Marzo de 2015
GRANDES MÚSICOS DE LA HISTORIA
1. Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethoven (Bonn,
Alemania, 16 de diciembre de 1770-
Viena, Austria, 26 de marzo de 1827)
fue un compositor, director de orquesta
y pianista alemán. Su legado musical
se extendió, cronológicamente, desde
el período clásico hasta inicios del
romanticismo musical.
Considerado el último gran
representante del clasicismo vienés,
Beethoven consiguió hacer trascender
a la música del romanticismo,
motivando a la influencia de la misma en una diversidad de obras musicales a
lo largo del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las
sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto
resultó ser mayormente significativo en sus obras para piano y música de
cámara.
Su producción incluye los géneros pianísticos , de cámara , vocal (lieder y una
ópera: Fidelio), concertante y orquestal (9 sinfonías, oberturas, etc.), así como
el ciclo de las Nueve Sinfonías, entre ellas la Tercera Sinfonía, también
llamada Eroica, en mi mayor, la Quinta Sinfonía, en do menor y la Novena
Sinfonía, en re menor.
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2. Wolfgang Amadeus Mozart
Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo
nombre completo era Johannes
Chrysostomus Wolfgangus
Theophilus Mozart, (Salzburgo,
Austria; 27 de enero de 1756 –
Viena, Austria; 5 de diciembre de
1791), fue un compositor y pianista
austriaco, maestro del Clasicismo,
considerado como uno de los
músicos más influyentes y
destacados de la historia.
La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza
más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras
maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano,
operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales.
En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad
prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo
cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del
aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue
contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a
viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma
prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en
la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo
el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En
sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más
conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte
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han sido objeto de numerosas especulaciones y elevada a la categoría de
mito.
En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía
vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de
estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo
bien fundado por una visión de humanidad «redimida por el arte, perdonada y
reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»
3. Johann Sebastian Bach
Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig,
28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de
música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más
extraordinarias de la historia
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda
Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de
gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una
de las cimas de la música universal y del
pensamiento musical occidental,
epicentro de la música occidental, y uno
de los grandes pilares de la cultura
universal, no sólo por su profundidad
intelectual, su perfección técnica y su
belleza artística, sino también por la
síntesis de los diversos estilos
internacionales de su época y del
pasado y su incomparable extensión.
Bach es el último gran maestro del arte
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del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e
influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por
Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales
de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los
Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la
Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las
Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80,
140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para
violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites
orquestales.
4. Antonio Vivaldi
Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de
1741) fue un compositor y músico del Barroco tardío, uno de los pináculos del
Barroco, de la música occidental y de la música universal, su maestría se
refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su
época.
Compuso unas 770 obras, entre las
cuales se cuentan 477 conciertos y 46
óperas. Es especialmente conocido a
nivel popular por ser el autor de la serie
de conciertos para violín y orquesta
Las cuatro estaciones. Esta obra,
forma parte del ciclo de su opus 8 "Il
cimento dell'armonia e dell'inventione",
tiene una importancia capital por
suponer la ruptura del paradigma del
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Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto
Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la
melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el
acompañamiento según las reglas de la armonía.
Sin embargo, Las cuatro estaciones son un concierto para violín en el que la
orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un
relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la
obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de
Bach, ya que Bach estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a
partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el
concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto
Solli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto
para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre
solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser
considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta
y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se
intercambian entre un pequeño grupo de intrumentos . Llegar a este punto sin
embargo fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a
los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género
instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe
un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde
los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor,
donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines,
viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el
Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de
Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez,
al convertirse en maestro de, entre otros, Mozart y Beethoven, extiende la
influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido
la obra de Vivaldi.
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5. Frédéric Chopin
Fryderyk Franciszek Chopin (Wola,
Polonia, 22 de febrero de 1810 —
París, 17 de octubre de 1849) fue un
compositor y virtuoso pianista polaco.
Es considerado como uno de los más
importantes de la historia. Su perfecta
técnica, su refinamiento estilístico y su
elaboración armónica han sido
comparadas históricamente con las de
Johann Sebastian Bach, Franz Liszt y
Ludwig van Beethoven por su
perdurable influencia en la música de tiempos posteriores. La obra de Chopin
representa el Romanticismo musical en su estado más puro.
6. Niccolò Paganini
Niccolò Paganini, (Génova, 27 de
octubre de 1782 – Niza, 27 de
mayo de 1840) fue un violinista,
violista, guitarrista y compositor
italiano, considerado entre los más
famosos virtuosos de su tiempo,
reconocido como uno de los
mejores violinistas que hayan
existido, con oído absoluto y
entonación perfecta, técnicas de
arco expresivas y nuevos usos de
técnicas de staccato y pizzicato.
Nació en Génova, donde estudió
con músicos locales. Sus padres fueron Antonio Paganini y Teresa Bocciardo.
Empezó a estudiar la mandolina con su padre a los cinco años. A los siete
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años comenzó a tocar el violín. Hizo su primera aparición pública a los nueve
años y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía a los trece. No
obstante, hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín. Tuvo como
maestros a Giovanni Servetto y Alessandro Rolla. Con dieciséis años era ya
conocido, pero no digirió bien el éxito y se convirtió en un jugador que
continuamente se emborrachaba. Una dama desconocida lo salvó de esa vida
licenciosa para llevarlo a su villa donde aprendió a tocar la guitarra y el piano.
En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con
otros instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria
Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. En 1813
abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de
interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena,
más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y
compositor húngaro Franz Liszt, quien fascinado por su técnica, desarrolló un
correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En
1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola
y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca
la interpretó. Renunció a las giras en 1834.
7. Franz Schubert
Franz Peter Schubert (Viena, 31 de
enero de 1797 – ibídem, 19 de
noviembre de 1828) fue un compositor
austriaco, considerado como uno de los
continuadores del Romanticismo musical
iniciado por Beethoven. Gran compositor
de lieder , así como de música para
piano, de cámara y orquestal.Uno de los
principales músicos austriacos que vivió
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a comienzos del siglo XIX; fue el único nacido en la que fue capital musical
europea a fines del siglo XVIII y principios del XIX: Viena. Vivió apenas treinta y
un años, tiempo durante el cual consiguió componer una obra musical
excelente por su gran belleza e inspiración. Su talento creció a la sombra de
Beethoven, a quien admiraba; murió un año después que su ídolo. No fue
reconocido en vida: después de su muerte su arte comenzó a conquistar
admiradores. Escribió más de seiscientos lieder, de los cuales gran parte,
después de su muerte, quedaron inéditos.
8. Richard Wagner
Wilhelm Richard WagnerLeipzig, Reino
de Sajonia, Confederación del Rin, 22
de mayo de 1813 – Venecia, Reino de
Italia, 13 de febrero de 1883) fue un
compositor, director de orquesta,
poeta, dramaturgo y teórico musical
alemán. Su figura ha pasado a la
posteridad principalmente por sus
óperas (también calificadas como
«dramas musicales») en las que, a
diferencia de otros grandes
compositores, asume también la escenografía y el libreto.
Las obras de Wagner, particularmente las de su última etapa (que se
corresponde con la etapa romántica de su vida), destacan por su textura
contrapuntística, riqueza cromática, armonía y orquestación, y un elaborado
uso de los leitmotivs, temas musicales asociados a caracteres específicos o
elementos dentro de la trama. Wagner fue pionero en varios avances del
lenguaje musical, tales como un extremo cromatismo (asociado con el color
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orquestal) o el cambio rápido de los centros tonales, lo que influyó en el
desarrollo de la música docta europea.
Transformó el pensamiento musical a través de la idea de Gesamtkunstwerk
(«obra de arte total»), la síntesis de todas las artes poéticas, visuales,
musicales y escénicas queda plasmada en su monumental tetralogía El anillo
del nibelungo. Wagner incluso hizo construir su propio teatro de ópera para
escenificar estas obras del modo en que él las imaginaba.
9. Joseph Haydn
Franz Joseph Haydn (31 de marzo de
1732 – 31 de mayo de 1809) fue un
compositor austriaco de música clásica.
Es uno de los máximos representantes
del periodo clasicista, además de ser
conocido como el «Padre de la
sinfonía» y el «Padre del cuarteto de
cuerda» gracias a sus importantes
contribuciones a ambos géneros.
También contribuyó en el desarrollo
instrumental del trío para piano y en la
evolución de la forma sonata.
Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera
como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría.
Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de
su vida, estuvo, según dijo, «forzado a ser original» En la época de su muerte,
era uno de los compositores más célebres de toda Europa.
Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y
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de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang
Amadeus Mozart y fue profesor de Ludwig van Beethoven.
10. Claude Debussy
Claude-Achille Debussy (Saint-
Germain-en-Laye, Francia, 22 de
agosto de 1862 - París, 25 de
marzo de 1918) fue un compositor
francés.Era hijo de Manuel-Achille
Debussy y Victorine Manoury. Su
padre regentó una tienda de
porcelana y más tarde trabajó en la
imprenta de Paul Dupont. Llegó a
capitán de la guardia nacional al
servicio de la Comuna y fue
condenado por ello a cuatro años
de prisión, de los que cumplió el
primero. Éste y otros episodios contribuyen quizá a explicar el mutismo de
Debussy sobre su infancia. Aunque en ocasiones se ha calificado a sus padres
de modestos empleados sin ambiciones culturales o impulsos artísticos, esta
idea no parece cierta. De hecho, Manuel Achille llevaba con frecuencia a su
hijo a las representaciones del Teatro Lírico, en donde el niño veía las óperas
de moda y donde una representación de El Trovador, de Verdi le trastornó,
según su propia confesión. En algunas estancias en Cannes, en casa de su
querida tía y madrina Clementina Debussy, recibió sus primeras lecciones de
piano en 1870 y 1871. Fue su tía quien le condujo hasta su primer profesor, un
italiano apellidado Cerutti, quien le enseñó los rudimentos de la técnica
pianística. Un compañero de los tiempos de la guardia de su padre, Charles de
Sivry, director de orquesta y compositor de operetas, era hijo de la señora
Mauté de Fleurville, quien pretendía haber sido discípula de Chopin. Madame
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Mauté de Fleurville lo preparó durante un año para afrontar los exámenes de
acceso al Conservatorio de París, que Debussy aprobó con brillantez y al que
se incorporó el 22 de octubre de 1872.
11. Manuel de Falla
Manuel de Falla y Matheu (Cádiz,
España, 23 de noviembre de 1876 -
Alta Gracia, Argentina, 14 de
noviembre de 1946) fue un
compositor romántico español. Con
Isaac Albéniz y Enrique Granados,
es uno de los músicos más
importantes de la primera mitad del
siglo XX en España.
Manuel María de los Dolores Falla y
Matheu nació el 23 de noviembre de
1876 en el domicilio familiar de la Plaza de Mina número 3 en Cádiz, hijo de
José María Falla y Franco y de María Jesús Matheu y Zabala. Recibió sus
primeras lecciones de solfeo de mano de su madre, intérprete de piano, y su
abuelo. A los 9 años de edad continuó sus estudios musicales con una
profesora de piano llamada Eloísa Galluzo. Además su nodriza le enseñó
nanas y canciones populares que dejaron huella en él. En 1889 prosiguió sus
estudios de piano con Alejandro Odero y aprendió armonía y contrapunto con
Enrique Broca. A los quince años sus intereses eran principalmente la literatura
y el periodismo. Con un grupo de amigos fundó la revista literaria "El Burlón" y
en 1890 participó en una segunda titulada "El Cascabel", que terminó
dirigiendo. En 1893, tras asistir a un concierto en Cádiz donde se interpretaron,
entre otras, obras de Edvard Grieg sintió, según sus propias palabras, que su
"vocación definitiva es la música".
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12. Johann Strauss
Johann Strauss II (en alemán: Johann
Strauß Sohn, Johann Strauß hijo) (25
de octubre de 1825, St. Ulrich, Viena -
3 de junio de 1899, Viena) fue un
compositor austriaco conocido
especialmente por sus valses, como El
Danubio Azul. Hijo del compositor
Johann Strauss I y hermano de los
compositores Josef Strauss y Eduard
Strauss, Johann II es el más famoso de
la familia Strauss. Fue conocido en su
vida como "el rey del vals" y a él se
debe en gran medida la popularidad del
vals en la Viena del siglo XIX. Revolucionó el vals, elevándolo de una danza
campesina a una de entretenimiento apta para la Corte Real de los Habsburgo.
Sus obras gozan de mayor popularidad que las de sus predecesores, como su
padre y Josef Lanner. Algunas de sus polcas y marchas son también muy
conocidas, así como su opereta Die Fledermaus (El Murciélago).
13. Georg Friedrich Händel
Georg Friedrich Händel (pronunciación
alemana: [ˈhɛn.dəl]; Halle, 23 de
febrero de 1685 – Londres, 14 de abril
de 1759) fue un compositor de origen
alemán, posteriormente nacionalizado
inglés, considerado una de las cumbres
del Barroco y uno de los más
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influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de
la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su
música para satisfacer los gustos y necesidades del público en vez de los de la
nobleza y de los mecenas, como era habitual.
Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcellmarcó toda una era en
la música inglesasiendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en
Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la
homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria
italiana y el oratorio.
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e
inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos
los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son
lo más sobresaliente e importante de su producción musical
14. Johannes Brahms
Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de
mayo de 1833 - Viena, 3 de abril de
1897) fue un pianista y compositor
alemán del Romanticismo.
Era hijo del contrabajista Johann Jakob
Brahms (quien le dio sus primeras
lecciones de música) y de Hersika
Cristina Nissen. Su familia era pobre, y
su infancia transcurrió en los suburbios
de Hamburgo. Comenzó a estudiar
piano a la edad de 7 años con el
profesor Otto Cossel, y pronto se reveló
como pianista aventajado, por lo que,
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siendo aún adolescente, contribuyó a los ingresos familiares con el dinero que
ganaba impartiendo clases, tocando el piano en cafés, bares e incluso
burdeles.
Brahms dio recitales de piano en público a partir de los 10 años, interpretando
sobre todo música de cámara. Sus dotes para el piano desde niño fueron tales
que un empresario le ofreció la oportunidad de ganar dinero haciendo giras por
América, lo que fue rechazado por sus padres. También a esta edad empezó a
estudiar con un prestigioso profesor de Hamburgo, Eduard Marxsen, y
comenzó a componer, aunque durante un tiempo tampoco consiguió que el
público mostrase interés por sus obras. En 1853 realizó una gira de conciertos
como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante el viaje
tuvo ocasión de conocer a Joseph Joachim, que sería amigo suyo durante toda
su vida, y que le presentó a Robert Schumann. Este último, además de
compositor era editor de una revista prestigiosa de música, y atrajo la atención
de los críticos y empresarios de música sobre el joven Brahms, lo que
contribuyó notablemente a que Brahms se convirtiese en un compositor
conocido y apreciado.
Aunque la relación entre Robert Schumann y Brahms duró hasta el fin de los
días de Schumann, y Schumann le elogió y llegó a llamarle "El elegido",
augurándole un brillante futuro en la música, el vínculo más destacable fue el
que tuvo con la esposa de éste, Clara Schumann, una pianista reconocida en
aquellos momentos, compositora también y con la que estableció una larga y
profunda amistad que tuvo rasgos de amor platónico. Brahms solía presentarle
a Clara sus obras antes de estrenarlas; muchas veces Clara Schumann fue la
encargada de estrenar algunas de las obras pianísticas de Johannes. Brahms
se integró en el círculo familiar de los Schumann, por lo que sufrió junto con
Clara el intento de suicidio de Schumann y su posterior muerte en 1856.
Durante esta época viajó frecuentemente por ciudades alemanas, trabajando
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como músico en la corte de Detmold. También mantuvo un breve romance con
la cantante Agathe von Siebold.
15. Felix Mendelssohn
Felix Mendelssohn (Hamburgo, 3
de febrero de 1809 - Leipzig, 4 de
noviembre de 1847), cuyo nombre
completo era Jakob Ludwig Felix
Mendelssohn Bartholdy, fue un
compositor, director de orquesta y
pianista de música clásica alemán
del periodo romántico.
Era nieto del filósofo Moses
Mendelssohn y nació en el seno de
una destacada familia judía, que
más tarde se convirtió al
protestantismo, adoptando el apellido Mendelssohn-Bartholdy. En su infancia
fue considerado un prodigio musical, pero sus padres no trataron de sacar
partido de sus habilidades. De hecho, su padre declinó la oportunidad de que
Felix siguiera una carrera musical hasta que quedó claro que tenía la firme
intención de dedicarse seriamente a ella.
Al temprano éxito en Alemania le siguió un viaje a través de toda Europa;
Mendelssohn fue recibido particularmente bien en Inglaterra como compositor,
director y solista y sus diez visitas allí, durante las que estrenó la mayoría de
sus obras, formaron una parte importante de su carrera adulta. Fundó el
Conservatorio de Leipzig, un bastión de su lucha contra las perspectivas
musicales radicales de algunos de sus contemporáneos.
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Las obras de Mendelssohn incluyen sinfonías, conciertos, oratorios, oberturas,
música para piano y música de cámara. También tuvo un importante papel en
el resurgimiento del interés en la obra de Johann Sebastian Bach. Sus gustos
musicales esencialmente conservadores lo separaron de muchos de sus
contemporáneos más aventurados, como Franz Liszt, Richard Wagner o
Hector Berlioz. Después de un largo periodo de denigración debido al cambio
de los gustos musicales y el antisemitismo a finales del siglo XIX y comienzos
del XX, su originalidad creativa tiene un buen reconocimiento, ha sido evaluada
de nuevo y se ha convertido en uno de los compositores más populares del
periodo romántico.
16. Gioachino Rossini
Gioachino Rossini o Gioacchino
Rossini (nacido como Gioavacchino
Antonio Rossini en Pésaro, Italia, el
29 de febrero de 1792 y fallecido en
París, Francia, el 13 de noviembre
de 1868), fue un compositor italiano,
conocido especialmente por sus
óperas y particularmente, por las
bufas, pero con numerosas y
determinantes aportaciones al
mundo de la ópera seria.
Todo ello le hizo asumir el "trono" de
la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género
que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás
aspectos musicales.
Rossini nació en Pésaro, hijo de Giuseppe, apodado "El vivaz", cornista de
oficio, y de Anna Guidarini, cantante en los teatros locales. Tocando en la
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banda municipal a los seis años, Rossini mostró un extraordinario genio
musical desde la más temprana edad y estudió música con su padre. Aprendió
a tocar la espineta con el vinatero Giuseppe Prinetti; posteriormente estudió
con el canónigo Giuseppe Malerbi, en cuya biblioteca leyó las partituras de
grandes compositores del pasado. En Bolonia, tuvo por primer profesor a
Angelo Tesei e ingresó en el prestigioso Liceo musical, bajo la tutela del
sacerdote Stanislao Mattei, ganando un premio por una cantata a los dieciséis
años de edad.
Siendo clavecinista acompañante en teatros, Rossini es llamado para
componer una ópera breve en 1810 y, dado el éxito que logra, seguirá
componiendo, particularmente en Venecia y Milán, con éxitos sonados en la
mayoría de los casos (su séptima ópera conquistó La Scala con cincuenta y
tres funciones iniciales) y repentinos fracasos, pero afianzándose como el
primer compositor de su tiempo, a pesar de no contar siquiera veinticinco años
de edad. En esos momentos, Rossini lleva a la perfección musical el género
bufo. Tuvo la ventaja de contar, ya en esta primera etapa, con grandes
cantantes, en quienes pensaba al momento de desarrollar la melodía de los
personajes, considerando las posibilidades de sus voces. Algunos de ellos
eran Marietta Marcolini, Filipo Galli y Paolo Rosich.
En 1815, es contratado por el sagaz empresario Domenico Barbaia para
componer en Nápoles para los teatros que administraba él con subvención
gubernamental, el Teatro de San Carlos y el Teatro Del Fondo, en donde
produce óperas serias de inmenso valor para las voces más imponentes
puesto que, en la compañía de Barbaia, se encontraban las más grandes
luminarias del tiempo como Manuel García, Isabella Colbran (ulterior esposa
de Rossini), Giovanni Rubini, etc. Mientras tanto, Rossini también recorre Italia
creando óperas de todos los géneros (serio, semiserio, bufo), cuya influencia
fue absoluta para todos los compositores posteriores y aun contemporáneos, y
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representando las ya creadas que contenían melodías que se convertían en
hitos inmediatos y permanentes.
En 1816, estrena en el Teatro Argentina de Roma, con argumento de Cesare
Sterbini, una de las más famosas obras del repertorio operístico, El barbero de
Sevilla. Basada en la trilogía literaria del barón francés Pierre-Augustin de
Beaumarchais, cuya segunda parte, Las bodas de Fígaro, fue musicada por W.
A. Mozart, fue durante sus primeras representaciones un fracaso.
Posteriormente, Verdi y otros compositores, la alabarían efusivamente hasta
alcanzar una inmensa fama. Previamente puesta en música por el respetado
compositor napolitano Giovanni Paisiello, el Barbero, como muchas otras
óperas de Rossini, borró del cartel permanentemente las obras de grandes
compositores como Zingarelli, Mercadante, Mayr, Paër, Mosca, Coccia y el
propio Paisiello.
Caricatura de Rossini en la portada de Le Hanneton, 1867. Algunas de las
obras de Rossini, conservador por naturaleza, pero innovador por sus enormes
dimensiones creadoras, sientan las bases del Romanticismo desarrollado por
sus sucesores compositores
En 1823, presenta su última ópera en Italia, Semíramis y se traslada a Francia
(desde donde viajaría en 1824 a Londres en una exitosa gira que le produce
reconocimientos extraordinarios y jugosos estipendios); en París compone una
ópera que celebraba la coronación de Carlos X, así como la composición de su
última ópera bufa y la reelaboración de otras dos obras italianas; y en 1829,
Guillermo Tell, que supuso su definitiva consagración.
Curiosamente, esta sería su última ópera, aun cuando le quedaban cuatro
decenas de años de vida por delante. Aún hoy es un misterio por qué dejó
Rossini de componer óperas tras Guillermo Tell; son muchas las teorías que
tratan de dar respuesta a este interrogante, desde el hastío, hasta la falta de
necesidad dada la riqueza que ya había acumulado, pasando por abundantes
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dificultades de salud (gonorrea y ciclos maníaco-depresivos) o quizá porque las
circunstancias políticas así lo determinaron. Sin embargo, aunque no volvió a
componer otra ópera, no abandonó el mundo musical, haciéndose cargo de la
dirección del Théâtre-Italien y el Liceo de Bolonia y componiendo muchísimas
obras breves (sin dejar a un lado su otra gran pasión, la gastronomía), así
como varias obras religiosas y profanas notabilísimas.
Había contraído nupcias con la cantante española Isabella Colbran en
Castenaso, en 1822, pero se separaron legalmente en 1837, marchándose él a
vivir con Olympe Pélissier, con quien se casó en 1846, una vez que murió
Isabella en 1845. Durante su vida, Rossini recibió las condecoraciones más
importantes en Francia e Italia y un gran reconocimiento por parte de sus
colegas de profesión; así, tras la entrevista que Rossini y Richard Wagner
tuvieron en 1860, el último declaró que de todos los compositores que había
conocido en París, el único verdaderamente grande era Rossini, a quien veía
muy serio y sencillo, pero mal comprendido por el público.
Rossini falleció en Passy, cerca de París, en 1868. Mientras miles de voces
entonaban la plegaria de su ópera Moisés, fue enterrado en el parisino
Cementerio del Père-Lachaise. Sus restos fueron trasladados en 1887 a
Florencia, donde descansa en la Basílica de la Santa Croce, junto a otras
glorias de Italia: Galileo Galilei, Dante y Miguel Ángel. Dejó un legado
monetario realmente considerable, del que destinó fondos para la creación de
un asilo para músicos retirados (existente aún hoy) y otras obras de
beneficencia. Había sobrevivido a muchos de sus sucesores en el trono de la
ópera italiana (Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Giacomo Meyerbeer), al
tiempo que coincidió con la aparición de Giuseppe Verdi y de Richard Wagner.
Giuseppe Verdi convocó a los mejores compositores italianos a componer una
misa de Réquiem en honor del Cisne de Pésaro. Dadas las circunstancias
políticas adversas, no se estrenó esa obra y Verdi usó su contribución, el
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Líbera me, en su propio Requiem dedicado a Manzoni. El director Helmuth
Rilling ha exhumado y grabado la obra en la actualidad.
Nicoló Paganini, Frederic Chopin, Mauro Giuliani, Louis Niedermayer, Ottorino
Respighi y otros renombrados compositores han creado variaciones,
orquestaciones y adaptaciones de mútiples obras rossinianas. Y los afamados
tournedos Rossini, así como muchos otros platos de cocina, son designados
en honor al célebre compositor, que era un consumado gastrónomo.
17. Modést Mussorgsky
Modest Petróvich Mussorgsky, en ruso: Модест Петрович Мусоргский
(Karevo, Pskov, 21 de marzo de 1839 — 28 de marzo de 1881), fue un
compositor ruso.
Modest Mussorgsky nació el 21 de
marzo de 1839 (9 de marzo, según el
calendario juliano, que se utilizó en
Rusia hasta 1918), en la aldea rusa de
Karevo (Pskov, al norte de Rusia), en
una región campesina donde vivió sus
primeros diez años. Ya mayor, volvía
con frecuencia y permanecía largas
temporadas, saturándose la
sensibilidad y el humor de la gente de
su pueblo, para evocarlas después en
la música que componía.
De salud quebrantada y una vida de estrechez, a su carácter nervioso se unía
una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente
del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los
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pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de
escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima
creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen
fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza.
A los 27 años de edad, la hermana de Borodín describió a Mussorgsky como
«un brillante oficial en el regimiento de Preobrazhensky», actividad que
alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del
padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la
música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo.
Modest Mussorgsky, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un
prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes
compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron
invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando
prematuramente su vida.
Mussorgsky cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre.
El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Mussorgsky pocos días antes del
deceso de éste, que en contraste evidente con la descripción anterior, lo
muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y
en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce.
Murió el 28 de marzo de 1881, pocos días después de cumplir los 42 años de
edad.
18. Giacomo Meyerbeer
Giacomo Meyerbeer (de nombre
de pila: Yaakov Liebmann Beer)
(Vogelsdorf-Tarsdorf, Berlín, 5 de
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septiembre de 1791 – París, 2 de mayo de 1864) fue un compositor alemán,
favorito del público parisino por la composición de óperas en el estilo Grand
Opéra. Su obra más conocida es Les Huguenots.
Hijo de un acaudalado comerciante de azúcar de Berlín, fue niño prodigio y a
los 9 años era ya pianista. Discípulo de Muzio Clementi, que sería uno de sus
profesores de piano, desde muy pronto manifestó su atracción hacia el teatro.
Sin embargo, halló su propio estilo sólo gradualmente, tras unos inicios
convencionales bajo la influencia de su amigo Carl Maria von Weber.
Se le considera el creador del melodrama musical romántico, por lo general
basado en un tema histórico y montado de forma grandilocuente, con
efectismos teatrales que deslumbraron a sus contemporáneos; se
sobrecargaba el escenario de personajes, había escenas de fuerte contraste,
desde inundaciones hasta incendios. Es la última variante de la ópera seria: la
ópera histórica de vasto aliento conocida como grand opera. Combina con gran
habilidad los estilos francés e italiano con meticulosidad alemana.
Ayudó a Richard Wagner durante su estancia en París, si bien el fracaso de
éste fue evidente ante un estilo hoy considerado encorsetado que nada tenía
que ver con la complejidad dramática del drama wagneriano.
Entre 1836 y el fin de siglo, Meyerbeer fue una potencia mundial en música,
estando considerado como el compositor más importante de la vida musical
europea, con cifras astronómicas de representaciones. Sus grandes éxitos
fueron Robert le diable, Les Huguenots y Le Prophète. Se convirtió en Director
General de Música en Berlín en 1842.
Meyerbeer murió en París el 2 de mayo de 1864 mientras trabajaba en su
última gran ópera, La Africana, que se convertiría en uno de los mayores éxitos
de la historia de la ópera.
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19. Giovanni Battista Pergolesi
Giovanni Battista Pergolesi (Jesi, 4 de enero de 1710 - Pozzuoli, 16 de marzo
de 1736) fue un compositor, violinista y organista italiano del período Barroco.
Estudió música en Jesi con
Francesco Santini, y luego viajó a
Nápoles, donde estudió a partir de
1725 con Gaetano Greco y
Francesco Feo entre otros. Pasó
gran parte de su vida en el entorno
de la corte de Nápoles, al servicio
de aristócratas como los príncipes
de Stigliano y el duque Marzio IV
Maddaloni Carafa.
Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de
óperas italianas se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la
escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera
italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más
famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en París de esta
ópera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que
confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria
francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-
Philippe Rameau, y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana,
generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-
Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano
durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante
dos años. Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de
espina bífida), Pergolesi murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.
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20. Jean-Baptiste Lully
Jean Baptiste Lully (Florencia, Italia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de
marzo de 1687) fue un compositor francés de origen italiano, uno de los
introductores de la ópera en Francia.
Nació en Italia (su verdadero nombre
era Giovanni Battista Lulli). Viajó a
Francia con 11 años, pues había
llamado la atención del Caballero de
Guisa, y en 1652, con 20 años, entró al
servicio de Luis XIV como bailarín de
ballet y violinista. Más tarde dirigió una
de las orquestas reales y en 1662 fue
nombrado director musical de la familia
real. Sobresalía por entonces como
violinista, director y compositor. A los
29 años se había casado con la hija de
Michel Lambert, compositor y alto
funcionario de la Corte.
Cortesano astuto, consiguió mantener el favor real a lo largo de toda su vida, lo
que le permitió manejar la suerte de otros compositores franceses. Compuso
ballets, como Alcidiane (1658), para la corte, que en ocasiones él mismo
interpretaba ante el rey. En colaboración con el escritor francés Molière (Jean
Baptiste Poquelin) compuso una serie de ballets cómicos, como Les fâcheux
(1661), Le mariage forcé (1665) y Le bourgeois gentilhomme (1670). Se hizo
prácticamente con el monopolio de las artes musicales en Francia y explotó la
grandeza y la teatralidad de la corte de Luis XIV.
En 1672 consiguió mediante intrigas el puesto de director de la «Académie
royale de musique» y a partir de ese momento volcó su atención en la ópera.
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El compositor ya había conseguido un título de nobleza y se había hecho con
numerosas propiedades en París y en sus alrededores. Sus óperas (a las que
denominaba tragédie lyrique) estaban basadas en las tragedias clásicas de sus
contemporáneos, los dramaturgos franceses Pierre Corneille y Jean Baptiste
Racine. Excepto en Psique (1678), Belerofonte (1679) y Acis y Galatea (1686),
su libretista fue el poeta Philippe Quinault. Desde el punto de vista musical, sus
óperas son solemnes y majestuosas, con un énfasis especial en la claridad del
texto y las inflexiones de la lengua francesa. Sus elaborados espectáculos de
danza y sus coros de gran majestuosidad tienen su raíz en el ballet de cour
(ballet cortesano). Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera
de la época, en donde se daba prioridad al lucimiento del cantante. Entre sus
obras cabe citar Perseo (1682), Amadís de Gaula (1684) y la ya mencionada
Acis y Galatea.
La importancia de Lully reside en las mejoras que impuso. En la ópera francesa
abandonó el recitativo secco y lo sustituyó por un recitativo con
acompañamiento artístico. En los ballets, introdujo danzas más rápidas que las
que se interpretaban. También estableció la forma de obertura francesa. Lully
evolucionó desde su fidelidad inicial al estilo de sus compatriotas Luigi Rossi o
Francesco Cavalli hasta una perfecta asimilación del estilo y del gusto frances.
Lully dominó toda la vida musical en Francia en la época del Rey Sol. Fue
creador de diversas formas musicales, que organizó o ideó, como la «tragédie
lyrique», el gran motete y la obertura a la francesa. Su influencia sobre el
conjunto de la música europea de su tiempo fue grande.
Tras su llegada a Francia en 1643, entró como ayuda de cámara al servicio de
Mademoiselle de Montpensier, que deseaba perfeccionar sus conocimientos
de la lengua italiana. A la edad de 13 años, ya manifestó serias dotes para la
música, y así aprendió a tocar el violín. Luego se reveló como un excelente
bailarín y entró a formar parte de la Grande Bande des Violons du Roi, que se
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componía de 24 instrumentos. En 1653, Lully bailó con el rey: el Ballet de la
Nuit.
Obtiene rápidamente la dirección de una nueva formación: La Bande des Petits
Violons. Perfecto cortesano y hábil hombre de negocios, muy pronto se
convirtió en el primer compositor de la corte, y sus aires y bailes consagraron
su reputación. Apoyado por Luis XIV, llegó a ser compositor de cámara y
finalmente Superintendente Real de la Música.
Naturalizado francés en 1661, se casó algunos meses después con Madeleine
Lambert, cuyo padre era el director musical de Mademoiselle de Montpensier.
A partir de 1664, trabajó regularmente con Molière, creando el género de la
comedia ballet, sin renunciar por ello a los bailes de cortesanos.
Compró a Perrin en 1672 el privilegio de la «Académie royale de musique».
Colmado de honores y riquezas, compuso entonces una ópera al año más o
menos, sometiendo con su autoridad a todos los compositores dramáticos de
su época: Marc-Antoine Charpentier, André Campra, Clérambault.
En 1681, Lully alcanzó el cenit de su carrera, al convertirse en secretario del
rey. Murió por una gangrena en París, en 1687, a consecuencia de una herida
que se hizo en el pie con su bastón de director de orquesta, una pesada barra
de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella; esto le
provocó una infección que acabó lentamente con su vida, ya que su
pensamiento de ser bailarín impidió cortar su pierna para poder salvarse. La
fama de Lully se debe principalmente a su contribución a la música religiosa y
escénica.
21. Bed ř ich Smetana
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Bedřich Smetana (pronunciado [ˈbɛdrq ɪx ˈsmɛtana]; 2 de marzo de 1824 – 12 de
mayo de 1884) fue un compositor checo pionero en el desarrollo de un estilo
musical que quedó íntimamente ligado a las aspiraciones independentistas de
su país. Por ello, se lo reconoce en su país como el padre de la música checa.
Internacionalmente es conocido por su ópera La novia vendida y por el ciclo de
poemas sinfónicos Má vlast (‘Mi patria’) que representan la historia, leyendas y
paisajes de la patria natal del compositor.
Smetana poseía un talento natural
para el piano y dio su primer recital
a los seis años. Tras recibir una
educación convencional en la
escuela, estudió música con Josef
Proksch en Praga. Escribió su
primera composición nacionalista
durante el levantamiento de Praga
de 1848, en el que participó por
poco tiempo. Ante la imposibilidad
de iniciar su carrera en Praga, se
dirigió a Suecia, donde se
estableció como profesor y director
de coro en Gotemburgo y empezó a escribir obras orquestales de gran escala.
Durante este periodo de su vida, Smetana se casó dos veces y tuvo seis hijos,
de los cuales tres fallecieron durante su infancia.
A principios de la década de 1860 un clima político más liberal en Bohemia
alentó a Smetana a regresar permanentemente a Praga. Se entregó a la vida
musical de la ciudad, principalmente como defensor del nuevo género de la
ópera checa. En 1866 sus dos primeras óperas, Los brandenburgueses en
Bohemia y La novia vendida, fueron estrenadas en el nuevo Teatro Provisional
de Praga, alcanzando esta última gran popularidad. Ese mismo año, Smetana
llegó a ser el director principal del teatro, pero los años de su dirección
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estuvieron marcados por la polémica. Las facciones encargadas de la creación
musical de la ciudad consideraban que su identificación con las ideas
progresistas de Franz Liszt y Richard Wagner eran hostiles al desarrollo de un
estilo de ópera checa distintivo. Esta oposición interfirió con su trabajo creativo
y pudo haber acelerado la degradación de su salud, precipitando su dimisión
del teatro en 1874.
A finales de 1874, a los 50 años de edad, Smetana se volvió completamente
sordo, pero, liberado de sus funciones de teatro y la polémica que causaba,
comenzó un período de composición constante que se prolongó durante casi
todo el resto de su vida. Sus contribuciones a la música checa iban siendo
cada vez más reconocidas y respetadas, pero un colapso mental a principios
de 1884 condujo a su internamiento en un asilo y su posterior fallecimiento. La
reputación de Smetana como el padre fundador de la música checa se ha
fortalecido en su país natal, donde los defensores lo han convertido en icono
por encima de sus contemporáneos y sucesores. Sin embargo, relativamente
pocas de las obras de Smetana se encuentran en el repertorio internacional y
la mayoría de los expertos extranjeros tienden a considerar a Antonín Dvořák
como el compositor checo más importante.
22. Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini
Vincenzo Salvatore Carmelo
Francesco Bellini (n. Catania, Reino
de las Dos Sicilias, 3 de noviembre
de 1801 - † Puteaux, Francia, 23 de
septiembre de 1835). Compositor
italiano.Hijo del organista Rosario
Bellini, recibió las primeras
lecciones de música de su padre y
de su abuelo, Vincenzo Tobia.
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Bellini fue un niño prodigio y cuenta la leyenda que a los dieciocho meses era
capaz de cantar un aria de Valentino Fioravanti, que comenzó a estudiar teoría
musical a los dos años de edad, piano a los tres y que a los cinco era capaz de
tocarlo con soltura. Su primera composición data de cuando tenía seis años.
Con una beca que le proporcionó el Duque de San Martino ingresó en Colegio
de San Sebastián de Nápoles, donde estudió armonía con Giovanni Furno,
contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre Nicola Zingarelli.
Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara, un famoso concierto
para oboe y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama.
Compuso para virtuosos del bel canto, expresión lírica que exige una gran
precisión y agilidad vocal. Intentó minimizar las diferencias clásicas entre las
partes cantadas y recitadas —arias y recitativos—, manteniendo la tensión
dramática.
El estreno de su primera ópera, Adelson e Salvini, se produjo en 1825.
Domenico Barbaja, director del Teatro de San Carlos de Nápoles y de La Scala
de Milán, se interesó por ella, encargándole varias obras posteriormente.
Su obra más difundida es Norma, en la que destaca la muy célebre aria Casta
Diva, donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy
romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano
dentro del repertorio. Durante el siglo XX destacaron en este papel María
Callas, que fue la más famosa Norma del siglo; y Joan Sutherland quien
recuperó el carácter puramente belcantista del papel, enterrado por los
excesos veristas de las generaciones de cantantes anteriores.
Luego de tratar de introducirse en el ambiente operístico de Londres con
escasa resonancia, Bellini se retiró a París. En Francia le sorprendió la muerte
a los 34 años, tras una breve enfermedad.
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