EXPLICA LAS CARACTERÍSTICAS DE LA RENOVACIÓN ESCULTÓRICA EMPRENDIDA POR RODIN

La escultura durante gran parte del siglo XIX sigue los dictados academicistas de herencia neoclásica.

David d’Angers: Frontón del Panteón, 1837

Mientras que en las demás artes se sucedían las corrientes más innovadoras, la escultura permanece fiel a la tradición clásica, a la estética idealista y canónica y a los motivos mitológicos y literarios, y seguía centrada en la figura humana, que representaba mediante contornos precisos y en posturas convencionales, de acuerdo con los corsés académicos. El arte escultórico parecía congelado en el tiempo.

La influencia del Romanticismo se hace notar a través de figuras, como François Rude, que esculpe en el Arco de Triunfo el grupo conocido como La Marsellesa, o La marcha de los voluntarios de 1792.

La temática y el sentimiento que la anima (el pueblo siendo guiado hacia la victoria, ensalzando hacia la lucha por la victoria revolucionaria) pueden considerarse románticos, aunque sus tipos y sus vestimentas de aspecto romano siguen los cánones neoclásicos.

François Rude: La Marsellesa, 1832

Jean-Baptiste Carpeaux se desmarca del clasicismo y trata de recuperar la alegría, movimiento, dinamismo y la sensibilidad del barroco y del rococó en obras como La Danza, que realiza para la Ópera de París.

En otras obras, como Ugolino y sus hijos, recupera los modelos miguelangelescos y la herencia del helenismo, acentuando la expresividad.

Carpeaux: La Danza, 1869

Carpeaux: Ugolino y sus hijos, 1862

Otros artistas, como el belga Constantin Meunier, socialista militante, buscan su inspiración en los personajes del mundo del trabajo, representados de modo grandioso, casi heroico, al estilo de los atletas y dioses de la mitología clásica, de un modo semejante al de los pintores realistas: es el héroe trabajador convertido en escultura.

Meunier: El estibador, 1885

La mayor parte de la escultura del último tercio del siglo XIX seguirá las reglas académicas, basados en modelos de carácter ecléctico, eminentemente clasicistas.

Si bien estos escultores tendrán gran éxito entre el público y los críticos oficiales, apenas aportan innovaciones plásticas y se dedican a repetir una y otra vez los temas, las formas, los cánones derivados del “buen gusto” academicista.

Antonin Mercié: David vencedor, 1872

Albert-Ernest Carrier-Belleuse: Leda y el cisne, 1870

Al igual que los impresionistas desean renovar la pintura y crear obras de arte acordes con los tiempos modernos, Auguste Rodin revolucionará la escultura, liberándola de las reglas academicistas y abrió los caminos a nuevas formas expresivas, acordes con la nueva sociedad moderna y dinámica de final de siglo XIX y abriendo nuevas vías de expresión a la escultura contemporánea.

Antonin Mercié: David vencedor, 1872Rodin: La edad de bronce, 1877-80

Gracias a su obra, la escultura pudo ponerse al día en algunos de los importantísimos progresos estéticos que la pintura o la literatura habían incorporado a lo largo del siglo:

• La profundidad psicológica de la novela naturalista.

• La valoración del defecto propia del realismo.

• El gesto impresionista, de origen pictórico.

EL NACIMIENTO DE LA ESCULTURA MODERNA En torno a la exposición Rodin y la revolución de la escultura. De Camille Claudel a Giacometti. Fundación “la Caixa”

Rodin: La que fue una bella cortesana, 1887

Ya su primera gran obra, La edad de bronce, sorprendió y escandalizó por su alejamiento del eclecticismo academicista.

Se llegó a decir que, debido a su perfección, los moldes habían sido sacados directamente del cuerpo del modelo y no de la arcilla modelada por el artista.

Varios artistas (como Degas) tuvieron que intervenir y el propio Rodin tuvo que presentar fotos para demostrar la falsedad de las acusaciones.

Rodin: La edad de bronce, 1877-80

Con Rodin desaparecen aspectos hasta ahora indiscutibles en la escultura, como el canon clásico: las esculturas pasan a ser de carne y hueso, se humanizan.

Rodin se forma en el academicismo, pero tras un viaje a Italia, estudia la obra de Donatello, Verrocchio y –sobre todo- Miguel Ángel, quien le sorprende por su terribilitá, su capacidad de captar la fuerza interior y por el non finito, el aspecto no acabado de varias de sus obras.

Rodin: Dánae, 1885 Miguel Ángel: Esclavo

«A Miguel Ángel le debo el haberme librado del academicismo, de él aprendí reglas diametralmente opuestas a las que me habían enseñado, y eso significó para mí una

liberación.»

Lorenzo de Médici

Jeremías de la Capilla Sixtina

La noche, Tumba de Giuliano de Médici

MIGUEL ÁNGELRodin: El pensador, 1880-88

La principal lección que aprende de Miguel Ángel es que la escultura no consiste solo en valores plásticos, ni estéticos, ni normas académicas; ni siquiera un reflejo realista de la realidad.

La obra escultórica debe reflejar con toda su fuerza un estado interior, y para eso utiliza todos los recursos plásticos (luz, textura, volumen, modelado, formas…) de modo expresivo, libre, sin sometimiento a reglas académicas: toda la obra, cada detalle, debe dirigirse a ese fin.

Rodin: La Defense, 1879

“En vez de visualizar las diferentes partes del cuerpo como superficies más o menos planas, las imaginaba como proyecciones de unos volúmenes internos... Y ahí reside la verdad de mis figuras: en vez de ser superficies, parecen surgir de dentro a afuera, exactamente como la propia vida".

Son la personalidad y la imaginación del artista las que crean la nueva realidad que es la escultura, no su sometimiento a reglas estrictas.

Para ello, si es preciso, se llegan a deformar las formas, a exagerarlas o a simplificarlas, para hacerlas expresivas.

Tampoco la escultura debe someterse a las leyes de la apariencia realista, sino expresar la intensidad vital, el estado interior, del modo más expresivo posible. Rodin: Monumento a Balzac, 1891-97

Rodin: Monumento a Balzac, Primera versión

Resalta la expresión por encima del naturalismo.

Todos esperaban una reproducción del escritor, pero Rodin interpretó su espíritu.

Un Balzac embutido en una túnica, como era habitual en él, con las manos ocultas. La prensa la calificó de “saco de carbón”, “feto”, “larva informe”, “pingüino”.

Sintetiza la fuerza creadora de Balzac en su rostro, al que dirige todas las miradas.

Sintetiza en ese rostro toda su arrebatadora fuerza creadora, convirtiendo la imagen en un símbolo de la obra de Balzac.

Rodin: Monumento a Balzac, 1891-97

«Nada de lo que hasta entonces había hecho me había satisfecho tanto, porque nada me había costado tanto trabajo, nada expresa mejor la quintaesencia de lo que yo considero la ley secreta de mi arte.»

“He subrayado el relieve de los músculos que expresan desesperación… Exageré la tensión de los tendones para enfatizar el carácter suplicante de la oración…”

Rodin: El hijo pródigo, 1885-87

Resalta la expresión frente a la esclavitud por representar objetivamente la realidad.

El naturalismo de las figuras de Rodin es un naturalismo animado por una intensa vida interior.

Para Rodin, el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario:

Es el artista el que escoge, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y por medio de su imaginación es capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo.

No le interesan la anatomía ni las facciones per se, sino que todo el cuerpo humano y cada una de sus partes se convierte en herramienta de expresión de la psicología, de los sentimientos, de las pasiones, de los dilemas del ser humano…. convirtiendo sus figuras en símbolos, en iconos intemporales sobre la humanidad.

Rodin: El pensador, 1880-1900

“Siempre ha tratado de expresar los sentimientos internos a través

de la tensión muscular”

Rodin: El pensador, 1880-1900

Toda la obra y cada uno de sus músculos, en tensión, parecen estar haciendo el esfuerzo de pensar.

La obra representaba a Dante reflexionando sobre la el destino del mundo en la Divina Comedia en Las puertas del Infierno (1880) y posteriormente se convierte en estatua individual.

Convierte la obra en un símbolo universal y atemporal del ser humano y del pensamiento, un símbolo que tanto puede representar el primer pensamiento humano como al hombre actual sumido en las preguntas fundamentales de la existencia.

Rodin es también el escultor de las pasiones humanas.

Convierte a los amantes de la Divina Comedia de Dante (Paolo y Francesca da Rimini) en símbolo de la pasión arrebatadora, en una entrega plena y total a través del entrelazamiento de sus cuerpos, de todos sus miembros, que se funden en el acto del amor, ajenos al resto del mundo.

La pasión surge de la materia como una fuerza vital colosal que envuelve a los amantes y los arrastra a esa unión plena en que sus cuerpos y sus almas se funden en el acto del amor.

Rodin: El beso, 1888-98

Rodin considera que la escultura debe tener múltiples puntos de vista, concibiendo la escultura en su globalidad, como algo redondo, que incorpora al espectador y lo convierte en activo.

Cada ángulo, cada punto de vista debe estar perfectamente estudiado y la obra solo puede ser captada completamente contemplándola desde todos ellos, transmitiendo al espectador diferentes visiones que aportan infinidad de matices a la escultura.

“Hacía sucesivos apuntes de todas las caras de su obra y a su alrededor daba muchas vueltas para obtener vistas conectadas en círculo. Su deseo era que una estatua se levantara totalmente y aguantara la contemplación desde cualquier punto: debía guardar una relación con la luz y con la atmósfera que la rodeaba”. Camille Mauclair, 1905

En Los burgueses de Calais (1895) crea un grupo escultórico situado no en un pedestal, sino al mismo nivel que el espectador, que –para captar la intensidad de global de la obra, así como la profundidad psicológica de cada uno de sus personajes- debe participar, rodeándola para recrear la totalidad de la obra de arte: según el punto de vista, el observador tendrá una sensación diferente de la composición.

Convierte a los personajes de un episodio de la Guerra de los Cien Años en un símbolo de la humanidad y de las diferentes actitudes y sentimientos ante un trágico destino: no narra una escena histórica sino que convierte la angustia ante la muerte y el espíritu de sacrificio en un valor intemporal.

Para expresar esas diferentes actitudes humanas ante su destino inevitable, acentúa al máximo la expresividad, llegando incluso a la deformación en sus miembros, rostros, ropajes... anticipando tendencias de la escultura del siglo XX.

“El escultor debe de aprender a reproducir los sentimientos en la superficie, lo que quiere decir que todo debe vibrar en la superficie de la pieza, el alma, el amor, la pasión, la vida… por tanto la escultura es el arte de los huecos y los montículos y no del pulido y la suavidad”.

En su tratamiento de la materia escultórica, Rodin aplica una técnica que también contribuye a la expresión y que abrirá las puertas a la renovación de la escultura:

• Concede gran importancia al modelado de las superficies mediante la luz.

• Multiplica los ángulos y los planos en las superficies moldeando el barro con las manos, consiguiendo efectos rugosos, de aspecto inacabado, llenos de planos y contrastes lumínicos.

• La forma casi se esfuma a través de los planos y la luz.

Emplea habitualmente la técnica del “non finito”, inspirada en Miguel Ángel, obteniendo efectos de contraste de superficies, de claroscuro, de movimiento, abandonando el naturalismo tradicional en aras de una escultura mucho más expresiva.

Conscientemente dejaba inconclusas sus esculturas o parte de ellas, pareciendo surgir de la propia materia escultórica.

“La verdad de mis figuras reside en que en lugar de ser superficie, parecen surgir de dentro a fuera, exactamente la propia vida”.

Rodin: Fugit Amor, 1886

También se interesa de modo especial por la fugacidad, por el movimiento, tratando de reproducir no solo un momento congelado, sino toda una secuencia, que origina una gran multiplicidad de posibilidades interpretativas y sensoriales.

“El tiempo nunca se detiene.”

“Lo que debe hacer el escultor es

recomponer el desarrollo del movimiento

integrando las diversas secuencias

del mismo en la escultura y

representando simultáneamente

los distintos momentos de la

acción.”

Rodin: Iris, mensajera de los dioses, 1895

Rodin: El hombre que camina, 1877-78 y 1907

Rodin busca mediante toda su obra sugerir el movimiento por medio de una estatua inmóvil. Para ello invita a sus modelos a moverse libremente por el taller y capta al vuelo la verdad de un gesto o de una postura.

Realiza numerosos dibujos para capturar un movimiento, para captar un instante de la trayectoria de un bailarín en plena evolución; estos bocetos son una especie de «instantánea» desprovista de la más mínima anécdota.

En los «movimientos de danza» rechaza las limitaciones tradicionales de la escultura e «inmoviliza» los cuerpos en movimiento: los brazos de las bailarinas son totalmente irreales, y deforma su anatomía para sugerir mejor su gestualidad.

EL NACIMIENTO DE LA ESCULTURA MODERNA En torno a la exposición Rodin y la revolución de la escultura. De Camille Claudel a Giacometti. Fundación “la Caixa”

Otros aspectos innovadores de la obra de Rodin son:

• El empleo de fragmentos, obras que, conscientemente, carecen de determinadas partes, como si estuvieran inacabadas, probable influencia de la escultura antigua y de Miguel Ángel.

• La práctica del ensamblaje: Rodin reaprovechó muchas de sus obras en nuevas composiciones, que a veces convertía en nuevas esculturas y otras veces llegaba a combinar con otras en nuevas creaciones.

Rodin: Torso de Adèle, 1884

“Como ocurre con los pintores impresionistas, en la obra de Rodin el tema no parece ser una cuestión importante, sino más bien un pretexto para realizar sus fascinantes exploraciones sobre la forma.

El fragmento, utilizado deliberadamente y como objetivo en sí mismo, obliga a fijar nuestra atención en los elementos básicos constituyentes de la escultura y convierte el tema en algo irrelevante. Ya no hay anécdota que nos distraiga de nuestra contemplación. A la escultura fragmentaria ya no le pedimos que nos cuente una historia sino que nos transmita emoción y sea un estímulo para nuestros sentidos.”EL NACIMIENTO DE LA ESCULTURA MODERNA En torno a la exposición Rodin y la revolución de la escultura. De Camille Claudel a Giacometti. Fundación “la Caixa”

“El fragmento había sido, por excelencia, el pedazo de estudio, el boceto preparatorio; en

Rodin, fundamento de su modernidad, el fragmento deviene obra,” María Iglesias

Rodin: Torso (1878-9)

“Su escultura se expresa precisamente allí donde no dice nada y en los interrogantes, que invitan al espectador a su participación activa.Éste será el interlocutor directo de una obra sin anécdota, sin excusas que, a partir de ahora, llamaremos obra abierta. Así pues, si sus esculturas se caracterizan por la vaguedad, lo fragmentario o lo inconcluso, el espectador ya no recibe mensajes completos y cerrados sino estímulos, incitaciones para una interpretación imaginativa. El espectador, que cobra una importancia hasta ahora inusitada en la historia del arte, ya no es un sujeto pasivo que debe ser aleccionado sino un individuo que puede contribuir a la interpretación de la obra.”EL NACIMIENTO DE LA ESCULTURA MODERNA En torno a la exposición Rodin y la revolución de la escultura. De Camille Claudel a Giacometti. Fundación “la Caixa”

Rodin: La Tierra, 1894

Rodin: Mano de Rodin con figura femenina, 1917

Con su escultura (calificada por unos de impresionista; por otros de simbolista) Rodin rompe con la escultura tradicional, valorando los valores propios de la escultura: la masa, el volumen, el espacio, las superficies y texturas, los efectos de la luz.

Las figuras se introducen en el espacio o dejan que el espacio se introduzcan en ellas: la masa corpórea no es cerrada y compacta – como en la escultura tradicional- sino articulada en huecos y protuberancias.

Rodin: Iris, mensajera de los dioses, 1895

Rodin rompe con la escultura tradicional de líneas cerradas, y recupera los valores propiamente escultóricos de masa y de volumen, en un intento similar al de los pintores que en las mismas fechas estaban logrando liberar el lenguaje autónomo de la pintura, basándolo únicamente en la importancia del color y las formas.

Es lo que se ha dado en llamar “autonomía del arte”, y que es un principio fundamental del arte contemporáneo.

Rodin: La Catedral, 1908

Se le considera un precursor de la escultura moderna por:

• Recuperación de los valores propiamente escultóricos: el espacio, el volumen, el modelado, las texturas, la luz, las formas…

• Liberación de la escultura de la mímesis.

• Disolución de las formas.

• Incorporación de la luz mediante su tratamiento de planos y superficies.

• Visión múltiple de la escultura.

• Expresividad, no limitada por la imitación de la realidad.

• Incorporación del espectador a la obra escultórica.

El hombre que camina, Giacometti y Rodin

Brancusi: TorsoRodin: Torso de Adèle

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