EL BARROCO MUSICAL CARACTERISTICAS GENERALES , PERIODIZACIÓN Y

GÉNEROS

1.- CARATERISTICAS DEL BARROCO MUSICAL “El Barroco es la ruptura del equilibrio; la deformación de las formas creadas en la época anterior, el contraste de las masas sonoras; el predominio del sentimiento y la expresión frente a la forma...” Manfred Bukofzer señala las características principales del Barroco por oposición a las del Renacimiento: 1.- En el Renacimiento predomina la una textura que consiste en la polifonía (superposición de voces) con independencia melódica en organización horizontal o contrapuntistica. Sin embargo, en el Barroco, predomina melódicamente una voz y el resto le acompaña armónicamente, en una textura homofónica. A esta voz, se le opone el Bajo continuo, que es un fundamento armónico y melódico situado en el bajo, que es interpretados bien por instrumentos melódicos graves o bien por instrumentos polifónicos (clave, organo...). Este no esta escrito melodicamente en la partitura, sino que se plasma mediante un cifrado situado debajo de la melodía, que se debe desarrollar arpegiadamente y que el interprete deberá improvisar siguiendo las reglas del sistema armónico establecido. Para Hugo RIEMANN el Bajo Continuo será el aspecto mas común de toda la música Barroca (Barroco= “Era del Bajo Continuo). Por lo tanto, a esta textura general, se le llamará monodía acompañada y se dará en gran parte en la música vocal e instrumental. En ocasiones, se da el uso de un bajo continuo repetido constantemente, mientras que otros elementos de la música como la melodía o armonía varían. A este bajo se llamará “ostinato”. Aun así, sobre todo en el área alemana, todavía se pueden apreciar reminiscencias del estilo contrapuntistico como fugas y motetes.

2.- En el Renacimiento la música dominaba al texto con una practica que Monteverdi denominó Prima prattica. Sin embargo en el Barroco, con la Seconda Prattica , que se basa en que la música debe seguir ña retorica del texto, para así expresar con música lo que este dice resaltando la fuerza emocional de las palabras mediante música, ésta está en relación con la Teoría de los afectos, una creencia de que la música es capaz de expresar y provocar diferentes afectos o sentimientos en el alma. De esta manera se creará el estilo recitativo, que se dará sobre todo en la prima etapa del Barroco.

3.- A mitades del s.XVII se consideraba que en el Renacimiento, tanto para la música cantada como para la tocada, existía un único estilo musical. A diferencia, en el Barroco se habla de tres estilos diferentes dependiendo de su función social:

Musica Theatralis: Música con espiritu dramatico sin escenificar: opera, oratorio cantata da camera...

Musica Cubicularis: Música interpretada por una pequeña agrupación: sonata da camera, concierto...

Musica ecclesiastica: Sonata da chiesa, cantata da chiesa...

4.- La música Renacentista es diatónica y modal, pero ya en el s.XVI, se va liberando de estos aspectos acercándose por medio del cromatismo a la tonalidad ya claramente establecida en el Barroco. Ya en la parte final del Barroco la armonía esta ya muy evolucionada y se emplean progresiones armónicas continuamente. Es ya Bach a principios del s. XVIII, con El Clave bien temperado quien pone en practica el temperamento igual y demuestra que el sistema tonal ya esta plenamente establecido. Esto también esta relacionado con el asentamiento del sistema armónico basado en los grados de I – V- IV. 5.- El Barroco es el periodo de la “Ley del contraste”, sobre todo en la música instrumental ya que a falta de texto, la posibilidad de dramatizar es menor. Sobre todo se contrastan elementos como el ritmo, la melodía, el timbre, las masas sonoras... La base de todo esto se encuentra en el policoralismo veneciano, y el desarrollo de este concepto creará el estilo concertato (se oponen: voces/instrumentos, grupo grande/pequeño, solista/coro...) “El Barroco es la era del estilo Concertante” -Handschin- 6.- El Barroco es el periodo de la decoración y ornamentación de la música melódica mediante trinos, apoyaturas... donde culminara en el Aria da capo y en la música para clave francesa rococó del s. XVIII 7.- El Barroco tiene diferentes lenguajes nacionales con formas y estilos específicos: estilo italiano, alemán y frances. Estos tres estilos serán los que influirán principalmente en los estilos ingles y español. Otras Características Barrocas:

melodías largas, irregulares y con muchos adornos y trinos Dos formas opuestas de tratar el ritmo de una composición:

- Ritmo métrico, regular, muy marcado - Ritmo Irregular, flexible, libre y sin metro, recitativos, tocatas...

Notación ortocrónica que se acerca a nuestro sistema, redondeada y se incorpora el compás y las barras (fines del XVI)

2.- PERIODIZACIÓN Entre el Renacimiento y el Barroco a finales del s. XVI, existe una época independiente que no pertenece extrictamente a ninguna de las dos épocas mencionadas, llamada “Manierismo”. Esta se caracteriza porque los autores crean sus obras “a la maniera” de los grandes creadores. Este concepto se le podría aplicar a la historia de la música, concretamente en la escuela veneciana en el tercer cuarto del s. XVI, sin embargo hay otros autores que admiten este concepto en la música. Según Bukofzer el barroco se distingue en las siguientes etapas: 1.- Barroco Inicial (1580-1630)

Lucha contra la polifonía se busca el valor afectivo de las palabras a traves de la música gusto por la disonancia

2.- Barroco Medio (1680-1730) se distingue entre recitativo y aria

los modos se reducen al mayor y al menor música instrumental misma importancia que la vocal

3.- Último Barroco aparece el estilo del concierto tonalidad plenamente establecida la música instrumental domina a la vocal

Aun así, esta periodización sol es aplicable en Italia, en los demás habría que retrasar las fechas, para completarse antes de 1580 con estilo Manierista. Otra periodización según Suzanne CLERX:

Barroco primitivo: Ultimas decadas del s. XVI Barroco pleno: s. XVII Barroco tardío: prima mitad del s. XVIII

3.- MUSICA VOCAL EN EL BARROCO EUROPEO Sobre todo en Europa va a tener gran importancia el nacimiento de la Ópera a principios de s. XVII. Trata de una representación musical en la que se alternan partes orquestales con partes corales y solistas. Estas ultimas pueden ser de dos tipos: RECITATIVO: declamación de un texto que se semicanta con un ritmo muy semilibre según los acentos de las palabras y con acompañamiento de bajo continuo. ARIA: Parte solista también pero que a diferencia del recitativo, se distingue por su regularidad rítmica y por acompañamiento orquestal. Al comienzo la diferencia entre recitativo y aria no es clara y mas con la existencia del arioso que es un intermedio entre ambos. En el s. XVIII crecerá dentro de la opera el bel canto (lucimiento de las voces de los cantantes) y a partir del s. XVIII existirá una división entre la ópera seria y la ópera bufa o cómica.

3.1.- NACIMIENTO DEL MELODRAMA EN FLORENCIA A finales de s. XVI hubo en Florencia un grupo de humanistas que se llamaban la “Academia Bardi” o “Camerata Florentina”, que se reunían para hablar de los problemas estéticos de la época. En ella destacan los músicos Peri y Caccini, el teórico Vicenzo Galieli y como escritor Rinuccini, cuyos textos aparecen en alguna ópera. Estos humanistas pretendía revitalizar la tragedia de la Antigüedad griega, dentro de la tendencia renacentista de volver a la época clásica. Para ello se basaron en las características griegas: Monodía acomp. con lira, música que acompañaba al texto... y es así como surge el nuevo estilo de monodía acompañada con bajo continuo. La aplicación de este estilo es una de las causas que crea el nuevo genero musical llamado “El melodrama” y una de sus expresiones sera la opera. Tenemos numerosos antecedentes de la ópera ya en las tragedias de Eurípides y Sófocles, Los dramas litúrgicos, misterios y milagros medievales, el teatro renacentista, algún que otro madrigal adaptado a fines dramáticos... Por lo tanto al nacimiento del melodrama contribuyen una serie de circunstancias:

La resurrección de tipos de espectáculos y formas de canto antiguos: tragedias griegas

Nuevo estilo monodico con bajo continuo Aplicación del estilo recitativo: recitar o declamar cantando

A partir de aquí se comienza a crear nuevos géneros musicales. 3.2.- LA MUSICA RELIGIOSA VOCAL: generos

ORATORIO Genero muy parecido a la ópera, pero que se distingue por:

el texto casi siempre es religioso pero no litúrgico no es representado, solo se limitan a cantar

Tiene el origen en una sociedad religiosa fundada por San Felipe Neri en Roma en la 2a mitas del s. XVI. Este genero surge a principios de s.XVII lo compositores que trabajan para el oratorio son influenciados por las nuevas corrientes de monodía acompañada con bajo continuo y recitativo y tenemos como el primer ejemplo de oratorio la Rappresentazione di Anima e di Corpo de E. Cavalieri. En el s.XVII distinguimos dos tipos de oratorio: Oratorio latino (en latín) y un Oratorio Vulgar (en italiano). El oratorio lo introduce en Alemania H. SCHÜTZ pero es HAENDEL quien lo lleva a su máxima plenitud.CANTATA (pieza para ser cantada) En 1620 la cantata consistía en una serie de arias en forma de variaciones estróficas, pero ya a mediados del sXVII pasa a ser una composición para voz solista acompañada de bajo continuo, alternando recitativos y arias. Mas tarde se le añaden coros y pasa a ser un genero muy parecido al Oratorio que solo se distingue por una menor duración, menor importancia del coro y carácter mas lírico que el oratorio que es narrativo. Tenemos dos tipos:

Cantata da Camera : en Italia y con carácter profano Cantata da Chiesa: en Alemania, religiosa en relación con el culto

luterano y con autores como Schütz y J.S. BACH. En España tienen el nombre de cantadas constan de dos partes: recitado o recitativo y area o aria

PASIÓN Obra religiosa no representada (como el oratorio) y su tema es siempre la narración de la pasión de cristo. Tiene antecedentes en el s. XII (costumbre de recitar una historia de forma semidramatica) y en los s. SV y XVI, pero es ya en el s. XVII cuando con la influencia del estilo concertado y de la monodia acompañada, se aproxima a la forma del oratorio. En la 2a mitad del s. XVII el texto del evangelio se amplió

por adición de meditaciones poéticas de los sucesos de la historia musicalizados como aria solistica

por el añadido de corales tradicionalmente relacionados con la historia de la pasión.

MISA Se mantiene el texto de las cinco partes del ordinario, pero se le añaden las innovaciones de la epoca: bajo continuo, policoralidad, acomp. orquestal, monodía acompañada...

Kyrie, Sanctus y Agnus Dei con texto breve y contrapuntística y melismaticas

Gloria y Credo homofónicos y sencillos MOTETES Mismas innovaciones que en la misma y sin forma definida, cada frase determinara un fragmento musical.

TE DEUM Himno de acción de Gracias con gran difusión en Francia utilizado para celebrar las victorias militares.

MAGNIFICAT Se cantaban en las vísperas con tonos solemnes y honrados.

LAMENTACIONES Están basadas en el texto del profeta Jeremías y se cantaban dentro del oficio de Tinieblas, los Jueves, Viernes y Sábado Santos.

4.- LA MÚSICA INSTRUMENTAL 4.1.- INSTRUMENTOSINSTRUMENTOS DE CUERDA

CUERDA FROTADA: Violín: Es en esta época se hacen investigaciones minuciosas sobre la calidad de las maderas, composición de colas y barnices y es cuando destacan dos escuelas de luthiers en Italia:

Brescia: con Gasparo de Saló Cremona: Tenemos a Andrea Amati (+1611), su nieto Nicola (+1648) y el

discipulo de este Antonius Stradivari (+1737). Sus instrumentos se consideran insuperados, aunque muchos perdieron su sonoridad al reconstruirlos en el s. XIX para tener un sonido mas grande para la sala de consciertos. Es en esta epoca cuando surgen nuevos efectos como el: pizzicato, col legno sul ponticello, glissando. Como compositores destacan Torelli, Vitalli, Corelli, Geminiani, Locatelli, Albinoni, Marcello Bomporti o Tartini.

Viola da Gamba: Importante para interpretar el bajo continuo y en europa como solista. El miembro mas grave de esta familia es el violone Viola d´amore: tiene unas cuerdas interiores que vibran por “simpatia” Violonchelo: En el XVII se utiliza para hacer el bajo continuo, aunque aparece por prima vez en el s. XVI y en el XVIII como instrumento solista.

CUERDA PUNTEADA El laúd, guitarra, vihuela van a tener menos importancia que en el renacimiento ya que ahora realizaran el bajo continuo junto con otros instrumentos monodicos, ademas de otros instrumentos de mayor tamaño como los archilaudes, la tiorba y el chitarrone. La guitarra española sera el instrumento solista favorito en el s. XVII en España.

INSTRUMENTOS DE VIENTO VIENTO MADERA:

-Flauta de pico: muy utilizada en el s. XVII-Flauta Travesera: Sigue siendo de madera pero ahora en 3 o 4 piezas que nos permite variar la afinación y aparece una llave y las perforaciones son cónicas. Va ganando terreno a la de pico y cobrará mas importancia en el s. XVIII-Oboe: De doble lengüeta que sustituye a la chirimía, es el instrumento solista en el Barroco Europeo-Bajón: Utilizado para Bajo continuo con algún ejemplo de solista. Bartolomé de Selma y Salaverde fue un fagotista famoso en España.

VIENTO METAL:

-Trompa: Se origina a fines de s. XVII la trompa natural a raíz de la trompa de caza. Para variar la afinación se utilizan bombas intercambiables de diferente largura. Refuerza el continuo.-Trompeta: trompeta natural con el mismo sistema de la trompa que estuvo en uso desde s. XVII hasta s.XIX.-Cornetto y serpentón: era de madera o de marfil, con boquilla y forma curvada y serpenteada.-Trombones (sacabuches): reforzaban partes del coro de la música sacra.

TECLADO Clavicembalo: se utilizaba para el bajo continuo y también como

instrumento solista. Clavicordio: menos importancia en el Barroco y se mantiene como

instrumento doméstico Órgano: se le enriquece con nuevos registros y hasta tres teclados y en

la zona germánica un pedalero desarrollado. Es empleado para continuos y también con una importante literatura específica.

PERCUSIÓN Timbales: en ocasiones los utilizan compositores como Lully, Purcell,

Bacj o Haendel.

4.2.- LAS FORMAS INSTRUMENTALES EN EL BARROCO EUROPEO Durante la primera mitad del s. XVII se pueden distinguir ciertos tipos generales de composición:1.- Formas tipo ricercare : contrapunto imitativo continuo: ricercare, fantasía, fancy, capriccio, verset, tiento y otras fueron unificadas con el tiempo en la fuga.2.- Formas basadas en contrapunto imitativo discontinuo (dividido en secciones):

Canzona: basada en el contrapunto imitativo discontinuo. Dos tipos: Canzona-Variación, dividida en distintas secciones pero con el mismo tema, y la canzona compuesta por diferentes secciones con distinto tema que dara lugar a la sonata da chiesa barroca.

Sonata (musica para ser sonada): En las primas décadas del s. XVII indicaba preludios o interludios instrumentales en obras vocales, pero después de 1630 se le añadió el uso de composiciones instrumentales autónomas. Esta ultima, es una composición para un pequeño grupo de máximo 4 instrumentos con bajo continuo y varias secciones de tempi contrastantes.

3.- Piezas basadas en una melodía o bajo dados: principalmente eran el tema y variaciones (o partita), la passacaglia o chaconne (basadas en bajo ostinato), la partita coral (variaciones de coral) y el preludio.

4.- Danzas y piezas en ritmo de danza: Suite: compuesta por varias danzas de distinto carácter (contraste) y

otras para orquesta. En Alemania partita, en Italia sonata, en Francia odre. Su antecedente es la pavana-gallarda del Renacimiento y en el s. XVII eta constituida por un preludio de improvisacion, seguido por una pavana, gallarda, alemande y courante (este esquema puede ser variable).

5.- Piezas en estilo improvisatorio para instrumento de teclado o laúd: toccata, fantasía, preludio...

Hacia finales del s. XVII se compone para un instrumento determinado:1.- Música para teclado: órgano, clavecín o clavicordio con diferentes estilos:

Toccata (pieza para ser tocada): por un instrumento de tecla y se caracteriza porque sebe ser ejecutada con gran rapidez.

Fuga: Consiste en la repetición de un tema o sujeto por las distintas voces según un esquema fijo, deriva del contrapunto imitativo. Suele aparecer frecuentemente emparejada con la Toccata.

Tientos en españa para órgano Sonata para Teclado: la sonata anterior, se traslada a finales del s. XVII

al teclado Arreglos de corales luteranos: obras basadas en una melodía de coral

compuestas a finales del XVII y comienzos del XVIII para órgano. Suite: Esquema de la 2a mitad del XVII: preludio, allemande, courante,

zarabanda y giga. Entre la zarabanda y giga a veces aparecían gavotas, bourrees, rigodones, minuetos...

2.- Musica para conjunto pequeño de instrumentos: Sonatas: a partir de 1660 se diferencian la sonata da chiesa y la

sonata da camera, y ya en 1670 las sonatas instrumentales se dividían en dos partes melódicas agudas y un bajo continuo que se llamaran trío-sonatas o sonatas en trío. En 1700 serán mas frecuentes para un instrumento solista con continuo.

3.- Música para un continuo de mayor tamaño: a fines del XVII se efectúa la distinción entre música de cámara y música orquestal.

Obertura: introducción orquestal a una opera, oratorio, obra teatral, suite..etc. En el s. XVII se distinguen dos tipos:

-obertura francesa: creada por Lully, fue el tipo mas generalizado de obertura barroca. 1A parte: lenta, compás binario, ritmo con puntillos, expresión solemne 2a parte: rápida, fugada, y muy movida, compás ternario 3a parte: retorno al primer tempo y al tema de la prima parte. -obertura italiana: Alessandro Scarlatti 1a parte: rápida, concertante 2a parte: lenta, cantable con instrumento solista 3a parte: rápida. Fugada y carácter bailable.

Suite para conjunto instrumental: floreció en Alemania desde 1690 hasta 1740

Concerto: aparece en las dos últimas décadas del s. XVII y se convirtió en el tipo mas importante de música orquestal Barroca después de 1700. Tenemos el Concerto Grosso (grupo de solistas instrumentales que se enfrenta a la orquesta), Concerto Solístico (solista se opone a la orquesta, que se desarrolla a partir de 1700 y culmina en el Romanticismo) La orquesta casi siempre era de cuerda y los solistas también habitualmente cuerdas.

EL DESARROLLO DE LA MÚSICA BARROCA EN ITALIA, FRANCIA, INGLATERRA, ALEMANIA Y ESPAÑA

1.- ITALIA A.- CARACTERISTICAS DEL PRIMER BARROCO EN ITALIASegún Bukofzer, el primer barroco abarca de 1580 a 1630 y estas son sus características:

Lucha contra la polifonía Busca el valor afectivo a kas palabras a través de la música Gusto por la disonancia

Dos focos importantes: VENECIA: gusto por la luz, color y escenografía al igual que en la pintura

de Tiziano, Tintoretto y Veronés. FLORENCIA: un grupo de humanistas en su afán de recrear el teatro

griego crearan la ópera. B.- LA ESCUELA VENECIANA 1.- CARACTERISTICAS

Policoralidad, que se desarrolla en la iglesia de San Marcos de Venecia (dos coros separados= cori spezzati)

Estilo concertato, se refiere al contraste o combinación de voces e instrumentos.

2.- COMPOSITORES ADRIAN WILLAERT: Maestro de la capilla de San Marcos, por lo tanto

policoral y efectos de eco y adecuación de la música al texto. ANDREA Y GIOVANNI GABRIELLI: con ellos aparece el estilo concertato.

GIOVANNI se interesa mas por el timbre especificando los instrumentos ha tocar entre ellos predominan los de metal. Este es quien pone junto con Monteverdi, las bases de la escritura orquestal moderna. Discípulos: Monteverdi, y sobre todo Heinrich Schütz, que a su vez también influencio en J. S. Bach.

C.- FLORENCIA: EL MELODRAMA La música melodramática y la ópera en particular nacen a principios del s. XVII en Florencia, en el entorno de la Camerta Fiorentina. Es en octubre de 1600 cuando se estrena la que se considera la primera ópera en sentido formal, que ya necesita decorados y trajes, Euridice de Peri, con el texto de Rinuccini. Aun así, la que se considera la primera opera en sentido estilístico es el Orfeo de Monteverdi, estrenada en 1607.

D.- CLAUDIO MONTEVERDI Es el máximo representante del primer BarrocoOBRAS

MADRIGALES: 9 libros con novedades en:- Armonía con el uso de la 7a y 9a de dominante y 7a disminuida- El bajo asume la función de fundamento armónico- Se aísla la voz superior y las demás acompañan- En el 5º libro hace uso ya de la seconda prattica (el texto guia a la musica)

OPERAS: L´Orfeo (1607); Arianna (1608); Il retorno d´Ulisse in patria

(1640); L´incoronazione de popea (1642). En una opera suya (Il Combatimento di Tancredi e Clorinda 1624) ya los personajes son reales y aparecen recursos como el pizzicato y el tremolo por primera vez.

MUSICA SACRA: Confluyen distintos elementos como el Canto gregoriano, contrapunto, dobles coros, estilo concertante...

IMPORTANCIA DE MONTEVERDI se le considera el creador de la orquesta ya que supo dar un sentido

expresivo a los instrumentos Realizo grandes innovaciones en el tratamiento de la Armonía Supo expresar en sus óperas y madrigales los sentimientos humanos como discípulo tenemos a FRANCESCO CAVALLI, que fue segundo

organista en San Marcos. E.- LA MUSICA VOCAL A PARTIR DEL BARROCO PLENO En la música vocal religiosa del Barroco italiano destacan los oratorios y cantatas 1.- ORATORIO Tenemos oratorio vulgar (en italiano) y oratorio latino (en latín) con importantes compositores como A. STRADELLA, G. BONONCINI y sobre todo GIACOMO CARISSIMI

2.- CANTATA (dos tipos) Cantata da camera: florece en Italia y carácter profano. Destacan L.

ROSSI, G. CARISSIMI, A. STRADELLA, ALESSANDRO SCARLARTTI. Cantata da chiesa: religiosa, cultivada en Alemania, autorees SCHÜTZ y

J.S. BACH

3.- OPERA en la música vocal profana se distinguen en la opera italiana cuatro zonas geográficas como diferentes estilos.

OPERA FLORENTINO-MANTUANA:Opera expresiva con finalidad de conmover y asombrar y gusto aristocráticos y temas mitológicos. Destacan en Florencia PERI y CACCINI y en Mantua MONTEVERDI.

OPERA ROMANA:Intercala escenas cómicas (de aquí nace la opera cómica), Mayor extensión de los coros y mayor distinción entre aria y recitativo.

OPERA VENECIANA:La apertura del teatro publico San casiano en Venecia en 1637, dara a esta opera un carcter mucho mas popular. Como compositores tenemos a MONTEVERDI, CESTI y a FRENCESCO CAVALLI

OPERA NAPOLITANA:Estilo popular con predominio del bel canto. Tienen gran importancia los castratis y echan a las cantantes por escándalo. Tenemos a ALESSANDRO SCARLATTI que lleva a la cumbre esta ópera perfeccionando tres elementos:- la obertura “italiana” con tiempos rápido – lento- rapido - aria da capo con forma A-B-A repitiendo A para que se luzca el solista.- recitativo secco: recitativo con velocidad casi como el habla y con un acompañamiento casi sin importancia, en esta escuela se desarrolla la opera bufa

F.- MUSICA INSTRUMENTAL DESDE EL BARROCO PLENO 1.- ORGANODestaca FRECOBALDI con tocatas caprichos, canzonas, rocercares...

2.- VIOLINARCANGELO CORELLI dio forma al concerto grosso, estilo muy novedoso para su epoca, aunque nos parezca simple.ANTONIO VIVALDI OBRAS:

Obras religiosas Operas Conciertos, tiene unos 500 la mayoría para violin delque destacan L

´estro armonico, L´estravaganza y sobre todo Il cimiento dell´Armonía.Otros compositores; TOMASSO ALBINONI, BENEDETTO MARCELLO, ALESSANDRO MARCELLO, GIUSEPPE TARTINI, TORELLI, VITALI...

2.- FRANCIA A.- CARACTERISTICAS GENERALES DE LA MUSICAContribuyen tres elementos al desarrollo de la música barroca francesa: 1.- El gusto por el ballet y la danza : un genero muy cultivado en el que incluso tomaran parte los propios reyes Luis XIII y Luis XIV es el ballet de cour (“ballet de corte”), tenia personajes mitológicos y se mezclaban la danza, los versos declamados, los cantos, los conciertos instrumentales y aires para voz sola. El desarrollo de este genero ayuda a la creación de la tragedie lirique y mas adelnate nacera la opera-ballet. 2.- Gusto por el ceremonial , para actos públicos y solemnes. Se desarrollan piezas espectaculares como los Te Deum para celebrar las victorias francesas. 3.- La literatura de la epoca y mas concretamente el teatro de las reglas clásicas

B.- LLEGADA DE LA OPERA A FRANCIA A principios del XVII predomina el “ballet de corte” y se rechaza la opera italiana ya que es demasiado larga, los recitativos eran monótonos, los libretos eran de baja calidad, no se entendían las palabras, les horrorizaban los castrati, y sobre todo porque la danza no era importante. Esto ira cambiando poco a poco en los tiempos de Enrique IV y con la llegada de Caccini a Paris, y es en 1669 cuando el libretista Perrin y el músico Cambert consiguen representar operas en francia y crean la Academia de Música. Pero sera un músico italiano quien haga triunfar la opera en Francia

C.- JEAN-BAPTISTE LULLY Colabora con Molière en la creación de la comedia-ballet y mas tarde crea las “tragedias liricas” que desde el punto de vista literario superan a las operas italianas. ESTILO:

Tiene gran importancia la danza y la música instrumental de cuerda, creciendo también el papel de los coros.

Desarrolla la obertura francesa distinta a la italiana con tiempos lento-vivo-lento.

Estudia la declamación del teatro y crea un nuevo tipo de recitativo

diferente al italiano Impuso la unanimidad del arqueo en la cuerda de la orquestales

OBRAS: Comedia-ballet, Tragedias liricas, Te Deum...

D.- OTROS COMPOSITORES GABATXOS Marc-Antoine Charpentier, Michel-Richard de Lalande, Clerambault, Campra, Marin Marias, Louis Couperin, Titelouze...

3.- INGLATERRA A.- CARACTERISTICAS DE LA MUSICA BARROCA INGLESA Hay varios factores que influyen en el desarrollo de la música

El esplendor en la corte propicia composiciones pa las ceremonias El protestantismo ingles desarrolla el anthem El gusto por las ceremonias llevara el éxito al oratorio La llegada de la casa Hannover en el s. XVIII le da a Inglaterra un gusto

alemán El gusto por el teatro y los grandes espectáculos abrirá el camino al éxito

de la Opera. La percursora de esta sera la masque o mascarada que es un drama con temas alegóricos o mitológicos con mucha escenografía que mezcla la poesía con la música vocal instrumental, danza y diálogos. Esta poco a poco se ira transformando en opera. Por esto muchos musicos entre ellos HAENDEL y muchos italianos fueron a Inglaterra en esta época.

En cuanto a la música instrumental las formas típicas son: voluntary: improvisatorio y solemne fancy: fantasia

B.- HENRY PURCELL En el se mezcla las influencias italiana y francesa con la armonía y melodía inglesa. Es muy propicio a usar bajos ostinatos en sus obras. OBRAS

Odas para circunstancias (Oda para el dia de santa cecilia), Música instrumental, (fantasias), Música teatral (su única opera, Dido y Eneas)

C.- OTROS COMPOSITORES MATTHEW LOCKE, JOHN BLOW que compuso la considerada primera opera inglesa Venus y Adonis en 1682.

4.- IMPERIO GERMANICO A.- ENTORNO HISTORICO Y CARACTERISTICAS MUSICALES La reforma protestante es un hecho de gran importancia para la revolución del Barroco musical en la que se da mayor importancia a la música del culto religioso, se desarrolla el coral y se le da importancia a la música en la enseñanza. Existe en Alemania un genero operistico llamado Singspiel que tendrá mucho éxito. El ultimo barroco coincide con el final del predominio musical italiano y comienzo del aleman.

B.- COMPOSITORES ANTERIORES A J.S. BACH Destacan tres compositores en la musica vocal:

HANS LEO HASSLER compositor de corales, MICHAEL PRAETORIUS receptivo a las innovaciones italianas que escribe el estilo policorl veneciano. HENRICH SCHÜTZ que lleva a Alemania al estilo italiano influenciado por la escuela veneciana. En la musica instrumental destacan:J.P. SWEELINCK con obras para órgano, PACHELBEL con obras para clave y órgano, DIETRICH BUXTEHUDE con numerosas cantatas sobre todo para órgano. JOHANN KUHNAU con sonatas bíblicas y GEORG PHILIPP TELEMANN que destaca en la composición vocal y en la instrumental.

C.- JOHANN SEBASTIAN BACH Junto con Haendel, representa la culminación del Barroco. Su grandeza proviene de haber sabido aunart odas las escuelas y estilos del Barroco. Fue conocido como organista y por su habilidad en el contrapunto, pero no como estimado compositor hasta que Mendelssohn resucita su figura. Podemos dividir su vida en 4 etapas:1a Etapa: (1703-1708) violinista del príncipe de Weimar y organista de la iglesia de Arnstadt.2a Etapa: (1708-1717) en la corte de Weimar recibe la influencia de compositores franceses e italianos.3a Etapa: (1717-1723) maestro de capilla y director de música de cámara de la corte de L. Köthen.4a Etapa: (1723-1750) Kantor de la iglesia de Sto. Tomás de Liepzig.

ESTILO Su musica requiere una gran técnica ya que es un reflejo de su habilidad y de sus hazañas como instrumentista. Mantiene un equilibrio muy difícil de conseguir entre la melodía y la polifonía por una parte y la armonía y el contrapunto por otra. Hay que señalar el estilo instrumental que imprime en sus partes vocales. OBRAS VOCALES

Se conservan unas 200 cantatas (la mayoria compuestas en Liepzig). Tiene tres oratorios de los cuales el mas importante es el Oratorio

de Navidad. Solo se han conservado 2 de las 5 pasiones que compuso, la pasion

según san juan y la pasion según san mateo. Pasaron inadvertidas entre sus contemporaneos pero gracias a mendelssohn en 1829 se volvieron a ejecutar.

Misas tiene 4 protestantes con kyrie y gloria y una católica en Si menor.

Magnificat OBRAS INSTRUMENTALES

organo: tiene obras compuestas expresamente para este instrumento como unos 150 Corales, 4 preludios, 8 pequeños preludios y fugas, 10 fantasias, 5 toccatas y fugas, 7 fugas, 3, partitas-corales...etc

Clave: los dos volúmenes del clave bien temperado con finalidad didáctica y puesta en practica del temperamento igual, 18 suites inglesas francesas y alemanas, invenciones a 2 y 3 voces, preludios, fugas, tocatas....etc.

Laúd suites, partitas, preludios fugas... Musica de camara, Obras orquestales: 4 suites, 6 conciertos de

brandemburgo (concierto grossi), conciertos para solista y prquesta Ultimas obras: La ofrenda musical y El arte de la fuga que murió

componiendo una fuga basada en su nombre (BACH= Sib La Do Si)

D.- GEORGE FRIEDERICH HAENDEL Compositor totalmente internacional en el que se aúnan la seriedad germánica, la suavidad italiana, la brillantez inglesa y la solemnidad francesa. ESTILO

Lenguaje facil de entender, sencillo y grandioso destinado a un publico numeroso que ha pagado entrada

Reelabora elementos, temas.. de composiciones suyas anteriores y de otros autores.

OBRAS VOCALES Operas en italiano: lleva el esquema habitual de comienzos del s. XVIII:

acción en recitativo secco o accompagnato (melodioso) interrumpido por arias da capo para solistas. Estas operas se escribían para que todo cantante pudiese exhibirse en las arias y constan casi por completo de cantos solistas. Por ello Haendel tuvo que luchar contra los cantantes que querían destacar por encima de la propia música por su artificiosidad.

Oratorios: Sus primeros oratorios están escritos en Italiano pero ya en 1730 los comienza a escribir en ingles para hacerlos mas atractivos a la clase media. Haendel hizo una innovacion muy importante con el coro, acentuado por la tradición coral inglesa en los Oratorios.

Cantatas: Tiene cantatas para voz y continuo y para varias voces e instrumentos, todas en italiano.

Pasiones Otras obras vocales: Himnos, Te Deum, Oda para el cumple de la reina

Ana, Oda a Santa Cecilia.

OBRAS INSTRUMENTALES Suites para orquesta: Water music (hoy en dia se interpreta agrupada

en tres suites) Fireworks Music... Concierto grossi, Concierto para Órgano o clave, Sonatas, trío-sonatas,

Clave: suites, fugas...

IMPORTANCIA Aparte de seer culmen del Barroco, Haendel se anticipa a varios elementos que tendrán importancia en la 2a mitad del s. XVIII. Dirige oratorios a la clase media, se anticipa a los Románticos en escenas descriptivas... Se le puede considerar como un maestro de la música coral y del principio barroco del concertato.

5.- ESPAÑA A.- CARACTERISTICAS DE LA MUSICA BARROCA EN ESPAÑA Durante el s. XVII se produjeron los mismos cambios que en el Barroco Europeo, pero de forma mas lenta y menos polémica. (Es con los Borbones en el s. XVIII cuando llegaran los cambios y las polemicas.)

El contrapunto no desaparece sino que se combina con el sistema vertical armónico.

Se desarrolla la monodía acompañada, ya que tenia antecedentes en la

música con voz y vihuela del renacimiento. El Bajo continuo se da en España a principios del s. XVII y se le llama

“acompañamiento general” o “acompañamiento”. El bajo cifrado no se utilizo hasta 1630-50 ya que la armonía era muy sencilla.

La armonía Española sera muy sencilla, basándose en acordes en posición fundamenta o en 1a inversión, consonante, disonancias preparadas y pocas modulaciones.

El sistema tonal se da con muchas reminiscencias modales. Las armaduras no se escriben completas, se solían poner un # o b y las demás alteraciones se colocan de forma accidental.

En 1630 aparece el bel canto con el contraste y alternancia de solista y coro.

B.- CARACTERISTICAS Y GENEROS DE LA MUSICA RELIGIOSA ESPAÑOLA La mayoría de la música barroca española es religiosa y todavía en el s. XVII se mantienen muchos aspectos del Renacimiento. La misa por la mañana y vísperas por la tarde eran los dos momentos mas importantes en las catedrales e iglesias principales. En la semana se cantaba en “canto llano” y en los domingos y festivos se cantaba la polifonía. Pero ya en el XVII la misa se fue haciendo poco a poco mas solemne, y se fue cantando cada vez mas de forma polifonica. A partir de la 2a mitad del XVII se distinguen dos tipos de polifonía.

Polifonía “a facistol” que se continuaban con las características del s.XVI y estaba copiada en los grandes libros que se colocaban en el facistol que estaba en el centro del coro.

Polifonía “a papeles” que era moderna y se escribía en particellas individuales para cada cantor, esta incluía al menos algún instrumento de continuo.

-Policoralidad: Originalmente de Tomas Luis de Victoria que se reservaba para las obras latinas. Se dividían las voces en coros independientes buscando efectos de eco y diálogo. Se escribe para unas 8 o 12 voces y 2-3 coros, pero ya en el s.XVII aparecen en obras para 16-20 voces y 4o5 coros. A veces en las obras policorales los instrumentos interpretaban algunas voces o incluso algun coro era instrumental. Solían ser coros reducidos con una o dos voces por cuerda y el primer coro se encargaba de lo mas difícil y las partes solistas. Alcanza su apogeo a lo largo del s.XVII y es cuando se quedan solo en dos coros de 8 voces y ya no se colocan separadamente dando lugar a la “falsa policoralidad”. Poco a poco en el XVII la música se hace mas compleja y los instrumentos y el bel canto van cobrando importancia en la música religiosa.

GENEROS Continuan los generos novedosos de la epoca con mayor acercamiento a la tonalidad. Se alterna el bel canto y los fragmentos solisticos de gran virtuosismo. Piezas con el texto en latín: Se cultivan las formas en latín como el motete, la misa, solmos, lamentaciones, magnificats... Piezas con exto en Castellano:

Villancicos: genero exclusivo de España muy popular que representa en determinadas festividades y en XVII con la estructura introducción – estribillo – coplas.

Cantatas o cantadas, en el . XVIII en castellano con estructura

“Recitado” - “area”. Las cultivan los compositores Sebastian, Diego Duron, y Juan Francés de Iribarren.

Oratorio en la comunidad valenciana.Como compositores destacan Joan Cererols y los navarros Miguel de Irízar y Fray Jose de Baquedano (considerado “figura cumbre del Barroco español”).

C.- MUSICA VOCAL PROFANA 1.- CANCIONES En españa reciben el nombre “tonos humanos” o “solos humanos”. Estas no suelen ser policorales y están escritas para 3 o 4 voces ya que se interpretaba en salas reducidas. Se recogen en cancioneros con acompañamiento instrumental, los mas importantes son el Cancioner de Sablonara y el Cancionero Casanetense con los compositores MAESTRO CAPITAN y JUAN BLAS DE CASTRO. Los textos son de Lope de Vega y Góngóra. 2.- MUSICA ESCENICAa) Música en las obras teatrales: son piezas intercaladas con lugares fijos como los cuatro de empezar, los tonos, loa, entremés, baile, finde fiesta o mojiganga. Luego tenemos los jácaras y villancicos, que eran fragmento totalmente instrumentales sin un lugar fijo en la representación. En el s XVII algunos números intercalados eran independientes a la opera. Autores JUAN BLAS DE CASTRO, MATEO ROMERO...b) Opera: La opera española en el s.XVII prescindirá lo mas posible del recitativo y no se busca tanto el virtuosismo vocal como en Italia. Es en el XVIII con los borbones cuando tendrá influencia italiana.La primera ópera en España fue La selva sin amor de Maestro de Capitán en 1627, pero se ha perdido. La primera que se conserva es de 1660 de Juan de Hidalgo Celos aún del aire matan de la que solo se conserva parte del canto y del bajo continuo pero no las partes orquestales.En la primera mitad del s. XVIII destaca SEBASTIAN DURÓN que estudio en Zaragoza con Andrés sola. Fue sacerdote y organista en la corte de Carlos II el Hechizado que cuando este murió se exilio en Bayona en la corte de Mariana de Neoburgo, viuda de Carlos. Solo se conserva una opera interesante llamada La guerra de los gigantes representada en 1702 para conmemorar una derrota de los borbones. Esta es la ultima opera completamente española, que se conservan las partituras al completo.c) Zarzuela: genero típico español que recibe este nombre porque se interpretaba en el palacio de la zarzuela. En el s.XVII la diferencia entre opera y zarzuela todavía no es muy clara, en la zarzuela se combinan partes habladas con musicales y en cambio en la opera son todas musicales. En ambas la temática es mitológica o alegórica y los libretos y compositores son los mismos. Es ya en el XVIII y en el XIX cuando la zarzuela adquiere un carácter popular y se distingue mas de la opera. La primera que conservamos es Los celos hacen estrellas con texto de Guevara y música de Hidalgo. En la primer mitad del s. XVIII la zarzuela se ve eclipsada por la opera italiana y se dejan influir por arias da capo, virtuosismo vocal.. aun así destacan: SEBASTIAN DURON (a partir de 1710 se le nota la influencia italiana) ANTONIO DE LITERES, JOSE DE NEBRA.

D.- MUSICA INSTRUMENTAL 1.- ORGANO Se le llama “órgano ibérico” y tiene un solo teclado partido, no tiene pedalero

(solo unos tacos denominados “contras”), octava corta, trompetería exterior horizontal, efecto de eco... Sus géneros mas importantes son los tientos, con tientos de registro partido y tientos de falsas, también de componen versos que se alternan con el coro, glosas que son una especie de variaciones adornadas, batallas... Autores que continúan con la tradición de Cabezón: SEBASTIAN AGUILERA DE HEREDIA (tientos) FRANCISCO CORREA DE ARAUXO con su obra Facultad orgánica (tientos), JOSE JIMENEZ y su sobrino ANDRES DE SOLA, PABLO BRUNA, JUAN BAUTISTA CABANILLES

2.- GUITARRA Y ARPA La guitarra es el instrumento de cuerda mas importante en España en el s.XVII y desde fines del XVI consta de 5 ordenes y es considerada como instrumento de culto. Los géneros vienen del Renacimiento y en especial diferencias sobre bajos ostinatos y música de danza, se escriben muchos tratados importantes de autores como JUAN CARLOS AMAT, LUIS BRICEÑO, NICOLAS DOIZI DE VELASCO Y GASPAR SANZ. Este ultimo, en su tratado de Instrucción de música sobre la guitarra española se logran fijar la técnica y posibilidades expresivas de este instrumento. Entre os géneros que aparecen tenemos distinguir dos tipos: 1.- piezas europeas: allemanda, chacona, gallarda...2.- piezas con carácter español:

Batalla: muy descriptiva Canario: cambio rítmico ternario-binario (5x8) Españoleta: tiempo ternario Foliá: esquema armónico Re la re do fa do re la/ Re la re do fa do re- la Hachas: danza entre caballero y dama Jacara: ritmo ternario lento Pasacalle: esquema armónico i-IV-V-I Tarantela: que según la leyenda curaba el veneno de la tarántula

3.- MUSICA DE CÁMARA Apenas tenemos música del s XVII ya que aparte de componerse poca, se perdió bastante en el incendio de Alcázar de los Asturias en 1734. Compositores tenemos: BARTOLOME DE SELMA Y SLAVERDE: fagotista de Madrid que trabajo para el Archiduque Leopoldo de Austria, en 1638 publica en Venecia su única obra conocida. FRAY JOSE DE BAQUEDANO maestro de capilla de Santiago de Compostela del que solo se conserva una sonata sin instrumentos a especificar.

E.- LOS TEORICOS PEDRO O PIETRO CERONE, ANDRES LORENTE Y PABLO NASSARE