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En este numero podrás encontrar la entrevista que le realizamos al pintor yucateco Jorge Ermilo Espinosa Torre, información sobre el colectivo Calle Estampa y notas sobre otros creadores.
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Todas las imágenes y textos publicados en esta revista son obra y pro-piedad exclusiva de sus autores. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las obras sin el expreso consentimiento de los mismos. Todos los textos e imágenes publicadas son responsabilidad de sus autores.
Octubre 2014
IMAGEN EN PORTADA: “Ermilo” de Jorge Espinosa Torre.
E-zine mexicana, cuyo objetivo principal es dar difusión a artistas y colectivos; así como también a talleres y eventos proximos a realizarse en la ciudad de Mérida y a lo largo del estado de Yucatán.
Aquí podrás encontrar entrevistas, notas y reseñas; tanto de creadores locales, como de México y el mundo. Esperamos que los artículos aquí expuestos te sean de utilidad y refuercen tu vínculo con las artes; no dudes en enviarnos tus comentarios y sugerencias a [email protected] o a nuestra página de Facebook Revista Tótem.
EDICIÓN - DISEÑO:
Isabel [email protected]
Daniel Yamá[email protected]
Eydie [email protected]
Rodrigo [email protected]
Brenda Carrió[email protected]
James [email protected]
Elisa Vela Renterí[email protected]
COLABORADORES:
Addy Góngora [email protected]
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ÍNDICE
NOTASCalle Estampa
ILUSTRACIÓNAgnes-CecileAndy KehoeConrad Roset
FOTOGRAFÍAIf Only for a Second
CINEThe Double
ENTREVISTAJorge Ermilo Espinosa Torre
LITERATURANarrativa Tradicional
LETRANÍASVivir en Manoa
CARTELERAOctubre
RECURSOSAnatomía
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Ilustración: Conrad Roset6 | T ó t e m |
Ilustración: Conrad Roset
MÁS INFORMACIÓN AQUÍ.
Foto: Cortesía de Calle Estampa.8 | T ó t e m |
Foto: Cortesía de Calle Estampa.
Calle Estampa, es un colectivo yucateco dedicado a la gráfica, el cual surge en diciembre del 2012 como parte de las actividades a llevarse a cabo en la Feria de Artes Visuales de Yuca-
tán (FAVY), bajo la orientación de los artistas cubanos Enrique Miralles “Tente” y Antonio Acosta “Ñico”; y en el cual participaron los miembros fundadores: Priscila Ramos Rosado, Juan José Dziu, Laura Dzul y Grecia Ramayo; quienes en ese tiempo aún eran estudiantes de la Licencia-tura en Artes Visuales de la UADY.
En aquel momento, la respuesta del público no fue tan grande como esperaban, por lo cual tuvieron que tomar ciertas medidas para lograr llamar la atención de las personas y estas se acercaran a ver su propuesta artística.
Después de su participación en la FAVY, el grupo continuo trabajando y formando parte de otros eventos como lo son la FILEY y la Tropa del Arte; a pesar de contar con limitados recursos para la realización de sus impresiones, <<No contábamos con tórculo para poder imprimir, así que conseguimos que nos prestaran una laminadora; ya que de lo contrario teníamos que imprimir a mano>> Nos comentó Juan José Dziu.
Para octubre de 2013, el grupo decide formalizar como “Calle Estampa, Taller de Grabado”, al cual posteriormente se integrarían: Clarissa Alamilla, Mauricio Collí y Raquel Castillo como nuevos miembros del colectivo. Fue entonces cuando el “Otoño Cultural” se acercaba, que la suerte les sorprendió al encontrar en venta un pequeño tórculo, el cual, sin pensarlo dos veces, decidieron adquirir para así poder mejorar y agilizar su producción.
Posteriormente, el colectivo, cambió la ubicación de su taller (el cual se encontraba ubicado en ese entonces en la colonia Pensiones) a un lugar más céntrico y de fácil acceso al público (que es en donde actualmente se encuentran laborando), en la Calle 60 Núm. 582a x 73 y 75 colonia Centro; dando de esta manera un paso más en su afán por promover las artes gráficas, acer-cándolas a un sector más concurrido por la población.
Por: Isabel Silva
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Calle Estampa, como Taller de Grabado, busca convertirse en un ente autosustentable, recurriendo a la enseñanza de la gráfica y comer-cialización de sus productos (entre los cuales figuran playeras, cua-dernos, bolsas, mandiles, etc.; todos estos con diseños originales y a precios accesibles) para poder continuar realizando sus actividades como colectivo.
Por otro lado, el trabajo en equipo, es parte fundamental de la ideo-logía de Calle Estampa, pues como nos comenta Mauricio Collí, “El grabado, es algo que a pesar de poder hacerse en solitario, lo pue-des trabajar también muy bien en equipo, a diferencia de la pintura, que en la mayoría de los casos es más bien en solitario”
Estos jóvenes creadores, quienes se mueven en el campo de la grá-fica (área de las artes visuales con poca difusión y cuya actividad en ocasiones se ve opacada por otras áreas con mayor difusión como la pintura o el arte digital, por mencionar algunas), tienen dentro de sus principales objetivos, el que cada vez, un número mayor de gente se acerque y conozcan el origen, técnicas, materiales y procesos que implican el grabado y la estampa, entre otros.
Foto: Cortesía de Calle Estampa.
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Foto: Cortesía de Calle Estampa.
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Poco a poco y con paso firme, este colectivo irá conquistando el gusto del público, de eso estamos seguros, ya que constantemente realizan talleres de grabado, xilografía, aguafuerte, dibujo, serigrafía y moku hanga; invitando al público en general a conocer y formar parte del mundo de la gráfica.
Foto
: Cor
tesía
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Calle
Esta
mpa.
Fotos: Cortesía de Calle Estampa.
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No olvides revisar la cartelera, ahí podrás encontrar más detalles acerca de los talleres que imparte Calle Estampa, ¡No te los pierdas!
Fotos: Cortesía de Calle Estampa.
/CalleEstampa
@CALLE_ESTAMPA
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Ilustr
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AGNESCECILE
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AGNESCECILE
Ilustr
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nes-C
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La acuarela, es una técnica pictórica, la cual nos transmite una sensación de li-gereza, fluidez y demás características
que nos remitan a la suavidad liquida.
Es además, entre otras cosas, sinónimo de paciencia y talento. Es entonces donde po-dríamos decir que, Agnes-Cecile, conjuga perfectamente ambos términos, creando coloridas (y en ocasiones monocromas) piezas cargadas de sentimiento.
Por: Daniel Yamá
ACUARELA,SENTIMIENTOS
Y BELLEZA.
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Silvia Pelissero, conocida artísticamente como Agnes-Cecile, es una joven artista e ilustradora autodidacta originaria de Roma, Italia; que utiliza la acuarela como material principal para la creación de sus obras, aunque de vez en cuando, trabaja con acrílicas, óleos y tintas.
Su proceso creativo comienza al escribir frases y palabras que se relacionan con las emociones que ella desea transmitir, para posteriormente transformarlas en bocetos rápidos, utilizando papel como soporte principal. Es entonces cuando procede a agregar acuosas pinceladas cargadas de pintura, que poco a poco irán dando forma a emotivos rostros, los cuales muchas veces se hallarán acompañados de coloridos elementos abs-tractos (en algunas ocasiones logrados con distintos materia-les).
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Su afición por la técnica del dripping, inspirado por Pollock, se ve presente en algunas de sus obras, en las que logran apreciarse abstractos rostros y cuerpos femeninos.
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No cabe duda que la obra de Agnes se ha ido posi-cionando paulatinamente en la escena artística de Ita-lia, inspirando así a una nueva generación de artistas e ilustradores, los cuales usan las emociones como base para crear obras que inviten al espectador a ex-perimentar un contacto más íntimo.
Todas las fotos e ilustraciones fueron tomadas de sus redes sociales con fines ilustrativos.
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/agnes-cecile
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¡Visita sus Redes Sociales!
agnes_cecile
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andykehoePor: Elisa Vela RenteríaIlustraciones: Andy Kehoe
En una tierra desconocida, donde nunca cesa el otoño pintado a colores ocres, calientes tonos y adornado con hojas por montones, viven las criaturas misteriosas crea-das por Andy Kehoe, un ilustrador al que le apasiona dibujar seres intangibles pero vivientes en la imaginación y vida cotidiana de los niños.En una tierra desconocida, donde
nunca cesa el otoño pintado a co-lores ocres y adornado con hojas
por montones, viven las criaturas mis-teriosas creadas por Andy Kehoe, un ilustrador al que le apasiona dibujar se-res intangibles pero vivientes en la ima-ginación y vida cotidiana de los niños.
Kehoe, cansado de pintar humanos y sintiéndose limitado de dibujarlos tal como son sin poder expresar su creati-vidad, se traspasa al mundo de la ima-ginación, los sueños y los monstruos; en donde una multitud de extraordina-rias criaturas tienen también mucho que contar.
Sus obras hoy en día, son el resultado final de un joven en busca de su talento, el cual tuvo que explorar diferentes sitios antes de dar con Parsons, una escue-la de diseño en Nueva York, de la cual egresó como ilustrador y con un sueño entre manos.
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Como dibujante, pintor y creador de estas obras, Kehoe siempre estuvo in-merso en el mundo de la magia, los cuentos, comics y dibujos animados; tratando de contar los misterios del mundo y de reflejar su toque personal en la vida de cada monstruo.
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Aún añora su niñez pero sin quedarse en el pasado; le gusta repletar su baga-je artístico con cuentos y bosquejos para así transformar sus sueños en arte.
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Pintando monstruos contrastados con los colores del otoño en sus obras inocentes, Andy, combina procesos digitales junto con medios tradicionales; ya que es igual de habilidoso ilustrando en Photoshop que haciéndolo a mano (en donde en ocasiones sus únicas herramientas indispensables son una brocha y pintura).
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La temática de sus obras se ve fuertemente in-fluenciada por el cuento “Were the wild things are”, del cual Andy no niega que ha tomado algunos elementos como base y fundamento para su obra plástica.
Por otro lado, Kehoe, sigue creciendo a pasos agigantados presentándose en diversas gale-rías con reconocimiento a nivel mundial. Entre sus planes futuros está el de elaborar un libro con sus obras y acompañar cada una de ellas junto con una breve historia.
Para mayor información visita su sitio web ofi-cial o su página en Facebook.
/AndyKehoeArt
Sitio Web Oficial: www.andykehoe.net/2014/
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LASMUSASDE
Roset.Conrad
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La figura humana, específica-mente la figura femenina, es uno de los temas recurrentes
que a través de la historia del arte se ha manifestado en distintas áreas de la plástica, como la pintura, la escultura y la ilustración, por men-cionar algunas.
Esta muchas veces simboliza fragi-lidad, fertilidad, maternidad, gracia, misterio, lujuria y sensualidad entre otras connotaciones que envuelven la mítica imagen de la mujer.
Por: Daniel YamáIlustraciones: Conrad Roset
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Conrad Roset (1984), es un ilustrador originario de Te-rrassa, Barcelona; se formó en Escola Joso y en la fa-cultad de Belles Arts, en su natal Barcelona.
Desde niño ha sido tanto su gusto por el dibujo que ha-cía competencias junto con su hermano dibujando todo lo que podía. Años más tarde se lanzó como ilustrador FreeLancer al finalizar sus estudios en la escuela de ar-tes.
Tal es el grado de éxito que ha tenido Conrad Roset, que ha trabajado para distintas marcas de moda, editoria-les y empresas de publicad; así como llevado a cabo exposiciones en diferentes museos y galerías como el MOCA de Virginia, London Milles en Londres, Tipos In-fames en Madrid y SpokeArt, San Francisco.
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Conrad Roset ha elegido el cuer-po femenino como principal tema en sus ilustraciones, que con un trazo suelto, llena de atrevidos y llamativos colores las ilustraciones que posteriormente serán combi-nadas junto con otros elementos, como flores, ojos, ramas, etc.; los cuales contribuirán a crear una at-mósfera de misterio y sensualidad en donde las mujeres retratadas muchas veces mantendrán la mi-rada fija en el espectador.
Estas ilustraciones de mujeres (a los que Conrad denomina “Mu-sas”) han sido recopiladas en un libro llamado Muses, publicado en 2013 por la Editorial Norma, donde el artista exhibe sus series más populares en una edición li-mitada a 1000 ejemplares, donde se incluye también una lámina fir-mada por el autor.
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Roset realiza sus retratos a lápiz sobre papel y más tarde los pinta con acuarelas. En la ma-yoría de las ocasiones aplica manchones de color en forma irregular y permite goteos.
Por otro lado, también ha realizado murales en donde hace uso de otro tipo de materiales, como acrílicos y tinta china.
Reciamente ha desarrollado una aplicación que se encuentra disponible para iPhone, iPod touch y iPad, en donde uno puede pintar con una diversa variedad de pinceles a distintas musas dibujadas por él.
Si deseas saber más sobre la obra de Conrad Roset y los nuevos proyectos en los que tra-baja, puedes visitar su página oficial y redes sociales.
Sitio Web Oficial: www.conradroset.com
/conradrosetart
/conradroset
conradroset
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FOR ASECOND
Por: Brenda Carrión
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“¿Sabes que es lo que más extraño?” dice Katy A., mujer diagnosticada con cáncer terminal desde hace 2 años “Sentirme despreocupada”. Así es como inicia el video de presentación del proyecto “Ne Serait –Ce Qu’un Seconde”, un proyecto que tuvo como principal fuente de inspiración la percepción de que muchos pacientes que padecen cáncer extrañan la sensación de tener una vida tranquila y despreocupa-da. “Vives con el constante miedo de una posible amenaza (…) Siempre está en tu mente”.
Y así es como la fundación Mimi Charity Foundation de Bélgica, con la colaboración del fotógrafo Vincent Dixon, decidieron llevar a cabo un plan que lograra que un paciente con cáncer pudiera olvidar su condición “aunque sea por segundo” (de allí viene su nombre en francés). ¿Y la misión del fotógrafo?: Captar ese momento.
Aunque puede sonar un poco complicado lograr que una persona olvide su condi-ción, lo cierto es que más allá de lo técnico, se requirió mucha creatividad. Para ello, se invitaron a 20 participantes del proyecto (todos ellos, diagnosticados con cáncer) a asistir a un estudio donde recibirían un cambio de imagen con el cual se sentirían hermosos(as). Esto, en parte, era una mentira.
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Durante todo el proceso de su “cambio de imagen”, los participantes estuvieron con los ojos vendados para mantener el misterio de cuál sería su nuevo rostro. Y una vez finalizado su maquillaje y peinado, los colocaron frente a un espejo y les indicaron el momento en el que podían abrir los ojos.
Cabe mencionar que este espejo contó con un doble propósito; además de mostrar al participante ver su nueva imagen, era de doble vista, lo cual permitió al fotógrafo, no solo esconderse del participante, pero también capturar un retrato de frontal de su expresión.
¿Y cuál fue el elemento sorpresa que permitió a los pacientes sentirse libres? Cómo he dicho anteriormente, su cambio de imagen, no fue en absoluto lo que espera-ban. Cada persona recibió una cara completamente distinta y original entre sí; a un hombre le pusieron una cabellera larga y lacia que recuerda a un rockero de los 80’s, a una mujer le otorgaron un estilo Bob Marley con rastas incluidas, y otra reci-bió un peinado rizado y alto que recuerda la moda francesa de la época de María Antonieta.
Sin embargo, aquí no termina el proyecto. Una vez obtenidas las fotografías, la fundación decidió publicar un libro que contuviera todo el trabajo y pudiera estar disponible a la venta. De esta forma, obtuvieron un aumento del 198% en sus dona-ciones, y una constante fuente de recaudación para seguir apoyando a pacientes de esta terrible enfermedad.
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Si quieres saber más acerca del proyecto o ver el video de presentación, te dejamos el enlace al sitio web y a su página de facebook:
www.mimi-foundation.org/en/
/Mimi.Foundation
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CINE
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THEDOUBLE
O EL HOMBRE VS SUS IMPULSOS MÁS PROFUNDOS.
Por: Rodrigo Madera
Muchas veces el ambiente mal sano en el que terminan convirtiéndose la oficina a causa de la empresa para la que laboramos (que muchas veces no está lejos de imprimir un código de ba-rras en nuestra frente), los caminos que transita-mos en nuestro día a día o incluso nuestro hogar a causa de la rutina, comienza a actuar como una especie de corrosivo para la mente.
Esta atmosfera que parece manar de todas par-tes y que hace parecer todo vacío, pero a la vez denso y sofocante, repta y se introduce a nues-tra cabeza para carcomernos la mente lenta e inexorablemente.
Los más fuertes logran resistirse a ella, espabi-larse, combatirla y rechazarla. Otros, la mayoría, se acostumbran, dejando que la atmosfera aho-ra convertida en parasito de la psique, se ali-mente de ellos, posiblemente para todo los que les resta de vida, en una relación parecida a la que llevan el hongo cordyceps con su hormiga huésped.
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Y por último están los que no tienen la fuerza ni para combatir ni para resistir; lle-gado un punto de quiebre, sus mentes colapsadas y delirantes, desesperadas por algo de alivio, se desdoblan y disocian para dar lugar a una especie de yo idealizado que representa todo lo que quisieran ser y no son…
Las historias sobre Doppelgangers o dobles fantasmagóricos y la bilocación (estar en 2 lugares al mismo tiempo) han estado presentes en la historia con re-gularidad, posiblemente porque el hombre, desde tiempos inmemoriales, o bien ha fantaseado con una especie de “yo superior” que cubra todas sus carencias, o bien ha sufrido el vacío que conlleva la falta de identidad, la cual para algunos, se puede tornar bastante esquiva en un mundo cada vez más globalizado, en donde todo parece ser una cadena de copias al carbón del eslabón anterior.
Ya desde principios del siglo XX el famosísimo Freud había sentado las bases de la esquizofrenia, el trastorno de doble personalidad, así como su teoría del ello, yo y superyó, en la que nos habla de cómo la mente está dividida en tres segmentos que interactúan constantemente… incluso los antiguos griegos ya relataban la historia de Narciso y su reflejo, y ahora le toca al realizador Richard Ayoade relatarnos su propia versión de esta dicotomía que hay en cada ser humano. En unos más que en otros...
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La cinta nos introduce en la desdichada piel de Simon James, joven que con una ya de por sí débil mente, sufre un duro golpe a raíz de la aparición de un nuevo empleado en su trabajo que luce físicamente idéntico a él pero que posee todas las habilidades y carisma que le faltan. Por un corto tiempo ambos es-tablecen una mancuerna en la que el doble le ayuda a superar sus miedos… hasta que este poco a poco, va apoderándose de todo lo que le es querido a Simon.
Desde los primeros minutos de la cinta pode-mos reconocer los elementos que funcionan como piedra angular en la historia de Ayoade: La debilidad mental del protagonista (Jesse Eisenberg), y por lo tanto, su aparente incapa-cidad para obtener lo que desea, la siempre presente atmosfera enrarecida e inquietante, así como su único solaz en el mundo, encar-nado en su bella vecina Hannah (Mia Wasi-kowska).
El realizador londinense logra, gracias a su pe-ricia directiva, embonar estas piezas a la per-fección y dotar a su guion escrito con la ayuda de Avi Korine de un buen ritmo, así como de mantener el equilibro entre los momentos don-de despliega su sentido del humor ya carac-terístico desde “Submarine” (2012) y los mo-mentos obscuros necesarios para mantener el tono inquietante en esta adaptación de la novela homónima de Fiódor Dostoyevski.
Es remarcable también el trabajo del fotógrafo Erik Wilson y el director de arte David Crank, quienes empleando principalmente un amari-llo cadavérico contrastado con unas sombras especialmente marcadas, dotan al ambiente por el que se mueven los personajes de una atmosfera sofocante y enfermiza, como si de una extensión de la mente de Simon se tra-tase, quien por cierto, es interpretado por un cumplidor Jesse Eisenberg que logra transmi-tir ese sufrimiento contenido en Simon, y con
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apenas unos cuantos cambios en la postura, ademanes y ritmo al hablar, da vida a James, el doppelganger en cuestión.
En resumen, Richard Ayoade, sin per-der un ápice del estilo presentado en su anterior cinta, y a través del doble protagónico Jesse Eisenberg, nos pre-senta una muy buena, fresca y entre-tenida propuesta a la hora plasmar la búsqueda de identidad así como el enfrentamiento y perdición del hombre frente a sus deseos acuciantes y des-esperados.
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ENTREVISTA
Fotografía: Eduardo Méndez Lázaro80 | T ó t e m |
JORGEERMILO
ESPINOSATORRE
Por: Isabel Silva
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Aún recuerdo la primera vez que vi una obra de Jorge Ermilo Espinosa Torre, fue hace dos años en clase de Historia del Arte, cuando nos proyectaron una imagen de “La Ventana”, obra con la cual, Espinosa Torre, se hizo acreedor al premio de pintura en la V Bienal Nacional de Artes Visuales
Yucatán 2011. En ese entonces, un montón de preguntas surgieron en mí, junto con una enorme admi-ración por tan asombroso y apabullante trabajo. Quería saber más, tanto de su trayectoria, como de su obra; por lo cual recurrí al infalible compañero de todo internauta ávido de una pronta respuesta: Goo-gle. Por supuesto yo obtuve la mía, escueta quizá, pero al fin respuesta. Sin embargo, una vez saciada aquella primera búsqueda, el asunto quedo ahí, en standby; y no es sino hasta ahora, que se me pre-sentó la oportunidad de entrevistar a tan formidable exponente del talento yucateco, que una segunda búsqueda de respuestas (esta vez de primera mano) se abrió paso en el caprichoso mundo del azar.
El pasado 15 de septiembre, acordamos reunirnos por la tarde, dos compañeros y yo, con Jorge Espi-nosa Torre en su estudio en la colonia Buenavista. Una vez ahí, entre numerosas y esmeradas pinturas del maestro Ermilo Torre Gamboa y el sofocante calor propio de nuestro estado, Espinosa Torre, muy amablemente nos respondió:
ISABEL SILVA (IS): ¿Cómo te iniciaste en el mun-do de las artes, específicamente hablando en el área de la pintura?
JORGE ESPINOSA TORRE (JET): Bueno pues, fueron varias circunstancias, una de ellas es que mi abuelo es pintor, entonces, desde pequeño he esta-do siempre rodeado de pinturas; en la casa de la familia habían cuadros en todas las paredes, aquí también… entonces, siempre ha estado presente el tema de la pintura. Por otro lado, a mí siempre me gustó dibujar desde pequeño, dibujaba en las paredes, dibujaba todo el tiempo en la escuela, y como era algo que me salía más o menos bien, pues llamaba la atención; entonces, eso es algo que también te da un poquito de ego, te da más confianza hablar con las personas, etc. Posterior-mente se da una situación muy complicada en la familia cuando yo tenía como 11 años, en la cual, en menos de un año, fallesen tres importantes miem-bros de mi familia; entonces, todo eso fue una crisis enorme para la familia, y es algo que también me hizo a mi muy introvertido.
Luego, debido a diferentes circunstancias, mi papá decidió que nos mudáramos a Puebla, por lo cual, de alguna manera, perdimos conexión con mi abuelo y con la familia, y terminamos aislándonos por completo. Entonces, es en ese momento cuando una amiga muy especial (que había conocido aquí
cuando entre a la secundaría), se convierte en una especie de símbolo de lo que era para mí una vida que añoraba, y que había dejado atrás. Y es en-tonces cuando el dibujo y la pintura se vuelven mi resguardo, mi escape del mundo y mi conexión con todo eso a lo que yo quería volver.
Tiempo después, se da la situación de que mi papá y nosotros regresamos a vivir acá, y fue entonces cuando por primera vez tomé clases con mi abuelo y también entré a Bellas Artes, ya que antes de eso la mayor parte de mi aprendizaje había sido de manera autodidacta. Y así estuve, cerca de año y medio tomando un curso intensivo con mi abuelo, pintando un montón y aprendiendo muchísimo de él. Posteriormente, cuando estaba yo por pasar a tercero de prepa, empecé a jugar con la idea de dedicarme a la pintura profesionalmente, pero aquí no había la carrera de artes en la UADY, ni existía ESAY. Entonces pensé en intentarlo en el DF, junto con un amigo que quería estudiar cine, pero pues, el DF se había visto un poquito más complicado y como se dio la oportunidad de ir a Guadalajara, entonces, allá me puse a averiguar y encontré que la escuela de artes de la Universidad de Guada-lajara era muy buena, que ya tenía tiempo (casi 50 años de estar funcionando), y había sido fundada por artistas que tenían muy buena visión; entonces, me gustó mucho, así que decidí irme para allá pero nuevamente se dieron ciertos eventos en mi familia,
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en donde al final todos terminamos yéndonos para Guadalajara.
Una vez ahí, en Guadalajara, tuve un último em-pujoncito de miedo en donde a ultima hora me metí a Diseño Gráfico y en el cual duré sólo cuatro meses, porque desde el momento en que me hicie-ron realizar cuadriculas, reproducir dibujos y hacer las cosas no pensadas tanto en la parte artística sino en la parte comercial y con la idea de mandar un mensaje publicitario, me di cuenta de que no era eso lo que yo quería; de hecho, la única materia que me gustaba en la carrera era la de Creativi-dad. Entonces fue que me salí de Diseño Gráfico y entré a la carrera en Artes Visuales con orienta-ción en pintura en la UDG, y te puedo decir que es una de las mejores decisiones que he tomado en mi vida, me encantó la carrera, es buenísima y le aprendí mucho. Entonces ya de ahí sí, me dedique por completo ya con toda la convicción… ¡ah! lo que sí es que entrando a la primera carrera, que es Diseño Gráfico, presenté mi primera exposición individual en el Centro Cultural de Guadalajara, a la edad de 18 años; en fin, yo me movía bastan-te. Mientras estudié la carrera tuve exposiciones individuales en varias partes, como en Zacatecas, aquí, en Guanajuato; y un montón de colectivas también.
Tiempo después, cuando estaba yo a punto de terminar la carrera, me invitaron a hacer una ex-posición individual a través de la embajada de México, en la Habana, Cuba (la cual sería mi primera exposición fuera del país), y yo quien en ese entonces tenía 21 años, estaba todo alucina-do porque ni siquiera había terminado la carrera y me daban una oportunidad de este tipo, pues se me hizo algo padrísimo. Entonces, yo quería pre-parar esa exposición muy bien, pero como no tenía el espacio necesario en Guadalajara, ni buenas conexiones, dije: bueno, voy a tomarme una pausa de un semestre, me voy a Mérida, preparo la ex-posición y cuando finalice me regreso a terminar la carrera y ya me quedo en Guadalajara. Y así lo hice, le puse pausa un semestre a la carrera (toda mi generación se graduó y yo no), me vine aquí y prepare la exposición. Pero entonces fue ese un lap-
so muy importante para mí, porque mientras estuve aquí, retome la relación con mi abuelo, recordé un montón de cosas que ya había dejado atrás, y pues, me gustó mucho. Entonces termine esa expo-sición, se presentó en la Habana (afortunadamente me fue bien), regrese a Guadalajara a concluir la carrera, y terminando me vine otra vez para acá.
Desde eso seguí trabajando, tuve exposiciones en varias partes, incluso en Guadalajara ya estando yo acá, y así continúe; hasta que tuve la fortuna de conocer a una Galerista (una de las más presti-giosas del país, creo yo), llamada Lourdes Sosa, a la cual invité al estudio, le mostré mis obras y afor-tunadamente le gustaron algunas de mis piezas. Desde entonces comenzó a trabajar conmigo y de eso ya alrededor de 3 años, más o menos. Enton-ces, Mérida, es como una ciudad donde trabajo y vivo, pero mis ojos, pies y cabeza están en el DF (porque todas mis obras se van para allá). Así que en eso sigo, trabajando con esta galería y pues, preparando proyectos y varias cosas más.
IS: ¿Quiénes son tus principales influencias?
JET: Obviamente que mi abuelo, tanto en la cues-tión pictórica como en la cuestión personal y su for-ma de ser. Me encanta Jorge Luis Borges (escritor) y toda la cosmovisión que tiene él de los infinitos, los laberintos y todos esos círculos, esas cosas a mí me fascinan, eh… lo absoluto, etc. Pictóricamente me gusta mucho Arturo Rivera, me fascina, su obra es buenísima; Bouguereau también… eh, uno de mis principales ejemplos a seguir es Gottfried He-lnwein, un artista vienes, muy bueno por cierto; y yo diría que ellos son como que las figuras principales. Aunque también me encanta Jeff Koons, no tiene nada que ver con los otros pero me gusta mucho la obra que tiene. Me fascina Gabriel Orozco, su visión artística me gusta mucho. En cuanto a músi-cos, Joaquín Sabina, de verdad, puedo estar es-cuchándolo todo el día; también la música clási-ca, me sirve mucho para pintar, hay una suite que me encanta, se llama “Cuadros de una Exposición” (Pictures at an Exhibition) de Mussorgsky, la cual he escuchado tanto en el DF como aquí cuando la han presentado.
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IS: ¿Cuál es la temática más recurrente que has desarrollado a lo largo de tu obra?
JET: Los rostros han sido siempre parte importante debido a la influencia de mi abuelo como retratis-ta. Entonces, todo lo que se puede hacer a través de la expresión, de los gestos, las miradas, etc., es para mí muy fundamental; que con el tiempo ha ido variando la forma de aproximarse al rostro, sí, definitivamente. El cuerpo humano, la figura, etc. A veces me he centrado más en el cuerpo completo y los elementos exteriores, y en otras ocasiones me he enfocado mucho más en la mirada; que última-mente mi obra va más hacia un encuadre directo y una confrontación más íntima con un personaje a través de su rostro y las modificaciones con que se pueden jugar. Pero sí, yo creo que las miradas han sido fundamentales.
IS: ¿Cuáles han sido los mayores obstáculos a los que te has tenido que enfrentar como artista visual?
JET: Uno de los principales es que, desafortunada-mente, no tenemos acceso a las obras que yo qui-siera, por ejemplo, ¿Dónde puedes ver aquí obra de Helnwein o de Orozco? o ¿Cuándo viene una exposición que traiga, no sé, las obras de Bougue-reau, por un decir? Desafortunadamente esas obras no las traen… incluso difícilmente al DF, o sea, son cosas que hacen falta.
Rembrandt, por ejemplo, trajeron una colección muy interesante de grabados, pero nada como ver los oleos; ver ahí el empaste y esas cosas que usualmente no ves. Cuando vi por primera vez en el MOMA, en Nueva York, el cuadro de “La no-che estrellada” de Van Gogh, yo me lo imaginaba gigantesco pero luego vi que no estaba tan gran-de. Ni siquiera está pintado en las orillas… incluso puedes ver la tela, sus pinceladas y todo ese tipo de cosas que te hace sentir más cercano a la pin-tura, a la obra. Y dices: bueno, no son nada más cosas que están en libros o en la pantalla de una computadora, son piezas reales que alguien hizo y que yo puedo hacer. Esas cosas, esa cercanía…
no tenerlas sí puede pesar bastante, aunque claro, es un obstáculo que uno puede brincar; pero sí, de entrada es una desventaja ante quién tiene el mu-seo al lado y cuando quiera va y se inspira en las obras de los grandes maestros.
Otro podría ser la falta de mercado de arte... aun-que, hay un obstáculo enorme mental, que es yo digo el más duro; y es aquel en el que estamos acostumbrados a pensar que lo que viene del DF es mejor. Y es aun peor cuando es fuera del país, o sea, si viene cualquier persona de Estados Unidos, de París o de Londres y dice que es artista, antes de ver lo que sea que haga ya lo vemos un poco ha-cia arriba, y eso está terrible. Aquí somos a veces racistas con nosotros mismos porque nos sentimos inferiores, y no sólo eso, sino que nos lo creemos tanto que nos comportamos así y producimos así.
O también está el hecho de pensar que nuestra competencia es el otro artista que va a exponer en la galería de al lado o el que expuso ahorita en el Peón Contreras, cuando en realidad nuestra competencia es el artista que está pintando en este momento en Nueva York o el que está pintando en París, porque ahora con el internet, subes una obra y ya entraste a un museo en tiempo real donde no hay fronteras. Entonces, tú ya no estás compitiendo con el artista de tu cuadra, estás compitiendo con artistas del mundo; así que si no te haces a la idea de que tienes que hacer las cosas tan bien como las hacen en las mejores partes del mundo, estas muy mal... y ese sí que es un gran obstáculo, el sentirse inferior y no atreverse a competir con los mejores.
IS: ¿De qué manera ha repercutido la crítica en general en tu vida y obra?
JET: No mucho porque realmente no he estado en contacto con tanta critica. Aquí difícilmente tene-mos, apenas algunos están empezando. Y en el DF, cuando he expuesto allá, la crítica ha sido suave. Entonces, no ha habido mucha. Sin embargo, yo soy muy autocritico, o al menos trato de serlo; mi galerista es crítica, y ese tipo de críticas, no las pu-blicadas, sino las que son platicando, son mucho más importantes y esas sí influyen. Y ¿cómo han in-
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“Retrato IV” - 2012
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fluido?, bueno, me han estado forzando siempre a buscar lo que me falta; entonces, eso me hace no olvidarme de que hay cosas que no estoy hacien-do o que tengo que mejorar. Te regresan al camino de repente, pero no es tanto la crítica, sino la amis-tad, la conversación con gente que sabe y que se interesa en platicar contigo honestamente; y pues acá entre camaradería dan buenos tips y se agra-dece.
IS: Hemos revisado la galería de tu sitio web, ¿Cómo se dio esa transición de estilo en el que te movías en el 2007 al que manejas en la actualidad?
JET: Bueno, para 2007 yo tenía aún secuelas de todo el proceso que viví años atrás, entonces, como que todavía estaba dejando salir mucho de eso que me había llenado de ira, de rencor hacía la vida y cosas, que pues, traía adentro y que me habían hecho introvertido. Entonces, aunque yo no quisiera, salía. Y pues, la transición tampoco fue muy planeada, o sea, no fue algo artificial en donde yo dijera: ya me cansé de pintar esto, voy a pintar esto ahora. No. Fueron cambiando poco a poco mis cuadros, siendo cada vez menos os-curos y centrándose más en las miradas. Y así fui encontrando que mientras menos elementos tan significativos hubieran y abriendo la obra un poco más, podía yo tener una mayor interacción entre la persona que estaban viendo la obra y la obra. Aunque también se dio que empecé a practicar mu-cho con retratos y obras que no tenían tanta carga personal, sino que eran más bien encargos, enton-ces, eso me fue moviendo a ese lado de dejar un poco todo ese simbolismo; porque yo antes pinta-ba con diccionario de símbolos en mano, y nadie que no tuviera el mismo diccionario iba a entender mi obra. Entonces, quise dejar de dar discursos tan elaborados y tener un poco más de poesía abierta.
IS: ¿Qué tanto has incursionado en otras áreas de las artes plásticas?
JET: En grabado nada más en la carrera, nunca fui muy bueno y tampoco me llamó mucho la aten-ción; escultura igual un poquito en la carrera. Me
encanta la fotografía y el video, eso sí, ya se salen de plásticas, pero me gustan mucho, van como que relacionados.
IS: ¿Cuál es tu postura con respecto al arte di-gital? ¿Consideras que está peleado con los medios tradicionales o crees que de alguna manera pueden compaginarse ambos me-dios?
JET: Pues, no estoy muy seguro cual sería una pos-tura, porque en mi caso yo trabajo mucho digital-mente ya que muchos de mis bocetos son hechos de forma digital, pero no con el fin de que la obra digital sea la obra final, sino que es nada más un paso del proceso en donde después el resultado lo convierto en algo pictórico. Pero eso no me sirve para juzgar al arte digital, porque lo que yo hago solamente es parte de un proceso. Sin embargo no creo que una obra digital deba ser demeritada, porque una cosa es el talento para llevar a cabo algo mecánicamente, o sea, hacerlo con las ma-nos y presentarlo con buenos resultados físicos, y otra es concebir la idea, tener un concepto, inde-pendientemente de cual sea tu herramienta para expresarlo. Entonces el arte digital puede ser tan rico en cuanto a concepto, intención y carga artísti-ca como cualquier otro; que se exprese a través de un mouse o una tableta, y luego su pase al mundo físico sea a través de una impresión, es solamen-te la circunstancia de la técnica. Es como cuando tomas una fotografía, igual estas usando una he-rramienta.
IS: ¿Qué opinas acerca de exponer junto con artistas emergentes o que no tienen una tra-yectoria tan amplia o similar a la tuya?
JET: Lo he hecho varias veces, y no me molesta, ni nada; al contrario, me gusta cuando los artistas son emergentes y tienen ganas, y hacen las cosas profesionalmente como lo hacía yo cuando estaba empezando o como lo hacen amigos míos. Pero ocurre que los galeristas no están tan de acuerdo; entonces, cuando ya hay detrás de ti una galería cuida un poco algunos aspectos, que cree pueden llegar a ser contraproducentes para el artista que
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“Sombras de Ayer” - Óleo sobre tela - 120 cm x 150 cms. 2012
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se está haciendo de un nombre, así que depende de donde lo veas.
Yo en lo personal no tengo ningún problema, es más me encanta la idea, de hecho, cuando todavía existía la Quilla y yo ya tenía exposiciones en museos y cosas así, le dije a Ramón: yo quiero mi exposición en la Quilla; pero me dice: aquí no te-nemos los métodos del museo, ni vigilancia, etc., a lo cual le respondí que no importaba, porque yo quería estar ahí con él, con la gente y todo. Bueno, total que en esa exposición me robaron un cuadro, porque alguien que estaba muy tomado se lo llevó porque le gustó y me habló Ramón desesperado que no lo encontraban, que me lo pagaban y todo. Resulta que al día siguiente el chavo despertó y vio que el cuadro estaba junto a su cama y habrá dicho ¿y esto de dónde salió? y me lo devolvió.Estuvo muy entretenido, me queda la anécdota.
IS: ¿Qué recomendaciones le darías a nues-tros compañeros que pretenden alcanzar un estilo hiperrealista?
JET: Que no pretendan alcanzar un estilo hiperrea-lista, que busquen hacer una obra que les llene mucho, y que si acaso les sirve la técnica depura-da propia del hiperrealismo para lograr eso, que la desarrollen, pero que no sea su meta alcanzar esta técnica, porque para empezar el hiperrealis-mo es estrictamente un movimiento de los años 60’s que tenía ciertas características muy específicas; y yo mismo no me considero hiperrealista, no estoy afiliado, digamos, a esas “normas específicas” que habían, como: que desaparece la pincelada, que no se vea rastro del pintor en la obra y esas cosas.
A mí me gusta mucho la técnica, me gusta el aca-bado real, pero no con la intención de que el hipe-rrealismo sea la meta, o sea, la técnica es una he-rramienta más, y es una herramienta que te debe llevar a otra cosa que eso debe ser lo importante, entonces, que nadie se concentre en la herramien-ta, que se concentre en la meta a través de la herra-mienta que mejor les convenza. Y si la herramienta que más les convence es una técnica así, muy de-purada, pues entonces la única recomendación es
un montón de práctica, porque eso se necesita, un montón de práctica, mucha autocritica y nada de conformismos.
Jorge Ermilo Espinosa Torre, es un Artista Vi-sual yucateco especializado en pintura, licen-ciado en Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara. Ha realizado estudios en diver-sos talleres además de trabajar con su abue-lo, Mtro. Ermilo Torre Gamboa, reconocido ar-tista yucateco.
Ha participado en más de 30 exposicio-nes colectivas y 13 individuales, destacan-do “Saudade” en Lisboa, Portugal, en 2010; “Murmullos en Babel” en el Centro Cultural Olimpo (Mérida, 2008) y “Visiones en Silencio” en Casa Oswaldo Guayasamín (La Habana, 2007). Fue seleccionado para participar en la IV Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán 2009. Así mismo, ha impartido talleres tanto teóricos como prácticos y ha colaborado con textos para medios impresos y digitales.
Sitio Web Oficial: www.espinosatorre.mx/es/
/jorgeermiloespinosatorre
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“Sólo vine a decir adiós” - Óleo sobre tela - 2012
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La Conquista (él) - Óleo sobre tela - 100 cm x 120 cm. 2010
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La Conquista (ella) - Óleo sobre tela - 100 cm x 120 cm. 2010
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“Silencio” - Óleo sobre tela - 120 cm x 80 cm. 2010
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“La Ventana”, Óleo sobre tela - 180 cm x 135 cm. 2011
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Sin título. 2012
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“Aquí te espero” - Óleo sobre tela - 180 cm x 140 cm. 2012
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“Retrato III” - 2012
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NARRATIVATRADICIONALIDENTIDAD EN LA SOCIEDAD
MAYA YUCATECA.
Por: James Sarao
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La tradición oral de los pueblos indígenas en el estado de Yucatán y otros sectores es sumamente prolífica y es evidencia de la lucha entre la memoria y el olvido de las tradiciones y cosmovisión que fundamenta la estructura social.
En el caso de nuestro Estado, los relatos de tradición oral que transmiten los usuarios del lenguaje, por lo general en lengua materna (maya yucateco), son, en ocasiones, transcritos para ser conservados en un acervo cultural que se comparte con relatos de otras micro o macro sociedades. Saber qué relato debe conservarse en este acervo corresponde a la intención informativa del narrador y el responsable de transcribirla es el compilador de relatos orales.
La Mtra. Ana Patricia Martínez Huchim ha sido una de las escritoras que, por medio de su obra, exponen textos de resistencia cultural en la lengua y pensamiento maya y también de denuncia social. Su obra reciente Contrayerba (U yóol xkaambal jaw xíiw), es un homenaje a las mujeres que “siendo parte de los pueblos de nuestro contexto re-gional, son estigmatizadas por su labor en nuestra sociedad maya y yucateca (Ucán 2013, 71)”. Es interesante destacar las ocupaciones (trabajos) que realizan dichas mu-jeres, las cuales son variadas: espiritistas (x-meen), prostitutas, comadronas, curande-ras (conocimiento herbolario), etc. Todos los cuentos sobre mujeres, incluidos en éste libro, están dentro del marco del primero y penúltimo cuento que son una visión de un personaje espiritista (Soledad Cahum Dzib) que ve los sinos fatales de los demás per-sonajes, de los otros cuentos, y por medio de ella la unidad del libro adquiere sentido.
Los trabajos a los que se dedican estas mujeres, como en el caso de yerbatera, cu-randera, comadrona y espiritista, están adscritos, por lo general, en la periferia de las aprobaciones sociales propias de una comunidad occidental. Motivo por el cual son estigmatizadas y la causa de ello es que la fuente de esas costumbres yacen en el se-dimento cultural prehispánico que escinde de las normas de conducta social impues-tas por occidente. Carlos Montemayor decía que algunos estudiosos europeos, iluso-riamente, postulaban que las comunidades o pueblos “primitivos” atravesaban por los mismos estadios de evolución y así se dinamizaban hacia una sociedad occidental: “… mientras más lejana esté una cultura del paradigma europeo, más primitiva será (1996, 22)”. El escritor o narrador oral indígena, a costa de las pretensiones extranjeras, no pretende dar a conocer sucesos que sean apreciables por las demás sociedades; sino que, por lo general, establecen un auditorio al que relatarán la realidad más pro-funda de su comunidad.
Sobre lo antedicho, se abre una interrogante que parece ser más un deber que una simple posibilidad: ¿Cómo garantizar la estabilidad (o regularidad) del uso de la len-gua maya (oral o escrita), como soporte cultural, en la conformación de la estructura social de la sociedad indígena yucateca, con el uso de la narrativa tradicional que regenera y revitaliza las tradiciones y conocimiento ancestral?
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La respuesta es inmanente a la dialéctica de las culturas, pues en ellas dialogan diver-sos estratos culturales ineludibles que, dependientemente o independientemente, po-seen identidad. Entre estos sustratos culturales, está latente uno que manifiesta el rostro profundo que ha permanecido durante siglos y se mantiene en constante relación con el mundo prehispánico (mesoamericano) que se entrevera o funde con el nuestro por medio de sus diferentes portavoces.
Es en este punto donde el trabajo de los escritores en lenguas indígenas, en la trans-cripción de los relatos orales, es fundamental para la conservación de dicha memoria, pues a partir de la escritura la responsabilidad que antes era conferida al narrador oral, que implicaba tal vez el olvido de la misma, se mantiene en un depósito cultural que también es enriquecido con literatura no necesariamente oral y en la que cada vez se involucran más escritores (e intelectuales) de diferentes estratos culturales (que tienen sus raíces en un pasado cercano o lejano regional) y con diferentes herramientas y perspectivas. Lo anterior no resta virtud a la literatura oral, pues los narradores indíge-nas acotan y configuran la composición del relato en el que igual aplican recursos estilísticos propios de la lengua nativa (arte combinatoria)1 tesitura de la voz, gesticula-ciones, retruécanos, enunciaciones onomatopéyicas, etc. ̶ y así mismo reivindican el valor de su cultura frente a las otras.
Tanto narrador oral como escritor indígena maya contemporáneo establecen, al cabo, una significación del universo cultural en donde se ponderan las formas de percibir el tiempo (característica inmanente de la narrativa) que pueden coincidir con la antigua forma maya de concepción de los hechos (en términos occidentales, historia), donde una respuesta cíclica acontece a cada suceso vital, siendo éste último factor sostén de cualquier manifestación humana. Considerar nuestro pasado, extraído de nuestros anteriores contextos, es fundamental para conocer lo que seremos y valorar el camino trazado en el tiempo por la persistencia, en cierto aspecto historiográfica, de narradores que han heredado la visión del tiempo y suceso como orden vital diacrónico.
1 Término aplicado por Carlos Montemayor (en la obra citada). Éste paso es uno de los que propician que un relato tradicional persista a través del tiempo, pues son características del lenguaje aceptadas por la sociedad y en los que difícilmente dejarán de producirse nuevas ideas. En otras palabras, son estructuras narrativas, acogidas por sus diferentes relatores, sin las cuales no germinarían en una cultura.
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Referencias:
Montemayor, Carlos. 1996. El cuento indígena de tradición oral. Notas sobre sus fuen-tes y clasificaciones. México, D.F.: Centro de Investigaciónes y Estudios Superiores en Antropología Social-Instituto Oaxaqueño de las Culturas.Ucán, Martha Aracelly. Prólogo a Contrayerba (U yóol xkaambal jaw xíiw), de Patricia Martínez Huchim, 71-74. Mérida, Yucatán: Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas. 2013.
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Vivir en
ManoaPor: Addy Góngora Basterra
I
Un día de estos memorizaré algunos párrafos del escritor italiano Alessandro Baricco. Así podré repetirlos a quien se deje como las veces que involuntariamente me pongo a can-tar —sin permiso de los presentes— en horas de oficina, ante amigos, familia e incluso desconocidos. Me aprendería, por ejemplo, tramos como este:
“Siempre sucedía lo mismo: en un momento determinado, alguien levantaba la cabeza… y la veía. Es algo difícil de comprender. Es decir… éramos más de mil en aquel barco, entre ricachones de viaje, y emigrantes, y gente rara, y nosotros… Y, sin embargo, siempre había uno, uno solo, uno que era el primero… en verla (…) El primero en ver América. En cada barco hay uno (…) Son gente que desde siempre tuvieron ese instante impreso en su vida. Y cuando eran niños, podías mirarlos a los ojos y, si te fijabas bien, ya veías América preparada para saltar, para deslizarse por los nervios y la sangre y yo qué sé, hasta el ce-rebro y desde allí a la lengua, hasta dentro de aquel grito (gritando), AMÉRICA, ya estaba allí, en aquellos ojos, desde niño, toda entera, América. Allí, esperando”.
Balsa Muisca. Arte Precolombino. Museo del Oro. Bogotá.
/Letranias
@letranias
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Ese es el inicio de “Novecento. La leyenda del pianista en el océano” monólogo teatral que ha-bita en un libro flaquito que me llena de gozo cada vez que lo recuerdo.
II
Érase una vez la inmensidad del mar y días de travesía. Érase una vez el horizonte y nada más que el horizonte… hasta que el doce de octubre de mil cuatrocientos noventa y dos la tierra fue posible en las pupilas del vigía. Y entonces, entre la monotonía y el vaivén de las olas que tanto prometían, surgió la voz afirmando la utopía: ¡Tierra! La proa estaba próxima a la nueva maravi-lla. ¡Tierra! ¿Qué grito de la historia puede competir con la garganta del tripulante de “La Pinta”? Rodrigo de Triana era su nombre, el muchacho a quien —con protagónica mentira— Cristóbal Colón arrebató los diez mil maravedís anuales y de por vida que los Reyes prometieron para quien fuera el primero en vislumbrar otra orilla… tierra que no fue el continente en sí, sino una pequeña isla de Bahamas: San Salvador. El arte le ha hecho justicia al centinela de la carabela: hay una escultura suya realizada por José Lemus en el barrio de Triana, Sevilla, donde está el grito de Rodrigo inmortalizado en piedra, la vista clavada en la distancia y la mano extendida señalando la antesala del Nuevo Mundo.
III
Para quienes surcaron el océano durante la conquista, la búsqueda de riquezas era una ob-sesión. Uno de los mitos en el imaginario europeo sobre aquello que podía encontrarse al otro lado del mar, era una ciudad de oro. Y ésta es Manoa, la legendaria ciudad también conocida como “El Dorado”, motivo de seducción y expediciones detonadas por la laguna de Guatavita, en Colombia; aguas convertidas en leyenda tras el hallazgo de la “Balsa Muisca”, una de las piezas más hermosas de la orfebrería precolombina.
Manoa nunca se ha encontrado, siempre está un paso adelante de todo aquel que desee lle-gar… cumpliendo su destino de ciudad perdida. Tal vez sea porque “Manoa no es un lugar / sino un sentimiento”, como escribiera el poeta venezolano Eugenio Montejo. Me gusta creerlo, porque eso significaría que muchos de nosotros no tendríamos que aventurarnos en su bús-queda por la exuberante vegetación selvática, porque probablemente ya vivamos en Manoa o, sin saberlo, estemos muy cerca de su suelo: “Toda mujer que amamos se vuelve Manoa / sin darnos cuenta./ Manoa es la otra luz del horizonte,/ quien sueña puede divisarla, va en camino,/ pero quien ama ya llegó, ya vive en ella”.
Bien lo dijo un arriero: “Que no hay que llegar primero, sino hay que saber llegar”. Qué buen mo-mento será el día en el que descubramos esa ciudad-persona para habitar; qué buen momento cuando nuestros ojos reconozcan eso esperado sin que nadie nos arrebate la recompensa ni la dicha de encontrar lo deseado: vivir en Manoa… y descubrir que eso es lo que somos para alguien más.
Poema “Manoa” de Eugenio Montejo en Letranías: http://ow.ly/pJQSP
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CARTELERAOCTUBRE
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Viernes 17Solos para acompañarnos | DanzaCuando la soledad, es la oportunidad para el encuentro. Compañía: Danza Libre Contemporánea 21:00 horasCentro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala Vallado$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Viernes 17Sinfonía para un dictador | Calle + Teatro Dir. Oscar López | La Fragua Producción Escénica 20:00 horasForo Alternativo Rubén Chacón$50.00 General$25.00 Estudiantes e INAPAM
Viernes 17Vecinal | Calle + Teatro Dir. Ulises VargasSíndrome BelacquaParque de Las Américas 20:00 horas Entrada libre
Viernes 17Sacbé. Circuito regional de artes escénicas | Encuentros y Festivales Dibujitos desanimados| Cont-ArteTlaxcala | 21:00 horas | Tapanco Centro Cultural Entrada General $70.00 | Estudiantes e Inapam $50.00
Sábado 18Solos para acompañarnos | DanzaCuando la soledad, es la oportunidad para el encuentro. Compañía: Danza Libre Contemporánea 20:00 horasCentro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala Vallado$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
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Sábado 18Sacbé. Circuito regional de artes escénicas | Encuentros y Festivales Table Dance| Cont-ArteTlaxcala | 20:00 horas | Tapanco Centro Cultural Entrada General $70.00 | Estudiantes e Inapam $50.00
Sábado 18 Vecinal | Calle + Teatro Dir. Ulises VargasSíndrome BelacquaParque Los cantaritos de Francisco de Montejo20:00 horas Entrada Libre
Sábado 18 Sinfonía para un dictador | Calle + Teatro Dir. Oscar López | La Fragua Producción Escénica 20:00 horasForo Alternativo Rubén Chacón$50.00 General$25.00 Estudiantes e INAPAM
Domingo 19 Caso Cerrado | InfantilClub Especial Ayelem13:00 horasCentro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala Vallado$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Domingo 19Domingos de CámaraOrquesta de Cámara de Mérida | Música Dir. Russell Montañez Coronado 18:00 horasCentro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala ValladoEntrada libre Domingo 19
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Dies irae | Calle + DanzaCía. Caballo Azul20:00 horas | Fuera de Centro | $80.00 General
Domingo 19Sacbé. Circuito regional de artes escénicas | Encuentros y Festivales Las visitas| Cont-ArteTlaxcala | 19:00 horas | Tapanco Centro Cultural Entrada General $70.00 | Estudiantes e Inapam $50.00
Domingo 19 Vecinal | Calle + Teatro Dir. Ulises VargasSíndrome BelacquaParque Tabentha de Altabrisa 20:00 horasEntrada Libre
Jueves 23 Testimonios de una mesa | TeatroDir. Jair Zapata Arceo21:00 horasCentro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala Vallado$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Jueves 23 Uniendo plumas para alzar el vuelo | Calle + TeatroDir. Guillermo AlonsoCol. Plan de Ayala18:30 horas | Entrada libre
Viernes 24 Solos para acompañarnos | DanzaCuando la soledad, es la oportunidad para el encuentro. Compañía: Danza Libre Contemporánea 21:00 horasCentro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala Vallado
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$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Viernes 24 Sinfonía para un dictador | Calle + Teatro Dir. Oscar López | La Fragua Producción Escénica 20:00 horasForo Alternativo Rubén Chacón$50.00 General$25.00 Estudiantes e INAPAM
Viernes 24Vecinal | Calle + Teatro Dir. Ulises VargasSíndrome BelacquaParque de la colonia Azcorra 20:00 horas Entrada libre
Sábado 25Solos para acompañarnos | DanzaCuando la soledad, es la oportunidad para el encuentro. Compañía: Danza Libre Contemporánea 20:00 horasCentro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala Vallado$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Sábado 25 Vecinal | Calle + Teatro Dir. Ulises VargasSíndrome BelacquaParque de la colonia Melchor Ocampo II20:00 horasEntrada Libre
Sábado 25 Sinfonía para un dictador | Calle + Teatro Dir. Oscar López | La Fragua Producción Escénica
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20:00 horasForo Alternativo Rubén Chacón$50.00 General$25.00 Estudiantes e INAPAM
Domingo 26 Caso Cerrado | InfantilClub Especial Ayelem13:00 horasCentro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala Vallado$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Domingo 26Vecinal | Calle + Teatro Dir. Ulises VargasSíndrome BelacquaParque de la colonia Emiliano Zapata Sur III20:00 horasEntrada Libre
Domingo 26Dies irae | Calle + DanzaCía. Caballo Azul20:00 horas | Fuera de Centro | $80.00 General
Domingo 26 Domingos de CámaraCoro de la Ciudad de Mérida | Música Dir. Nidia Góngora Cervera 18:00 horas Centro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala ValladoEntrada libre
Martes 28Martes de trova Grupo Café Canela Centro Cultural Olimpo / Auditorio Silvio Zavala Vallado
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20:30 horas / Adolescentes y adultos / Evento gratuito
Martes 28 Mamá Gorka (y su Pléyamo) | Calle + TeatroDe Gerardo Mancebo del Castillo | Dir. Yatzaret CastilloCompañía: Por Qué No? Producciones20:30 horas | Foro Rubén Chacón$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Miércoles 29 Mamá Gorka (y su Pléyamo) | Calle + TeatroDe Gerardo Mancebo del Castillo | Dir. Yatzaret CastilloCompañía: Por Qué No? Producciones20:30 horas | Foro Rubén Chacón$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Jueves 30 Mamá Gorka (y su Pléyamo) | Calle + TeatroDe Gerardo Mancebo del Castillo | Dir. Yatzaret CastilloCompañía: Por Qué No? Producciones20:30 horas | Foro Rubén Chacón$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Jueves 30 La ruta del Rock | MúsicaDir. Tomás Martín20:00 horasCentro Cultural Olimpo | Patio Central $50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
Viernes 31 Solos para acompañarnos | DanzaCuando la soledad, es la oportunidad para el encuentro. Compañía: Danza Libre Contemporánea 21:00 horasCentro Cultural Olimpo | Auditorio Silvio Zavala Vallado$50.00 General | $25.00 Estudiantes e INAPAM
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Viernes 31Sacbé. Circuito regional de artes escénicas | Encuentros y Festivales Los días de Carlitos | Tristes TigresVeracruz | 21:00 horas | Tapanco Centro Cultural Entrada General $70.00 | Estudiantes e Inapam $50.00
Viernes 31 Sinfonía para un dictador | Calle + Teatro Dir. Oscar López | La Fragua Producción Escénica 20:00 horasForo Alternativo Rubén Chacón$50.00 General$25.00 Estudiantes e INAPAM
Sacbé. Circuito regional de artes escénicas | Encuentros y FestivalesDir. Bryant Caballero Compañía: Tapanco Centro Cultural A.C.Marzo – noviembre 2014Para mayores informes consulta la página: www.tapancoteatro.com
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RECURSOS
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En esta ocasión (y porque sabemos que te puede ser de enorme utilidad) te dejamos una muy buena herramienta de la que te
puedes valer a la hora de practicar tu anatomía humana.
Se trata de una página en línea la cual desarrolla y hospeda una diversa cantidad de figuras en 3D, que puedes utilizar como refe-rencia cuando necesites practicar anatomía y no tengas un mode-lo a la mano, o quizá en esas horas muertas en las que podemos aprovechar el tiempo mejorando nuestras habilidades.
Sabemos que no estamos descubriendo el hilo negro, y que quizá ya tengas conocimiento acerca de esta página, pero tranquilo (a), dejemos que las personas que aún no saben de su existencia la conozcan y aprovechan al máximo.
POSEMANIACS es el nombre del sitio. Aquí podrás encontrar figuras femeninas y masculinas realizando una gran cantidad de poses (sentadas, paradas, saltando, bailando, etc.), así como también modelos infantiles. Dicha pagina está enfocada, principalmente, en proporcionarte vistas en 360 grados de los músculos del cuerpo.
Entre otras cosas te permite hacer un estudio más detallado de ros-tro, pies y manos (que sabemos es un verdadero dolor de cabeza a la hora de practicar). Sin más preámbulo y esperando te sea de gran utilidad, te dejamos el enlace:
www.posemaniacs.com/
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