United Rock League Magazine - Mayo 2011

H ace algunos años hubiera parecido prácticamente imposible que existieran medios electrónicos dedica-dos a informar sobre la música y mucho menos sobre la industria independiente.

United Rock League al igual que otros medios, es eso que hace años no se pensaba y mucho menos se imaginará pu-diera mantenerse con vida: Un portal con información musi-cal constante y fresca. El tiempo no se cansa y avanza de forma apresurada algunas veces, y otras que pareciera no tiene ganas de seguir cami-nando. Para todos los que formamos parte de United Rock League, el tiempo ha pasado muy rápido. Este mes cumpli-mos un año de vida y todo indica que seguiremos adelante y en busca de más. La realidad es que ha sido una labor incansable por parte de todo el staff de United Rock League, horas y horas de trabajo se encuentran reflejadas en nuestro sitio web, así como en la edición digital descargable, en nuestra colección de videos y fotografías, minutos invertidos en escuchar música nueva, música vieja, interminables segundos que encontraron ma-teria a través de reseñas de discos y de conciertos. La imaginación que posee cada uno de los que hacen posi-ble este sueño que comenzó hace un año, es parte vital de nuestra publicación. Nada de esto sería posible si no fuera por nuestros queridos colaboradores. También debemos resaltar y darle el lugar que merece a todo el público que día a día hace de esto algo real. Si no fuera por sus clicks, nada de lo que observan sería posible. Mil gracias de todo corazón.Para esta edición de aniversario, tenemos varias sorpresas que se irán develando conforme avance el mes de Mayo. Es un orgullo para todos nosotros que la agrupación española Dorian ocupe nuestra portada, así como que Edward Sharpe & The Magnetic Zeros aparezcan también como entrevista-dos. Adicional a lo anterior, podrán encontrar nuestras reseñas de discos, la sección de Encore con artículos de nuestros cola-boradores y nuestra ya conocida sección de Band To Follow.No me queda más que reiterar el agradecimiento por seguir al tanto de nuestras publicaciones, infinitas gracias por ha-cernos parte de sus lecturas y por todos los comentarios que llegan a la redacción. Como siempre lo decimos, esto es por y para ustedes.

Sigan siendo parte de esta su Liga Del Rock.

Atentamente,Junta Editorial de United Rock League.@unitedrockleague

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Francisco Pérez Mejía

“Frasko”Editor en Jefe y RRPP

[email protected]

Twitter: @FraskoteSergio Hernández Juárez

Dir. Eventos y MKT

[email protected]

Twitter: @sergio810511

Colaboradores:

Viridiana Martínez Villamor

Eunice Rugama

Juan Manuel López

Daniel “Jimmy Lurias”

Ulises Díaz

Montserrat Vallecillo

Samantha Núñez

Nadia Ximena

James Velásquez

Joel Hernández

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United Rock League es una publicación digital mensual con domicilio en

Gabriel Mancera 247 Int. 501, Del Benito Juárez. Prohíbido la reproducción

total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso de los editores.

El contenido y Colaboraciones son responsabilidad exclusiva de sus autores

y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

ANIVERSARIO

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Sharon MedinaOzz ZavalaJael Hirata Ortiz

Fernando Velasco Carro

Erik Ángel Pérez Hernández

Erick Castro (Monterrey)

Karla Coria (Monterrey)

Pamela Ascencio (Morelia/Guadalajara)

Luis Antonio Ayala Fuentes (Guadalajara)

Israel Lara Colaborador (Argentina)

Beatriz Mena Colaboradora (España)

Rafa Ledesma

Dir. Arte/WebMaster

[email protected]

Andrea Becerra

Corrección de Estilo

Fotos

Frida Escobar Santiago

Eventos

Pimienthas

[email protected]

CONTENIDOS

DORIANentrevista

38

entrevista

EDWARD

16MORTAL KOMBAT

44Bob Dylan 6

ROCKSOUND 53

36HANNIBAL“LA SAGA”

Años

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Por: J

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S e me atoran las palabras intentando salir por mis dedos al tratar de hacer un homenaje a una leyenda de la música de esta magnitud, son tantas las formas de poder elogiar a un personaje de este tamaño y miles los agradecimientos que le debemos que se me hace un nudo en el pecho al escuchar su

música mientras escribo estas líneas.

No hay músico que haya cambiado tanto el rumbo del rock and roll, hay un antes y un después de él, bandas tan influyentes como The Beatles o Rolling Stones fueron más que influidas por él, por Robert Allen Zimmerman y es por eso que en este mes que celebramos que el universo nos regaló este músico tan importante para el rumbo no solo de la música, sino de otras artes como el cine, la literatura o la pintura, hasta en la moda y forma de vida de millones de personas en URL Magazine le escribimos estos párrafos a manera de monumento.

24 de mayo de 1941

Nació bajo el nombre de Robert Allen Zimmerman en Duluth, Minnesota y vivió ahí hasta la edad de 6 años cuando su padre Abram Zimmerman enfermo de poliomielitis y fueron a vivir a la ciudad natal de su madre Beatrice “Beatty” Stone en Hibbing, Minnesota, en este lugar paso el resto de su infancia escuchando en la radio mucho blues, country y rock and roll, estando en la escuela formo varias bandas como lo hacían y lo hacen muchos adolescentes, con una de ellas The Golden Chors llego a tocar en un programa llamado Rock and Roll is Here to Stay donde buscaban nuevas bandas de rock en Estados Unidos.

Estando en la universidad de Minneapolis, Minnesota para estudiar arte, dejo a un lado su interés por el rock and roll que ya no lo satisfacía por considerarlo como un ritmo pegajoso algo vacío y sin mensaje alguno, así fue que volteo la mirada hacia el folk, en el encontró mayor seriedad con diferentes sentimientos y más profundos, comenzó a tocar en una cafetería en los alrededores del campus llamada 10 O’Clock Scholar situada en el Dinkytown (comunidad situada al norte de la universidad de Minnesota campus Minneapolis).

Involucrado en ambiente del folk de Dinkytown es cuando decide cambiarse el nombre a “Bob Dylan”, en su autobiografía Crónicas Vol.1 escribe esto explicando el porqué de su cambio de nombre:

“Había visto algunos poemas de Dylan Thomas. La pronunciación de Dylann y Allyn era similar. Robert Dylan. Robert Allyn. La letra D tenía más fuerza. Sin embargo, el nombre Robert Dylan no era tan atractivo como Robert Allyn. La gente siempre me había llamado Robert o Bobby, pero Bobby Dylan me parecía cursi, y además ya estaban Bobby Darin, Bobby Vee, Bobby Rydell, Bobby Neely y muchos otros Bobbies. La primera vez que me preguntaron mi nombre en Saint Paul, instintiva y automáticamente solté: “Bob Dylan”

A finales de los 50’s Dylan se dedicó a escuchar Blues el cual le atrajo desde un principio. En 1960 conoció en Denver, Colorado al blusero Jesse Fuller quien lo inspiro a tocar solo con su guitarra y su armónica para dedicarse profesionalmente a la música.

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En 1961 Dylan se mudó a New York para conocer a su gran ídolo Woody Guthrie, que agonizaba en un hospital psiquiátrico, de Woody alguna vez dijo “Puedes escuchar sus canciones y aprender a vivir”. A partir de febrero del 61 comenzó a tocar en diferentes bares de la ciudad en los que fue tomando fuerza y popularidad, lo que hizo crecer aún más su fama fue una reseña hecha por Robert Shelton en The New York Times cuando toco en el Gerde’s Folk City abriéndole a John Lee Hooker, en ese mismo mes toco la armónica para Carolyn Hester en su tercer disco de estudio que tenía como productor a John H. Hammond quien contrato a Dylan para Columbia Records pero hasta octubre de ese mismo año.

En 1962 se publicó el primer trabajo de Dylan para Columbia que se llamó “Bob Dylan”, llego a vender solo 5000 copias en un año, pero las suficientes como para renovar el contrato con Columbia, Bob Dylan empezó a ser tachado como malo y consentido de Hammond, pero este y el mismísimo Johnny Cash defendieron el trabajo de Bob Dylan y en 1963 salio su segundo álbum The Freewheelin’ Bob Dylan, en este álbum Dylan se desarrolló más como cantante y compositor y la mayoría de las canciones que se consideraron de protesta fueron inspiradas por Woody Guthrie e influenciadas por Pete Seeger. Blowin in the Wind una de las canciones más sobresalientes de este disco y con mayor importancia en su carrera deriva de la canción tradicional “No More Auction Block” y la letra critica severamente la sociedad de aquella época. Esta canción fue tocada y grabada en muchas versiones hasta darle la vuelta al mundo. Este álbum marco de cierta forma el estilo lirico y crítico de Dylan a través del folk.

Después del “The Freewheelin’ Bob Dylan” dio un salto internacional al sorprender a todos con su peculiar voz, nada educada y raposa totalmente nasal que interpretaba esas letras que atentaban contra la tranquilidad de la socialite y el status quo de los estadounidenses pero al mismo tiempo subía en popularidad de la mano de Joan Baez que interpretaba versiones de las canciones de Dylan y muchas veces lo invito a ser telonero en sus conciertos o para tocar junto a ella.

Después de esta relación musical con la mexicoestadounidense Joan Baez pasaron a algo más sentimental, formaban una buena pareja de figuras importantes del folk en Greenwich Village y tenían mucha actividad entre los dos, pero un tanto más Bob Dylan que escribía sin parar y ganaba presentaciones en todo el país.


Un hecho que lo hizo crecer más como un icono político fue cuando en 1963 abandono el programa The Ed Sullivan Show porque trataron de censurar la canción que había ensayado “Talkin’ John Birch Society Blues”, que según difamaba a la John Brich Society.

Participo junto con Joan Baez en diversas marchas por los derechos civiles, cantaron juntos en la marcha por el trabajo y la libertad en Washintong en 28 de agosto de 1963 en donde interpreto “Only a Pawn in Their Game” y “When the Ship Comes In”.

A principios de 1964 vio la luz el tercer LP de Dylan con el nombre de “The Times They Are Ha-Changin”, que reafirmaba el talento del joven músico con letras más metafóricas, ya no tan directa algo enredadas y rebuscadas pero con la misma profundidad, en tanto a su música seguía en el tono del folk, pro a la crítica le falto la genialidad de su álbum pasado y eso provoco q u e el disco no creciera tanto como el anterior.

En ese mismo año grabo en tan solo un anoche el “Another side of Bob Dylan” una genialidad

de álbum que seguía en la misma línea del folk pero con tonos bluseros que le daban un toque de intimidad tano con las letras como en la música como en la canción “It Ain’t Me Babe”. A la par de la salida de su último álbum la relación con Joan estaba ya muy deteriorada y termino con el rompimiento de esta, entonces Bob Dylan comenzó a salir con una joven modelo de nombre Sara Lowndes con la que llego a casarse.

En 1964 cuando la llamada invasión inglesa llego a oídos de Bob Dylan y fue cuando conoció en New York a la banda de Liverpool que estaba causando estragos en todo el mundo, The Beatles que ya

habían escuchado antes a Dylan y George Harrison comentó: “Lo poníamos y nos trasladaba. El contenido de sus canciones y su actitud era

increíblemente original y maravilloso”, se cuenta que en su encuentro en New York fue Dylan quien les dijo que debían de escribir letras más profundas e introspectivas y no las “bobas melodías de amor” que hasta ese momento hacían, también se dice que ese día los inicio en la marihuana

Después de esto Dylan escribió una de sus más grandes canciones “Mr. Tamburine Man”, pero esta no la compuso para él, sino para sus amigos californianos de The Byrds que le hizo unos arreglos para una guitarra Rickenbacker de doce cuerdas y las armonías vocales de esta banda. Para Dylan fue un hecho importante escuchar su canción de esta forma, fue algo electrificante y místico escucharla

de la forma que tal vez él lo hubiese grabado. Quizá este acontecimiento fue el que cambio la forma de su música en los años posteriores y también la ola inglesa que venía arrasando y transformando el mundo.

Para el 65 Dylan sacaría un controversial álbum el “Bringing It All Back Home”, también llamado “el disco de la traición” por sus fanáticos más estrictos que preferían al Dylan del folk y consideraban que no era posible que Dylan tocara piezas de rock, de algo tan poco puro y que sonara más a Mick Jagger que a Woody Guthrie, abuchenadolo en uno de sus conciertos en Newport Folk Festival donde solo toco 3 canciones y bajo del escenario. Este brillante LP marca un cambio tanto en lo personal para Dylan dejando a un lado su guitarra acústica y armónica, cambiándolas por una guitarra eléctrica y una banda de rock, llegando a cambiar totalmente el género del rock dándole una amplitud a la lírica de las canciones para que dejaran de ser como él decía “bobas canciones de amor” y tuviesen un trasfondo que cambiaría hasta la música que acompaña estas letras.

“Subterranean Homesick Blues” es el tema que ejemplifica mejor este cambio y sobre todo que es una canción única que rompería los esquemas de la música. Es una canción que muestra humor negro, arreglos nunca antes hechos en una voz muy peculiar y su manera única de interpretar y una letra tan crítica y radical, además de que con ella se grabó uno de los primeros o el primer videoclip de la historia a unos años antes de que existiera MTV. En pocas palabras este LP fue un hito en la historia de la música y en la vida de Bob Dylan.

Para la edición de 1965 del Newport Folk Festival Dylan se presentó con lentes obscuros, botines altos y chamarra de cuero, una revista alemana Der Spiegel lo bautizo como el dandy del movimiento beat y las anfetaminas, mientras que en Newport lo abucheaban Dylan respondió: “Aquella era la manera en la que tocábamos antes y así es como tocamos ahora” les dio la espalda y toco su música, en especial la nueva canción que tenía por nombre “Like a Rolling Stone” con el sentimiento de los viejos bluseros del delta del Mississippi. Esta es la canción más trascendente de la carrera de Bob Dylan.

Se puede tratar de la canción más importante en la historia de la música moderna o quizá de la mejor canción hecha hasta ahora que viene incluida en l álbum Highway 61 Revisited. Fue un 16 de junio de 1965 cuando en Manhattan dentro de uno de los estudios Columbia Records Bob Dylan, Mike Bloomfield (guitarra), Al Kooper Paul Griffin (piano),


Joe Macho (bajo), Bobby Gregg (batería) y Bruce Langhorne (pandereta) cambiaron totalmente al mundo.

El LP Highway 61 Revisited plasmo el mood eléctrico que traía Dylan y lo plasmo con su banda de rock que sorprendió dejando atrás el folk, pero que gusto mucho y llego a estar en las listas de popularidad tanto del Reino Unido como de Estados Unidos para dar paso a su siguiente álbum. Con este álbum llego a hacer una gira en el Reino Unido pero con una nueva banda que lo acompañaba llamada The Hawks con la que hubo una química instantánea. Esperando que en Inglaterra fuesen aceptados ya que se manejaban ideas más liberales del otro lado del charco fueron a tocar en el Free Trade Hall de Manchester y para su sorpresa al pasar del set acústico al eléctrico los abucheos e insultos salieron a la luz y se escucha un “judas” (que ahora se sabe que fue Keith Butler) a lo que Dylan respondió “No te creo, eres un mentiroso” y dio la señal para comenzar a tocar una versión electrificante, seca, maciza e intensa de Like a Rolling Stone que lleno el teatro y lo callo al mismo tiempo.

Para el Bolne on Blonde de 1966 grabaron Dylan y su banda The Howks en Nashville, Tennessee, fue un disco doble, temerario para la época, pionero en esta forma que salio solo semanas después del también disco doble Freak Out de Frank Zappa. Fue un álbum totalmente eléctrico con el sello de Dylan que lo consolido como uno de los artistas más influyentes de mitades de los 60’s. Esta última entrega es un disco muy cercano a la perfección con grandísimas canciones que han vendido hasta el día de hoy más de diez millones de copias.

Regresando de su gira europea de 1966 el 29 de julio Dylan sufrió un accidente cuando viajaba en su motocicleta Triumph 500 cuando se le bloquearon sus frenos cerca de su hogar en Woodstock, New York, la gravedad de sus heridas nunca fue revelado pero el mismo dijo que se había fracturado algunas vértebras cervicales, pero existe el misterio ya que no se llamó a ninguna ambulancia y Dylan nunca fue hospitalizado. Estuvo en reposo en su casa de Woodstock a lado de su familia, sus dos hijos y su esposa. Se dice que debido a los pocos datos y misteriosos hechos del accidente pudo haber sido algo estratégico para descansar después de su llegada de la gira y hacerse a un lado de la tremenda actividad que le esperaba en New York.

Meses después del accidente The Howks entraron a grabar a una casa vieja y rustica no muy lejos de donde estaba Bob Dylan a la que llamaban “The Big Pink” ahí acudió Dylan a grabar algunas viejas canciones de folk, blues y unas nuevas que traía Bob, estas piezas no salieron sino hasta 1968 en “Music from Big Pink” ya como The Band.



Después de 19 meses de “ausencia” en diciembre de 1967 salió el octavo disco de estudio de Bob Dylan el “John Wesley Harding” un álbum modesto hecho en Nashville la meca del country que contaba con temas en su mayoría de folk pero que hacia resaltar más la pieza de “All Along The Watchtower”. En ese año salieron a la par grandes discos de varias bandas unos de debut y otros para consolidar la carrera de otros, era la bienvenida de la psicodelia y la experimentación masiva.

Por motivo del fallecimiento de su más grande ídolo Woody Guthrie el 3 de octubre de 1967, Dylan reapareció en los escenarios después de 20 meses en el homenaje a su ídolo el 20 de enero de 1968. Ya estando en Nashville grabo el siguiente LP titulado “Nashville Skyline” de 1969 que tenía las canciones “Lady Lady Lady” o “To Be Alone Whith You” o una buenísima canción junto con el gran Johnny Cash “Girl From The North Country”, pero en este álbum el de Minneapolis sonaba diferente, ya no tan gangoso y rasposa, hasta cierto punto melódico, quizá tuvo que ver el accidente.

Para inicios de 1970 algo más grave que el accidente en motocicleta le paso a Bob Dylan, si del accidente no salió tan herido de la crítica a su nuevo álbum “Self Portait” no pudo salir bien librado, un disco doble con 24 piezas que fue clasificado simplemente como mierda por el escritor de la prestigiosa revista Rolling Stone Greil Marcus. En ese mismo año y a manera de revivir saco el “New Morning” que lo rescato de la sepultura con un ritmo más jazzero agregado al country que manejo en los discos grabados en Nashville dejando atrás una pare de su pasado.En ese año público su poemario “Tarántula”, y se regresó a vivir a Greenwich Village con toda su familia, estando aquí colaboro con diversos músicos de gran calibre.

En 1972 dio a conocer su faceta de actor al participar en la cinta de su amigo Sam Peckinpah, la película era “Pat Garret and Billy the Kit”, donde no solo hizo el papel de Alias, sino que escribió la banda sonora de la misma que incluia el gran éxito “Knockin’ on Heaven’s Door”, este disco salio en 1973 y marco el fin con la disquera Columbia tras 12 años de contrato y emigrar a Asylum Records.

A manera de venganza Columbia saco el aun peor que Self Point “Dylan” de 1973 que era tan malo que hasta el mismo Bob Dylan lo aceptaba y rechazaba como suyo. Con su nueva disquera solo saco dos discos, el “Planet Waves” en 1974 que contenía la gran canción “Forever Young” y el disco en obligado en vivo “Before the Flood” en el mismo año que tambien trajo la separación con su esposa Sara.

Para 1975 el regreso con Columbia trajo consigo el gran gran álbum “Blood on the Tracks” que tras la separación con su esposa Sara, escribo las canciones más melancólicas, viscerales y llenas de sentimiento y dolor con olor a sangre en el camino, Bob Dylan estaba en una profunda depresión.

Para 1976 organizo una gira para distraerse de la perdida y a manera de relajación a la cual llamo “Rolling Thunder Revue”, en la cual viajo por casi todos los Estados Unidos junto a viejos y nuevos amigos. Durante la gira Dylan se puso a trabajar en la creación de su siguiente disco, y obtuvo como resultado el “Desire” con el gran sencillo “Hurricane”, una gran canción de protesta que años después inspiro una película del mismo nombre. Desire fue un gran disco aunque no a la altura del anterior pero mantuvo a Dylan en la calidad estándar que se le conocía en los años sesenta.

Para 1978 grabó “Street Legal”, un modesto álbum que lo llevo de jira hasta Japón mostrando arreglos interesantes a sus viejas canciones. Para ese mismo año Dylan anuncio su cambio del judaísmo al cristianismo, específicamente a una secta llamada vineyardiana, lo cual contrajo tres discos con composiciones un tanto religiosas y con ligera influencia góspel, el primero fue “Slow Train Coming” en 1979, “Saved” en 1980 y “Shot of Love” en 1981.

En esta década Dylan tuvo altibajos en la calidad de sus discos, tenia buenas colaboraciones pero variaba el buen gusto entre un disco y otro, para 1983 saco el “Infidels” y hasta 1988 salio el “Down in the Groove”, en 185 participo en la canción altruista “We are the World”, tambien en ese mismo año participo en el concierto Live Aid celebrado en Filadelfia, aquí salio al escenario junto con Keith Richards y Ron Wood, en 1987 tuvo una participación de nuevo en el séptimo arte en la película “Corazones de fuego” y para enero de 1988 fue admitido al Salon de la Fama del Rock and Roll, Bruce Springsteen fue el encargado de dirigir la ceremonia y dar unas palabras para Dylan, y lo que dijo fue lo siguiente: “Bob liberó nuestra mente del mismo modo en que Elvis liberó nuestro cuerpo. Nos enseñó que el mero hecho de que la música fuera naturalmente física no significaba que fuera anti-intelectual”. Pero aparte de su entrada al salon de la fama, seamos sinceros los 80 fueron mas del pop que de nada mas, el rock and roll se estanco un poco y se desvío un tanto mas y por consecuente jalo un poco con Dylan.


Al iniciar la década de los 90’s, Dylan publico el “Under the Red Sky” que tenia grandísimas colaboraciones con músicos como Elton Jhon, Slash, George Harrison, por mencionar algunos, pero a pesar de eso no tuvo el éxito esperado, la critica fue severa con el álbum y no dio para mucho.

Después de este disco y de que en 1991 fue galardonado con un Grammy, Dylan regreso a ocuparse en razones políticas y en general en críticas bélicas hacia la guerra del golfo contra Saddam Hussein interpretando “Masters of War”, despues de esto salieron recopilaciones de material inédito que fue un disco triple llamado “The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991 “ que mas que nada fue dirigido a combatir la pirateria que acechaba tras el material inédito y la demanda que tenia para con Bob

Dylan.

PPara 1994 los eventos mas importantes para Dylan fueron su material en MTV Unplugged en donde saldria una cancion compuesta en 1963 llamada “John Brown” y su participación en el Woodstock 94.

Fue hasta 1997 cuando salio su nuevo disco grabado en Miami de nombre “Time Out of Mine” que fue galardonado con el Grammy al mejor álbum del año. Cabe mencionar que en ese mismo año toco para el Papa Juan Pablo II quien dedico un discurso frente a 200000 personas acerca de la canción “Blowin’ in the Wind”.

Para el nuevo siglo gano un Oscar para la mejor cancion con “Things Have Changed” compuesta para la película “Jóvenes Prodigiosos”, tambien saco algunos discos ya sin mucha trascendencia como “Love and Telfh” el 11 de septiembre del 2001 (si la misma fecha de lo de las torres gemelas), en el 2004 sale una parte de su autobiografía que llamo “Crónicas Vol. 1” que alcanzo altos niveles de ventas y hasta la nominación a libro del año por el New York Times. En septiembre del 2005 salio en las salas de cine “No Direction Home”, un film dirigido por Martin Scorsese que encapsula la vida de Dylan de 1961 hasta 1966 que incluye entrevistas con diversos personajes de la vida de Bob Dylan y del mismo Bob Dylan, para el 2007 salio el “I’m not There” dirigida por Todd Hynes, que muestra a varios Dylan según la etapa en la que vivia, cada Dylan es interpretado por distintos actores y el sountrack de la pelicula salian varios artistas interpretando a canciones de Dylan.

Después de todo esto hasta el 2010 han salido rarezas, recopilaciones, hasta discos navideños y box

sets de Bob Dylan que le han alcanzado para seguir vigente en esta primera década del nuevo siglo, algunos son importantes que todo buen fanático de Dylan debería tener otros pueden ser intrascendentes que ni bien ni mal le hacen a la colección de uno.

Hemos terminado de construir esta pequeña estatua del gran Bob Dylan, aun que escribiéramos un libro entero de Dylan no abarcaríamos a felicitar a este gran personaje no tan solo de la música si no del crecimiento de la sociedad estadounidense y la influencia a los demás que escuchamos sus piezas artísticas. Hacen tanta falta hoy en día en el mundo entero tantos Dylan como se pueda, alguien que señale de manera pacifica y artística los malos tratos y forma de la sociedad, Dylan es grande entre los grandes ya sea como artista o como luchador social, aprendamos de la pasión con la que cambio al rock y la vida de los que vivimos del rock y la música en general. Ojala Bob Dylan durara para siempre.


Entrevista a:

EDWARDSHARPEand the magnetic zeros

D espués de una larga espera y siendo los últimos en la fila de entrevistas, llegó nuestro turno para

platicar con Edward Sharpe & The Magnetic Zeros (ES&MZ). La terraza del Hotel Condesa fue el escenario convertido en sala de prensa para llevar a cabo nuestras actividades. Gente iba y venía con mucha prisa. Ya casi era la hora límite, justo antes de que comenzara el Spring Quesadilla Tour.

ES&MZ es una de esas agrupaciones misteriosas integrada por “un grupo de hippies de Los Angeles”. Sus orígenes datan del año 2005, pero es hasta el 2009 cuando lanzan su primer EP Titulado “Here Comes EP”. Su líder es el ex vocalista de la banda Ima Robot: Alexander Ebert.

Alex vestía de saco, pero con el detalle de no usar playera ni camisa. Portaba un pantalón claro y zapatos bastante maltratados, la esencia hippie en su máxima

expresión, como sacado del libro “Ponche de Ácido Lisérgico” de Tom Wolfe. Los demás integrantes lucían atuendos casuales. El calor ameritaba y justificaba

el concepto.

Nos sentamos frente a ellos para comenzar la entrevista. En determinado punto parecíamos una gran mesa circular donde platicaban viejos conocidos. Jade Castrinos se quedó viendo fijamente la ropa de Samantha, y exclamó: “¡Me encantó tu playera!”. Sam se sorprendió, al mismo tiempo que reía mucho, de esas carcajadas nerviosas. “You Are My Little Secret” se leía en la playera de Sam. Después de este pequeño

suceso se rompió el hielo y comenzamos la plática.

Lo primero que preguntamos fue que siendo tantos integrantes en la banda, ¿cómo es para ES&MZ crear música? A lo que nos respondió Alex: “Me gusta que cada uno llegue con una

idea. Es como un proceso íntimo con alguien, una persona que llega con algo que creo. En

lo personal, me gusta ver todo desde afuera. Cuando llegan las cosas nuevas constantemente

me pregunto ¿qué hacer con esto? De lo que cada quien aporta musicalmente, en muchas ocasiones ya está prácticamente terminado. Lo que hacemos todos

juntos es solo ayudarnos agregando algunos detalles, ya sea nuevos acordes, algunos sonidos

diferentes.

17 Features1er Aniversario


Las presentaciones en vivo de ES&MZ suelen ser muy energéticas. Varias reseñas en medios internacionales señalan que son sorprendentes. Lo anterior tiene que ver directamente con la cantidad de integrantes de la agrupación. El hecho de que en vivo tantos músicos intervengan, da como resultado algo muy contagioso. “Hemos estado juntos compartiendo tantas cosas, que es reconfortante ver a los demás a tu alrededor, somos como una familia y eso de alguna forma ayuda a romper la barrera con la audiencia y el escenario. Tres o cuatro chicos tocando instrumentos y bailando. Se convierte en algo íntimo e interactivo con la gente”.

El mensaje de la música de ES&MZ va muy de la mano con el sentimiento del amor hacía las personas, actividades, formas de vida, esas bases hippies que los han caracterizado en su carrera.

Bajo ese concepto no dudamos en preguntarles como reaccionaban ante los hechos violentos que al día de hoy imperan en el mundo. Un silencio profundo envolvió el lugar por varios segundos. Alex quedó frío, sin palabras. Su mirada denostaba contrariedad, tristeza e incertidumbre. Intentaba contestar, pero se detenía a recapacitar sus palabras, hasta que expresó con una voz un tanto quebrantada: “No sé que decir sobre eso. Creo que lo principal es el no fingir u ocultar los


verdaderos sentimientos. ¿Entienden lo que quiero decir? A pesar de lo que pasa a tu alrededor, lo más importante es el tener la voluntad de mantenerte fiel a lo que dicta tu corazón. Por ejemplo, yo no me consideraría un pacifista más bien soy un natularista. Nuestro primer álbum trata sobre el valor de la vida, de compartir al mundo un mensaje de amor. Soy de la idea de que el estado del mundo nunca debe de alterar como te sientes ni perder la fe en lo que crees. No es bueno basar tú filosofía en lo que pasa en el mundo ya que te das cuenta que es cruel, pero es algo que siempre va a estar ahí. Es la regla de la dualidad, siempre existirán el bien y el mal. Pienso que el mundo en muchos sentidos ya está muerto”.

Su único álbum publicado es el del año 2009, titulado “Up From Below”. Era inevitable no preguntarles si ya tenían planes de lanzar un nuevo material próximamente, a lo que nos contestaron: “Lo que estamos trabajando, será la continuación de quienes somos, tendrá un sonido diferente pero habrá similitudes obvias. Creo que el primer álbum fue algo hecho en forma muy apresurada. El querer alcanzar nuestros objetivos tal vez nos llevó a hacerlo de esa forma. Para nuestro

segundo álbum estamos trabajando de forma más relajada. Pronto tendrán

más noticias al respecto”.

MÉXICO PATINAE

n México cada día crece mas la cultura skate, poco a poco a ido avanzando pasando de ser “moda” a estilo de vida, ya no es raro encontrar en la calle a un niño que te diga” yo quiero

patinar cuando sea grande “ y es con e s t e avance cultural con el que nos vemos obligados a crecer aun mas.

Hace algún tiempo se creo la Amedeppal, asociación de gente que estaba interesada en el crecimiento del skate como un verdadero deporte, esta gente trabajo para ayudar a sacar del under a este deporte, inculcando un respeto por todos aquellos que se aventuraban a subirse en una tabla y fueron ellos quienes encarrilaron al movimiento para que caminara a lo que es hoy en día.

En un afán de continuar la ardua labor del Amedeppa nace el AMPA quien con su lema “México Patina” llega a proponer ampliar aun mas la cultura ya de por si crecida. De la mano de algunos patrocinadores como DC shoes y G-Shock, lanza una convocatoria a nivel nacional para todos aquellos riders dispuestos a demostrar que esto es un deporte serio y que con una tabla en mano llegas mas lejos que con cualquier arma o droga.

De modo que después de mucho tiempo de estructuración y plantación el torneo quedaría dividido en 3 categorias : Profesional, intermedio y en Mejor truco, dando así oportunidades no solo a los profesionales. Este es un gran paso para el skate mexicano y si de esta forma se logra inspirar a mas gente a crecer con esta cultura se abra logrado el objetivo que no es solo reconocer la calidad en los riders mexicanos si no tambien es inspirar a muchos chavitos a optar por una patineta en lugar de cualquier arma o droga.

Se espera una gran asistencia ya que el torneo a tenido una gran difusión debido a la crecimiento que significa para el skate, el lugar cede que vera a los riders destrozar sus tablas y sacar sus mejores trucos es el conocido skate park “la fuente”, el gran evento fue programado para el próximo 30 de Abril así que solo a esperar ver a todos los participantes dejar el alma en las rampas.


AMPA Por Sharon Medina@Lekarmafatale

EL SONIDOY LA GENERACIÓN

MOTOWN


T odo comenzó allá por el año 1959 en Detroit, lugar comúnmente llamado “Motor City” o “Motor

Town”, gracias a que la industria automotriz tenía un gran auge y popularidad en aquella ciudad. El sueño inició cuando Berry Gordy, apoyado económicamente por su familia, fundó Tamla-Records que tiempo después se fusionaría con su segundo proyecto llamado Motown, haciendo referencia al seudónimo del pueblo del motor, Detroit.

A partir de ese momento, Motown Records Corporation comenzó con promotores negros para músicos negros, hecho que era socialmente incómodo debido a las barreras raciales que existían en esa época.

Se puede decir que el Sonido Motown no es solamente trascendente musicalmente hablando, sino que fue el punto de partida para movimientos sociales como el Feminista, el Gay, el Hippie y obviamente el movimiento

Por: Joel Hernández @hero9105


el Movimiento Negro. Por otra parte, mientras el Sonido Motown surgía y se asentaba, otras corrientes nacían para hacerle competencia. Tal es el caso del Movimiento Disco, creado por la gente de raza blanca que estaba en contra de los negros.

A pesar de las barreras impuestas, poco a poco el Sonido Motown fue adquiriendo más y más popularidad entre la juventud y sin importar el tipo de raza que fuera, llegó al grado de ayudar a la promoción de los derechos humanos, el amor, la no violencia y la igualdad.


Por otro lado, en materia musical, el Sonido Motown se caracterizó por un estilo soul surgido de la comunidad afroamericana de los Estados Unidos, principalmente interpretado por gente de raza negra durante los años 60’s. Entre los principales exponentes del Sonido Motown podemos encontrar a: Marvin Gaye, Stevie Wonder, Jackson 5, The Suprimes.

Una década después surgieron artistas con influencia Motown que a pesar de no pertenecer al sello discográfico, prosiguieron con el estilo. Tal es el caso de James Brown y Tina Turner. Así mismo, podemos inferir que el Pop es una rama musical que nació del Sonido Motown, cosa que se puede comprobar fácilmente gracias al surgimiento del máximo exponente de ese género musical, Michael Jackson, quien tuvo sus orígenes musicales con los Jackson 5.

¿Tan sólo un movimiento musical? Para nada. El Sonido Motown comenzó como un sueño y el gusto por la música de gente que quería lograr un cambio en la sociedad, cambios que fueron para bien, cambios que rompieron con las barreras raciales y sociales que existían en esa época, cambios por los que debemos seguir luchando como los melómanos que somos.

Éstas son historias que valen la pena ser leídas y escuchadas por todo el mundo. Historias en las que la música, hace la diferencia ante todo.

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E ste espacio lo dedicaré a un personaje antológico dentro de a historia del cine: Hannibal Lecter, el asesino en serie creado por el autor Thomas Harris, quién ha capturado la fascinación del público

como ningún otro personaje de ficción lo ha podido hacer en los últimos años.

El Doctor Hannibal “el Caníbal” Lecter protagonizado por Anthony Hopkins, le da vida a la saga: The Silence of the Lambs (El Silencio de los Inocentes, 1991) Hannibal (Hannibal 2001), Red Dragon (Dragón Rojo 2002), Hannibal Rising (El origen del Mal, 2007) y nos introduce en la mente del erudito, culto, conocedor, amante de la gastronomía, intelectual y sobre todo monstruoso asesino psiquiatra y genio caníbal quién desde 1991 nos ha hecho espectadores de su historia, en el último filme que en realidad es el primero (Hannibal Rising, 2007) protagonizado por el actor francés Gaspard Ulliel ; nos encontramos en el por qué de su personalidad y desequilibrio mental, mostrando la vida de Lecter entre sus 6 y 20 años de edad.

Hondar en la vida de Lecter desde sus inicios no terminaría, solo es preciso destacar que la ciencia conductual nos ha enseñado que los asesinos en serie no nacen siéndolo; ellos se forman por una combinación de factores que comienzan en la niñez. El agente detonador de un asesino en serie es su vida interior de ficción, que es una respuesta directa a los acontecimientos traumáticos que ocurrieron cuando él era un adulto infantil o joven. El trauma de Hannibal Lecter pasó a la edad de seis años cuando fue testigo de la brutal muerte de su hermana Mischa en Hannibal Rising.

Sin duda un personaje fascinante con una genialidad exquisita para atraer a sus víctimas y desenredar los rompecabezas de los Agentes mejor conocidos como Clarice Starling (Jodie Foster,Silencio de los Inocentes) (Julianne Moore, Hannibal) y Will Graham ( Edward Norton, Dragón Rojo) nos impacta en cada thriller poniendo a trabajar nuestra mente de la misma forma. Ordenadas cronológicamente referente a la historia y la vida del caníbal: Su origen en “Hannibal, El Origen del Mal (2007)”,en segundo lugar, “Dragón Rojo (2002)” para ver los primeros pasos de Lecter en América y su relación con el F.B.I.en tercer lugar “El Silencio de los Inocentes (1991)” núcleo y trama principal de la saga y finalmente “Hannibal (2001)” esperada secuela de El Silencio de los Inocentes que cierra la saga.

Si gustas de este género en particular definitivamente estos grandes filmes deben formar parte de tu videoteca y disfrutar de las genialidades del Doctor Hannibal Lecter que deliciosamente nos horrorizan.

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Entrevista a

Por Frasko @fraskote Fotos Frida Escobar

En portada

a hí estaban los dos. Segundo piso de las oficinas de Terrícolas Imbéciles, paredes blancas, grandes ventanas, pocos muebles, pero mucha energía. 12:00 PM. Atento a su computadora

respondiendo algunos mensajes se encontraba Marc (vocalista de Dorian) frente a la mesa grande rectangular ubicada en la sala de trabajo, más personas lo acompañaban, todos se veían bastante concentrados. Jonathan Villicaña fue el cargado de darnos la bienvenida. Belly (tecladista de Dorian) por su parte, caminaba de un lado a otro. Ella lucía mucho más tranquila. Nosotros nos ubicamos en la sala de espera y preparamos el lugar utilizando la mesa de centro que se encontraba enfrente para instalar nuestro equipo. Todo esto, previo a la sesión fotográfica y a la plática que tendríamos con ellos.

Dorian es una agrupación española que nació en el año 2002, combinando ritmos pop y rock con música electrónica. Su lírica es factor importante para poder diferenciarse del gran número de bandas de la escena independiente de su país, convirtiendo algunos de sus temas en himnos generacionales. Su música no es del pop estilo Enrique Iglesias o David Bisbal; es más bien algo perfectamente estructurado y sumamente inteligente. Tiene los elementos necesarios para cautivar sin necesidad de caer en lo trillado.

“No me gustan los tatuajes de colores, pero los tuyos me agradaron bastante”, mencionó Marc justo antes de comenzar la entrevista. Belly se ubicó en el sillón que quedaba justo en medio de un refrigerador y una planta, los mismos que lucían como testigos silenciosos de nuestro trabajo. Bueno, el refrigerador no tanto.

El momento de la plática comenzó, y primeramente abordamos el tema relacionado con el porqué de su sonido, el cual es plenamente identificado en España, y que ahora buscan posicionar en otros países, como es el caso de México. Tras nuestro cuestionamiento sobre las razones por las cuales se decidieron a componer y hacer “electropop” y no otro género, Belly nos comentó: “Desde un principio teníamos claro que queríamos buscar un sonido propio, tenemos muchas influencias musicales, nos gustan cosas muy dispares, pero luchamos durante muchos años investigando cual era el sonido que nos definía, y yo creo que lo hemos conseguido, porque tal como bien lo dicen, tenemos un sonido muy peculiar que la gente identifica desde un principio”.


Por su parte Marc agregó: “Como banda somos una mezcla entre la escena de Barcelona y la escena de Madrid. De la primera absorbimos toda la cultura de la música electrónica, que es muy importante en dicha región, como lo son la abstracta y el techno que son realmente populares. De Madrid absorbimos todas las influencias que nos llegaron como legado musical de la tradición de la nueva ola española de los años ochenta. Creo que Dorian tiene mucho que ver con las dos cosas, con el rock, la música electrónica y la mezcla de ambas”.

La nueva ola española que mencionan tiene que ver con bandas tales como Radio Futura, Nacha Pop, Elegantes, Aviador Dro entre otras, en las que podemos identificar plenamente el sonido que influencÍa las tres producciones discográficas de Dorian que llevan por nombre: 10,000 Metrópolis (2004), El Futuro no es de Nadie (2006) y La Ciudad Subterránea (2009).

A manera de analogía relacionada con su último álbum de estudio, les preguntamos si la música independiente es La Ciudad Subterránea, a lo que

Marc respondió: “Nuestro disco se llama así porqué quisimos hacer un pequeño homenaje a la cultura underground, ya sea en forma de comics, películas, libros y por supuesto de música, así como de tiendas, disqueras; todo lo que tiene que ver con lo que ocurre en el “subsuelo” de la cultura, lo que está oculto a los medios masivos, eso es La Ciudad Subterránea. Dorian es un producto de toda esa sub cultura y de eso habla dicho álbum”.

Marc y Belly son personajes bastante gestuales. Mientras platicábamos siempre ejemplificaban con las manos. Si querían hacer énfasis en algo, se aseguraban de utilizar la mímica adecuada para que los conceptos nos quedaran totalmente claros. Mientras uno de los dos hablaba, el otro lo veía con detenimiento, como asintiendo con la mirada cada una de las palabras. También en algunos momentos volteaban a ver en otra dirección, sumergiéndose en sus pensamientos, como meditando las palabras que cada uno decía en sus respectivos turnos.


Ya entrados en conversación, les preguntamos si alguna vez habían visto los mercados ambulantes que se levantan en determinadas calles del Distrito Federal, a lo que nos respondieron afirmativamente. Aprovechando dicho contexto, cuestionamos que si ellos tuvieran que instalarse ahí a vender su disco, ¿cómo harían para que la gente se acercara a ellos y cómo los convencerían para que compraran su álbum? Belly tomo la palabra, y con un tono bastante seguro de si exclamó: “¡Hombre, seguro que tocando nuestra música directamente en el lugar, interpretar nuestras rolas y así conseguir gente que se acerque!”. Por su parte Marc añadió en un tono bastante ameno: “Ya nos hemos encontrado los discos de Dorian en esos puestos [en medio de risas]”.

Hace poco en la sección de #UnitedRockNews dentro del portal www.urlmagazine.com.mx, se posteó el video correspondiente al tercer sencillo “La Mañana Herida” que forma parte de su más reciente disco. Dicha canción integra una trilogía de videos grabados por una productora independiente ubicada en Barcelona. Sobre este tema, les pedimos nos platicaran cómo habían elegido las canciones que conformarían la trilogía, a lo que nos contestaron que en realidad la casa productora fue la que les propuso los sencillos. Los temas seleccionados fueron: “La Tormenta de

Arena”, “Paraísos Artificiales” y “La

Mañana Herida”.

La base para escogerlos fue que la productora se dio cuenta que la letra de la mayoría de las canciones que integran “La Ciudad Subterránea” tenían mucha relación. En palabras de Marc: “mantenían un hilo en común”. Para la casa productora encajaban muy bien los conceptos de las tres canciones, encontrando el llamado “hilo conductor” que va encadenando los eventos que se reflejan en los videos. Situaciones que tienen que ver con el conflicto de los personajes que enfrentan a la vida, y van en contra de las reglas, son la constante lírica que se convierte en argumento.


La teoría del tercer disco, esa de la que muchos hablan y pocos escriben, se convirtió en tema de nuestra conversación. En alguna entrevista que les hicieron declararon que “El tercer álbum es donde se acaba de construir el edificio y es momento de volver a definirse”, por lo que fue inevitable recordar discos como el “OK Computer” o el “The Suburbs”. Sobre esta teoría ahora aplicable a Dorian, Marc nos platicó: “Como músico, en el tercer álbum adquieres una madurez que te permite ver más cosas de las que veías en los dos primeros: sabes más de música y sueles ser mejor músico, y si eres un poco inquieto, o si la banda es inquieta, lo más normal es que de forma natural aparezcan esas ganas

de jugar con otras “cartas estilísticas, pero no diría que después de un tercer disco viene un empezar de cero”. Por su parte Belly tomó la palabra y añadió: “Es una pequeña búsqueda de identidad y estás tratando de encontrarte musicalmente” y es frecuente que durante el tercer disco las bandas culminen ese sonido, y esa vía que han estado buscando, y a partir de ahí, ya con una personalidad definida totalmente, atreverse a más. Lo que está claro y que incluso hemos hablado es que este último disco que hemos hecho es el reflejo de encontrar esa personalidad que estábamos buscando, y desde este momento hacer algo que vaya más allá”.

Esa evolución también tiene que ver con un nuevo proyecto que Marc y Belly están montando actualmente en Londres, que lleva por nombre After After Hours, y es precisamente la búsqueda de nuevas raíces musicales la que los han llevado a ese punto. La corriente a la que se han acercado en esta nueva etapa tiene que ver con raíces de música negra, la cual admiten, es algo totalmente nuevo para ellos, y que de acuerdo a las palabras de Belly: “Hace que nos redescubramos como músicos y seguramente eso repercutirá en Dorian”. Con relación a este tema, Marc apuntó: “After After Hours nos ha sacado de la rutina de Dorian, nos ha enfrentado al hecho de tener que aprender a tocar la guitarra de forma diferente, aprender a cantar de un modo distinto, al hecho de que Belly tenga que tocar los sintetizadores o líneas de otra forma. De alguna manera, nuestra experiencia en Inglaterra, está ampliando la paleta de sonidos y la paleta de estilos que podemos llegar a tocar como músicos”.

42 Features1er Ani

Con esa mirada pensativa, que refleja total seriedad y respeto a cada una de nuestras preguntas, Marc coloca el brazo derecho como soporte de su barbilla, con los dedos se cubre la boca, escuchando detenidamente la última pregunta. Belly por otro lado, mantiene las manos sobre sus piernas, con la ojos atentos al momento en que pueda comenzar a hablar, se nota que mientras las preguntas son formuladas, ambos ya tienen la mitad de la respuesta en el pensamiento.

La pregunta no es otra, una clásica de United Rock League, pero que por lo regular, los nuevos talentos siempre aprecian. ¿Cuál sería el mensaje para las bandas independientes que van comenzando sus proyectos? Marc toma la palabra y responde tajantemente: “Lo primero de todo es encontrar un sonido personal, si uno no lo tiene o no posee algo que lo distinga del resto -una personalidad genuina-, todo lo demás, no sirve para nada, ni millones de horas de trabajo, o buscar disquera ni millones de

tocadas. A partir de tener ya un sonido propio, uno tiene el cincuenta por ciento de la parte más dura del camino. Ya teniendo ese “algo singular”, en adelante les espera un auténtico viacrucis. Para poder recoger los frutos de

todo ese esfuerzo tienen que pasar unos cuatro o cinco años

de horas y horas de trabajo”. Belly complementa lo dicho por Marc

diciendo: “Aún con eso se tiene que creer mucho en el proyecto y no tirar la

toalla jamás, por que en los inicios de una banda hay momentos horrorosos en los que crees que todo está escuchando la gente. “

Las últimas palabras, aunque suenen duras, no son más que un reflejo de la realidad que tienen que atravesar las bandas que buscan trascender en la música. El trabajo de Dorian ha alcanzado a últimas fechas el reconocimiento debido. Cabe mencionar que durante 2011 se encuentran de gira por España, Reino Unido y México, donde pisaron uno de los escenarios más importantes de la escena nacional, como lo es el Festival Vive Latino, que con sus altos y bajos, sigue siendo espacio para que agrupaciones de habla hispana, como lo es el caso de Dorian, tengan una plataforma donde puedan mostrar su música ante un gran número de público.


MORTAL KOMBAT 9

D espués de las auto parodias y los niveles de exageración a los que ya nos tenían acostumbrados en las ultimas sagas de Mortal Kombat (Armageddon y Vs. DC Universe), se

nos había prometido un borrón y cuenta nueva para todos los fans de esta saga, volviendo a las raíces de esta franquicia .

Y realmente se reinventó. ¡ESTO ES MORTAL KOMBAT!! Las raíces, lo inicial, si existió algo después ya está borrado, dejemos atrás los pésimos juegos arriba mencionados, si algo nos han enseñado tantos y tantos juegos de peleas en los cuales quieren meter una gran historia que rodee el mismo es que, ese no es el camino correcto, un juego de peleas debe de tener una historia simple casi nula, realmente lo que un gamer quiere es golpes y sangre, ¿a quién le interesa la historia?

Pero les daré una breve introducción de lo que es Mortal Kombat para todos aquellos jugadores nuevos en este franquicia:

Mortal Kombat es un torneo de brutales y feroces batallas a muerte donde guerreros de distintos reinos te llevarán por grandes batallas, sin duda alguna.

Mientras que en el pasado Mortal Kombat fue comparado con Street Fighter, por compartir la escena fighting en arcade, su única competencia siempre fue en popularidad. MK ha entendido esto y mientras la serie de Capcom opta por gameplay y competitividad, el juego de NetherRealm apuesta todo al fan service y al contenido.

Esta nueva entrega está plagada de estos aspectos. Todos los personajes más populares de Mortal Kombat regresan con guiños a sus mejores momentos, auto referencias chistosas, atuendos clásicos y movimientos más exagerados. Los escenarios también son un gran tributo a aquellas grandes escenas que, si eres fan, tendrás grabadas en la mente y se ven mejor que nunca, me atrevería a decir que es de lo mejor que tiene el juego.

POR SERGIO HERNANDEZ @SERGIO810511



Finalmente, el gameplay. No hay que sonar despectivo, pero no es sorpresa que Mortal Kombat jamás fue un buen juego de peleas. La física de los personajes sigue siendo poco creíble. Los combos, al menos la mayoría de ellos, están preestablecidos y no hay tanto espacio para improvisar como se prometió en un inicio.

Aún así este Mortal Kombat es muy entretenido de jugar, obtener todo lo que te requiere te llevará un buen rato y muchos corajes. Al final un buen intento por regresar a las raíces del juego, pero seamos sinceros nunca veremos un Mortal Kombat como el de hace 20 años. Aún así, disfruten de sus Fatalities, Babalities y demás cosas que hace a esta franquicia un clásico.


UN MEXICANO... VUELVE A LAS ANDADAS

Por Fernando Velazco Carro

D espues de 30 años vuelve un Mexicano al Volante de la Formula Uno,su Nombre: Sergio Pérez Mendoza,éste piloto de apenas 21 años de edad,nacido en la Ciudad de

Guadalajara,Jalisco tendrá la misión de dar grandes satisfacciones a la escudería del suizo Peter Sauber y a todo Mexico ,que sin duda alguna despierta de nuevo el interés de seguir el Automovilismo de la formula Uno.

Sergio checo Pérez deberá aprovechar en cada carrera No solo dar el máximo,sino adquirir la experiencia de competir con grandes pilotos de talla mundial como es el caso de Sebastian Vettel,piloto Alemán, de Red Bull,escudería Austriaca, por cierto el piloto más joven de la historia en ganar el campeonato mundial de la Formula Uno,Vettel tiene de coequipero a un veterano australiano Mark Webber tercer lugar que ocupó en el 2010.

Pero si de experiencia y competencia hablamos el Checo Pérez tendrá que lidiar con apellidos y escuderías tales como el Español Fernando Alonso de la escudería Ferrari quien ocupó la segunda posición en la temporada 2010,Felipe Massa piloto brasileño es el coequipero de Alonso en la escudería del Simbolo del caballo furioso.

Lewis Hamilton,piloto Inglés quien ocupo el cuarto lugar,tratará esta temporada dar la satisfacción a su escudería McLaren-Mercedes y como coequipero tiene a un gran piloto que le siguió los pasos durante la temporada pasada ocupando el 5 lugar y estamos hablando de Jenson Button Paisano de Hamilton.sin duda una dupla letal.

Aunque su carrera ha ido en franco decenso,para muchos fue un gran error el haber regresado a las pistas cuando se retiró como el piloto más grande de la historia,éste piloto Alemán apodado el Schumi,sí Michael Schumacher a sus 42 años,intentará demostrar a sus detractores que aún tiene el

potencial que le llevó a conquistar el mundo del Automovilismo con la escudería Ferrari,pero hoy por hoy se vé muy complicado que brille con la escudería Mercedes-Petronas,cabe señalar que su coequipero Nico Rosberg tuvo mejor desempeño la temporada pasada quedando en séptimo lugar general por la novena que ocupó el gran Schumi.muchos pensamos que el hecho de que Sergio Pérez tenga la experiencia de competir con éste tipo de leyendas ya es de por sí una ganancia extra.

Williams,la escudería ganadora por excelencia,tiene en sus volantes al experimentado y viejo conocido en el mundo de la Formula Uno a Rubens Barrichello,Brasileño de 38 años de edad y a otro debutante y conocido en batallas de la GP2 Series con Sergio Pérez,el Venezolano de 26 años Pastor Maldonado también intentará mostrar su calidad y recuperar la confianza de patrocinadores que le dieron la espalda a ésta prestigiosa escudería.

Sergio el Checo Pérez ,se une a la lista de pilotos Mexicanos que compitieron en la F1,el primero de ellos lo encabeza Ricardo Rodriguez,hasta ahora considerado el mejor,pero el destino fue ingrato y Ricardo perdió la vida cuando tenía tan solo 20 años de edad.Pedro su hermano,piloto que al igual que Ricardo compitieron en la escudería Ferrari,de hecho dice una anécdota que Enzo Ferrari,en condicione de lluvia PedroRodriguez debía manejar,se hizo de gran fama por manejar sobre la lluvia,el mejor de su generación.en 1971 en Nüremberg,Alemania



murió manejando un Ferrari 512 –M del equipo Helbert Müller Racing.decía su gran amigo y coequipero Targa Florio que Pedro amaba de la buena ropa,comida,fiestas y musica , siempre cargaba una salsa Tabasco para darle sabor a la comida por si no había chiles que le dieran sazón a su comida.

Otro piloto que participó en la formula 1 fue Moisés Solana,incluso le ganó una carrera a Ricardo Rodriguez en el autódromo de la Magdalena Mixhuca,corrió para Lotus y murió en un accidente en una competencia en Valle de Bravo en 1969.Hector Rabaque fue el ultimo piloto en correr en la Formula Uno hasta que Sergio Pérez gracias en gran parte por el apoyo de la escudería Telmex buscará hacer historia en el mundo del Automovilismo.dicen los expertos como Joe Ramirez quien fue Coordinador General de McLaren por espacio de 18 años que un piloto de formula Uno requiere una serie de elementos para triunfar,Disciplina,Alimentación,Fuerza,Condición física,Alta Concentración.¿tendrá Sergio el Checo Pérez éstos elementos para llegar a la cumbre? Pienso que sí,solo será cuestión de tiempo.La temporada es larga y las pistas de Catalunya,Montecarlo,Shanghai,Silverstone,Monza,suzuka,Singapur,Nurburgring,Interlagos entre otras estarán esperando éste gran espectáculo,estos grandes Pilotos.

Les envio un fuerte abrazo amigos aficionados de URL-Magazinne.


50 Rocksound1er Aniversario



El trabajo de Hince durante el disco es bastante discreto, pero realmente es él quien tiene una responsabilidad enorme en que los sonidos generados de los instrumentos utilizados encajen de forma casi perfecta con la compañera de voz tan particular que tiene. El trabajo de Jamie es perfecto para el disco.

Esta banda que transita entre ritmos como lo son el garage rock, el post punk, y ahora con sonidos extras demuestran el porqué en la actualidad es considerada referente y es invitada a diversos festivales alrededor del planeta.

THE KILLSBlood Pressures


La espera terminó y The Kills estrenó un disco que muy seguramente estará considerado como uno de los mejores a nivel mundial en este temprano 2011. Se puede percibir una evolución creativa e interpretativa por parte de este dúo integrado por la estadounidense Alison Mosshart y el británico Jamie Hince. Tal parece que las lecciones aprendidas por Mosshart, del maestro Jack White durante su paso por The Dead Weather, se vieron reflejados en este material.

Si bien es cierto, el sello característico de The Kills vive en canciones como “DNA”, “Dammed If She Do” y “Future Starts Now”, que nos recuerdan mucho a los discos “Midnight Boom” (2008) y al “No Wow” (2005), también encontramos facetas diferentes de la banda como es el caso de la extraordinaria “Nail In My Coffin” que posee tintes propios, incluso en la voz de Alison y esas contra voces que realiza el señor Hince.

Otra canción que sin duda marca diferencia es “Baby Says”, la cual tiene toda la cara de una balada entre romántica y catastrófica, pero con un ritmo particular, que da otra percepción de este gran dueto. Asimismo “The Last Goodbye” con matices “melancoloídes” y destellos vintage en su composición, nos muestran la capacidad vocal de la señorita Mosshart.

Reco

men

daci

ónde

l mes

por Frasko @fraskote


Siete largos años pasaron desde el

último disco de esta banda, oriunda

de Sacramento California, formada

en 1991. En este sexto trabajo de

estudio se mantiene su esencia

New Wave Californiana que los ha

caracterizado en su exitosa carrera.

Showroom ofrece un rock efectivo y

dinámico con combinaciones de Folk,

de Country un poco de instrumental,

para prueba de ello tenemos el

track que abre este grandioso disco

“Federal Funding”.

Aunque muchos han clasificado a

Cake como una banda de “Covers”

o de “One Hits”, en este disco nos

demuestran que la composición

musical, no es problema alguno y nos

entregan un LP de gran calidad, con

tracks como: Teenage Pregnancy que

entra en los terrenos de canción de

cuna y la vigilia pascual; The Winter,

una balada que va disolviendo el

disco paulatinamente, son las últimas

perlas de Showroom of Compassion,

un regreso digno de esta gran banda

Californiana.

En definitiva no puedes dejar de

escuchar este gran trabajo de Cake, el

único pero que veo, yo es el tiempo

que dejaron pasar entre su ultimo LP

y Showroom of Compassion 7 años

solamente

CAKEShowroom of compassion

por Sergio Hernández @sergio810511

Es todo un reto para cualquier banda el hecho de sacar al mercado un nuevo

álbum, y sobre todo después de haber debutado con un disco homónimo

tan bien recibido como lo hicieron los integrantes de The Pains Of Being

Pure At Heart, allá por el 2009.

Ahora, después de dos años, la banda neoyorkina nos presenta su nuevo

material titulado Belong. Con un sonido no muy diferente pero si más

maduro, a comparación de las producciones anteriores, Belong nos

propone pasar buenos momentos escuchando hermosas expresiones

sonoras provenientes de guitarras distorsionadas, una batería bien

ejecutada, teclados y sintetizadores que crean un ambiente alegre y fresco,

todo combinado con una relajante voz interpretando letras que pueden ser

consideradas como románticas o melancólicas según tu estado de ánimo.

Es por eso que los chicos de The Pains Of Being Pure At Heart y su Belong,

han cumplido una vez más con el público, entregando un disco honesto

y sincero sin la necesidad de experimentar en cosas nuevas para tratar de

agradarle a la gente. BELONG

The Pains Of Being Pure At Heart

Por Joy


Es todo un reto para cualquier banda el hecho de sacar al mercado un nuevo

álbum, y sobre todo después de haber debutado con un disco homónimo

tan bien recibido como lo hicieron los integrantes de The Pains Of Being

Pure At Heart, allá por el 2009.

Ahora, después de dos años, la banda neoyorkina nos presenta su nuevo

material titulado Belong. Con un sonido no muy diferente pero si más

maduro, a comparación de las producciones anteriores, Belong nos

propone pasar buenos momentos escuchando hermosas expresiones

sonoras provenientes de guitarras distorsionadas, una batería bien

ejecutada, teclados y sintetizadores que crean un ambiente alegre y fresco,

todo combinado con una relajante voz interpretando letras que pueden ser

consideradas como románticas o melancólicas según tu estado de ánimo.

Es por eso que los chicos de The Pains Of Being Pure At Heart y su Belong,

han cumplido una vez más con el público, entregando un disco honesto

y sincero sin la necesidad de experimentar en cosas nuevas para tratar de

agradarle a la gente.

¡Vamos por el

tercero equipo,

vamos! Así es, este

año vió la luz el tercer

disco de la banda inglesa

The go! Team. “Rolling Blackouts”

continua con el sonido ya conocido

de esta agrupación, con canciones

acompañadas de gritos de porras,

melodías suaves y dulces con mezclas

bailables y los sonidos de los años

setenta.

La banda compuesta por su líder Ian

Parton (guitarra), Sam Dook (guitarra

y percusión), Kaori Tsuchida (batería

y teclados), Jaimie Bell (bajo), Chi

Fukami Taylor (batería) y Ninja (voz)

se han preocupado por dar un sello

distintivo a la banda a través de

canciones sencillas y amenas con un

sonido divertido y nada pretencioso.

T.O.R.N.A.D.O, primer sencillo de

este disco, es una mezcla bastante

agradable entre los beats y el rap que

representa a la banda, sí como “Ready

to Go Steady”,

The Cold Still es el tercer álbum de

estudio de The Boxer Rebellion. Fue

grabado y mezclado en los Real World

Studios (Peter Gabriel) y eso, de entrada,

ya es garantía de que estamos ante un

buen trabajo. Melancólico sin llegar a

triste, muy bien planeado, completo y

hasta inspirador. La combinación del sonido

inconfundible que tienen las bandas de

Londres con las influencias “forasteras”

de Nathan Nicholson, quien creció en

Tennessee, le dan a esta banda un toque

bastante particular que hace que sean

mucho más que “indie rock”. El recorrido

a lo largo del disco es muy dinámico, los

cambios de humor en cada canción lo

hacen fácil de escuchar. La voz y manera de cantar de Nathan

hace notar una gran influencia de

Morrisey, con toques repentinos de

Eddie Vedder y en algunos momentos

hasta de Dave Matthews, y aun así

suena original, por lo que es muy fácil

sentirse familiarizado con su música y

el disco puede llegar fácilmente a ser

parte de nuestra vida diaria.

Aunque no se nota demasiado cambio

respecto a sus otras producciones, sí

se nota una evolución, una banda que

sabe lo que hace y lo hace muy bien.

Hay que mencionar que es un disco

lleno de buenas canciones, no sólo dos

sencillos y canciones de relleno.

Las más destacadas son: Step out of the

car, Organ Song, Both Sides Are Even,

Secret Handshake.

THE BOXER REBELLION

Por Ozz Zavala @juliojulio_The Cold Still

“Buy Nothing Day” y aquella que

le da el título al disco son las más

destacables, así como la pieza

instrumental “Yosemite Theme”.

Este álbum, lanzado bajo el sello

Memphis Industries, podría aparecer

en alguno de los recuentos de los

mejores discos a finales del 2011.THE GO!! TEAM

Por Nadia XimenaRolling Blackouts


¿Qué Pasó con los Viejos Tiempos?

Tardaron 5 años en que The

Strokes, una de las mejores bandas

Neoyorkinas, diera de qué hablar.

Con proyectos individuales y rolas

de Navidad, de plano esta banda no

quería grabar nuevo disco.

Un mes antes de que “Angles” saliera a

la venta, en la página oficial apareció

como descarga gratuita el single

“Under Cover Darkness”. Aunque no

sonaba mal, el grupo se escuchaba

más agresivo y el sonido estaba mejor

construido.

“Angles” salió a la luz el pasado mes

de marzo, siendo la cuarta entrega

de esta banda. Si bien no es un disco

muy digerible, la verdad es que es

muy raro, tiene muchos cambios de

ritmos y las escalas de las canciones

se quedan pobres, vaya no hay ni un

corito de esos con los que The Strokes

se encarga de ambientar sus discos.

Con géneros bastante influenciables

como de new wave, punk e indie, The

Strokes nos trae 10 tracks que, como

ya dije, no son tan digeribles.

Con cinco años de descanso,

alcanzaron una madurez musical que

muy bien plasmaron en este disco. Un

ejemplo es el track “Metabolism”, para

mi es uno de los mejores del álbum; la

otra es “Machu Pichu”, track que invita

a salir de la rutina.

“You’re So Right” y “Games” se parece a un “White Album” de The Beatles: todos hicieron su proyecto individual, pero en vez de que se hiciera una rola por integrante, ellos aplicaron la de “que cada quien toque lo que quiera y a ver que sale”.En un principio el disco se empezó a grabar en los estudios Avatar de Nueva York con la producción de Joe Chiccarelli (U2, Beck, Bjork) y con Gus Oberg como ingeniero. Al final descartaron casi la totalidad de las sesiones y ellos mismos auto-producen en el estudio de Albert Hammond Jr.

THE STROKES

por Jimmy Lurias

AnglesThe Vaccines es una agrupación británica

que lanza su primer disco bajo el título

“What did you expect from the Vaccines?”.

Ha sido recibida por la prensa británica,

sobre todo por la NME y la BBC, como la

banda que dirigirá el rumbo de la música

“indie” durante la década. Su alineación

está compuesta por Justin Young (voz),

Árni Hjörvar (bajo), Freddie Cowan

(guitarra) y Pete Robertson (batería).

Esta banda emergente ha causado

revuelo ya que parte de la crítica musical,

que no pertenece a las mencionadas con

anterioridad, los catalogan como una

copia fiel de The Clash y los Ramones,

afirmaciones que no me han parecido

del todo erradas al escuchar Clash y los Ramones, afirmaciones

que no me han parecido del todo erradas

al escuchar con atención el disco, pues

en más de la mitad del disco no dejas

de recordar algunas melodías de ambas

bandas. Simplemente los sencillos “If you

wanna” y “Under Your Thumb”, resulta

poco imposible no reconocer a The

Smiths en “Post Break Up Sex”.

Ahora la pregunta sería: ¿acaso han

llegado a considerarse como la banda a

liderear el rock “indie” gracias a que tienen

detrás a los managers de bandas como

Franz Ferdinan y Kaiser Chiefs, además

de haber sido ganadores del Premio MTV

a la mejor banda a principios del 2011?

Para responder a ello no queda más que

esperar un segundo álbum en donde

podamos saber si era una simple chispa

que se valió de los sonidos clásicos de

rock o si en realidad son una banda que

se está formando y tiene un propuesta

propia.


Hercules & Love Affair es un grupo neoyorquino creado en el 2004 por Andy Butler. Actualmente cuenta con la participación de Kim Ann Forman, Mark Pistel, Aerea Negrot y Shaun Wright.

Después de deleitarnos con un gran material, como lo fue su disco debut y homónimo (DFA Records), en el cual nos dieron a conocer sencillos como Blind, en la cual participa Anthony Hegarty, canción que verdaderamente es una joya. Fue ganadora de “Mejor canción del año” en el 2008 por Pitchfork Media, gracias a la mezcla de ritmos como Electro y Disco. Además las voces logran hacer de ella una obra maestra digna de escucharse una y otra vez.

Ahora en Blue Song (Moshi Moshi Records), Hercules & Love Affair regresa con una propuesta que se vuelve hacia la música ochentera, del estilo Deep House de Chicago dejando una pregunta en el aire: ¿por qué decidieron trabajar de esta forma su nueva producción?; las rolas se encuentran lejos de ser propositivas, se vuelven monótonas y, en ocasiones, innecesariamente largas.

Aunque conservan su sonido house y electrónico, no provoca algo que te haga estar pegado a una bocina para seguir escuchando su propuesta. Es un disco que, definitivamente fue muy esperado pero que pasará como un disco con una propuesta diferente a lo que veníamos escuchando de ellos, que contiene canciones que son bastante rescatables, pero sin trascender mas allá de esto.

Blue Songs no es un mal disco, simplemente la agrupación dejó una expectativa muy alta debido a su disco debut. Esta producción es digna de ser escuchada y que ustedes mismo saquen sus conclusiones acerca de la propuesta que trae esta banda.

Lo único que puedo decir es que el disco en definitiva no es uno de mis favoritos, pero aun asi sigo siendo Fan de este proyecto y esperaré ansiosa la siguiente propuesta que lancen al mercado.

por Montserrat Vallecillo

Grabado en los Estudios Churubusco, el MTV Unplugged/Música de Fondo de Zoé refleja la esencia de León Larregui, Sergio Acosta, Jesus Báez, Ángel Mosqueda y Rodrigo Guardiola, quienes llevan sus éxitos a una versión acústica. Este disco es sin duda para verdaderos fans, pues contiene las canciones más representativas del grupo como son: “Dead, “Soñe”, “Luna”, “Vía Láctea”, “No me destruyas”, “Sombras”, “Veneno”, “Poli” y “Love”. No obstante, para nuevos oídos es una opción melódica para una tarde lluviosa.

Las sorpresas de este disco son excepcionales, pues la banda compartió el micrófono con Enrique Bunbury, Chetes, Lo Blondo de Hello SeaHorse, Adrian Dargelos, vocalista de Babasónicos, Andrés Sánchez y el productor Yamil Rezc. Además, se dieron el lujo de estrenar “Labios rotos”, canción que sigue la línea del Memo Rex Comander y que hasta podría ser la continuación alguna otra canción.

En cuanto a la parte visual, DVD del MTV Unplugged/Música de Fondo es una buena oportunidad para disfrutar de un show en el que cada integrante de la agrupación se luce en su especialidad, aunado a el contraste de las luces y el escenario circular que crean una atmosfera “intima” con Zoé. Cabe señalar, que esto aplica únicamente para los amantes de los videos musicales, pues de otra forma vale la pena sólo escuchar el disco o asistir a una presentación en vivo.

Con este material, el quinteto ha reafirmado su lugar en el rock nacional con un disco de oro, giras por España, Estados Unidos y Latino América y casi diez fechas en el Teatro Metropólitan. Asimismo, ha vuelto a deleitar a sus fans con versiones únicas, colocándolos, como muchos lo han dicho, en un lugar en la historia de la música.

Por Eunice Rugama


H ola, que tal todos los seguidores de URL MAGAZINE!!!; Esta ocasión ante de iniciar con la reseña acostumbrada que tenemos mes con mes, quiero comentarles que en cada uno y en los distintos géneros literarios nos encontramos

con distintas experiencias y emociones. Seguramente esta será una más para su colección memorial de historias, grases y novelas.

Demian.

Demian, es una novela sumamente interesante desde el punto de vista psicológico del personaje, principalmente por el año en que se publico 1919, esto bajo en contexto cultural del psicoanálisis de Carl Jung y de Nietzsche.

Emil Sinclar, narrador y personaje principal de esta novela cuenta sus polaridades, arrebatos, encuentros consigo mismo a lo largo de su niñez, enfrentarse a propio pensamiento y a su vez romper paradigmas que circulan en su pensamiento. Demian, personaje que sin temor a equivocarme es la contraparte o alter ego, lo lleva de la mano a la reflexión, madurez y razonamiento para romper el paso de niñez a madurez.Destaca en esta novela la lectura fluida, digerible y analítica como parte de un aprendizaje sobre algunas vivencias que como cualquier ser humano puede asociar a la fantasía y llevarla a la realidad.

Sin más argumentos por el número de páginas, es una corta pero sumamente interesante, cubre con todas y cada una de las reglas literarias y esta garantizada por el excelente trabajo de H. Hesse.

En notable que por la época en que se narra esta historia hay destellos de referencias religiosas, sin embargo no intervienen notablemente en el contexto y se lleva a la perfección la novela.

Hemann Hesse de origen Alemán, escritor, poeta y novelista, un clásico de la literatura.

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United Rock League Magazine - Mayo 2011