CLARA CERNAT, violín (Francia/Rumania) THIERRY HUILLET, piano (Francia)Lunes 28 de octubre • 7:15 p.m.Cúcuta, Salón Múltiple del Área Cultural Banco de la República.

Miércoles 30 de octubre • 7:30 p.m.Bogotá: Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Jueves 31 de octubre • 7:00 p.m.Bucaramanga: Auditorio Luis A. Calvo

CLARA CERNAT, violín (Francia/Rumania) THIERRY HUILLET, piano (Francia)Lunes 28 de octubre • 7:15 p.m.Cúcuta, Salón Múltiple del Área Cultural Banco de la República.

Miércoles 30 de octubre • 7:30 p.m.Bogotá: Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Jueves 31 de octubre • 7:00 p.m.Bucaramanga: Auditorio Luis A. Calvo

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en

los avisos de prensa y en el programa demano. Llegar conmediahoradeantelaciónlepermitiráingresaralconciertocontranquilidadydisfrutarloensutotalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, elpersonal del auditorio le indicará elmomento adecuado paraingresaralasaladeacuerdoconlasrecomendacionesdadasporlosartistasqueestánenescena.

• Agradecemosseabstengadeconsumircomidasybebidas,o

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del15defebrerode2013

“Una pareja musical que fusiona su capacidad artística de la manera más elevada […] Músicos de gran originalidad, personalidad carismática e instinto sensible. Respiraban como uno solo”. Estas palabras del crítico musical estadounidense Donald Rosenberg (The Plain Dealer, Cleveland) definen perfectamente al Dúo Clara Cernat & Thierry Huillet.

Al culminar estudios de música en sus respectivos países de origen —Francia y Rumania—, Clara Cernat y Thierry Huillet iniciaron su carrera de músicos solistas, y lograron en corto tiempo el reconocimiento público en varios países obteniendo además, importantes premios internacionales.

Tocar juntos representa la más enriquecedora y natural continuación de su propia historia musical. La primera persona que los escuchó tocar juntos fue el gran violinista Tibor Varga, quien inmediatamente les propuso interpretar a Ravel y Enesco en el famoso Festival Internacional de Sion (Suiza) en 1996. Su sentir de ósmosis musical perfecta, y su originalidad y pureza en la interpretación, se constituyeron en el alma del dúo, que despertó el unánime reconocimiento internacional tanto entre colegas como en los medios y en el público en general.

A sus producciones discográficas se suman numerosos conciertos en reconocidos auditorios (París —Théâtre du Châtelet y Salle Gaveau—, Bucarest, Cleveland, Toulouse —Théâtre du Capitole y Cloître des Jacobins—, Sevilla, Barcelona, Granada, Kuala-Lumpur, Málaga, Clermont-Ferrand, Marsella, Estrasburgo, Metz-Arsenal, Liubliana, Poitiers, Abiyán, Santander, entre otras), además de festivales (Piano aux Pyrénées, Musique

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d’Eté à Toulouse, Flâneries Musicales de Reims, Festival International de Sion, Festival Piano à Riom, Festival Gabriel Fauré, Conques, Eté Musical de Bourges, Fugue en Aude Romane, por nombrar solo algunos), eventos de renombre (MIDEM de Cannes, Bocentenario J.B. Vuillaume en Mirecourt, Musicora - Radio-France de París, grabaciones seleccionadas para entrar a la Fonoteca Dorada de la Radio de Rumania, conferencias y clases magistrales en Francia y los Estados unidos) y emisiones para radio y televisión (France-Inter, France-Musiques, RTL, Radio France International, Radio Romania, Radio Suisse Romande, BBC, Unión de Radios Europeas). Este dúo se ha ganado el aprecio y la admiración de un vasto público, y no sorprende, pues, que Clara y Thierry se hayan casado justo ¡el día de un concierto!

El disco del dúo dedicado a Georges Enesco recibió varias distinciones (“” por Evénement Télérama, 5 Diapasons, “Recommandé” por Classica, Le Monde de la Musique, Le Nouvel Observateur, L’événement du Jeudi, etc.) y se retransmitió en varias oportunidades (BBC, France-Musiques, France-Inter, RTL, RFI, Radio de Rumania, entre otras). Algo similar ocurrió con su siguiente producción discográfica, dedicada a la música de Ernest Bloch (Coup de cœur de piano, “Recommandé” por Classica, Diapason, Le Monde de la Musique, “” y Evénement Télérama). En 2005 lanzaron una nueva producción musical, en esta ocasión con música de Joaquín Turina.

Este concierto cuenta con el apoyo de

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INTERMEDIO

THIERRRY HUILLET (n. 1965) Basado en la obra literaria de Antoine de Saint Exupéry

Selecciones de El principito, para violín, piano y voz infantil en off

Una serpiente boa que digería un elefante“¡Por favor… dibújame un cordero!”

La puesta al solLa fl or

Los planetas y sus habitantesEl zorro

“Ya… Eso es todo…”

MAURICE RAVEL (1875-1937)

GEORGE GERSHWIN (1898-1937)Versión para violín y piano de Thierrry Huillet

Sonata para violín y pianoAllegretto

Blues Perpetuum mobile

Rhapsody in Blue

CONCIERTO No. 74

PROGRAMA

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NOTAS AL PROGRAMA

Por Ellie Anne Duque

Thierry Huillet (n. 1965)En este 2013 se cumplen setenta años de la publicación de la mundialmente conocida historia de El principito, del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry, quien falleció un año después de la publicación del libro, en 1944, en un accidente aéreo sobre el mar Mediterráneo. Saint-Exupéry, piloto reservista durante la Segunda Guerra Mundial, escribió e ilustró con acuarelas el libro durante una estadía prolongada en los Estados Unidos. Sus experiencias como aviador en Trafaya (Sahara) sirvieron de inspiración a la historia del principito caído a la tierra, en un desierto, desde un pequeño asteroide. Se trata de una breve novela traducida a más de 250 lenguas y dialectos que deleita tanto a jóvenes y adultos por su estilo fresco, sus imágenes creativas y sus enseñanzas sabias acerca del amor, la fidelidad y la amistad. Pero ante todo es una crítica al mundo de los adultos. El compositor y pianista francés Thierry Huillet se propuso traducir algunos episodios de la narrativa a la música, con un estilo evocador que transporta al oyente a rememorar diez episodios de la novela.

La obra se desenvuelve como una suite, con múltiples piezas pequeñas que se encandenan al ritmo de los textos. Así, la música puede ahondarse en estados anímicos variados y contrastados, desde lo etéreo e inasible, hasta lo concreto, pasando por la melancolía y la alegría. Por ejemplo, para describir el texto “la iluminación reverbera”, Huillet recurre a figuras repetitivas en el piano, mientras que el violín ilumina con melodías sueltas y libres que se aceleran y luego se tranquilizan para fundirse en las imágenes del espacio profundo.

En las diez visiones del principito, Huillet nos presenta la frustrada imagen que, de niño, el piloto hacía de una boa que se había tragado un elefante, pero que todos los adultos pensaban que era un sombrero. Luego hace su aparición el cordero (dentro de una caja) que se va a encargar de comer la maleza que crece en el asteroide B 612, a donde además llegan gigantescos árboles baobabs que amenazan con consumirlo. Ante la posibilidad de que el cordero también coma rosas, el principito cuenta un poco más su vida, su relación amorosa con una rosa vanidosa que apareció en su asteriode, los viajes a otros asteroides poblados con personajes adultos absurdos, la serpiente cuya mordedura ayudará al principito a que regrese a su hogar, junto a su rosa. Hacia el final aparece el zorro, que le aclara a nuestro pequeño protagonista la importancia de su rosa, entre todas las demás rosas, y emite una de las frases más contundentes de todo el escrito: “Solo se ve bien con el corazón. Lo esencial es invisible a los ojos.” La estadía del

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principito en la tierra termina con la mordedura de la serpiente y la esperanza del piloto —que no encuentra el cuerpo— de que el pequeño viajero haya llegado bien a su hogar.

La obra se estrenó en 2011 en Toulouse (Francia), y se ha escuchado en China, Italia, Argentina, Uruguay y Perú. Este año se escuchará en Centro y Sur América, Francia y Londres (Reino Unido). Heredero de la escuela pianística de Wilhelm Kempff, Huillet combina su exitosa carrera de pianista concertista con la composición musical original. En su catálogo de obras figuran ya más de setenta piezas instrumentales, vocales, de cámara y orquestales. Sus composiciones se publican en la prestigiosa editora Alphonse Leduc de París.

Maurice Ravel (1875 - 1937)Oriundo del pueblo de Ciboure, ubicado en la región vasca en la frontera entre Francia y España, Ravel siempre se sintió cercano a su herencia cultural vasca y a las tradiciones españolas. Pese a haber salido de Ciboure como infante de tres meses, su madre mantuvo viva en la familia el gusto por lo español. Ravel encontró inspiración en la literatura de España y en sus aires musicales, no solo por inclinación afectiva, sino por encontrar diversas alternativas sonoras que alimentaran sus tendencias modernistas en la composición. Ravel buscó nuevas escalas y ritmos no sólo en la música española, sino en aires orientales (Shérézade, Canciones de Madagascar, Dos melodías hebreas, Canción hebrea), otras tradiciones europeas (Cinco melodías populares griegas, Tzigane). También buscó alternativas en piezas antiguas, como pavanas, pasacalles, minués y tombeaux, y se remontó a teorías modales provenientes del Medioevo, para renovar sonoridades. Todo lo anterior, lo llevó a trabajar dentro de formas clásicas tradicionales, a veces con evidentes bases sobre procesos teóricos conocidos, razón por la cual muchas de sus obras se clasifican dentro de las tendencias neo clásicas.

Según el pianista Paul Crossley, la obra de Ravel tipifica las dos tendencias del pensamiento poético simbolista, resumidas en los términos “decadente” y “estético”. El primero de ellos, esconde tras los símbolos, el mundo de ideas y emociones internas del artista; el segundo sugiere, mediante la perfección de las formas y procesos, un mundo ideal al cual se aspira. Miroirs, Gaspard de la nuit y el Concierto para la mano izquierda, pertenecen al primer grupo y sus obras restantes para piano, al segundo. El Menuet antique y Le tombeau de Couperin, ofrecen rasgos característicos de la música francesa (de Chabrier el primero y de François Couperin, el segundo) pero procesados por la mente perfeccionista de Ravel. El trabajo minucioso, primero al teclado y luego en el contexto sinfónico, caracterizó gran parte de la obra de Ravel, un consumado pianista y trabajador incansable con una gran imaginación sonora. Se guío estéticamente por las enseñanzas del poeta Mallarmé quien

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definió el simbolismo como “el arte de evocar un objeto lentamente, para develar su estado de ánimo, o al contrario, el arte de escoger un objeto y extraer de él, un estado de ánimo”. La amalgama entre forma y contenido anímico en la obra de Ravel es evidente. De allí que su obra acuse rasgos neoclásicos, por la perfección y claridad formal y rasgos impresionistas, debido a la sutileza de la expresión. Para él era muy importante el dominio y la redefinición de las formas clásicas y cuando se comprometía a escribir una de ellas, el ejercicio le resultaba supremamente exigente, pues debía moverse en estructuras antiguas con una mirada moderna. Esta dualidad se aprecia en sus piezas de cámara más destacadas: el Cuarteto en fa, las dos sonatas para violín y piano, la sonata para violín y chelo y el Trío en la menor.

La primera de las sontas para violín y piano data de 1897 y la segunda, en sol menor de los años 1923 a 1927. Esta última obra, emprendida simultáneamente con la célebre Tzigane, (también para violín y piano) es un trozo lleno de gracia y movimientos antiacadémicos como el trozo en blues y el movimiento obsesivo del final. En el blues, Ravel hace uso del gusto francés por el jazz temprano de la primer a década del siglo XX en donde un ritmo marcado y estable en corcheas es la base de todo el discurso musical. En el movimiento, se contrasta el carácter percutivo del piano, con la fluidez del violín y en ocasiones los papeles se invierten, en especial cuando el violín hace uso de pizzicatos. Esta insistencia se desborda en la actividad incesante y compleja del último movimiento, un ejercicio de virtuosismo tanto para el violín como para el piano. George Gershwin (1898-1937) Con la temprana muerte de George Gershwin se perdió una figura musical muy inspirada y versátil, que jugó múltiples roles en el desarrollo musical de la década de los treinta del siglo XX, en Estados Unidos; hubiera sido interesante observar el alcance maduro de su talento, que floreció cómodamente en el mundo del musical de Broadway, en el cine de Hollywood y en el gran repertorio orquestal. Hijo de inmigrantes rusos, se formó como pianista de concierto y compositor de canciones populares junto con su hermano Ira.

El concepto más generalizado acerca de la obra sinfónica de este músico estadounidense es la constitución de una adaptación ingeniosa, o una estilización orquestal del jazz. Sin embargo, un análisis paciente del estado de la música en Estados Unidos (tanto de la denominada clásica como de la popular) entre los años en que acontecen las dos guerras mundiales, nos demuestra que Gershwin estuvo más íntimamente ligado a la canción popular, influenciada por los antecesores del jazz, como el rag y los blues, que por el fenómeno mismo del jazz, que durante aquel periodo vio surgir figuras tan notables como las de Duke Ellington, Louis Armstrong y Charlie Parker. Esto se evidencia aún más, si tenemos en cuenta que Gershwin trabajó con música escrita, dejando de lado la característica más determinante

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del jazz de aquella época: la improvisación y el swing o el manejo libre e impredecible del ritmo. Tanto él como su hermano Ira aportaron obras geniales al repertorio de la comedia musical de los años veinte en Broadway. Entre sus primeros aciertos figuran Lady be Good (1924), Oh Kay! (1926), Funny Face (1927) y Of Thee I Sing (1931) y su obra de mayor envergadura teatral, la ópera Porgy and Bess. Entre sus obras sinfónicas se destacan Rapsodia en Blue, Un americano en París (1928) y el Concierto en fa para piano y orquesta (1925).

La facilidad demostrada por Gershwin con los elementos primordiales del lenguaje del jazz llevó a que Paul Whitman le comisionara una obra para orquesta sinfónica en la que se evidenciaran los elementos del jazz. Para cumplir con el encargo optó por la rapsodia, una forma musical tradicional que daba gran libertad en el tratamiento de los temas melódicos y el ritmo. La rapsodia estaría plena de elementos tomados de los blues, las viejas canciones de los esclavos negros estadounidenses, y que por entonces acaparaban la atención del público por la interpretación que hacían cantantes con buenas capacidades de extemporización. Para la orquestación de la obra, Gershwin contó con la asesoría de Ferde Grofé, compositor de la célebre Suite del gran cañón. El mismo Gershwin actuó como pianista en el estreno de la obra.

La Rapsodia se inicia con un inolvidable solo del clarinete que “brota” con un glissando pleno de sensualidad, que se adapta muy bien a las capacidades musicales del violín. La participación del piano es la de un auténtico solista de concierto para piano y orquesta. La obra presenta, desarrolla y combina tres temas que constituyen su materia prima principal. Solo uno de ellos, que se escucha en la tercera parte de la Rapsodia, se asemeja a un adagio en el que la actividad musical frenética cesa unos instantes para dar paso a la evocación. La escritura pianística de Gershwin motivó a que se emitieran variados elogios por parte de la crítica. Combinó las dificultades propias de las técnicas del siglo XIX con la sencillez, casi improvisada, con que se sienta al teclado un músico popular. La parte para el piano está profusamente decorada con appogiatura y notas de paso que acercan el papel del solista con el de las trompetas, los trombones, los clarinetes y la percusión de una tradicional banda de jazz. En la versión para violín y piano de Huillet, toda esta complejidad y destreza se reparte armónicamente entre los dos instrumentos, que se turnan en el papel de solistas y acompañantes.

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