Revista ANHAD Nº 12. Diciembre 2012

Editada por: Asociación Nacional de Historiadores de Arte y Diseño

ISSN: 2174-6877

Nº12 Diciembre 2012

Revista ANHAD Octubre 2012

ANHAD es la revista de la Asociación

Nacional de Historiadores de Arte y

Diseño, dedicada a la difusión de los

estudios y los acontecimientos más

relevantes del panorama cultural

actual.

Esta revista bimestral publica una

edición especial al año y consta de

dos espacios: uno dedicado al arte y

otro al diseño.

¿Quienes somos?

La Asociación

Beatriz Marín Pereira y Celia Fernández

Quintana.

Fundadoras de la Asociación y editoras

de la revista ANHAD Arte&Diseño

Queremos terminar el año con las pilas cargadas para comenzar el 2013 con nuevos contenidos y actividades. Como avance de 2013 deciros que dentro de poco habilitaremos en la web un aula virtual en la que impartir cursos y seminarios virtuales para todos nuestros seguidores. FELIZ 2013

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Cultura alternativa Revista ANHAD Agosto 2012

Sumario

ARTE

Novedades pág. 7

Agenda de exposiciones

Estética contemporánea pág.28

Panorama pág.10

Erró: El maestro del Collage Zona

Interferencias: arte y diseño pág.44 Xero Fernández

Zona Moderna de Pueblo

Gae Aulenti

Yayoi Kusama y Louis Vuitton

Oscarson Elding

Purist Washroom Fantasy

Drop Eco Hotel

Diseño pág.50

Cultura alternativa pág.25

Espacio fotografía pág.18

Walking Gallery

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¿Las raíces del arte conceptual en Múnich o

propaganda historicista?

Kaj Stenvall y su mitificación del Pato Donald

Descubriendo nuevas fronteras pág.33

¿Quién dijo que los grandes artistas fueran

occidentales?

Diseño

Nuevos talentos pág.40 Javier Artero

Diane Arbus

ANHAD cumple dos años!! 3

Nº 1

Nº 2 Nº 3

Nº 8

Nº 7 Nº 9

¿Cuál es tu portada preferida? Puedes votar en la web

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Nº 4

Nº 5

Nº 6

Nº 10

Nº 11

Nº 12

Para el próximo número de Febrero queremos que participes de forma más activa en el contenido y diseño de nuestra revista, por ello iniciamos un concurso para que seas tú el que diseñe nuestra próxima portada. Puedes consultar las bases del concurso en nuestra WEB

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http://www.asociacionanhad.org/

Zona ARTE

Erró

Entrevistas ANHAD Revista ANHAD Agosto 2012

Centro de Arte Canal, Madrid. Del 6 de Diciembre del 2012 al 5 de Mayo de 2013. La vida en la Antigua Roma a través de más de 600 piezas procedentes de las excavaciones de Pompeya y Herculano, la mayoría nunca vistas en España, procedentes fundamentalmente del Museo de Nápoles y de otros museos de referencia.

Pompeya, catástrofe bajo el Vesubio.

La siesta del fauno Círculo de Bellas Artes, Sala Goya. Madrid. Hasta el 20 de enero de 2013. Se conservan algo más de doscientos dibujos de los realizados por el artista plástico español Francisco Bores para la preparación de una edición del poema de Stéphane Mallarmé La siesta de un fauno (L’aprèsmidi d’un faune). El libro nunca llegó a publicarse. La presente exposición, comisariada por Javier Arnaldo, se propone reconstruir el proyecto con la intención de mostrar el despliegue visual del poema. Se podrá ver una selección de setenta y tres dibujos realizados en diversas técnicas que logran recrear con un delicioso vitalismo la tonalidad del texto de Mallarmé.

la muestra permite conocer cómo era la vida cotidiana en la ciudad antes y después de que la erupción del volcán Vesubio la sepultara bajo siete metros de ceniza en el año 79 d. C.

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Novedades: Agenda de exposiciones


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Anselm Kiefer. Morgenthau Plan Gagosian Gallery, Le Bourget, París. Hasta el 26 de enero de 2013. La Gagosian Gallery sigue creciendo y ampliando su red de influencia a un ritmo vertiginoso. Con este nuevo espacio en Le Bourget, a las afueras de París, ya son diez las salas de arte que la "cadena" tiene repartidas por todo el mundo.

Claes Oldenburg: los años sesenta.

Museo Guggenheim de Bilbao. Hasta el 17 de Febrero de 2013.

Las peculiares representaciones de objetos cotidianos de Claes Oldenburg han alcanzado celebridad internacional desde los inicios de la trayectoria del artista de Estocolmo a mediados de la década de los cincuenta.

Formas de transgredir el arte conceptual. Nacho Criado CAAC, Sevilla Del 4 de Diciembre al 21 de abril del 2013. Las obras del pionero en el arte experimental español y conceptual Nacho Criado se descubren por primera vez en su tierra.

Voyeurismo, fetichismo y narcisismo en la Colección MACBA Hasta el 17 de Febrero

En el contexto de la exposición Episodios críticos (1957-2011). Colección MACBA, la planta 0 del Museo presenta dos nuevos episodios de la Colección MACBA. En un segundo ámbito, el episodio Voyeurismo, fetichismo y narcisismo revisita las consecuencias que, en los años setenta, tuvo el universo mediático en la construcción de una nueva visualidad. Autores como Laura Mulvey identificaron las convenciones narrativas del cine y, junto con otros, las vincularon a un mecanismo que producía códigos de género. Siguiendo esta perspectiva, los roles de hombre y mujer se construyen en la pantalla. A partir de entonces, emerge lo que se conoce como crítica de la representación. La teoría llegó a concebirse como un posible sustituto de la expresión individual del artista y decantó la práctica del arte hacia una función más analítica. Las convenciones del cine y la pantalla nos han acostumbrado a situarnos ante los hechos con la mirada del voyeur. ¿Cómo miramos? ¿Cómo nos habita una imagen? Ya desde los años setenta, artistas como Judith Barry, Dara Birnbaum, Dan Graham y Jeff Wall han puesto en escena las seducciones y contradicciones del paradigma visual gestado durante los sesenta. Voyeurismo, fetichismo y narcisismo investiga en este nuevo régimen de la mirada.

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Panorama

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Erró: el maestro del collage

Por Lourdes Pérez

Erró, es el alias del islandés Gudmundur Gudmunsson, tras recorrer el mundo, fijó su residencia entre París y Formentera. Su obra es tan divertida e internacional como su vida, una llamativa mezcla de imágenes de la cultura de masas que ironiza, con imaginación, sobre la necedad y locura del mundo.

La influencia de sus viajes y explorar la técnica artística del mosaico, es la muestra de un estilo que mezcla el surrealismo y el Pop Art. En todas sus obras emplea elementos del cómic, de la ciencia ficción, de dibujos animados o publicidad.

En Madrid podemos encontrar algunas de sus obras (en el museo Reina Sofía), esta ciudad junto a Copenhague, Praga, Viena y Nueva York han realizado retrospectivas sobre sus obras; además de otras ciudad que cuentan con obras públicas como el mural en el metro de Lisboa o el mural cerámico de la calle Hans Arp en París. Su figuración narrativa llegó a finales de los 50 a París donde estudió y residió gran parte de su vida, y sigue produciendo obras coloridas que llevan intrínseco los acontecimientos políticos de cada momento, como modo de denuncia. Sus combinaciones pueden aparecer también de forma humorística o irónica pero tras una profunda observación.

Erró es un maestro del collage al estilo pop art que lo distingue de sus coetáneos colegas ingleses y norteamericanos. Este pintor trata sus obras como una especie de cronista de los hechos cotidianos de una forma impactante ya que muchas de estas son

de grandes formatos, grandes telas con recortes de revistas, carteles que pone en marcha su imaginación de una forma artesanal y que no dejan al espectador indiferente. Os invito a que disfrutéis de las obras de este artista octogenario, algunas de ellas presentes en nuestro país.

Panorama

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Panorama

Erró. Proyecto para la UNESCO (2005)

Panorama

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Entrevistas ANHAD Revista ANHAD Agosto 2012 Panorama

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(Fig.2)

¿Las raíces del arte conceptual en Munich o propaganda historicista?

Por Ariadna Ruiz Gómez

A lo largo de la historia del arte, se ha podido comprobar que el papel de los historiadores ha sido fundamental, no solo por el trabajo de estudio, investigación, documentación, catalogación y puesta en valor de periodos, movimientos y artistas, sino también para generar todo un entramado mediático alrededor de los grandes hitos culturales de la historia. Pues bien, en este sentido, los historicismos nacionalistas y academicistas siempre han tenido un papel primordial a la hora de componer tanto la historia universal, como la historia del arte. Con esto no debemos generalizar diciendo que todos los estudios desde el punto de vista nacional sean un mecanismo de propaganda para ensalzar la importancia de un estado, pero es algo que suele estar latente, ya que predomina en este tipo de investigaciones el gusto por “barrer hacia casa”.

Sin más dilación, debemos imbuirnos en la magnifica exposición que tuvo lugar en Munich, con motivo del centenario de la visita de Duchamp a la ciudad bávara. La exposición permaneció desde el 31 de marzo hasta el 15 de julio, bajo el nombre de Marcel Duchamp en Munich.

Panorama

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(Fig.4)

La exhibición se dispuso en las inmediaciones de todos los grandes museos y pinacotecas de la ciudad (Alte Pinakothek, Neue pinakothek…). El emplazamiento era importante, ya que a lo largo de toda la exposición se hacía referencia a como Duchamp recorrió casi a diario esta zona, para disfrutar y aprender de las obras de los grandes artistas como Durero o Lucas Cranach el viejo, del que se sintió muy influenciado durante toda su producción artística, si tomamos en consideración lo que él mismo decía. Pero, ¿cómo llegó el que sería el renovador de la historia del arte del s. XX, el impulsor del arte conceptual, a la capital bávara en el verano de 1912? Y, ¿por qué? Esas y otras preguntas son las que el historiador y artista contemporáneo Rudolf Herz ha querido responder en su investigación. Su estudio quedó recogido en el libro Marcel Duchamp- Le Mystère de Munich (Fig. 2), que se materializaría en esta exposición y en una obra escultórica de carácter arquitectónico (Fig. 3 y 4) realizada junto al arquitecto Peter Ottmann para las inmediaciones de la Alte Pinakothek y la Neue pinakothek.

El fin de esta escultura de grandes dimensiones es remitir a la vivienda en donde se alojó Duchamp. De hecho, la ubicación se ha circunscrito a las cercanías de donde se encontraba la propia casa de la familia que le acogió en el Barer Straße 65. La recreación de esta vivienda del ingeniero y la costurera que alojaron al joven artista, se ha realizado mediante hormigón armado de escala 1:1, inclinado 90 grados. Duchamp, con 25 años de edad, marchó en junio a Munich, para pasar unos días con su amigo bávaro Max Bergmann, pero al final acabaría prologando su estancia durante tres meses. Se sentía a gusto en la ciudad, estaba descubriendo la técnica alemana y, al visitar Deutsches Museum, descubrió el mundo de la tecnología

industrial y se quedó maravillado de su precisión. En este sentido, Herz quiere recalcar la idea de que fue en este momento cuando Marcel Duchamp comenzó a fraguar el concepto del ready made. Y aunque no hace una afirmación taxativa, si destaca ciertos acontecimientos personales que evidencian que la estancia de ese verano en Munich repercutió en su evolución de comprensión del arte.

Un punto neurálgico de este salto artístico fue el motivo de su precipitada salida de París. Este hecho se lo debemos al Desnudo bajando la escalera, nº 2, de 1912 (Fig. 5), que fue rechazado y criticado en el Salón de los Independientes, en el cual se encontraban sus dos hermanos, lo que en cierta manera le produjo desasosiego, pues no acababa de encajar en el ambiente artístico parisino. Por otro lado, Duchamp se encontraba en una etapa de amores y desamores. En 1911 rompió la relación con su amante Jeanne Serre, con la que tuvo una hija, de la cual no supo nada hasta ocho años más tarde. También

Fig 3: Maqueta para la escultura que remite a la estancia de Duchamp en Munich

Fig 4: Arquitectura escultórica de Rudolf Herz y Peter Ottmann, que permaneció en el recinto del 22 de julio al 30 de septiembre.

Fig 5: Desnudo bajando la escalera, nº 2 (1912)

Panorama

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se enamoró de Gabrielle Buffet-Picabia, la mujer de su buen amigo Francis Picabia. En estas circunstancias personales, el viaje a Munich le resultaba, según lo que anotó en sus diarios y en las postales que enviaba a sus amigos, una formula para ver los problemas desde otra perspectiva y seguir adelante. Herz destaca que el episodio vital de Duchamp en Munich, aunque se ha tapado o pasado por alto en muchas investigaciones biográficas del artista, está repleto de “significados históricos del arte y de la anécdota personal”. Retomando la idea de ready made, en la exposición de Lenbachhaus han querido partir de la frase que el propio Duchamp diría: Mi estancia en Munich fue el escenario de mi completa liberación. Con esta idea se construyó el nexo de unión del discurso expositivo, y como antecedente trajeron por primera vez a Munich, desde el Philadelphia Museum of Art, la obra Desnudo bajando la escalera, nº 2, de 1912, además de otras numerosas obras, como La Novia, del miso año, 1912, dibujos preparatorios y escritos de su puño y letra, con ideas para las posteriores obras en concepto de ready made, entre ellas el hito de La rueda de bicicleta, de 1913, su primer ready made, actualmente en el MoMA. En este sentido, en el espacio museístico se presentó una copia de El Gran Vidrio, 1915-1923, para que el espectador pudiera ir percibiendo la evolución artística de Duchamp.

Panorama

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. (Arriba) Formulario de registro de Duchamp, a su llegada a Munich. (Abajo) La novia (1912) .

“Mi estancia en Munich fue el escenario de mi completa liberación” (Duchamp)

Con toda esta investigación, Rudolf Herz busca sacar a relucir la importancia que supuso la etapa del artista en Munich, ensalzando el aprendizaje de Duchamp en la ciudad y evidenciando el hecho de que aunque durante un tiempo se trataron de borrar todas las huellas de su estancia en Munich, tal y como dice en el libro, el mismo Duchamp le otorgaba el puesto honorifico a esta ciudad, pues es donde encontró su liberación. De esta manera, es el propio Duchamp quien pone en valor el papel de relevancia de Munich dentro de las raíces del arte conceptual. Para concluir podemos tomar la frase casi profética que diría Duchamp años más tarde: El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas.

Fuentes bibliográficas y virtuales: Herz, R., Marcel Duchamp- Le Mystère de Munich. München, Moser Verlag, 2012. http://www.architekturmuseum.de/ausstellungen/detail.php?which=248&show http://editorialkrausse.com/archives/930 (Editorial Krausser) http://arttattler.com/architecturemarcelduchamp.html (Fotografías proyecto Herz)

El Gran Vidrio

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http://www.architekturmuseum.de/ausstellungen/detail.php?which=248&show












http://editorialkrausse.com/archives/930

http://editorialkrausse.com/archives/930

http://arttattler.com/architecturemarcelduchamp.html

http://arttattler.com/architecturemarcelduchamp.html

Espacio fotografía

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DIANE ARBUS Un secreto bajo el objetivo

Por Martha Barilari

Hay que tener cierto valor para adentrarse en el mundo Arbus, porque es tan crudo y real que duele, como la verdad, esa verdad que se te mete muy dentro y ante la que muchos no pueden más que mirar hacia otro lado. Sin embargo, si se tiene esa sensibilidad al arte, ese ojo curioso que quiere ver más allá de un pasado escrito en los libros y conocer a esos extraños personajes retratados por una Arbus prácticamente demacrada y, obviamente, trastornada por sus propios fantasmas. Judía y neoyorquina, nace en una sociedad corrupta y dominada por la mafia y la famosa ley seca. En una tempranísima adolescencia conoce a Allan Arbus y antes de cumplir los 20 ya se han casado y se dedican a la fotografía de moda en revistas como Vogue o Harper's Bazar. Sin embargo, esto jamás queda reflejado en su estilo, tan opuesto a la elegancia y esplendor de las modelos que salían en las portadas de las revista. Al separarse de su marido, Arbus, más famosa que él dentro del mundo de la fotografía, continúa su camino alejándose del glamour de los diseñadores de moda.

Espacio fotografía

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En muchas ocasiones, reflexiono mientras observo fotografías diversas, me imagino a Diane Arbus, entre perdida y ebria, caminando, casi vagando por las calles oscuras de una Nueva York nocturna repleta de personajes desgraciados y desgastados de la vida. Con su cámara y su flash, cargándolos de extraña manera y vestida casi con harapos, ojeras y despeinada, la joven anda despacio, arrastrando los pies y arrastrando un alma que le pesa toneladas de dolor.

Espacio fotografía

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Y me imagino entonces cómo dobla la esquina y se topa con un grupo de prostituas que hablan y ríen como hienas en torno a un enano del que se burlan con cierta lástima, y se acerca a ellos y comienzan a charlar. Porque antes de retratarlos, ella habla con ellos, los conoce y les explica lo que hace. Y les obliga a mirar a la cámara, porque son personas que están ahí y que reclaman un lugar en esta sociedad. El siguiente paso era el click, un momento ardiente y complejo, duro y real y tremendamente oscuro a pesar de la luz de un flash directo que marcaba esa sombra al fondo de la fotografía y que se convirtió en un sello característico de la artista y en el comienzo de un nuevo estilo.

Trasvestis, enfermos mentales, enanos, prostitutas, personajes de circo, extraños, gemelos, gigantes, y cualquier peculiaridad del ser humano que atrayera la atención de Arbus. Constantemente precedía una conversación al momento de la serie fotográfica que tomaba a casi todos ellos y, en otras muchas ocasiones, la empatía que se poseía de su ser junto con las sustancias que ingería y su propio estado de ánimo la llevaban a mantener relaciones íntimas con sus extraños modelos, hacia los que sentía una profunda admiración inspirada por la belleza de lo grotesco.

Espacio fotografía

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Ella fue la pionera al utilizar el flash de relleno y ese disparo directo a la cara del retratado, con tensión y fuerza, colocando a los personajes en el centro, en unas poses tan normales como siniestras, y sin ningún tipo de puesta en escena o elementos más estrafaliaros que los propios personajes, lo monstruoso se hacía presente desde el ser humano defectuoso que mostraba su espíritu ante una fotógrafa que realmente sabía verlo. Otra de las características de Diane Arbus y propia de su estilo es la no existencia del momento decisivo. Aunque buscaba por las calles más peligrosas de Nueva

repulsión y un irrefrenable deseo de abrazar y dar cariño a todos esos seres desamparados. Sin embargo, todo esto habla de la propia fotógrafa. Ella era un pequeño monstruo que quería salir a la luz, su vida era un continuo desequilibrio, cambios de humor violentos y tendencias autodestructivas que la llevaban de una depresión a otra. Ella era un ser sensible y delicado, demasiado vulnerable para ver y protagonizar todo lo que vivió. Quizás estaba demasiado sola, o puede que perdida en un mundo de hombres. Alcanzó cierto reconocimiento al final de su carrera, pero tuvo que morir para que el mundo quisiera ver su trabajo.

York, su fotografía era una especie de resultado de un pacto y no el trabajo de un fotógrafo que se sienta en un banco y observa todo lo que sucede a su alrededor con sumo cuidado para disparar, casi sin ser visto, y obtener “la foto” de un momento irrepetible. Sus fotografías son oscuras e inocentes, tan tiernas como siniestras y te producen un shock mental y una confusión de sentimientos que van desde la desolación más absoluta, pasando por la pena y quizás, porqué no decirlo, l a

Panorama

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Entre drogas y alcohol se fue. Dejó su cámara y se suicidó. Con 48 años ya había visto demasiado, agotada de la vida, dejó una de las mejores obras fotográficas de la historia, llena de dolor y esperanza. Diane Arbus, casi un siglo después, sigue inspirando a todo aquel que se asome a la puerta de sus imágenes. “La fotografía es un secreto que habla de un secreto. Cuanto más te dice, menos te enteras” Diane Arbus era callada. Así la imagino yo, siempre en silencio y solitaria, reflexiva y dudosa. Diane Arbus era fotógrafa. Diane Arbus era depresiva. Diane Arbus era drogadicta. Diane Arbus era solitaria. Diane Arbus era bisexual. Diane Arbus era inspiración. Diane Arbus era perdición. Diane Arbus era, simplemente, un secreto.

Espacio fotografía

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Una de las finalidades de ANHAD es promover el arte español, para ello hemos ideado una nueva sección semanal bajo el nombre ENIGMA ANHAD, una adivinanza artística que os proponemos todos los lunes a través de nuestra web y nuestros perfiles de Facebook y Twitter. Aquí os dejamos la propuesta de esta semana ¿A qué artista español/a pertenece esta obra?

Podéis participar dejando vuestros comentarios en Facebook o en la web o a través del hastag #enigmaANHAD en Twitter. Os esperamos!!

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Cultura alternativa

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El proyecto comenzó hace dos años gracias al artista Jose Puig. Walking Gallery surgió como un proyecto personal del artista, que cansado de la imposibilidad de exponer en galerías y museos decidió colocarse su propia obra y salir a la calle a mostrarla. Walking Gallery se convierte en una galería de arte andante que tiene como mayor objetivo la democratización del arte y la reivindicación del espacio urbano como lugar artístico.

Walking Gallery:

Otra forma de exposición

Por Celia Fernández Quintana

Puig se encontró muy buena acogida por parte de la gente que paseaba por la calle, destacando la posibilidad de interactuar directamente con el público, de contarles sus experiencias y el propio desarrollo de su obra. Después de seis meses practicando esta acción de forma más o menos habitual, se le fueron uniendo amigos y conocidos y el proyecto fue creciendo y enriqueciéndose. En un principio solo se desarrollaba en Barcelona, incorporándose otras ciudades como Madrid, Zaragoza o San Sebastián.

Cultura alternativa

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El pasado 1 de Diciembre tuvo lugar el primer Walking Gallery Mundial celebrándose de forma simultánea en 9 ciudades entre las que destaca Buenos Aires, Barcelona o Sao Paolo. Junto a Walking Gallery se desarrolla, también en Barcelona, Wallpeople. Este último se trata de una galería callejera, ahora las obras se disponen sobre muros urbanos. Ambos proyectos españoles están basados en el concepto norteamericano de Guerrilla Gallery, un nuevo concepto de exposición y de galería. Se posiciona contra la institucionalización del arte y su último fin es la fusión del arte y el espacio público. En el diccionario de la Real Academia Española podemos leer que el término guerrilla se emplea para designar a un pequeño grupo de personas que luchan contra un mismo objetivo empleando la violencia. El empleo de la palabra guerrilla en el ámbito artístico comienza con las Guerrilla Girl, un colectivo de artistas feministas que toman ese nombre al adaptar las tácticas de las guerrillas al terreno del arte. Este grupo nace en 1984, cuando realizan su primera acción que consistió en la pega de

carteles en los muros de la ciudad de Nueva York, para denunciar el desequilibrio de género y racial que tenía lugar en las galerías y museos. Las guerrilla girl se apropian mediante sus carteles del espacio urbano. Durante las décadas de los setenta y ochenta las prácticas performativas van invadiendo nuevas zonas urbanas para convertirlas en lugares de expresión artística.

El concepto de guerrilla gallery o budget gallery surge en 1998, de la mano del artista Steve Lambert (1976) mientras estudiaba en la Escuela de Arte de San Francisco. Lambert se fijó en que las

Cartel Guerrilla Girl

Cultura alternativa

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paredes de la escuela eran utilizadas por los estudiantes para exhibir sus obras. Las piezas artísticas convivián con carteles y anuncios que incluso en ocasiones se superponían a las pinturas. Lambert empezó a retirar los anuncios y a rellenar los huecos con su propia obra. Más tarde, cuando dejó la escuela, empezó a colgar dibujos y obra antigua en las calles.

“Hay gente a la que le gustó y otra a la que no, pero no tenía suficiente espacio en casa para tanta obra. Así que empecé a colgarla por la calle ya que me era imposible tirarla“. Steve Lambert

La acción de Lambert fue seguida por diversos artistas, y en 1999 tuvo lugar la primera Guerrilla Gallery en las calles de San Francisco.

Estos proyectos de arte callejero ponen en valor el espacio urbano al celebrarse, en ocasiones, en lugares degradados de la ciudad. Son un medio sencillo y además barato de fomentar la creatividad local al otorgar un espacio expositivo alternativo. Y consiguen la interacción de un nuevo público, el curioso, toda persona que guiada por su curiosidad se acerque a la exposición y que también puede formar parte de la exposición de manera improvisada. ¡Nos vemos en las calles!

http://www.guerrillagirls.com http://wiki.budgetgallery.org/index.php?title=Main_Page http://www.walkinggallery.com/ www.cursos.artesostenible.org (Curso gratuito Guerrilla Gallery)

http://www.guerrillagirls.com/








http://wiki.budgetgallery.org/index.php?title=Main_Page










http://www.walkinggallery.com/








http://www.cursos.artesostenible.org/







Kaj Stenvall y su mitificación del Pato Donald

Por Diana Martínez Castro

Estética contemporánea

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Kaj Stenvall es un prestigioso artista de renombre finlandés que nace el día de navidad del año 1951 en la ciudad de Tampere. A pesar de su interés por la pintura desde joven, este pintor se hizo famoso a finales de los años 80 debido a la fascinación que muestra en sus obras por el famoso pato de Disney, por el Pato Donald. En la actualidad además de artista también cuenta con una coqueta galería en la ciudad de Helsinki.

El artista finlandés pinta con oleos, sin embargo como podemos apreciar, sus pinturas no tienen para nada aspecto antiguo. Stenvall no aspira a hacer un arte precioso, sino que usa sus obras como vehículo para expresar las emociones humanas. Es un especial admirador de Diego Velázquez, Johannes Vermeer, Edward Hopper o el Romanticismo, y un excelente conocedor de toda la Historia del Arte, de lo cual no cabe la menor duda si nos atrevemos a profundizar en sus sorprendentes pinturas. En un principio, nuestro artista intentó hacer un arte serio y con ese realismo que tanto le gustaba, pero desde la

década de los 80 y hasta nuestros días comenzó a introducir personajes pop en sus pinturas. La pintura de Kaj Stenvall es realista, minuciosa y encantadora, sin embargo sumerge elementos fantásticos en cada una de sus obras llegándonos a mostrar un “surrealismo cotidiano”. Nos muestra a su famoso pato en diversas facetas, situaciones o mismamente incorporándolo como personaje central en las grandes obras de otros artistas.

Kaj Stenvall en la galería

El personaje principal en estas dos últimas décadas y algo más ha sido el pato. Pero no siempre es un pato blanco y masculino, sino que a veces encontramos un pato de otro color o una patita alegre, divertida y presumida. El blanco es una constante en sus obras, si observamos unas pocas de ellas lo podemos apreciar con gran facilidad, no solo en el tratamiento del pato o los patos, sino en todo lo que contiene la escena que nos está mostrando el finlandés.

Sus patos están totalmente personificados, muestran gestos y actitudes como si de seres humanos se tratara. También los viste como tal. Realmente lo que nos muestra Kaj Stenvall no son animales, no vemos ningún comportamiento animal, sino unos seres fantásticos mostrándonos todos los estados actitudinales o emocionales que puede llevar consigo cualquier ser humano.


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El artista en sus pinturas captura con una sublime delicadeza emociones y expresiones en los rostros. Nos demuestra que además de un excelente pintor y compositor de todo tipo de escenas, es un perfecto conocedor de la anatomía facial. Sabe aplicar perfectamente el desarrollo de los músculos faciales humanos para personificar a sus fantásticos personajes.


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Kaj Stenvall acertó utilizando personajes pop en sus obras y concretamente humanizando al pato, lo cual le llevó a tener este estilo tan propio y característico hasta el momento nunca visto. Son pinturas que a pesar de ser hechas en Finlandia, un país un poco lejano y frío para algunos, se nos hacen obras cómodas y cercanas al observador. Estas obras tienen realmente un diálogo con el espectador, a pesar de que en un principio puedan chocar o incluso tener cierto toque de absurdo, son realmente unas estampas que al observador se le hacen cercanas y cotidianas. Nuestro artista es una persona fascinada por todo el realismo y la tradición pictórica a lo largo de los siglos anteriores a las vanguardias, pero lleva este realismo de un modo muy propio, llegando además a lo cómico y a lo trágico, o al revés, con un buen toque de humor.

En palabras del propio Stenvall al análisis de su obra cabe añadir: “El pato no es más que un símbolo, es el material que sirve de intermediario, el símbolo es el Hombre. El carácter que tienen las ilustraciones es mostrar el dilema del ser humano. El pato no simbolizada nada para mí, personalmente. El es usado como el catalizador en el proceso gracias al cual el ojo del espectador podrá interpretar”.

Resaltar que el finlandés a diferencia de otros artistas es un trabajador nato, no espera que la inspiración llegue, sino que trabaja y trabaja mientras le van surgiendo ideas. Una buena muestra de ello es la amplia producción que tiene a sus espaldas. Es un verdadero creador sumergido en el acto de pintar. Añadir como curiosidad dentro de la obra de Kaj Stenvall, que durante este último año, tal como trabajaba la figura del pato en sus obras, ha trabajado la figura de un perro con aspecto también de serie de animación. (Fig.8) En la pintura de Stenvall además de la influencia de los grandes artistas y las grandes obras de arte no podemos olvidar la de las películas y series de animación entre otras, los famosos cómics o la literatura. Su obra tiene un significado propio, pero sin perder esa atmósfera del Pop Art norteamericano y del Surrealismo. Sus figuras son un retornar a la cultura popular y contribuir al absurdo como si del Surrealismo de Magritte se pudiera tratar. Dicho artista junto a su obra, es una de las mayores curiosidades del arte actual tanto en Finlandia como a nivel internacional.

Webs consultadas: http://artodyssey1.blogspot.com.es http://www.biginfinland.com http://www.kajstenvall.com/


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http://artodyssey1.blogspot.com.es/











http://www.biginfinland.com/







http://www.kajstenvall.com/







¿Quién dijo que los grandes

artistas fueron Occidentales?

Por Miriam Callejo

Descubriendo nuevas fronteras

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En nuestra concepción eurocentrista -deliberada o inducida-, tendemos a creer que no hay más arte que el Occidental, que lo realizado en Oriente carece de la transcendencia en el devenir de la Historia del Arte, de hecho, es posible que haya quien se pregunte qué tipo de arte existe en Asia al margen de los pocos ejemplos de arquitectura o escultura que han pasado a la historia. ¿Qué pasa con la pintura? ¿No había pintores, dibujantes o grabadores al mismo tiempo que Durero hacía sus grabados, Goya realizaba sus obras más famosas o Picasso sus bocetos, pinturas y dibujos, por citar unos ejemplos? Pues sí, lo había, pero a nosotros, occidentales, nos ha llegado de forma fragmentada, de soslayo por así decirlo. Un poco con los impresionistas, un poco con la época de los imperialismos europeos en su llegada a Asia y el Pacífico; simples pinceladas. Quizás algún interesado ha llegado a conocer los grabados Ukiyo-e por cuenta propia. Otros, recuerdan haber visto “dibujos chinos” (porque, para nosotros, todo es chino), sobre todo, uno de una ola. Esa ola que al verla lo primero que evoca es un

Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige ¹

tsunami, ese tsunami cuyo origen es japonés y, ese “dibujo”, que en realidad es –una reproducción de- una xilografía, forma parte de una de las grandes obras de la Historia del Arte nipón, asiático y sí, mundial; las Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji de Hokusai. El dibujo japonés y el arte de la xilografía: Ukiyo-e Mientras que la pintura de gran formato quedó relegada mayoritariamente al interior de templos, el dibujo fue la expresión artística más extendida desde el Japón medieval. Ya desde el siglo VII se han conservado dibujos caricaturescos y paisajes, cuya línea temática y formal permanece a lo largo de los siglos. La presencia de la caligrafía en muchas de las obras artísticas japonesas, es sinónimo de la relevancia de la práctica de la escritura, un arte en sí mismo, dotando de mayor significado y profundidad de contenido lo ya representado. Principalmente desde el Periodo Edo (1603-1868), la temática más empleada y de mayor renombre en el panorama artístico japonés fue el Ukiyo-e, o “pintura del mundo flotante”.


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Con un origen religioso, aludía a lo fugaz y perecedero de la vida que, a partir del periodo ya mencionado, su significado cambió en los matices y se transformó en sinónimo de la moda, el ocio, y el disfrute. Es por ello que dos de los grandes temas representados en los Ukiyo-e sean los actores y escenas de teatro kabuki y las geishas. Sin embargo, en el siglo XIX, los temas reflexivos, los paisajes con los cerezos en flor o el imponente monte Fuji, retornan con fuerza. A medio camino entre la pintura y el grabado, su estampación parte de la xilografía china, realizado a partir de una ilustración inicial el tallado en negativo en la plancha de madera –generalmente de cerezo-, destruyéndose este. Tras esto se entintaba la plancha y se procedía a la impresión. Aunque en principio se realizaban a una sola tinta, a partir del siglo XVIII se comienza a introducir el color, dando lugar a maravillosas estampas llenas de matices cromáticos. Gracias a los comerciantes holandeses emplazados en el puerto de Nagasaki desde mediados del siglo XVII, los grabados y dibujos japoneses – destacando los retratos de geishas- fueron introducidos como objetos exóticos de lujo en Europa. Por ello, y por el aumento de los viajes interoceánicos durante la segunda mitad del siglo XIX que sufrió el

país con la restauración Meiji en 1868, es por lo que comenzó esta disciplina artística a interesar al artista europeo que deseaba separarse de lo académicamente estipulado y estimular su creatividad con nuevos estilos artísticos, surgiendo, por ejemplo, el impresionismo o el expresionismo, con gran influencia del arte oriental. Los artistas más destacados del Ukiyo-e fueron Kitagawa Utamaro, Sharaku, Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige. Los dos últimos serán de quienes se hable a continuación. Katsushika Hokusai El devenir del arte japonés hasta la actualidad, e incluso el manga y anime actuales, mucho tienen que agradecer a Katsushika Hokusai (Edo, 1760-1849), autor de las obras más relevantes de Ukiyo-e de temática paisajística. Pasó toda su vida a caballo entre la capital japonesa, Edo (2), y las diferentes regiones del país, en un proceso de constante aprendizaje y perfeccionamiento. Su gran actividad viajera discurre en paralelo a su profusa actividad creativa (3), así como su permanente


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ansia de conocimientos y búsqueda de la perfección se corresponde con el casi medio centenar de sobrenombres que empleó hasta el punto de utilizar indistintamente más de cinco en el mismo año. Aunque su vida artística se centre en las xilografías, comenzó y terminó su trayectoria realizando pinturas sobre seda. Sin embargo, sus ilustraciones han sido las que le han dado una posición relevante en la Historia del Arte, tanto de Oriente como de Occidente. Entre la obra de Hokusai, además de diversos manuales o guías de pintura, destacan las Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji (1826 - 1833), queposteriormente fueron aumentadas a cuarenta y seis, y su obra más conocida sobre esta temática del monte Fuji; Cien Vistas del Monte Fuji. Sin embargo, una serie de ilustraciones abocetadas realizadas en tinta china, tanto paisajísticas como habitantes en diversas actitudes cotidianas, ha sido una de las más imitadas y de mayor trascendencia, sobre todo para

entender la historia del dibujo japonés; el Hokusai Manga. Surgido en 1812 como un encargo de unos trescientos dibujos, Hokusai Manga (abajo) posee la peculiaridad de estar realizado en pequeño formato, al contrario de lo que se realizaba en aquellos momentos, así como ser dibujos rápidos solamente con tinta negra y, en algunos casos, tener una cierta continuidad narrativa.

del monte desde distintas perspectivas y distancias, así como por la representación de agua embravecido o figuras en movimiento.

Hokusai Manga pasó a la tabla de madera para ser impreso, y terminó constando de 15 volúmenes, publicándose hasta 1878, varios años después de su fallecimiento. Tal fue el éxito de esta obra en Japón, que se convirtió en uno de los recursos de aprendizaje más utilizados por los dibujantes nipones. La técnica de superponer papeles transparentes al dibujo original para mejorarlo y completarlo con la que Hokusai realizó su Manga es la que hoy día se mantiene para la composición del comic japonés. En ello, además de los característicos paisajes, Hokusai realiza retratos de personas en diversas actitudes, o actividades. Siempre estudiaba detenidamente todas las posibles formas de representación, optando por la más completa u original, llegando a dibujar personas de espaldas o en posiciones poco vistas hasta el momento. Su obra es objetiva, realista, e incluso didáctica, con gran predilección por recrearse en los detalles, tanto en los paisajes del monte Fuji como en los expresivos retratos del Manga, buscando el punto de vista más interesante. En momentos en los que tenía que explicar sucesos como las erupciones de Fuji, sin dejar de lado la mitología, reflejaba fielmente lo que ocurría realmente, como ocurre en la obra El Dragón de Humo Escapando del Monte Fuji (dcha.) Su fijación por las formas sinuosas es más que notable, si se ven la gran cantidad de panorámicas


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Utagawa Hiroshige Hiroshige (Edo, 1797-1858), cuyo nombre real era Ando Tokutaro se caracteriza por tener un estilo más subjetivo y personal que Hokusai. Con una vida menos ajetreada, realizó un número notable de obras, más de cinco mil, sobre todo Ukiyo-e.

incendios a su hijo, se centró en reflejar el paisaje japonés, desde un punto de vista idílico realizando la serie Cincuenta y tres estaciones en el camino de Tokaido (1832-1834). Esta obra dio lugar a una pequeña guía de viaje a través de las vistas que se podían disfrutar durante dicha ruta entre Edo y Kioto, en el que además de las postales más emblemáticas, aparecían lugares de descanso, restaurantes y lugares donde alojarse. En sus Cien Famosas Vistas de Edo (1855) retrata los emplazamientos más emblemáticos de la ciudad con su habitual visión utópica, mostrando los cambios y permanencias que se iban dando en la capital. En este caso, es si cabe más agudizada, dado que en el momento de realizarla, aún

A pesar de tener como motivación principal la pintura, Hiroshige, durante gran parte de su vida, tuvo que hacerse cargo de la estación de bomberos de su familia, por herencia familiar, hasta que pudo hacerse cargo de ello su propio hijo. Como era común a principios del siglo XIX, visto ya en Hokusai, el monte Fuji fue sujeto de inspiración para Hiroshige, realizando su personal Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji (1858-1859). Asimismo, deja de lado otros temas de Ukiyo-e para centrarse en las escenas cotidianas de su país, reflejando la forma de vida del Japón decimonónico, el cual no debía de distar demasiado del de los siglos anteriores y que, con la llegada de la influencia de las técnicas arquitectónicas, tendió a desaparecer paulatinamente (5) . Cuando Hiroshige dispuso de un mayor tiempo libre al ceder el puesto de inspector de

permanecían latentes las consecuencias de un gran terremoto, del que no se ve ni rastro en las estampas. Esta obra fue la que mayor alcance tuvo en Occidente. Es habitual en las estampas de Hiroshige, las estampas de personas guareciéndose de la lluvia, trabajando o viajando, así como paisajes desde la lejanía dejando totalmente a la vista la magnitud de lo representado. Se centraba en mostrar el lado amable de la vida, la cultura y la naturaleza japonesa, la belleza en lo positivo y, ocultando el lado oscuro que podría encontrarse justo al lado e incluso formando parte de la ilustración misma, como ocurre en las vistas de Edo, congeladas en el tiempo, incluso sin tener en cuenta la destrucción de un terremoto.

Con Hokusai y Hiroshige, la técnica del Ukiyo-e alcanza su cénit, así como la ilustración de vistas de paisajes reales, y las guías prácticas de dibujo en Japón. Son dos formas de contemplar Japón totalmente antagónicas, desde la interpretación de una misma temática hasta la elección cromática, sin contar con sus propias biografías, opuestas frontalmente. Dos miradas distintas que sin embargo, lograron captar la atención del resto del mundo, quien se giró para contemplar un país nuevo para ellos y descubrir una forma de entender el arte casi revolucionaria, hipnotizando a Van Gogh o Monet, entre otros.

Notas al pie: (1) En la cultura japonesa, así como en otros países asiáticos que hayan estado bajo influencia china, es costumbre que el nombre familiar, nuestro apellido, sea el primero en ser nombrado, escribiéndose a continuación el nombre de pila. (2) Actual Tokio (3) Hokusai realizó más de treinta mil obras entre grabados, dibujos y pinturas, llegando a trabajar incluso durante la noche. (4) Fue finalizada por su discípulo, Chinpei Suzuki, quien tomó como nombre profesional, Hiroshige II. (5) Actualmente se continúan conservando las técnicas tradicionales de arquitectura japonesa, aunque, como es natural, han sido relegadas a un papel casi marginal en las grandes urbes pobladas de rascacielos.


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Javier Artero

Por Paula González y Mª del Carmen Díaz

Déjenme compartir con ustedes una reflexión. ¿Nunca les ha pasado que, en una gran ciudad, insertos en la vorágine y con mil cosas en la cabeza, se han sentidos imbuidos de ese stress y han olvidado hacia dónde iban? La vida diaria, mediatizada, socializada y capitalizada ha dejado de lado a cuestiones básicas como es el paso del tiempo y la memoria. Estos planteamientos aparecen en la obra de Javier Artero Flores quien utiliza la fotografía y el vídeo como herramientas para dialogar con los términos tiempo y memoria.

Partiendo de un discurso personal sobre la cotidianidad universaliza conceptos a través de la representación de espacios y

acontecimientos que cuestionan acciones enfocadas a la persistencia de la memoria, ya sea real o construida. Javier Artero es Licenciado en Bellas Artes por la universidad de Málaga en 2011 tras realizar una beca Erasmus en Passau Universität ( Alemania), ha realizado numerosos cursos y talleres con artistas de la talla de Rogelio López Cuenca, Thomas Bindl o Juan del Junco. De igual forma ha participado en Ikas-art (Bilbao, 2011), en el Loop festival celebrado en las ediciones de 2010 y 2011 (Barcelona) y en

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en numerosas exposiciones como “supersticiones contemporáneas” (fundación Cajasol, Sevilla, 2011) o la celebrada en Málaga “De la memoria al artista” (Facultad de Bellas Artes de Málaga, 2011). Tiempo y memoria resultan por tanto dos variables inseparables en la obra de Javier Artero. La memoria, en este caso la personal, se gesta pacientemente a partir de pequeñas piezas que conforman una totalidad ajena al resto de individuos. Sin embargo, el concepto de tiempo abarca la universalidad, es decir, resulta inevitable estar conectados al mismo, por lo que somos presos de su ritmo y movimiento. De esta forma lo refleja en su proyecto A/hor/a a la hora de explicar la idea que aglutina su proyecto:

“Partiendo de la experiencia personal cotidiana se pretende abordar un discurso aplicable a la universalidad sobre la base de dos términos principales, tiempo y memoria. La cotidianeidad, haciendo referencia expresamente al marco familiar y en concreto al materno, es puesta en cuestión a través del análisis de acciones enfocadas a eternizar el instante como la elaboración de un álbum familiar.

Tomando como ejemplo la metáfora de la fotografía se lleva a cabo la realización de una serie de vídeos que representan diferentes conceptos como archivación, memoria, olvido... que resultan comunes a cualquier acto de coleccionismo.”

Javier Artero Flores, 2010.

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Derrame Técnica: Vídeo. Duración: 6´ Año: 2011. El fluir del tiempo es incesante, y como consecuencia el desprendimiento constante de nuestras huellas no tiene finitud hasta la muerte. Con el ritmo pausado, en ocasiones imperceptible, de caída y acumulación de cabello se hace referencia a la imposibilidad de aquietar nuestro yo más “orgánico”, cuyos cambios sólo se hacen visibles comparando instantes bien espaciados en el tiempo.

Todo acto de recordar requiere de un trabajo de archivación anterior. A cada

acontecimiento pasado, simbolizado con el cabello caído, le corresponde un lugar en

nuestra memoria. Somos nosotros los encargados de “gestionar” estos archivos.

Para mí Técnica: Vídeo.

Duración: 6´ Año: 2011.

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Actualmente trabaja en Disecciones, un trabajo eminentemente video-gráfico del que también derivan fotografías. Con el concepto de “memoria personal” como raíz y/o justificación de todo un entramado de significados, se sitúa una Este proyecto formará parte de la exposición que comisarían Carlos Miranda (artista y profesor de la Facultad de Bellas Artes de Málaga) y Juan del Junco (artista) que reunirá próximamente el trabajo de una selección de antiguos alumnos de la Facultad de Bellas Artes de Málaga y de la Escuela de San Telmo.

serie de seis vídeos que llaman al análisis de esas imágenes mentales huérfanas de sentido que se nos presentan como fragmentos de una red de conexiones a veces deshilachada e inconexa. Una utilización pausada del tiempo en el espacio, en ocasiones suspendido, da el sentido contemplativo a estas imágenes estéticamente depuradas.

Dentro de campo, video, 2012

Re-presentación. Video. 2012

XERO FERNÁNDEZ Para este número tenemos la gran suerte de contar con la colaboración de Xero Fernández, quién nos ha diseñado una portada especialmente hecha para ANHAD. Xero es un artista malagueño, aunque en la actualidad reside en Múnich, que se mueve como pez en el agua por todas las facetas del diseño: gráfico, web, corporativo, packaging… Lo que más llama la atención de él nada más conocerlo es su gran dinamismo y su enorme capacidad creativa que podrás descubrir en esta entrevista que le hemos realizado en exclusiva para vosotros.

CF: Comenzamos. ¿Cómo te has formado en esto del diseño? XF: Por casa ronda un DIN A3 mate de 300gr que afirma que soy licenciado en Publicidad y RRPP, pero donde de verdad adquirí mi vocación de diseñador gráfico, web y sobre todo ilustrador fue en la escuela de diseño malagueña Gauss Multimedia. Creo que es una de las mejores decisiones que he tomado en mi vida y que me han reconducido justo por donde debía ir.

Interferencias Arte Diseño

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CF: ¿Qué te llevó a dedicarte al diseño? XF: Creo ciegamente que es vital tener la suerte de contar con buenos maestros que te guíen en tu camino, y afortunadamente he podido contar con 3 hiper-super-senseis como son Salva Cerdá, Agu Méndez y Juanlu Molina de la escuela Gauss Multimedia. Gracias a ellos descubrí que lo mío es el este mundillo del diseño, y no existe mayor placer que dedicarte a lo que verdaderamente te gusta. CF: Tu interés por el diseño, te viene ya desde pequeño, ¿es así? XF: Desde que tengo uso de razón he crecido rodeado de cómics de Asterix, Mortadelo y Filemón, y Tintín, lo que me ha convertido en un ávido lector de cómics y novelas gráficas (con Lupus de Fredrerik Peeters y La Fuga de Pascal Blanchet a la cabeza). Así que ya siendo una criaturita me preocupaba por fijarme en la composición de las viñetas, el trazo, el reducir una escena a una pequeña viñeta y la narración visual. Además, siempre me he interesado por la ilustración, el diseño y el packaging en concreto, pero jamás creí que fuera a dedicarme de verdad a ello.

CF: ¿Cuáles son tus influencias o referentes a la hora de crear? XF: ¡Tengo tantísimas influencias que me vi obligado a empezar a recopilarlas en un Google Docs! Fundamentalmente me muevo entre el cartoonismo propio de la publicidad de los años 50 y 60 y el realismo mágico de la literatura


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sudamericana, solo que llevado a la ilustración. En el poema "Tuércele el cuello al cisne" el escritor Enrique González sostiene que, una vez que domines aquello a lo que te dediques (literatura, dibujo,...), debes romper drásticamente con las rígidas reglas propias de los modernistas y empezar a crear de verdad. Así que yo le retuerzo bien el cuello al cisne y encorseto la Realidad bajo mi propio prisma.

XF: Intento siempre crear una imagen que agrade desde el primer vistazo. Supongo que esto es un reflejo de mi personalidad. Hay demasiada amargura en

CF: ¿Qué aspecto es el que más destacarías de tu obra?

el mundo como para andar deprimiendo todavía más al personal. La abstracción que te permite tanto el dibujo, como la música, y la literatura es muy beneficiosa para crear una ventana, una salida que no existía antes de esa creación. El ser humano entiende el Universo a base de dicotomías, y preferiblemente elijo un lado optimista al pesimista. Es más, voto también por la elegancia en las escenas más costumbristas y anodinas (de ahí que

Hopper sea otro de mis referentes).


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CF: Cuéntanos un poco como es tu proceso de creación. XF: Lo primero que necesito es vivir en una ciudad que me inspire, una ciudad donde sentirme cómodo y que me haga bailar las neuronas. Primero fue Málaga, más tarde Granada, y ahora vivo como un feliz exiliado en Münster (Alemania). ¡Qué país este, Alemania! Toda su preciosa arquitectura propia de Centro Europa hace que no pare de dibujar y dibujar. Lo siguiente es fijarme en los pequeños detalles. Dicen los grandes escritores que observar el discurrir de la gente en su día a día es un ejercicio muy beneficioso para crear, así que hago acopio del consejo y observo como si fuera un narrador omnisciente de una novela. Una vez que recopilo ideas, ya sólo queda comprar muchísimas minas y dar con el clavo de la idea. CF: El pasado mes de mayo inauguraste una exposición en tu propia casa que títulaste “I Exposición Unplugged” ¿Cómo surge la idea? ¿Qué tal se desarrollo? XF: ¡Fue toda una aventura! Desde un primer momento quería eludir el contactar con alguna galería o espacio donde colgar mis obras. Al menos quería que mi primera exposición fuera así. La idea era realizar un evento más íntimo, más en contacto con el

visitante. Llevar a cabo una exposición en el lugar donde precisamente se creaban esas ilustraciones. Sin cables ni ornamentos. Totalmente unplugged. Así que abrí las puertas de mi piso y colgué por todas las paredes mis últimas obras. ¡Y por supuesto, todo amenizado con cupcakes y demás repostería!


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CF: Nos encanta tu web. ¿Es también de diseño propio? XF: La verdad es que uno se siente manco si hoy día no expones todo lo que eres capaz de hacer en Internet. Hasta la fecha contaba con mi blog El Cosmonauta y las redes sociales de Facebook y Pinterest. Sin embargo, quería demostrarme a mí mismo que podía crear mi propio escaparate en la nube sin plantillas ya preestablecidas. Todo lo que se ve en la web (xerofernandez) nacido de mis propias yemas de los dedos, las cuales sufrieron lo suyo las pobres. Además, me gusta pensar que mi portfolio online es un elemento vivo que irá cambiando y transformándose poco a poco, amoldándose a cómo me voy desarrollando como diseñador e ilustrador.


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CF: Para terminar, ¿cuáles son tus proyectos futuros? XF: Tengo muchísimos proyectos en mente, tantos que me temo que voy a tener que ir desechando varias ideas. Eso sí, algún día espero poder participar en un libro colectivo de ilustradores. Y también sería maravilloso contar con una editorial para editar mi propio libro de ilustraciones. ¡Y publicar mi propia novela gráfica! ¡Y trabajar en Nueva York! ¡Y tener mi propio estudio creativo de vejadas paredes y ladrillo visto! ¡Y viajar a la Luna! ¡Y descubrir un segundo Bosón de Higgs! ¡Y encontrar los números de The Amazing Spider-Man que me faltan en mi colección

Si quieres conocer más a fondo el trabajo de Xero, no dejes de visitar su web, su blog, o su perfil de Facebook

http://xerofernandez.blogspot.com/




http://www.xerofernandez.com/inicio.html

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Tableware as Sensorial Stimuli

by Jinhyun Jeon

Sensorial stimuli Cutlery es un proyecto de Eindhoven, diseñado por Jinhyun Jeon para crear una experiencia más rica y potenciadora del sabor a través de la creación de una cubertería específica para estimular los sentidos.

Entrevistas ANHAD Revista ANHAD Agosto 2012 Diseño

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Muchos en España ya conocen su inteligente sentido del humor, unos por leerla en la revista Cuore y otros en El Jueves, pero sin distinción del medio donde la lean, todos aman el cómic Moderna de Pueblo (ese divertido personaje que hace reír a algunos y reflejarse a otros) creado por Raquel Córcoles. En ANHAD queremos conocer un poco más de ella a través de esta entrevista de la mano de La Basciani. La Basciani: ¿podrías explicarnos cómo surgió el cómic Moderna de Pueblo y por qué es tan moderna? Raquel Córcoles: Después de encerrarme en casa por algunos traumas amorosos me saturé de tantas tardes de aburrimiento leyendo cómics y viendo series como Six Feet Under o Mad Men (varias veces), y decidí hacer algo productivo con mi vida. Empecé a

"La imaginación fue dada al hombre para compensarle por lo que no es, un toque de humor para consolarlo por lo que es.“

Francis Bacon

Humor sarcástico, femenino y actual

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buscar becas en las que participar y me llamó la atención una en la que debías presentar tres tiras cómicas. Faltaban cuatro meses y me propuse pensar algo para entonces. Al final usé como protagonista de las tiras un dibujo que hice años antes para la foto de perfil del messenger y la bauticé como Moderna De Pueblo al abrirle un perfil en Facebook. LB: ¿Raquel Córcoles es un reflejo de Moderna de Pueblo? ¿Cuánto de moderna y cuánto de pueblo tiene Raquel Córcoles? RC: Al principio mucho, ya que todo lo que contaba era basado en cosas que me pasaban. Ahora también, pero hay situaciones o experiencias que exagero o que no me han pasado a mí directamente sino que me las cuentan amigos. Es muy normal que me llame una amiga y me diga “Lo que me ha pasado! Tienes que hablar de esto en Moderna...” LB: A mi parecer el cómic de Moderna de Pueblo es muy crítico, ¿lo empezaste hacer con esa intención o yo estoy loca y es simplemente un humor inteligente? RC: Crítica sí hay algo, pero sobretodo autocrítica. Para poder reírte de todo primero tienes que empezar contigo mismo. Lo de humor inteligente no es algo que busco especialmente, a veces las cosas más tontas son las que te hacen reír más. LB: Cuore y El Jueves, son dos revistas con un público bastante distinto pero tú escribes en ambas. Si ya eres mainstream ¿donde más te gustaría que estuvieran tus comics? RC: Sinceramente eran mis dos metas cuando saqué el libro. Obviamente soñaba


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(Fig.2)

con publicar en El Jueves por el prestigio y la importancia que ha tenido la revista desde su creación. Y por otro lado quería estar en la Cuore porque me faltaba un lugar dónde poder hacer confesiones que nos han pasado a todas. Ahora, más que buscar otras publicaciones donde meterme, prefiero centrarme en el siguiente libro para que quede lo mejor posible. LB: ¿Qué descubrimiento en el mundo editorial o específicamente del cómic, has hecho últimamente? RC: Humor Cristiano, de Alberto González. (Editorial ¡Caramba!)

Para ver más de Moderna de Pueblo, visita su web o su página de facebook. Entrevista completa en Lookremix.com

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Este mes los amantes de la arquitectura estamos de luto, pues con unas pocas semanas de diferencia hemos perdido dos de los mejores arquitectos del

último siglo: Oscar Niemeyer y Gae Aulenti.


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Su muerte, tras una larga enfermedad, fue anunciada por su familia en la prensa italiana. En un comunicado, Giorgio Napolitano, presidente de Italia, se refirió a ella como una "figura destacada de la arquitectura contemporánea", con una "habilidad extraordinaria" para combinar los valores culturales e históricos con el medio ambiente urbano. La Sra. Aulenti fue una de las pocas mujeres italianas que alcanzó prominencia en la arquitectura y el diseño en los años de posguerra. Su trabajo incluye villas nobles, salas de exposiciones, tiendas de Fiat para Olivetti, bolígrafos y relojes de Louis Vuitton y varios diseños, como una mesa de café sobre ruedas que se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Gae Aulenti fue más conocida por su trabajo de interiores, en particular los de los museos. Ella diseñó renovación de museos en Venecia, Barcelona, Estambul y San Francisco. En 1981 fue elegida para convertir la estación de tren Gare d'Orsay, de 1900, en el Museo de Orsay, museo por excelencia del arte francés desde 1848 hasta 1915. Como parte del re-diseño, ideó un pasillo central magnífico en un espacio cavernoso que una vez contuvo las vías del tren bajo un espectacular techo de cristal abovedado. El edificio renovado fue inaugurado en diciembre de 1986, y la reacción de la crítica fue mezclada. Holland Cotter, del New York Times lo calificó de "fabulosamente excéntrico." Gaetana Aulenti (Gae, como se la conocía) nació el 4 de diciembre de 1927, y

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estudió arquitectura en desafió a la esperanza de sus de convertirla en una mujer de la alta sociedad. En 1954, ella fue una de las dos mujeres en una clase de 20 alumnos, que se graduaron en la Escuela Politécnica de Arquitectura de Milán. Pronto se unió al personal de Casabella, una revista de diseño, y se sumó con sus compañeros al rechazo de la arquitectura de los grandes maestros, como Le Corbusier, Mies van der Rohe y Walter Gropius. Se hacían llamar el "Liberty Neo" el movimiento. "Más que nada, estábamos tratando de reconocer nuestra propia identidad", dijo. Ella enseñó arquitectura en las universidades de Milán y Venecia, y comenzó a hacer proyectos de interiorismo. Se convirtió en un célebre diseñadora de muebles. La iluminación era otra de sus especialidades, realizando proyectos para teatros, tiendas y museos de toda Europa. Aulenti recibió muchos honores durante su carrera, convirtiéndose en la primera mujer galardonada con el Caballero de la Legión de Honor, el mayor honor de Francia, en 1987. En 1991, ganó el Aulenti Praemium Imperiale de Arquitectura, premio de la Asociación de Arte de Japón. Más recientemente, fue galardonada con un premio de carrera en la Trienal de Milán, que ella aceptó en persona el 16 de octubre.


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Louis Vuitton bucea en el universo de

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Yayoi Kusama salpica de lunares los escaparates de 24 tiendas de Louis Vuitton alrededor de todo el mundo y recrea espacios internos el algunas de las principales, manteniendo la prestigiosa concepción de Concept Store que lleva cultivando la marca. Louis Vuitton siempre demuestra un compromiso con el arte y el diseño en todas sus campañas.

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TOWNHOUSE BY ELDING OSCARSON

Esta impresionante casa de Landskrona, está concebida por la empresa de diseño Oscarson Elding. Una unión perfecta de líneas limpias y modernas con las tradicionales casas vecinas. "Queríamos crear un fuerte contraste, para expresar la claridad inherente de la arquitectura, pero tratando de resaltar al mismo teimpo la belleza de los alrededores", dice la empresa. "Hemos creado un solo espacio, en dividido por finas placas de acero expuestas. La casa incorpora una oficina ubicada en un edificio separado al que se accede a través de un pequeño jardín. Una casa funcional que abarca los 125 metros cuadrados ".

Diseño sueco


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El espacio interior diáfano se abre a la calle, al patio, y al cielo. "Esta apertura en todas direcciones genera un volumen de construcción que lo hace monolítico a la par que transparente. Todas las fachadas son tratadas por igual, dejando al descubierto el interior y la estructuración del espacio"

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Agape Design toma el baño como punto de partida para su casa. Puristas, simples y poco convencionales, las instalaciones y espacios creados por los diseñadores de Agape llevan el diseño a un nuevo nivel. Llevan dedicados casi 40 años ala introducción de nuevas ideas y materiales a su filosofía básica.

Entrevistas ANHAD Diseño

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IN-TENTA’S DROP ECO HOTEL

PROJECT

Drop Eco Hotel es el nombre de este concepto imaginado por In-Tenta, una habitación de hotel desmontable que se inspira en las formas orgánicas que se encuentran en la naturaleza, y ha sido diseñado para ser instalado en lugares naturales.

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Sus características principales son: la arquitectura desmontable, diseño orgánico y servicios respetuosos del medio ambiente. Esta microarquitectura portátil se puede instalar en una variedad de terrenos. Se compone de elementos modulares de madera y acero y la estructura se

instala elevada para evitar el contacto con el suelo y mínimamente interferir con la tierra virgen continua debajo. Un nuevo tipo de tienda de campaña.

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Dirección y edición: Beatriz Marín Pereira Celia Fernández Quintana Diseño: Beatriz Marín Pereira Coordinación: Celia Fernández Quintana Colaboran en este número: Lourdes Pérez Álvarez Diana Martínez Castro Miriam Callejo Sebastián Martha R. Barilari Ariadna Ruiz Gómez Paula González María del Carmen Díaz Agradecimiento especial a: Xero Fernández

www.asociacionanhad.org La revista no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores.

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Ilustración de Andy Kehoe

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Revista ANHAD Nº 12. Diciembre 2012