.000 al 10.000 a.C. y la gran evolución del hombre a través del Homo Sapiens Sapiens que tuvo la capacidad de elaborar las primeras pinturas rupestres y un sorprendente arte mobiliario.

LA EDAD DE PIEDRA PALEOLÍTICO

(2.500.000 – 10.000 a.C. aprox.) A grandes rasgos, el Paleolítico es el primer periodo de la prehistoria que comprende los inicios de la vida humana hasta aproximadamente el año 10.000. Fue una etapa de fluctuaciones climatológicas bruscas, de sociedades nómadas y depredadoras que practicaban la caza y la recolección, la domesticación del fuego y elaboraban herramientas de piedra tallada con fines meramente utilitarios.

ARTE PALEOLÍTICO

Además del perfeccionamiento de las herramientas y la incorporación de nuevos materiales para su elaboración –hachas, raederas; puntas de flechas y buriles en piedra; arpones y propulsores en hueso donde se evidencia la preocupación por el carácter funcional y estético de los útiles–, se destaca el nacimiento del arte rupestre que marcó un antes y un después en la primera fase de la Edad de Piedra.

Cuevas de Altamira (España)

Su relevancia radica en el modo de representación dibujos de animales perfilados en negro; el empleo de pigmentos naturales como el ocre y el negro, el amarillo y el blanco en menor medida; la diversidad de “técnicas” empleadas –pintura, grabados y dibujos, bajorrelieves y altorrelieves en menor cuantía–; el aprovechamiento de las grietas y protuberancias que otorgan naturalismo a lo representado; figuras de animales en perfil absoluto, formas matizadas mediante el color para dar volumen en contraposición a las estáticas. En fin, un resultado pictórico impresionante quizás como un medio para lograr un fin: el alimento.El arte parietal ha sido encontrado en las paredes y techos de cavernas y abrigos naturales de la zona franco-cantábrica, siendo menos significativa en algunos lugares de la Europa mediterránea. Destacan así las conocidísimas cuevas de Lascaux (Francia) y de Altamira

Representaciones de Venus del Paleolítico.


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Otro inciso a mencionar es el arte mobiliario, en su mayoría grabados con carácter religioso, que se desarrolla en el Paleolítico Superior. A saber, las esculturas de bulto redondo como las Venus Paleolíticas –también trabajadas en bajorrelieves– que se representaron desnudas, con los pechos, caderas y glúteos exagerados. Fueron elaboradas en arcilla o materiales duros y al parecer, cumplían un propósito de culto a la fertilidad. Asimismo, la presencia de objetos de contornos recortados con o sin profusa decoración y muy probablemente de carácter religioso. Las esculturas de bulto redondo destacan en Alemania y la República Checa.

MESOLÍTICO

(h. 10.000 – 8.000 ó 5.000 a.C. aprox.) El fin de la glaciación supuso un cambio de clima gélido hacia un clima templado que conlleva a la regeneración de la flora, la desaparición de la fauna y la transformación obligada de las costumbres del hombre primitivo quien intensifica progresivamente la caza de aves, la pesca y la recolección, diversifica su dieta, perfecciona los instrumentos y desarrolla otros. En esta etapa se comienza una tendencia paulatina al sedentarismo aunque aún no se abandona el carácter nómada del hombre, se dan los primeros pasos hacia la práctica agrícola y ganadera, se realizan nuevas formas de enterramiento y surgen las primeras necrópolis.

ARTE MESOLÍTICO

Microlitos del Mesolítico

Poco avance se registra en este período. Fue una etapa de transición que preparó el advenimiento de la revolución neolítica. Como es de imaginar, el arte de este tiempo se traduce en un bajo desarrollo de la industria lítica donde conviven punzones de hueso y objetos pequeños de sílex (microlitos); en escasos objetos de carácter mobiliario, con un incipiente comienzo, pero importante, y en la cerámica con fines utilitarios y simple decoración.En la pintura rupestre se visualiza un cambio de temática y de lugar: se representan figuras humanas estilizadas realizando actividades de caza o de corte ritual y se traslada el lugar de representación hacia oquedades naturales al aire libre y abrigos rocosos. De igual manera, esta pintura se caracteriza por el abandono del uso del color mezclado y matizado. En el arte levantino se constata este modo de hacer.

NEOLÍTICO

(8.000 a.C. y el 3.000 a.C. aprox.) El Neolítico cuyo significado etimológico es piedra nueva, fue el segundo de los ciclos más significativos de la Edad de Piedra junto al Paleolítico gracias a la evolución tecnológica y sociocultural de la especie humana. Sus inicios comienzan en Oriente Próximo, para luego extenderse hacia Europa, Asia, y África. Gracias a la actividad agrícola y la ganadera se rompe con el sistema económico depredador y se avanza hacia la economía de producción; se establecen nuevas formas de organización social, surgen nuevas creencias y nuevas formas de vida que serían cruciales para la humanidad.La agricultura y la ganadería son altamente desarrolladas. Se evidencia la domesticación de animales (perros, cabras, ovejas) y el cultivo de plantas. A partir de estas actividades económicas. Las sociedades del neolítico se establecen permanentemente en un mismo lugar, solamente en aquellas zonas de mejores condiciones climáticas y fertilidad del suelo y surge la especialización laboral (cestería, cerámica), el telar, el comercio -por causa del excedente- y la estratificación social. Se elaboran nuevas herramientas, se construyen chozas agrupadas en un mismo sitio formando poblados y se erigen grandes monumentos de piedra.

Arte Neolítico

Como herencia del arte parietal del mesolítico, el arte rupestre del período neolítico pierde totalmente el carácter naturalista y detallado por uno prácticamente esquemático o simbólico. Son representaciones monocromas (uso del color rojo y del color negro) que transitan desde escenas de caza y de la vida cotidiana cuyo protagonista principal es la figura estilizada del hombre (a diferencia del arte rupestre del paleolítico, donde son contadas las composiciones como por ejemplo en El arquero prehistórico de las cuevas francesas de Pech Merle) hasta representaciones puramente de símbolos que llegan incluso a la abstracción.Dichos grabados o pinturas sobre roca se encuentran en abrigos rocosos o en las entradas de las cavernas quizás motivado por el cambio de vida del hombre hacia el exterior. También de esta etapa son los llamados petroglifos, piedras grabadas mediante percusión o erosión en los que se visualizan dibujos geométricos,


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abstractos y figurativos que narran o exhiben una escena. Se especula que fue un antecedente lejano de la escritura.Se retoma la fabricación de estatuillas de gran refinamiento y detalle, anuladas prácticamente durante el Mesolítico, relacionadas a la fecundidad o al culto de la Diosa Madre en materiales como terracota y la piedra. Se elaboran adornos de tipo personal (anillos, collares, colgantes, brazaletes) en hueso, concha y piedra. La industria lítica se vuelve más sofisticada con el empleo de la técnica del pulimento y de la incisión-perforación en sus trabajos.

Importante fue el nacimiento de la alfarería que estuvo íntimamente ligado a la cestería. Su aprendizaje y evolución junto a la técnica empleada dio como resultado una cerámica de diversidad estilística de acuerdo a su función y ornamentada con imágenes de animales, símbolos, bandas geométricas, líneas y espirales, en definitiva, decoraciones que van desde lo figurativo hasta lo abstracto.

EDAD DE LOS METALES

Significó la etapa final de la gran Prehistoria. Un ciclo que también ha sido complicado en establecer periodos para las diferentes culturas que lo identificaron. Salvo algunos casos como las culturas de los Millares, El Argar, el Bronce Atlántico. Se desarrolla en el Próximo y Medio Oriente, para luego llegar a las regiones europeas hacia el segundo milenio aproximadamente. Mientras Grecia, Anatolia, Mesopotamia, Egipto vivían su historia antigua, Europa, por ejemplo, iniciaba en el período de los metales.Lo más relevante de la Edad de los Metales es el desarrollo de las nuevas técnicas metalúrgicas con el descubrimiento del bronce mediante la aleación del cobre con el estaño –llamado por algunos autores bronce binario–, del cobre con el estaño y el plomo –bronce terciario– y del cobre con el zinc resultando el latón. Además, el punto álgido en cuanto a evolución de las nuevas tecnologías y su manejo se ve con el hierro, segundo metal más abundante en la tierra y que al parecer ya era conocido desde el Neolítico para algunos o desde las culturas provenientes de Anatolia. Es importante destacar que dicho progreso no se dio en todos los lugares del mismo modo, ni al mismo tiempo. Por tanto, estamos en presencia de un mosaico de culturas con diversas tradiciones, manifestaciones culturales, transformaciones sociales; diferentes creencias, distintos modos de concebir los enterramientos; diversas formas de aceptar el desarrollo.

EDAD DE COBRE

(h. III milenio a.C.) Las sociedades en este período viven en asentamientos fijos. La agricultura y la cría de animales eran su sustento. Existía una clara estratificación social que se evidenciaban en los enterramientos. El cobre fue uno de los primeros metales trabajados por su fácil obtención tanto en estado puro o de forma combinada. Fue empleado en buena parte de Europa y el levante mediterráneo por sus poblaciones. El desconocimiento de la técnica de fundición hizo que el metal se trabajase primeramente en su estado natural mediante el martilleo desde el Neolítico. Al ser blando para la fabricación de los instrumentos de la vida cotidiana, se siguió usando la piedra como materia prima principal por su dureza dejando al cobre para los trabajos decorativos. De esta manera, el mineral sirvió para marcar el prestigio del individuo.

Vaso campaniforme

Como característica esencial del período encontramos el fenómeno campaniforme (h. 2700-2600 – 1900 a.C.) extendido por casi toda Europa y que difiere morfológicamente según la región. Este fenómeno marca el fin del período Calcolítico. Su nombre se debe a la forma de campana invertida que se le dio a la cerámica de la época. Estaría conformado, básicamente, por cerámica campaniforme, armas que responderían al equipamiento de arquero y objetos ornamentales.

CERÁMICA

Cuenta con tres tipos de formas: vaso de forma acampanada con cuello amplio troncocónico, cazuela de menor altura y el cuenco de forma semiesférica. Una de las características de esta cerámica es la profusa decoración que se obtenía mediante la técnica de la incisión -formas geométricas, rayas, zigzags, espigas, dispuestos en bandas horizontales en todo el cuerpo del objeto. Se han encontrado en los asentamientos y en las tumbas. La destinada a los asentamientos tiene mejor solidez y menos decoración, mientras que las destinadas a las honras fúnebres están profusamente decoradas según un patrón.

Herramientas de carácter bélico


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Se elaboran objetos de prestigio como puñales de lengüeta de cobre, punzones biapuntados, hachas planas, brazal de arquero (placas rectangulares en hueso o piedra para amortiguar el impacto), el arco y puntas de flechas que evidencia el poder adquisitivo de la élite.

Adornos personales

Orfebrería de oro en grandes diademas para decorar la frente hasta chapitas cuadradas o rectangulares y las cuentas de collar. También se han encontrado botones en hueso y marfil con perforación en V.

TIPO DE ENTERRAMIENTO

En la mayoría de los casos del fenómeno campaniforme, el tipo de enterramiento es individual, no colectivo que quizás esté en consonancia con creencias y formas de organización social nuevas. Los cuerpos son depositados siempre en posición fetal y rodeados de los elementos de ajuar.

EDAD DE BRONCE

(h. II – 1200 a.C. aprox.) Mientras que en Mesopotamia, Egipto y en las culturas del Valle del Indo ya vivían los primeros momentos de su historia antigua, en Europa comenzaba la Edad del Bronce.Fue una etapa de la prehistoria donde destacaba las diferencias socioeconómicas, los modos de adaptación a las nuevas tecnologías, las tradiciones y el grado de civilización de las culturas. El avance tecnológico de la metalurgia. Trajo una mayor calidad de los productos lográndose una mayor demanda por los usuarios. Esto se traduce en la elaboración de adornos personales y armas que fueron usados como símbolo de prestigio. Debido al auge y la necesidad de la materia prima aumentan las relaciones comerciales entre las élites de culturas que estaban muy distantes entre sí. El comercio cuenta ya con los medios de utilización mediante una navegación altamente desarrollada, del carro con ruedas ligeras y del caballo ya domesticado como montura y animal de tiro.El dominio de las técnicas permitió que se consigan objetos con mejores acabados y más resistentes debido a la calidad de la manufactura; además, que se creen gran número de piezas de un alto grado de complejidad para distintas esferas productivas, religiosas y militares. Por otro lado, gracias a este desarrollo se pueden reparar los útiles, se descubre la técnica de la cera perdida y la soldadura.

Bronce Medio

Espada de Puertollano

La cultura del Argar se ha usado para estudiar la etapa del Bronce Medio. Se ubica en el sureste peninsular cuyos asentamientos se situaban en altozanos y se hallaban fortificados. Practicaban la agricultura de regadío. Sepultaban a sus difuntos debajo de las casas en enterramientos sencillos, doble o triples quizás para mantener el vínculo entre los vivos y muertos; los jefes eran sepultados con su ajuar, principalmente sus armas como la espada de Puertollano o la diadema de Caravaca; hubo enterramientos donde se han encontrado restos de alimentos junto a los cuerpos lo que presupone la creencia en la vida ultratumba.

El uso del hierro

En su primera fase es utilizado para la elaboración de objetos de prestigio como las joyas. Es ampliamente difundido entre las culturas del momento. En su segunda etapa, se normaliza su uso en todas las esferas sociales y coincide con el nacimiento de las grandes civilizaciones y el inicio de la Edad Antigua. El mayor uso de este metal se destina para los fines militares para armas (espadas) y armaduras -por su gran resistencia a los impactos- y agrícolas: la hoz, las puntas de arado, (Coraza de la época de Hallstatt decoradas con puntos luminosos y cisnes reducidos al cuello y cabeza, Museo de Ginebra). Gracias a la tenacidad del hierro se realizan estructuras o componentes que pueden soportar gran cantidad de carga.

MONUMENTOS MEGALÍTICOS DE LA PREHISTORIA


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Surgen en distintas regiones geográficas de Europa de forma progresiva y simultánea hacia el V milenio a.C. Pueden diferenciarse unos de otros de acuerdo a la región donde se encuentren.

El megalitismo fue un fenómeno constructivo que al parecer cumplía ciertas funciones: la funeraria, la religiosa y la astronómica. Posibilitó la organización social y el sentido de grupo. Sin duda, fue uno de los hitos más relevantes de las culturas prehistóricas específicamente en las culturas neolíticas (quizás a mediados y finales del período) y de la Edad de los Metales (inicios), donde alcanzó mayor desarrollo. Son piedras de gran tamaño colocadas en ciertas formas que se pueden clasificar en varios tipos según su tipología: dolmen, menhir, trilito, crómlech.El dolmen, que significa mesa de piedra, es un tipo de monumento funeral asociado a las tumbas colectivas. Son piedras verticales clavadas en el suelo que soportan otras horizontales que en muchos casos se cubrían de tierra o piedras. El dolmen de Soto de Huelva (h. 3000-2500 a.C. aprox.) es un ejemplo concreto de este tipo de monumento. También existe el dolmen de corredor y el dolmen de galería. En el primero, se conecta la cámara sepulcral con el pasillo cubierto y, en el segundo, no se diferencia la cámara del corredor.

ACTIVIDAD 1

Busco en el diccionario sobre las palabras subrayadas.

CUÁNTO SABES…. (Trabajo Individual, leo y respondo en una hoja block)

1. Cuáles son los más grandes periodos de la prehistoria?2. Cual fue el legado del hombre prehistórico en la humanidad?3. Que hizo el hombre homo sapiens en el arte?4. Cuáles fueron las actividades más importante de la edad del Paleolítico y que herramientas

elaboraron?5. Que técnicas creo el hombre Paleolítico?6. Cual fue la cueva más importante del Paleolítico? Y porque?7. Cuál era la características más importantes del arte Mesolítico y Neolítico?8. Cual era las costumbres del hombre Mesolítico?9. Que representaba la pintura Mesolítico?10. Cuáles eran las actividades del hombre Neolítico?11. Cuáles eran los colores más representativos del arte Neolítico?12. Que significado tuvo la edad de los metales para el hombre prehistórico?


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MOVIMIENTO ARTISTICO A TRAVES DE LA HISTORIA

Roma

La cultura romana tiene como trasfondo una historia de expansión, conquista y control ocupando Italia, el Mediterráneo occidental y oriental (los pueblos helenísticos). Roma se convierte en el centro desde donde se organiza todo. Esto posibilitó la unión del Mediterráneo mediante la aplicación administrativa central, una sólida economía de conjunto, una misma creencia religiosa, lenguaje (latín) y moneda.El hombre romano cree que la vida está regida por las divinidades y que todo lo que acontece en el plano terrenal es producto de la voluntad de estos que podrían aplastarle, ayudarle, protegerle y enviarle prosperidad. Asimismo, el sedimento de la religión romana se encuentra en el poder político. Es el Estado el que rige los asuntos religiosos desde la introducción de nuevas deidades hasta la educación sacerdotal, lo que conlleva a un control total que se evidencia en la organización urbana, social, cultural y artística. Con el Imperio la figura del emperador pasa a ser venerada como un dios, creándose el culto al emperador.

PINTURALa pintura romana recorre muchos géneros pictóricos a lo largo de su existencia. Desde el paisaje hasta el bodegón y con especial relevancia el género del retrato, el pintor se vale de diversos estilos y técnicas. Siempre referencia obligada la herencia etrusca y también la griega.

ARTE BIZANTINO

Contempla un largo período donde se percibe florecimiento y decadencia de sus creaciones. Representa la expresión estética del Imperio romano en Oriente.

PINTURARefleja el poder de la religión. Como en el Paleocristiano, se sigue creando la iconografía con función didáctica hasta el siglo VIII cuando brota la crisis iconoclasta que permanece durante un siglo aproximadamente. Esto se debe a que las religiones islámicas y judaicas creen que la imagen contiene lo maligno y esto no permite alcanzar lo divino. De esta manera, los iconoclastas destruyen toda representación religiosa que son sustituidas por otras de carácter profano.Además de pinturas murales y mosaicos, aparece el icono, de carácter sagrado. Son cuadros bidimensionales de pequeño formato, pintados al temple con colores opacos cuya iconografía se circunscribe a Cristo, la Virgen y los santos. Al ser fácil su traslado, cumplían la función de enseñar la doctrina. Así mismo, se recurre a la miniatura, ya incluida en el Paleocristiano, para ilustrar las obras de Antiguo y Nuevo Testamento.La pintura bizantina arrastra la esencia de la paleocristiana en cuanto al esquematismo de las figuras, la inexpresividad y el simbolismo. De otra parte, la jerarquización de los personajes en función de su importancia, la composición de los elementos desproporcionados de las escenas y el predominio de las masas de color sobre el dibujo son constantes del arte pictórico bizantino.

ARTE ROMÁNICO

Hacia el siglo XI la Europa cristiana goza de una unidad política, religiosa y cultural tras dos intentos fallidos que le antecedió con el reinado de Carlomagno y posteriormente bajo el poder otoniano. Le precede los años de terror y temor de las poblaciones cristianas de Europa por la llegada del fin del milenio justificado también por la oleada de guerras, invasiones, plagas y hambre que consolidó la necesidad de fe y refugio en una religión salvadora como decía ser la cristiana. El arte románico surge bajo esta atmósfera. Es un lenguaje artístico eminentemente cristiano que abarca un amplio territorio y que contiene sus propias características de acuerdo a la región en que se desarrolle sin perder la unidad como estilo artístico. Surge en el sur de Francia y en el recorrido al Camino de Santiago, siendo Italia, Francia, Inglaterra, Alemania y España los países donde la expresión tuvo mayores exponentes en todas las manifestaciones del arte. Su origen se debe en el poder alcanzado por la Iglesia Católica bajo la cual tiene lugar el monaquismo y las peregrinaciones.


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PINTURA

Prima en muros, como en el ábside de la iglesia. Es una pintura de figuras hieráticas, perfiladas con un marcado contorno, enmarcadas en un espacio plano desprovisto de volumen y perspectiva. Aquí también la esencia es lo que trasciende y por ende las representaciones carecen de realismo y expresividad. (Ábside de San Clemente de Tahull)

ARTE GÓTICO

Nace a mediados del siglo XII con la arquitectura que se desarrolla al norte de Francia, aun cuando el románico sigue vigente en otras partes de Europa occidental. Es un arte urbano y burgués, dado que se desarrolla en el entorno citadino gracias a la financiación aportada por los burgueses.Hacia mediados del siglo XIII la escultura cobra protagonismo mientras que la pintura no verá su apogeo hasta la primera mitad del siglo XIV.

PINTURAEs la manifestación que más demanda la sociedad burguesa que exige el acercamiento al mundo que los rodea. No solo tendrá una función religiosa sino que también, pero en menor medida, tendrá carácter profano -retratos y paisajes. Se desplaza de los muros, excepto en Italia, y se desarrolla fundamentalmente en las vidrieras, en las miniaturas de los códices y los retablos.La pintura gótica tenderá a lo descriptivo, a lo natural, a lo luminoso, a significar el espacio, al uso incipiente de la perspectiva, a la recreación del paisaje y al detalle. Seguirá habiendo un cierto esquematismo en las representaciones, sin embargo, el uso del color confiere dinamismo en la composición pictórica.

RENACIMIENTO

El Renacimiento se centra en la grandeza del ser humano como individuo, autosuficiente y racional, capaz de generar juicios propios. Defiende, por tanto, el antropocentrismo frente al teocentrismo que imperó en la Edad Media aspecto determinante para el inicio de la libertad de expresión del arte.El arte del Renacimiento supuso un rechazo hacia el período medieval, sobre todo, hacia el arte gótico pues suponía una etapa de creación bárbara. Ante esto, el artista vuelca la mirada hacia la cultura grecolatina, estudia la Naturaleza en sí misma y aplica las matemáticas y la ciencia para lograr el ideal de belleza. También, el artista humanista estará siempre en un proceso de cambio lo que deviene en una multiplicidad de variantes de un mismo fenómeno.

RENACIMIENTO ITALIANO

Se desarrolla en el s.XV (Quattrocento) y el s.XVI (Cinquecento). Hacia el 1500 en Italia, algunos artistas como Miguel Ángel, Rafael, TIntoretto o Tiziano se toman ciertas libertades no comprendidas dentro del clasicismo renacentista cuyos códigos debían ser inalterables. A esa manera espontánea y subjetiva de interpretar lo clásico se le denominó «manierismo» como una tendencia del Renacimiento. A él se adscriben varios artistas que emulan el estilo pictórico de Buonarroti o Rafael como los dos creadores paradigmáticos, mientras que en arquitectura la transformación tuvo menor fuerza.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

El intento de aparentar la realidad mediante la perspectiva lineal para dar la profundidad (espacio tridimensional) y el juego de luces y sombras es el problema primordial. Además hay una evolución hacia una pintura que logra el dominio del espacio, del volumen y del movimiento. Se realizan obras de gran formato con temas mitológicos, algo novedoso teniendo en cuenta que solo estas dimensiones estaban destinadas a los temas religiosos. Da Vinci incluye el sfumato o esfumado, perspectiva aérea, y perfecciona el claroscuro con lo cual lo representado se enriquece y suaviza.Las técnicas a desarrollar son el óleo sobre tabla, sobre pergamino, el fresco y el temple; menos frecuente el grabado en madera y en metal, también la acuarela.


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MANIERISMO

El manierismo es una tendencia del Renacimiento que adoptaron varios artistas en el siglo XVI. La historiografía lo sitúa después de 1520, fecha de la muerte de Rafael Sanzio. Será un arte a la maniera de, siendo en pintura las figuras de Miguel Ángel y Rafael, genios del Renacimiento italiano los paradigmas a seguir. Se pudiera hablar de un arte intelectualizado que no observa la Naturaleza para la construcción de sus figuras desde el punto de vista pictórico sino que a partir de la subjetividad del autor se crea un nuevo canon; sin embargo, persiste el interés hacia el clasicismo.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Prima lo decorativo, el lujo, el claroscuro en fachada, la multiplicidad de puntos focales. Los espacios serán manipulados para lograr el engaño visual, se tenderá al carácter teatral y escenográfico de los edificios que tendrán estrecha relación con los exteriores urbanos y jardines. PinturaLa pintura manierista renuncia a la unidad compositiva y prefiere representar en un mismo espacio irreal varias escenas inconexas donde el juego de luces y sombras contrasta con el cromatismo hiriente de la figura perfilada, alargada y serpentinata.

BARROCO

El estilo barroco en las artes es una expresión de carácter teatral y agitado en sus formas. Centra su atención en la experiencia a través del claroscuro, del movimiento, de la composición, de la representación natural cuyos efectos visuales crean un resultado ilusorio que a la vez desconcierta a la vez que atrae y persuade,Italia sigue siendo el foco cultural. Nace en Roma a mediados del siglo XVII y recorre Europa donde cada país lo desarrollará según sus tradiciones locales, historia e influencias. Sin embargo, París será la ciudad que lo acoge en la segunda mitad del siglo XVII al caer el patronazgo papal en Italia.Este arte es fuertemente avalado por los poderes hegemónicos de la sociedad que desean afianzar, en el caso de la Iglesia, su carácter religioso mientras que el Estado y la burguesía pretenden demostrar su grandeza a nivel económico, social y político.

PINTURA

Es característico la manipulación de la luz (del exterior o del interior) con el propósito de realzar un grupo en específico según el interés del artista. La iluminación puede ser intensa o contrastada lo que permite mostrar las cualidades de lo representado (Bodegón con cacharro, Zurbarán).El dramatismo de la obra será dado por la técnica del tenebrismo y el uso de la perspectiva aérea que le confiere un sentido teatral; también por el apoyo de la composición abierta mediante el uso de las líneas diagonales y cruzadas, el manejo de los ropajes, el color y el claroscuro. Otras tendencias pictóricas serán el naturalismo y el clasicismo dentro del barroco.Pintores de la maestría de Annibale Carracci (techo de la galería Farnesio) y Caravaggio (san Mateo escribiendo el Evangelio) son los dos artistas que imponen propuestas encontradas en Italia. Importantes fueron Pietro de la Cortona, Giovanni Battista Gaulli, Luca Giordano, Andrea Pozzo; los españoles José de Ribera, Alonso Cano, Murillo, Zurbarán, Coello, Velázquez (Vieja friendo huevos) et al. Rubens (Helena Fourment con sus hijos)

Rococó

El arte rococó surge en París y se extiende por todo el territorio francés -en el siglo XVIII durante los reinados de Luis XV y XVI-, como reacción al orden vigente marcado por el absolutismo. Posteriormente es acogido en otros países, teniendo en Alemania y Austria un auge sin igual. Convive con el arte barroco tardío y con el Neoclasicismo, siendo entonces su periodo de muy corta duración.Son los cortesanos y burgueses los demandantes de un arte que respete los derechos del hombre y por tanto, en este caso, que exprese la felicidad de la vida desligado totalmente de todo sustrato político y religioso.El Rococó con una función ornamental busca crear sensaciones mediante la espontaneidad de la


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composición, lo refinado, la opulencia y la elegancia para reafirmar el modo exquisito de vida de sus consumidores. Por ello tiende al horror vacui en la decoración de interiores, al empleo de una rica paleta cromática -a veces viva otras opaca-, a las formas naturales, sinuosas y exóticas de influencia oriental, al movimiento y a la asimetría.

PINTURAPredomina la composición abierta, la profundidad y el movimiento. Asimismo, el color es el protagonista y no el dibujo. Se desarrolla el género mitológico, el retrato, el paisajismo, el bodegón, además de temas profanos como las escenas pastorales y de la corte. DestacanFrancisco de Goya en sus inicios trabaja para la realeza y la nobleza dedicándose a la realización de retratos (Gaspar Melchor de Jovellanos) por lo que es bien reclamado hasta que el interés por el pensamiento filosófico de la ilustración aniquila su inclinación hacia su “pintura rococó.

ROMANTICISMO

Ya hacia finales del siglo XVIII comienza a gestarse el movimiento romántico pero es en el XIX que afecta a toda Europa como fenómeno nuevo. Perdura en toda la primera mitad del siglo y se opone al estilo Neoclásico. El movimiento romántico concibe el arte de otro modo: el sentimiento y la subjetividad del artista será lo que prime en la obra de arte; por tanto, se verán varias formas de expresión dentro del movimiento sin que predomine un estilo concreto. Por otra parte, el artista se siente incomprendido y se refugia en la soledad, con lo cual nace un nuevo concepto de artista, este desarrollará un nuevo método para crear pues se basa en el boceto que es en definitiva el que transmite con más fuerza el momento y su sello. Serán la música y la pintura los mayores exponentes del Romanticismo por ser los géneros donde mejor se manifiesta la sensibilidad personal.Es aquí donde el paisaje protagonizará dentro de la pintura y también el carácter nacionalista sentimiento colectivo que inundará a muchos artistas que apoyan las causas liberales. El artista centra su atención en el pasado, en las raíces de los pueblos, sobre todo la cultura medieval, y nuevamente se refuerza la religiosidad que se había perdido con la Ilustración. Muchas veces las pinturas románticas tienen una connotación literaria por ese afán del gusto hacia el público.

PINTURA

En Francia, Théodore Géricault refleja los hechos contemporáneos y realza la figura de la víctima ya no del poder. Pintó temas históricos desde otra perspectiva y con un marcado realismo y sentimiento. Las catástrofes, los dementes, las tropas de Napoleón…, serán asuntos transgresores que, en su época, tuvo a más de un detractor, (La balsa de la medusa).

REALISMO

Basado en la corriente filosófica del Positivismo que proclama la verificación de todas las cosas mediante los sentidos, el artista representa lo que ha comprobado por sí mismo y ausente de cualquier pincelada imaginaria. Únicamente se centra en los hechos contemporáneos que es lo verdadero para él. De tal forma está en contra de los preceptos románticos e introduce nuevos temas de carácter social como la miseria y la desigualdad. Campesinos y obreros serán su foco de atención. Surge en Francia a partir del descontento de la clase obrera por el papel que toma la burguesía luego de la revolución de 1830 en la que lejos del liberalismo se instaura una nueva burguesía dominante, conservadora y capitalista, lo que hace que en el año 1848 estalla la segunda revolución burguesa y el artista se percate de que el arte debe tener una razón social, de ahí el acercamiento a la clase trabajadora.

Nota importante: Amantes de la Naturaleza y su representación fiel.

IMPRESIONISMO

El término impresionismo lo plantea un crítico tras la exposición que se organiza en 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar. Esta exposición supuso la unificación entre los artistas del movimiento y una manera de hacerse conocer pues de sus obras dependen sus vidas. De este modo se organizan exposiciones individuales y colectivas, surge la figura del marchante y los artistas se desligan de las academias pretendiendo ser independientes. El movimiento, en pintura, dominó las décadas posteriores a la segunda mitad del siglo XIX, entre 1860 y 1870 en París.


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El artista impresionista rompe radicalmente con la pintura precedente pues su mirada hacia la Naturaleza de las cosas, ya sea un paisaje natural o arquitectónico, personas, animales, la atmósfera y más no será con un carácter mimético sino retiniano. Es decir, el punto de vista, literalmente, será lo que el artista imprime en sus obras, lo que el ojo es capaz de captar en una impresión; para ello salen al exterior, al aire libre para captar el momento. Por lo tanto, los aspectos fundamentales que caracterizan al movimiento serán la luz como protagonista, el espacio aprehensivo, el que es capaz de captar el interés del espectador a través de los sentidos, en este caso el visual y el instante. Lo cromático se aplicará en sus formas puras para que el ojo resuelva el teorema; no habrá acabados uniformes, ni un contorno dado por la línea, ni interés en el tema. Se apoyan de los descubrimientos de Chevreul sobre los colores primarios y binarios, de los encuadres de la fotografía y de las estampas japonesas.

Édouard Manet, será el precursor del movimiento, (El almuerzo en la hierba); el paisajista Claude Monet, (La estación de San Lázaro); el pintor Pierre Auguste Renoir quien se interesa por la figura humana (Grandes bañistas) y Edgar Degas centra su atención hacia la vida urbana sobre todo hacia los trabajadores, pinta en su taller y retoma el dibujo, Bailarina basculando (Bailarina verde) son claros exponentes del Impresionismo. No menos destacados son Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Joaquín Sorolla.Edgar Degas recreó unas 150 esculturas. Estas fueron encontradas tras su muerte en su taller pero en cera o barro. La única escultura que mostró y finalizó fue La pequeña bailarina de catorce años. También despunta Medardo Rosso, (Aetas Aurea) que junto a Rodin y Degas lo han considerado padres de la escultura moderna.

SIMBOLISMO

Sus principales exponentes son Gustav Klimt (Retrato de Adele Bloch-Bauer I), Gustav Moreau, Pierre Puvis de Chavanes, Arnold Böcklin (su obra se mueve entre el Romanticismo y el Simbolismo), Odilon Redon, Edvard Munch y James Ensor precursores del expresionismo y Ferdinand Hodler, (El lector) -uno de los principales pintores más importantes del movimiento en centroeuropa- quienes le imprimen un carácter subjetivo, onírico y visionario. Pintan lo invisible, lo que parte del interior. Será una obra que se nutre de la fantasía y de la imaginación. El grupo de Los Nabis, está considerado como parte del movimiento y fue puntera en la última década del XIX con Paul Serúsier al frente.

MODERNISMO

Estilo artístico que se adopta con un espíritu diferente debido a las características culturales de cada país comenzando por las variadas denominaciones con el que se conoce: Modern Style en Inglaterra, Art Nouveau en Francia, Modernisme en Cataluña, stile Liberty en italia o Jugendstil en Alemania, por poner algunos ejemplos. Es un estilo de carácter internacional, no solo estuvo presente en Europa sino en América continental, de muy corta duración que, sin embargo, dominó las dos últimas décadas del siglo XIX y comienzos del siglo XX.Nace a partir de la oposición en términos estéticos hacia la civilización industrial, el academicismo y el historicismo ecléctico para buscar un aproximación a las formas de la Naturaleza, anhelo que tiene su antecedente en la teoría de John Ruskin y de la producción del artista William Morris fundador del grupo Arts & Crafts que, en esencia, los dos promulgaban por una vuelta a la artesanía con una producción hecha a mano. Intento que supuso un fracaso frente a la idea de progreso de la sociedad industrial. Sin embargo, estas teorías sientan las bases para el Modernismo que se fundamenta en la libertad del espacio y en la estética. La línea sin fin, ya sea curva, enrevesada será un elemento esencial y constante; la influencia oriental será determinante y, por supuesto, la mirada hacia las formas caprichosas que la Naturaleza brinda. Emplea los motivos vegetales, florales, los colores pasteles, las vidrieras translúcidas y mucho más. Los principales clientes son la clase burguesa.Es un movimiento de vanguardia que se inmiscuye en todas las artes y las imbrica; también ocupa el arte mueble y las artes decorativas.

URBANISMO DE FINALES DEL SIGLO XIX

Surgen otras iniciativas frente a la idea de la ciudad concebida sin límites con el propósito de frenar el aumento demográfico en las ciudades y el costo del suelo en las urbes. La primera de ella será La ciudad lineal de Arturo Soria, hacia 1894 en España, mientras que Inglaterra Ebenezer


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Howard propone La ciudad jardín con gran influencia de las teorías de Morris y Ruskin. Esta última propuesta urbana tuvo seguidores en Europa y América,Siglo XXEl siglo XX estuvo plagado de transformaciones, crisis económicas, revoluciones sociales, regímenes totalitarios, avances científico-técnicos, acontecimientos bélicos. Todo ello trastocó al individuo y a sus proyecciones en la sociedad. Desde el vértice de la creación fue una época de experimentación constante, compulsiva y frenética donde emergieron diversas propuestas con un carácter formal y conceptual totalmente distinto al arte anterior -la realidad percibida es cambiada por la que se siente o se piensa. El arte eclosiona con el surgimiento de las vanguardias históricas en la primera mitad del siglo mientras que el Informalismo aparece tras el acontecimiento bélico dando otro giro importante a la escena del arte. Ese cocido de tendencias fue decisivo para el posterior arte nuevo, mucho más complejo, abierto y plural.También destacan artistas y propuestas independientes que se sitúan al margen de los ismos pero que comparten esa ruptura con la tradición y que fueron esenciales para la herencia del arte

VANGUARDISMO

Las vanguardias tendrán como objetivo fundamental romper con toda expresión precedente, tradicional y academicista para promover una estética nueva y autosuficiente. Emergen simultáneamente los diferentes movimientos con sus tendencias y habrá rivalidad y un carácter de experimentación que será la causa que determine la duración de los ismos.

FAUVISMO:

Expresionismo, Cubismo y Futurismo son las primeras vanguardias concretas que comparten lo figurativo, la mirada hacia el arte primitivo y una nueva concepción del espacio.

CUBISMO:

Las señoritas de Avignon de Picasso fue la obra que abrió el Cubismo. Rompió con la estética tradicional de representación al desfragmentar el espacio, trayendo a la superficie la composición geométrica de los diferentes ángulos del modelo. Picasso y Braque serán los iniciadores del movimiento al que se incorporan Juan Gris, Léger, Delaunay -Portuguesa (la gran Portuguesa)- et al. El Cubismo influyó en posteriores movimientos de vanguardia y transitó por varias etapas como el Precubismo, el Cubismo clásico y el Cubismo sintético.

FUTURISMO:

En Italia, en 1909, se lanzaba el primer Manifiesto futurista por Marinetti. Un año después, Boccioni (Dinamismo del cuerpo humano, boxeador), Carrá, Russolo Balla y Severini firmaron el primer manifiesto de pintura futurista; en 1912, escultura y, en 1914, arquitectura. Es un movimiento bien influido por el Cubismo que proclama su amor deliberado a la violencia, al progreso, a la máquina y a la velocidad. A pesar de su marcada ideología política de espíritu fascista, aportó al arte la captación de la velocidad a través del movimiento.

ABSTRACCIONISMO:

Kandinsky será el que inicie conscientemente el camino hacia la abstracción al decidir dejar de representar y llegar al arte puro, al arte no objetivo. El recorrido queda trazado para que otros como por ejemplo Mondrian, Picabia, Delaunay inicien su transformación estética. La abstracción comprenderá una serie de tendencias que serán desarrolladas en distintos países y afectadas por su contexto: en Holanda, el Neoplasticismo. Piet Mondrian y Theo van Doesburg son los mayores exponentes del movimiento. Crean una obra por medio de las líneas horizontales y verticales, con una paleta de colores primarios dentro de una organización meditada. Su objetivo será llegar al arte puro sin ruidos externos.

EL SURREALISMO:

Este último movimiento de las vanguardias históricas, lo hará a través de su lenguaje subversivo y muchas veces ininteligible. El inconsciente, el mundo onírico, los anhelos reprimidos que subyacen en el mundo interno del individuo y deja a un lado los estereotipos morales y estéticos. Muchos de


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los dadaístas serán surrealistas como Tzara, Breton, Ernst, Arp, Duchamps, Picabia o Ray; se unen Miró, Masson, Frida Kahlo, Tanguy, Picasso, Magritte (El hijo del hombre).

RESEÑA HISTORICA:

HISTORIA DEL COLOR

TEORIA DEL COLOR

El color es una de las cosas que más belleza y esplendor le proporciona a la naturaleza. El mundo sin color seria gris y luciría lúgubre y triste.

La infinita gama de colores que observamos en el universo, es la consecuencia de un fenómeno natural debido a la propiedad que tienen los cuerpos de reflejar, absorber y refractar la luz blanca descomponiéndola en sus diferentes frecuencias de honda, cada una de las cuales corresponde a los diferentes colores posibles.

El estudio del color nos exige diferenciar dos teorías del color, la de los colores luz que estudia la obtención de los colores por el fenómenos de la luz antes descrito y la teoría de los colores pigmento que es la que se refiere a los colores que se obtienen al mezclar tintes y sustancias colorantes como las empleadas en las artes gráficas y pictóricas.

Una de las principales diferencias entre las dos teorías del color, radica en que para la de los colores luz, el blanco es la suma de todos los colores o lo que es igual, la suma de los colores primarios que son el amarillo, el cian y el magenta; el negro es la ausencia del color o de la luz.

En el arte, los grandes pintores de la historia desde el principio de los tiempos, han aprovechado sus cualidades para lograr impresionantes creaciones, así mismo, en la vida cotidiana el color se convertido en un elemento básico en todos los campos.

El color es un fenómeno lumínico, que se ve reflejado en los objetos en forma de ondas, la luz blanca se denominada espectro solar, en el que se pueden distinguir los colores rojo, naranja, amarillo, verde azul cian y violeta.

El mejor ejemplo de esta teoría está en la misma naturaleza.

Observa con detenimiento el arco iris; el aparece porque las gotas de agua de lluvia, actúan como prismas que descomponen la luz del sol en los colores que lo conforman.

Dentro de la teoría del color podemos hablar sobre la psicología del color, de la que existen diferentes teorías. Algunas de ellas se contradicen entre sí, ya que dependiendo de nuestra cultura, el color nos puede transmitir sensaciones completamente diferentes.

Dependiendo de nuestra experiencia personal y del lugar en que vivimos, los colores y los elementos que nos rodean, nos pueden transmitir sensaciones, gustos o estados de ánimo.

Por esta razón cuando elegimos colores para nuestros diseños, material comercial o negocios es bueno tener claro qué puede transmitir ese color, en ese lugar y a la gente que esté en él.


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✓ El significado de los colores

¿Por qué tienen significado los colores?

Antes de hablar del significado de los colores debemos conocer algunas de las características de éstos, tales como el tono, la saturación y la brillantez.

¿Qué es el tono de un color?El tono es el color en sí mismo, es la cualidad que define la mezcla de un color con el blanco o con el negro. Así podemos decir que existen tonos cálidos o tonos fríos. Los cálidos son aquellos tales como el rojo, el amarillo y los naranjas, mientras que los fríos son el azul y el verde. El verde si tiene más cyan que amarillo, tendría una tendencia a ser frío, y si tiene más amarillo parecería ser más cálido. Por eso es importante saber manejar los tonos.

¿Qué es la saturación de un color?La saturación constituye la pureza del color respecto al gris, y depende de la cantidad de blanco que presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es y menos mezcla de gris posee.

¿Qué es la brillantez de un color?

La brillantez o brillo de un color es la relación existente entre la intensidad del estímulo luminoso – también conocida como luminancia – y la sensación percibida, conocida como brillantez. Para un color de un matiz y saturación determinados, en la misma medida que la luminosidad alcanza el ojo aumentará la brillantez.

Desde tiempos antiguos grandes artistas incluyeron dentro de sus técnicas, la armonización del color, la cual consiste en pintar con una tendencia de color determinada. Esta técnicas que utilizaron grandes artistas (Rubens, Velázquez y muchos más) se utilizan en la actualidad tanto en pintura como en diseño para la captación de público determinado.

¿Qué significado tienen los colores?

Color blanco: Implica inocencia y pureza, nos ayuda en momentos de estrés, a seguir adelante. Significa igualdad y unidad. Contiene todos los colores del espectro y representa lo positivo y lo negativo de cada uno de ellos.

Color negro: El color negro es útil para transmitir elegancia, nobleza, sofisticación, o tal vez un toque de misterio. Es autoritario y puede evocar emociones fuertes. Al contrario que el blanco es la ausencia total de luz.

Color gris: El gris es un color que está en el medio entre el blanco y el negro, es muy idóneo para la neutralidad. No carga visualmente y utilizado la justa medida puede transmitir elegancia y lujo. Al ser un color tan neutral no tenemos que abusar de él, o corremos el riesgo de generar tristeza y melancolía, como un día de lluvia.

Color amarillo: Está relacionado con la inteligencia, fomenta la creatividad, es un color de los más luminosos y cálidos. En diseño se utiliza para atraer la atención.


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Color rojo: Es un color muy intenso, apasionante. Usado frecuentemente por los diseñadores para llamar la atención sobre un elemento en particular. Debe usarse de manera lógica, pues su intensidad y excitación puede cansar.

Color naranja: Color cálido, activo y dinámico, que actúa como estimulante de los tímidos y tristes. Posee fuerza activa, radiante y expansiva. Es muy útil en pequeñas dosis ya que en grandes extensiones es atrevido y agresivo.

Color azul: El color frío por excelencia. Simboliza la frescura, la calma y el reposo, se le asocia con la inteligencia y las emociones profundas, con la amistad, la fidelidad, la serenidad… Si es muy claro denota optimismo y pureza.

Color violeta: Es el color del misterio, de la lucidez y reflexión. Tiene que ver con lo espiritual y emocional. Es un color que bien utilizado es elegante.

Color verde: Evoca lo relacionado con la naturaleza y la vegetación, lo fresco y lo sedante. Es el color calmado, incita al equilibrio por lo cual es el más tranquilo y sedante.

Color marrón: Es el color del otoño, da la impresión de equilibrio. Es confortable y masculino. Representa el color de la tierra.

ACTIVIDAD 3

Aplica en cada círculo sus colores de preferencia.

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ACTIVIDAD 4

EN GRUPOS DE A DOS COMPLETE EL CRUCIGRAMA

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Colores primarios y el círculo cromático


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COLORES PRIMARIOS

En nuestro universo existe un sin número de colores. Por esta razón, quienes se han dedicado su estudio profundo, los han clasificado de diferentes maneras según las características propias de cada uno, comencemos hablando de los colores primarios. Los colores primarios son el amarillo, azul y el rojo. Estos se encuentran puros en la naturaleza y se consideran muy importantes pues a partir de ellos podemos obtener todos los demás colores.

Nota: cuando mezclamos dos colores primarios obtenemos los secundarios.

ACTIVIDAD 5

Colorea las siguientes graficas con los colores primarios.

Colores secundarios

De la mezcla proporcional entre dos colores primarios se obtiene la gama de colores secundarios, que son el verde, el naranja y el violeta.

Nota: Algunos movimientos artísticos se valieron de la simpleza, pero descomunal estridencia y belleza de los colores primarios y secundarios, limitándose casi a aplicar directamente desde el tubo de color sobre el lienzo, tal es el caso de los fauvistas de principios del siglo XX.

ACTIVIDAD 6

BUSCA EN LA SOPA DE LETRAS LOS COLORES PRIMARIOS Y SECUNDARIOS


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MONOCROMATISMO

Se refiere básicamente al uso en particular de un solo color, con las variaciones de claro y oscuro usando el negro para oscurecerlo y el blanco para aclararlo, las derivaciones de colores obtenidas de esta manera posibilitan un resultado de armonía y placidez en las representaciones artísticas.

ACTIVIDAD 7


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Realizo en clase diferentes monocromatismos, colores negro, amarillo, naranja, azul, violeta, verde.

3 cartones paja 1\4 Traer un gotero y las pinturas mencionadas anteriormente. 1 pincel # 6 angular o plano cerda suave preferiblemente. 1 trapo 1 frasco para el agua ( lavar pincel)

COLORES TERCIARIOS

Estos colores son el resultado de combinar uno primario y uno secundario. Mezclas así dan como resultado el rojo violáceo, amarillo anaranjado, azul verdoso, amarillo verdoso, rojo anaranjado, azul violáceo, entre otros.

Para entenderlo mejor, veamos cuáles son los colores primarios y cuáles los secundarios.

Según la teoría del color moderna, los principales colores terciarios son los siguientes:

Amarillo + verde = verde pistacho Amarillo + naranja = amarillo huevo Magenta + naranja = rojo Magenta + violeta = morado Cian + violeta = añil Cian + verde = azul turquesa

Por lo general, los colores terciarios son los que más abundan en la naturaleza, por ello son usualmente empleados en las pinturas. Los colores terciarios son prácticamente infinitos, aunque siempre se basan en colores básicos primarios y secundarios.

Los colores presentan una amplia gama de variaciones. Estas se producen por lo general por la cantidad de las proporciones de los colores que se mezclan. Cada uno de ellos tiene sus propias características y sus porcentajes y así, pueden ser empleados para distintos trabajos o funciones. Definir el número exacto de colores, variaciones y tonos también resulta incalculable.

¿Te imaginas un mundo en blanco y negro? Es difícil, ¿verdad? Todo lo que nos rodea tiene color, y cuando sales a dar un paseo por una montaña o por una playa, te das cuenta de la gran variedad de tonos que hay, muchos de ellos colores terciarios.

Un pintor, siempre que quiere hacer una obra de arte, debe emplear una serie de técnicas que son representadas manejando y combinando colores. Y, por cierto, identificar y reconocer los colores constituye una rama muy interesante. Así es como se descubren los colores terciarios.

ACTIVIDAD 8

Realizo la guía

LENGUAJE DEL ARTE

ACTIVIDAD 10


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Realizo un cuadernillo con diccionario con los siguientes significados, se premiara el mejor y el más creativo.

Armonía: Fauvista: Gama Intensidad Monocromatismo Pigmento Tono Composición Complemento Variaciones Rupestre Neolítico Paleolítico Mesopotamia Grabado Tintes Análogos Artistas Aplicar Mezcla Matices


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p.plataformaintegra.net · Web viewAnaliza y comprende los diferentes movimientos de la pintura, sus artistas y sus obras a través de los tiempos. Diferenciar los conceptos sobre