Programa de mano, 54 Muestra Internacional de Cine, enero 2013

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CINE CLUB DE LA UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO 21

MACARIOMéxico, 1959

Dirección: Roberto Gavaldón.Países: México.Año: 1959.Guión: Emilio Carballido y Roberto Gavaldón, basados en un relato de B. Traven y un cuento de los hermanos Grimm.Fotografía en blanco y negro: Gabriel Figueroa.Música: Raúl Lavista. Edición: Gloria Schoemann.Con: Ignacio López Tarso (Macario), Pina Pellicer (mujer de Macario), Enrique Lucero (la Muerte), Mario Alberto Rodríguez (don Ramiro), Eduardo Fajardo (virrey), José Gálvez (el Diablo), José Luis Jiménez (Dios).Compañías productoras: CLASA Films.PRODUCCIÓN: Armando Orive Alba y José Luis Celis.Duración: 90 min.Distribuidora: Cineteca Nacional / Fundación Televisa.

En tiempos del Virreinato un humilde leñador que compartió por caridad un

trozo de guajolote asado con la Muerte se vuelve depositario de un elíxir capaz de devolver la salud incluso a los moribundos, un don que volverá su vida una pesadilla.

Clásico indiscutible del cine mexicano

• 1960 Premio a la mejor producción cinematográfica. Festival Internacional de Cine de Boston. Estados Unidos. • Mención especial a la fotografía. Festival de Cine de Cannes. Francia. • Diploma al mérito. • Festival Internacional de Cine de Edimburgo. Escocia, Reino Unido. • Premio como película de mérito relevante. • Festival Internacional de Cine de Nueva Delhi. India. • Premio Golden Gate a la mejor interpretación masculina (I. López Tarso). • Festival Internacional de Cine de San Francisco. Estados Unidos. • Certificado al mérito. • Festival Internacional de Cine de Vancouver. Canadá.

• Copa de Plata. Reseña Latinoamericana de Cine de Santa Margherita Ligure. Italia. • Premio del Instituto de Cultura Hispanoamericana y premio Ciudad de Valladolid. • Semana Internacional de Cine Religioso y de Valores Humanos de Valladolid. España.• 1961 Premio de la Asociación Nacional de Productores Italianos. • Festival de Cine Latinoamericano Cine Fórum. Génova, Italia. • Nominación al Óscar a la mejor película extranjera. Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Hollywood, Estados Unidos.• 1963 Medalla a la mejor cinta de habla hispana de 1962. Asociación de Críticos Españoles. Madrid, España.

1944 La barraca1946 La otra1947 La diosa arrodillada1950 En la palma de tu mano Rosauro Castro1951 La noche avanza1952 El rebozo de Soledad1959 Macario1961 Rosa Blanca

1962 Días de otoño1964 El gallo de oro

donde la sobriedad narrativa y el universo trágico de Roberto Gavaldón son cobijados

por la extraordinaria labor fotográfica de Gabriel Figueroa, capaz de transmitir la atmósfera fantástica del filme, con el cual México contendió por primera vez en los Óscares en 1961.

Roberto GavaldónCiudad Jiménez, México, 1909 – Ciudad de México, 1986

Su familia permaneció errante durante los años de la Revolución, transi-tando entre la capital y el norte del país. En 1926 se traslada a los Estados Unidos con la intención de ser Mecánico Dental; sin embargo, en la ciudad de Los Ángeles descubrió el cine y sus oficios. Con experiencia en Hol-lywood como asistente de dirección, Gavaldón se incorporó a la naciente industria fílmica mexicana al inicio de los años treinta. Reconocido como un riguroso profesional, debutó en 1944 con una adaptación de La bar-raca, inspirada en la novela homónima de Vicente Blasco Ibáñez. Ése fue el inicio de una de las filmografías más sólidas del cine mexicano clásico, en el cual se encuentran soberbias adaptaciones literarias, una depurada técnica cinematográfica de extrema sobriedad y un universo trágico en el cual sus personajes son víctimas de sus propias pasiones.

Sinopsis

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ELEFANTE BLANCOArgentina-España, 2012

Dirección: Pablo Trapero.Países: Argentina-España.Año: 2012.Guión: Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre y Pablo Trapero.Fotografía en color: Guillermo Nieto.Música: Michael Nyman.Edición: Andrés P. Estrada y Nacho Ruiz Capillas.Con: Ricardo Darín (Julián), Jérémie Renier (Nicolas), Martina Gusman (Luciana).Compañías productoras: Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Canal + España, Wild Bunch.Producción: Alejandro Cacetta y Pablo Trapero.Duración: 110 min.Distribuidora: Caníbal.

La extrema pobreza subyace bajo el esplendor de la mayoría de las grandes

ciudades cosmopolitas. En Villa Lugano, en el sur de Buenos Aires, el elefante blanco es una estructura semiabandonada cuyo destino en los años treinta era ser

el hospital más grande de Latinoamérica.

1995 Negocios, cortometraje1999 Mundo grúa 2002 El bonaerense2004 Familia rodante2008 Leonera2010 Carancho2012 Elefante blanco

Hoy, habitado por cientos de personas en condiciones de miseria y marginación, el

edificio y sus alrededores son el escenario en el que Julián y Nicolas, dos sacerdotes católicos, uno local y el otro extranjero, que trabajan con la población, se enfrentan a la corrupción, la violencia del narcotráfico y los intereses políticos para encontrar brechas que rediman su propio pasado.

Pablo TraperoBuenos Aires, Argentina, 1971

Realizó sus estudios cinematográficos en la Universidad del Cine, en Buenos Aires, y en 1999 estrenó su opera prima, Mundo grúa, que com-

pitió en los festivales de Venecia, Róterdam y La Habana, entre otros. El bonaerense, su segundo largometraje, considerada una de las películas más influyentes del cine argentino de los últimos años, fue presentada

en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes, además de ganar el Mayahuel a la mejor película en el Festival de Guadalajara de 2003

y un premio FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine de Chicago. Es fundador de la compañía productora Matanza Cine, donde ha producido y

coproducido proyectos argentinos y latinoamericanos desde 1999.

Sinopsis

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LOS MEJORES TEMASMéxico-Canadá-Países Bajos., 2012

Dirección, guión y edición: Nicolás Pereda.Países: México-Canadá-Países Bajos.Año: 2012.Fotografía en color: Alejandro Coronado y Pedro Gómez Millán.Música: Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach, ¿Dónde está ese amor? de Carlos Mata.Con: Gabino Rodríguez, Teresa Sánchez, José Rolo Rodrí-guez, Luis Rodríguez, Francisco Barreiro, Luisa Pardo, Carmen Elena Villacorta.Compañías productoras: Interior 13, IMCINE, CONACUL-TA, FOPROCINE, Hubert Bals Fund, Canada Council for the Arts, Ontario Arts Council, Programa de Jóvenes Creadores FONCA, Bambú Audiovisual, Burning Blue.Producción: Sandra Gómez y Maximiliano Cruz.Duración: 103 min.Distribuidora: Interior 13 Cine.

Mezclando ficción con documental, Los mejores temas cuenta la historia de Emilio,

un hombre en sus cincuenta que regresa a casa luego de quince años de abandono. Su esposa Tere y su hijo Gabino, de veintiocho años, lo reciben con recelo y confusión.

Después de hacer algunas películas con los mismos actores interpretando pa-peles similares, decidí hacer una pelícu-la sobre el proceso de representación. Esto abrió un mundo de nuevas posi-bilidades, incluyendo los ensayos, las repeticiones y las interacciones entre personajes de ficción y los actores que interpretan a esos personajes. Seguí esta búsqueda mediante la sustitución de uno de los actores con mi tío, a mi-tad del rodaje. Mi tío entra en la película como un objeto documental que tiene que relacionarse con los personajes de ficción que actúan como si él fuera uno de ellos.

2007 ¿Dónde están sus historias?2009 Juntos Entrevista con la tierra, cortometraje de docuficción Perpetuum mobile2010 Todo, en fin, el silencio lo ocupaba, documental Verano de Goliat2012 Los mejores temasLuego de un par de días, deciden echar a

Emilio de la casa, pero se percatan de que él ya se ha marchado por cuenta propia. Días después, Gabino busca a su padre y pasa con él un par de días en su departamento.

Nicolás PeredaCiudad de México, 1982.

Pereda ha realizado películas y videos para montajes interdisciplinarios, óperas y piezas de danza que se han presentado en México, Asia y Europa. Su opera prima, ¿Dónde están sus historias?, fue premiada por el jurado francés del Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse, iniciando con éste una cosecha de premios que incluyen, entre otros, el Mayahuel a me-jor película mexicana en el Festival de Guadalajara y el Kikito de Oro como mejor película latinoamericana en Gramado, Brasil, ambos por Perpetuum mobile, el Horizontes del Festival de Venecia y el de mejor película en Cine del futuro del BAFICI en Buenos Aires, Argentina, por Verano de Goliat. Se han realizado retrospectivas de su obra en el Festival de Jeonju, en Corea del Sur, el Festival Paris Cinéma, en Francia, el Cine las Américas, de Aus-tin, los Anthology Film Archives, en Nueva York, la Univesidad de Califor-nia en Los Ángeles y el Harvard Film Archive, en Cambridge, los cuatro últimos en los Estados Unidos. Su reciente filme, Los mejores temas, tuvo su estreno mundial en el Festival de Locarno, Suiza.

Sinopsis

Nicolás Pereda

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MARLEYEstados Unidos,Reino Unido, 2012

Dirección: Kevin Macdonald.Países: Estados Unidos-Reino Unido.Año: 2012.Fotografía en color: Mike Eley, Alwin H. Küchler y Wally Pfister.Música: Bob Marley & The Wailers.Edición: Dan Glendenning.Testimonios: Ziggy Marley, Jimmy Cliff, Cedella Marley, Rita Marley, Lee Perry, Cindy Breakspeare, Lee Jaffe, The Wailers.Compañías productoras: Magnolia Pictures, Shangri-La Entertainment, Tuff Gong Productions.Producción: Steve Bing y Charles Steel.Duración: 144 min.Distribuidora: Interior 13.

El legado que Bob Marley dejó a la historia de la música es único e inigualable. Además

de poner a Jamaica en el mapa y al reggae en los oídos de todo el mundo, fue un líder social que difundió la cultura rastafari y se convirtió en un profeta político al conciliar

posturas opuestas. A través de viejo material

La pregunta que quería responder al realizar la película era por qué [Marley]

sigue hablándole a la gente alrededor del mundo –porque es seguro que lo sigue haciendo‒ y por qué lo hace más

profundamente que otras estrellas del rock o músicos famosos. Lo que me fascinaba al

tratar de realizar esta película era hacer algo muy personal. ¿Quién es este hombre? ¿Por qué fue tan exitoso? ¿Cuál es el

mensaje que tenía que dar a conocer a la gente?

1999 One Day in September (Un día en septiembre), documental2000 A Brief History of Errol Morris, docu-mental2001 Being Mick, documental2003 Touching the Void, documental2006 The Last King of Scotland (El último rey de Escocia)

2007 My Enemy’s Enemy, documental 2009 State of Play (Los secretos del poder)2011 Life in a Day (La vida en un día), documental2011 The Eagle (El Águila de la legión perdida)2012 Marley, documental

de archivo, presentaciones en vivo nunca antes vistas, música inédita y entrevistas

reveladoras con familiares, amigos y gente cercana a él, Marley es la historia definitiva del músico, revolucionario y hombre, desde sus comienzos hasta su ascenso al reconocimiento internacional.

Kevin MacdonaldGlasgow, Escocia, Reino Unido, 1967

Su familia permaneció errante durante los años de la Revolución, tran-siKevin Macdonald es nieto del director húngaro-británico Emeric Press-burger y la actriz inglesa Wendy Orme. Inició su carrera dirigiendo una adaptación de la biografía de su abuelo, The Life and Death of a Screen-writer, que se convertiría en el documental The Making of an Englishman (1995). Después de dirigir una serie de documentales biográficos, en 1999 realizó Un día en septiembre, filme que aborda el asesinato de atle-tas israelíes a manos de un grupo de terroristas palestinos, en los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972; la película le valió un premio Óscar en la categoría de mejor documental. En 2006 dirigió su primer largometraje de ficción, El último rey de Escocia (The Last King of Scotland), protago-nizado por Forest Whitaker. También es teórico del documental y entre sus publicaciones destaca Imagining Reality: The Faber Book of the Docu-mentary (1996), que coeditó con Mark Cousins.

Sinopsis

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UNA LUZ EN LA OSCURIDADW ciemności

México, 1959Dirección: Agnieszka Holland.Países: Polonia-Alemania-Canadá.Año: 2012.Guión: David F. Shamoon, basado en el libro In the Sewers of Lvov, de Robert Marshall.Fotografía en color: Jolanta Dylewska.Música: Antoni Komasa-Łazarkiewicz.Edición: Michał Czarnecki.Con: Robert Więckiewicz (Leopold Socha), Kinga Preis (Wanda Socha),Benno Fürmann (Mundek Margulies), Agnieszka Grochowska (Klara Keller), Maria Schrader (Paulina Chiger), Herbert Knaup (Ignacy Chiger), Marcin Bosak (Janek Weiss).Compañías productoras: The Film Works, Studio Filmowe Zebra, Schmidtz Katze Filmkollektiv.Productores: Steffen Reuter, Patrick Knippel, Marc-Daniel Dichant, Leander Carell, Juliusz Machulski, Paul Stephens y Eric Jordan.Duración: 145 min.Distribuidora: Zima Entertainment.

Polonia, 1943: Leopold Socha, trabajador en las alcantarillas de la ciudad de Lvov

y ladronzuelo, descubre a un grupo de judíos escondiéndose en el drenaje de las atrocidades de la ocupación nazi. Durante meses les brindará refugio a cambio de

dinero, sin imaginar la transformación que

No todo está dicho sobre el Holocausto. ¿Cómo fue posible un crimen de tal magnitud? ¿Dónde quedó lo humano? ¿Dónde estaba Dios? ¿Son acaso estos hechos una excepción en la evolución de la humanidad o revelan quizás nuestra parte más oscura? Las historias que ocurrieron en ese periodo involucran a personajes enfrentados a dilemas morales que los confrontaron tanto a lo luminoso como a lo sombrío. Mi mayor reto fue transmitir

cómo se siente vivir entre tinieblas durante más de un año. Es también la conjunción de dos mundos, el de los supervivientes y los tramposos, que deben coordinarse para salir adelante.

Agnieszka HollandVarsovia, Polonia, 1948

Egresada de la Facultad de Cine y Televisión de la Academia de Bellas Artes (FAMU) de Praga en 1971, a su regreso a Polonia se

convirtió en asistente de cineastas como Krszystof Zanussi y Andrzej Wajda, a quien considera como su mentor. Su primer largometraje, Actores de provincia, obtuvo el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cine de Cannes en 1980. Un año más tarde, Holland emigró a Francia, realizando un cine cada vez más internacional, en coproducción con Inglaterra, los Estados Unidos y Alemania. Directora interesada en analizar el funcionamiento de la condición humana en medio del torbellino de la historia reciente de Europa, entre los reconocimientos que ha recibido su obra destaca el Premio del Jurado en el Festival de Montreal por Cosecha amarga (1985) y el Globo de Oro a la mejor película extranjera por Europa, Europa (1992).

• 2011 Premio del Público. Festival Internacional de Cine de San Luis. Misuri, Estados Unidos. | Rana de Oro a la

mejor fotografía — Festival Internacional del Arte de la Cinefotografía CAMERIMAGE.

Lodz, Polonia.• 2012 León de Oro. Festi-val de Cine Polaco. Gdynia, Polonia. | Premios Águila a

mejor actor (R. Więckiewicz), actriz de reparto (K. Preis) y fotografía. Premios del Cine

Polaco. Varsovia, Polonia.

1979 Aktorzy prowincjonalni (Actores de provincia)1985 Bittere Ernte (Cosecha amarga)1988 To Kill a Priest (Complot contra la libertad)1991 Olivier, Olivier1992 Europa, Europa1993 The Secret Garden (El jardín secreto)1995 Total eclipse (Eclipse en el corazón)

1997 Washington Square (La heredera)2006 Copying Beethoven (Beethoven: Mon-struo inmortal)2011 W ciemności (Una luz en la oscuridad)

su conciencia sufrirá tras la experiencia. La cineasta Agnieszka Holland encuentra

en esta historia verídica de redención y supervivencia lo necesario para orquestar una demoledora reflexión sobre la complejidad de la condición humana, llevada al límite en un mundo donde cualquiera es víctima y victimario a la vez.

Sinopsis

Agnieszka Holland

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LA SIRGAColombia, Francia y México., 2012

Dirección y Guión: William Vega.Países: Colombia, Francia y México.Año: 2012.Fotografía en color: Sofía Oggioni Hatty.Edición: Miguel Schvenfinger.Con: Joghis Arias (Alicia), Julio César Roble (Óscar), David Guacas (Mirichis), Floralba Achicanoy (Flora), Heraldo Romero (Freddy).Compañías productoras: Contravía Films, Film Tank, Ciné-Sud Promotion.Producción: Óscar Ruiz Navia y Édgar San Juan.Duración: 89min.Distribuidora: Cineplex.

El recuerdo de una guerra que la dejó sin nada y la exilió de su comunidad de origen,

atormenta a Alicia, de poco más de quince años, quien intenta rehacer su vida en La Sirga, un hostal decadente a orillas de La Cocha, una gran laguna en lo alto de

los Andes. El dueño del lugar es el único

• 2012. Premio especial del jurado y premio a mejor fotografía. Festival de Cine de Lima. Perú. • Premio Cine en Construcción 21. Encuentros de los Cines de América Latina de Toulouse. Francia.

2001 Amnesia, cortometraje2003 Sunrise, cortometraje2011 Simiente, cortometraje

2012 La Sirga

familiar que conserva con vida: Óscar, un viejo huraño y solitario. Ahí, en una playa

fangosa e inestable que alguna vez fue paradero turístico, Alicia buscará echar raíces hasta que sus miedos y la amenaza de la guerra aparezcan una vez más.

William VegaAntes de especializarse en guionismo por la Escuela de Artes y Espectácu-lo TAI, en Madrid, estudió Periodismo y Comunicación Social en la Univer-sidad del Valle, en Cali, Colombia. Desde 2001 ha trabajado como director y guionista en proyectos para cine y televisión, entre los que destaca el largometraje El vuelco del cangrejo, del que fue asistente de dirección. Ha realizado cortometrajes como Amnesia y Sunrise, este último participante en los Encuentros de los Cines de América Latina de Toulouse, Francia. Ac-tualmente, integra el cuerpo docente de la Escuela de Cine Digital y Artes Audiovisuales de Cali, donde dicta la cátedra de guion.

Sinopsis

William Vega


El cine es una herramienta de conocimiento, como la filosofía: no afirma, sino que cuestiona. En el contexto del cine colombiano es-pero estar aportando algo a la formación de públicos que exijan la presencia de cinematografías alternativas. Una de las pretensiones

de La Sirga era darle protagonismo a lo sonoro dentro de lo narra-tivo, trabajando con pocos elementos e involucrándonos en la evo-lución del relato. La imagen, por su parte, se enfoca principalmente

en el entorno que define al personaje. Me gusta pensar en la idea tarkovski-ana de que cada cuadro tiene una re-

alidad irrepetible, un tiempo que con-stituye su sentido profundo y propio.

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COSMÓPOLISFrancia-Canadá-Portugal-Italia. , 2012

Dirección y Guión: David Cronenberg, basado en la novela homónima de Don DeLillo.Países: Francia-Canadá-Portugal-Italia.Año: 2012.Fotografía en color: Peter Suschitzky.Música: Howard Shore.Edición: Ronald Sanders.Con: Robert Pattinson (Eric Packer), Juliette Binoche (Didi Fancher), Sarah Gadon (Elise Shifrin), Mathieu Amalric (André Petrescu), Samantha Morton (Vija Kin-ski), Paul Giamatti (Benno Levin).Compañías productoras: Alfama Films Production, Pros-pero Pictures, Kinologic Films, France 2 Cinéma, Téléfilm Canada y Talandracas.Producción: Paulo Branco y Martin Katz.Duración: 108 min.Distribuidora: Zima Entertainment.

Nueva York está convulsionada: la era del capitalismo está vislumbrando su pronto

final. Eric Packer, el “niño maravilla” de las altas finanzas se refugia en su limusina blanca, mientras que una visita del presidente de los Estados Unidos paraliza

Manhattan. Eric tiene una obsesión:

[Don] DeLillo ya es famoso por sus sorprendentes diálogos, pero en Cosmópolis son especialmente brillantes. Algunos diálogos son recitados para ser “pinterescos”, a la Harold Pinter, pero creo que también deberíamos hablar de los diálogos “delillescos”. En Pinter, como dramaturgo, su virtuosismo como dialoguista es más obvio,

pero en la novela que nos concierne, el trabajo de Don muestra claramente una fuerza expresiva excepcional.

1977 Rabid (Rabia)1979 The Brood (Engendros del mal)1983 Videodrome (Cuerpos invadidos)1986 The Fly (La mosca)1991 Naked Lunch (El almuerzo desnudo)1996 Crash (Crash, extraños placeres)2002 Spider2005 A History of Violence (Una historia violenta)

2007 Eastern Promises (Promesas peligro-sas)2011 A Dangerous Method (Un método peligroso)2012 Cosmopolis (Cosmópolis)

cortarse el cabello con su peluquero justo en el otro extremo de la ciudad. Conforme

transcurre el día el caos se apodera de todo, mientras él observa impotente cómo su imperio se colapsa. Además, está seguro de que alguien lo asesinará. Ahora está a punto de vivir 24 horas que serán decisivas en su vida.

David CronenbergToronto, Canadá, 1943

David Cronenberg estudió Letras Inglesas en la Universidad de Toronto, donde quedó fascinado por Winter Kept Us Warm (1966), dirigido por su compañero de clases David Secter, y que fue el primer filme canadiense en exhibirse en el Festival de Cannes. Motivado por ese logro e inspirado por la escena underground neoyorquina funda la Toronto Film Co-op., al lado de su amigo –y futuro cineasta– Ivan Reitman, produciendo Stereo (1969) y Crímenes del futuro (1970), obras experimentales con las que llamó la atención del gobierno canadiense, que comenzó a financiarlo a partir de su siguiente largometraje, Shivers (1975). Conocido por la teoría de la nueva carne –donde la figura humana, susceptible a la mutación, deriva en un terror absoluto–, crea un discurso autoral que gira alrededor del dominio del cuerpo; evolucionado sus contenidos a partir de Spider al terreno de la mente como único refugio del ser humano. Entre otros reconocimientos ha obtenido el premio del jurado en Cannes, el Oso de Plata de Berlín, la Legión de Honor de Francia y la medalla del Jubileo de la Reina Isabel II del Reino Unido.

Sinopsis

David Cronenberg


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LA VOZ DORMIDAEspaña, 2011

Dirección: Benito Zambrano.País: España.Guión: Benito Zambrano e Ignacio del Moral, basados en la novela homónima de Dulce Chacón.Año: 2011.Fotografía en color: Álex CatalánMúsica: Magda Rosa Galván y Juan Antonio Leyva.Edición: Fernando Pardo.Con: Inma Cuesta (Hortensia), María León (Pepita), Marc Clotet (Paulino), Daniel Holguín (Felipe), Lola Casamay-or (Reme), Ana Wagener (Mercedes).Compañías productoras: Maestranza Films, Warner Bros., Audiovisual Aval SGR. Producción: Antonio P. Pérez.Duración: 128 min.Distribuidora: Cinemas Nueva Era

Pepita, una joven andaluza, llega a Madrid para trabajar como asistente doméstica

y así ayudar a Hortensia, su hermana embarazada y presa en Las Ventas –donde dará a luz– por sus actos antifranquistas. A partir de esta historia ubicada en la

posguerra española, Benito Zambrano rinde

De la novela de Dulce Chacón me atra-jo, sobre todo, el amor entre estas dos hermanas y el amor a las ideas de los personajes. Además, contar la repre-sión que se sufrió en España los años siguientes al fin de la Guerra Civil y descubrir al público el mundo de las cárceles femeninas. Intentando hacer un país mejor, el nuevo régimen hizo un país de muerte y crueldad, con el apoyo de la Iglesia, que justificó sus métodos. Pero el drama de las protagonistas tra-sciende el hecho histórico concreto.

• 2011 Premio de la Unión de Actores Espa-ñoles a la mejor protagonista para cine (M. León) y a la mejor actriz secundaria (A. Wagener). • Concha de Plata a la mejor actriz (M. León). Festival Internacional de Cine de San Sebastián. España. |Premios Goya a la mejor actriz revelación (M. León), mejor canción original (“Nana de la hierbabuena” de Car-men Agredano) y mejor actriz de reparto (A.Wagener). • Academia de las Artes y las Ciencias Cin-ematográficas. Madrid, España.

1995 El encanto de la luna llena, cortomet-raje1999 Solas 2002 Padre coraje, miniserie2005 Habana Blues2011 La voz dormida

homenaje a aquellas mujeres que sufrieron no sólo por defender sus ideales frente al

totalitarismo, sino también porque siendo madres, hijas y esposas, fueron condenadas a que su exilio interior impidiera algo tan humano como llorar y enterrar a sus muertos.

Benito ZambranoLebrija, España, 1965

Benito Zambrano estudió Arte Dramático en Sevilla con miras a conver-tirse en director teatral. Después de trabajar como fotógrafo y camaró-grafo en la televisión española, se ganó una beca para estudiar en la Es-cuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba. Una vez de vuelta en España y después de intentos fallidos por encontrar productor para su opera prima, fue respaldado por Antonio P. Pérez para dar origen a Solas, con la que Zambrano obtuvo dos Premios Goya: me-jor dirección novel y mejor guion original. En septiembre de 2011 La voz dormida fue preseleccionada por la Academia de Cine española junto a La piel que habito (Pedro Almodóvar) y Pan negro (Agustí Villaronga) para competir por el Óscar a mejor película de habla no inglesa por España.

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LA DEMORAUruguay-México-Francia, 2012

Dirección: Rodrigo Plá.Países: Uruguay-México-Francia.Año: 2012.Guión: Laura Santullo.Fotografía en color: María Secco.Música: Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman.Edición: Miguel Schverdfinger.Con: Roxana Blanco (María), Carlos Vallarino (Agustín), Óscar Pernas (Néstor). Memento Films Production, Malbicho Cine, Lulu Producciones.Compañías productoras: Christian Valdelièvre, Sandino Saravia Vinay y Rodrigo Plá.Duración: 84 min.Distribuidora: Cinemas Nueva Era.

Montevideo. Conforme el anciano Agustín es cada día más senil, su dependencia

hacia María, la madura hija divorciada y con dos hijos que se ocupa de él, es más pronunciada. Pronto la presión económica y social que genera la presencia del padre

conduce a la desesperada hija al borde de

Tanto Laura [Santullo] como yo éramos consientes de que hablar de un tema como el que se trata en La demora no era algo en lo que un público amplísimo se pudiera interesar, sin embargo, representa bien lo que pensamos. En general intentamos hacer películas que reflejen lo que nos preocupa o interesa en cada momento, y ahora, con la llegada de los 40 años empieza a preocuparnos la vejez y la de nuestros propios padres. ¿Cómo confrontarla? Hay algo de eso en esta película, a través de los dos personajes principales.

• 2012. Premio Forum del Jurado Ecuménico. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. Premio al mejor guion. Festival de Cine de Lima. Perú. • Hélice de Motovun. Festival de Cine de Motovun. Croacia.

1995 Novia mía, cortometraje2000 El ojo en la nuca, cortometraje2007 La zona2006-08 Desierto adentro2010 30/30, episodio de la película colec-tiva Revolución2012 La demora

una decisión difícil de tomar. La demora es el primer largometraje que el director

mexicano hijo de migrantes Rodrigo Plá realiza por completo en su país natal.

Rodrigo PláMontevideo, Uruguay, 1968

Graduado del Centro de Capacitación Cinematográfica de México, ha es-crito y dirigido varios cortometrajes de ficción, entre los que destacan No-via mía, galardonado en los festivales de Biarritz y Guadalajara, El ojo en la nuca, ganador del Óscar Estudiantil al mejor cortometraje extranjero y 30/30, uno de los trabajos que integraron Revolución, un proyecto colec-tivo en el que participaron varios directores reconocidos. Con La Zona, su opera prima, ganó el León del Futuro en el Festival de Venecia en 2007 y el premio FIPRESCI en el Festival de Toronto. En 2009 su filme Desierto adentro fue la película más premiada en la 51ª entrega del Ariel. Todos sus largometrajes han sido colaboraciones con Laura Santullo, su pareja.

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AMORFrancia, Austria y Alemania, 2012

Dirección y Guión: Michael Haneke.Países: Francia, Austria y Alemania. Año: 2012.Fotografía en blanco y negro: Darius Khondji.Música: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven y Johann Sebastian Bach, interpretados por Alexandre Tharaud.Edición: Monika Willi y Nadine Muse.Con: Jean-Louis Trintignant (Georges), Emmanuelle Riva (Anne), Isabelle Huppert (Eva), Alexandre Tharaud (Alexandre), Geoff William Shimell (Geoff). CP: Les Films du Losange, Wega Film, X-Film Creative Pool.Compañías productoras: Margaret Menegoz, Stefan Arndt, Veit Heiduschka y Michael Katz.Duración: 127 min.Distribuidora: ND Mantarraya

Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2012, la cinta nos introduce

en la historia de un amor al final de sus días. Georges y Anne son un matrimonio octogenario de profesores de música jubilados, interpretado por dos leyendas

del cine francés: Jean-Louis Trintignant y

1995 71 Fragmente einer Chronologie der Zufalls (71 fragmentos de una cronología del azar)1997 Das Schloß (El castillo)1997 Funny Games (Juegos divertidos)2000 Code inconnu: Récit incomplet de div-ers voyages (Código desconocido)2001 La Pianiste (La pianista)2003 Le Temps du loup (El tiempo del lobo)

2005 Caché (Caché: El observador oculto)2007 Funny Games (Juegos sádicos)2009 Das weiße Band – Eine deutsche Kin-dergeschichte (El listón blanco)2012 Amour (Amor)

Emmanuelle Riva. Su única hija, Eva, quien comparte su vocación musical, vive en el

extranjero con su familia. Cuando Anne sufre un ataque que pone en riesgo su vida, el lazo de amor que une a la pareja deberá enfrentarse a una difícil prueba.

Michael HanekeMúnich, Alemania, 1942

Hijo del director y actor alemán Fritz Haneke y la actriz austriaca Beatrix von Degenschild, creció con la familia de su madre en la ciudad de Wiener Neustast, Austria. Estudió Filosofía, Psicología y Teatro en la Universidad

de Viena. Se desempeñó como crítico de cine después de graduarse y en-tre 1967 y 1970 trabajó como editor y guionista para la cadena de tele-visión alemana Südwestfunk. En 1974 debutó como director de televisión

con la película After Liverpool y en 1989 dirigió su primer largometraje cinematográfico titulado El séptimo continente (Der siebente Kontinent).

Desde 2002 ejerce como profesor de Dirección en la Academia de Cine de Viena y desde 2006 se dedica tam-bién a la dirección de ópera, Don

Giovanni y Così fan tutte de Mozart han sido sus producciones más de-stacadas. En 2009 ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes por El listón blanco, éxito que repetiría en

2012 con Amor. Sinopsis

Filmografía

Amor involucra miles de cosas diferen-tes, y cuando hago hincapié en una de ellas, reduzco todas las demás. Por su-puesto, estas observaciones son parte de mis pensamientos, pero nunca me he propuesto hacer una película sobre un determinado tema. Lo que me llevó a hacer ésta fue la pregunta de cómo hacer frente a la muerte de un ser querido. Eso me interesó porque lo he experimentado en mi propia familia, y me conmovió mucho. Es por eso que empecé a pensar en ello.

• 2012 Palma de Oro. Festival de Cine de Cannes. Francia. • Premio a mejor película. Festival Interna-cional de Cine de Durban. Sudáfrica. • Premio FIPRESCI. Festival Internacional de Cine San Sebastián. España.Michael Haneke

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EN OTRO PAÍS Dareun naraesuh

Corea del Sur., 2012

Dirección y Guión: Hong Sangsoo.País: Corea del Sur.Año: 2012.Fotografía en color: Jee Yun-jeong, Park Hong-yeol.Música: Jeong Yong-jinEdición: Won Hahn-sung.Con: Jung Yoo-mi (Won-ju), Isabelle Huppert (Anne), Yoo Jun-Sang (salvavidas), Kwon Hae-hyo (Jong-soo), Moon So-ri, Moon Sung-keun.Compañías productoras: Jeonwonsa Film.Productores: Kim Kyoung-heeDuración: 89 min.Distribuidora: ND Mantarraya.

Para distraerse de sus problemas monetarios y liberar estrés, Won-ju,

una joven estudiante de cine esboza tres diferentes versiones de un guion, protagonizado siempre por una elegante y a la vez garbosa mujer francesa que viaja

al puerto surcoreano de Mohang. Aunque

Interpreto tres papeles a través de los cuales veo la vida emocional completa de una mujer; deseos, expectativas, amor, decepción. En otro país se percibe como una cinta sencilla cuando en re-alidad abarca muchas cosas. Me divertí muchísimo trabajando en esta película y fue en una parte hermosa de Corea, fr-ente al mar, sin dejar de ser un trabajo difícil. Sé que se ve como un trabajo libre y fácil pero no fue para nada improvisa-do porque Hong Sang-soo escribe sus diálogos todas las noches, te entrega el guion cada mañana y entonces lo gra-bas. La película se ve espontánea cuan-do en realidad es muy precisa.

2000 Oh! Soo-jung (La virgen desnudada por sus pretendientes)2002 Saenghwalui balgyeon (A propósito de la puerta giratoria)2004 Yeojaneun namjaui miraeda (La mujer es el futuro del hombre)2005 Geuk jang jeon (Un cuento de cine)2006 Haebyeonui yeoin (La mujer en la playa)2008 Bam gua nat (Noche y día)2009 Jal aljido mothamyeonseo (Como si supieras todo)2010 Hahaha2011 Book chon bang hyang (The Day He Arrives)2012 Dareun naraesuh (En otro país)

en un principio las historias podrían desarrollarse en dimensiones diferentes,

esta primera colaboración del coreano Sang-soo con la francesa Isabelle Huppert guarda más simetrías metaficcionales de lo que uno podría imaginar, demostrando así que estamos destinados a cometer el mismo error una y otra vez.

Hong Sang-sooSeúl, Corea del Sur, 1965

Estudió en la Universidad Joongang, en Seúl, así como en el Colegio de Artes y Técnicas de Oakland, California, y el Instituto de Arte de Chicago. Con su debut, El día que un cerdo cayó en el pozo (Daijiga umule pajin-nal, 1996) obtuvo reconocimientos en diversos festivales, como los de Vancouver y Róterdam. A través de sus restantes filmes a la fecha, este realizador demuestra un marcado interés en las relaciones humanas con-temporáneas, a través de una visión nada romántica. Hong sobresale en Corea tanto por ser uno de los realizadores más innovadores como por su especial gusto por el alcohol, un ingrediente que lo lleva a crear lazos con sus actores (muchos de los cuales terminan sin recordar lo que filma-ron). Tras Hahaha —ganadora del premio Una cierta mirada en el Cannes 2010—, Hong también ha presentado Oki’s Movie y The Day He Arrives.

Sinopsis

Isabelle Huppert

Filmografía Selecta

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DIARIO DE FRANCIAJournal de France Francia, 2009

Dirección y Guión: Claudine Nougaret y Raymond Depardon.País: Francia.Año: 2009.Fotografía en color y blanco y negro: Raymond Depar-donEdición: Simon Jacquet.Compañías productoras: Palmeraie et désert, France 2 cinéma.Productores: Claudine Nougaret.Duración: 100 min.Distribuidora: Cineteca Nacional.

Raymond Depardon dedicó cuatro años a tomar fotografías de amplio formato

por todo el territorio francés para una exposición en la Biblioteca Nacional de Francia. En ese periodo Claudine Nougaret revisó y redescubrió pietaje desconocido

del acervo de su marido: sus primeros pasos

1974 1974, une partie de campagne (1974: Un día de campaña), documental1984 Les Années déclic (Los años del fotógrafo), documental1985 Une femme en Afrique (Barrio vacío (Una mujer en África))1986 New York, N.Y., cortometraje documental1990 La Captive du désert 2001 Profils paysans, l’approche (Perfiles campesinos: El acercamiento), documental2002 Un homme sans l’Occident2004 Profils paysans, le quotidien (Perfiles campesi-nos: Lo cotidiano), documental2008 La Vie moderne (Perfiles campesinos: La vida moderna), documental2012 Journal de France (Diario de Francia), documental codirigido por Claudine Nougaret

con la cámara, sus reportajes alrededor de todo el mundo para la televisión, pedacitos

de sus recuerdos y de eventos de la segunda mitad del siglo XX. Con estos dos extremos construyen una película que contrasta el amor con el devenir de la historia.

Raymond DepardonVillefranche-sur-Saône, Francia, 1942

Claudine NougaretMontpellier, Francia, 1958

Reymond Depardon comenzó a tomar fotos desde muy niño. Acabando la primaria entró a trabajar en una casa fotográfica, mientras tomaba cursos por correspondencia. En 1958 se mudó a París para trabajar con Louis Foucherard y el año siguiente intentó asociarse con Louis Dalmas en la fundación de su agencia. Aunque no pudo convertirse en socio terminó contratado como fotógrafo y con ellos publicó su primer reportaje de importancia (el rescate de algunos miembros perdidos de una expedición al Sahara). Después cubrió las guerras de Argelia y Vietnam. Fue uno de los fundadores de la agencia Gamma en 1966 y la dejó en 1979, después de haberse unido a Magnum. En 1969 comenzó a hacer documentales a la par de su carrera como fotógrafo. Su trabajo como realizador es impensable sin su esposa, la productora y sonidista, Claudine Nougaret, a quien Depardon reconoce como coautora de la mayor parte de su cine.

Sinopsis

Raymond Depardon y Claudine Nougaret (en ese orden)


—Tenía un montón de latas de archivos en una cava y sabía que tenía tesoros […]. A veces tuve descubrimientos: latas nuevecitas, nunca vistas, sobre Chad o Praga. O imágenes muy raras de Biafra que nunca había mostrado.

—Pero hacer una película de archivos era complaciente.

—La idea era hacer una película con muchas capas. Antes que nada es una historia de amor, la historia de un encuentro. Partimos de ahí para no caer en el cliché de la voz en off. Claudine tuvo la idea y es ella la que habla.

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LA CAZAJagten

Dinamarca-Suecia. 2012

Dirección: Thomas Vinterberg.Países: Dinamarca-Suecia.Año: 2012.Guión: Tobias Lindholm y Thomas Vinterberg.Fotografía en color: Charlotte Bruus Christensen.Música: Nikolaj Egelund.Edición: Anne Østerud y Janus Billeskov JansenCon: Mads Mikkelsen (Lucas), Thomas Bo Larsen (Theo), Annika Wedderkopp (Klara), Lasse Folgelstrøm (Marcus), Susse Wold (Grethe).Compañías productoras: Zentropa, Film i Väst.Productores: Morten Kaufmann y Sisse Graum Jørgensen.Duración: 111 min.Distribuidora: Canana.

Tras un divorcio complicado, Lucas reinicia su vida con una nueva novia y un nuevo

trabajo en un kínder, al tiempo que intenta reconstruir la relación con Marcus, su hijo adolescente. Pero algo sale mal: de repente se ve envuelto en un escándalo de

abuso infantil. Así, en medio de la nieve y

Una tarde de invierno de 1999, alguien tocó a mi puerta. Era un conocido psicólogo infantil y estaba parado en medio de la nieve con algunos documentos mientras peroraba sobre los niños y su imaginación. Hablaba de falsos recuerdos inducidos y de algo todavía más molesto: de que el pensamiento es un virus. No lo dejé entrar, no leí sus papeles y me fui a dormir. Diez años después necesitaba un psicólogo y le hablé. Por no ser grosero leí los papeles que

me había dejado y entré en shock, literalmente: me encontré con una versión moderna de una caza de brujas.

Thomas VinterbergCopenhague, Dinamarca, 1969

Graduado de la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, se convirtió en un fenómeno internacional con Festen, la primera

película del movimiento Dogma 95, que paradójicamente prohibía la firma de autor en las cintas adheridas a su decálogo. Después de este primer éxito, sin nunca dejar de hacer cine, pasó inadvertido por un largo periodo hasta la aparición de su melodrama Submarino. Además de cine, ha dirigido videoclips, entre ellos “No Distance Left to Run” (1999) para Blur y “The Day that Never Comes” (2008) para Metallica.

• 2012 Premio a mejor actor (M. Mikkelsen), Premio del Jurado Ecuménico y premio Vulcain al mejor artista-técni-

co (Ch. Bruus Christensen). • Festival de Cine de Cannes. Francia

1990 Sneblind (Last Round), cortometraje1993 Drengen der gikbaglæns (The Boy Who Walked Backwards), cortometraje1996 De størstehelte (The Biggest Heroes)1998 Festen (Festen: La celebración)2003 It’s All About Love (Todo es cuestión de amar)2005 Dear Wendy (Calles peligrosas)2007 En mand kommer hjem (A Man Comes

Home)2010 Submarino2012 Jagten (La caza)

las luces navideñas la mentira se extiende y la comunidad se sume en una histeria

colectiva, producto de la sorpresa y la desconfianza, mientras Lucas se ve obligado a luchar por su dignidad y su vida.

Sinopsis

Thomas Vinterberg

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EN LA NIEBLA V tumane

Francia, Austria y Alemania, 2012

Dirección: Serguéi Loznitsa.Países: Alemania-Rusia-Letonia-Bielorrusia-Países Bajos.Año: 2012.Guión: Serguéi Loznitsa, basado en la novela homónima de Vasil Bykaŭ.Fotografía en color: Oleg Mutu. Edición: Danielius Kokanauskis.Con: Vladímir Svirski (Sushenia), Vladislav Abashin (Búrov), Serguéi Kólesov (Vóitik), Vlad Ivanov (Gross-meier).Compañías productoras: ma.ja.de. fiction, GP Film, Rija Filml, Belarusfilm, Lemming Film.Productores: Heino Deckert.Duración: 127 min.Distribuidora: Cineteca Nacional.

La ocupación nazi de Bielorrusia, en la antigua Unión Soviética, tuvo una fuerte

resistencia de parte de los locales. Tras el descarrilamiento intencional de un tren, Sushenia, un aldeano inocente, es arrestado junto con un grupo de saboteadores. El

militar alemán a cargo del asunto lo deja

2001 Poselenie (Settlement), documental2003 Peizaj (Landscape), documental2005 Blokada (Blockade), documental hecho con pietaje de archivo2008 Prestavlenie (Revue), documental hecho con pietaje de archivo2010 Schastie moio (Mi felicidad)2012 V tumane (En la niebla) O Milagre de Santo António, medio-

metraje documental.libre, pero ahorca a todos los demás presos. Entonces corren rumores de que Sushenia

es un traidor y los partisanos Búrov y Vóitik vienen del bosque por él. Mientras se lo llevan son emboscados y Sushenia se encuentra cara a cara con un enemigo herido. Entonces decide ayudarlo pase lo que pase.

Serguéi LoznitsaBaranavičy, Bielorrusia, Unión Soviética, 1964

Creció en la República Soviética Socialista de Ucrania donde se formó como matemático en el Instituto Politécnico de Kiev.Se dedicó algún tiem-po a la investigación sobre inteligencia artificial y procesos de toma de de-

cisiones en el Instituto de Cibernética. Durante ese periodo se comenzó a interesar en el cine y terminó por aplicar al Instituto de Cinematografía de la Federación, en Moscú, adonde ingresó en 1991, año de la disolución de

la Unión Soviética. Allí estudió direc-ción en el taller de la cineasta geor-giana Naná Dzhordzhadze. Comenzó su carrera como documentalista en

San Petersburgo de donde migró hacia Alemania en 2001. El recono-cimiento internacional le llegó con su primera película no documental, un

trabajo de carácter más poético que narrativo, Mi felicidad, inscrito en la competencia oficial de Cannes 2010.Sinopsis


En el nivel narrativo la película describe eventos que tuvieron lugar en otoño e invierno de 1942. En el nivel metafísico se puede decir que se ocupa de la idea de que el estado de inacción afecta a cualquier sociedad, y a cualquier indi-viduo en ella, y por eso exige sacrificios de todos sus miembros. En la película, el sacrificio es mostrado como una de las posibilidades que tiene un miembro de la sociedad para detener la enferme-dad letal de la destrucción mutua. Al comprender su destino, el protagonista encuentra el coraje para aceptarlo y ad-quiere sabiduría existencial.

• 2012 Premio FIPRESCI. Festival de Cine de Cannes.Francia • Mejor película. El Espejo – Festival Inter-nacional de Cine Andréi Tarkovski. Plios e Ivánovo, Rusia. • Chabacano de Oro a la mejor película. Festival Internacional de Cine de Yereván. Armenia. |Mejor película. Festival Interna-cional de Cine de Odesa. Ucrania.Serguéi Loznitsa

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EL VIENTO Csak a szél

Hungría-Alemania-Francia, 2012

Dirección y Guión: Benedek Fliegauf.Países: Hungría-Alemania-Francia.Año: 2012.Fotografía en color: Zoltán Fliegauf.Música: Benedek Fliegauf y Tamás Beke.Edición: Xavier Box.Con: Katalin Toldi (Mari), Gyöngyi Lendvai (Anna), Lajos Sárkány (Rio), György Toldi (abuelo), Gyula Horváth (Ali).Compañías productoras: Inforg-M&M Film, The Post Republic, Paprika Films.Productores: András Muhi y Monika Mécs.Duración: 91 min.Distribuidora: Cineteca Nacional.

Inspirado en una serie de asesinatos cometidos en Hungría, que cobraron la

vida de varias personas en menos de un año, Benedek Fliegauf construye un thriller rural sobre una familia gitana que se ve amenazada su vida cuando un grupo de

“cazadores” comienza a cometer crímenes

Los asesinos son personas simples: es-cuchan la radio, van a centros comerciales, tienen hipotecas, etc. El asesinato es un epi-sodio más en su vida. Durante el rodaje de El viento, para mí era más importante per-manecer con las víctimas. Es un gran desafío conseguir que el público sienta, aunque sea un poco, lo que las víctimas experimentan mientras están siendo cazadas. Los héroes de mi película son simples gitanos: una madre de mediana edad educando a sus hi-jos, un niño de once años y una adolescente. Sus caminos se separan durante el día y la pregunta es si se volverán a ver.

2012 Oso de Plata (Gran Premio del Jurado), premio Amnistía Internacional y premio Cine por la Paz. Festival Interna-cional de Cine de Berlín. Alemania.

2001 Hypnos, cortometraje2004 Dealer2004 A sor, cortometraje

2005 Pörgés, cortometraje2007 Tejút (Vía Láctea)2012 Csak a szél (El viento)racistas en contra de gente de ese grupo,

quemando sus casas y matando a sus habitantes. La espera se prolonga y los días se van llenando de miedo. Al anochecer, la familia junta sus camas para protegerse. Pero escapar de la locura racista es muy difícil.

Benedek FliegaufBudapest, Hungría, 1974

Benedek “Bence” Fliegauf es autodidacta. Trabajó como asistente de di-rección para Miklós Jancsó y Árpád Sopsits, fue periodista de arte y real-izó documentales para varias cadenas locales de televisión. Durante los preparativos para su cortometraje Hypnos (2001), el productor András Muhi lo invitó al estudio Inforg, taller de cine experimental fundado en 1999, con el que ha realizado todos sus largometrajes desde entonces. En 2002, y a pesar de su máxima puntuación en los exámenes de ingreso, no fue aceptado en la Universidad de Teatro y Cine de Hungría, ya que según el profesor y director, Péter Gothár, sentía que no había nada más que pudiera enseñarle. Es fundador de Raptors Collective, en el que se ha desempeñado como ingeniero de sonido y escenógrafo.

Sinopsis

Benedek Fliegauf

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HOLY MOTORS: VIDAS EXTRAÑASHoly Motors

Francia- Alemania, 2012

Dirección y Guión: Leos Carax.Países: Francia- Alemania.Año: 2012.Fotografía en color: Caroline Champetier e Yves Cape.Música: Neil Hannon.Edición: Nelly Quettier.Con: Denis Lavant (señor Oscar), Edith Scob (Céline), Eva Mendes (Kay M.), Kylie Minogue (Eva / Jean), Élise Lhomeau (Léa / Élise), Jeanne Disson (Angèle), Cordelia Piccoli (hombre con la marca de nacimiento).Compañías productoras: Pierre Grise Production, Théo Films, Arte France Cinéma, Pandora Filmproduktion, WDR/Arte.Productores: Martine Marignac, Albert Prévost y Mau-rice Tinchant.Duración: 115 min.Distribuidora: Cineteca Nacional.

Desde el amanecer hasta la noche, el señor Oscar viaja de vida en vida, interpretando

a varios personajes con identidades completamente distintas: es un ejecutivo, un asesino, un mendigo, un monstruo, un padre de familia... Está solo, únicamente

acompañado por Céline, la mujer que

Para Holy Motors, una de las imágenes que tenía en mente eran estas limosinas que han aparecido en los últimos años. Están completamente en sintonía con nuestros tiempos: ambos son llamativos y de mal gusto. Las imaginé como largos navíos transportando humanos en sus últimos viajes. La película es una forma de ciencia ficción en el que las personas, animales y máquinas están al borde de la extinción –motores sagrados unidos por un mismo destino, esclavos de un mundo cada vez más virtual. Un mundo en el que las máquinas visibles, experiencias y acciones reales desaparecen gradualmente.

2012 Premio a Mejor Película, mejor director, premio José Luis Guarner del Jurado de la Crítica y Méliès de Plata al mejor filme europeo. Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña – Sitges, España.

1980 Strangulation Blues, cortometraje1984 Boy Meets Girl1986 Mauvais sang1988-91 Les Amants du Pont-Neuf (Los amantes del Puente Nuevo)1997 Sans titre, cortometraje1999 Pola X2008 Merde, episodio de la película colec-tiva Tokyo!2012 Holy Motors (Holy Motors: Vidas extrañas)

conduce el inmenso vehículo que lo trasporta por París y sus alrededores, en

busca de la belleza de un gesto, la misteriosa fuerza motora, las mujeres y fantasmas de su pasado. Pero, ¿dónde está su verdadera casa, su familia, su paz?

Leos CaraxParís, Francia, 1960

Leos Carax nació en el municipio de Suresnes, Altos del Sena, ubicado en el área metropolitana de París, bajo el nombre de Alexandre Oscar Dupont (su seudónimo es un anagrama de sus dos primeros nombres). Después de terminar sus estudios de cine en la Universidad de París VII y el Colegio Americano de París, realizó dos cortometrajes y colaboró como crítico de cine en Cahiers du cinéma. Cuando tenía 23 años dirigió su primer lar-gometraje, Boy Meets Girl (1984), donde conocería a Denis Levant, actor con el que trabajaría en varios de sus posteriores proyectos. Dos años después dirige Mauvais sang (1986), protagonizada por Juliette Binoche, y en 1988 comienza el rodaje ‒que duraría tres años‒ de la película de culto, Los amantes del Puente Nuveo (1988-91), una historia de amor entre dos marginales vagabundos. A su carrera se suman algunas participaciones actorales en filmes de Harmony Korine y Jean-Luc Godard, entre otros.

Sinopsis

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GEBO Y LA SOMBRAGebo et l’ombre

Portugal-Francia, 2011

Dirección y Guión: Manoel de Oliveira, inspirado en una pieza teatral de Raul Brandão.Países: Portugal-Francia.Año: 2011.Fotografía en color: Renato Berta.Edición: Valérie Loiseleux.Con: Michael Lonsdale (Gebo), Claudia Cardinale (Doroteia), Ricardo Trêpa (João), Leonor Silveira (Sofia), Jeanne Moreau (Candidinha), Luís Miguel Cintra (Chamiço), Bastien Guio (vecino).Producción: Luis Urbano y Martine de Clermont-Tonerre.Duración: 95 min.Distribuidora: Cineteca Nacional.

Inspirado en una pieza teatral del dramaturgo modernista portugués Raul

Brandão, Manoel de Oliveira, el cineasta en activo más longevo del mundo, relata la historia de un viejo contador parisino de principios del siglo XX, quien ha ocultado

a su mujer la mendicidad en que vive el

Filmé esta película porque conocí a alguien que le gusta mucho mi cine y que se preguntaba por qué no filmaba algo sobre la pobreza. Pensé que no era fácil. Si era un documental sería más fácil porque

puedes buscar un caso concreto. Pero después recordé un libro de Raul Brandão sobre un hombre que muere pobre pero dignamente. De manera que es una película que vale para ayer y hoy. El hombre del pasado no es diferente del hombre actual. Hoy los teléfonos móviles pueden hacer todo menos alimentarnos. El hombre

debe matar a la bestia o comer hierba. De cualquier manera está condenado a vivir y vivimos felices, felices de vivir y felices del hecho de estar vivos.

1931 Douro, faina fluvial, cortometraje documental1942 Aniki Bóbó1981 Francisca1993 Vale Abraão (El valle de Abraham)1997 Viagem ao Princípio do Mundo (Viaje al principio del mundo)1999 La Lettre (La carta)2000 Palavra e Utopia (Palabra y utopía)2009 Singularidades de uma Rapariga Loura (Excentricidades de una joven rubia)2010 O Estranho Caso de Angélica (El extraño caso de Angélica)2011 Gebo et l’ombre (Gebo y la sombra)

hijo de ambos. Su regreso al hogar tendrá fatídicas consecuencias. Filme realizado

como una pintura que cobra vida, el cineasta portugués encuentra en este relato del pasado fuertes ecos en el presente, al abordarse en la historia temas como la crisis económica en un mundo en el cual las relaciones las rige el dinero.

Manoel de OliveiraOporto, Portugal, 1908

Con 81 años de carrera y más de 50 filmes realizados, el portugués Manoel de Oliveira es el cineasta en activo más longevo en el mundo. Sus pelícu-las destacan por ser casi teatrales, con una puesta en escena estática y marcado apoyo en el diálogo. Con estos recursos el cineasta portugués ha creado una obra personal en la cual reflexiona acerca de la imposibilidad amorosa, el arraigo, la inmortalidad, la relación del hombre con la Historia (con mayúscula), el arte, la religión, así como la relación entre las letras y las imágenes en movimiento, la intolerancia y el valor de la palabra, entre muchas otras obsesiones fílmicas. Testigo del tránsito de más de un siglo, del color al blanco y negro, del cine silente al sonoro, su obra fílmica es testimonio de un mundo siempre igual aunque cambiante, en el cual el pasado siempre tiene ecos en nuestro presente.

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PARAISO: AMORParadies: Liebe

Austria-Alemania-Francia, 2012

Dirección: Ulrich Seidl.Guión: Ulrich Seidl y Veronika Franz.Países: Austria-Alemania-Francia.Año: 2012.Fotografía en color: Wolfgang Thaler y Ed Lachman.Edición: Christof Schertenleib.Con: Margarethe Tiesel (Teresa), Peter Kazungu (Munga), Inge Maux (amiga de Teresa), Dunja Sowinetz (turista), Gabriel Mwarua (Gabriel), Carlos Mkutano (Salama).Compañías productoras: Ulrich Seidl Filmproduktion, Tatfilm, Société Parisienne de Pro-duction, Österreichisches Filminstitut, Filmfonds Wien, Land Niederösterreich, Eurimages, Centre National de la Cinématographie, ORF (Film/Fernseh-Abkommen), WDR/ARTE, Degeto, ARTE France.Producción: Philippe Bober, Christine Ruppert y Ulrich Seidl.Duración: 120 min.Distribuidora: ND Mantarraya / Interior 13 Cine.

En las playas de Kenia se conoce como sugar mammas a las mujeres europeas que buscan a los jóvenes africanos que se prostituyen para ganarse la vida. Teresa, una austriaca de 50 años y madre de una chica que está entrando en la pubertad, viaja de vacaciones a aquel paraíso. Ahí, va de un chico a otro, de una decepción a otra, hasta que finalmente reconoce que en

El Paraíso es la promesa de un estado de felicidad permanente (una palabra que para muchos evoca el deseo de sol, mar, libertad, amor y sexo), pero tam-bién es un concepto del que común-mente abusa la industria del turismo. El título representa muy bien las tres his-torias de las películas, porque en ellas tres mujeres intentan realizar sus sue-ños y deseos incumplidos. Tres mujeres que buscan a un hombre que no corre-sponde a los ideales estandarizados de la belleza y quienes –citando a Houelle-becq o Jelinek– tienen un bajo valor de mercado.

1980 Einsvierzig (1.40 m.), cortometraje documental1992 Mit Verlust ist zu rechnen (Una pér-dida esperada), documental1995 Tierische liebe (Amor animal), docu-mental1997 Models (Modelos)

2001 Hundstage (Días perros) Zur Lage: Österreich in sechs Kapiteln (La situación del país), documental2003 Jesus, Du weisst (Jesucristo, tú que todo lo sabes), documental2007 Import/Export2012 Paradies: Liebe (Paraíso: Amor) Paradies: Glaube (Paraíso: Fe)

las playas de Kenia el amor es un negocio. Paradise: Love toca, no sin algunas dosis de humor, diferentes aspectos relacionados al turismo sexual, las relaciones entre mujeres mayores y hombres jóvenes, el valor del mercado sexual, el poder del color de la piel, Europa y África, además de la situación del explotado, quien no tiene otra opción que explotar a otros. Éste es el inicio de una trilogía: tres historias sobre tres mujeres de una misma familia

Ulrich SeidlViena, Austria, 1952

Egresó de la Academia de Cine de Viena. Después colaboró para la Corpo-ración Austriaca de Comunicaciones y el canal germano-austriaco-suizo 3SAT con trabajos documentales. Su estilo consigue molestar al especta-dor y distanciarlo emocionalmente, sin importarle el “realismo” documen-tal del que echa mano en sus filmes de ficción. Su película Días perros, ácido mosaico de personajes en un suburbio vienés, ganó el Premio Espe-cial del Jurado en el festival de Venecia del 2001. En el 2000 funda la Ulrich Seidl Filmproduktion, con la cual produce Import/Export, largometraje que se estrena en la selección oficial de Cannes en 2007.

Sinopsis

Ulrich Seidl

Filmografía

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PARAISO: FEParadies: Glaube

Hungría-Alemania-Francia, 2012

Dirección: Ulrich Seidl.Guión: Ulrich Seidl y Veronika Franz.Países: Austria-Alemania-Francia.Año: 2012.Fotografía en color: Edward Lachman y Wolfgang Thaler.Edición: Christof Schertenleib.Con: Maria Hofstätter (Anna Maria), Nabil Saleh (su esposo), Natalya Baranova, Rene Rupnik.Compañías productoras: Ulrich Seidl Film Produktion GmbH, Tatfilm, Société Parisienne de Production.Producción: Ulrich Seidl.Duración: 113 min.Distribuidora: Cineteca Nacional.

Un filme que explora lo que significa cargar con una cruz. Para hacerlo, Seidl se enfoca

en Anna Maria, hermana de la protagonista de la primera cinta de esta trilogía, Paraíso: Amor, una mujer que en sus vacaciones realiza labor humanitaria en Austria con la

finalidad de alcanzar la redención, llevando

El punto de partida fue una de las historias que presenté en mi documental Jesucristo, tú que todo lo sabes y que desarrollé como ficción para este filme. Es acerca de una mujer que, decepcionada del amor terrenal y su matrimonio, se vuelca hacia Jesús, a quien adora espiritualmente y también de-sea como amante. Durante los cuatro años que duró la preparación del filme, me enfo-qué más en el conflicto que ocurre cuando un día Anna Maria se da cuenta de que su amor ciego hacia Jesús la ha llevado a la alienación, perdiendo la cristiana virtud de amar al prójimo.

2012 Premio Especial del Jurado y pre-mio CinemAvvenire. Muestra Internacio-nal de Arte Cinematográfico de Venecia. Italia.

1980 Einsvierzig (1.40 m.), cortometraje documental1992 Mit Verlust ist zu rechnen (Una pér-dida esperada), documental1995 Tierische liebe (Amor animal), docu-mental1997 Models (Modelos)2001 Hundstage (Días perros) Zur Lage: Österreich in sechs Kapiteln (La situación del país), documental2003 Jesus, Du weisst (Jesucristo, tú que todo lo sabes), documental2007 Import/Export2012 Paradies: Liebe (Paraíso: Amor) Paradies: Glaube (Paraíso: Fe)

siempre a cuestas una enorme imagen de la Virgen María. Pero todo cambia cuando

su marido musulmán confinado a una silla de ruedas, regresa al hogar. Entonces las plegarias se fusionarán con el rencor. El filme es, por lo tanto, el cáustico retrato de las estaciones a recorrer en ese via crucis llamado amor.

Ulrich SeidlViena, Austria, 1952

Egresó de la Academia de Cine de Viena. Después colaboró para la Corpo-ración Austriaca de Comunicaciones y el canal germano-austriaco-suizo 3SAT con trabajos documentales. Su estilo consigue molestar al especta-dor y distanciarlo emocionalmente, sin importarle el “realismo” documen-tal del que echa mano en sus filmes de ficción. Su película Días perros, ácido mosaico de personajes en un suburbio vienés, ganó el Premio Espe-cial del Jurado en el festival de Venecia del 2001. En el 2000 funda la Ulrich Seidl Filmproduktion, con la cual produce Import/Export, largometraje que se estrena en la selección oficial de Cannes en 2007.

Sinopsis

Ulrich Seidl

Premios


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CÉSAR DEBE MORIRCesare deve morire

Italia, 2011

Dirección y guión: Paolo y Vittorio Taviani, inspirados en la tragedia Julio César de William Shakespeare.País: Italia.Año: 2011.Fotografía en color y blanco y negro: Simone Zampagni.Música: Giuliano Taviani y Carmelo Travia.Edición: Roberto Perpignani.Con: Cosimo Rega (Casio), Salvatore Striano (Bruto), Giovanni Arcuri (César), Antonio Frasca (Marco Antonio), Juan Darío Bonetti (Decio), Vincenzo Gallo (Lucio), Rosario Majorana (Metello).Compañías productoras: Kaos Cinematografica, Rai Cinema, Le Talee, Stemal Entertainment, La Ribalta-Centro Studi Enrico Maria Salerno.Producción: Grazia Volpi.Duración: 76 min.Distribuidora: Cinemas Nueva Era.

Durante un periodo de seis meses, los veteranos cineastas Paolo y Vittorio Taviani

registraron los preparativos para una puesta en escena de la tragedia Julio César, de William Shakespeare, en el interior del penal de máxima seguridad de Rebibbia.

Los intérpretes son los propios internos

Leímos a Shakespeare desde nuestra juventud, nos maravillamos con su grandeza y nos hemos valido de las herramientas que nos legó en nuestros filmes. Asistimos a una función teatral de El infierno de Dante Alighieri representada por miembros de la mafia presos en un penal de máxima seguridad. Quedamos conmovidos. Así que decidimos reinventar a Shakespeare y seleccionamos Julio César por ser una pieza sobre el poder, la traición, el asesinato. Los protagonistas incluyeron sus vivencias en la obra, se identificaron con los personajes mientras nosotros documentamos la brutalidad de su experiencia carcelaria.

Vittorio Taviani

2012 Oso de Oro. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. Premios David di Donatello a mejor película, dirección, producción, edición y sonido (Brando Mosca y Benito Alchimede). Academia del Cine Italiano. Roma, Italia. Listón de Plata. Sindicato Nacional de Periodistas Cinematográficos Italianos. Roma, Italia.

1969 Sotto il segno dello scorpione (Bajo el signo del escorpión)1974 Allonsanfan (El buitre)1977 Padre Padrone1979 Il prato (El prado)1982 La notte di San Lorenzo (La noche de San Lorenzo)1987 Good Morning, Babylon (Buenos días, Babilonia)1990 Il sol anche di notte (El sol, incluso de noche)1993 Fiorile1996 Le affinità elettive (Las afinidades electivas)1998 Tu ridi (Tú ríes)2012 Cesare deve morire (César debe morir)

del lugar. Con este documental, ganador del Oso de Oro en el Festival de Berlín,

los hermanos Taviani reflexionan sobre la capacidad del arte para conseguir que el hombre profundice sobre su condición existencial. Para todos los que participaron en este experimento, la vida tras las rejas nunca volvió a ser la misma.

Vittorio Taviani Vittorio TavianiSan Miniato, Italia, 1929 San Miniato, Italia, 1931

Periodistas de formación, los hermanos Taviani entraron en contacto con el cine al asistir al renombrado documentalista holandés Joris Ivens en la realización del documental L’Italia non è un paese povero, en 1960. Después de algunas cintas comerciales, los Taviani comenzaron con Bajo el signo del escorpión (1969) una de las más importantes filmografías del cine italiano contemporáneo. En su cine se advierten fuertes influencias cinematográficas que van del neorrealismo a la poesía de Pasolini, del distanciamiento brechtiano a la vanguardia de Godard. El devenir histórico de Italia durante el siglo XX, el compromiso político, la crítica social y el papel que juega el hombre en el torbellino de la historia son algunas de las obsesiones fílmicas de este par de hermanos ganadores de la Palma de Oro de Cannes en 1977 por Padre Padrone y del Oso de Oro de Berlín en 2012 por César debe morir.

Sinopsis

PremiosFilmografía selecta

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54 M

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EL ROMANCE Y LA CULPAKoi no tsumiJapón, 2011

Dirección y Guión: Shion Sono.País: Japón.Año: 2011.Fotografía en color y blanco y negro: Sōhei Tanikawa.Música: Yasuhiro Morinaga.Edición: Junichi Itō.Con: Miki Mizuno (Kazuko Yoshida), Makoto Togashi (Mitsuko Ozawa), Megumi Kagurazaka (Izumi Kikuchi), Kazuya Kojima (Shoji), Satoshi Nikaido (Masao Yoshida), Ryūju Kobayashi (Kaoru), Shingo Gotsuji (Kazuo Kimura).Compañías productoras: Nikkatsu, Django Film.Producción: Nobuhiro Iizuka y Yoshinori Chiba.Duración: 144 min.Distribuidora: Interior 13 Cine.

Una detective intenta resolver las causas y encontrar al responsable de un brutal

crimen ocurrido en la zona roja de Tokio. La narrativa se divide en cinco capítulos a través de los cuales se intenta reconstruir el pasado de la víctima, una profesora de

literatura de día y prostituta de noche, y la

2000 Seigi no Tatsujin Nyotai Tsubo saguri2001 Jisatsu sākuru (El club del suicidio)2005 Noriko no shokutaku (Noriko’s Dinner Table)2005 Kimyō na sākasu (Strange Circus)2007 Ekusute (Hair Extensions)2008 Ai no mukidashi (Love Exposure)2010 Tsumetai nettaigyo (Pez mortal)2011 Koi no tsumi (El romance y la culpa) Himizu (Topo)2012 Kibō no kuni (Land of Hope)de su discípula, la esposa de un novelista

famoso que será capaz de todo para reinventarse. Último filme de la llamada “Trilogía del Odio” de Sono, El romance y la culpa enfrenta a la sexualidad con la muerte mientras reflexiona sobre la represión como método de control de la sociedad japonesa actual.

Shion SonoToyokawa, Japón, 1961.

Poeta con obra publicada desde los 17 años, desertó de la Universidad Hosei,

en Tokio, para experimentar filmando en 8mm. I Am Sion Sono!!!, ensayo donde fusiona su obra escrita con imágenes en movimiento recibe buena acogida crítica, al igual que su opera prima, Bicycle Sighs, que se exhibe en una treintena de festivales inter-

nacionales. Forma el movimiento Tokio GAGAGA, que él mismo define como una “guerrilla urbana” dedicada a llevar poesía y cine a los barrios desprotegidos de Japón. En 2001 pre-senta el thriller El club del suicidio, que lo coloca en la mira internacional. Sus posteriores filmes están, en mayor o menor medida, vinculados al cine fantástico, pero siempre desde una perspectiva donde la crítica social, y en ocasiones la violencia, generan una lectura

ácida y desencantada del entorno sociocultural del propio cineasta.

Sinopsis

Shion Sono


Después de Love Exposure (2008) y Pez mortal (2010), esta película cierra una trilogía sobre el odio. Se trata de una emoción que im-plica demasiado amor. Lo considero de hecho el origen del amor. El

que adora al maligno cree también seriamente en Dios, mucho más que un creyente ordinario. Lo que paradójicamente significa que los satanistas son sumamente creyentes en lo divino y que aquellos que

odian están mucho más cerca de lo que creen de amar. Yo me considero alguien que odia. Mi odio interno es

muy fuerte y esta película es mi dis-curso de aceptación hacia el amor, pues estoy cansado de odiar.

Documents

Programa de mano, 54 Muestra Internacional de Cine, enero 2013