2.LITERATURA

1. INTRODUCCIÓN A LOS ESTUDIOS LITERARIOS

1. 1 El lenguaje literario: forma y contenido. LA LITERATURA Y EL LENGUAJE LITERARIO

La palabra literatura se formó en latín derivándola de littera, 'letra'. Significó, primero, la ciencia que poseían los letrados, absolutamente vedada a los iletrados. Poseerla equivalía a pertenecer a una aristocracia. intelectual.

Su significado actual no se forjó hasta fines del XVIII (a la vez que el término ciencia se difundía para designar los saberes que hoy llamamos científicos). Antes se usaron otros términos, como poesía, poesía dramática o lírica, comedia, etc., es decir, nombres de géneros, pero faltaba la palabra que designara la total actividad del escritor. El objeto existe, pues, desde la más remota antigüedad, pero su denominación es moderna.

¿Qué es Literatura? Esta pregunta, de apariencia sencilla, lleva siglos planteada sin que haya recibido contestación satisfactoria.

Una definición que se remonta a Aristóteles la caracteriza como arte de la palabra_. Así como las demás artes emplean otros materiales -colores la Pintura, sonidos la Música; masas sólidas la Escultura y la Arquitectura-, la literatura_utiliza el lenguaje como material. Pero esta respuesta nos remite a otra pregunta aún más conflictiva; tendríamos que ponernos de acuerdo, en efecto, acerca de qué es el arte. Y la Estética o ciencia del arte no ha dado respuestas que hayan recibido un consenso general.

Hay teóricos de la Literatura que niegan la posibilidad de definirla: existen obras que, en un momento dado, han sido estimadas y valoradas como literarias y que, más tarde, han dejado de ser apreciadas como tales. A la inversa, escritos que, en su origen, no fueron tenidos por literarios -cartas, por ejemplo- se literarizan pasado el tiempo. Y en un momento dado, hay obras -novelas, canciones, obras de teatro, etc. que una parte de la sociedad estima mucho, mientras otra no las entiende o las desdeña. En tales condiciones,

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la Literatura no admitiría una definición general: habría que definirla en función de una época y de una sociedad dadas. Sería, por tanto, un concepto relativo, no un concepto absoluto: tendríamos que hablar de obras que son literarias en tal lugar, en tal sociedad y aun para tal clase socio-cultural

Sin embargo, quienes así piensan ¿no están confundiendo Literatura con valor literario? El que una obra no nos guste hoy aunque en su época fuera apreciadísima, significa sólo que ha perdido valor para nosotros, que se ha desvalorizado, no que haya perdido los rasgos que la caracterizan como obra literaria. El que una obra guste a unos y a otros no, quiere decir que para los primeros posee valor, y no para los segundos; pero no dejará de ser literatura. Lo relativo, en este caso, consiste, pues, en que la obra sea buena o mala.

La Literatura, efectivamente, puede ser definida o descrita como un tipo especial de comunicación, con independencia de su calidad.

Toda obra literaria es un mensaje que lanza un emisor destinado a un receptor. Se trata, por tanto, de un acto de comunicación, claramente diferenciado de la comunicación que establecemos con el uso ordinario del lenguaje. [Repasemos los factores o elementos de la comunicación ya estudiados].

El emisor literario recibe nombre peculiar de autor, palabra ésta de la familia etimológica de autoridad. Es pues, un emisor de especial relieve, en el que se reconocen (con o sin ella: ya hemos dicho que no nos interesan ahora las cuestiones de valor) cualidades singulares Es, en efecto, un creador, en el sentido que produce una obra no existente antes, con la intención de que perdure. En un mensaje ordinario lo que nos interesa es su eficacia, no su perduración, no nos importa su forma, sino su contenido. Por ello, una conversación corriente o una carta familiar o una noticia periodística no son obras, no son creaciones. En este sentido, la Literatura es creación.

El contexto en la comunicación literaria, está formado, pues, por la obra y el lector. Quiere ello decir que son potencialmente innumerables los contextos en que puede actuar la obra literaria: tantos como lectores.

Del mismo modo, el uso del código es diferente en las comunicaciones normal y literaria. El código, literario, en efecto, es, básicamente, el estándar común. Pero matizado con peculiaridades particulares de la lengua escrita culta (en sintaxis, sobre todo), con el empleo de palabras poco usuales (cultismos, voces inusitadas, extranjerismos, arcaísmos, etc. ), y con artificios, en general, que violan lo que es corriente en la lengua. Para muchos lingüistas, el lenguaje literario constituye un desvío respecto del estándar común; para otros, se basaría ampliamente en el común, pero con rasgos específicos que justificarían considerarlo como una lengua aparte.

1

En vista de cuanto llevamos dicho, podemos definir la obra literaria como un acto peculiar de comunicación lingüística, con una serie de rasgos que la configuran como

> resultado de una creación, destinada, en la intención del autor, a la perduración;



> desinteresada, esto es, de eficacia no práctica (aunque pueda tenerla de otra clase: formación y satisfacción del contagio ideológico, etc. );

> de naturaleza estética, es decir, destinada a proporcionar al público placer de orden espiritual.

Una obra literaria (cualesquiera que sean sus dimensiones: un soneto, igual que una larga novela), como cualquier otro mensaje consta de un contenido y de una forma. En la obra literaria, la solidaridad entre contenido y forma es absoluta: si expreso de otro modo un poema o el Quijote, aunque el contenido sea el mismo, los habré destruído.

No existen contenidos específicamente literarios: cualquier experiencia común, cualquier sentimiento, cualquier suceso trivial, cualquier intervención o fantasía pueden convertirse en literatura si hallan un autor capaz de hacerlo.

Por el contrario, existen formas específicamente literarias. Queremos decir que lo que convierte un contenido cualquiera en literatura es la forma. Por forma entendemos

los materiales lingüísticos (palabras, construcciones, etc. ): y la estructura.

La estructura es la manera de distribuir tanto el contenido como los materiales lingüísticos a lo largo de la obra literaria, combinándose mutuamente.

Así, por ejemplo, en la siguiente estrofa de Antonio Machado: ¡Castilla varonil, adusta tierra, Castilla del desdén contra la suerte, Castilla del dolor y de la guerra, tierra inmortal, Castilla de la muerte!, son fenómenos pertenecientes a la estructura los siguientes

- el reparto de los materiales lingüísticos en bloques (versos de once sílabas, seguidos de pausa); el hecho de que rimen los versos Io -3o y 2°-4°;

la adopción del apóstrofe (el poeta invoca a Castilla, se dirige a ella, en lugar de decir, por ejemplo, «Castilla es una tierra varonil, una adusta tierra»)', la inversión del orden de palabras (adusta tierra, en vez de tierra adusta),

la adopción del extraño giro Castilla del desdén, Castilla del dolor y de la guerra, Castilla de la muerte, en vez de «Castilla, que es tierra desdeñosa, en la que abunda el dolor, amiga de la guerra y de la muerte»;

la repetición del giro Castilla+complemento en todos los versos (y, en los tres primeros, iniciándolos);

la antítesis: tierra inmortal, Castilla de la muerte.

En una novela, son hechos de estructura la distribución del argumento en capítulos, el reparto de la acción entre los personajes; la alternancia de diálogos y descripciones; la adopción, por ejemplo, de una forma autobiográfica, o epistolar, etc.

Todo, en una obra literaria, tanto su totalidad como sus más pequeñas partes -incluso un



breve párrafo- está estructurado.

Y el motivo es fácil de comprender: si la obra literaria está destinada a perdurar tal cual es, y debe ser leída o reproducida siempre en sus propios términos, debe contar con una arquitectura que garantice su permanencia, que mantenga su identidad. Su morfologia o estructura debe ser sólida y bien definida.

Para unos, el lenguaje literario es un desvío, y, para otros, una lengua aparte. Tal vez sea abusivo hablar del lenguaje literario como una entidad existente y definible frente al lenguaje no literario; quizá sólo sea posible definir el lenguaje literario de un autor o de una obra concretos, ya que el tejido formal varía mucho de época a época y de escritor a escritor.

Pero, en cualquier caso, existe siempre en la lengua o en las lenguas literarias una función estructurante, que hoy suele denominarse función poética.

La función poética del lenguaje (que no es exclusiva de la poesía, sino que puede darse en cualquier manifestación literaria en prosa o verso, oral o escrita) desempeña su misión estructuradora cuando el emisor (=autor) emplea el código para atraer la atención del receptor sobre la forma del mensaje.

Llamar la atención es producir extrañeza. Y efectivamente, el escritor, para prendernos en cómo dice

las cosas, tiene que usar el código de modo extraño, o, por lo menos, diferenciado de su uso normal. En

ciertos casos extremos, puede llegar a la ininteligibilidad; ya lo veremos al hablar de las literaturas barroca y

surrealista.

El autor emplea, pues, artificios extrañadores. El más evidente es el verso, que impone al lenguaje

violencias tales como la isometría (=número igual de sílabas), las rimas, los acentos en lugares fijos, pausas

que a veces no coinciden con las que exige la sintaxis, etc.

Pero, en la prosa, e incluso entre escritores que tienen fama de ser sencillos y llanos, los artificios en

el manejo del idioma resultan visibles.

Examinemos un texto de Camino de perfección (1902), de Pío Baroja, por su ejemplaridad: El inmenso poblachón estaba silencioso, mudo. Hacía luna llena; los



faroles de la calle, por este motivo, se hallaban sin encender. El pueblo, iluminado fuertemente por la claridad blanca de la luna, aparecía extraño, fantástico, con la mitad de las calles a la sombra y la otra mitad blanco azulada. En la zona de sombra, encima de algunos portales, veíanse escintilar y balancearse vagamente farolillos encendidos, que iluminaban los santos y las hornacinas.

El pasaje es, evidentemente, muy sencillo y «natural»; pero se observarán en él rasgos inequívocamente literarios:

el asíndeton (=unión sin conjunciones): silencioso, mudo; o este otro: extraño, fantástico (en la lengua ordinaria diríamos silencioso y mudo; extraño y fantástico);

la adjetivación ornamental; inmenso poblachón, claridad blanca, farolillos encendidos (que iluminaban... );

las series binarias: silencioso, mudo; extraño, fantástico; mitad de las calles a la sombra y la otra mitad blanco azulada; es cintilar y balancearse; los santos y las hornacinas: formaciones (veíanse) y palabras de uso poco común (blanco azulada, vagamente) e incluso raras: escintilar ni siquiera figura en el Diccionario; es derivada del latín scmtilla "centella", y significa, por tanto, centellear, lucir fugazmente'.

Medios para producir "extrañeza" en la lengua literaria

Son muchos. Ya liemos visto algunos:

♦ empleo de palabras poco usuales: arcaísmos, neologismos, voces inusitadas y cultas, etc.; y de construcciones sintácticas no habituales en la comunicación ordinaria;

♦ búsqueda de ritmos marcados mediante series de términos (binarias, ternarias, etcétera). Añadamos estos otros artificios:

♦ uso de epítetos; he aquí otro pasaje del «natural y sencillo» Baroja, cuajado de epítetos, es decir, de adjetivos ornamentales, descriptivos, no imprescindiblemente necesarios para la comprensión del mensaje:

♦ Era un paisaje de una desolación profunda; las cruces de piedra se levantaban en los áridos campos, rígidas, severas; desde cierto punto, no se veían más que tres [... ]. Fernando componía con la imaginación el cuadro del Calvario. En la cruz de en medio, el Hombre-Dios que desfallece, inclinando la cabeza descolorida sobre el desnudo hombro; a los lados, los ladrones luchando con la muerte, retorcidos en bárbara agonía [... ]; los soldados romanos, con sus cascos brillantes; el centurión en brioso caballo, contemplando la ejecución, impasible, altivo, severo [... ]

♦ frecuente utilización de figuras retóricas (véase el Apéndice);

♦ repeticiones parciales de lo ya dicho; véase, como ejemplo, la estrofa anterior de Antonio Machado (Castilla varonil, adusta tierra, /Castilla del desdén contra la suerte, / Castilla del dolor y de la guerra, / tierra inmortal, Castilla de la muerte). Las repeticiones son, a veces, muy sutiles. Se reiteran, por ejemplo, esquemas gramaticales. Así, en estos



versos de Rubén Darío, el esquema vocativo + que + verbo

Rey de los hidalgos, señor de los tristes,

que de fuerza alientas...............

Noble peregrino de los peregrinos que santificaste....................

Nótese también la composición reiterativa de los Rey de los..., señor de los..., peregrino de los...

♦ En el verso se repiten además ciertas estructuras: número de sílabas, lugar de las pausas y de los acentos, y los fonemas finales (rima).

Forma de la lengua literaria

La lengua literaria exhibe más o menos sus artificios formales (lenguaje y estructura), en función de muchas variables.

Así hay géneros que se prestan a una literarización mayor: la lírica admite más artificios que la. novela: el teatro poético, más que el teatro realista, etc

En ciertas épocas, se prefiere la llaneza expresiva; en otras, se estima más la complicación formal. Y en cualquier época, hay autores que acumulan artificios {«Honra me ha causado hacerme oscuro a los ignorantes», decía Góngora en el siglo XVII), y otros que pretenden acercarse a la simplicidad de la lengua oral (en el mismo siglo, Quevedo se dirigía a Lope de Vega diciéndole: «A los claros, Dios nos tenga de su mano»). Este ideal lo expresó, en el siglo XVI, el humanista Juan de Valdés, definiendo así su estilo: Escribo como hablo. Pero se trata de un intento ilusorio: el simple hecho de escribir aleja ya de las fórmulas orales; y si además se escribe literariamente, los artificios se descubren siempre más o menos disimulados, porque el artificio es connatural a la Literatura. Si no chocan las palabras, téngase la seguridad de que existirán otros recursos: epítetos, paralelismos, símiles, antítesis, repeticiones de esquemas gramaticales, etc. En caso contrario, el mensaje no sería literario, no llamaría la atención sobre sí mismo.

APÉNDICES

1. - Se recomienda un repaso de la Métrica. Véase, al menos, un esquema de las estrofas

COMBINACIONES MÉTRICAS DE VERSOS

N° Forma Esquema Tipo rima

2 Pareado AA, aa, Aa, aA C/A

3

Terceto ABA C

Tercetos encadenados ABA, BCB, CDC.. c

Tercerilla a-a c



Soleá a-a A

4

Cuarteto ABBA (abrazada) c

Redondilla abba (abrazada) c

Serventesio ABAB (encadenada) c

Cuarteta abab (encadenada) c

Seguidilla -7 a5 -7 a5 encadenada) A

Copla -a-a (encadenada) A

Cuaderna vía AAAA14BBBB14 C

5

6

Quinteto (mayor) Cualquiera sin sueltos, no rimen 3 seguidos ni 2 últimos pareados C

Quintilla Igual pero menor c

Lira a7Bll a7b7Bll c

Sextina Igual quinteto c

Sextilla Igual quintilla c

Copla pie quebrado (manriqueña) a8 b8 c4 a8 b8 c4 c

8

Copla arte mayor ABBAACCA12 c

Octava real ABABABCC11 c

Octava italiana -AAB-CCB vv 4 y 8 agudos c

Octavilla -aab-ccb vv 4 y 8 agudos c

10 Décima o espinela abbaaccddc8 c

Ovillejo a8a4b8b4c8c4c8d8d8c8 c

14 Soneto 2cuaríetos + 2tercetos 11 c

N° Forma Esquema Tipo rima

Sonetillo (menor) Igual C

Villancico (amoroso o religioso) o letrilla (festivo o satírico). Menores

Estribillo de 2, 3 ó 4 seguidos de estrofa de 6 ó 7 versos de los que el último rima con estribillo

C

S E RIES

Zéjel (menor) Estribillo de 1 ó 2 versos seguidos estrofa de 3 monorrimos + un cuarto que rima con estribillo

C/A

Estrofa monorrimas AAAA... BBBB... 14a 16 A

Silva y estancia Versos de 7 y 11 rima a gusto del poeta. Si se repite es la estancia

C

Romance -a-a-a... 8 A



2. - Figuras literarias:

Tradicionalmente se llaman figuras todos los artificios por los que el mensaje literario se diferencia del mensaje común. Unas figuras, las de pensamiento, se caracterizan por una chocante presentación de las ideas; otras, las de lenguaje, por un empleo singular del código. No siempre es fácil la distinción entre ellas.

Principales figuras de pensamiento: > La hipérbole es una ponderación desmesurada, que se produce en la lengua ordinaria (Ese tiene serrín en la cabeza), y con caracteres muy originales, serios o humorísticos, tanto en la prosa como en el verso: Yace en esta losa dura / una mujer tan delgada / que en la vaina de una espada / se trajo a la sepultura (Baltasar de Alcázar).

> La personificación o prosopopeya consiste en atribuir a los animales o las cosas cualidades humanas: - ¡Oh bosques y espesuras / plantadas por la mano del Amado, / oh prados y verduras, / de flores esmaltado, / decid si por vosotros ha pasado! (San Juan de la Cruz).

> El cáñamo se retorcía con áspero gemir, enroscándose lentamente sobre sí mismo. Los hilos montaban unos sobre otros, quejándose de la tensión violenta; y en toda su magnitud rectilínea había un estremecimiento de cosa dolorida y martirizada (Pérez Galdós).

> En el contraste o antítesis se oponen dos ideas o dos términos contrarios: Cuando quiero llorar, no lloro, / y a veces lloro sin querer (Ruben Darío). Yo velo cuando tú "duermes, yo lloro cuando tú cantas, yo me desmayo de ayuno cuando tú estás perezoso y desalentado de puro harto (Cervantes).

> La ironía consiste en afirmar lo contrario de lo que se siente. El poeta Góngora, despechado porque el conde de Lemos no lo ha invitado a ir en su sequito a Nápoles, y ha preferido a otros escritores menores, dice: Como sobran tan doctos españoles / a ninguno [a ningún procer] ofrecí la musa mía.

> La litotes presenta lo que se dice en forma de negación atenuadora: «Eso no está muy bien» [=está mal].

> La perífrasis o circunloquio elude la palabra directa, y alude al objeto mediante un rodeo. Véase > La perífrasis o circunloquio como designa Lope de Vega el dia de la Asunción (15 de agosto): Era la alegre víspera del dia /que la que sin igual nació en la tierra (=la Virgen) / de la cárcel mortal y humana guerra (=el mundo) / para la patria celestial salía. En la lengua común, diríamos: «Era la víspera de la Asunción o «Era el 14 de agosto».

Tropos:

Romance endecha a a a... 7 A

Romancillo -a-a-a... 6 o menos A

Romance heroico -A-A-A... 11 A



• Llamamos tropo a la figura por la cual una palabra cambia de significado. Así, en la letrilla de Góngora al nacimiento de Cristo que que empieza. Caído se le ha un clavel hoy a la Aurora del seno,

los nombres clavel y Aurora deben ser entendidos como 'Niño Jesús' y "María", respectivamente; se usan con otro significado y son, por tanto, tropos.

Los principales tropos son la metáfora, la metonimia y la sinécdoque. [Repásese estos conceptos en

apuntes de Semántica].

La metáfora consiste en la identificación del termino real (A) con la imagen (B)

En el anterior ejemplo de

Góngora, "los términos reales son 'Niño Jesús1 y 'Virgen María', y sus imágenes respectivas, esto es, los términos con que se identifican, clavel y Aurora.

La metáfora se diferencia del símil en que este consiste en una comparación explícita del término real (A) con su imagen (B); en la metáfora, en cambio, no hay comparación, sino identidad:

símil: A es como B:

Castilla (A) es ancha y plana como el pecho de un varón (B) (Ortega y Gasset). metáfora: A es B:

La luna nueva (A) es una vocecita en la tarde (B) (J. L. Borges)

La fórmula más sencilla de metáfora es esta que acabamos de ver: A es B; pero existen otras:

- B de A. El jinete se acercaba tocando el tambor (B) del llano (A) [llano =tambor] (F. García Lorca)

- A: B (metáfora aposicional): El ruiseñor (A), pavo real (B) facilísimo del pío [ruiseñor=pavo real] (J. Guillen)

- A: B, B, B... (metáfora impresionista): Ya viene, oro (B) y hierro (B), el cortejo (A) de los paladines [cortejo =oro, hierro] (Rubén Darío)

- B en lugar de A (metáfora pura): ejemplos anteriores de Góngora. O este otro: Su luna de pergamino (B) [=pandero (A): Preciosa tocando viene (F. García Lorca

Con la metonimia designamos:

♦ la parte de un todo con el nombre de otra parte: así, si me tomo una copa, designo el licor (una -parte con el nombre de la vasija (otra parte):



el todo con el nombre de una parte: mil almas (parte) son mil personas (el todo, formado por -cuerpo y alma);

♦ una parte con el nombre del todo: los mortales (todo) son los hombres (una parte; porque los animales y plantas son mortales).

♦ Los dos últimos tipos de metonimia (todo por parte y parte por todo) se denominan sinécdoque; pero este término parece modernamente innecesario.

He aquí otras figuras de que no son tropos:

La alegoría consiste en una correspondencia prolongada entre lo que el autor cuenta (una serie de imágenes relacionadas entre sí) y lo que quiere decir (otra serie de términos reales que se relacionan, uno a uno, con sus respectivas imágenes Para comprender una alegoría, hay que entender la comparación inicial que a veces no está explícita. Así, el siguiente poema de San Juan de la Cruz (siglo XVI) sólo tiene sentido si partimos del símil Cristo es como un pastorcico (que no figura en el poema):

Un pastorcico solo está penando

ajeno de placer y de contento,

y en su pastora [-alma humana] puesto el pensamiento.

y el pecho del amor muy lastimado [... 1

Que sólo de pensar que está olvidado

de su bella pastora, con gran pena

se deja maltratar [-la Pasión] en tierra ajena [=el mundo], el pecho del amor muy lastimado.

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El juego de palabras consiste en utilizar dos veces una misma palabra para que contrasten sus dos significados:

Con los tragos del que suelo

llamar yo néctar divino,

y a quien otros llaman vino

porque nos vino del cielo

(Baltasar de Alcázar).

Variedad del juego de palabras es el calambur, en el que las sílabas de dos palabras contiguas producen una

palabra de sentido distinto. Se da por ejemplo, en la adivinanza infantil Oro parece, plata no es (=plátano

es). Otro ejemplo, de Ruiz de Alarcón: -¿Este es conde?/-Sí, este esconde la calidad y el dinero.

Y otro tipo mucho mas importante de juego de palabras es la silepsis o dilogia; consiste en emplear una

única palabra con dos significados simultáneos. En este cuentecillo, Juan Ruf (siglos XVI-XVII) juega

dialogicamente con dos acepciones de la palabra cuarto: "cuarto de hora" y "moneda de escaso valor: Estando

un hombre tratando de alquilar casa, sonó un reloj que daba cuartos cerca de allí. Y como dejase la materia

de que se hablaba, y el huésped (=casero) le preguntase por qué no concluían lo comenzado, respondió: «No


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quiero vivir cerca de este reloj, que da la vida en ruin moneda».

El símbolo es un objeto o una cualidad mencionados por el escritor con el propósito de aludir a otra realidad

distinta, normalmente de carácter espiritual. Así, el buitre de que nos habla Unamuno alude simbólicamente

a la angustia que le corroe el alma:

Este buitre voraz de ceño torvo

que me devora las entrañas fiero

y es mi único constante compañero,

labra mis penas con su pico corvo.

Las repeticiones desempeñan una función primordial en la lengua literaria, y dan lugar a abundantes figuras.

He aquí algunas:

La aliteracion es la repeticion de uno o varios fonemas, con una frecuencia perceptible: con el ala aleve del

leve abanico (Rubén Darío). Cuando la aliteración trata de imitar ruidos o sonidos, se denomina

onomatopeya. He aquí cómo imita San Juan de la Cruz el suave susurro del viento; el silbo de los aires

amorosos.

El paralelismo consiste en reiterar dos o más versos (o fragmentos de prosa) con una leve variación final,

como en este antiguo poema anónimo castellano

-Ay, pobre Juana de cuerpo garrido,

ay, pobre Juana de cuerpo galano,

¿dónde le dejas al tu buen amigo?,

¿dónde le dejas al tu buen amado?

-Muerto le dejo a la orilla del río,

muerto le dejo a la orilla del vado.



Otras veces, una serie de frases (o fragmentos de frase) empiezan del mismo modo, aunque digan cosas muy

diferentes; tal artificio recibe el nombre de anáfora: Terrible como Dios silencioso es la soledad de la

cumbre, pero es más terrible la soledad del páramo. Porque el páramo no puede contemplar a sus pies

arroyos y árboles y colinas. El páramo no puede mirar a sus pies; el páramo no puede mirar más que al

cielo (M. de Unamuno).

La anadiplosis repite la ultima parte de un veso, al principio del siguiente: Oye no

temas y a mi ninfa dile, dile que muero (Villegas)

En la epanadiplosis una frase o un verso empiezan y terminan del mismo modo: Verde que te quiero verde

(F. García Lorca)

Hay otras muchas figuras, a través de las cuales opera la función poética del lenguaje.

1. 2 Los géneros literarios

Los géneros literarios son técnicas expositivas singulares, ligadas a ciertas leyes de forma y contenido de carácter histórico o no, a las que se someten las obras literarias.

La primera clasificación de los géneros literarios pertenece a Aristóteles, quien los redujo a tres: épica, lírica y dramática. El primero ha extendido su significado, al incluir la novela, a la noción más amplia de narrativa. Pero el género se va conformando históricamente. Por tanto, resulta muchas veces difícil fijar rígidamente los límites entre lo propiamente narrativo o épico-narrativo, lo lírico o poético y lo dramático o teatral. Dentro de cada género surgen sub-géneros o géneros menores, algunos de ellos sólo válidos en ciertos momentos históricos.

GÉNERO DEFINICIÓN SUBGÉNEROS DEFINICIÓN

Epopeya Narración poética de una acción memorable

Consiste en el reflejo (Poema Épico) para un pueblo entero, o para la especie

de una realidad real o ficticia

humana.

ajena al creador literario. Narración de las hazañas de un

pueblo



Puede estar escrito en prosa (Iliada) o de un héroe individual

{Odisea),

o verso.

La función del lenguaje que Leyenda

manifestación literaria de una tradición oral,

predomina es la referencial.

apoyada a veces en hechos históricos ciertos

Cantar de Gesta Manifestación medieval de los poemas

épicos.

Difusión oral.

Narra las hazañas de un héroe que

representa a una nación

NARRATIVO Romance Poema breve en verso, típico de la literatura

española.

Tiene vinculación temática con los cantares

de gesta

Novela Narración extensa (suele ser en prosa) que

cuenta hechos de unos personajes,

analizando comportamientos y actitudes.

Hay muchos subgéneros: romántica,

policíaca, ciencia ficción, caballerías,

aventuras, etc

Cuento Narración de una acción ficticia, de carácter

sencillo y breve extensión, de muy variadas

tendencias a través de una rica tradición

literaria y popular. En general, el desarrollo

narrativo del cuento es



rectilíneo, presenta

pocos personajes y el proceso del relato

privilegia el desenlace. (Apólogos, fábulas,

de ellos se deduce una moraleja)


LÍRICO

La función lingüística

que predomina es la

Elegía, Endecha, Lamento y Epitafio

La elegía es una composición que denota lamentación por diversas causas. Las hay amorosas, religiosas, patrióticas, y fundamentalmente funerales. La endecha revela sentimientos tristes.

emotiva Forma poética que expresa los sentimientos, imaginaciones y pensamientos del autor; es la manifestación de su mundo interno y, por tanto el genero poetico

Égloga

Canta la serenidad y la belleza del campo, y la vida de pastores, más ideales que reales. Tema amoroso. La naturaleza cobra una gran importancia.

GENERO DEFINICIÓN SUBGÉNEROS Oda e Himno

DEFINICIÓN

Se vincula a la Oda con los sentimientos de admiración y entusiasmo. Suele tener un carácter solemne y un lenguaje de gran admiración. La palabra Himno se aplica a los cantos litúrgicos de la Iglesia y a las canciones con música que tienen un sentido nacional, político o de ideología

LIRICO

(cont.)

Canción, Madrigal y Epitalamio

Estos subgéneros tienen en común la expresión del sentimiento amoroso, triste o alegre, expresados en forma de canto, con música. El epitalamio es un poema destinado a cantarse en una boda, reflejando la alegría que reina en esa fiesta.

Su intención es hacer la crítica de personas, grupos sociales, vicios, errores o defectos de la sociedad. A veces tiene un mero



Sátira y epigrama

carácter juguetón y burlesco; otras adquiere un sentido más grave y educador. El epigrama es una composición poética breve que expresa un solo pensamiento principal, por lo común, festivo o satírico.

Copla y Letrilla. Pastorela y Serrana

Se agrupan por su común origen popular. La copla es cualquier composición poética breve que, aislada o en serie, sirve de letra en una canción popular. La pastorela es una composición poética de origen trovadoresco y provenzal, en la que el poeta describe el encuentro del caballero con una pastora, a la que requiere de amores. La serrana es un cantar lírico cuyo asunto era el encuentro de un caminante con una moza bravia que le ayudaba a encontrar el camino en la sierra.


DRAMÁTICO

La esencia del teatro es el conflicto entre una serie de personajes. Este género exige una representación y no está completo sin ella. El texto lingüístico no es el único empleado, sino que intervienen una serie

Tragedia

Personajes nobles. Lenguaje elevado. Final infeliz. Su tema suele ser el enfrentamiento del protagonista con algo o alguien que le supera.

Comedia

Los personajes no tienen que pertenecer a las clases altas. El lenguaje empleado es menos culto. Final feliz. El argumento representa el lado festivo y alegre de la vida

de códigos: gestos, luces, vestuario, etc.. La función del lenguaje que

predomina es la conativa. Drama Mezcla de caracteres de tragedia y comedia.

Paso-Entremés-Saínete

Personajes populares. Lenguaje sencillo. Tono humorístico. Obras más o menos breves.

Ópera Género dramático musical. Obra totalmente cantada.



Existen otros géneros literarios como lo son la oratoria

Zarzuela

Género dramático musical. Alterna las partes cantadas y las dialogadas.


DIDÁCTICO

El objetivo de las obras didácticas es enseñar, instruir al receptor. La función lingüística principal es la conativa.

[Son también géneros didácticos: el reportaje, la entrevista, el artículo periodístico,

etc. ]

Fábula

Texto breve. Puede estar escrito en prosa o verso, aunque predomina el verso. Los personajes son animales personificados. Suele llevar una moraleja al final que recoge

Apólogo Narración breve de una historia. Debe incorporar una moraleja en la que se recoge la enseñanza.

Ensayo

Exposición de un tema de carácter variado. Es el subgénero didáctico más importante en la actualidad; escrito siempre en prosa, consiste en la exposición aguda y original de un tema científico, filosófico, artístico, político, literario, religioso, etc... con carácter general, es decir, sin que el lector precise conocimientos especiales para comprenderlo.

Epístola:

Composición en la que el autor se dirige a un receptor bien determinado, real o fingido, que se considera ausente, por ejemplo, para referir circunstancias personales a un amigo ausente.

Crítica

Somete a juicio de valor, razonado, las obras o las acciones realizadas por otras personas; si se juzgan obras o actos propios, el escrito se denomina autocrítica.

Parábola

Nombre dado por los retóricos griegos a una ilustración literaria, cuya verosimilitud se realiza estableciendo un vínculo entre la ficción narrada y la realidad a la que remite. Puede considerarse una forma de alegoría.



Géneros históricos: Son múltiples: hay historias universales, nacionales, regionales y locales. Pueden referirse a cualquier actividad humana: empresas militares y políticas, Economía, Arte, Ciencia, Literatura, etc.

Las historias de reinados particulares o de-sucesos concretos reciben el nombre de crónicas. Cuando van exponiendo los sucesos año por año se denominan anales.

Si relatan la vida de un personaje se llaman biografías, y sí es el mismo personaje quien cuenta_su vida, autobiografías. Por fin, cuando esa misma persona narra hechos pasados que presenció o vivió, ese género histórico se

Géneros oratorios: La Oratoria puede ser religiosa (o sagrada) y profana, cuyos respectivos géneros más importantes son:

El sermón, que puede ser dogmático, si trata del dogma; moral, cuando enseña a los fieles cuál debe ser su conducta; y panegírico, cuando exalta las virtudes de un santo.

Otros tipos de sermón son: la homilía o comentario de un texto sagrado; la plática, sermón sencillo de finalidad moral; y la oración fúnebre, elogio de algún personaje fallecido.

discurso profano puede ser politico, forense (cuando se pronuncia ante los tribunales de justicia) y

(en cuyo caso participa también de la Didáctica). La arenga es un discurso breve que se

pronuncia para enfervorizar a los oyentes; las más frecuentes son las arengas militares y las políticas.

La Oratoria y la Didáctica se combinan en la conferencia, que es una lección original sobre un tema; se diferencia del discurso académico en que este se pronuncia rodeado de mayor solemnidad.



El siglo XX. Introducción al siglo XX: Marco histórico, social y cultural. Las grandes corrientes del pensamiento.

1- Marco histórico: 1- En España:

La literatura española del siglo XX ha quedado marcada, especialmente, por dos fechas que tienen en común el gran desgarro y la conmoción que agitó a los españoles en general, y a los intelectuales y literatos en particular.

1. 1.. - La primera de esas fechas corresponde a 1898, cuando España se convierte en la primera "potencia" europea que pierde por completo su imperio colonial. Las circunstancias fueron las de una guerra breve y humillante con los E E. U. U., que nos lleva a perder islas tan importantes como Cuba, Puerto Rico y Filipinas. La reacción posterior coincidió con una corriente mundial de inconformismo antiburgués que propició un enorme deseo de renovación y cambio.

En la España literaria de principios de siglo se tradujo en dos movimientos distintos, pero cuyo origen de partida es el mismo: el modernismo y la generación del 98.

EI Modernismo, bajo el liderazgo de Rubén Darío, se transforma en un brillante movimiento literario, deslumbrante a nivel estético, que busca la belleza por encima de todo y renueva el lenguaje literario castellano. La generación del 98 agrupa a intelectuales y pensadores cuyo gran afán es la modernización efectiva de España, presentado un rigor intelectual y un compromiso con sus propias decisivo para la evolución del pensamiento español de principios del siglo XX.

A partir de la Primera Guerra Mundial, y hasta mediados de los años treinta, hay una literatura de una extraordinaria calidad y variedad en España. Es el tiempo del Novecentismo, o Generación del 14, con nuevos novelistas como Gabriel Miró y Pérez de Ayala; de extraordinarios poetas, como Juan Ramón Jiménez, de intelectuales de la talla de Ortega y Gasset, de genios, como Ramón María del Valle-Inclán y Ramón Gómez de la Serna, de revistas fundamentales, como La Revista de Occidente (Ortega y Gasset), y La Gaceta Literaria (Juan Ramón Jiménez); es el tiempo del vanguardismo, de moda en todo el mundo y como maravilloso colofón, y durante los


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felices años veinte, es el tiempo del Grupo del 27, el movimiento poético más importante, del mundo anterior a la Segunda Guerra Mundial.

1. 2. La Guerra Civil es la otra fecha que marca la literatura española en el siglo XX. Precedida por unos años de compromiso y agitación violenta, que lleva a los escritores a tomar partido por uno u otro bando, los tres años de guerra civil fueron, literariamente hablando, un enorme desastre para el desarrollo del extraordinario ambiente literario de preguerra.

Además de la desaparición física de figuras de renombre (García Lorca, Unamuno, Valle-Inclán, etc), los literatos quedan en el exilio o en el interior de una España cerrada, pobre, aislada y dentro de una ideología nacional-católica. Ante este panorama, los escritores que permanecen en España reaccionan de distinta manera: por un lado una literatura arraigada (Luis Rosales, Leopoldo

Panero, _etc. ) que practica el intimismo y se encuentran serenamente instalados en el mundo; de otra parte, una literatura desarraigada (el primer Cela, Blas de Otero, Buero Vallejo. Gabriel Celaya, etc. ) que presenta un hondo malestar con la realidad social española.

1. 3. - A partir de 1955 parece imponerse una literatura de realismo social, que intenta denunciar los males de la sociedad española, o dar testimonio de sus miserias e injusticias. Aparecen nombres tan importantes como Miguel Delibes, Ignacio Aldecoa, Fernández Santos, Sánchez Ferlosio,

1

Goytisolo, precedidos de la primera novelística de Camilo José Cela.

La poesía social termina por anquilosarse, y un nuevo viento de renovación, más imaginativo, más literario comenzará de la mano de algunos poetas, como José Hierro, Claudio Rodríguez, Gil de Biedma, Carlos Bousoño o Ángel Valente. 1962 se transforma en una fecha clave de la novelística española con la publicación de Tiempo de Silencio de Luis Martín Santos, camino que será seguido por otros novelistas sociales, como Benet o Juan Marsé, o por otros literatos nuevos, como Antonio Gala.

1. 4. - A partir de 1968 la literatura abandona el realismo social y se centra, sobre todo, en buscar nuevas vías más imaginativas, lo que conduce a un periodo altamente experimental, durante el cual vuelve a brillar una generación poética, los novísimos (Pere Gimferrer, Guillermo Camero, Ana Ma Foix, Vicente Molina Foix, etc. ), y los grupos experimentales de teatro (Els Joglars, Els Comediants, Los Goliardos, Tábano, etc. ) revitalizan el panorama dramático español con apuestas arriesgadas, lúdicas y de gran calidad. En novela aparecen algunos nombres, como Eduardo Mendoza, que se han ido consolidando posteriormente.

1. 5. - El panorama actual desde los ochenta hasta nuestros días, queda marcado por algo tan difuso

como la Postmodernidad, Se trata, más bien, de figuras aislada, no de grupos o



generaciones, que realizan una literatura individual donde se pueden encontrar toda una serie de influencias. Es el tiempo

de Blanca Andreu (poesía), de Jesús Ferrero, Antonio Muñoz Molina, Almudena Grandes, etc. (novela), y de una actividad teatral menos experimental y más centrada en un teatro de subvención estatal, con algunas raras excepciones, como el trabajo desarrollado por ciertos grupos, como la Fura del Baus.

2. - En Europa y en el mundo:

El siglo XX, fuera de nuestras fronteras, presenta contrastes variadísimos donde caben los horrores de dos guerras mundiales, la amenaza nuclear y la degradación progresiva de la naturaleza, al lado de un maravilloso desarrollo científico y tecnológico, sobre todo en el campo de la medicina y las comunicaciones.

2. 1. La evolución histórica estaría marcada por hechos puntuales como la Primera Guerra Mundial (1914/1918), la gran depresión económica de 1929, el auge de los fascismos europeos de los años 30, la segunda guerra mundial, la guerra fría y sus confictos alejados de las dos

superpotencias (Corea y Vietnam), el movimiento contra-cultural del mayo del 68, la crisis del crisis del

petróleo en los años setenta, el hundimiento de la URSS con el simbólico derribo del muro de

Berlín, la reunificación alemana, la extensión de la pobreza por el mundo, la enorme degradación de la Naturaleza por la acción humana, la confusión ideológica del final de siglo y del milenio, y el estreno de los E. E. U. U. como único dirigente mundial, la acentuación de nacionalismos y fundamentalismos, y la constatación corrosiva entre lo que debiera ser el mundo, y lo que es.

3. - Las grandes corrientes del pensamiento. 3. 1 Todos estos factores los refleja, y en ocasiones los anticipa, la literatura mundial. A esto cabe sumar las distintas posiciones que adopta el hombre frente al mundo según el espectacular avance técnico y científico, donde destaca la influencia de A. Einstein y su Teoría de la Relatividad (1905 y 1915). En el pensamiento filosófico hay distintas corrientes que influyen la forma de pensar y vivir de su tiempo, desde las primeras corrientes irracionalistas y vitalistas de principios de

3. 2 También a principio de siglo existen otras formas de pensamiento que provocarán grandes cambios en la vida humana, como el marxismo y el psicoanálisis.

3. 2. 1 El marxismo es una concepción total del mundo, que intenta de una forma dialéctica (a través de conflictos, de luchas), pasar de un sistema capitalista burgués a un sistema socialista, donde el Estado es la única fuente de poder, y es abolida la propiedad privada y la herencia, que ha dividido a los hombres en poseedores y desheredados (explotadores y explotados). La manera de hacer avanzar a la Historia hacia una sociedad distinta, sin esas divisiones, es la lucha de clases. El marxismo es totalitarista, puesto que



no abarca solo las cuestiones políticas y económicas, sino también las culturales, filosóficas, sociales, etc. En Literatura apareció la "Sociología de la literatura", de orientación marxista, que pretendió utilizarla como medio de transformación del mundo.

3. 2. 2 El Psicoanálisis es el resultado del trabajo de Sigmund Freud, que en busca de una nueva terapia psíquica, explora los impulsos irracionales, los analiza y desarrolla una nueva visión de la personalidad humana, según la cual, el ser humano está regido por unos impulsos elementales que le orientan hacia el placer, pero es reprimido, a menudo, por la conciencia moral o social imperante, así que almacena su frustración en el subconsciente, que, a su vez, ejerce una presión sobre nuestra conducta, que explicaría nuestra forma de vivir, nuestro problemas y la creación artística, y en el término más grave (cuando la presión del inconsciente es insostenible) en la neurosis.

Freud también analizó el papel que la realidad social y cultural desempeña en la represión de las ansias de felicidad humana, señalando al arte y a la literatura como un alivio ante la frustración y la angustia humana. Para los escritores, las teorías de Freud supusieron la aparición de una herramienta de trabajo espléndida para crear personajes, conductas y situaciones, superando los límites que el Realismo y el Naturalismo había alcanzado en el siglo XIX.



3. El modernismo.

1.- El modernismo literario: Rubén Darío, 2.- Juan Ramón Jiménez. (Véase Tema 5. Con Generación del 14) 3.- Manuel Machado. 4.- Del modernismo al esperpento: Valle Inclán. (Véase Tema 4. Con Generación del 98)

1.- El modernismo literario

Desde principios de siglo, y hasta la Guerra Civil, el panorama poético español resulta el más deslumbrante de la poesía mundial, hablándose, con bastante razón, de una Edad de Plata poética.

A principios de siglo, como ocurre en toda Europa, las influencias poéticas vienen del lado de Francia, a través del Simbolismo (Baudelaire, Paul Valery, Mallarme, Rimbaud.)y del Parnasianismo (Théophile Gautier y Leconte de Lisle, y, sobre todo, desde Nicaragua, llega la poderosa figura de Rubén Darío y el Modernismo.

El Modernismo es el punto de partida de los dos poetas españoles más representativos de principios de siglo: Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez. En principio, el Modernismo es un movimiento artístico que se desarrolla entre 1885 y 1915,y cuya cima es Rubén Darío. Juan Ramón Jiménez va más allá, y afirma que Modernismo fue una época y una actitud, englobándolo todo. Como movimiento artístico presenta un profundo desacuerdo con la civilización burguesa, utilitaria, expresando el profundo malestar de una pequeña burguesía que se había visto, tanto en Hispanoamérica como en España frenada por los oligarcas (grandes empresarios, políticos, etc.).Esta reacción lleva a una crisis de la conciencia burguesa, que llega a asumir aspectos de franca rebeldía política (El Grupo de los Tres).

Los jóvenes modernistas adoptan, en general, manifestando su descontento literariamente, posturas de distanciamiento aristocrático y de refinamiento estético, llegando a la bohemia, el dandysmo y ciertas conductas asociales y amorales. A los modernistas se les ha acusado de "escapistas" y "elitistas". El propio Rubén Darío definió su movimiento como la expresión de la libertad y el anarquismo en el arte, siendo, en todo caso, un ataque directo contra la sociedad establecida.

La poesía se convierte en el vehículo por excelencia del Modernismo, aunque también se expresa a través de la novela (las Sonatas de Valle-Inclán). Los temas modernistas más destacados son los que expresan la exterioridad sensible (imágenes legendarias, paganas, exóticas, orientales, etc.), y los que, proyectan la intimidad del poeta (sobre todo los estados de ánimo).Estos dos temas se desarrollan a través de una atmósfera romántica donde la melancolía y la tristeza son sentimientos centrales, buscando un mundo ideal a través de la evasión en el espacio (exotismo) y en el tiempo (Edad Media). En su vida personal, esta actitud escapista convierte a los modernistas en cosmopolitas, siendo su meca París, sobre todo los cafés y los clubes de Montmartre. En cuanto al amor, presentan los modernistas un contraste reiterado entre un amor delicado y un intenso erotismo, volviendo al cultivo del amor imposible. Por último, cabe señalar el cultivo de temas indigenistas (Caupolicán) como expresión del sentimiento de evasión, y por el origen hispanoamericano de muchos poetas modernistas, que les lleva, posteriormente, a presentar un sentimiento de solidaridad entre los pueblos hispánicos frente a la pujanza de los Estados Unidos. La estética del Modernismo se centra en el ansia de perfección, de armonía y de belleza. J. R. Jiménez decía que el Modernismo era el encuentro de nuevo con la belleza, sepultada durante el siglo XX por un tono general de poesía burguesa. Se practica una literatura de los sentidos, expresando las fuentes de goce para el oído, la vista, el tacto, en busca de los más altos valores sensoriales. Sin embargo, el gran logro del Modernismo hay que buscarlo en el prodigioso manejo del idioma, que enriquece el castellano literario de una forma extraordinaria, sobre todo en los recursos estilísticos que expresan el color y los efectos sonoros. Además, a nivel métrico se produce un inmenso enriquecimiento de ritmos, utilizándose, de nuevo, el verso alejandrino (14 sílabas), el dodecasílabo, además de las estrofas habituales en castellano (soneto).

No es de extrañar que los grandes poetas españoles del siglo XX, Antonio Machado


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y Juan Ramón Jiménez comiencen su andadura literaria tras los pasos de Rubén Darío, junto a otros poetas menores como Manuel Machado, Francisco de Villaespesa y Marquina, y al lado de narradores y autores teatrales tan destacados como Ramón María del Valle-Inclán.

2.- Rubén Darío. -Félix Rubén García Sarmiento, con el "Darío" por sobrenombre de su padre nació en 1867 en Metapa (Nicaragua) y comenzó muy pronto su andadura poética, con influjos de Bécquer y Víctor Hugo. En 1886 se traslada a Chile, en busca de más oportunidades, publicando dos libros mediocres: Abrojos (1887), todavía romántico y Primeras notas, que aparecerá en Managua en 1888,justo el año en que publica su primer gran libro Azul (reedición ampliada en 1890). En España alcanzó gran resonancia debido, sobre todo, a Juan Valera que saludó en una de sus Cartas americanas al joven innovador. La influencia francesa de este libro se produce hasta en el título (Victor Hugo había dicho: "l´art c'est azur", o sea: "El arte es azul"). Nos encontramos ante un libro pictórico, decorativo, muy plástico, con influencia de Emerson, en el que aparecen ánforas de vino griego, salones parisienses con biombos japoneses, tigres de Bengala, etc., todo ello descrito con una lengua cosmopolita, un vocabulario riquísimo, sonoro, irónico y hasta divertido.

Además de poesías, en Azul encontramos también relatos, de ambiente muy convencional, excepto algunos, como El fardo, realista y proletario, que supone un golpe de protesta social que influyó en otros autores, como Leopoldo Lugones.

Rubén Darío vuelve a Centroamérica desde Chile, como corresponsal del periódico argentino La Nación, de Buenos Aires, se casa, viaja a España para el centenario de 1892, enviuda, y sin querer, se ve otra vez casado, encontrando luego en Madrid a su mejor amor: Francisca Sánchez, que, de criada analfabeta en casa del poeta Villaespesa se convirtió en la comprensiva compañera de Rubén Darío. Antes había residido en Buenos Aires (1893-1898)Dario como cónsul de Colombia, viajando a Nueva York, donde estrechó lazos con José Martí y a París, donde se puso en contacto con los poetas parnasianos. Los años boanerenses fueron capitales, fundando la Revista de América con Ricardo Jaimes Freyre, y publicando en La Nación su nueva obra Los raros (1896) que junto con Prosas profanas le convirtieron en el abanderado del modernismo. En Los raros, recogió Ruben los articulos dedicados a escritores del siglo XIX mas distinguidos por su rareza que por su calidad. Son retratos herméticos y misteriosos, salpicados de citas en diversos idiomas que desconocía, cuajando una labor de invención que fascinó a los jóvenes literatos.

En Prosas profanas la gracia verbal se convirtió en esplendor. Los poemas van precedidos de una especie de manifiesto titulado "Palabras liminares" que sirvieron como declaración de principios: "mi literatura es mía en mí", intentando alejar a todos los imitadores que comenzaban a despuntar. En Prosas está todo Rubén: el deslumbrante, el meditabundo, filigranas y abismo, erotismo intenso y conciencia de la muerte. Es el lugar donde el "poeta sensual" que vibra al contacto con la belleza, descubre su "reino interior" donde el alma debate consigo misma. Al publicar, en 1901,1a segunda edición de este libro, incluye una docena de sonetos nuevos. Octavio Paz lo describe así: "El modernismo se inicia con una estética del ritmo y desemboca en una visión rítmica del universo".En el desierto de ramplonería que era la poesía española de fin de siglo, Prosas profanas resultó deslumbrante por la exhibición de virtuosismo lingüístico y la gran riqueza imaginativa.

En 1898 Rubén Darío llega a Madrid como corresponsal de La Nación y es recibido en la estación por Francisco Villaespesa ("cónsul general" de la poesía hispanoamericana) y por un muchachito onubense que por entonces firmaba "Juan R. Jiménez". Es un Rubén apasionado que utiliza el ritmo del verso para profundizar en los enigmas del ser, y que combate los terrores de la vida con el alcohol, sobre todo, y el sexo, quedando al final, tan sólo, el recurso de la poesía, como único lugar donde la armonía universal podía conseguirse y dominarse. Es la época de la iniciación al ocultismo y las doctrinas esotéricas para familiarizarse con lo desconocido, adivinándose una fuerte influencia romántica y simbolista, especialmente de Victor Hugo, en el intento de profundizar en los secretos de la vida y en el misterio del universo, rechazando con horror la idea de la muerte, lo que lleva a su contrario, el amor, como uno de los grandes puntales de la poesía modernista. Es un amor completamente erótico, destinado al placer, donde las prácticas eróticas se conciben como ritos y ceremonias para elevar a un estado de conciencia superior a los participantes. Amores exóticos, acaso soñados, de novela galante, románticos, mitológicos, convirtiéndose en una poesía de intimidad y secreto muy bien estudiada por Pedro Salinas. Cuando en 1905 aparecen Los cantos de vida y esperanza la poesía de Darío da un paso definitivo hacia la historia. Los Cantos son su



libro más hispánico, declarando su amor a Nicaragua y a La Argentina, y reivindicando lo español frente a la al imperialismo anglosajón que ya se había apuntado el triunfo militar de 1898. Con respecto a su libro anterior -Prosas profanas-,hay un cambio de tonalidad, yendo de la preocupación a la angustia. Su estilo expresa una madurez cansada y una amargura melancólica en donde gracias a la poesía puede encontrarse hermosamente con los laberintos del alma. Desde los Cantos de vida y esperanza se advierte un declive en la obra poética de Rubén Darío. Así en El canto errante (1907), desaparece la rebeldía política, volviéndose hacia las raíces propias americanas. En 1910 El poema del otoño empieza como una profunda toma de conciencia que se queda en lo retórico, pero cuando Rubén Darío muere en la ciudad de León (Nicaragua) en

1916, el modernismo ya había triunfado como movimiento poético y otros, como el boliviano Ricardo Jaimes Freyre, el colombiano Guillermo Valencia, el argentino Leopoldo Lugones o los hermanos Machado o el joven Juan Ramón Jiménez lo extendían por todo el mundo hispánico.

Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez y Ramón Ma del Valle-Inclán fueron capaces, sin embargo, de superar el modelo y desarrollar una obra literaria auténticamente personal, con una voz propia, que influye en una nueva generación de poetas que despuntan en los años veinte y se consolidan definitivamente en los años treinta: es la Generación del 27

3.- Manuel Machado.

La personalidad de Manuel Machado (1874-1947) contrasta fuertemente con la de su hermano Antonio. El origen andaluz -ambos nacieron en Sevilla es bien patente en Manuel, a lo que se añade cierto talante cosmopolita: "medio gitano y medio parisién", se llamaba a sí mismo. Salvo en leves detalles, no se hallará en su obra la actitud crítica y la preocupación por España; todo lo más, un elegante hastío ante un mundo decadente. Así se define en el poema Adelfos:

Mi voluntad se ha muerto una noche de luna en que era muy hermoso no pensar ni querer.,. Mi ideal es tenderme, sin ilusión ninguna... De cuando en cuando, un beso y un nombre de mujer.

Por eso, y por la índole de su estilo, se le clasifica dentro del Modernismo. Como los poetas de esta tendencia, Manuel Machado rinde un verdadero culto a los valores estéticos, a lo refinado, a lo exquisito, con una propensión hacia lo sensual o lo sentimental; en la misma línea se sitúa su búsqueda de los efectos musicales y coloristas del lenguaje.

En la obra del autor -se ha dicho- alternan "ligereza y gravedad". De ahí, los principales aspectos de su producción: ligereza en los poemas ágiles y graciosos que cantan la vida bohemia o castiza, los toros, etc.; ligereza o gravedad en sus cantares andaluces, donde asimila con asombrosa autenticidad la hondura popular de "soleares", "sevillanas", "malagueñas" y otros cantes; gravedad en aquellas composiciones que evocan a figuras de nuestra historia o en las que expresan su intimidad con fina melancolía. En otra composición escribe:

Yo, poeta decadente, español del siglo veinte, que los toros he elogiado, y cantado las golfas y el aguardiente...

Su poesía es objeto frecuente de recuperaciones y de olvidos. Haber militado en el bando franquista le perjudicó, a diferencia de su hermano.

Entre sus libros de versos, citaremos Alma (1900), que se refunde en 1907 como Alma. Museo. Los Cantares y se abre con su autorretrato Adelfas. Caprichos (1905), La fiesta nacional (1906), El mal poema (1909), Apolo (1911), Cante hondo (1912), Ars moriendi (1921), Phoenix (1936), Horas de oro (1938)...

De menor interés resultan las obras de teatro que escribió en colaboración con su hermano Antonio: Las adelfas, La Lola se va a los puertos, etc.

Manuel Machado, además de conocer admirar a Rubén Darío, levó directamente a parnasianos y simbolistas; sentía una devoción y especial por Verlaine. Es natural, por ello, su adhesión al Modernismo. Sin embargo no son las formas grandilocuentes y las



estruendosas sonoridades las que dominan en su obra, sino las graciosas, las leves, o las indolentes.



Antología I.- Modernismo y Generación del 98

1.- Rubén Darío

Texto 1.- AUTUMNAL Eros, Vita, Lumen

En las pálidas tardes yerran nubes tranquilas en el azul; en las ardientes manos se posan las cabezas pensativas, iAh los suspiros! ¡Ah los dulces sueños! ¡Ah las tristezas íntimas! ¡Ah el polvo de oro que en el aire flota, tras cuyas ondas trémulas se miran los ojos tiernos y húmedos, las bocas inundadas de sonrisas, las crespas cabelleras y los dedos de rosa que acarician! En las pálidas tardes me cuenta un hada amiga las historias secretas llenas de poesía: lo que cantan los pájaros, lo que llevan las brisas, lo que vaga en las nieblas, ¡o que sueñan las niñas.

Una vez sentí el ansia de una sed infinita. Dije al hada amorosa: -Quiero en el alma mía tener la aspiración honda, profunda, inmensa: luz, calor, aroma, vida. Ella me dijo: -iVen!- con el acento con que hablaría un arpa. En él había un divino aroma de esperanza. ¡Oh sed del ideal!

Sobre la cima de un monte, a medianoche, me mostró las estrellas encendidas. Era un jardín de oro con pétalos de llama que titilan. Exclamé: -¡Más!...

La aurora vino después, La aurora sonreía, con la luz en la frente, como la joven tímida que abre la reja, y la sorprenden luego ciertas curiosas mágicas pupilas. Y dije: -¡Más!... Sonriendo la celeste hada amiga prorrumpió: -¡Y bien! ¡Las flores!

Y las flores estaban frescas, lindas, empapadas de olor: la rosa virgen, la blanca margarita, la azucena gentil y las volúbiles que cuelgan de la rama estremecida. Y dije: -¡Más!...

El viento arrastraba rumores, ecos, risas, murmullos misteriosos, aleteos, músicas nunca oídas. El hada entonces me llevó hasta el velo que nos cubre las ansias infinitas, la inspiración profunda, y el alma de las liras. Y lo rasgó. Allí todo era aurora. En el fondo se vía un bello rostro de mujer.

¡Oh, nunca, Piérides, diréis las sacras dichas que en el alma sintiera! Con su vaga sonrisa: -¿Más?... -dijo el hada. Yo tenía entonces clavadas las pupilas en el azul; y en mis ardientes manos se posó mi cabeza pensativa... [1887]

Texto 2.- El soneto Caupolicán (del l ibro Azul) es una buena muestra de los temas americanos. El asunto tiene viejas raíces: Alonso de Ercilla (1533-1594) contaba al principio de La Araucana -epopeya de la conquista de Chile aquella famosa prueba con que los indios araucanos eligieron a su caudillo, y que consistía en ver quién era capaz de llevar durante más tiempo un pesado tronco sobre sus hombros. Caupolicán salió vencedor y fue proclamado Toqui (jefe de estado en tiempos de guerra). He aquí el poema de Rubén Darío:


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Es algo formidable que vio la vieja raza robusto tronco de árbol al hombro de un campeón salvaje y aguerrido, cuya fornida maza blandiera el brazo de Hércules o el brazo de Sansón. Por casco sus cabellos, su pecho por coraza, pudiera tal guerrero,, de Arauco en la región; lancero de los bosques, Nemrod 1 que todo caza, desjarreta 2 un toro o estrangular un león. Anduvo, anduvo, anduvo. Le vio la luz del día, le vio la tarde pálida, le vio la noche fría, y siempre el tronco de árbol a cuestas del titán. " ¡El Toqui, el Toqui! ", clama la conmovida casta. Anduvo, anduvo, anduvo. La aurora dijo "Basta", e irguióse la alta frente del gran Caupolicán.

Texto 3.- CANTOS DE VIDA Y ESPERANZA A José Enrique Rodó

Yo soy aquel que ayer no más decía el verso azul y la canción profana, en cuya noche un ruiseñor había que era alondra de luz por la mañana.

El dueño fui de mi jardín de sueño, lleno de rosas y de cisnes vagos; el dueño de las tórtolas, el dueño de góndolas y liras en los lagos;

y muy siglo dieciocho y muy antiguo y muy moderno; audaz, cosmopolita; con Hugo fuerte y con Verlaine ambiguo, y una sed de ilusiones infinitas.

Yo supe de dolor desde mi infancia, mi juventud... ¿fue juventud la mía? Sus rosas aún me dejan la fragancia... una fragancia de melancolía...

Potro sin freno se lanzó mi instinto, mi juventud montó potro sin freno; iba embriagada y con puñal al cinto; si no cayó, fue porque Dios es bueno.

En mi jardín se vio una estatua bella; se juzgó de mármol y era carne viva; un alma joven habitaba en ella, sentimental, sensible, sensitiva. [...]

Como la Galatea gongorina me encantó la marquesa verleniana,

y así juntaba a la pasión divina una sensual hiperestesia humana; todo ansia, todo ardor, sensación pura y vigor natural; y sin falsía, y sin comedia y sin literatura...: Sí hay un alma sincera, ésa es la mía.

La torre de marfil tentó mi anhelo; quise encerrarme dentro de mí mismo, y tuve hambre de espacio y sed de cielo desde las sombras de mi propio abismo. Como la esponja que la sal satura en el jugo del mar, fue el dulce y tierno corazón mío, henchido de amargura por el mundo, la carne y el infierno.

Mas, por la gracia de Dios, en mi conciencia el Bien supo elegir la mejor parte; y si hubo áspera hiel en mi existencia, melificó toda acritud el Arte.

/ Mi intelecto libré de pensar bajo, bañó el agua castalia el alma mía, peregrinó mi corazón y trajo de la sagrada selva la armonía. [...]

Vida, luz y verdad, tal triple llama produce la interior llama infinita. El Arte puro como Cristo exclama: ¡Ego sum lux et veritas et vita!

Y la vida es misterio, la luz ciega

Nemrod: Legendario rey de Babilonia. La Biblia lo llama "poderoso cazador ante Dios", desjarretar, cortar las patas o -aquí- derribar.



y la verdad inaccesible asombra; la adusta perfección jamás se entrega, y el secreto ideal duerme en la sombra. Por eso ser sincero es ser potente; de desnuda que está, brilla la estrella; el agua dice el alma de la fuente en la voz de cristal que fluye de ella.

Tal fue mi intento, hacer del alma pura mía, una estrella, una fuente sonora, con el horro de la literatura y loco de crepúsculo y de aurora.

Del crepúsculo azul que da la pauta que los celestes éxtasis inspira, bruma y tono menor ¡toda la flauta!, y Aurora, hija del Sol ¡toda la lira! [...]

Alusión a sus dos libros Azul y Prosas Profanas Sensibilidad excesiva y dolorosa Dulcificó De la fuente Castalia, en el monte Parnaso, estaba dedicada a las Musas Latín Cita evangélica "Yo soy la luz, la verdad y la vida"

A ROOSEVELT

Texto 4.- A ROOSEVELT

i Es con voz de la Biblia, o verso de Walt Whitman, que habría que llegar hasta ti, Cazador! Primitivo y moderno, sencillo y complicado, con un algo de Washington y cuatro de Nemrod. Eres los Estados Unidos, eres el futuro invasor de la América ingenua que tiene sangre indígena, que aún reza a Jesucristo y aún habla en español. Eres soberbio y fuerte ejemplar de tu raza; eres culto, eres hábil; te opones a Tolstoy. Y domando caballos, o asesinando tigres, eres un Alejandro-Nabucodonosor. (Eres un profesor de energía,como dicen los locos de hoy.) Crees que la vida es incendio, que el progreso es erupción; en donde pones la bala el porvenir pones. Los Estados Unidos son potentes y grandes. Cuando ellos se estremecen hay un hondo temblor que pasa por las vértebras enormes de los Andes. Si clamáis, se oye como el rugir del león. Ya Hugo a Grant le dijo: "Las estrellas son vuestras." (Apenas brilla, alzándose, el argentino sol y la estrella chilena se levanta...) Sois ricos. Juntáis al culto de Hércules el culto de Mammón; y alumbrando el camino de la fácil conquista, la Libertad levanta su antorcha en Nueva York. Mas la América nuestra, que tenía poetas desde los viejos tiempos de Netzahualcoyotl, que ha guardado las huellas de los pies del gran Baco, que el alfabeto pánico en un tiempo aprendió; que consultó los astros, que conoció la Atlántida, cuyo nombre nos llega resonando en Platón, que desde los remotos momentos de su vida vive de luz, de fuego, de perfume, de amor, la América del gran Moctezuma, del Inca,

la América fragante de Cristóbal Colón, la América católica, la América española, la América en que dijo el noble Cuactemoc: "Yo no estoy en un lecho de rosas"; esa América que tiembla de huracanes y que vive de Amor, hombres de ojos sajones y alma bárbara, vive. Y sueña. Y ama, y vibra; y es la hija del Sol. Tened cuidado. ¡Vive la América



española! Hay mil cachorros sueltos del León Español. Se necesitaría, Roosevelt, ser Dios mismo, el Riflero terrible y el fuerte Cazador, para poder tenernos en vuestras férreas garras. Y, pues contáis con todo, falta una cosa: ¡Dios!

Rubén Darío, 1904

Texto 5.- LO FATAL

Dichoso el árbol que es apenas sensitivo, y más la piedra dura porque ésa ya no siente, pues no hay dolor más grande que el dolor de ser vivo, ni mayor pesadumbre que la vida consciente. Ser y no saber nada y ser sin rumbo cierto, y el temor de haber sido y un futuro terror... Y el espanto seguro de estar mañana muerto, y sufrir por la vida y por la sombra y por lo que no conocemos y apenas sospechamos, y la carne que tienta con sus frescos racimos, y la tumba que aguarda con sus fúnebres ramos, y no saber adonde vamos, ni de dónde venimos...

2.- Manuel Machado. Alma (1902)

Texto 1.- CASTILLA.- A Manuel Reina. Gran poeta

El ciego sol se estrella en las duras aristas de las armas, llaga de luz los petos y espaldares y flamea en las puntas de las lanzas. El ciego sol, la sed y la fatiga. Por la terrible estepa castellana, al destierro, con doce de los suyos, —polvo, sudor y hierro— el Cid cabalga. Cerrado está el mesón a piedra y lodo... Nadie responde. Al pomo de la espada y al cuento de las picas, el postigo va a ceder... ¡Quema el sol, el aire abrasa! A los terribles golpes, de eco ronco, una voz pura, de plata y de cristal, responde... Hay una niña muy débil y muy blanca, en el umbral. Es toda ojos azules; y en los ojos, lágrimas. Oro pálido

nimba su carita curiosa y asustada. « ¡Buen Cid! Pasad... El rey nos dará muerte, arruinará la casa y sembrará de sal el pobre campo que mi padre trabaja... Idos. El Cielo os colme de venturas... En nuestro mal, ¡oh Cid!, no ganáis nada». Calla la niña y llora sin gemido... Un sollozo infantil cruza la escuadra de feroces guerreros, y una voz inflexible grita: « ¡En marcha!» El ciego sol, la sed y la fatiga. Por la terrible estepa castellana, al destierro, con doce de los suyos — polvo, sudor y hierro—, el Cid cabalga.

Texto 2 .- OCASO de Ars moriendi, de 1921.

Era un suspiro lánguido y sonoro la voz del mar aquella tarde... El día, no queriendo morir, con garras de oro hundió en las olas la dorada frente, en una brasa cárdena deshecho.

Para mi pobre cuerpo dolorido, para mi triste alma lacerada,

3.- Miguel de Unamuno

TEXTO 1 Castilla

Tú me levantas, tierra de Castilla.

de los acantilados se prendía. Pero su seno el mar alzó potente, y el sol, al fin, como en soberbio lecho,

para mi amargada vida fatigada..., ¡el mar amado, el mar apetecido, el mar, el mar, y no pensar en nada!

tiene en ti cuna el sol y en ti sepulcro y en ti santuario.



en la rugosa palma de tu mano, al cielo que te enciende y te refresca, al cielo, tu amo.

Tierra nervuda, enjuta, despejada, madre de corazones y de brazos, toma el presente en ti viejos colores

del noble antaño.

Con la pradera cóncava del cielo lindan en torno tus desnudos campos,

Es todo cima tu extensión redonda y en ti me siento al cielo levantado, aire de cumbre es el que se respira

aquí, en tus páramos.

¡Ara gigante, tierra castellana, a ese tu aire soltaré mis cantos, si te son dignos bajarán al mundo

desde lo alto!

TEXTO 2.- «Hombre de contradicción y de y de pelea» Este texto breve presenta con nitidez el temperamento del autor. Pertenece a Del sentimiento trágico de la vida (1913) y nos habla de su «contradicción íntima».

Varias veces, en el errabundo curso de estos ensayos, he definido, a pesar de mi horror a las definiciones, mi propia posición frente al problema que vengo examinando; pero sé que no faltará nunca el lector insatisfecho, educado un dogmatismo cualquiera, que se dirá: «Este hombre no se decide, vacila; ahora parece afirmar una cosa y luego la contraria; está lleno de contradicciones, no le puedo encasillar; ¿qué es?» Pues eso, uno que afirma contrarios, un hombre de contradicción y de pelea, como de sí mismo decía Job; uno que dice una cosa con el corazón y la contraria con la cabeza, y que hace de esta lucha su vida. Más claro, ni el agua que sale de la nieve de las cumbres.

Se me dirá que ésta es una posición insostenible, que hace falta un cimiento en que cimentar nuestra acción y nuestras obras, que no cabe vivir de contradicciones, que la unidad y la claridad son condiciones esenciales de la vida y del pensamiento, y que se hace preciso unificar éste. Y seguimos siempre en lo mismo. Porque es la contradicción íntima precisamente lo que unifica mi vida y le da razón práctica de ser.

O más bien es el conflicto mismo, es la misma apasionada incertidumbre lo que unifica mi acción y me hace vivir y obrar.

TEXTO 3.- El alma de Castilla En torno al casticismo encierra, ya en los comienzos de Unamuno (1095) sus meditaciones sobre España. Veamos sus aspectos fundamentales en este texto y en el siguiente. He aquí, por ejemplo, su visión de Castilla. Observad cómo, junto a la realidad física. Aparecen los sentimientos que el paisaje despierta en el autor. Paisaje y alma -insistiremos mucho en ello- se funden en las descripciones de la generación del 98.

¡Ancha es Castilla! Y ¡qué hermosa la tristeza reposada de ese mar petrificado y lleno de cielo! Es un paisaje uniforme y monótono en sus contrastes de y sombra, en sus tintas disociadas y pobres en matices. Las tierras se presentan como en inmensa plancha de mosaico de pobrísima variedad, sobre el que se extiende el azul intensísimo del cielo. Faltan suaves transiciones, ni hay otra continuidad armónica que la de la llanura inmensa y el azul compacto la cubre e ilumina.



No despierta este paisaje sentimientos voluptuosos de alegría de vivir, sugiere sensaciones de comodidad y holgura concupiscibles: no es un campo verde y graso en que den ganas de revolcarse, ni hay repliegues de tierra llamen como un nido.

No evoca su contemplación al animal que duerme en nosotros todos, y que medio despierto de su modorra se regodea en el deseo de satisfacciones de apetitos amasados con su carne desde los albores de su vida, a la presencia de frondosos campos de vegetación opulenta. No es una naturaleza que recree al espíritu.

Nos desase más bien del pobre suelo, envolviéndonos en el cielo puro, desnudo y uniforme. No hay aquí comunión con la naturaleza, ni nos absorbe ésta en sus espléndidas exuberancias; es, si cabe decirlo, más que panteístico, un paisaje monoteístico este campo infinito en que, sin perderse, se achica el hombre, y en que siente en medio de la sequía de los campos sequedades del alma [...].

Siempre que contemplo la llanura castellana recuerdo dos cuadros. Es el uno un campo escueto, seco y caliente, bajo un cielo intenso, en que llena largo espacio inmensa muchedumbre de moros arrodillados, con las espingardas en el suelo, hundidas las cabezas entre las manos apoyadas en tierra, y al frente de ellos, de pie, un caudillo tostado, con los brazos tensos al azul infinito y la vista perdida en él como diciendo: « ¡Sólo Dios es Dios!» En el otro cuadro se presentaban en el inmenso páramo muerto, a la luz derretida del crepúsculo, un cardo quebrando la imponente monotonía en el primer término, y en lontananza las siluetas de Don Quijote y Sancho sobre el cielo agonizante,

«Sólo Dios es Dios, la vida es sueño y que el sol no se ponga en mis dominios», se recuerda contemplando estas llanuras.

TEXTO 4.- Unamuno fue, sin duda, el primero en forjar la imagen de Castilla que habrían de desarrollar los escritores del "98". Tai imagen aparece ya en una de sus primeras obras, En torno al casticismo, escrita en 1895. Se propone en ella mostrar las raíces históricas de España, especialmente de Castilla; en uno de sus capítulos, se detiene a reflexionar sobre el condicionamiento de lo, geográfico en el espíritu castellano. A tal capítulo corresponde el siguiente fragmento:

Recórrense a las veces leguas y más leguas desiertas, sin divisar apenas más que la llanura inacabable donde verdea el trigo o amarillea el rastrojo, alguna procesión monótona y gravé de pardas encinas, de verde severo y perenne, que pasan lentamente espaciadas, o de -tristes pinos que levantan sus cabezas uniformes. De cuando en cuando, a la orilla de algún pobre regato medio seco o de un río claro, unos pocos álamos, que en la soledad infinita adquieren vida intensa y profunda. De ordinario anuncian estos álamos al hombre: hay por allí algún pueblo, tendido en la llanura al sol, tostado por este y curtido por el hielo, de adobes muy a menudo, dibujando en el azul del cielo la silueta de su campanario. En el fondo se ve muchas veces el espinazo de la sierra y, al acercarse a ella, no montañas redondas en forma de borona, verdes y frescas, cuajadas de arbolado, donde salpiquen al vencido helecho la flor amarilla de la argoma y la roja del brezo. Son estribaciones huesosas y descarnadas peñas erizadas de riscos, colinas recortadas que ponen al desnudo las capas del terreno resquebrajado de sed, cubiertas cuando más de pobres hierbas, donde sólo levantan cabeza el cardo rudo y la retama desnuda y olorosa.

1 rastrojo: campo en el que se ha segado la mies, 2 adobes: ladrillos de barro secado al aire, sin cocer. 3 borona: pan de maíz, característico del Norte. 4 árgoma: llamada también "aulaga" o "aliaga". En realidad, se da este nombre, -según las regiones- a diversas matas; el autor se refiere sin duda a la variedad más frecuente en la España húmeda. 5 brezo, arbusto muy ramoso con flores pequeñas de color blanco verdoso o rojizas; como la aulaga, es propio de tierras húmedas.

TEXTO 5-- La intrahistoria y la tradición eterna: También en En torno al Casticismo aparece el concepto de «intrahistoria». A él llega Unamuno en su lucha contra los tradicionalistas puros que sólo se quedan con lo más superficial de las tradiciones. Para él, la auténtica tradición no es contradictoria con el progreso. Y ambas se hallan «en el pueblo desconocido». Nótese en el texto el gusto del autor por la paradoja.


26/07/2010http://www.escoltas.net/acceso_online/literatura/el_modernismo_III.htm

Tradición, de tradere, equivale a «entrega», es lo que pasa de uno a otro; trans, un concepto hermano de los de transmisión, traslado, traspaso. Pero lo que pasa queda, porque hay algo que sirve de sustento al perpetuo flujo de las cosas [...].

Es fácil que el lector tenga olvidado de puro sabido que mientras pasan sistemas, escuelas y teorías va formándose el sedimento de las verdades eternas de la eterna esencia; que los ríos que van a perderse en el mar arrastran detritos de las montañas y forman con él terrenos de aluvión; que a las veces una crecida barre la capa externa y la corriente se enturbia; pero que, sedimentado el limo, se enriquece el campo. Sobre el. suelo compacto y firme de la esencia y el arte eternos corre el río del progreso que le fecunda y acrecienta.

Hay una tradición eterna, legado de los siglos, la de la ciencia y el universales y eternos, he aquí una verdad que hemos dejado morir en nos repitiéndola como el Padrenuestro [...].

Las olas de la historia, con su rumor y su espuma que reverbera al sol al ruedan sobre un mar continuo, hondo, inmensamente más hondo que la capa que ondula sobre un mar silencioso y a cuyo último fondo nunca llega el sol. Todo lo que cuentan a diario los periódicos, la historia toda del «presente momento histórico», no es sino la superficie del mar, una superficie que se hiela y cristaliza en los libros y registros, y una vez cristalizada así, una capa dura no mayor con respecto a la vida intrahistórica que esta pobre corteza en que vivimos con relación el inmenso foco ardiente que lleva dentro. Los periódicos nada dicen de la vida silenciosa de los millones de hombres sin historia que a todas horas del día y en todos los países del globo se levantan a una orden del sol y van a sus campos a proseguir la oscura y silenciosa labor cotidiana y eterna, esa labor que como la de las madréporas suboceánicas echa las bases sobre que se alzan los islotes de la historia. Sobre el silencio augusto, decía, se apoya y vive el sonido; sobre la inmensa humanidad silenciosa se levantan los que meten bulla en la historia. Esa vida intrahistórica, silenciosa y continua como el fondo mismo del mar, es la sustancia del progreso, la verdadera tradición, la tradición eterna, no la tradición mentira que se suele ir a buscar al pasado enterrado en libros y papeles, y monumentos, y piedras.

Texto 6.- Sed de eternidad, hambre de Dios He aquí el otro gran tema de Unamuno. De su inquietud religiosa es esplendida muestra esta pagina de una de sus obras más famosas Del sentimiento

t ragico de la v ida en los hombres y en los pueblos (1913). Se apreciará, además, ese tono vibrante,

desgarrado, potente, tan característico del autor

El universo visible, el que es hijo del instinto de conservación, me viene estrecho, esme como una jaula que me resulta chica, y contra cuyos barrotes da en sus revuelos mi alma; fáltame en él aire que respirar. Más, más y vez más; quiero ser yo, y sin dejar de serlo, ser además los otros, adentrarme a la totalidad de las cosas visibles e invisibles, extenderme a lo ilimitado del espacio y prolongarme a lo inacabable del tiempo. De no serlo todo y por siempre, es como si no fuera, y por lo menos ser todo yo, y serlo para siempre jamás. Y ser yo, es ser todos los demás. iO todo o nada!

iO todo o nada! ¿Y qué otro sentido puede tener el ser o no ser, To be or no to be sespiriano, el de aquel mismo poeta que hizo decir a Marcio en su "Coriolano" que sólo necesitaba la eternidad para ser dios : he wants nothing of a god but eternity ? iEternidad!, ¡eternidad! Este es el anhelo; la sed de eternidad es lo que se llama amor entre los hombres; y quien a otro ama es que quiere eternizarse en él. Lo que no es eterno tampoco es real.

Gritos de las entrañas del alma ha arrancado a los poetas de los tiempos todos esta tremenda visión del fluir de las olas de la vida [...].

La vanidad del mundo y el cómo pasa, y el amor son las dos notas radicales y entrañables de la verdadera poesía. Y son dos notas que no puede sonar la una sin que la otra a la vez resuene. El sentimiento de la vanidad del mundo pasajero nos mete el amor, único en que se vence lo vano y transitorio, único que rellena y eterniza la vida. Al parecer al menos, que en realidad... Y el amor, sobre todo cuando la lucha contra el destino súmenos en el sentimiento de la vanidad de este mundo de apariencias, y nos abre la vislumbre de otro en que, vencido el destino, sea ley la libertad.

¡Todo pasa! Tal es el estribillo de los que han bebido de la fuente de la vida, boca al chorro, de los que han gustado del fruto del árbol de la ciencia del bien y del mal.

¡Ser, ser siempre, ser sin término, sed de ser, sed de ser más!, ihambre de Dios!, ¡sed de amor eternizante y eterno!, ¡ser siempre!, ¡ser Dios!

Concupiscibles: apetecibles, deseables (en sentido sensual) panteístico: en relación con el panteísmo, concepción que identifica a Dios con el universo. espingardas: especie de escopeta primitiva. El sol no se ponga en mis dominios: Triple alusión a expresiones de Mahoma, Calderón y Felipe II, respectivamente. detritos: partículas arrancadas o desprendidas de las montañas. limo: lodo, barro. reverbera: brilla. esme: «me es», me resulta sespiriano: de Shakespeare, basándose en una pronunciación aproximada, Unamuno prefiere este adjetivo a "shakespeariano". La cita se traduciría así: «No quiero nada de un dios sino es la



eternidad"________________________________

Texto 7." La "nivola". Como ejemplo del arte narrativo de Unamuno, leamos un fragmento del capítulo XXXI de Niebla (1914), revelador, además, de las típicas preocupaciones unamunianas: la consistencia de la persona, el anhelo de «serse», la angustia ante la muerte y el más allá. Es un capítulo famoso: el protagonista, Augusto, desesperado por un desengaño amoroso, ha pensado en suicidarse. Sin embargo, habiendo leído cierto ensayo sobre el suicidio, decide consultar con su autor, que no es otro que... el propio Unamuno. He aquí la insólita conversación entre el novelista y su personaje (Cap. 31):

Cuando me anunciaron su visita sonreí enigmáticamente y le mande pasar a mi despacho-librería. Entró en él como un fantasma, miró a un retrato mío al óleo que allí preside a los libros de mi librería, y a una seña mía se sentó, frente a mí.

Empezó habiéndome de mis trabajos literarios y más o menos filosóficos, demostrando conocerlos bastante bien, lo que no dejó, iclaro está!, de halagarme, y en seguida empezó a contarme su vida y sus desdichas. Le atajé diciéndole que se ahorrase aquel trabajo, pues de las vicisitudes de su vida sabía yo tanto como él, y se lo demostré citándole los más íntimos pormenores y los que él creía más secretos. Me miró con ojos de verdadero terror y como quien mira a un ser increíble; creí notar que se le alteraba el color y traza de semblante y que hasta temblaba. Le tenía yo fascinado. [...]

Me miró con una enigmática y socarrona sonrisa y lentamente me dijo: -Pues más difícil aún que el que uno se conozca a sí mismo es el que un novelista

o un autor dramático conozca bien a los personajes que finge o cree fingir... Empezaba yo a estar inquieto con estas salidas de Augusto y a perder mi paciencia. -E insisto -añadió- en que aún concedido que usted me haya dado el ser y un

ser ficticio, no puede usted, así como así y porque sí, porque le dé la real gana, como dice, impedirme que me suicide.

-¡Bueno, basta! ¡Basta! -exclamé dando un puñetazo en la camilla-. ¡Cállate! ¡No quiero oír más impertinencias...! ¡Y de una criatura mía! Y como ya me tienes harto y además no sé ya qué hacer de ti, decido ahora mismo no ya que te suicides, sino matarte yo. ¡Vas a morir, pues, pero pronto! ¡Muy pronto!

-¿Cómo? -exclamó Augusto, sobresaltado-. ¿Que me va usted a dejar morir, a hacerme morir, a matarme?

-¡Sí, voy a hacer que mueras! -¡Ah, eso nunca! ¡Nunca! ¡Nunca! -gritó. -¡Ah! -le dije, mirándole con lástima y rabia-. ¿Conque estabas dispuesto a

matarte y no quieres que yo te mate? ¿Conque ibas a quitarte la vida y te resistes a que te la quite yo?

-Sí; no es lo mismo... -En efecto, he oído contar casos análogos. He oído de uno que salió una noche

armado de un revólver y dispuesto a quitarse la vida; salieron unos ladrones a robarle, le atacaron, se defendió, mató a uno de ellos, huyeron los demás, y al ver que había comprado su vida por la de otro renunció a su propósito.

-Se comprende -observó Augusto-; la cosa era quitar a alguien la vida, matar a un hombre, y ya que mató a otro, ¿a qué había de matarse? Los más de los suicidas son homicidas frustrados; se matan a sí mismos par falta de valor para matar a otros...

-¡Ah, ya te entiendo, Augusto, te entiendo! Tú quieres decir que si tuvieses valor para matar a Eugenia o a Mauricio, o a los dos, no pensarías en matarte a ti mismo, ¿eh?

-¡Mire usted, precisamente a esos... no! -¿A quién, pues? - iA usted! -y me miró a los ojos. -¿Cómo? -exclamé, poniéndome en pie-. ¿Cómo? Pero ¿se te ha pasado por

la imaginación matarme?, ¿tú?, ¿y a mí?

-Siéntese y tenga calma. ¿O es que cree usted, amigo don Miguel, que sería e! primer caso en que un ente de ficción, como usted me llama, matara a aquel a quien creyó darle ser... ficticio?

-iEsto ya es demasiado -decía yo, paseándome por mi despacho-, esto pasa de raya! Esto no sucede más que...

-Más que en las "nivolas" -concluyó con sorna. -¡Bueno, basta! ¡Basta! ¡Basta! ¡Esta no se puede tolerar! ¡Vienes a consultarme a

mí y tú empiezas por discutirme mi propia existencia, después el derecho que tengo a hacer de ti lo que me dé la real gana, sí, así como suena, lo que me la real gana, lo que me salga de...!

-No sea usted tan español, don Miguel... -¡Y eso más, mentecato! ¡Pues sí, soy español, español de nacimiento, de

educación, de cuerpo, de espíritu, de lengua y hasta de profesión y oficio; español sobre todo y ante todo, y el españolismo es mi religión, y el cielo en que quiero creer es una España celestial y eterna, y mi Dios un Dios español, el de Nuestro Señor Don Quijote; un Dios que piensa en español y en español dijo: ¡Sea la luz!, y su verbo fue verbo español...

-Bien, ¿y qué? -me interrumpió, volviéndome a la realidad. -Y luego has insinuado la ¡dea de matarme. ¿Matarme? ¿A mí? ¿Tú? ¡Morir yo a

manos de una de mis criaturas? No tolero más. Y para castigar tu osadía y esas doctrinas disolventes, extravagantes, anárquicas, con que te me has venido, resuelvo y fallo que te mueras. En cuanto llegues a tu casa te morirás. ¡Te morirás, te lo digo, te morirás!

-Pero ¡por Dios...! -exclamó Augusto, ya suplicante, y de miedo tembloroso y pálido. -No hay Dios que valga. ¡Te morirás! -Es que yo quiero vivir, don Miguel, quiero vivir, quiero vivir... -¿No pensabas matarte? -¡Oh, si es por eso, yo le juro, señor de Unamuno, que no me mataré, que

no me quitaré esta vida que Dios o usted me han dado; se lo juro... Ahora que



usted quiere matarme, quiero yo vivir, vivir, vivir... -¡Vaya una vida! -exclamé. -Sí, la que sea. Quiero vivir, aunque vuelva a ser burlado, aunque otra Eugenia y

otro Mauricio me desgarren el corazón. Quiero vivir, vivir, vivir... -No puede ser ya..., no puede ser... -Quiero vivir, vivir..., y ser yo, yo, yo. -Pero sí tú no eres sino lo que yo quisiera... -¡Quiero ser yo, ser yo! ¡Quiero vivir! -y le lloraba la voz. -No puede ser..., no puede ser... -Mire usted, don Miguel, por sus hijos, por su mujer, por lo que más quiera...

Mire que usted no será usted..., que se morirá... Cayó a mis pies de hinojos, suplicante y exclamando: -¡Don Miguel, por Dios, quiero vivir, quiero ser yo! -iNo puede ser, pobre Augusto -le dije, cogiéndole una mano y

levantándole-, no puede ser! Lo tengo ya escrito y es irrevocable; no puedes vivir más. No sé qué hacer ya de ti. Dios, cuando no sabe qué hacer de nosotros, nos mata... Y no se me olvida que pasó por tu mente la idea de matarme...

Texto 8.- San Manuel Bueno, mártir (Secuencia 5)

Su vida era activa y no contemplativa, huyendo cuanto podía de no tener nada que hacer. Cuando oía eso de que la ociosidad es la madre de todos los vicios, contestaba: "Y del peor de todos, que es el pensar ocioso". Y como yo le preguntara una vez qué es lo que con eso quería decir, me contestó: "Pensar ocioso es pensar para no hacer nada o pensar demasiado en lo que se ha hecho y no en lo que hay que hacer. A lo hecho pecho y a otra cosa, que no hay peor que remordimiento sin enmienda". ¡Hacer!, ¡hacer! Bien comprendí yo ya desde entonces que Don Manuel huía de pensar ocioso y a solas, que algún pensamiento le perseguía.

4.- VALLE-INCLÁN

Texto 1.- El resplandor de la hoguera (1909) (cap. XIX). Es un episodio de la guerra carlista de 1872 a 1876: una tropa de "cazadores" -soldados republicanos- es atacada por una partida carlista.

Algunas boinas rojas salían de los riscos y bajaban corriendo hacia el puente. Se veía la silueta negra de los soldados destacándose sobre el claro azul de las alturas, ágiles y saltantes. Oyendo sus gritos sonoros en el silencio de las rocas, aquella hilada de cazadores que cruzaba como un rebaño por la carretera, sintió de pronto el aire encendido de la guerra agitar las almas, revolar en ellas, hincharlas y darlas al viento como el paño de una bandera. Cada sargento veterano fue un caudillo y un ejemplo en la ocasión. El veterano capitán se apeó dando gritos heroicos:

- ¡Hijos míos, vamos a cubrirnos de gloria! ¡Es nuestro honor el honor de la patria! Tenemos dos madres: la santa que preside el hogar y nuestra bandera.

Corrió a la cabeza de la tropa con la barba trémula y los ojos brillantes, prontos a llenarse de lágrimas, porque era siempre el primero en sentir la emoción de sus arengas. Un zagal de doce años, hijo de un bagajero,gritaba a par del capitán, huroneando por las filas para cobrar el

asno. El animal, libre del peso del jinete, sacudía con desperezo los lomos y daba rebuznos tan sonoros que el eco milenario de aquellas montañas pudo despertarse recordando el son de la bocina de Rolando. Cuando alcanzó el asno, el muchacho cabalgó alegremente, y espoleándole con los talones corrió confundido entre los cazadores. Cerca del puente, una bala le abrió un agujero en la frente. Siguió sobre el asno con las manos amarillas y un ojo colgante sobre la mejilla, sujeto de un pingajo sangriento. Fue inclinándose lentamente hasta caer, y el asno quedó inmóvil a su lado.

El padre, que le vio de lejos, acudió corriendo, muy pálido. Los cazadores hacían fuego por descargas sobre los carlistas que ocupaban el puente y sólo respondían con un tiroteo graneado. Advertíase que apuntaban y disparaban despacio, como a las liebres en el acecho y a las codornices en los trigales. Elbagajero, inclinado sobre el cuerpo yerto del hijo, movía incesantemente la cabeza al oírel silbo de las balas.

5.- ANTONIO MACHADO (XIII) Texto 1.- Hacia un ocaso radiante caminaba el sol de estío, y era, entre nubes de fuego, una trompeta gigante, tras los álamos verdes de las márgenes del río. Dentro de un olmo sonaba la sempiterna tijera de la cigarra cantora, el monorritmo jovial,

El agua en sombra pasaba tan melancólicamente, bajo ios arcos del puente, como si al pasar dijera: «Apenas desamarrada la pobre barca, viajero, de! árbol de la ribera, se canta: no somos nada. Donde acaba el pobre río la inmensa mar nos espera.»



entre metal y madera, que es la canción estival. En una huerta sombría, giraban los cangilones de la noria soñolienta. Bajo las ramas obscuras el son del agua se oía. Era una tarde de julio, luminosa y polvorienta. Yo iba haciendo mi camino absorto en el solitario crepúsculo campesino. Y pensaba: «¡Hermosa tarde, nota de la lira inmensa, toda desdén y armonía; hermosa tarde, tú curas la pobre melancolía de este rincón vanidoso, obscuro rincón que piensa!» Pasaba el agua rizada bajo los ojos del puente. Lejos la ciudad dormía, como cubierta de un mago fanal de oro transparente. Bajo los arcos de piedra el agua clara corría. Los últimos arreboles coronaban las colinas manchadas de olivos grises y de negruzcas encinas. Yo caminaba cansado, sintiendo la vieja angustia que hace el corazón

pesado.

Bajo los ojos del puente pasaba el agua sombría. (Yo pensaba: iel alma mía!) Y me detuve un momento, en la tarde, a meditar... ¿Qué es esta gota en el viento que grita al mar: soy el mar? Vibraba el aire asordado por los élitros cantores que hacen el campo sonoro, cual si estuviera sembrado de campanitas de oro.

En el azul fulguraba un lucero diamantino. Cálido viento soplaba alborotando el camino. Yo, en la tarde polvorienta, hacia la ciudad volvía. Sonaban los cangilones de la noria soñolienta. Bajo las ramas obscuras caer el agua se oía.

llenáis de humo la cabeza de los hombres quizá ridiculamente plebeyos; pero vosotros como las estridentes cornetas o los bélicos decís de la vida lo que quizá la vida es en tambores. Vosotros sois de nuestra época: realidad: una melodía vulgar, monótona, humildes, sinceros, dulcemente plebeyos, ramplona, ante el horizonte ilimitado.

Texto 2.- Luces de bohemia (de la escena XII)

MAX.- Como te has convertido en buey, no podía reconocerte. Échame el aliento, ilustre buey del pesebre belenita. ¡Muge, Latino! Tú eres el cabestro, y si muges vendrá el Buey Apis. Lo torearemos. DON LATINO.-Me estás asustando. Debías dejar esa broma. MAX.- Los ultraístas son unos farsantes. El esperpentismo lo ha inventado Goya. Los héroes clásicos han ido a pasearse en el callejón del Gato. DON LATINO.- ¡Estás completamente curda! MAx.- Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada. DON LATINO.- ¡Miau! iTe estás contagiando! MAX.- España es una deformación grotesca de la civilización europea. DON LATINO.- ¡Pudiera! Yo me inhibo. MAx.- Las imágenes más bellas en un espejo cóncavo son absurdas. DON LATINO.- Conforme. Pero a mí me divierte mirarme en los espejos de la calle del Gato. MAx.- Y a mí. La deformación deja de serlo cuando está sujeta a una matemática perfecta. Mi estética actual es transformar con matemática de espejo cóncavo las normas clásicas. DON LATINO.- ¡Eres genial! ¡Me quito el cráneo! MAX.-Latino, deformemos la expresión en el mismo espejo que nos deforma las caras y toda la vida miserable de España. DON LATINO.- Nos mudaremos al callejón del Gato.



Generación del 98. Circunstancias políticas y sociales.

1.- La generación literaria de 1898. 2.- El ensayo: La angustia vital: Miguel de Unamuno. Teoría de la novela: Miguel de

Unamuno. 3.- Ensayos históricos y literarios: Azorín.

4.- Regeneracionismo y otros noventayochistas. 5.- Pío Baroja.

6.- La poesía: Del modernismo al 98: Antonio Machado. 7.- Valle-Inclán

1.- LA GENERACIÓN DEL 98.

Para Azorín, en un artículo de 1913, la Generación del 98 estaría integrada por Unamuno, Baroja, Maeztu, Valle-Inclán, Benavente, Rubén Darío y el propio Azorín, uniendo, así, a modernistas y noventayochistas, pues son partes distintas del mismo ideal: un fuerte espíritu de protesta unido a un profundo amor al arte influidos por los movimientos poéticos franceses de fin de siglo: el parnasianismo y el simbolismo, o sea, por Paul Verlaine, Rimbaud y Mallarmé Pedro Salinas, en 1935, aplica los requisitos establecidos por Petersen para definir una generación, y llega a la siguiente conclusión:

* Todos los autores de la Generación del 98 nacen en el intervalo de una época, lo que constituye un principio generacional.

* Su formación intelectual fue, en cambio, muy variada, desde los laureles universitarios más importantes al autodidactismo.

* Todos los autores de dicha generación se conocían y se trataban, especialmente Pío Baroja, Azorín y Maeztu que llegan a ser grandes amigos y publican, en 1901, un


26/07/2010http://www.escoltas.net/acceso_online/literatura/generacion_del_98.htm

Manifiesto para cooperar en la generación de un nuevo estado social en España, firmándolo como Grupo de los Tres. Rechazan los dogmas religiosos, los ideales republicanos y socialistas e incluso el ideal democrático', apostando por "la ciencia social" para mejorar la vida de los miserables, constituyendo un rotundo fracaso que les llevaría hacia posiciones desengañadas, de un escepticismo desconsolado.

* Los integrantes de esta generación participan en actos colectivos propios (viaje a Toledo en 1901 y homenaje a Mariano José de Larra, homenaje a Baroja en 1902, protesta en 1905 contra la concesión del Premio Nobel al dramaturgo Echegaray,lo que les afirma como generación.

* Los miembros de esta generación fueron marcados por el terrible acontecimiento generacional de la guerra con los E.E.U.U. y la consiguiente pérdida de las ultima colonias ultramarinas ("el desastre del 98").

* No queda clara la presencia de un guía o maestro de los miembros de esta generación, citándose a los filósofos Nietzsche, Schopenhauer y Unamuno como los puntos de referencia más claros.

* En todos los miembros de esta generación, incluidos los modernistas, hay una evidente ruptura con el lenguaje que se utilizaba literariamente a finales del siglo XIX, llegando a decir Pedro Salinas que "el modernismo no es otra cosa que el lenguaje generacional del 98".

* Por último, todos los miembros de esta generación se separaron de la influencia de la generación literaria anterior (Campoamor, Clarín, Pereda, Valera, Galdós, etc,).

Como no todos los requisitos generacionales de Petersen se cumplen, hay opiniones muy dispares sobre la Generación del 98, desde los que niegan su existencia (Ricardo Gullón y J.C. Mainer, que los consideran como una parte del movimiento Modernista) a los que creen que su preocupación por el tema de España, sus inquietudes filosóficas y su sentido estético de la sobriedad son suficientes para considerarles como un grupo coherente, tal y como postula el historiador Tuñón de Lara, dentro de la primera generación del siglo, junto a los modernistas, con quien tienen muchas características en común, y sin olvidar que la posterior evolución de cada uno les llevó por caminos muy distintas, en las cuales, Unamuno y Baroja serán los más fieles a sus ideas, el primero afirmado en su postura de contradicción y lucha, y el segundo en unas ideas socialistas que dieron lugar a un escepticismo pesimista. Azorín evolucionaría hacia posturas conservadoras y Maeztu aún más, llegando al fascismo tradicionalista; Antonio Machado y Valle-Inclán sufren una evolución de signo distinto, pasando de una juventud tradicional, conservadora y poco comprometida hacia unas ideas de izquierda cada vez más radicales. En cualquier caso nos encontramos frente a un grupo que, como los modernistas, contribuyeron de manera decisiva a enterrar el prosaísmo o la retórica de la generación de finales del siglo XIX, y



a renovar el mundo literario español con su prosa sobria y natural, y su estilo cuidado, donde se aprecia el gusto por las palabras tradicionales y terruñeras, especialmente en Azorín, y la fina sensibilidad y el subjetivismo lírico que desprenden sus escritos, reformando la concepción de la novela y configurando el tipo de ensayo moderno, inexistente, hasta entonces, en España, difundiendo sus ideas que se caracterizan por los siguientes rasgos:

* Un profundo anhelo idealista de la vida, entroncado con las principales corrientes filosóficas irracionalistas europeas (Nietzsche, Schopenhauer, Kierkegaard, etc.;), a lo que hay que añadir una concepción neorromanticista de la vida, proveniente del Modernismo, en las que adquiere especial relevancia las preocupaciones existenciales (el sentido de la vida, el destino del hombre etc.)

* La importancia que tiene para esta generación el tema de España, enlazándolo con sus propios anhelos y angustias íntimas, lo que les lleva a abordar el problema desde un punto de vista filosófico y subjetivo.

2.- MIGUEL DE UNAMUNO.

Vasco, de carácter fortísimo, nacido en Bilbao en 1864, vivió durante su infancia la última guerra carlista, que luego recogería en su novela Paz en la guerra, estudió Filosofía y Letras en Madrid y ganó, tras varios intentos, la prestigiosa cátedra de Griego en la Universidad de Salamanca, en la que sería elegido rector en 1901. Su vida estuvo vinculada definitivamente a Salamanca y a su universidad, aunque viajó por toda España y permaneció desterrado en Fuerteventura entre 1924 y 1930 por su oposición a la dictadura de Miguel Primo de Rivera, regresando triunfalmente desde París al comienzo de la Segunda República. Unamuno, hombre de profundas creencias y más profundas dudas, perdió la fe en 1891, afiliándose al PSOE entre 1894 y 1897, pero una nueva crisis personal y religiosa ante el misterio de la muerte le hacer abandonar en su militancia política y preocuparse de los problemas existenciales, convirtiéndose en el eje de su obra. Su personalidad funde un carácter tremendo con un profundo desgarro y una intensa actividad que le lleva a una lucha incesante, sobre todo consigo mismo, para dilucidar sus problemas metafíisicos, orientando toda su obra a sus dos grandes temas: el sentido de la vida humana y el problema de España que reflejaba también una visión desgarrada de la realidad nacional. Unamuno fue uno de los filósofos españoles y europeos más importantes de su tiempo, en la línea del vitalismo influido, sobre todo, por Kierkegaard. Su enorme preocupación por los problemas existenciales impregna toda su obra, pero se aprecia especialmente en Del sentimiento trágico de la vida (1913), donde plantea el problema de escoger una sola dirección de la propia personalidad y ahondar en ella, o volcarse hacia todas las posibilidades, en un ansia de plenitud que es brutalmente cercenada por la Nada, o sea, por la muerte, precediendo al pensamiento del gran filósofo existencialista Jean-Paul Sartre.

Ante el terrible hecho de la muerte aparece la angustia humana como un despertar a la condición trágica del hombre, planteando tanto el problema de la inmortalidad como el



de la necesidad de Dios, lo cual niega su razón pero necesita su corazón para evitar la angustia existencial. En 1925 aparecerá La agonía del Cristianismo, donde expondrá su particular forma de sentir la religiosidad cristiana. Esta visión desgarrada de la vida impregnará todas sus obras de ficción, desde sus novelas y cuentos, a sus libros de poesías (Poesías, 1907; El Cristo de Velázquez, 1920 y Cancionero obra póstuma) que tardaron en ser apreciados por la dureza de su estilo y su contenido religioso y filosófico, y a su teatro donde ofrece, como por ejemplo en Fedra, los conflictos más íntimos del ser humano.

Unamuno como novelista es uno de los renovadores más destacados del género, comenzando, sin embargo, con una novela histórica Paz en la guerra (1897), extensísima y espléndida que recoge los hechos de su infancia en el Bilbao cercado en la última guerra carlista. Unamuno tardó doce años en realizar su primera obra pero después se convirtió en un escritor rápido que parte de una idea central y desarrolla las obra con agilidad, así, en 1902 publica Amor y pedagogía ,una novela de ideas donde el protagonista se propone educar a su hijo sobre las bases racionalistas y positivistas para convertirle en un genio, logrando un ser desgraciado que se terminará suicidando. La crítica recibió mal este nuevo tipo de novela al que no sabía como clasificar. Unamuno, con ironía, tituló en italiano "nivolas" a sus siguientes obras: Niebla (1914), una auténtica obra maestra donde, adelantándose a Pirandello, el protagonista se enfrenta al autor, lo que se convertiría en una característica de las obra unamunianas, en las que los personajes luchan contra la muerte y la disolución de su personalidad. Así, vendrá Abel Sánchez (1917), que gira en torno a la envidia, el odio y el "cainismo".

La tía Tula (1921), sobre el sentimiento de maternidad, que es uno de los anhelos esenciales para el autor y una serie de novelas cortas como Tres novelas ejemplares (1920) y San Manuel Bueno, mártir. Las novelas de Unamuno se distinguen por la soltura constructiva, la parquedad descriptiva y la importancia de los diálogos, buscando la densidad de ideas, la intensidad emocional pero no la elegancia, luchando contra los límites del idioma para expresar su pensamiento y sus contradicciones internas que le llevan a las paradojas y las antítesis, así como a la invención de palabras y revitalización de sentidos primitivos de las mismas.

2.1 SAN MANUEL BUENO, MÁRTIR.

Para muchos críticos, esta novela corta de Unamuno es la más característica y perfecta de su autor, perteneciendo a la última etapa de su carrera literaria (1930), justo a la vuelta de su época de destierro, aflorando, junto a su deseo de volver a la lucha política sus viejas dudas existenciales.

La novela trata, básicamente, de un tema muy querido por el autor: el caso de un sacerdote que ha perdido la fe, incidiendo en la génesis de la misma un caso real conocido por el propio Unamuno, además de la influencia de ciertas lecturas, como El vicario de Ciges Aparicio, La profesión de fe del vicario saboyano de Rousseau e II Santo de A. Fogazzaro, unido a un viaje que realizó el autor al lago de Sanabria que



terminó por darle el escenario perfecto para su obra. El argumento es narrado por una testigo, Ángeles Carballino que escribe la historia de don Manuel Bueno, cura en su pueblo Valverde de Lucerna. Este hombre, de actividad sobrehumana y caritativa es descrito como un santo en vida, que parece ocultar un terrible secreto, al cual sólo tendrá acceso la narradora y su hermano, Lázaro, de ideas progresistas y anticlericales, que vuelto al pueblo, y superada la animadversión hacia el sacerdote por sus propias creencias, se convierte en la mano derecha del religioso que no tiene fe, ni cree en Dios, ni en la resurrección de la carne pero que finge creer para poder consolar a los pobres habitantes del pueblo, cuya vida miserable solo encuentra consuelo en la religión. Transcurre el tiempo, muere el cura sin fe, Lázaro le releva y al morir su hermano, Ángela escribirá la terrible historia y se preguntará por la trascendencia del ser humano.

La novela gira en torno a la inmortalidad y la fe, pero con un enfoque muy original: la alternativa entre una verdad trágica y una felicidad ilusoria, pareciendo que el autor opta por lo segundo (al contrario de lo que hubieran hecho los autores existencialistas Jean-Paul Sartre o Albert Camus), en contra de los idea les socialistas de su juventud y de su propias ideas de regeneración social. Además, en esta novela aparece con fuerza otros temas secundarios, como la abnegación,el amor al prójimo y el problema de la salvación, al que en sus reflexiones finales, Unamuno aborda con cierta esperanza ambigua. San Manuel Bueno, mártir es una novela aparentemente sencilla aunque compleja, desdoblándose el autor y la narradora mediante el conocido recurso del manuscrito encontrado, de origen cervantino, de tal forma que es el punto de vista de Ángela el que se nos transmite y tras el que se oculta y juega el propio autor. La novela está divida en 25 fragmentos o secuencias, dividida en tres partes: secuencia 1 a 8 ocupadas por las noticias preliminares sobre don Manuel; secuencias 9 a 20 donde aparece el cuerpo central del relato en la cual aparecen todos los personajes de la novela, se revela el secreto del sacerdote y se produce su muerte; secuencias 21 a 25 con el final del relato por parte de Ángela y el epílogo del autor. El tiempo de la novela presenta saltos en el tiempo (elipsis narrativas) y anotaciones en el relato correspondientes a tiempos distintos.

Lo llamativo de San Manuel Bueno, mártir es el arte con está narrado, caracterizando progresivamente al protagonista mediante un hábil engarce de anécdotas, interesándonos por el terrible secreto del sacerdote cuyo descubrimiento constituye el momento culminante del relato. Los otros personajes son secundarios, presentando nombres de valor simbólico (Manuel=Enmanuel = "Dios con nosotros"; Ángela=mensajera=Evangelista; Lázaro= "resucitado de entre los muertos),al igual que los topónimos (Valverde de Lucerna= ciudad de esperanza por el color y la luz; Renada=existencialismo agnóstico) Los propios elementos del paisaje adquieren una fuerte carga simbólica: el nogal, la montaña, el lago que refleja el cielo pero oculta en su interior una aldea muerta.

El mensaje de la novela es tan contradictorio como el propio autor que se debatió toda su vida entre sus dudas metafísicas, entre la religiosidad y sus ideas sociales y políticas, aunque desde el punto de vista literario estamos ante la obra más lograda de Miguel de Unamuno, cuya postura ante el levantamiento militar del 36 fue cambiante, pero que desembocó en la famosa frase: " venceréis pero no convenceréis" que le valió la



destitución de su cargo de rector de la Universidad de Salamanca y el confinamiento en su domicilio en el que murió repentinamente el último día de 1936.

3.- JOSÉ MARTÍNEZ RUIZ.

Nació en Monovar, Alicante, en 1873, cursando estudios de Derecho y ejerciendo como periodista apacible, tranquilo y conservador tras una juventud exaltada en las ideas anarquistas, llegando a ser subsecretario de Instrucción Pública. A partir de 1904 toma como pseudónimo literario el apellido del protagonista de una de sus primeras novelas Antonio Azorín (1903), presentando su literatura una fuerte obsesión por el Tiempo y por la fugacidad de la vida que le conducen a una íntima tristeza, a una melancolía que lucha contra el paso de la vida intentando fijar el recuerdo de las cosas que pasaron, presentando una visión nostálgica y contemplativa de la vida.

Azorín es un ensayista magistral, logrando renovar por completo el género del ensayo, destacando en la crítica literaria y en la evocación de las tierras y los hombres de España, llegando a fundir en sus obra el ensayo y la novela perdiendo importancia el argumento que es sustituido por su desazón existencial y su característica visión de España. Sus tres primeras novelas -La voluntad, 1902; Antonio Azorín, 1903 y Las confesiones de un pequeño filósofo, 1904- son de carácter autobiográfico. Después acometió una revisión de ciertos tipos literarios como Don Juan, 1922; Doña Inés, 1925, y más tarde presenta nuevos personajes melancólicos y sensitivos, como María Fontán,1943 y Salvadora de Olbena 1944. Los rasgos más característicos de la obra azoriniana son la voluntad artística y el subjetivismo, utilizando un estilo lento, melancólico, lleno de lirismo contenido donde destaca la precisión y la claridad, empleando la palabra justa y la frase breve logrando una impresionante pulcritud literaria. España será uno de sus temas favoritos, reuniendo estampas y evocaciones de la vida española en Los pueblos, 1905 y en Castilla, 1912,reviviendo el pasado glorioso y el más sencillo, con sus catedrales y castillos llenos de hidalgos y místicos, donde conviven los personajes sencillos con Fray Luis de León, la Celestina o el Lazarillo. En la pintura del paisajes proyecta Azorín su sensibilidad melancólica, pintando las tierras de España en sus innumerables viajes, donde destaca la pintura de los paisajes castellanos, con sus llanuras peladas, sus riberas amables y sus pueblos pobres medio abandonados descritos con técnica miniaturista llena de lirismo limpio y preciso, buscando el detalle revelador del que extrae hondas sugerencias, gracias a su inmensa riqueza de vocabulario en la línea de búsqueda de palabras olvidadas tan propia de los noventayochistas y en la línea de una regeneración literaria de los mejores valores españoles.

4.- OTROS:

Entre los regeneracionistas del noventa y ocho hay que destacar a Ángel Ganivet, precursor del 98 en su obra Idearium español (1898) donde estudia los rasgos del espíritu español, exalta las glorias pasadas y denuncia los males del presente mostrando la necesidad de una renovación espiritual. Joaquín Costa, profesor de la I.L.E. (Institución Libre de Enseñanza) que presenta un hondo conocimiento de los problemas del campo



español en Colectivismo agrario en España, 1898, proponiendo una serie de importantes reformas condesadas en dos famosas frases: "despensa y escuela" y "echar doble llave al sepulcro del Cid". En 1901 publica un fuerte ataque a la oligarquía del poder en la obra Oligarquía y caciquismo donde propone la existencia de un dictador ilustrado y regenerador ante su desconfianza en el sistema político.

Otro de los regeneracionistas destacados fue Ramiro de Maeztu, integrante del Grupo de los Tres que tuvo una juventud revolucionaria muy exaltada expresando sus ideas en Hacia otra España, 1899 ofreciendo una visión implacable de la postración del país. Más tarde, residirá en Londres, como periodista desde 1905 a 1916,moderando su postura política hasta defender la Dictadura de Primo de Rivera a finales de los años veinte, creando en 1931 la revista falangista Acción española y defendiendo las ideas tradicionalistas en Defensa de la Hispanidad, 1934,exaltando la España imperial y su acción en América, identificando el catolicismo como el punto de unión de los pueblos y razas que componen el mundo hispano. Fue condenado por un "tribunal popular" y fusilado en 1936.

5.-PIO BAROJA

Sin duda el miembro más destacado del Grupo de los Tres fue el novelista Pío Baroja, al que novelistas de la talla de Ernest Hemingway y Camilo José Cela consideraban su "maestro". Entre la numerosa obra de Baroja destaca El árbol de la Ciencia, considerada como su mejor obra filosófica y una de las mejores de sus novelas. El árbol de la Ciencia tiene mucho de autobiográfico, utilizando algunos de sus pasajes en sus Memorias. Además, la obra constituye la radiografía de la sensibilidad y de los conflictos espirituales de principios de siglo en España, desarrollando la vida de Andrés Hurtado, un personaje perdido en un mundo absurdo y en medio de circunstancias adversas que generan una sucesión de desengaños, empezando por su ambiente familiar, lleno de soledad y tristeza que le conducen a una necesidad de encontrar el sentido de la vida. Estudia Medicina, como el propio autor, pero el estado lamentable de la ciencia en España no sacia su sed de conocimiento y el contacto con los enfermos y la realidad hospitalaria le conducen a una fuerte depresión, debatiéndose entre su radicalismo revolucionario utópico juvenil y el sentimiento de "la inanidad de todo". Su vida sentimental tampoco es más satisfactoria, empezando con el conocimiento de Lulú, una mujer marcada con lacras de todo tipo y la muerte de su hermano menor Luis, debido a una larga enfermedad a la que no puede combatir a pesar de ser médico. Su evolución posterior solo le conduce a callejones sin salida, como el contacto con el ambiente deforme del pueblo llano en un Madrid pantanoso y angustiado lo que le conducen a un absoluto pesimismo político, a un aislamiento personal y a una postura pasiva de la que parece sacarle su matrimonio con Lulú, dándole sus únicos momentos de felicidad que rápidamente son truncados por la muerte de su hijo y de su mujer, lo que le conducirá inmediatamente al suicidio, revelando en esta triste historia el hondo malestar del propio autor y de la época.



5.1 El árbol de la Ciencia se compone de siete partes que suman 53 capítulos de extensión breve y cuya unidad se obtiene en la figura de Andrés Hurtado, lo cual permite, también dividir la obra en "ciclo" o etapas de la vida del protagonista separadas por un intermedio reflexivo, lo que indica que la novela es compleja, y a pesar de su aparente descuido, nos encontramos ante una obra muy bien reflexionada, donde el hilo narrativo presenta una gran libertad entrelazándose con multitud de anécdotas laterales. Además del protagonista, Andrés Hurtado, el otro gran personaje es Lulú, un espléndido tipo de mujer, tan frecuente en Baroja, que se marchitará por el trabajo, la miseria y la inteligencia. Es una mujer graciosa y amarga, lúcida y mordaz que no acepta las convenciones sociales, con una gran humanidad, nobleza y ternura por los desvalidos, valorando, sobre todo, la sinceridad y la lealtad. Además de Andrés y Lulú pululan una enorme cantidad de personajes secundarios, como el padre de Andrés, despótico y arbitrario, Aracil un cínico vividor sin escrúpulos, Luisito, que es todo ternura, Iturrioz, el filósofo, etc., donde aparecerán profesores, estudiantes, enfermos, personal hospitalario, gente del mundo rural, de la gran ciudad, etc., pudiéndose hablar de personajes colectivos que constituyen la atmósfera del relato. Para los personajes principales, Baroja usa una técnica de caracterización paulatina, definiéndoles poco a poco y evolucionando a lo largo de la obra. Para los personajes secundarios nos ofrece bocetos vigorosos que no evolucionan moviéndose todos los personajes en un mundo descrito con muy pocos rasgos pero ofreciendo impresiones vivísimas, destacando su maestría en el paisaje donde con gran economía de medios compone perfectamente los ambientes y sus detalles, constituyendo la suma de estos ambientes un mosaico de la vida española de la época, señalando la pobreza cultural del país a través de la ineptitud de los profesores y el desprecio hacia la ciencia y la investigación, la más diversas miserias y lacras sociales, donde el campo está presidido por la insolidaridad y la pasividad ante las injusticias y la ciudad se debate entre la más absoluta miseria y la juerga despreocupada de los pudientes. Ante toda esta iniquidad social la impotencia del protagonista y del autor es absoluta. Este pesimismo sustancial a la obra le confiere su carácter filosófico, apareciendo los conflictos existenciales como el centro de la obra, y ante los cuales no halla el protagonista ningún asidero intelectual, ya que la ciencia no le proporciona las respuestas que busca sobre el sentido de la vida y del mundo: al contrario, la inteligencia y la ciencia solo le agudizan el dolor de vivir (de ahí el título de la obra, con la referencia al Génesis bíblico). La vida humana, pues, aparece como carente de todo sentido en la línea filosófica de Schopenhauer, al que se cita textualmente, como "la vida en general, y sobre todo la suya, le parecía una cosa fea, turbia, dolorosa e indominable". También aparecerán las ideas de Darwin presentando la vida como una lucha constante, una cacería cruel en que nos vamos devorando unos a otros, lo que degenera en la crueldad. Ante este terrible panorama solo quedan dos soluciones prácticas: la abstención ,como contemplación indiferente del mundo, o la acción, limitándose a un círculo muy pequeño, debatiéndose el protagonista entre estas dos opciones. En cuanto al estilo, Baroja presenta su predilección por el párrafo breve y la naturalidad expresiva siendo notable la utilización de términos coloquiales y vulgarismos, convirtiéndose El árbol de la Ciencia en la más representativa de las novelas barojianas, y la novela más típica de la generación del 98, según Valbuena Prat.



6. ANTONIO MACHADO

La obra de Antonio Machado, en toda su sencillez y claridad de estilo, es una de las más hondas y ricas en el panorama poético de nuestro siglo. Sevillano, descendía de una familia "liberal",cuyo padre, Antonio Machado Alvarez, "Demonio", fue un destacado articulista y recopilador de canciones populares, que asimilaron sus hijos Antonio y Manuel. Criado en Madrid, en la Institución Libre de Enseñanza, publicó en 1903 su primer libro poético Soledades, que volvería a reeditar, ampliado, en el decisivo año de 1907, pues además obtiene la cátedra de francés del Instituto de Soria, a pesar de no tener título universitario. Son poemas de carácter modernista, tanto por su versificación como por el estilo y el contenido, presentado una veta romántica e intimista. Sus temas son el tiempo la muerte y Dios, empleando numerosos símbolos, como el agua, la tarde, la novia, etc. Últimamente es un libro muy valorado por la crítica especializada, que siempre se había fijado más en Campos de Castilla, ya que es muy variado al ser sucesivamente ampliado. Dos años más tarde se casa, con 34 años con Leonor, de 16 años, hija de la patrona de su pensión. Con ella, entre 1910/1911, gracias a una beca, vive en París, asiste a la famosa tertulia del filósofo Bergson, y se codea con importantes literatos. Al volver de París, Leonor está gravemente enferma de tuberculosis y muere en 1912, días después de publicarse el segundo libro de Antonio, Campos de Castilla. Machado está muy afectado por la enfermedad y muerte de Leonor. Está compuesto por poemas intimistas y filosóficos, donde adquiere una enorme importancia el paisaje castellano, reflejando la soledad y fugacidad de la vida, así como una preocupación patriótica bajo una mirada crítica a España, aunque presenta también una visión progresista del futuro español que recoge sus más íntimas esperanzas. En Campos de Castilla aparece, además un largo romance de tema cainita, La tierra de Alvaro gonzález, que representa una revitalización del romancero, y una serie de pequeñas composiciones filosóficas y poéticas que anticipan su siguiente obra Nuevas Canciones, una serie poética, ante todo filosófica, cuya parte principal son los Proverbios y cantares ya iniciados en Campos de Castilla. En esta nueva obra de 1924 se agrupan poemas heterogéneos, intimistas, de carácter andaluz y otros circunstanciales (sonetos dedicados a sus amigos, etc.),en el que se inicia un cambio evidente. El Machado poeta es sustituido, progresivamente por un Machado filósofo y político, comprometido seriamente con la causa de la República, resistente en Madrid que termina como exiliado agonizante en Francia, muriendo en la localidad francesa de Colliure. Machado ya no publicará ningún cancionero más, sino sus Poesías completas en sucesivas reediciones, donde encontramos pequeños y nuevos trabajos poéticos, como el Cancionero apócrifo de Abel Martín y Juan de Mairena, apareciendo las canciones a su nuevo amor Guiomar (Pilar Valderrama). 1928 es un año decisivo para el poeta cuando entra en su vida el amor de "Guiomar", sustituto fonético de Pilar, señora casada, aficionada a la poesía, de buena familia y mentalidad conservadora, en contraste con el progresismo creciente de Antonio Machado. Los cinco últimos años de Antonio Machado tienen como casi única obra Juan de Mairena. Sentencias, donaires, apuntes y recuerdos de un profesor apócrifo, columna periodística semanal de 1934 a 1936,encabezando todos los números de la revista mensual Hora de España: es la voz directa o indirecta de un profesor informal, que charla con sus alumnos, o que anota ideas y anécdotas, siendo un calco de la lengua hablada. Al comienzo de la Guerra Civil, Machado expresa su adhesión al gobierno republicano, coherente con su pensamiento, y



muy debilitado físicamente es trasladado a Valencia, aunque prosigue su tarea literaria: las llamadas Poesías de Guerra, una veintena de composiciones efectuadas durante la Guerra Civil. Se traslada a Barcelona en 1938,y en enero de 1939 a Francia, donde morirá en el pueblo costero de Colliure,en el cual está enterrado. Con su hermano Manuel escribió una serie de obras teatrales, como Desdichas de la fortuna o Julianillo Valcárcel, sobre un bastardo del conde-duque de Olivares, y otra, Juan de Manara, que trasplanta a tiempos actuales una variante del viejo tema del seductor; luego vendrían otras obras como Las adelfas,o El hombre que murió en la guerra, La Lola se va a los puertos, La prima Fernanda y La duquesa de Benamejí, sin duda la mejor pieza teatral de los Machado, narrando los amores de una duquesa y un "bandido generoso", en la época de Fernando VIL

7.- RAMON MARIA DEL VALLE-INCLÁN (1866-1936)

Novelista, poeta y autor dramático español, además de cuentista, ensayista y periodista. Destacó en todos los géneros que cultivó y fue un modernista de primera hora que satirizó amargamente la sociedad española de su época. Nació en Villanueva de Arosa, Pontevedra, y estudió Derecho en Santiago de Compostela, pero interrumpió sus estudios para viajar a México, donde trabajó de periodista en El Correo Español y El Universal. A su regreso a Madrid llevó una vida literaria, adoptando una imagen que parece encarnar algunos de sus personajes. Actor de sí mismo, profesó un auténtico culto a la literatura, por la que sacrificó todo, llevando una vida bohemia de la que corrieron muchas anécdotas. Perdió un brazo durante una pelea. En 1916 visitó el frente francés de la I Guerra Mundial, y en 1922 volvió a viajar a México. Al proclamarse la República, en 1931, desempeñó varios cargos oficiales, entre ellos el de Director de la Escuela de Bellas Artes de Roma. Posteriormente regresó a Santiago de Compostela, donde murió en enero de 1936. Su primer libro fue Femeninas, de 1895, con el realto 'La niña chole' de inspiración mexicana, al que siguieron obras de inspiración gallega, donde destaca la estilización lírica del ambiente campesino y popular, como Flor de santidad (1904), la poesía de Aromas de leyenda (1907), y al mismo tiempo el arte erótico refinado, evocador y musical de las cuatro Sonatas (de otoño, estío, primavera y verano), aparecidas entre 1902 y 1905, y que constituyen la biografía galante del marqués de Bradomín, y suponen la culminación del modernismo español. En 1907 se casó con la actriz Josefina Blanco, y publicó la primera de sus llamadas comedias bárbaras, Águila de blasón, a la que siguió Romance de lobos (1908), obras de gran estilización dramática en un ambiente violento de resonancias medievales. En Cara de plata (1922), tercer volumen de esta trilogía teatral, vuelve a observarse el giro hacia las consideraciones de crítica social, como también ocurre en sus tres novelas ambientadas en la guerra carlista, Los cruzados de la causa (1908), El resplandor de la hoguera (1909) y Gerifaltes de antaño (1909), que ofrecen una amplia visión de carácter histórico de la época. En las obras dramáticas Cuento de abril (1910) y La marquesa Rosalinda (1913), retoma el modernismo. Lo mismo que ocurre en Voces de gesta (1911). A partir de entonces, la tragedia resulta escueta, desnuda, aunque en La lámpara maravillosa (1916), todavía utilice un lenguaje hermético para exponer ideas originales acerca del misticismo y la creación. Probablemente su segundo viaje a México le inspiró la escritura de Tirano Banderas (1926), considerada su mejor novela, síntesis del mundo americano, de muchos



personajes y caudillos, que antecede a las llamadas novelas de tiranos cultivadas, entre otros, por Miguel Ángel Asturias, Alejo Carpentier o García Márquez. Su obra teatral Luces de bohemia (1920), estableció una estética de la deformación, por medio de la que estiliza lo bajo, lo feo, con una especie de expresionismo gestual y caricaturesco que él mismo llama -del héroe reflejado en el espejo cóncavo- y que llamará esperpento y tiene antecedentes en Quevedo y Goya. Probablemente sea su obra teatral más lograda. Los cuernos de don Friolera (1921), y Las galas del difunto (1926), inciden en esta estética, mientras que en Divinas palabras (1920), la virtud de la palabra sagrada se impone a las pasiones carnales en unos ambientes de pesadilla.

Valle-Inclán volvió a escribir novela histórica en El ruedo ibérico, una serie de novelas que se basan en el reinado de Isabel II, donde aparece una amarga visión satírica de la realidad española, y que consta de La corte de los milagros (1927), Viva mi dueño (1928) y Baza de espadas, que apareció postumamente



Novecentismo.

Marco histórico, social y cultural. Generación del 14. Ensayo: Ortega y Gasset, Marañon.

Poesía: Juan Ramón Jiménez y León Felipe Novela: G. Miró, R. Pérez de Ayala, W. Fernández Flórez.

Teatro: Arruches, Hnos. Álvarez Quintero

EL NOVECENTISMO.

Al comienzo de la primera guerra mundial, en 1914, Azorín, identifica la llegada de un nuevo grupo de escritores: "Otra generación ha llegado. Hay en estos jóvenes más método, más preocupación científica. Son los que este núcleo forman, críticos, historiadores, filólogos, eruditos, profesores. Saben más que nosotros.¿Tienen nuestra espontaneidad? Dejémosles paso" Los actos con los que esta nueva generación se da a conocer comienzan con el discurso de Ortega y Gasset en 1914, sobre "Vieja y nueva política" frente a hombres como Azaña, Américo Castro, etc. Además, el propio Ortega funda una revista decisiva España, de orientación reformista, en 1915,año en el que comienza la tertulia del café de Pombo, presidida por el vanguardista Ramón Gómez de la Serna. En 1916 el escritor Cansinos-Asséns publica La nueva literatura, donde reconoce la labor de la nueva generación, que viene apoyada por la labor de renovación intelectual de la Institución Libre de Enseñanza y La Residencia de Estudiantes. Se trata de un grupo de escritores e intelectuales de gran talla, que desarrollan su labor entre la primera guerra mundial y la guerra civil.

Presentan, en general, un deseo de reformismo burgués, moviéndose entre el liberalismo puro y las ideas social-demócratas, defendiendo una idea republicana del sistema politico. Su fuerte formación intelectual les lleva a un racionalismo magistral, pulcro, sereno, objetivo, antimodernistas y antirromanticistas, manifestando un fervor por lo clásico, cuya producción está destinada a las minorías cultas. Su actitud intelectual es universalista y europeista, considerando el nacionalismo como una postura ignorante y miserable (Ortega: "Los españoles somos una raza que se muere por instinto de


26/07/2010http://www.escoltas.net/acceso_online/literatura/el_novecentismo.htm

conservación.") Sin embargo, el tema de España, fundamental en el Grupo del 98, es también objeto de su interés, desde una postura más optimista, sin perder la orientación "castellanocéntrica" Esta generación busca una revolución desde el poder, y tiene un concepto elitista de la política y la cultura. Su concepción literaria manifiesta un absoluto rechazo a todo movimiento cultural procedente del siglo XIX, tanto al Romanticismo como al Realismo trivial. Sus escritos huyen del sentimentalismo, de los tonos apasionados y vehementes (como los de Unamuno), intentando conseguir el equilibrio, la pulcritud, en un tono intelectual y minoritario. El ideal será el de un "arte puro" que procura un mero placer estético. Su lenguaje es de características poéticas, enormemente cuidado, bajo la idea obsesiva de la obra "bien hecha".

Como el núcleo de la Generación del 14 lo forman destacados intelectuales, no es extraño la importancia que cobra el ensayo, donde destacaran figuras de la talla de Eugenio D'Ors, que es, junto a Ortega, una de las cabezas visibles de este movimiento. Sus temas favoritos serán el arte y la cultura, desde un punto de vista clásico, que, sin embargo, siente enorme curiosidad por los movimientos de vanguardia. Sus ensayos Tres horas en el Museo del Prado (1923) y Lo barroco (1935),le convirtieron en una autoridad mundial sobre arte.

Otra de las figuras destacadas fue el eminente médico y gran humanista Gregorio Marañón, cuyos estudios históricos -El conde-duque de Olivares, literarios -Don Juan-, políticos, sociales y cultura -les le convirtieron en una de las figuras más destacadas de su época. Manuel Azaña fue una figura política de primer orden. Abogado y fundador de Izquierda Republicana, llegó a ser Presidente del Gobierno y Jefe del Estado, durante la II República. Su vocación intelectual quedó demostrada en la dirección de la revista España, entre 1923 y 1924, llegando a ser presidente del Ateneo de Madrid. En 1927 publica una deliciosa novela autobiográfica sobre sus años de estudiante El jardín de los frailes, publicando diversos trabajos de crítica literaria, como La invención de Don Quijote. Su prosa se caracteriza por su gran estilo literario, transparente y firme.

La Generación del 14 ha recibido también el nombre de Generación de Ortega, para significar el lugar central que ocupa el filósofo Ortega y Gasset. Madrileño, hijo de una familia acomodada de periodistas, se licenció en Filosofía, ampliando sus estudios en Alemania. En 1910 obtiene la cátedra de Metafísica de la Universidad de Madrid. En 1913 funda la Liga para la Educación Política, en 1915 la revista España, y en 1922 la fundamental Revista de Occidente, en la que se mostraron las nuevas corrientes europeas y españolas en todos los campos del pensamiento de la creación. Fue un escritor intenso y un brillante conferenciante. Apoyó a la República pero luego se decepcionó, exiliándose al comienzo de la Guerra Civil. Cuando volvió, en 1945,se le negó el reingreso en su cátedra, pero continuó su labor en el Instituto de Humanidades, fundado por él mismo en Madrid, muriendo en 1956. Ortega es la máxima figura de la filosofía española del siglo XX, poseedor de un estilo claro, elegante y muy plástico. Sus obras filosóficas se oponen al irracionalismo imperante centrándose en la vida humana y sus meditaciones sobre el hombre y su entorno ("Yo soy yo y mis circunstancias"),1o que le conducen, invariablemente, a la



Historia.

Su curiosidad fue enorme por otros terrenos, como dan fe los ocho volúmenes de El Espectador, que recogen ensayos sobre los más variados temas, escritos entre 1916 y 1934,además de otros libros de temas diversos como Meditaciones del Quijote (1914),La deshumanización del arte e Ideas sobre la novela (1925).En La deshumanización del arte es un estudio del Vanguardismo, un movimiento artístico minoritario y antipopular, de concepción pura (líneas y colores),deshumanizado, intelectual, incluso en el poesía ("La poesía es hoy el álgebra superior de las metáforas"),en fin, que el arte vanguardista es un puro juego irónico y deportivo. En cuanto a Ideas sobre la novela defiende el agotamiento de la novela por la dificultad de hallar temas nuevos y por las crecientes exigencias estéticas de los nuevos lectores que ya no soportan el relato realista. La solución orteguiana se basa en el cuidado exquisito de los elementos novelísticos (imaginación, rigor intelectual, estructura y estilo muy cuidados, para lograr una novela deshumanizada en busca de un arte puro y estético. Otros famosos libros suyos son: La rebelión de las masas (1930),de tema sociológico, En torno a Galileo (1933), Estudios sobre el amor (1941), Papeles sobre Velázquez y Goya (1950). El tema de España será fundamental en el pensamiento de Ortega, tratado desde un punto de vista más optimista y europeísta que los del Grupo del 98,denunciando el aislamiento de nuestro país. Sus ideas esenciales sobre el tema de España están recogidas en un breve volumen de 1921 España invertebrada, donde explica la decadencia española por un proceso de disgregación resumido en tres puntos: Disgregación nacional por los separatismos, como consecuencia del agotamiento de Castilla y del Poder central. "Castilla ha hecho a España y Castilla la ha deshecho." Disgregación social por los "particularismos" de clase. La "lucha de clases" se oponen a un espíritu de cooperación que vertebre las distintas clases sociales, lo que provoca la imposibilidad de solidarizarse todos los españoles en un proyecto común de progreso. La indisciplina de las masas. Para Ortega, una nación es una masa humana regida por una "minoría selecta", minoría ausente de España a lo que se une la indisciplina de las masas, lo que termina provocando el caos y la invertebración histórica. La solución política de Ortega ante la crisis de los principios democráticos es una dictadura de progreso, ejercida por una "minoría selecta" que encarne "un proyecto sugestivo de vida en común" El indudable liberalismo de Ortega fue afectado por las ideas fascistas de su época,y,en concreto, por las doctrinas de la Falange Española.

En la Generación del 14 aparecen, además de los intelectuales, una serie de novelistas que continúan dos tendencias: los que continúan el realismo tradicional, como Concha Espina (La esfinge maragata, El metal de los muertos). Ricardo León (Casta de hidalgos), Pérez Lugín, Eugenio Noel, Ciges Aparicio, etc.; y los novelistas que intentan renovar la novela por el lirismo, la ironía y el humor, o por el intelectualismo, o sea, escribiendo novelas "deshumanizadas". Entre estos novelistas renovadores hay que citar a Gabriel Miró, Ramón Pérez de Ayala, Wenceslao Fernández Flórez y Benjamín Jarnés.



1.- Gabriel Miró, alicantino, llevo una vida tranquila y gris de funcionario, aunque una intensa vida interior que plasmó en sus veintidós libros. Miró destaca por su temperamento voluptuoso, su sensibilidad exarcebada y por su excepcional capacidad para captar sensaciones: luz y color, aromas, sonidos y sabores, a lo que se une un excepcional sentido lírico que domina perfectamente el lenguaje, por lo que fue definido por Dámaso Alonso como "gran poeta en prosa",y cuyas fuentes hay que buscarlas en el Modernismo, en Azorín, y, por supuesto, en la generación novecentista por su búsqueda de la perfección. En las novelas de Miró, la acción pasa a convertirse en un soporte para sus espléndidas descripciones y sus deslumbrantes hallazgos verbales, que buscan, ante todo, la belleza formal. Entre sus primeras novelas destaca Las cerezas del cementerio (1910),que describe un amor apasionado en un ambiente levantino completamente sensual. Sus dos obras maestras son Nuestro Padre San Daniel (1921) y El obispo leproso (1926),que forman un bloque que transcurre en Oleza (trasunto de Orihuela),donde se describe, con mirada crítica un ambiente estancado en el que la inocencia y las ansias vitales se estrellan contra la intolerancia religiosa. En sus libros de relatos breves aparece el personaje de Sigüenza, alter ego del autor, quien evoca sucesos, personajes o ambientes en El libro de Sigüenza (1917) y en Años y leguas (1928).Gabriel Miró es uno de los más grandes prosistas españoles del siglo XX por las cualidades estéticas de sus obras.

2.- Muy distinta fue la vida de Ramón Pérez de Avala, ovetense, abogado y periodista que fue corresponsal en Europa y en América, miembro de la Real Academia Española y embajador en Londres durante la República, exiliándose posteriormente a Buenos Aires. En 1955 regresó a Madrid, muriendo en 1962.Su andadura literaria comenzó, como casi todos los jóvenes de su época, en la poesía modernista, publicando en 1903 La paz del sendero. Más interesantes se presentan sus libros de ensayo Las máscaras (1917) donde realiza crítica teatral, y Política y toros (1920),donde muestra su oposición al espectáculo taurino. Pero donde más destacaría es como novelista, evolucionando desde posiciones noventayochistas a la novela intelectual novecentista en tres etapas descritas por Andrés Amorós: 1.- Entre 1907 y 1913 está en la línea de Baroja y Azorín, publicando una serie de novelas protagonizadas por Alberto de Guzmán, trasunto del propio autor. Entre las obras de este periodo, destacan La pata de la raposa (1912) que describe un ansia torturante de perfección, y Troteras y danzaderas,donde aparece el mundo de la bohemia literaria con personajes reales. 2.- En 1916 publica una trilogía (Prometeo, Luz de domingo y La caída de los limones) descritas como "novelas poemáticas de la vida española".Aquí ya las ideas y lo poético ganan terreno a lo autobiográfico de la etapa anterior. 3.- En 1921 se inicia una etapa completamente novecentista, desapareciendo casi la acción y acercándose sus novelas al ensayo. Así aparece en 1921 su obra maestra Belarmino y Apolonio, cuyos protagonistas (dos zapateros) encarnan posturas distintas ante la vida: la expresión y la acción frente a la comprensión y la meditación. De esta época son también O Tigre Juan y El curandero de su honra (1926),que tratan sobre el amor, el honor, la hombría y el donjuanismo. La labor novelística de Ayala presenta ciertas novedades en cuanto a la estructura y las técnicas narrativas que le configuran como el modelo más sólido de la llamada novela



intelectual. Su estilo es denso, con una mezcal de ironía y gravedad, así como de palabras populares y cultas, intentando representar la complejidad y las contradicciones propias del pensamiento y de la vida humana.

3.- Además de Gabriel Miró y Pérez de Ayala, dentro de la novela novecentista encontramos otros nombres importantes como Wenceslao Fernández Flórez y Benjamín Jarnés . 3.1 El primero es el gran maestro de la novela humorística. Coruñés y periodista, ingresó en la Real Academia en 1935. Su primero novela Volvoreta (1917),es un espléndido relato donde se combina sentimentalismo e ironía. Más tarde, y a pesar de su conservadurismo político, llegó a un tipo de novela cerebral y corrosiva donde se burla de las creencias tradicionales, como sucede en El secreto de Barba Azul (1923),Las siete columnas (1926) y Los que no fuimos a la guerra (1930).Al final de su carrera literaria dejó una obra estupenda El bosque animado (1943),cuya acción transcurre en una fraga o bosque gallego, y que constituye una espléndida muestra de humor, lirismo y belleza. 3.2 Benjamín Jarnés es una figura injustamente olvidada cuya producción arranca de El profesor inútil (1926),una novela completamente novecentista, de acción mínima en una línea intelectual y lírica. Los mismos rasgos aparecerán en otra obra suya Locura y muerte de nadie (1929) cuyos temas son el problema del sentido de la vida y de la personalidad. En el resto de sus obras los planteamientos son similares, pretendiendo elevar el nivel artístico de la novela a través de la inteligencia y la sensibilidad.

Poesía JUAN RAMÓN JIMÉNEZ.

Fue la figura dominante de la poesía española entre 1914 y 1930, aunque su influencia como guía del Grupo del 27,y su producción constante le colocan en un lugar de privilegio en todo la poesía española del siglo XX. Juan Ramón Jiménez defendió, siempre, una poesía "pura",clásica, bien hecha,cuyo origen está en las ideas novecentistas. Es una labor poética minoritaria, difícil, presidida por la sed de belleza, de conocimiento y de eternidad, lo que le lleva a decir al poeta: "Yo tengo escondida en mi casa, por su gusto y el mío, a la Poesía. Y nuestra relación es la de los apasionados. " Nacido en Palos de Moguer (Huelva),en 1881,el "andaluz universal" provenía de una familia rica que le permitió estudiar en el prestigioso colegio de los jesuítas de Puerto de Santa María. Dedicado desde muy joven a la poesía, abandona sus estudios de Derecho, y va a Madrid, llamado por Villaespesa y el propio Rubén Darío, para luchar "por el Modernismo".La muerte de su padre le provocó una profunda depresión por lo que es internado en un sanatorio psiquiátrico en el sur de Francia (1901), pasando, posteriormente, a Madrid, donde frecuentará la I.L.E..Vuelto a Moguer, deprimido y aislado del mundo, escribirá su famoso Platero y Yo, volviendo a Madrid, ante la insistencia de numerosos amigos, donde residirá un tiempo en la Residencia de Estudiantes.



Para alejarse de su depresión viaja a Estados Unidos, y en Nueva York conoce al gran amor de su vida, Zenobia Camprubí Aymar, una mujer guapa, inteligente, culta y rica con la que traduce al castellano la obra de Rabindranaz Tagoré, y que se convertirá en el gran apoyo del poeta. Vueltos a Madrid, Juan Ramón inicia su tarea periodística poética en la que dará su consejo y las primeras oportunidades a los jóvenes poetas del Grupo de 27.A1 estallar la Guerra Civil se exilia a diversos países americanos, enseñando en algunas universidades norteamericanas, instalándose, por fin, en 1951, en Puerto Rico. En 1956 se le concede el Premio Nobel, aunque Zenobia acaba de morir y el dolor ha deshecho al poeta, que tan sólo la sobrevivirá dos años, muriendo en 1958 y siendo enterrado en su pueblo natal, Moguer. Trayectoria Poética Comprende las siguientes etapas:

Iª ETAPA.- Son sus primeros poemas. Eran lánguidos, musicales y melancólicos, influidos por el romanticismo de Bécquer. Obras: Arias Tristes, Primeras poesías y Jardines lejanos.

2a ETAPA.- Sus poemas, de inspiración modernista, se recargan mucho ornamentalmente. Fue la etapa más odiada por el poeta. Obras: Poemas májicos y dolientes, Melancolía y La Frente pensativa.

3a ETAPA.- Llega a su plena madurez. Abandona el estilo suntuoso anterior y llega a la poesía esencial, desnuda, clara, exacta y perfecta. Obras: Eternidades, Piedra y Cielo, Poesía, Belleza, La estación total, etc. La actividad poética de Juan Ramón Jiménez se inicia muy pronto (a los diecisiete años),siendo sus primeros libros Almas de violeta y Ninfeas, claramente románticos y modernistas, con una fuerte influencia de Bécquer y de Rubén Darío, quien, junto con Francisco de Villaespesa prologarán las primeras obras del genio de Moguer. Es una etapa presidida por el amor y la inocencia en todos los sentidos, y que terminaría siendo rechazada por su autor, a quien no convencía la calidad poética de sus comienzos. En 1903 se publica el primer gran libro de Juan Ramón Jiménez, Arias tristes, un libro de poemas inocentes, sencilla de formas, contenida, emocionada que habla de la soledad, la melaconlía,el paso del tiempo y de la muerte, en un estilo modernista, de intimidad simbolista que predomina por encima de los esplendores ornamentales del Modernismo. La reacción del público y de la crítica es muy favorable, llegando a alabarlo el propio Antonio Machado. En esta línea vendrán pronto otros títulos, como Jardines lejanos, Pastorales y Baladas de primavera, donde se mantienen las mismas características.

Entre 1908 y 1915 se inicia su segunda etapa poética con todos los adornos propios de la poesía modernista: la utilización del color y otros elementos sensoriales, la adjetivación brillante, versos amplios (alejandrinos, de catorce sílabas),aunque el tono general de estos poemas es más bien intimista orientados hacia la contemplación y la confesión sentimental. Fue la etapa más odia da por el poeta cuando hizo balance de su vida poética, e incluye títulos como La soledad sonora, Poemas májicos y dolientes, Sonetos espirituales, que se alejan mucho de la concepción desnuda y pura a la que llegará,más tarde, Juan Ramón Jiménez.



Un libro de 1915, Estío, representa el primer paso claro hacia una nueva sencillez: vuelta al octosílabo, a la asonancia, preferencia por el poema breve, supresión de lo ornamental, etc., que anuncia la ruptura definitiva con el Modernismo, producida en 1916,año decisivo en la vida del poeta pues viaja a Nueva York, conoce a Zenobia Camprubí Aymar,e 1 gran amor de su vida, se casa con ella y escribe un gran libro: Diario de un poeta recién casado , considerado por la crítica literaria como un libro clave de la poesía contemporánea, y libro favorito del autor. Su novedad es asombrosa, desapareciendo toda la parafernalia modernista, y llegando a la poesía "desnuda", en la que se elimina lo anecdótico para dejar paso a la concentración de conceptos y emociones, predominando los poemas breves, densos, sin rima o con leves asonancias, incluyéndose también la novedad de poemas en prosa, y otros compuesto con materiales netamente vanguardistas (frases en inglés, anuncios publicitarios, etc.) que influirán en los movimientos poéticos vanguardistas de principios de siglo.

Una vez encontrado el buen camino, aparecen otras producciones como Eternidades (1918), Piedra y cielo (1919), Poesía (1923), Belleza (1923), etc., donde se desarrollan las características iniciadas en esta etapa, dificultándose, de una forma creciente, su ideario poético, escrita, cada vez más, para satisfacer su propia sed poética: "No creo, en ningún caso, en un arte para la mayoría. Ni importa que la minoría entienda del todo el arte; basta con que se llene de su honda emanación.". Juan Ramón Jiménez pretende ,ahora, no solo una poesía "pura", sino un instrumento que lleve a la realidad más profunda y escondida de las cosas, a las esencias y los enigmas del alma y del mundo. Es la "sed de conocimiento" que busca la manera de penetrar en la realidad en busca de una nueva inteligencia, un nuevo orden universal y una nueva manera de entender, más profundamente, las cosas. El gran final de esta etapa intelectual se produce con La estación total (1923/1936).aludiendo, ya en el título, a la gran obsesión dominante del poeta: el anhelo de abolir el tiempo y de llegar a una posesión total de la belleza, de la realidad y del propio ser, o sea, una absoluta ansia de eternidad.

Tras la guerra civil, y una vez exiliado en América (Estados Unidos y Puerto Rico), Juan Ramón Jiménez prosigue invariablemente su indagación poética, por encima de las circunstancias, cada vez más encerrado en sí mismo y atento sólo a su labor poética. A estos años corresponde dos grandes libros: En el otro costado (1936 a 1942),y Dios deseado y deseante (1948/1949). No llegarían a ser publicados en vida del poeta, tan sólo fragmentos, trabajando el poeta en otros dos libros que no terminaría: Una colina meridiana y Ríos que se van. En el otro costado fue publicado íntegramente por Aurora de Albornoz, figurando en él un largo poema en prosa Espacio iniciado en 1941 y terminado en 1954. Es la cima de la creación juanramoniana definido como "una extensión difusa de recuerdos e introspecciones que salen a flote en la técnica de la asociación libre". Sin un tema preciso, el libro ensarta vivencias y preocupaciones del poeta con un ritmo fluyente que asombró a la poesía de su tiempo por su dificultad y su altísima belleza. Dios deseado y deseante, es un solo poema que presenta un anhelo metafisico: la sed de eternidad le ha llevado al poeta al contacto con un dios que se identifica con la Naturaleza, la Belleza y la propia conciencia creadora. Al mundo creado por el poeta, viene a habitar un dios creado también por



él. La forma poética elegida es el verso libre, utilizando un lenguaje profundo y hermético. Juan Ramón Jiménez fue el mejor de los poetas "puros", consecuencia de la Generación del 14 y el punto de referencia para los exquisitos poetas de la Generación del 27 justamente apreciado tras el paso de la "poesía social" en los años 50 y 60. El Premio Nobel que se le otorgó en 1956 fue un simple acto de justicia.

LEÓN FELIPE

Aunque el propio León Felipe dijera: "Los grandes poetas no tienen biografía, tienen destino", podemos intentar hacer un breve resumen de su interesante vida. Nace en 1884 en Tábara, pueblo de Zamora, hijo de un notario. Su verdadero nombre era Felipe Camino Galicia de la Rosa. Pertenecía a una burguesía acomodada. Estudió farmacia (llegó a tener una botica) pero renunció muy pronto a esa vida que él consideraba monótona y en cierto sentido privilegiada, para ejercer su libertad embarcándose en aventuras que le acercaran a sus semejantes.

En su juventud viaja por España como actor de una compañía ambulante, más tarde pasa tres años en la cárcel, acusado de haber realizado un desfalco. Con su primer amor, una chica peruana llamada Irene Lambarri que conoció en Valmaseda (Vizcaya), sienta un

poco la cabeza y se radica con ella en Barcelona, pero al poco tiempo se separan y León Felipe decide ir a la capital de España, probablemente ya con la idea de dedicarse a la poesía. En Madrid vive una bohemia prostibularia y miserable que le lleva incluso a

pasar algunas noches en las antiguas pensiones donde se permite dormir a los menesterosos sentados en un banco y apoyando la cabeza en una soga que sueltan a

primera hora de la mañana: He dormido en el estiércol de las cuadras,

en los bancos municipales, he recostado mi cabeza en la soga de los mendigos

y me ha dado limosna -Dios se lo pague-una prostituta callejera... Versos y ovaciones de caminante es su primer libro de poemas (años después titularía un poema: Versos y blasfemias de caminante) que leyó hacia 1919 en el Ateneo de Madrid. Pero siguiendo la premonición del título y de su auténtico apellido, tarda poco en iniciar

sus caminos fuera de España: ¡Solicita un empleo en los hospitales de Guinea y se embarca para la isla de Elobey! Allí permanece tres años para volver a España por poco

tiempo y embarcarse, esta vez, hacia América. En México se dedica a la enseñanza, actividad que recuerda la de Antonio Machado, al

que siempre consideró su maestro. Conoce a Berta Gamboa, profesora también, con quien se casa. El matrimonio pasa a vivir a Norteamérica, donde traduce a Waldo Frank y

a Walt Whitman y escribe un largo poema titulado Drop a star. Al estallar la guerra civil española en 1936 vuelve a su tierra, totalmente identificado con

el gobierno republicano y constitucional amenazado entonces por el levantamiento militar del general Franco. Su experiencia es desgarradora. En 1938 huye del bando



nacional y se exilia definitivamente en México. Es cuando escribe Español del éxodo y del llanto:

¡España, España! todos pensaban

-el hombre, la Historia y la fábula-, todos pensaban

que ibas a terminar en una llama... V has terminado en una charca.

Después de una larga vida enfrentándose a la injusticia a través de su verbo, fallece en México en 1968.

Fue uno de los mejores intérpretes del sentimiento español, humano, que supo transmitir intensamente en su poesía, como lo hizo su contemporáneo el peruano César Vallejo en

España aparta de mí este cáliz. Sin embargo, a León Felipe no se le ha llegado a reconocer el innegable valor de su obra.

Por un lado, se le sitúa a caballo entre la Generación del 98 y la del 27, sin darle plenas credenciales en ninguna de las dos. Por otro, su origen burgués hizo que algunos lo

encasillaran bajo la etiqueta de "señorito de provincias" aunque, como hemos visto, él rechazara desde su juventud tal condición. Su largo exilio republicano en México impidió que los críticos que permanecieron en la España franquista le prestaran atención: Vicente Gaos, en su obra Claves de la literatura española (Ediciones Guadarrama. Madrid, 1971)

sólo lo menciona en cinco líneas y para incluirlo en un grupo de poetas que el autor considera de "segundo orden" que "no llegaron a desarrollar plena personalidad poética";

también es cierto, que el mismo Gaos considera "poetas menores" nada menos que a ¡Prados y Altolaguirre! Aunque la opinión crítica de este erudito pudo estar filtrada en

tamices políticos, esa era, al fin de cuentas, la crítica que había en España durante la larga dictadura.

Su obra fue respetada, valorada y querida (que sería lo más importante para él) por sus compañeros de exilio y por la crítica mexicana. Juan Ramón Jiménez, con una poesía tan alejada de la de León Felipe, no fue muy generoso con él, en 1953 lo considera injustamente "el mejor de los de menos importancia". Es ahora que se vuelve sobre la poesía de este duro poeta leonés, sobre su grito terrible contra y a favor del mundo, de la "España desmembrada, del hacha, del llanto y la discordia." Poesía, a veces ruda, que se levanta en clara rebeldía contra la injusticia, el abuso y la insolidaridad:

Está muerta. ¡Miradla! Los que habéis vivido siempre arañando su piel,

removiendo sus llagas, vistiendo sus harapos

llevando a los mercados negros terciopelos y lentejuelas, escapularios y cascabeles...

y luego no habéis sabido conservar este viejo negocio que os daba pan y gloria,

quisiérais que viviera eternamente.



Pero está muerta. Miradla todos...



EL VANGUARDISMO

Las vanguardias en Europa y España. Ramón Gómez de la Serna.

LOS MOVIMIENTOS DE VANGUARDIA: EL DADAÍSMO Y EL SURREALISMO

En 1. 916, en Zurich, con una Europa envuelta en la Primera Guerra Mundial, un exiliado rumano, Tristan Tzara, lanzaba al mundo su manifiesto dadaísta, negación del arte y la literatura. Poco comprendieron la importancia de aquella manifestación, que iniciaba el terreno experimental de las vanguardias. "Dada" no significa nada ("sí", "sí", en rumano y en ruso; o "caballito para jugar" en francés), es la palabra clave de la protesta poética y plástica contra la hipocresía de la sociedad, del arte y de la literatura. El movimiento dadaísta, que agrupaba a distintos artistas, nació en el Cabaret Voltaire, en Zurich, y se expandió por el mundo, principalmente por Francia.

En Francia, un estudiante de medicina, combatiente de la Primera Guerra Mundial, con conocimientos de psiquiatría, André Bretón, comenzó a cartearse con Tristan Tzara, al que convenció para afincarse en París, y ambos fundarían un movimiento nuevo de vanguardia: el surrealismo.

Para Bretón una las claves de la literatura estaba en las frases surgidas en los periodos de duermevela, y en experimentos lingüísticos del carácter del "cadáver exquisito", donde cada uno de los autores coloca una palabra, en un texto, sin conocer las anteriores

Tal vez su recurso más llamativo es la "escritura automática", consistente en la producción de textos inconscientes, producidos rápidamente, sin tiempo para pensar, corregir o releer. Basado en este proceso, André Bretón y Philippe Soupault publicaron en 1. 919, Los campos magnéticos. Pronto comenzaron las desavenencias entre Tzara y Bretón, por la militancia comunista del primero. En 1. 924 se publicó el primer manifiesto surrealista, y en 1. 929 el segundo. A partir de 1. 930 comienza una renovación de artistas surrealistas, perteneciendo al grupo españoles como Dalí y Buñuel. Poco a poco fue perdiendo fuerza, pero su huella ha sido muy profunda durante este siglo, sin contar las figuras artísticas de primera fila que pertenecieron al movimiento, como Louis Aragón, Paul Eluard, Antonin Artaud, Man Ray, etc.


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LAS "VANGUARDIAS" EN ESPAÑA

Hacia 1914, y con la aparición del Novecentismo, se perciben en España una nueva sensibilidad y orientación estética. Ortega y Gasset así lo anunciaba en su libro La deshumanización del arte, en el que calificó la estética de las vanguardias o "arte puro" de "deshumanizada". Según él, sus características primordiales eran:

Arte antipopular (no sólo impopular) y, por tanto, con una vocación muy minoritaria (poetas como J. R. Jiménez tuvieron por lema "A la inmensa minoría").

Desaparecen de la obra de arte todos los elementos humanos (sentimentalismo, etc. ).

El arte es concebido como un juego (por lo tanto, intrascendente) que proporciona una placer intelectual (los sentimientos no tienen cabida)

En la obra de arte se habla siempre de realidades contempladas, nunca vividas por el artista (de ahí que el punto de vista sea primordial).

El arte no imita a la vida ni a la realidad, sino que crea objetos reales nuevos a partir de la nada o del vacío absoluto. Si el artista "crea", es lógico que empiece a considerarse como un dios.

En literatura, lo más importante es la imagen (metáforas, símbolos, etc. ) y la perspectiva (temas clásicos, por ejemplo, que aparecen vistos de una forma insólita)

1

Espíritu iconoclasta y rupturista respecto al pasado y a la tradición cultural.

Superioridad del artista frente a la "masa". El artista va encerrándose progresivamente en sí mismo (así aparece el mito de la "torre de marfil" como actitud aislacionista de los artistas. El mejor ejemplo de ello es J. R. Jiménez).

En efecto, de una manera bastante sintonizada con el resto de Europa, en la España del momento se produce una tendencia bastante generalizada a la exploración artística y al alejamiento total del modelo realista burgués.

El desarrollo histórico de las vanguardias en España es, en esquema, éste:

1908-1918: Introducción del espíritu vanguardista europeo en España. Ramón Gómez de la

Serna.

1918-1925: Ultraísmo y Creacionismo. 1925-1930: Surrealismo

1930-1936: Declive del espíritu vanguardista. Compromiso político del escritor. Clima

pre-bélico.



RAMÓN GÓMEZ DE LA SERNA.

Fue el escritor vanguardista por excelencia, creando un movimiento literario integrado, sólo, por él mismo. Era suficiente.

Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) se adhirió, tempranamente, al futurismo italiano, difundido en su revista poética Prometeo(1908/ 1912), y en sus libros Morbideces (1908), El libro mudo (1910) y Tapices (1913). Sus tendencias vanguardistas quedaron recogidas, en toda su variedad, en su libro Ismos (1931). Pronto surgiría su genial invento, que le ha caracterizado como literato: la greguería. Se trata de algo muy difícil de definir, pero básicamente es una frase muy breve, enormemente ingeniosa, hecha con gran sentido del humor que puede reflejar las cosas más inocentes o las más trascedentes.

Su obra menos lograda son las numerosas y gruesas novelas que sin caracteres ni argumentos, se convirtieron en meros pretextos para escribir más greguerías. Algunas, sin embargo, son especialmente divertidas, como El secreto del acueducto (1923) o El torero Caracho (1926). Otras de sus novelas son largas variaciones sobre un solo tema, como Senos (1918), Pombo (1918) y La sagrada cripta de Pombo (1926), aludiendo, éstas últimas, al café donde se reunía con los amigos de su tertulia.

Los libros sobre personajes literarios son los más reales, como Azorín (1930), o Don Ramón María del Valle-Inclán (1942). Su libro poético más famoso es Automoribundia (1948), escrito en Buenos Aires, adonde tuvo que emigrar, escapando del desastre republicano al final de la Guerra Civil española.

Su influencia posterior fue notable, especialmente en la generación del 27, donde Gerardo Diego le reconoció como uno de sus "maestros literarios".

Como protagonista e introductor de la vanguardias, la figura de "Ramón" se extiende hasta 1918. Como tal, este escritor fue la plena encarnación del espíritu vanguardista. Su vida y obra se caracterizan por:

Ser un artista "puro", al margen de los asuntos sociales y políticos de su época. Profesar ideas de tipo libertario-revolucionario.

Tener una visión grotesca de la realidad. Ésta, entonces, sólo es describible por el artista en

tonos de humor. Un humor siempre dotado de trasfondo amargo. / Permanecer totalmente al margen de la moral burguesa. / Tener un constante espíritu rupturista y provocador (pronuncia conferencias vestido de torero

o a lomos de un elefante, celebra banquetes en un quirófano, etc. ) / Practicar el irracionalismo poético, mediante la asociación insólita de intuiciones, metáforas

delirantes, etc. ) Sus libros capitales como teórico de las vanguardias son El concepto de la nueva literatura

(1909) e Ismos (1931). / Como poeta y novelista, la base de su obra está en las llamadas



"greguerías", género inventado

por él hacia 1910 ("greguería" significa 'algarabía1, en su doble acepción de 'alboroto' y 'lenguaje

incomprensible'). Se trata de apuntes breves que contienen conceptos o imágenes insólitas. El

propio "Ramón" definió así la greguería: "Humor + Metáfora = Greguería".

1. "La larga cola de la novia es la vereda que conduce hasta ella al novio desorientado".

2. "Después de comer alcachofas, el agua tiene un sabor azul".

3. "Los que fechan cualquier cosa con números romanos -MCMXXV-son unos MMMEMOS. "

4. Los perros nos enseñan la lengua como si nos hubieran tomado por el doctor.

5. Monólogo significa el mono que habla sólo.

ó. Lo más importante de la vida es no haber muerto.

7. "Pan" es palabra tan breve para que podamos pedirlo con urgencia.

8. El que está en Venecia es el engañado que cree estar en Venecia. El que sueña con Venecia es el que está en Venecia.

9. La timidez es como un traje mal hecho.

10. El cerebro es un paquete de ideas arrugadas que llevamos en la cabeza.

11. Prefiero las máquinas de escribir usadas porque ya tienen experiencia y ortografía.

12. Al sentarnos al borde de la cama, somos presidiarios reflexionando en su condena.

13. El tiempo sabe a agua seca.

14. Lo peor de los médicos es que le miran a uno como si uno no fuera uno mismo.

15. Lo malo de los nudistas es que cuando se sientan se pegan a las sillas.

16. Para que vuelva a crecer el pelo, no hay otro medio que hacer un viaje al Peloponeso.

17. Hay unas beatas que rezan como los conejos comen hierba.

18. Un tumulto es un bulto que les suele salir a las multitudes.

19. Nos desconocemos a nosotros mismos porque nosotros mismos estamos detrás de nosotros mismos.



20. De la nieve caída en el lago nacen los cisnes.

21. En otoño debían caer todas las hojas de los libros.

22. Todos los tíos que se desperezan son como salvajes que disparan sus flechas al aire.

23. En los hilos del telégrafo quedan, cuando llueve, unas lágrimas que ponen tnstes los telegramas.

Creacionismo: Fue iniciado en París por el poeta chileno Vicente Huidobro. En 1918 lo dio a conocer en España.

Se concibe el poema como un objeto autónomo, que no tiene nada que ver con la realidad (el arte deja de "imitar" a la realidad). El fundamento lingüística del poema creacionista está escribir como quien juega, creando asociaciones casuales y arbitrarias de palabras.

En España se alinearon en esta vanguardia los poetas Juan Larrea (luego surrealista) y Gerardo Diego (miembro de la "Generación del 27").

Desapareció muy pronto, asimilándose al Ultraísmo.

Ultraísmo: El escritor Rafael Cansino Asséns publicó en 1919 el primer manifiesto de esta vanguardia. La llamó "Ultra" o "Ultraísmo" para aludir a la voluntad de ir "más allá" del Novecentismo en su intento renovador. Tuvo vigencia hasta 1922.

En realidad, es una mezcla de rasgos propios del Creacionismo y de otras vanguardias europeas:

/ Uso de la sugerencia, la sinestesia, la imagen y los contagios imaginativos.

/ Supresión de la rima y de la puntuación

/ Representación visual-espacial del poema (como los "caligramas")

Tendencia a la evasión y al juego gratuito de palabras.

Antisentimentalismo

/ Preferencia por temas emparentados con el Futurismo.

Otros poetas ultraístas fueron Guillermo de Torre, Juan Larrea, Pedro Garfias, César Vallejo, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges, Pedro Salinas, Gerardo Diego y Jorge Guillen (estos tres últimos integrantes del "Generación del 27").

Surrealismo: Supuso la culminación del "arte puro" vanguardista y de la tendencia "deshumanizadora" de la época.

Intentó sobrepasar el ámbito meramente artístico para convertirse en un modelo de revolución integral del ser humano mediante la liberación absoluta de su poder creador. Tuvo, por tanto, implicaciones políticas muy claras: la mayoría de los surrealistas



europeos tenían un ideología cercana al marxismo y a la revolución soviética de 1917.

Fue la vanguardia de mayor trascendencia y pervivencia temporal (aún pueden verse sus huellas en la actualidad). Surgió en el París de 1924 de un grupo de poetas franceses procedentes del Dadaísmo encabezados por Bretón.

En pura teoría, el Surrealismo (también llamado Superrealismo o Sobrerrealismo) se define como un intento de expresar el funcionamiento real de la psique humana, fuera del control de la razón, la moral, las tradiciones, etc. Un intento de representar aquello que Freud (creador del Psicoanálisis) llamó "inconsciente" o "subconsciente".

El lenguaje surrealista, tanto en literatura como en cine, o artes plásticas, se vale sobre todo de las imágenes irracionales y los símbolos.

En cuanto a los temas, esta vanguardia supuso la aparición de todo aquello que para la mentalidad burguesa era "tabú": masoquismo, erotismo, sadismo, etc.

El mecanismo utilizado por al artista surrealista fue la llamada "escritura automática" (asociación libre de ideas fuera de toda lógica, en estados no conscientes -drogas, sueño, etc. -). Tuvo una especial trascendencia en la novela, en cuanto que la técnica narrativa llamada "flujo de conciencia" está emparentada con el Surrealismo.

En España, el Surrealismo fue introducido hacia 1925 y destacaron Dalí y Miró en pintura, la llamada "Generación del 27" en literatura (poesía sobre todo) y Luís Buñuel en el cine (con películas como Un perro andaluz, de 1928, y La edad de oro, de 1930).

Véase Generación del 27



GENERACIÓN DEL 27

1.- Aplicación del concepto de Generación... 2.- Afinidades estéticas. Características del grupo poético. Innovaciones formales.

3.-Etapas en la evolución. 4.- Autores:

1. García Lorca, 6. D.Alonso. 2. P. Salinas, 7. V. Aleixandre, 3. J. Guillen, 8. L. Cernuda,

4. R. Alberti, 9. M. Hernández. 5. G. Diego,

1.- Aplicación del concepto de Generación. Si algún grupo de autores merece el nombre de Generación, sin duda es éste. Pese a las precauciones que hay que tener, podemos considerarlos como grupo compacto, si bien con variedades muy notorias dentro de ellos (lo cual es lógico). El grupo lo forman Pedro Salinas, Jorge Guillen Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, Federico García Lorca, Luis Cernuda y Rafael Alberti. Algunos críticos incluyen también a los malagueños Emilio Prados y Manuel Altolaguirre. Estos diez son los que se citan con mayor frecuencia, si bien ello deja fuera de lugar a muchos otros (Hinojosa, Garfias, Chabás...) que, por distintas razones, han quedado relegados a un segundo término. Estrictamente estamos ante un grupo generacional (el nombre "grupo del 27" ha sido muy usado por la crítica (G. de Torre, D. Alonso, Rozas); también se les ha dado otros menos afortunados: del 25 (Cernuda, J.L.Cano), de la Dictadura (Max Aub), Vanguardista (Rozas), de la República, de Guillén-Lorca...).



- Todos nacen en un período menor a 15 años: desde 1891 (Salinas) a 1905 (Altolaguirre). - Formación intelectual semejante: la mayoría son universitarios, algunos llegan a ser profesores (Salinas, Guillén, Alonso...). Casi todos pasaron por la Residencia de Estudiantes. - El acontecimiento generacional que les une (aunque muchos ya estaban unidos) fue la celebración del tricentenario de la muerte de Góngora, con unos actos de reivindicación del poeta cordobés (cuya obra "difícil" aún no había sido redescubierta). Se oponen a los que no reconocían el talento de Góngora (actos contra la Academia). Celebran un homenaje en el ateneo sevillano, invitados por Ignacio Sánchez Mejías. Colaboran en las mismas revistas (Revista de Occidente. Litoral). De 1920 a 1936 sus vidas están muy unidas. - No hubo caudillo (algunos hablan de Juan Ramón, pero no parece claro, pese a su gran influencia). - No se alzan contra nada (son muy respetuosos con la tradición literaria española: de hecho, este dato impide que cuaje el nombre de "Generación vanguardista", ya que son tan vanguardistas como tradicionales (J.M.Rozas). - No existe un único estilo; eso sí, en todos se ve el deseo de renovar el lenguaje poético y a veces coinciden en su trayectoria, aunque cada uno mantiene un estilo muy personal (afortunadamente). Para todos la poesía es algo muy serio, que hay que trabajar bien, buscando siempre la perfección formal y conceptual. Por eso Góngora es el modelo común. Debicki señala que todos hacen de lo poético una idea vital. Además, rastrea una serie de contactos entre ellos: - Interés por el empleo más adecuado de la forma y de la lengua. - Desdén por el sentimentalismo y la retórica. - Rechazo de cualquier léxico particular como válido en sí. Igualdad en el concepto de poesía como misterio. Dámaso Alonso destaca otros puntos de conexión: - "coetaneidad, compañerismo, reacción similar ante excitantes externos". - Es firme defensor de la existencia de la generación. En todo caso, sería partidario de reformar la idea de Petersen antes que renunciar al nombre de Generación del 27. En cuanto a las características de la generación, habla de dos fases: - Hasta 1927: Triple influencia: - del ultraísmo; ligar elementos distantes; ennoblecimiento del humor. - del Cubismo: asimilan la técnica, el odio a la anécdota y a lo sentimental. - de Paul Valery: asepsia, deshumanización. - A partir de 1927: "aumento de la temperatura humana", progresiva "humanización". 2.-Afinidades estéticas. - En los autores del 27 es muy significativa la tendencia al equilibrio, a la síntesis entre polos opuestos (Lázaro), incluso dentro de un mismo autor.



- Entre lo intelectual y lo sentimental. La emoción tiende a ser refrenada por el intelecto. Prefieren inteligencia, sentimiento y sensibilidad a intelectualismo, sentimentalismo y sensiblería (Bergamin). Se observa muy bien en Salinas. - Entre una concepción romántica del arte (arrebato, inspiración) y una concepción clásica (esfuerzo riguroso, disciplina, perfección). Lorca decía que si era poeta "por la gracia de Dios (o del demonio)" no lo era menos "por la gracia de la técnica y del esfuerzo". - Entre la pureza estética y la autenticidad humana, entre la poesía pura (arte por el arte; deseo de belleza) y la poesía auténtica, humana, preocupada por los problemas del hombre (más habitual tras la guerra: Guillen, Aleixandre...). - Entre el arte para minorías y mayorías. Alternan el hermetismo y la claridad, lo culto y lo popular (Lorca, Alberti, Diego). Se advierte un paso del "yo" al "nosotros". "El poeta canta por todos", diría Aleixandre. - Entre lo universal y lo español, entre los influjos de la poesía europea del momento (surrealismo) y de la mejor poesía española de siempre. Sienten gran atracción por la poesía popular española: cancioneros, romanceros... - Entre tradición y renovación. Se sienten próximos a las Vanguardias. (Lorca, Alberti, Aleixandre y Cernuda poseen libros surrealistas; G. Diego, creacionistas); próximos a la generación anterior (admiran a Juan Ramón, Ramón, Unamuno, los Machado, Rubén Darío... ); admiran del XIX a Bécquer (Alberti, ("Homenaje a Bécquer") Cernuda "Donde habite el olvido"... ); sienten auténtico fervor por los clásicos: Manrique, Garcilaso, San Juan, Fray Luis, Quevedo, Lope de Vega y, sobre todos, Góngora. 3. -Etapas en la evolución. La clasificación más aceptada es la de Lázaro: 3. 1. Hasta 1927. -Influjo de Bécquer y del Modernismo. Pronto aparecen las primeras Vanguardias. A la vez y, por influjo de Juan Ramón, se orientan hacia la ''poesía pura": "Poesía pura es todo lo que permanece en el poema después de haber eliminado de él todo lo que no es poesía"(Guillen). Se depura el poema de todo lo anecdótico, de toda emoción que no sea puramente artística. Para ello usan mucho la metáfora. Esta poesía es bastante hermética y fría. También lo "humano" les influye, sobre todo a través de la lírica popular (Alberti). La sed de perfección formal los lleva al clasicismo, sobre todo de 1925 al 27. Incluso podemos hablar de una fase "gongorina". 3. 2. De 1927 a la Guerra Civil. Comienza a notarse cierto cansancio del puro formalismo. Se inicia un proceso de



rehumanización (más notorio en algunos autores, pero presente en todos). Se dan las primeras obras surrealistas (radicalmente opuesto a la poesía pura). Pasan a primer término nuevos temas, más humanos: el amor, el deseo de plenitud, las frustraciones, las inquietudes sociales o existenciales... Nace la revista Caballo verde para la poesía, de Pablo Neruda (1935), donde aparece el "Manifiesto por una poesía sin pureza". Algunos poetas, debido a sus inquietudes sociales, se interesan en política (en el favor de la República, fundamentalmente). 3. 3. Después de la guerra. Lorca muere en 1936. El grupo se dispersa: a) En el exilio Guillen escribe Clamor, obra en la que se aleja de la poesía pura. Aparece el tema de la patria perdida. b) En España quedan sólo D. Alonso y V. Aleixandre., que hacen poesía angustiada, existencial (Hijos de la ira, 19944) 4. autores del 27. 4. 1. PEDRO SALINAS Nace en 1892 en Madrid. Profesor universitario en Sevilla, Murcia, Cambridge, Boston… Muere exiliado en Boston en 1951. Los tres elementos básicos de su creación son “autenticidad, belleza e ingenio”. El ingenio permite ahondar en los sentimientos ya cercarse así a lo absoluto, superando las anécdotas concretas. Es un autor perfeccionista, pero de gran sensibilidad. Es el principal poeta del amor des u generación. Podemos distinguir tres etapas en su producción: 1) hasta 1932. Poesía pura bajo el influjo de Juan Ramón Jiménez: Presagios (1923), Seguro azar (1929) y fábula y signo (1931) 2) 1935-1939. Poeta del amor. Amor antirromantico (no es un amor atormentado ni sufrido). El amor supone un enriquecimiento de la vid ay l apersona, confiere sentido al mundo. La voz a ti debida (1933), Razón de amor (1936) (algo más pesimista, aparecen los límites del amor) y Largo lamento (1939) (de tono elegiaco: le canta al amor que agoniza y muere. 3) Tras la guerra. Libros de poemas en lo que se observa una lucha entre su fe en la vida y los signos angustiosos que ve a su alrededor. El Contemplado (1946), Todo más claro (1949), Confianza (1955; libro póstumo que recoge poemas escritos entre 1942-44). Destacamos de Salinas su concepto del amor: amor antirromántico (la amada es vista



como amiga); la amada saca de la duda al amante, de su nada anterior, le inventa un mundo, lo salva del caos. El amor es una prodigiosa fuerza que da plenitud a la vida y que confiere sentido al mundo. Por él, el poeta ama la vida y dice que sí al mundo. Se han señalado las relaciones de Salinas con Guillen: van a la realidad, buscan su esencia para hacerla lírica. Se diferencian en que Salinas es más subjetivo y amétrico; Guillen posee una más fuerte voluntad objetivadora y utiliza mayor regularidad métrica. 4. 2. JORGE GUILLEN. Nace en Valladolid en 1893. Como Salinas, fue profesor universitario (Sevilla, Oxford, Murcia). En el exilio estuvo en EE. UU. y en Italia. Regresa a Málaga, donde muere en 1984. Recibió el premio Cervantes en 1977 Guillen es el máximo representante de la poesía pura dentro de su Generación. En sus poemas se observa una estilización de la realidad, una depuración hasta quedarse con lo más esencial de las cosas. Parte de la realidad y extrae de ella ideas, sentimientos quintaesenciados. Su estilo está al servicio de dicha depuración. Posee un lenguaje muy elaborado, muy selectivo, rigurosamente tratado, pulido, que renuncia al efectismo: una poesía fría (sobre todo en un primer contacto), difícil, pero de gran calidad artística: ansia de perfección; afán de luz, de claridad. Domina a la perfección las estrofas clásicas, sobre todo las décimas y los sonetos. Las influencias más destacables son las de Valéry (poesía pura), Baudelaire (por su organización poética en un solo libro) y Whitman (por su júbilo, su exaltación de lo vital). También influyen los clásicos españoles: Berceo, el Romancero, Gil Vicente, Machado, Juan Ramón, Unamuno. Especial relevancia adquieren San Juan de la Cruz y fray Luis de León. No en vano se ha hablado del "misticismo" en la poesía de Guillen, de su deseo de descubrir, captar y expresar la armonía reflejada en el mundo. Guillen concibe su obra como un todo, al que da el nombre de Aire nuestro. Se incluyen cinco ciclos, entre los que destacan Cántico (1919-1950), Clamor (1950-1963) y Homenaje (1967). En Cántico se recogen 300 poemas escritos desde 1919 a 1950. La obra es una expresión del entusiasmo de su autor ante el mundo. "El mundo está bien hecho". La vida es hermosa por el simple hecho de ser vida. "Ser. Nada más. Y basta. Es la absoluta dicha. " Cántico es un "sí" a la vida, un deseo de vivir "más". Es, pues, una visión antirromántica del mundo. Canta Guillen al amanecer y al mediodía; prefiere la primavera. Nos habla de luz, aire, pájaros, árboles, ríos, mar. También de cosas cotidianas: mesa, sillón, café, calle... Todo adquiere presencia poética. Por eso el tiempo usado es el presente. El amor no es sufrimiento, sino cima del vivir. Llama la atención cómo Guillen conjuga en perfecto equilibrio su existencialismo jubiloso con un cauce formal riguroso. En Clamor, "Tiempo de historia", Guillen da un giro: se observa una protesta ante los



horrores y las miserias del momento histórico. El poeta es optimista, pero no por ello deja de ver los defectos del mundo: "Este mundo del hombre está mal hecho". El poeta se alza contra el dolor. También aparece el tema de España: la guerra, el exilio, la dictadura. De ahí su afirmación: "poesía bastante pura, ma non troppo". Clamor se divide en tres partes: Maremagnum (1957; denuncia de tiranías e injusticias; verso libre: no es perfecta la forma, porque el mundo ya no se percibe como perfecto); Que van a dar en la mar (1960; meditaciones sobre el pasado); A la altura de las circunstancias (1963; _ Angustia; tema de España). 4. 3. GERARDO DIEGO. Nació en Santander en 1896. Catedrático de Lengua y Literatura en diversos institutos. Premio Cervantes en 1979, Murió en Madrid en 1987. De él es la primera antología de la Generación (1932) Gerardo Diego sorprende por la variedad en su poesía. Variedad de temas, de tonos, de estilos. Afirmaba que "yo no soy responsable de que me atraigan simultáneamente el campo y la ciudad, la tradición y el futuro; de que me encante el arte nuevo y me extasíe el antiguo; de que me vuelva loco la retórica hecha, y me torne más loco el capricho de volver a hacérmela -nueva- para mi uso particular e intransferible". Cultiva, pues, tanto poesía clásica v tradicional como vanguardista. Entre otras, escribe El romancero de la novia (1918; lírica tradicional con acento moderno), Imagen (1918-1925; libro creacionista; en la misma línea escribió Manual de espumas o Poemas adrede), Versos humanos (1918-1924; Premio nacional de poesía. Contiene el famoso soneto al ciprés de Silos), donde reúne algunos grandes sonetos... Su mejor obra "clásica" es Alondra de verdad, de 1941. Tras la Guerra Civil se volvió más tradicionalista. Trató todo tipo de temas: religioso, amoroso, taurino, musical, pueblos de España.,... G. Diego es la mejor imagen de la síntesis entre tradición y renovación. Es un gran maestro del arte de versificar, a lo que añade sensibilidad y sabiduría. 4. 4. DÁMASO ALONSO. Nace en Madrid en 1898. Profesor universitario de gran prestigio. Fue director de la_Real Academia. Premio Cervantes en 1978. Muere en 1990, Está considerado como el principal critico de la Generación del 27. Sus estudios de Estilística son muy apreciados. Como poeta está a menor nivel que sus compañeros de Generación (él mismo se considera un "segundón": se autodefinió como "poeta a rachas"). Comenzó dentro de la poesía pura (Poemas puros; Poemillas de la ciudad (1921), pero su mejor obra, sin duda, es Hijos de la ira (1944). obra fundamental en la posguerra española. Reconoce que tuvo que venir la tragedia nacional para escribir su poesía más auténtica, para escribir con libertad, ya que la poesía deshumanizada anterior no era su fuerte. Es una obra de "poesía desarraigada"; el mundo "es un caos y una angustia; la poesía una frenética búsqueda de ordenación y de ancla". Es una poesía existencial, pues. Hijos de la ira es un grito de protesta contra las injusticias, el



odio, la crueldad. El poeta pregunta con desgarro a Dios sobre el sentido de tanta podredumbre. Es una obra escrita en versículos, que rompe con el formalismo retórico imperante. En 1955 escribe Hombre y Dios. Supone la presencia y reconocimiento de Dios (J. L. Cano). Dios se realiza en el Hombre, ve la creación a través de los ojos del Hombre. 4. 5. VICENTE ALEIXANDRE. Nace en Sevilla en 1898. A los dos años es trasladado a Málaga y en 1909 a Madrid. Dedicó, toda su vida a la poesía (su salud precaria le impidió trabajar). Recibe el premio Nobel en 1977. Muere en 1984. Su obra está muy influida por el surrealismo (Cernuda dijo de Aleixandre que era el mayor poeta que había dado este movimiento). En 1931 define la poesía como "clarividente fusión del hombre con lo creado", "aspiración a la unidad"; "Poesía es conocimiento" (antes que belleza; las palabras no son bonitas o feas, simplemente necesarias); "el poeta es una conciencia puesta en pie hasta el fin". Destacan sus metáforas visionarias, sus imágenes cósmicas y telúricas, de gran originalidad. Usa el verso libre (con tendencia al alejandrino) y, en general podemos decir que es una poesía "difícil". Su obra suele dividirse en tres etapas: l)Visión pesimista del hombre: imperfección, dolor, angustia, fragilidad. Aleixandre envidia al vegetal, al mineral insensible. Desea volver a la tierra, fundirse con la Naturaleza y participar de la unidad de ésta. Destacan los libros Ámbito (1928), Espadas como labios (1930-31) La destrucción o el amor y Sombra del paraíso. La destrucción o el amor (1932-33). La pasión amorosa se confunde con una pasión por la muerte liberadora. Grandes poemas amorosos. Sólo se llega al amor total cuando el amante se destruye en la llama amorosa para nacer, vivir, en la sangre del ser amado. Es obra de misticismo panteísta. Sombra del paraíso (1939-1943) es su obra cumbre. El poeta desea un edén libre de sufrimiento y de muerte. Ansia una existencia pura y elemental. 2) Abandono del surrealismo. El hombre se ve ahora positivamente. La solidaridad lo engrandece. El poeta se funde con el pueblo y se convierte en su voz. El hombre no está solo. Historia del corazón (1945-1953). El poeta canta el vivir de la indefensa criatura humana (Bousoño). En la misma línea se encuentra En un vasto dominio (1958-62) 3) Poemas de la consumación (1968) supone un nuevo giro en la poesía de Aleixandre. Añora la juventud y canta, entre trágico y sereno, la consumación de la existencia. El estilo es más escueto y denso, con toques surrealistas.



4. 6. FEDERICO GARCÍA LORCA. Nació en Fuentevaqueros (Granada) en 1898. En 1919 ingresa en la residencia de Estudiantes de Madrid. Becado por ella, de 1929-30 viaja a Nueva York. De vuelta a España funda un grupo teatral universitario, "La Barraca" (1932) para difundir el teatro clásico español. Es fusilado en 1936. Su personalidad tiene dos facetas contrapuestas; de un lado, era optimista y vital; de otro, pesimista, angustiado, íntimamente frustrado (se sentía marginado). Destaca como poeta y dramaturgo. Veremos su primera faceta. Es un poeta muy riguroso, en él se aúnan inspiración y técnica. E. de Zuleta destaca esta doble vertiente de la producción lorquiana: captación espontánea, intuitiva, de contenidos y formas; proceso de consciente artesanía. En su poesía aparecen unidas la pasión y la perfección, lo humano y lo estéticamente puro, lo popular y lo culto. Le atrae la poesía tradicional, el cante jondo, los cancioneros del XV y XVI, la poesía arábiga, Góngora, Bécquer, Rosalía, Juan Ramón, Machado, Carrere, Unamuno, Darío, Vallejo, Neruda... en todas sus obras late un tema principal: el sentimiento del destino trágico del Hombre, la imposibilidad de realización del ser humano. Sus principales obras son:

- Poema del Cante Jondo (escrito de 1921-24; publicado en 1931), Es el libro de "la Andalucía del llanto"; Lorca expresa su dolor ante la vida a través de los cantes de nuestra tierra.

- Romancero Gitano (1924-27; publicado en 1928). Fue un gran éxito. Lorca se preocupa por los hombres marginados y sus tragedias. Aparece el tema del destino trágico del hombre.

- Poeta en Nueva York (1929-30) refleja el impacto que la gran ciudad produjo en Lorca. Se advierte el ahogo y la rebelión contra un mundo deshumanizado. Los temas del libro son el materialismo, la esclavitud del hombre por la máquina, la injusticia social... Una parte está dedicada a los negros (también marginados, como los gitanos). Es un libro donde lo social adquiere gran importancia: el poeta sintoniza con todos los hombres que sufren. Es una obra surrealista, escrita en versos libres.

- Llanto por Ignacio Sánchez Menas (1935) es una gran elegía a la muerte del torero amigo. Fusión magistral de lo popular y lo culto.

- Sonetos del amor oscuro, once sonetos que destacan la maestría de Lorca. 4.7, RAFAEL ALBERTI Nació en el Puerto de Santa María en 1902. Estudió con los jesuitas. De allí irá a Madrid en 1917. En 1925 recibe el Premio Nacional de Literatura por su obra Marinero en Tierra (ex-aequo con G.Diego). Afiliado al P.C.E., abandona España al concluir la Guerra Civil. Reside en París, Argentina y Roma. En 1977 regresa a España. En 1983 recibe el Premio Cervantes. En la obra de Alberti se da una gran variedad de temas, tonos (del humorístico y



juguetón al angustiado) y estilos (poesía pura, tradicional, popular, barroca, vanguardista). En 1931 descalificó toda su poesía anterior, llamándola "poesía burguesa" y se dedicó a hacer poesía "revolucionaria". Senabre destaca su continua vuelta a sus raíces, la búsqueda ininterrumpida de la arboleda perdida, la irreprimible nostalgia por lo perdido: su tierra, el mar. España Etapas en su obra (no siempre cronológicas): l) Lírica neopopular. Marinero en Tierra (1924). Nostalgia del mar (=pureza) y su tierra natal. La amante (1926). El alba de alhelí (1927). 2) Barroquismo y vanguardismo. Cal y canto (1926-27). Gongorino y futurista a la vez. Gran dominio de la técnica. Trata el mundo de los mitos modernos. Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos (1929). Dedicado a las figuras del cine mudo. 3) Surrealismo: Sobre los ángeles (1929). Responde aúna crisis religiosa y vital del poeta. Es, quizás, su obra maestra. Están escritos en versos libres, cortos al principio, progresivamente mayores (versículos). El poeta se ve sin luz para siempre, expulsado del paraíso perdido. Va errando por un mundo caótico y sin sentido. Los "ángeles" simbolizan la crueldad, la tristeza, la desesperanza, la muerte... es decir, distintos aspectos del Hombre. En la misma línea surrealista escribe Sermones y moradas (1929-30), 4) Poesía cívica. Poesía social y política, revolucionaria. Elegía cívica (Con los zapatos puestos tengo que morir) (1930), El poeta en la calle (1930-31), 13 bandas y 48 estrellas (1930), Poemas del mar Caribe (1936), De un momento a otro (1938). Es una poesía de urgencia, a veces buena, a veces panfletaria. 5) Poesía en el exilio. Mezcla diversos estilos: obras sobre el destierro, de añoranza; poesía política (Coplas de Juan Panadero)... Destaquemos Roma, peligro para caminantes y Retornos de lo vivo lejano. LUIS CERNUDA Nace en 1902 en Sevilla. Allí fue alumno de P. Salinas. Partidario de la República, se exilia en 1938. Viaja por G. Bretaña y Estados Unidos y muere en México, en 1963. Soledad, dolor, sensibilidad... son notas características de la personalidad de Cernuda. Su descontento con el mundo y su rebeldía se deben, en gran medida, a su condición de homosexual, a su conciencia de ser un marginado. Admite ser un "inadaptado". Sus principales influencias proceden de autores románticos: Keats, Höölderling, Bécquer... También de los clásicos, en especial de Garcilaso. Hay una voluntad de síntesis muy propia del 27. Su obra se basa en el contraste entre la su anhelo de realización personal (el deseo) y los límites impuestos por el mundo que le rodea (la realidad). Es una poesía de raíz romántica. Los temas más habituales son la soledad, el deseo de un mundo habitable y, sobre todo, el amor (exaltado o insatisfecho). Posee Cernuda un estilo muy personal, alejado de las modas. En sus inicios toca la



poesía pura, el clasicismo y el Surrealismo, pero a partir de 1932 inicia un estilo personal, cada vez más sencillo (de una sencillez lúcidamente elaborada), basado en un triple rechazo: -De los ritmos muy marcados (uso fundamental de versículos). -De la rima. -Del lenguaje brillante y lleno de imágenes: desea acercarse al "lenguaje hablado, y el tono coloquial" (lenguaje coloquial que esconde una profunda elaboración. Desde 1936 Cernuda reúne sus libros bajo un mismo título: La realidad y el deseo, que se va engrosando hasta su versión definitiva, en 1964. Esta obra está formada por varios ciclos: 1) Inicios: poesía pura {Perfil del aire, 1924-27; fue muy mal recibida; D. Alonso declara que aún estaba "inmaduro") y clásica garcilasiana (Égloga, elegía y oda, 1927-28) 2)Surrealismo: Un río, un amor, 1929; Los placeres prohibidos, 1931. 3) Su obra capital es Donde habite el olvido (1932-33), con un lenguaje ya propio; es un libro desolado y triste, tremendamente sincero. En esta línea se sitúa Invocaciones a las gracias del mundo (1934-35), que incluye el poema "Soliloquio del farero", sobre el tema de la soledad. Tres temas fundamentales en esta obra: la belleza de los cuerpos masculinos, el destino del artista, la filosofía de la soledad. Después de la guerra continúa con su línea de depuración estilística, y trata temas como el de la patria perdida, recordada con añoranza o rechazada. Persiste su amargura. Desolación de la quimera (1956-62): es un balance final, sin retractarse ni disculparse. En prosa escribe Ocnos (1942) evocación de Andalucía desde la distancia y Variaciones sobre tema mexicano. También fue un crítico literario bastante agudo. Y traductor (de Höölderlin y Shakespeare). MIGUEL HERNÁNDEZ (1910-1942) Genial epígono de la Generación del 27 Nació en Orihuela en 1910. Pertenecía a una familia humilde, y de niño se ocupó de los trabajos propios del campo. Más tarde trabajó en una tienda y en una notaría. Recibió las primeras enseñanzas en la escuela de su pueblo, pero casi toda su cultura la recibió a través de la lectura y sus ansias de saber. En 1934 se fue a Madrid donde trabajó como secretario y conoció a grandes poetas como Aleixandre y Neruda. Tomó parte en la guerra civil del lado republicano. Al terminar el conflicto fue condenado a muerte, aunque se le rebajó la pena a treinta años. A causa de una tuberculosis, murió en la cárcel de Alicante en 1942. La poesía de Miguel Hernández es apasionada, llena de ardor y vehemencia que contagian al lector. Dentro de sus obras podemos destacar: El rayo que no cesa, donde se concibe el amor como una tortura y un sentimiento trágico. Viento del pueblo.



Libro de poemas de tipo político. Elegía a Ramón Sijé que le dedicó después de su muerte. Cancionero y romancero de ausencias. Colección de poemas escritos en la cárcel, con un lenguaje nuevo inicio de un cambio de estilo que truncó su muerte prematura. Su verdadera importancia como poeta es la de servir de puente entre la preguerra y la post-guerra civil española, dado que: - Mantuvo estrechos contactos con los poetas del 27, lo que ha llevado a considerarlo un epígono de dicha generación. - Por su edad (bastante más joven que los del 27) se le podría incluir en el primer grupo de poetas de la post-guerra, la llamada "Generación de 1936". - Por razones estéticas (su evolución literaria tiene bastantes semejanzas a la de los miembros de la Generación del 27) e ideológicas (su compromiso político en favor de la II República durante la guerra civil, etc.) es más coherente hablar de este poeta en el contexto anterior al estallido de la guerra civil española. - Se da a conocer en 1934, cuando llega a Madrid procedente de su pueblo natal, Orihuela. Allí conoce a Pablo Neruda y se implica en la guerra alistándose como voluntario republicano. Se casó durante la contienda. Al finalizar ésta es encarcelado por los vencedores y muere tuberculoso en la cárcel de Alicante a los 32 años. Estos datos biográficos son los que, de alguna manera, han llevado a mitificarlo junto a otros poetas como Lorca (también muerto en la guerra y claramente decantado en favor de la República). - Su producción poética está formada por Perito en lunas (1934), El rayo que no cesa (1936), Vientos del pueblo (1937), El hombre acecha (1939) y Cancionero y romancero de ausencias (1942, escrito en la cárcel). Además escribe teatro, aunque ésta es la faceta de su obra menos conocida: Quién te ha visto y quién te ve, y sombra de lo que eras, El labrador de más aire (1937) y Teatro en la guerra (1939). Su trayectoria poética se desarrolla en dos etapas claramente diferenciadas (como en los poetas del 27): Hasta 1936. Una poesía caracterizada por la disciplina formal y el respeto total a formas clásicas como la octava real y, sobre todo, el soneto. La metáfora es uno de los elementos centrales. Temáticamente, sus libros de esta época giran en torno a la vida y el amor, pero siempre con una visión amenazada y trágica: la muerte es el tercer elemento. Desde 1936. Poesía de compromiso social y político cada vez más firme. Aparece el tono épico de las arengas. Puede hablarse incluso de "poesía de combate". Decrece la preocupación estética, dando paso a un lenguaje más claro y directo. En los poemas escritos en la cárcel la temática social (consecuencias de la guerra, etc.) vuelve a dar paso a una temática más personal, reapareciendo el amor (a su esposa y sus hijos), la falta de libertad, la cercanía de la muerte, etc. En ese sentido, es ejemplar uno de los últimos poemas escritos por él: el famosísimo "Nanas de la cebolla" dedicado a su hijo menor.



Como conclusión, sólo cabe decir que M. Hernández es el máximo ejemplo (tal vez junto a A. Machado) de la progresiva "rehumanización" de la poesía española que se registra desde 1930 hasta el estallido de la guerra (después de haber sido superadas la "poesía pura" y las vanguardias). Su obra y su vida misma están marcadas de principio a fin por la Guerra Civil española (1936-39), de la que fue una víctima más. Elegía a Ramón Sijé (En Orihuela, su pueblo y el mío, se me ha muerto como el rayo Ramón Sijé, con quien tanto quería). Yo quiero ser llorando el hortelano de la tierra que ocupas y estercolas, compañero del alma, tan temprano. Volverás a mi huerto y a mi higuera: por los altos andamios de las flores pajareará tu alma colmenera de angelicales ceras y labores. Volverás al arrullo de las rejas de los enamorados labradores. Alegrarás la sombra de mis cejas, y tu sangre se irán a cada lado disputando tu novia y las abejas. Tu corazón ya terciopelo ajado, llama a un campo de almendras espumosas mi avariciosa voz de enamorado. A las aladas almas de las rosas del almendro de nata te requiero, que tenemos que hablar de muchas cosas, compañero del alma, compañero. MIGUEL HERNÁNDEZ (El rayo que no cesa)



LITERATURA DE POSGUERRA INTRODUCCIÓN Las dramáticas consecuencias de la Guerra Civil se dejan sentir en todos los aspectos sociales. humanos y culturales. La educación sufre un brusco giro ya que pasa de la apertura a la cerrazón, lo que implica un sistema clasista al servicio del sistema político. Por otra parte, se instaura la censura gubernativa y eclesiástica, por lo que los autores vieron mermada su capacidad creadora, ya que escribían bajo su propia autocensura para evitar represalias. Las editoriales también tuvieron problemas: falta de papel, baja producción... Sin embargo, los deseos de evasión de la gente fueron en aumento de modo que florecieron subgéneros literarios como las novelas rosa (colección Pueyo), tebeos, fotonovelas, novelas del oeste, revistas. Las traducciones menguaron ya que muchas de las obras se consideraban novelas prohibidas y sólo se conseguían en las trastiendas de las librerías.

LA NOVELA A PARTIR DEL 39

La novela en el exilio: R. J. Sender, M. Aub. • La novela en la posguerra: C. J. Cela, M. Delibes. La novela a partir de los 50. Realismo social: R. Sánchez Ferlosio, J. Goytisolo, I. Aldecoa, C. Martín Gaite. La novela a partir de los años 60. L. Martín Santos, G. Torrente Ballester. J. Marsé, J. Benet. E. Mendoza. LA POSGUERRA. SITUACIÓN SOCIO-ECONÓMICA Y CULTURAL


26/07/2010http://www.escoltas.net/acceso_online/literatura/la_posguerra_novela.htm

La Guerra Civil provoca un corte muy profundo con la tradición anterior: Parece como si la novela de posguerra entroncara con el realismo del XIX. Una serie de datos nos ayudan a configurar este panorama: Aislamiento cultural. Falta de maestros (muertos o en el exilio). Censura (incluso al 98, al 68... ). Incluso "doble censura" (eclesial y política). Auge de las traducciones (W. S. Waugham, Pearl S. Buck... ) para llenar el hueco editorial. Novela evasiva (Carmen de Icaza) o de Guerra: García Serrano escribe La fiel infantería (1943), exaltación de los vencedores, pero que fue censurada por motivos morales. 1. – LA NOVELA EN EL EXILIO: R. J. Sender, M. Aub. A causa de la guerra civil española, una serie de escritores continúa su producción literaria fuera de España, principalmente en países de América y Europa. Son, entre otros, Arturo Barea, Rosa Chacel, Francisco Ayala, Max Aub y Ramón J. Sender. Estos novelistas pertenecen a la llamada Generación perdida, desvinculada de la sociedad española de posguerra. Sus obras no son conocidas en España hasta fechas recientes, debido a la prohibición de sus ediciones. Mientras en nuestro país se desarrolla una novela deshumanizada, los novelistas del exilio producen una narrativa de temática social que enlaza con el realismo de los años treinta; incorporan, además, técnicas innovadoras. Tres son los temas que recrean estos novelistas: - El pasado de España. El novelista exiliado añora la patria perdida; busca en su pasado el ser de la propia España y la razón que le permita vivir en la distancia. La guerra civil y sus consecuencias son los hechos más evocados. - La añoranza de España. El exiliado presenta una imagen inventada de la nueva España al evocar vivencias, lugares e imaginar cómo será el presente. También plantea la posibilidad del regreso, pero teme sufrir una nueva desilusión al encontrarse con un país diferente del que mantiene en su recuerdo. - La realidad del exiliado. El interés del novelista exiliado continúa centrado en España. No obstante, ha de superar una nueva situación: la adaptación al país de acogida. A través de un itinerario siempre cambiante (Inglaterra, Francia, América.., ), el novelista busca en sus recuerdos algo que le conecte con todo lo que abandonó. A falta de una realidad sobre la que escribir, algunos autores optan por la abstracción y el simbolismo. Sus relatos se convierten en una incursión filosófica sobre diversos temas.

RAMON J.SENDER. Ramón J. Sender nació en Chalamera de Cinca (Huesca) el 3 de febrero de 1901 y murió en San Diego (California), 81 años después, el 15 de enero de 1982. Atrás quedaba una vida comprometida, un exilio primero obligado y luego voluntario y una obra extensísima, de más de 100 títulos.



Antes de la Guerra Civil publicó algunos títulos importantes. Podemos empezar mencionando Siete domingos rojos, en donde trataba los problemas del sindicalismo en España y O.P. las siglas de Orden Público, centrado en el problemas de las huelgas y reivindicaciones obreras. En el 30 publicaba Imán, visión realista de la Guerra en Marruecos. Sender fue corresponsal de guerra y da una visión descarnada y realista de los hechos. En 1935 ganó el Premio Nacional de Literatura con una novela histórica esencial, Mr. Witt en el cantón, que se centra en el movimiento cantonalista de Cartagena a finales del XIX, a la vez que reflexiona sobre el significado político del hecho. En 1936, con el estallido de la Guerra Civil española, R. J. Sender se mantuvo en el bando republicano, como Capitán en Guadarrama, como Jefe de la Brigada Mixta en Seseña (Toledo), con mando de Jefe de Estado Mayor (en Toledo primero y después en Madrid). Empiezan los tiempos difíciles. Su mujer fue fusilada en Zamora, con dos hermanos, Saturnino y Antonio. Sus hijos, de corta edad, fueron evacuados a Francia por la Cruz Roja Internacional y su hermano Manuel fue fusilado en Huesca. En 1939, Sender, desde Francia, con sus hijos, embarca rumbo a Estados Unidos para dirigirse después a México. Vive su exilio, al principio de un modo difícil, pero, poco a poco va siendo reconocido y se va abriendo camino. Sigue publicando obras importantes que tardan en aparecer en España, pero que, finalmente, lo hacen: Crónica del alba, El bandido adolescente, Las criaturas saturnianas... La obra de Sender nos permite hablar de la novela española fuera de España. Sender es, sin duda, el autor más fecundo de todos los del exilio, con una obra amplísima, comparable a Galdós o a Pío Baroja. Ha sido un escritor olvidado injustamente, un escritor silenciado y marginado. Con su muerte se planteó la necesidad de valorar su obra y ahora, con el centenario, esperamos que sea justamente reconocido. Sender maneja distintos temas, novela histórica, fantástica, autobiográfica... Podemos empezar aludiendo a su obra emblemática, Réquiem por un campesino español, que apareció en México con el título primero de Mosén Millán. Es una de sus mejores obras. Sender, a pesar de haber vivido unas circunstancias muy difíciles, nunca aprovecha para arremeter contra ellas, para lamentarse personalmente, porque lo que le interesa, sobre todo, son los problemas individuales, de sus personajes. El marco histórico es siempre el telón de fondo de la acción, nunca el protagonista esencial. Le interesa más el ser individual de carne y hueso, abocado a una situación límite, que otro tipo de circunstancias. Réquiem por un campesino español recoge un episodio dramático de la guerra civil en un pueblo aragonés. Mosén Millán está preparando una misa de difuntos por el alma de un campesino a quien quiso mucho y a quien denunció sin quererlo. Mientras aguarda a los escasos asistentes, el Mosén recuerda -a manera de flash-back- los momentos importantes en la vida de Paco, el campesino, su infancia, su juventud, su encuentro con la pobreza, sus ideas liberales, el inicio de la guerra, su ejecución....

MAX AUB (París, 1903-México, 1972) Max Aub Mohrenwitz Aunque se inició como dramaturgo vanguardista, en su producción destaca un grupo de novelas realistas publicadas bajo el título El laberinto mágico (Campo cerrado-1943-, Campo de sangre -1945-, entre otras). FRANCISCO AYALA (1906). En el exilio, su obra da un giro desde el vanguardismo hacia un enfoque humano y de reflexión poética. Los usurpadores (1949), Muertes de perros (1958) y El fondo del vaso



(1962) son obras donde el poder, la dictadura y la corrupción son analizados desde el punto de vista moral. Entre los escritores del exilio destaca, tanto por su calidad artística, como por su copiosa producción, Ramón J. Sender (1902-1982), cuyo estilo se caracteriza por la sobriedad expresiva y el rechazo de lo ornamental. No busca efectos sonoros o coloristas, sino que elige las palabras por lo que significan y mezcla en sus obras fantasía y realidad. Algunas de las más interesantes son: Imán, Siete domingos rojos, Mr. Witt en el cantón, El rey y la reina y sobre todo Crónica del alba, ciclo compuesto por varias novelas, sin duda la mejor de sus obras, en la que evoca líricamente su infancia y su adolescencia. Así como la España contemporánea. Especial mención merece Réquiem por un campesino español, ambientada en la Guerra Civil. 2. – LA NARRATIVA ESPAÑOLA DE LOS 40: el realismo tremendista. 2. 1 "años de convalecencia". En estos años la vida cultural está cargada de notas triunfalistas, de deseos de evasión (en el teatro, principalmente) y de retornos al formalismo clásico (poesía), pronto aparecerá una literatura inquietante y hasta cargada de angustia: una poesía desarraigada (Blas de Otero, G. Celaya); novelas como La Familia de Pascual Duarte de Cela (1942) o Nada de Carmen Laforet (1945) 2. 2 enfoque existencial Sin embargo, tras el malestar vital, tras las angustias personales, se percibe unas raíces sociales concretas, Esta época viene marcada por la desorientación, Parece que sólo Baroja conecta con las preocupaciones de estos autores. Cela, con La familia de Pascual Duarte, agria visión de realidades míseras y brutales, inaugura el tremendismo: selección de los aspectos más duros de la vida. Tuvo un enorme éxito, y la fórmula se repitió hasta el abuso: no sólo en la obra de Cela encontramos ese desquiciamiento de la realidad en un sentido violento o esa sistemática presentación de hechos desagradables e incluso repulsivos; hubo muchos seguidores: carga tremendista, en mayor o menor grado, hay en Delibes (La sombra del ciprés es alargada, si bien con una honda religiosidad) o Ana María Matute (Los Abel). Otros desvirtúan rápidamente el género (se "esperpentiza"). A finales de la década se pide moderación. Las crueldades de la guerra civil contribuyen a dicha moda. Moda que no respondía a "delectación por lo morboso, sino a propósito revulsivo". Típico de esta novela será el reflejo amargo de la vida cotidiana, desde un enfoque existencial. Por eso los grandes temas son la soledad, la inadaptación, la frustración, la muerte. Abundan los personajes marginales y desarraigados, desorientados y angustiados. Todo ello revela un malestar que es "social", aunque para algunos críticos no se pueda hablar de "novela social", sino "parasocial"



Autores: Camilo José Cela. Considerado el iniciador del tremendismo (La familia de Pascual Duarte, (1942). Esta obra fue el gran acontecimiento novelístico de la posguerra, debido, en gran parte, al vacío existente. Se trata de un experimento violento y amargo. La novela ilustra una concepción del hombre: criatura arrastrada por la doble presión de la herencia y del medio social. Pascual es un infeliz que casi no tiene otro remedio que ser, una y otra vez, un criminal. Cela se revela ya como un hábil constructor del relato y un magistral prosista. Destaca por su manejo de los recursos lingüísticos, por el uso de léxico rural, por la fuerza de sus descripciones, por la maestría de los retratos... Carmen Laforet: Nada (1945) es su principal novela; es la historia de una muchacha que ha ido a estudiar a Barcelona, donde vive con sus familiares en un ambiente sórdido de mezquindad, de histeria, de ilusiones fracasadas, de vacío, rodeada de personas desquiciadas por la guerra, y que al acabar el curso viaja a Madrid "sin haber conocido nada de lo que confusamente esperaba: la vida en su plenitud, la alegría, el interés profundo, el amor". Por primera vez tras la guerra, una parcela irrespirable de la realidad contemporánea, de lo cotidiano, quedaba recogida implacablemente con un estilo desnudo, de trazo firme y con un tono desesperantemente triste. Miguel Delibes es considerado como el máximo representante del realismo intimista. Nos habla de tristeza y frustración en La sombra del ciprés es alargada (Premio Nadal, 1947), pero les opone una resignación religiosa, es una novela con gran preocupación humano-psicológica, bellas descripciones del paisaje y estilo expresivo en los diálogos. Otros autores destacados son Antonio de Zunzunegui, Rafael García Serrano, G. Torrente Ballester o Ignacio Agustí. 3. – LA NARRATIVA ESPAÑOLA DE LOS CINCUENTA: el realismo social. "Hacia 1951 la literatura española, andadas ya las trochas del tremendismo, dio un giro a su intención y empezó a marchar por la senda del realismo objetivo", escribe Cela. Este decenio supone un enriquecimiento de nuestro panorama novelesco. Siguen publicando autores de la época anterior (los denominados novelistas de la "promoción de 36»: Cela, Delibes... ) pero se producen unos hechos significativos que nos permiten hablar de nueva etapa. En 1954 ("año inaugural", para Sobejano) coinciden cinco títulos importantes: El fulgor y la sangre, de Aldecoa; Los bravos, de Fernández Santos; El Trapecio de Dios, de Ferrer-Vidal, Juegos de manos, de J. Goytisolo y Pequeño teatro, de A. Ma. Matute. En 1956 aparece El Jarama, de Sánchez Ferlosio: la corriente está consolidada. La mayoría de los críticos retrasan el inicio de esta época a 1951, publicación de La Colmena, de Cela, y La noria, de Luis Romero. También se citan como iniciadoras dos obras de Delibes: El camino y Mi idolatrado hijo Sisí. Asistimos a unos profundos intentos de renovación, favorecidos por las circunstancias históricas: progresiva incorporación de España a la órbita internacional tras el anterior



aislamiento; tímida liberalización intelectual y primera apertura de diálogo con los exiliados; evolución socio-económica del país (migraciones campo-ciudad); entrada de un multitudinario turismo extranjero; posibilidad de viajar fuera y dé conocer una literatura diferente.. Se produce el surgimiento de una nueva generación de narradores. Aunque entre ellos existan sustanciales diferencias, comparten unos comunes supuestos ideológicos y participan de preocupaciones temáticas y formales semejantes. Su propósito es ofrecer el testimonio de un estado social desde una conciencia ética y cívica. Además pretenden que la literatura sirva de revulsivo político (literatura como arma política), aunque son pocos los que adoptan una postura extrema y la mayoría insiste en los condicionamientos artísticos de la obra literaria. El relato suele ser objetivista (a veces conductista: Sánchez Ferlosio, García Hortelano), con influencias de las técnicas cinematográficas. Con esta técnica se pretende, además de adoptar una nueva posición narrativa, eludir, en cierta medida, la censura. Así la literatura cumple (o pretende cumplir) también el papel de dar unas informaciones que los medios de comunicación de la época ocultan. En cuanto a los precedentes se han señalado el neorrealismo italiano (sobre todo el cinematográfico: Vittorio de Sica -El ladrón de bicicletas, 1948- o el primer Visconti), algunos escritores americanos (Dos Passos, Steimbeck, Hemingway, Faulkner) y, en menor medida, el noveau roman francés. Entre los españoles, los críticos han hablado de los influjos que ejercen Galdós y Baroja (aunque no todos los estudiosos coinciden) y la admiración que despierta Machado. Dentro de la generación (llamada generación del 55 o del medio siglo) es posible distinguir una tendencia neorrealista y otra social. En la primera la crítica es más velada; posee caracteres humanitarios y puede considerarse como una primera fase de la novela político social. A esta tendencia pertenecen Aldecoa, Fernández Santos, Sánchez Ferlosio, Ana Ma Matute o C. Martín Gaite. Los escritores sociales son, entre otros, Caballero Bonald, García Hortelano, J. Goytisolo, L. Goytisolo, A. Grosso, J. Marsé... También se produce una oscilación entre el lirismo subjetivo (Matute) y la objetividad despersonalizada (El Jarama), y los mismos escritores van de una línea a la otra (así Sánchez Ferlosio en Alfanhuí). Y la división casi angustiosa entre el "yo" y el mundo, entre la realidad y el ensueño, está siempre en el corazón mismo de los relatos de Juan Goytisolo. En cuanto a las técnicas narrativas, se emplean: el objetivismo (testimonio escueto, sin aparente intervención del autor; el grado extremo será el conductismo: limitarse a registrar la pura conducta externa de individuos o grupos y a recoger sus palabras, sin comentarios ni interpretaciones) y el realismo crítico, que es una denuncia de desigualdades e injusticias desde posturas dialécticas. Por esta línea puede llegarse a una mayor o menor distorsión de la realidad, pues ya no se trata de reproducirla, sino de explicarla, poniendo al descubierto sus mecanismos más profundos, y no sólo reflejar lo aparente (objetivismo). Aquí es decisiva la influencia de los americanos: la crudeza y distorsión de Faulkner, el retrato colectivo de Dos Passos, la denuncia social de Steinbeck, el descontento de Hemingway... Aunque las divergencias teóricas son claras, en la práctica es más difícil establecer diferencias. Los temas capitales de estos novelistas son la infructuosidad, la soledad social y la



guerra como recuerdo y sus consecuencias. Salen a la España de los caminos en busca del pueblo perdido (en el esfuerzo estéril y el aislamiento: J. Goytisolo en Campos de Níjar) y alguno vuelve a la ciudad para encontrar otra parte del pueblo perdido (en el apartamiento de grupos y clases). Los protagonistas viven su soledad no de un modo individual, sino social: barrios, círculos, grupos... Es una soledad engendrada por la desconexión entre ricos y pobres, trabajo y capital, campo y ciudad, pueblo y Estado. La razón última de esa soledad está en la división de los españoles, recrudecida por la guerra. (Ninguno de los novelistas ha escrito novelas sobre la guerra, pero en sus obras aparece como referencia, como trasfondo lejano, recuerdo o antecedente determinador. ) En la temática destaca un desplazamiento de lo individual a lo colectivo la sociedad española se convierte en tema narrativo. Los principales campos temáticos son: -La dura vida del campo: Los bravos, de Jesús Fernández Santos (1954), Dos días de setiembre, de Caballero Bonald (1962). -El mundo del trabajo, con las relaciones laborales: Central eléctrica, de López Pacheco (1958). -El mundo urbano, abarcando un amplio panorama (La Colmena) o presentando e mundo de los suburbios y mostrando solidaridad con los humildes. -La burguesía: Juegos de manos, de J. Goytisolo (1954). En general predominan los ambientes de intemperie: campo, mar, aldeas, arrabales... El tiempo de la acción de estas novelas suele ser la actualidad, como corresponde al común intento de iluminar el presente. El espacio y el tiempo suelen concentrarse para conseguir una historia modélica. Modélico resulta también el personaje, concebido desde supuestos muy maniqueos, poco analizado en su dimensión psicológica. El estilo se caracteriza por una deliberada pobreza léxica y por una tendencia populista a recoger los aspectos más superficiales de los registros lingüísticos populares o coloquiales. Pero no podemos decir sin más que estemos ante un estilo descuidado, pues en bastantes obras se muestra un notable interés por lo formal: hay que huir tanto de la tradicional idea de la "pobreza léxica" como de la exageración de Sobejano: "el propósito de renovación es considerable". Estos autores aportaron novedades, pero el contenido en ellos adquiere prioridad y a él se subordinan las técnicas elegidas; se antepone la eficacia de las formas a su belleza; y, desde luego, se rechaza la pura experimentación o el virtuosismo. Autores CAMILO JOSÉ CELA. En La Colmena (1951), retrato fiel -aunque incompleto- de una realidad presidida por el sexo, el hambre y el miedo, como tres dioses implacables, comparece el Madrid de los cuarenta a través de un nutrido censo de personajes (160), sin que ninguno posea entidad de protagonista. Cela es el novelista omnisciente que crea y manipula a su antojo seres y situaciones; los personajes se retratan hablando, pero el autor contribuye con palabras propias: no es una actitud conductista; el humor y una ternura soterrada se lo impiden. La novela está en el límite entre lo existencial y lo social, pero aporta "tres notas estructurales: la concentración del tiempo, la reducción del espacio y la protagonización colectiva".



MIGUEL DELIBES. El camino (1950), Las Ratas (1962) o Mi idolatrado hijo Sisí (1953) son obras de este periodo; las dos primeras de ambiente rural; la tercera narra la vida de las costumbres y la mentalidad de la burguesía provinciana. Rasgos: unas dotes excepcionales de narrador, una insuperable capacidad para reflejar tipos y ambientes y un seguro dominio del idioma, que le permite acertar en los más variados registros, sobre todo en el habla popular. JUAN GOYTISOLO. Está considerado como el escritor más. importante de la generación nueva por la amplitud y significación de su obra; es el portaestandarte del realismo crítico, pero su evolución le ha llevado hasta una nueva vanguardia narrativa. La crítica ha distinguido en él tres periodos: •Tiene un primer periodo de interpretación poética de la realidad: Juegos de Manos, 1954 (despiadada visión de la juventud burguesa); Duelo en el Paraíso, 1955 (sobre unos niños que, influidos por las circunstancias bélicas, juegan a la guerra). En ella destacan unos evidentes impulsos líricos que el autor reprimirá para conseguir un realismo más estricto. • A continuación, una postura crítico-social (La Resaca o Campos de Níjar) -Por último, en una tercera fase intenta dar una visión global del ser de España (cultura, religión, tradición). Esta etapa se inicia con Señas de identidad (1966) • Esta evolución es debida a la constante autoexigencia del autor, que le ha llevado a cambios tanto en la temática como en la técnica, en la realización artística de las mismas. Ha pasado desde el más puro testimonialismo, seco y austero, hasta la renovación más audaz. RAFAEL SÁNCHEZ FERLOSIO. El Jarama está considerada como la más clara novela del conductismo. La novela carece de protagonista; se cuenta un día de ocio de unos jóvenes. Posee escaso interés argumental: salvo el incidente final, apenas pasa nada: los personajes charlan, se divierten, comen, se aburren... carece incluso de tema. El autor se limita a transcribir los distintos momentos de aquel día con una precisión desusada. Y todo esto nos hace entrar en un penoso aunque no siempre bien advertido drama de nuestro tiempo: la alienación de la vida cotidiana, reflejada en la alegre insustancialidad de aquellos jóvenes; su vacío, su vulgaridad. En la novela domina casi por completo el diálogo. En la parte descriptiva aflora un escritor cuidadoso que puebla el relato de imágenes, comparaciones... y que interpreta los hechos, por lo que desaparece el conductismo puro. El Jarama presenta una acertada configuración del personaje colectivo, una técnica cinematográfica y una transcripción eficaz del lenguaje hablado coloquial, pero bastante elaborado. También destaca la cuidadosa estructuración: alternancia de dos centros generacionales: orillas del Jarama y la venta; al final se funden en una (la venta) salvo el episodio de la muerte de Lucita. La obra posee un significado simbólico: oposición mundo joven-mundo adulto, aburguesado y conformista. Los que no se acomodan pierden a uno de ellos (los jóvenes que se quedan en la orilla). También ha sido destacada la condensación del tiempo: toda la novela abarca dieciséis horas.

CARMEN MARTIN GAITE. Carmen Martín Gaite, (1925-2000) salmantina de nacimiento y por convicción, empezó a escribir de manera pública a mediados de los años cincuenta, cuando la vieja España comenzaba a querer ser ella misma de nuevo,



pese a los sin sabores pasados, el hambre, y la sencillez y miseria con la que se llegó a subsistir. Reflejo de este panorama de la realidad aparece en alguna de sus obras. Sin embargo Carmen Martín Gaite escribió desde siempre. Su mente estaba abierta a una realidad que ella transformaba desde su peculiar estilo a medio camino entre el hiperrealismo y lo onírico. Preocupada por la mujer y su papel en el mundo, entregada a causas entonces perdidas y hoy ganadas, y haciéndolo desde la subversión tranquila pero tan firme como sensata, destacó en la escritora charra su cualidad para la adaptación a los nuevos tiempos, a las nuevas modas, sin perder por ello sus convicciones y singular filosofía vital.

Como poetisa comenzó trabajando para la revista trabajo y días. Llegada a Madrid colaboró con varias revistas de la época. En 1953 publicaría su primer cuento "Un día de libertad", al que siguió "El balneario", premiado por el café Gijón y obra imprescindible para los amantes de la literatura hispana. Después llegarían publicaciones como "Los informes", "La chica de abajo" y sus recopilaciones de cuentos. Su obra se ve influida por sus contactos con el grupo de escritores llamados los hijos de la guerra y por adquirir un firme compromiso entre su literatura y la situación en la que vive su país. Entre sus magistrales obras caben destacar, "Entre visillos", "Retahílas", "Ritmo lento", "El cuarto de atrás" o las más recientes, "El cuento de nunca acabar" y "Agua pasada". Entre los premios con los que ha sido galardonada se encuentra el mencionado Café Gijón, el premio Nadal, el premio Príncipe de Asturias, el premio Nacional de las Letras y el premio Castilla y León de las Letras. Poeta, novelista, cuentista y dramaturga, Carmen Martín Gaite ha sabido demostrar que pese a las dificultades del oficio de escribir, máxime para una mujer en la época en la que ella se inició, se puede, si se quiere, desarrollar tal oficio de forma absolutamente magistral, con estilo propio y planteando la rebeldía con la clase con la que ella lo hizo. Tras su fallecimiento sólo nos queda retomar su obra y disfrutar con su verbo.

4. –LA RENOVACIÓN DE LAS TÉCNICAS NARRATIVAS EN LOS AÑOS 60: la superación del realismo. Los años 60 son años de cambios importantes en España en el aspecto económico y cultural. El cambio político no llegará hasta 1975, pero la transformación en la novela se ha producido antes. Se considera 1962 como inicio de esta nueva etapa en la narrativa española. Se publican Tiempo de Silencio, de L. Martín Santos y La ciudad y los perros, de M. Vargas-Llosa, iniciándose el llamado "Boom de la narrativa hispanoamericana". Las nuevas formas se imponen hacia 1966-67; el realismo social es un movimiento acabado, con epígonos de escasa importancia. El cambio se vio impulsado tras la incorporación de figuras consagradas de la generación del 36 (Cela, Delibes) y del 50 (Goytisolo). Se dan unas circunstancias históricas nuevas: desarrollo económico (España, potencia



industrial); aumento de los contactos con el exterior; flexibilidad en la censura (Ley de Prensa de 1966), aunque siguen prohibiéndose algunas novelas. Los factores literarios serán mucho más determinantes para explicar el cambio de rumbo: hay un cansancio, de los lectores hacia la novela social, demasiado preocupada por los aspectos críticos y que va abandonando el interés por la elaboración formal. El mismo Goytisolo lo reconocía: "supeditando el arte a la política rendíamos un flaco servicio a ambas: políticamente ineficaces, nuestras obras eran, para colmo, literariamente mediocres; creyendo hacer literatura política, no hacíamos ni una cosa ni otra". La Literatura se muestra ineficaz como arma para transformar el mundo. La irrupción de la novela hispanoamericana y el conocimiento de la obra de autores exiliados contribuyen al florecimiento de esta nueva etapa. La nueva narrativa es el fruto del "desengaño", que alcanza a contenido y expresión; la novela tenderá hacia el formalismo y el expresivismo lingüístico, que se manifiesta en "una revalorización de la imaginación (Cunqueiro), una atención hacia el estilo (Delibes, Goytisolo), un cuidado por la estructura (Marsé, Benet), una manera poemática (Matute)". El término que más fortuna ha hecho para denominar a este periodo es el de Novela Estructural: está denominación es aceptable teniendo en cuenta estos tres aspectos: el relieve de la estructura formal (disposición de las partes en una figura que se presenta como nueva), la indagación de la estructura de la conciencia personal habitualmente del protagonista), y la exploración de la estructura del contexto social. Novela estructural quiere decir que la estructura está más acentuada, formal y sistemáticamente, que otro elemento. La obra narrativa sufrirá una serie de transformaciones y destrucciones en todos sus elementos: acción, personajes, punto de vista, estructura... Se adoptan técnicas nuevas; se diluyen los límites entre géneros. El afán renovador es total, afectando a todos los elementos narrativos: autor y punto de vista; tratamiento de la anécdota; estructuración; personajes; personas narrativas; diálogos; tipos de monólogo; descripciones... Autores. JUAN MARSÉ. En 1966 publica últimas tardes con Teresa, obra de contenido social: crítica de la burguesía catalana, representada en este caso por la juventud universitaria. Con Si te dicen que caí (1973) completó su amarga visión de la posguerra barcelonesa en los barrios pobres de la ciudad. JUAN BENET creador de un vasto ciclo novelesco localizado en el espacio mítico de Región. Desde Volverás a Región (1967) y Una meditación (1970) hasta Saúl ante Samuel (1980), la narrativa de Benet, considerada por algunos como paradigma de la modernidad, es un intento de comprender la ruina y la soledad de unos lugares y unas gentes perfilados como alegoría de la España contemporánea y de su historia. Benet rechaza toda imitación de la realidad y se dedica, en su incesante renovación formal, a la destrucción de los elementos tradicionales del relato (acción, personajes, espacio, tiempo... ).



CAMILO JOSÉ CELA. San Camilo, 36 (1969) es un ininterrumpido monólogo interior escrito en segunda persona autoreflexiva, situado en Madrid al inicio de la Guerra Civil. Sólo se recoge lo más sórdido y obscuro: la violencia, la deformidad y el sexo. En la obra se encuentran tres grandes unidades: la vida nocturna de Madrid, con abundantes situaciones sexuales; pesadillas y monstruos subjetivos en estado de formación (se está gestando algo horrible) y el nacimiento de esos monstruos (que simbolizan el odio y la Guerra Civil que estalla en esos momentos). Oficio de Tinieblas 5 continúa en esta línea. MIGUEL DELIBES llega a la cumbre de su narrativa con Cinco horas con Mario (1966), obra formada por una introducción y una conclusión que enmarcan un largo monólogo interior de una mujer que vela a su marido recién fallecido. Dos sentimientos se debaten en su interior: la culpabilidad por un adulterio (deseado pero no cometido) y la frustración, porque considera que su marido la ha postergado injustamente. Se consigue reflejar el tradicional enfrentamiento entre las dos Españas, en este caso representadas por un intelectual liberal y su esposa, quien, desde su ideología y conducta conservadora, dirige a su difunto marido un largo soliloquio lleno de reproches acerca de todos los asuntos en los que ambos no pudieron entenderse. JUAN GOYTISOLO Se une a este nuevo rumbo de la novela con Señas de identidad (1966). Su estructura es muy compleja; en ella se dan todas las innovaciones posibles: cambios de punto de vista, disertaciones, monólogos interiores, textos periodísticos, de folletos turísticos, de informes policiales; frases en otros idiomas; ruptura de la línea y escritura en versículos; páginas enteras sin signos de puntuación; superposiciones y entrecruzamientos de planos temporales distintos... Todo ello posee una motivación clara: la búsqueda del personaje autor de su propia identidad y, a la vez, revisión del pasado nacional: de su historia, su cultura, sus tradiciones. Esta línea continúa en Reivindicación del conde don Julián (1970) y Juan sin Tierra (1975), formando la trilogía de "La destrucción de la España sagrada". GONZALO TORRENTE BALLESTER alcanza la fama con La saga/fuga de J. B. (1972), en la cual se lleva a cabo la parodia de la novela experimental y la recuperación del arte de contar historias en la novela. Logra una original síntesis de realismo y fantasía, restaurando así el pacto narrativo con el lector, alejado de tanto discurso carente de interés. José Bastida es el protagonista; siempre tuvo deseos de ser otro. Aprovecha una invitación para asistir a una grotesca Tabla Redonda que existe en la ciudad de la que es maestro (Castroforte del Baralla); es convocado porque conocía muy bien la ciudad y la historia de los Jota Be; el profesor desata su imaginación y va venciendo con sus invenciones a las personalidades más ilustres de Castroforte. LUIS MARTÍN SANTOS. La principal novedad en Tiempo de Silencio no está en los temas (frecuentes en la narrativa de su época: la vida de los pobres y de las clases medias, la fisonomía de la ciudad, la abulia de las gentes), personajes o argumento. Está en el nuevo planteamiento discursivo propuesto por su autor, en el uso de



técnicas narrativas innovadoras (frente a la escasez de recursos de la novela social), siempre puestas al servicio de una intencionalidad crítica. La novela de los años anteriores se preocupaba cada vez más por el contenido, olvidando o relegando a un segundo plano las técnicas, los aspectos formales. Contra esto reacciona M. Santos. Así, conectamos con los novelistas intelectuales del Novecentismo (Pérez de Ayala). El relato se ofrece a un lector que debe interpretar los hechos y extraer sus conclusiones personales. Estamos ante un texto libre dirigido a un lector libre, activo. Martín Santos es deudor, en gran medida, de la obra de Joyce, Ulysses, punto de partida real para la composición de Tiempo de Silencio. Acude al empleo de una variada gama de voces y puntos de vista. En el relato aparecen las tres personas narrativas; el enfoque objetivo alterna con el subjetivo. Son escasos los capítulos donde no se da la narración omnisciente que permite al narrador, además de contar, enjuiciar los hechos. 5. – LOS NOVELISTAS DEL 68. Coincidiendo con el auge de la novela experimental, aparece una nueva generación de narradores. Son los novelistas nacidos y educados en la posguerra en los años de restricciones, que vivieron la rebelión contra el franquismo en las protestas universitarias del 68 (inspiradas en el Mayo francés). A estos novelistas también se les ha designado como Generación del 66 (ley de prensa) o del 75 (fin de la dictadura, publicación de muchas de sus obras). Pero parece más aceptable la fecha de 1968, ya que todos estos autores estaban en la Universidad por estas fechas y sus personalidades se estaban formando. Estos autores empiezan a publicar entre 1968 y 1975. Las primeras obras están claramente bajo el influjo de la novela estructural de los 60. En estas fechas se empieza la recuperación de los elementos tradicionales del relato (Torrente Ballester: La saga/fuga de J. B. ), y estos autores contribuirán más tarde al asentamiento de esta tendencia. En un primer momento reniegan de la novela social, defienden la novela basada en la investigación de la estructura y el lenguaje y abordan problemas del hombre considerado en su individualidad, aislado de la realidad colectiva. Las primeras obras de estos autores contribuyen a aumentar el ambiente de novedad que se vivía. Autores significativos son Félix de Azúa, M. Vázquez Montalbán o J. Ma Vaz de Soto. Posteriormente se produce una reflexión serena sobre el arte de la novela y se deja de lado el experimentalismo puro, recuperándose elementos tradicionales del relato, aunque sin olvidar los logros (no pocos) conseguidos por la novela estructural. En este nuevo rumbo intervienen autores que forman la segunda oleada generacional: Eduardo Mendoza, José María Merino y Juan José Millas; M. Vázquez Montalbán se une a esta tendencia. Tres novelas fundamentales, de tres generaciones distintas, han contribuido a la llegada de esta "nueva" fórmula narrativa: La saga/fuga de J. B., de Torrente, que parodiaba las novedades experimentales y se recuperaba la herencia cervantina de novelar; Escuela de mandarines, de Espinosa, de menor fama, pero en la que también



se ve una vuelta a los pilares tradicionales del relato, y La verdad sobre el caso Savolta, de E. Mendoza, que conjuga magistralmente la intriga tradicional con diversas técnicas experimentales: folletín, parodias del estilo periodístico, de documentos judiciales, de discursos políticos ... La obra va desde un principio experimental (recortes breves, inconexos aparentemente, sin orden cronológico) hasta un final lineal propio de la novela policíaca, con una reconstrucción casi detectivesca de los hechos que antes quedaban sin explicar; hemos pasado desde la experimentación a la recuperación de la intriga y del relato lineal. Y en una sola novela. Con esta obra consigue el Premio de la Crítica, siendo el primer novelista del 68 galardonado. En sus demás obras alterna novelas menores, casi intrascendentes (El misterio de la cripta embrujada; El laberinto de las aceitunas) con otras de mayor envergadura: La ciudad de los prodigios (1986) y La isla inaudita (1989), que no alcanzan, en su conjunto, la calidad de su opera prima. El año del diluvio (1992), es una historia de amor entre una religiosa y un terrateniente; podemos calificarla como obra irregular, con momentos muy logrados. También ha escrito una obra de teatro (Restauración), estrenada con éxito y una novela por entregas (Sin noticias de Gurb). En 1996 publica su novela, Una Comedia ligera, historia de un dramaturgo barcelonés que, entrando en la madurez de su vida, se ve involucrado en un crimen y debe recorrer los diversos estratos de la Barcelona de la posguerra para demostrar su inocencia. Usa la técnica del discurso directo narrativizado y destaca por la magistral mezcla de estilos, desde el más culto al más vulgar; acierta Mendoza en la descripción de ambientes: el mundo teatral, la alta burguesía catalana, los bajos fondos ... Es una de sus mejores obras. 6. – LA NOVELA ESPAÑOLA ACTUAL(1976-1999). El fin de la dictadura, la restauración monárquica y la llegada de la democracia abren un nuevo periodo. El ambiente de libertad, la desaparición de la censura y el acercamiento a Europa son hechos relevantes de esta nueva etapa. Existe un mayor conocimiento de la cultura europea y, a la vez, nuestra cultura es más conocida fuera de nuestras fronteras. El fin de la censura sirvió para clarificar el panorama de la novela española: se publican en España obras prohibidas y editadas en el extranjero (Goytisolo, Marsé); textos inéditos o mutilados aparecen ahora en su integridad (Martín Santos; Vaz de Soto); se recupera la narrativa de los exiliados (algunos reciben importantes premios literarios: Sender, Francisco Ayala, Rosa Chacel); se traducen obras extranjeras antes prohibidas. Los primeros años de la Democracia traen un auge de la novela política (J. Semprún: Autobiografía de Federico Sánchez), pero en seguida empiezan a diversificarse enormemente los temas; se cultivarán todas las tendencias narrativas posibles. A este panorama tan variado contribuye la coexistencia de distintas promociones: la del 36 (Cela, Delibes, Torrente), del 50 (Goytisolo, Marsé), la del 68 (Vaz de Soto, José Ma Guelbenzu, Vázquez Montalbán, E. Mendoza... ) y los novelistas de los 80, entre los que destacamos a Rosa Montero (1951), Jesús Ferrero (1952), Justo Navarro (1953), Julio Llamazares (1955), Antonio Muñoz Molina (1956), etc. Estos autores del 80



siguen, por lo general la tendencia de los autores de 68; en sus obras se produce una búsqueda de la universalidad (cosmopolitismo en hechos, escenarios, maestros), a veces a costa de ignorar lo propio en favor de lo ajeno. En algunas de sus últimas obras (Muñoz Molina: El jinete polaco, Premio Planeta 1991) se produce un retorno a lo español, a la búsqueda de nuestras raíces inmediatas (olvidadas por la historia oficial anterior) y a la profundización en la esencia y los orígenes del ser español actual. 6. 1 Tendencias en la novela española actual. Existe una variedad enorme de temas y una calidad bastante elevada en muchas de nuestras últimas novelas. Esto hace que cada vez sea más difícil clarificar el panorama y establecer tendencias unificadoras. La mezcla de cuatro generaciones narrativas, la llegada de autores exiliados, el auge de los premios literarios y el boom editorial dificultan enormemente la tarea. Intentaremos agrupar los autores y obras en las principales tendencias reconocidas por la crítica: 1. - La metanovela. Consiste en incluir la narración misma como centro de atención del relato ("novela especular") La novela se vuelve sobre sí misma; el texto narrativo ofrece el resultado final y a la vez el camino que ha llevado a él; se cuenta una novela y también los problemas planteados en su creación. Es un ejemplo claro de literatura dentro de la literatura. En esta línea nos encontramos obras como: • Fragmentos de apocalipsis (1977) de G. T. Ballester, en la que se insertan tres planos: diario de trabajo del narrador; narración fantástica y crítica autoreflexiva de la propia escritura. • Novela de Andrés Choz (1976), de José María Merino, Destaca también Merino en las narraciones breves (El viajero perdido) • Fabián (1977), de Vaz de Soto. • Papel Mojado (1083), El desorden de tu nombre (1988), de J. José Millas. • Julián Ríos: Larva (1983) y Poundemoriium (1988). 2. - Novelas poemáticas o novelas líricas. Novela poemática es la que aspira a ser un texto creativo autónomo, acercándose al poema lírico. Se produce una tendencia a la concentración máxima, no imitación de la realidad, personajes insondables, mitos, símbolos, lenguaje más sugerente que referencial: • La isla de los jacintos cortados, (1980) de Torrente Ballester. • Mazurca para dos muertos (1983), de Cela. • Los santos inocentes (1981), de Delibes. • Makbara (1980) y Las virtudes del pájaro solitario (1988), de Goytisolo. • La lluvia amarilla (1988), de Julio Llamazares. También Escenas de cine mudo (1994). 3. - Novela histórica. Desde distintos puntos de vista: fabulación imaginaria del pasado, proyección del pasado sobre el presente, aprovechamiento de la Historia para indagaciones intelectuales y ejercicios de estilo. • Edad Media:



• En busca del unicornio (1987), Juan Eslava Galán. ■ El manuscrito carmesí (1990), de Antonio Gala. • Siglo de Oro • Extramuros, (1978), de Jesús Fernández Santos. • Siglo XX: • Octubre, Octubre (1981), de José Luis Sampedro; • La verdad sobre el caso Savolta (1975) y La ciudad de los prodigios (1986), de Eduardo Mendoza. • Guerra Civil: • Beatusille de Muñoz Molina. • Herrumbrosas lanzas (1983-86) de Juan Benet. • Jinetes del alba, de Jesús Fernández Santos. 4. - Novela de intriga. Se potencia la intriga por medio de esquemas policíacos y otros procedimientos de la novela negra. A este auge contribuyó el éxito de El nombre de la rosa (1980), de Umberto Eco, donde se combinan lo intelectual, lo histórico y lo policíaco. En esta línea ya se encontraba La verdad sobre el caso Savolta, o la serie Carvalho de M. Vázquez Montalbán, en la que sobresale, entre otras, La soledad del mánager (1977). Destaca un escritor de la última generación, galardonado ya con el Premio de la Crítica, Nacional de Novela y el Premio Planeta: Antonio Muñoz Molina (1956), con dos novelas fundamentales: El invierno en Lisboa (1987) y Beltenebros (1989). El jinete polaco (1992) lo confirma como uno de los mejores narradores actuales. Aquí la intriga policíaca ha desaparecido para construir una novela rica, compleja, de un estilo poderoso y brillante en donde todas las piezas encajan a la perfección. En 1993 publica una interesante colección de cuentos (Nada del otro mundo); aparece a continuación El dueño del secreto (1994), novela breve en la que se narra un intento fallido de derrocar el régimen franquista a finales de los años 60. En Ardor guerrero, una memoria militar (1995), rememora su paso por el servicio militar. En Plenilunio (1997) regresa al género de la novela negra para contar la investigación del asesinato de una niña. Fue bien acogida por la crítica, aunque no alcanza las cotas de El jinete polaco. Enorme popularidad ha alcanzado Arturo Pérez Reverte desde la publicación de El maestro de esgrima (1988), a la que han seguido El club Dumas, La tabla de Flandes o Territorio comanche (1994), inspirada esta última en los conflictos de la ex-Yugoslavia. En 1995 publica La piel del tambor, obra ambientada en Sevilla, lugar en el que un sacerdote enviado desde El Vaticano, debe investigar Unos misteriosos crímenes que suceden en una Iglesia casi en ruinas, "una iglesia que mata para defenderse". Es una obra bastante tópica en cuanto a su ambientación: al parecer, en Sevilla sólo hay gitanas, toreros frustrados, curas y gentes de la alta nobleza. En 1996 publica El Capitán Alatriste, historia de un soldado en la España barroca. El valor fundamental de Pérez Reverte reside en su habilidad para dosificar la intriga; estilísticamente son obras pobres, de escaso valor, donde prima la trama sobre cualquier otra cosa. El caso más espectacular de la novela actual lo supone Luis Landero (1948), que con su primera obra (Juegos de la edad tardía, 1989) consiguió el Premio Nacional y el



Premio de la Crítica. En 1994 publica su segunda obra, Caballeros de Fortuna, novela en la que se narra la vida de cuatro personajes distintos que poco a poco van confluyendo hasta un curioso final. Destaca la caracterización de los personajes, con momentos memorables. Su última obra hasta la fecha es El mágico aprendiz, de 1999. Es de destacar el caso del joven Juan Manuel de Prada, que salta a la fama con la publicación de Coños (1995), libro de relatos breves. Tras una nueva incursión en la narrativa corta (El silencio del patinador), escribe Las máscaras del héroe (1996), novela larga muy bien acogida por la crítica, en la línea de la novela histórica ambientada en el primer tercio del siglo XX. Se consagra así como uno de los novelistas más prometedores de nuestra Literatura actual. Su éxito se ve refrendado en 1997 con la obtención del premio planeta por la obra La Tempestad, donde incluye rasgos de la novela policíaca. La obra se desarrolla en Venecia, a donde el protagonista acude para contemplar el cuadro de Giorgone La tempestad, que da titulo al libro. Al llegar presencia un crimen (contempla la muerte de un famoso falsificador de cuadros) y se ve envuelto en una trama detestivesca. Como es habitual en Prada, su estilo mezcla el registro más culto con coloquialismos y apreciaciones rompedoras. La crítica internacional lo reconoce como una de las más firmes promesas de la narrativa actual. Su premio planeta La Tempestad no alcanza el nivel de la obra anterior, y a duras penas mantiene la tensión en las 100 primeras páginas, para decaer posteriormente. Intriga y humor se unen en la primera novela del ovetense Tino Pertierra (¿Acaso mentías cuando dijiste que me amabas?, 1997), que nos presenta una historia de desengaño amoroso desde el punto de vista masculino: un fotógrafo, de enorme éxito con las mujeres, sufre su primer rechazo: la mujer con la que vive y mantiene una relación estable, una modelo, lo abandona de repente. La obra nos relata las peripecias del protagonista que se debate entre recuperar su pasado de conquistador o volver a vivir con su chica. No todo se agota en estas líneas. La crónica novelada o la novela realista son otras tendencias que se siguen en la actualidad. También es destacable el caso de los poetas que hacen incursiones en la novela: es el caso del gaditano Felipe Benítez Reyes (Premio Nacional de Poesía en 1996), con Humo (1994), premio Ateneo de Sevilla, obra en la que destaca el estilo cuidado, las comparaciones y las metáforas; en 1998 publica El novio del mundo.



LA POESIA A PARTIR DEL 39. La poesía de la posguerra. La poesía arraigada: L. Rosales, L. Panero. La poesía desarraigada: Blas de Otero, G. Celaya, J. Hierro. La poesía a partir de la generación de los 50: Características generales. J. Gil de Biedma, C. Rodríguez, P. Gimferrer, J.L. Panero LA POESÍA ESPAÑOLA DESDE 1936: Miguel Hernández representa el "puente" entre la espléndida poesía del Grupo del 27 y la Generación del 36. (Véase tema de la Generación del 27) Miguel Hernández, además del enorme valor y calidad de su poesía, representa la "llave poética" que abrió el camino de la poesía de la postguerra, siendo, junto a Antonio Machado, los puntos de referencia de donde arranca toda la poesía de la postguerra. La poesía de la postguerra se puede dividir en dos grandes grupos: en el primero estarían los muertos y los exiliados, cuya influencia poética en España, será, en general, nula, aunque siempre hay excepciones, como León Felipe o el propio Juan Ramón Jiménez. Se trata, ante todo, de un caudal poético cuya irreparable pérdida afectó enormemente a la calidad de la poesía española de la segunda mitad de siglo. El tema de la poesía de los exiliados es, básicamente, la nostalgia de la patria perdida, aunque con el tiempo se incorporaron temas existenciales y las realidades de las tierras que les acogieron. En cuanto a los poetas que quedaron en España, y a los jóvenes poetas que comenzaron su producción tras la contienda nacional, parten de un proceso de rehumanización artística, que ya había comenzado en la década de los treinta, dentro del Grupo del 27. El hombre será el principal tema poético, tanto en la expresión de sus problemas existenciales, como en la de sus problemas sociales. Los poetas que publican a partir de la década de los cuarenta, pertenecen a la llamada "Generación del 36", dividida en dos tendencias: la poesía arraigada y la poesía desarraigada.


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Los poetas "arraigados" se agruparon en torno a la revista Garcilaso fundada en 1943. Su ídolo poético es Garcilaso de la Vega, y propugnan una poesia optimistas, clara, perfecta y ordenada, utilizando las formas clásicas (soneto, octava real, lira, silva, etc.). Los temas dominantes son el religioso, y los tradicionales ( el amor, el paisaje, las cosas bellas, etc). Entre los poetas "arraigados" hay que citar a Luis Rosales, Leopoldo Panero, Luis Felipe Vivanco, Dionisio Ridruejo, José García Nieto y Rafael Morales. Estos poetas. no obstante, siguen evolucionando, y la mayor parte de ellos derivan, posteriormente hacia una poesía más experimental. LUIS FELIPE VIVANCO Y LUIS ROSALES. Luis Felipe Vivanco, arquitecto sin ejercer, y estudioso de la filosofía con el gran filósofo Zubiri, partió de cierta afinidad con la poesía de la Generación del 27, para terminar desarrollando una imaginación propia impregnada de religiosidad. Exiliado a Méjico, a causa de la Guerra Civil, había publicado su primer libro Cantos de primavera, al comienzo de ésta, en 1936. Su exaltada religiosidad se vuelve a manifestar en su segundo libro Tiempo de dolor, de 1940. Sus poemas más conocidos son Los caminos (1945-48), Continuación de la vida (1949),E1 descampado (1957) y Lugares vividos (1965),basados en el paisaje y en el amor familiar. Postumamente, en 1976,se publicaría Prosas propicias, donde alcanza su plenitud poética. A diferencia de Luis Felipe Vivanco, Luis Rosales, nacido en 1910 y muerto recientemente, íntimo amigo de Federico García Lorca, opuso su forma clásica poética al vanguardismo de la Generación del 27,tal como se puede apreciar en sus primeros libros Abril (1935) y Retablo sacro del Nacimiento del Señor (1940). Su cambio poético se produjo en 1949, en su obra más importante, La casa encendida, un largo poema descrito en varias partes. Después publicaría otros libros como Rimas (1951 ),E1 contenido del corazón (1969), Cómo el corte hace sangre (1974),Diario de una resurrección, Un rostro en cada ola, etc. Fue, además, un gran investigador de la literatura del Siglo de Oro español. Los poetas "desarraigados" se colocan en el polo poético opuesto, agrupándose en torno a Hijos de la ira (1944),de Dámaso Alonso, y alrededor de la revista Espadaña, fundada también en 1944 por Victoriano Crémer y Eugenio de Nora. Su poesía es existencialista, de agrio tono trágico, arrebatada, donde existe también el sentimiento religioso, pero marcado por el sufrimiento y la angustia ante un mundo deshecho y caótico. Su estilo es bronco, directo, sencillo, y poco preocupado de los valores estéticos. Entre los poetas "desarraigados", además de los fundadores de Espadaña, hay que incluir a Ramón de Garciasol, Carlos Bousoño, Vicente Gaos, v los primeros libros de Gabriel Celaya y Blas de Otero. Entre los poetas "arraigados" y "o." existían otros con formas muy personales de entender la poesía, como José Hierro, José María Valverde; Carlos Edmundo de Ory, creador del Postismo, de entronque surrealista y vanguardista; Miguel Labordeta y su poesía rebelde: Gloria Fuertes, Carmen Conde y el grupo cordobés Cántico, que



cultiva una poesía intimista y de gran valor estético, entroncando con la Generación del 27. En 1955 toda la literatura española vive un vuelvo hacia "lo social"En poesia, este giro lo efectúan Blas de Otero (Pido la paz y la palabra).Gabriel Celaya. (Cantos iberos) y Vicente Aleixandre (Historia del corazón). Su propósito es transformar el mundo a través de un realismo "crítico, donde se trata la injusticia social, la alienación, el mundo del trabajo, el anhelo de libertad, etc. Uno de los temas dominantes será el de España, al que se le da un enfoque político. En cuanto al estilo, es claro, y coloquial, intentando llegar al máximo posible de público, lo cual, terminará en fracaso al no llegar a los mil ejemplares las tiradas máximas de los libros poéticos, y producirse un hastío general del enfoque social, que en poesía dará paso a nuevos poetas, como Jaime Gil de Biedma, Ángel González, José Ángel Valente, Francisco Brines, Claudio Rodríguez, Juan Antonio Goytisolo, Carlos Barral, José Manuel Caballero Bonald, etc.,que cultivan una nueva poesía alejada de lo social, en la que hay una preocupación fundamental por el hombre, inconformismo escéptico y un retorno a lo íntimo (el fluir del tiempo, la visión nostálgica de la infancia, lo familiar, el amor y el erotismo, la amistad, el marco cotidiano, etc.) marcado por el escepticismo y la soledad. El estilo es mucho más depurado y riguroso que el de la poesía social y cada poeta se propone la búsqueda de un lenguaje personal, alejados de lo experimental, expresando sus sentimientos en un tono cálido y cordial, pero de valía estética. Entre los muchos poetas de la postguerra destaca la sólida figura de Blas de Otero. Nacido en Bilbao, estudió Derecho en Valladolid, aunque no lo ejerció nunca, viviendo primero de la enseñanza ,y posteriormente de su obra poética. La obra de Blas de Otero resume las etapas cubiertas por nuestra poesía durante varias décadas. En un primer momento expresará sus problemas personales, existenciales y religiosos. Son los años cincuenta, en los que aparecerán Ángel fieramente humano y Redoble de conciencia (posteriormente refundidos en un solo libro: Ancia). Dámaso Alonso lo coloca dentro de la poesía "desarraigada", dominando la angustia existencial. Es una poesía metafísica, donde se pregunta sobre el sentido de la vida y del hombre, adoptando a veces un tono religioso de imprecación desgarrada a un Dios ausente y silencioso; en otras ocasiones aparecerán poemas amorosos, donde el amor se presenta como un desesperado anhelo de realización vital; por último aparece un enfoque que preludia la poesía social. El lenguaje de esta primera época es violento, dramático, denso, con fuerte influencias de los Salmos bíblicos, de Quevedo y de Unamuno. Las formas son variadas, y oscilan desde espléndidos sonetos clásicos a las más puras formas en versos libres. A partir de 1955, y siguiendo la corriente social, inaugura el poeta una nueva etapa centrada en los problemas colectivos, desde postulados marxistas. Son años de viajes (París, Cuba, China, La URSS, etc.) que se inician poéticamente con Pido la paz y la palabra (1955), cuyo tema es la solidaridad y España, concibiendo la poesía como lucha y construcción. Su lenguaje es aparentemente sencillo, pretendiendo llegar "a la inmensa mayoría".En 1959 publica en París En castellano, y en 1964,también en París, Que trata de España, cuyo tema general son las tierras de España, y los grandes españoles (Cervantes, Velázquez, A. Machado, Unamuno, etc.), todo ello



presidido por la esperanza y por anhelos de paz y convivencia fraterna. Su calidad es desigual, apareciendo, dentro de una máxima depuración poética, tonos nuevos, ironía, formas métricas propias de la lírica popular y verso libre. La tercera y última etapa supone un cambio de rumbo poético, acorde con los tiempos. De esta época solo conocemos parte de su poesía, recogida en Mientras (1970) e Historia fingidas y verdaderas (1970),un conjunto de poemas en prosa. Esta última etapa poética está presidida por formas métricas muy libres, imágenes insólitas y herméticas que producen un considerable enriquecimiento del lenguaje, en el que se aprecia influencia del Surrealismo. En cuanto a la temática, hay una mayor presencia de la intimidad, aunque continua enmarcándose dentro de lo colectivo. Blas de Otero representa un modelo de la trayectoria de la poesía española de la postguerra, que comienza en la angustia vital de la poesía "desarraigada", evoluciona a una poesía social enmarcada en anhelos de paz y justicia, y termina explorando el lenguaje con una capacidad de renovación ejemplar. Emilio Alarcos ha estudiado en profundidad el lenguaje poético de Otero, señalando como rasgos generales la abundancia de recursos fónicos (aliteraciones, juegos de sonido, etc.),la abundancia de reiteraciones, paralelismo y contrastes; el uso del léxico popular y las palabras rústicas; la utilización de juegos de palabras; su sintaxis abrupta (encabalgamientos, ruptura en el fluir de los versos, etc.,lo que le convierte en uno de los grandes trabajadores de la forma de la lengua española, en este siglo. En el caso de Claudio Rodríguez (Zamora,1934), nos encontramos a un poeta precoz que sin cumplir los veinte años ya había obtenido el prestigioso premio Adonais por su obra Don de la ebriedad. Fue un libro que chocó fuertemente con la poesía usual por entonces (1953), debido a su hondura intimista y la sobriedad que presenta en el canto a su tierra castellana. Su estilo está hecho de concentración y fervor contenido, a lo que se añade la insuperable musicalidad de sus endecasílabos. Otras obras posteriores son Conjuros (1958), Alianza y condena (1965),Poesía 1953-1966 (1971), y El vuelo de la celebración (1976), que presenta una enorme libertad métrica. Todas estas obras están recogidas en un sólo volumen titulado Desde mis poemas, al que se añadió, en 1991, otro libro admirable Casi una leyenda. En 1970 José María Castellet publica Nueve novísimos poetas españoles, una antología poética que definiría los nuevos rumbos poéticos. En ella aparecen Manuel Vázquez Montalbán, Félix de Azúa, Pere Gimferrer, Vicente Molina-Foix, Guillermo Carnero, Ana María Moix y Leopoldo María Panero. Son la expresión de una nueva sensibilidad que buscan ante todo, la renovación del lenguaje poético. Tienen en común el haber nacido ya en la postguerra, y haber recibido una nueva educación sentimental y cultural (el cine, los comics, el rock, el jazz, etc.), amplificada por sus frecuentes viajes al extranjero. Sus modelos son Cesar Vallejo, Octavio Paz, Cernuda, Aleixandre y Cavafis. Su temática es personal (la infancia, el amor, el erotismo) y pública (la guerra del Vietnam, la sociedad de consumo, etc.), apareciendo la gravedad junto a la frivolidad, mostrando una postura inconformista y disidente. Su lenguaje se fija como modelo las experiencias surrealistas, hallándonos ante un nuevo



vanguardismo experimental. No todos los poetas de estos años pertenecen a este grupo de los "novísimos", destacando numerosos poetas que cultivan desde la veta surrealista a cierto decadentismo veneciano, pasando por lineas clasicistas y barrocas. Entre los numerosos nombres cabría citar a Antonio Colinas, Jenaro Talens, Luis Alberto de Cuenca, Luis Antonio de Villena, Julio Llamazares, Blanca Andreu, Ana Rossetti, Leopoldo Alas, Fanny Rubio, etc. Hay que señalar que, dentro del gusto minoritario que representa la poesía, hay una verdadera proliferación de nuevos autores a partir de los ochenta, muy diversos, que parecen volver a la intimidad y las formas tradicionales, pero esto es otra historia, y deberá ser contada en otro momento.



EL TEATRO A PARTIR DEL 39 Teatro de corte tradicional: J.M. Pemán, I. Luca de Tena, E. Neville. Teatro humorístico: E. Jardiel Poncela, M. Mihura. Teatro social: A. Buero Vallejo, A. Sastre, M.Aub. Teatro poético: A. Gala. 1. EL TEATRO EN LA INMEDIATA POSGUERRA Tras la guerra civil española, el panorama teatral, a diferencia de la novela y la poesía, no es demasiado prometedor. Las obras dramáticas de estos primeros años se caracterizan por su baja calidad artística y su mediocridad. Distintos factores contribuyeron a consolidar esta situación: - Las muertes de García Lorca, Miguel Hernández y Valle-Inclán - El exilio de autores teatrales, como Max Aub, Rafael Alberti o Alejandro Casona, - La censura previa recorta el tipo de tema tratado en las obras dramáticas o impide su escenificación - La deficiente preparación de los actores, por falta de escuelas de arte dramático adecuadas. - El público, mayoritariamente burgués y acomodado, prefiere un teatro sencillo y tradicional. - El interés fundamentalmente económico de los empresarios. - El centralismo redujo el teatro representado en España a los escenarios de Madrid y Barcelona. El teatro que se escribe y representa en estos primeros años de posguerra es exclusivamente un teatro comercial y conservador; la única finalidad es «hacer reir» al espectador. Se caracteriza también por un afán de evasión: el público desea un teatro donde pueda


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olvidarse de la desoladora realidad española, que ha dejado tras de sí la guerra civil. Las obras que se escenifican pertenecen a dramaturgos ya consagrados, como Marquina y Arniches; pero los autores más representativos son José Ma Pemán y Joaquín Calvo Sotelo. Sin embargo, aunque un teatro cómico y de evasión domina el panorama del género dramático, otro tipo de teatro empieza a surgir a finales de los años cuarenta. En 1949, con la puesta en escena de Historia de una escalera, comienza una nueva etapa en el teatro de posguerra: "La reaparición en escena de la realidad española, de la vida española que durante diez años había brillado por su más completa ausencia". El teatro español de posguerra puede agruparse según las siguientes tendencias generales: • - Teatro burgués, en el que predominan el drama ideológico, la comedia benaventina o el saínete costumbrista, géneros ya consolidados antes de la guerra civil. • - Teatro poético o de ensueño que continúa la línea iniciada por García Lorca. Se basa en la felicidad y en la evasión de la realidad, utilizando una prosa poética cargada de simbolismos. • - Teatro de humor que, a diferencia de las obras cómicas de evasión, tiene una finalidad crítica. Representa la linea renovadora del teatro cómico. • - Teatro de testimonio y teatro comprometido. El primero supone una renovación total del género, mientras que el segundo es un teatro social, de protesta y de denuncia, que alcanza su auge en los año cincuenta y continúa en la década de los sesenta. 1.1. Pervivencia del teatro burgués: En los años inmediatos de posguerra asistimos a un resurgir de la comedia benaventina y costumbrista. Este teatro también se ha denominado continuidad sin ruptura, porque no supone una transformación radical de las formas tradicionales del teatro anterior a la contienda. Entre los dramaturgos que lo cultivan con gran éxito destacamos, entre otros, a José Ma Pemán, J. Ignacio Luca de Tena y Claudio de la Torre. Joaquín Calvo Sotelo es el máximo exponente de este teatro con su obra La muralla. Algunas características generales del teatro burgués son:

- Es un teatro amable, divertido e ingenioso que pretende «hacer pasar el rato» al público..

- Presenta una preocupación por la obra bien hecha, sobre todo en los autores de prestigio.

- Se observa la típica temática burguesa. Final feliz y lecciones ejemplificadoras. - Sus personajes suelen pertenecer a las clases media o alta. - Los ambientes confortables y la escenografía de lujo siguen la línea de la alta

comedia del siglo XIX. José M.ª Pemán :Sus mejores obras pertenecen al grupo de la farsa castiza, comedias ligeras de costumbres de ambiente andaluz, donde predominan el sentido del humor y la habilidad en los enredos. Sobresalen dentro de esta temática: Los tres etcéteras de



Don Simón y La viudita naviera. J. Ignacio Luce de Tena: Galardonado varias veces con el Premio Nacional de Teatro, es autor de piezas bien escritas, pero convencionales por su contenido y su significado. Ha escrito principalmente comedias de costumbres (D. José, Pepe y Pepito) e históricas (¿Dónde vas Alfonso XII?). J. Calvo Sotelo: Autor prolífico, cultiva la farsa, la comedia ligera, la sátira y el drama. Su obra de mayor éxito es La muralla, reflejo minucioso de la sociedadcatólica burguesa del momento. 1. 2. El teatro poético o de ensueño: Los dramaturgos que cultivan este género escriben, en prosa poética, comedias con rasgos de diversa procedencia: la sátira burlesca, la farsa fantástica, el saínete y el teatro de evasión. El teatro poético presenta las siguientes características:

- Las obras están hábilmente construidas en todos sus elementos: intriga, personajes, técnicas, humor.

- Se presenta una visión amable, irónica y comprensiva de la vida para arrancar la sonrisa inteligente del espectador.

- Se combinan el humor, la ternura y la nostalgia. - Los personajes cultivan la pasión por la fantasía y la felicidad. Basta con un acto

de amor, de comprensión, de olvido para transformar los aspectos negativos de la realidad humana.

La temática que predomina en el teatro poético o de ensueño se centra en:

- El conflicto entre la realidad y la fantasía. - La imposibilidad de vivir en la ilusión. - La defensa del amor, de la comprensión y de la libertad como métodos

pedagógicos para superar el conflicto. - La importancia de los sueños para poder acceder a las zonas ocultas de la

realidad. Destacamos cuatro autores: José López Rubio, Víctor Ruiz Iriarte, Edgar Neville y Alejandro Casona. Este último es uno de los dramaturgos más representativos de nuestro teatro en el exilio. La obra de Alejando Casona Alejandro Casona (1903-1965): Alejandro Rodríguez Álvarez, más conocido con el seudónimo de Alejandro Casona, nace en Tineo, Asturias. Exiliado en 1937, vive en Buenos Aires hasta 1962, año en que regresa a Asturias. Su primer éxito es La sirena varada, con la que obtiene el Premio Lope de Vega. La dama del alba se considera su mejor obra. Cabe citar también Prohibido suicidarse en primavera y Los árboles mueren de pie. Casona escribe gran parte de su producción teatral en el exilio y es a su regreso, en



1962, cuando alcanza un gran éxito en nuestro país. El teatro poético de Casona se basa en una visión amable e idealizadora de la vida, que tiende a resolver los conflictos y a eliminar los aspectos más duros de la realidad para mostrar sólo los más parciales de ésta. Los rasgos de su teatro son los siguientes: Universalidad. Se plantean problemas humanos y comunes a todos los pueblos. Se defiende a los débiles y se combaten la desilusión y la desesperanza. Idealismo. En sus obras aparecen elementos simbólicos de ilusión y de realidad, como el árbol, que representa lo arcaico, lo que está enraizado. Humanismo. Sus obras son una constante exaltación de la bondad y la dignidad del ser humano. Lirismo. Busca un lenguaje poético: comparaciones, metáforas, selección de las palabras por su valor rítmico… 2. EL TEATRO DE HUMOR Este tipo de teatro es, en cierto modo, la continuación de la línea iniciada por Pedro Muñoz Seca con sus comedias de astracán, que buscaban únicamente provocar la carcajada fácil en el espectador; el dramaturgo lograba la comicidad de la obra a través del lenguaje, lleno de equívocos, juegos de palabras y chistes. Sin embargo, el teatro de humor de posguerra se caracteriza por un humor de carácter innovador, basado en situaciones de fantasía e inverosímiles, cercanas al teatro del absurdo. Los autores más representantivos son Jardiel Poncela y Miguel Mihura: ambos, después de sus primeros estrenos, tienen que modificar sus planteamientos iniciales y adaptarse a las exigencias de un público que prefiere un humor fácil. El teatro del absurdo: Corriente renovadora del teatro que nace en Francia a mediados del siglo XX; sus dos máximos exponentes son Eugéne Ionesco y Samuel Beckett. Paralelo a la filosofía existencial de Sartre o Camus, la finalidad de este teatro es mostrar y hacer sentir al espectador lo absurdo de la existencia. Eugéne lonesco: La cantante calva (1950) Samuel Beckett: Su primer drama fue Esperando a Godot (1953) 2.1. Jardiel Poncela y el teatro de lo inverosímil: Jardiel Poncela, aunque inicia su producción dramática en la preguerra (1927), escribe sus obras más importantes después de la contienda: Eloísa está debajo de un almendro (1940) y Los ladrones somos gente honrada (1941). Este dramaturgo rompe con las formas tradicionales de lo cómico, que responden a la realidad posible, y fundamenta su teatro en la aspiración a lo inverosímil, es decir, llegar a un absurdo escénico, partiendo de una situación ilógica inicial.



La obra dramática de Jardiel Poncela puede clasificarse en cuatro grupos temáticos: el del amor, el satírico, el enigmático y el de ultratumba. Con todo, el tema fundamental es el amor, con distintos tratamientos, como el amor reconquistado, desparecido, imposible o descubierto. Otras características del teatro de Jardiel Poncela son: ► - Un humor de raíz intelectual, en el que destaca el tratamiento lógico de lo absurdo. ► - La atemporalidad del conflicto de los personajes. De este modo, supera todo casticismo y regionalismo. ► - El encadenamiento de situaciones inverosímiles, a partir de un hecha igualmente inverosímil. ► - Un lenguaje destipificado que no refleja categoría social alguna. ► - Los recursos humorísticos que utiliza para hacer reír son: los contrastes, lo inesperado, el miedo, la combinación de lo ideal y lo vulgar.. ► - Los personajes se caracterizan externamente con tics, manías... Esta concepción del teatro le lleva a enfrentamientos con los críticos que atacan su teatro en nombre del concepto tradicional de lo cómico. Tampoco el público, acostumbrado a la comicidad fácil del astracán y del saínete, comprende sus obras. Enrique Jardiel Poncela (1501-1952): Además de su producción dramática que le sitúa como el primer humorista de su época junto con Miguel Mihura, Jardiel Poncela ha sido novelista y periodista. En 1927 estrena Una noche de primavera sin sueño, aunque anteriormente había escrito otras piezas teatrales en coloración con otros autores. Entre sus primeros títulos cabe destacar Usted tiene ojos de mujer fatal (1933), y Angelina o el honor de un brigadier (1934). Después de la guerra civil, escribe más de 20 obras en la linea del teatro de lo inverosímil. A lo largo de su carrera dramática, Jardiel tuvo que defenderse de los constantes ataques de la crítica que, seguidora de un teatro conservador, no entendió ni valoró su teatro. Misántropo y de carácter propenso a las crisis depresivas, muere en Madrid. 2.2. Miguel Mihura y Tres sombreros de copa Miguel Mihura (1905-1977): Es hijo de un célebre actor cómico, y por este motivo, ya de niño vive en contacto con el mundo de la farándula. Una vez terminados los estudios, trabaja en la contaduría del Teatro Rey Alfonso donde conoce todos entresijos del arte escénico. Colabora con Jardiel Poncela, Neville y Tono en diversos periódicos como dibujante y escritor: La voz, El sol y Gutiérrez... Después de la guerra civil, en 1941, funda la publicación La codorniz. Más tarde deja de colaborar en ella y se dedica a escribir guiones de cine. En 1976 es elegido académico, pero no llega a leer su discurso de ingreso a causa de una muerte repentina… Miguel Mihura pertenece a la etapa de renovación del teatro español de preguerra, como Valle-Inclán o García Lorca. Sin embargo, Mihura no es conocido como dramaturgo hasta después de la guerra civil cuando estrena en 1952 su primera obra



teatral, escrita veinte años antes: Tres sombreros de copa. Su obra dramática suele dividirse en dos etapas: - 1932-1946. Las piezas teatrales de este período se acercan al teatro del absurdo, siempre con una intencionalidad crítica. La obra más representativa de esta época es Tres sombreros de copa. - 1953-1968. Después de un paréntesis, en el que se dedica a escribir guiones cinematográficos, vuelve al mundo del teatro con obras en las que la trama y la acción tienen una mayor importancia. El humor pierde su capacidad critica. Escribe piezas cómicas, costumbristas, policíacas y de enredo, adaptándose a los gustos del publico, que no entiende la técnica dramática de sus primeras obras. En su producción teatral, Mihura manifiesta su concepción de la vida. Toda su obra dramática es una crítica de los convencionalismos o imposiciones sociales que ahogan la libertad de la persona y, por lo tanto, su felicidad. Mihura emplea el humor para expresar esta crítica y acercarse a los problemas humanos. Es, por lo tanto, un humor serio que se aleja de la risa fácil del astracán o del saínete. El mismo define el humor de este modo: El humor es un capricho, un lujo, una pluma de perdiz que se pone en el sombrero; un modo de pasar el tiempo. [...] El humor es verle la trampa a todo, darse cuenta de por dónde cojean las cosas; comprender que todo tiene un revés, que todas las cosas pueden ser de otra manera [,..]. El humorismo es lo más limpio de intenciones, el juego más inofensivo, lo mejor para pasar las tardes. La comicidad de su teatro reside en la ruptura de lo lógico, para ello crea situaciones absurdas. Los recursos que usa son muchos: la asociación ilógica de elementos para producir el conflicto y la reflexión, los procedimientos lingüísticos o la proyección de hechos y pasiones que tienden al absurdo en los propios personajes. 3. EL TEATRO DE TESTIMONIO Y EL TEATRO COMPROMETIDO Son nuevas tendencias del género dramático que surgen a mediados de los años cincuenta; se desarrollan de forma paralela al teatro de humor que tenía un tono escapista y fines únicamente comerciales. El teatro de testimonio y el comprometido se sitúan en la misma línea que la novela y la poesía sociales: los dramaturgos, disconformes con el sistema vigente, tratan de reflejar la violencia y la injusticia social de la posguerra y, al mismo tiempo, denunciarla. En el aspecto formales un teatro poco innovador. Los autores se preocupan más por el contenido y su mensaje. Algunas de sus peculiaridades son: - Se busca la obra bien hecha, con un desarrollo argumental lógico y consecuente. - Se cuida la evolución psicológica de los personajes y se trata de justificar cada uno de sus actos. - Se persigue la identificación del público con los personajes para que vivan los



conflictos que se escenifican. Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre son los dos dramaturgos más representativos. 3.1. La obra dramática de Antonio Buero Vallejo Antonio Buero Vallejo (Guadalajara, 1916) Estudia en la Escuela de Bellas Artes. Sufre una crisis que lo aparta de la fe religiosa y paulatinamente sus inquietudes se aproximan al comunismo. Tras la guerra civil, es encarcelado por su pasado republicano y condenado a muerte; más tarde es indultado. Al incorporarse a la vida ordinaria, comienza su carrera como dramaturgo, aunque también cultiva otros géneros, como el ensayo y la poesía. Fue académico de la lengua desde 1971 y ha sido galardonado con numerosos premios, etntre ellos: Premio Nacional de Teatro, premio Cervantes y Premio Nacional de las Letras. Su primer gran éxito es Historia de una escalera, a la que siguen, entre otras piezas, En la ardiente oscuridad, El concierto de san Ovidio, El tragaluz, La fundación y Misión al pueblo desierto, su obra mas reciente. En su educación infantil encontramos, según el propio autor, el origen de su teatro: las lecturas, la música y la influencia paterna; pero también las terribles experiencias de nuestro país y los conflictos propios estimulan su talento creador y su sensibilidad ante los problemas humanos. Buero Vallejo inicia su andadura dramática en 1949 con Historia de una escalera, galardonada con el Premio Lope de Vega. Esta obra marca el inicio de una nueva etapa en el teatro español. Supone una ruptura con los escenarios burgueses y lujosos de las comedias de evasión y con la temática de un teatro alejado de la realidad española. En la trayectoria dramática de Buero Vallejo se distinguen dos etapas: una realista y otra simbólica. Sin embargo, el propio autor ha rechazado esta clasificación y defiende la unidad de su teatro. En el conjunto de su obra podemos identificar unos elementos constantes: - La dimensión simbólica en los personajes y en los recursos escénicos. La ceguera y la oposición oscuridad/luz son dos símbolos fundamentales en sus obras. La ceguera representa las limitaciones humanas y la trágica soledad, por el contrario la luz simboliza la verdad. Otras limitaciones físicas de los personajes (sordera, mudez) tienen una significación similar. - Los personajes encarnan actitudes opuestas en el modo de afrontar la realidad: unos, activos y solidarios; otros, contemplativos (inacción, angustia, duda...). Con esta oposición el autor busca provocar la reflexión en el espectador y tomar partido por uno de ellos. - El efecto de inmersión. Buero presenta la realidad al espectador tal como la vive el



personaje, para que pueda identificarse con él. Así, en una escena donde interviene un ciego, se apaga la luz para que el espectador viva también la oscuridad. - El detallismo de las acotaciones. Estas no sólo describen minuciosamente los escenarios, sino también los gestos, los movimientos y las actitudes de los personajes. Asimismo se detallan las explicaciones sobre los efectos especiales. Sentido de su teatro: La trayectoria dramática de Buero Vallejo ha evolucionado desde unas obras de tono existencial, como Historia de una escalera, a un teatro de testimonio social, donde prevalece el género trágico, complejo por su mensaje y su significado, como ocurre en El tragaluz y La fundación. Según Buero, la tragedia debe desempeñar la función catártica o de purificación; es decir, el individuo debe conmoverse ante la tragedia. La misión del dramaturgo es incitar al individuo a la lucha para que supere sus errores y su dolor, construyendo libremente su propio destino. Para lograr este último propósito, el ser humano ha de asumir su propia realidad, que obstaculiza muchas veces la búsqueda de la felicidad, y, tomando conciencia de sus limitaciones, tratar de superarlas. De ahí que el tema predominante de sus obras no es el pesimismo y la fatalidad típica de las tragedias clásicas, sino la búsqueda de la verdad, de la esperanza perdida o la ilusión olvidada en el ser humano. La tragedia, para Buero Vallejo, es el medio de conocimiento del ser humano y el medio para dar al individuo una razón de existir; es, pues, luz. teatro de esperanza ante los conflictos que presenta la vida. 3.2. Teatro comprometido: A. Sastre: Alfonso Sastre es un dramaturgo de temprana vocación literaria, dedicado plenamente al teatro comprometido y de protesta. Ha cultivado también otros géneros como el periodismo, el ensayo y la novela. Sus piezas teatrales raramente han sido representadas en escenarios comerciales, debido a la censura y al desinterés de los empresarios. La trayectoria dramática de A. Sastre va ligada a la evolución de su concepción teórica del teatro: parte de una etapa vanguardista hasta llegar a un concepto del teatro como agente transformador de la sociedad. Distinguimos tres etapas que reflejan una temática y una concepción del teatro propias: - Etapa inicial, con el grupo de teatro experimental Arte Nuevo. Con este grupo, Sastre inicia una actitud de protesta y de rechazo del teatro español de los primeros años de posguerra; a la vez, pretende llevar a cabo su géneros, como el ensayo y la poesía. Fue académico de la lengua desde 1971 y ha sido galardonado con numerosos premios, entre ellos: Premio Nacional de Teatro, Premio Cervantes y Premio Nacional de las Letras. Su primer gran éxito es Historia de una escalera, a la que siguen, entre otra, piezas, En la ardiente oscuridad, El concierto de San Ovidio, El tragaluz, La fundación y Misión al pueblo desierto, su obra más reciente. renovación total. En este período predomina la temática existencial con obras de un



único acto: Escuadra hacia la muerte. - Etapa con los grupos Teatro Agitación Social y Teatro Realista. Sastre empieza a concebir el teatro como un arte social desde el que trata de despertar la conciencia del público y la lucha revolucionaria. En esta época Sastre aborda planteamientos éticos, políticos y sociales; aspira no sólo a mostrar la realidad, sino también a modificarla. De ahí la función político-social de su teatro. Destacamos, entre otras obras, La mordaza. Tierra roja y Guillermo Tell tiene los ojos tristes. - Etapa de madurez, caracterizada por la radicalización de sus tesis revolucionarias y un giro total en la técnica dramática, que le lleva a la —tragedia compleja—. Lo nuevo de este teatro es la utilización de toda la gama de registros lingüísticos y la inclusión de otros lenguajes no verbales, como carteles y la proyección de fotografías. La obra M.S.V. (o la sangre y la ceniza) inicia este periodo, aunque quizá la más representativa sea La taberna fantástica. El teatro trágico de Sastre se opone a la concepción esperanzadora de Buero, puesto que sus tragedias son una lucha en la que el individuo sale siempre derrotado. La misión del teatro, para Sastre, consiste en transformar la sociedad injusta en la que vive el ser humano. Es un arte de urgencia al que denomina social-realismo. El teatro de Max Aub Max Aub (1902-1972) nació en París, de padre alemán y madre francesa. Se estableció en Valencia desde 1914 y trabajó como representante comercial. Afín al grupo de 1927, sirvió como soldado a la República, durante la Guerra Civil; fue cautivo en Francia y África, de donde escapa (1942) a México. A fines de los años 60 visitó Israel y España. Es famoso como novelista. - Entre sus primeras obras teatrales publica Narciso (1927), versión vanguardista del mito. - Le sigue Espejo de avaricia, "carácter" en tres actos y siete cuadros (1927). Próximo a Moliere en lo caricaturesco, el expresionismo de la obra la acerca a las vanguardias europeas. - Pedro López García (1936), toma de conciencia de un pastor, que pasa al bando republicano desde el nacional. - La Guerra Civil, origina su Teatro mayor, con La vida conyugal (1942). - "San Juan" (1942), acaso su mejor drama, se ambienta en 1938. - El rapto de Europa (1943), Morir por cerrar los ojos (1944) y Caray cruz (1944) forman esta sección, cerrada por No (1952). - La sección Tres monólogos y uno solo verdadero incluye De algún tiempo a esta parte (1939), publicada diez años después. Teatrillo incluye Los muertos (1945). -Otras secciones del teatro de Aub son Los trasterrados, Teatro de la España de Franco, Las Vueltas, Teatro Policiaco y Diversiones. Es tremenda la fuerza con que Aub construye sus dramas, fabricados con testimonios de su propia experiencia y sufrimiento.



3.3. El teatro social de los años sesenta. Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre abren el camino de una generación de jóvenes dramaturgos que escriben y estrenan sus obras a finales de los cincuenta y comienzos de los sesenta. Son una generación víctima de los efectos de la censura y de la timidez de los empresarios teatrales que no se atreven a poner en escena un teatro que les compromete. Autores y obras representativos de este grupo son: Carlos Muñiz, con El tintero; Lauro Olmo, con La camisa; José Martín Recuerda, con Las salvajes en Puente San Gil, y José Ma Rodríguez Méndez, con Los inocentes de la Moncha. La temática de estas obras es la propia del realismo social: el autor presenta su testimonio y su denuncia de la sociedad española. Esta critica se refleja incluso en los mismos decorados Algunos rasgos comunes de este teatro son: - Los personajes son víctimas de situaciones extremas, como la pobreza, la emigración a países extranjeros en búsqueda de trabajo o los míseros sueldos de los obreros. - El lenguaje utilizado en los diálogos es preciso y muy cuidado; pero también se reflejan las formas populares y coloquiales de las clases bajas. - En las formas dramáticas parten de un realismo crítico, pero la mayoría de ellos evoluciona hacia un expresionismo próximo al esperpento de Valle-Inclán o al teatro de García Lorca. Los años setenta: búsqueda de nuevas formas. Hacia 1970 otros autores se han lanzado a una renovación de la expresión dramática, superando el realismo y asimilando corrientes experimentales del teatro extranjero, con lo que surge una nueva vanguardia teatral. Por lo demás, siguieron estrellándose contra la censura y su audacia formal los alejó de los teatros convencionales, del público mayoritario y de cierta crítica hasta su marginación. El caso más interesante es Fernando Arrabal (1932), que tras su primera obra, Los hombres del triciclo (1958) optó por continuar su teatro en el extranjero, donde ha alcanzado un gran reconocimiento. Creador del llamado "teatro pánico", desenfrenado y provocador, deudor del surrealismo, del esperpento y del teatro del absurdo, nos ha dejado El cementerio de automóviles, El arquitecto y el emperador de Asiria (1966), El triciclo (1961), Oigo, Patria, tu aflicción (1975), Las delicias de la carne (1983), etc. Los rasgos más comunes de este teatro serían: • Los temas giran en torno a la crítica a la dictadura, la falta de libertad, las injusticias, etc. • Se sustituye el enfoque realista por uno simbólico o alegórico. • Los personajes suelen ser tipos descarnados, estereotipados.



• Se recurre a la farsa, a lo grotesco, a la deformación esperpéntica. • El lenguaje es directo, vibrante, pero también poético o ceremonial. • Se cultivan los recursos no verbales: sonoros, visuales, corporales, etc. por la influencia del cine, el circo, la comedia musical o la revista. Abundan los grupos de teatro independiente, que actúan al margen de los teatros comerciales, destacando Los Goliardos o el grupo Tábano en Madrid, La cuadra en Andalucía, Akelarre en Bilbao y, sobre todo, los grupos catalanes, Els Joglars (Catalonia 92, Olimpic man, 1986, Ubú, president, 1995, La increíble historia del Dr. Floit y Mr. Pla, de 1998), Els Comediants, {Dimonis, 1981, Mediterrania, de 1992, Libro de las bestias, de 1997), el Teatre Lliure, La fura dels Baus, (Noun, 1990, Ombra, de 1999), que siguen activos y llenos de vitalidad en la actualidad. Tendencias y autores del teatro actual. El teatro siempre ha estado en crisis, pero últimamente parece más acertada que nunca esa expresión: se premian y editan obras que, finalmente, no son llevadas a escena; los montajes son austeros, casi espartanos; los teatros privados sobreviven gracias a las subvenciones de la administración —que se iniciaron con los gobiernos socialistas- y cuyas excepciones mayores son el Teatro de La Abadía en Madrid y el Teatre Lliure en Barcelona, y es en las salas alternativas donde, con el apoyo de un público joven, se está abriendo un camino a la evolución de la escena española. Dicho esto, los rasgos y autores del actual teatro español serían: - Un teatro anticonvencional, de la mano de Francisco Nieva (1929), cuyas obras se caracterizan por el erotismo provocador, la sátira y la desmesura verbal y escenográfica. Señalamos Delirio del amor hostil (1978), Caperucita y el otro (1997), Pelo de tormenta (1997) y La vida calavera (1998). - Retroceso de las vanguardias y retorno a una línea de teatro tradicional, donde triunfa, por ejemplo, Fernando Fernán Gómez, con Las bicicletas son para el verano (1982), de un depurado realismo. - Teatro que conecta con los jóvenes y aborda realidades como la droga o la delincuencia, con José Luis Alonso de Santos (1942) y sus obras La estanquera de Vallecas (1981), Bajarse al moro (1985), Pares y Nines (1991), Yonquis y yanquis (1996). En esta línea también destacan Fermín Cabal (1948) con obras como Esta noche, gran velada (1983), Travesía (1993), y Castillos en el aire (1995) y José Sanchís Sinisterra (1940) cuyos personajes preferidos son actores de teatro; así, en Ay, Carmela, (1986), El retablo de El Dorado (1993) y El cerco de Leningrado (1994). - La línea de teatro lúdico y circense que están llevando a cabo grupos como los citados de Els comediants y La fura dels Baus. Antonio Gala Antonio Gala nació en Córdoba en 1936, se licenció en Derecho, Filosofía y Letras y



Ciencias Políticas y Económicas, y desde 1963 se dedica exclusivamente a la literatura. Ha cultivado todos los géneros: la poesía (Enemigo íntimo (Premio Adonais), Sonetos de La Zubia, Testamento andaluz), el relato (Solsticios de invierno), el ensayo, el guión televisivo (Si las piedras hablaran, Paisaje configuras), el periodismo (en los últimos años en El País y El Mundo), la conferencia, etc., aunque ha obtenido sus mayores éxitos en el teatro: Los verdes campos del Edén (1963), Premio Nacional Calderón de la Barca; Los buenos días perdidos (1972), Premio Nacional de Literatura; Anillos para una dama (1973); Las cítaras colgadas de los árboles (1974); ¿Por qué corres, Ulises? (1975); Petra Regalada (1980); Carmen, Carmen, musical estrenado en 1988, etc. Se le debe también el libreto de la ópera Cristóbal Colón y adaptaciones teatrales de Claudel, Albee y O'Casey. Sus obras han sido traducidas a las lenguas más importantes. Dedicado a Tobías, La soledad sonora, Cuaderno de la Dama de Otoño, Troneras y La casa sosegada son recopilaciones de artículos. Con su primera novela, El manuscrito carmesí, obtuvo el Premio Planeta 1990. En 1992 publicó Granada de los Nazaríes, en 1993 La pasión turca, en 1995 Más allá del jardín y Carta a los herederos. Su última novela, La regla de tres, apareció en abril de 1996. En 1997 publicó Poemas de amor, y recientemente ha publicado su obra más íntima y personal, Ahora hablaré de mí (2000).



LA NARRATIVA HISPANOAMERICANA.

1.- La narrativa hispanoamericana. La pervivencia del Realismo. El realismo de la narrativa hispanoamericana está teñido de un lenguaje romántico y un tono poético. Así, cabe distinguir las tres áreas temáticas siguientes: 1.1 La naturaleza. Diversa y de grandes proporciones, inexplorada en gran medida y cuyas fuerzas telúricas condicionan la vida humana. Rómulo Gallegos (venezolano, 1884-1969) destaca por su novela Doña Bárbara (1929), reflejo de la dura vida de los venezolanos en el marco de una naturaleza grandiosa y despiadada. Ricardo Güiraldes (argentino, 1886-1927) es el novelista de la Pampa y el gaucho; destaquemos Don Segundo sombra (19269); José Eustasio Rivera (colombiano, 18 8 8-1928), en La vorágine (1924), presenta las peripecias de un poeta en plena selva amazónica, hermosa y terrible, que devora a los hombres. 1.2 Los problemas sociales y políticos. La inestabilidad política, las continuas revoluciones o golpes de estado, los dictadores, etcétera son las tensiones más constantes en la literatura hispanoamericana. Las novelas sobre la revolución mejicana son las que destacan en este periodo. Destaquemos La sombra del caudillo (1929) de Martín Luis Guzmán. 1.3 La novela indigenista. Hay una novela que tiende a reflejar las desigualdades sociales: en la cumbre, la oligarquía aliada a las grandes multinacionales extranjeras, que explotan y acumulan las inmensas riquezas de los países latinoamericanos; en la base, los obreros de las grandes haciendas o dependientes de las omnipotentes compañías multinacionales, bananeras o mineras, masas paupérrimas e ignorantes de indios o mestizos. La novela realista es, sobre todo, una protesta contra estas desigualdades. Destaquemos El mundo es ancho y ajeno, del peruano Ciro Alegría (1909-1967). El tema indígena estará presente en otros novelistas posteriores (caso de M. A. Asturias, Alejo Carpentier, Juan Rulfo, etc.) con enfoques que desbordan la estética realista. 2.- La superación del realismo. El "realismo mágico" o "lo real


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maravilloso". Tras la II guerra mundial se observa un cansancio de la novela realista, no en cuanto a los temas, pues siguen siendo básicamente los mismos con la incorporación del tema urbano, sino en el tratamiento, que ahora se pasa a tratar con nuevos procedimientos. La renovación se concreta en: - Predominio del tema urbano, recreación del mundo de la ciudad, dando cabida a los problemas existenciales. - Junto a la realidad inmediata, irrumpe la imaginación, lo fantástico. Realidad y fantasía aparecen íntimamente ligadas, unas veces por la presencia de los mítico, lo legendario o lo mágico y otras por el tratamiento alegórico o poético de la acción. Es lo que conocemos como "Realismo mágico" o "lo real maravilloso" en denominación de Alejo Carpentier. - Estéticamente, las novelas presentan un mayor cuidado constructivo y estilístico. Se tiende a las innovaciones formales en la línea de los grandes novelistas europeos y norteamericanos, en mezcla con la asimilación del surrealismo, que por las peculiaridades americanas se adapta perfectamente a lo mágico y maravilloso. Cinco autores son fundamentales: - Jorge Luis Borges (Argentina 1899-1986). Obsesionado por la identidad humana, el tiempo, la eternidad, lo infinito, el mundo como laberinto, por todo lo irreal. De 1944 es Ficciones, libro que renueva la cuentística. Le siguen El Aleph (1949), El Hacedor (1950), El informe de Brodie (1970), El libro de arena (1975). En todos sus relatos, su intención es proponer al lector juegos mentales, invitarlo a complejos ejercicios de imaginación y exponer problemas metafísicos.

- Miguel Ángel Asturias (Guatemala, 1899-1974). Bucea en los mitos primitivos americanos. El señor Presidente (1946), de apariencia política, es en realidad una profunda reflexión sobre el ser humano. Su trayectoria se cierra con Viernes de dolores (1972).

- Alejo Carpentier (Cuba, 1904-1980). Con una de nuestras mejores prosas por su riqueza y perfección, asombra por la complejidad y seducción de sus estructuras narrativas. Destaquemos Los pasos perdidos (1953), El siglo de las luces (1962).

- Adolfo Bioy Casares (Argentina, 1914-1999) impone el predominio de la ficción sobre la realidad, creando una forma de "novela metafísica" en La invención de Morel (1940).

- Juan Rulfo (México, 1918-1986) ha pasado a la historia de la literatura con apenas 250 páginas, las que contiene su libro de relatos El llano en llamas (1953) y su novela corta Pedro Páramo (1955). Se caracterizan por una elaboración escrupulosa, el alejamiento del realismo, al que trasciende por la vía del mito, la superación de lo regional y social —siéndolo tanto- para desembocar en temas humanos de alcance universal, la incorporación de elementos fantásticos (maestro del "Realismo mágico") y un lenguaje y un estilo fascinantes surgidos del habla popular mejicana,



3.- La nueva novela hispanoamericana: el "boom" de los años sesenta y su continuación en los últimos años. En los años sesenta se produce lo que se ha llamado el "Boom" de la narrativa hispanoamericana. Los lectores europeos y, sobre todo, los españoles, leen con asombro y admiración La ciudad y los perros, de Mario Vargas Llosa; Sobre héroes y tumbas, de Ernesto Sábato; El astillero de Juan Carlos Onetti; El siglo de las luces de A. Carpentier; La muerte de Artemio Cruz, de Carlos Fuentes; Rayuela de Julio Cortázar; o Cien años de soledad de Gabriel García Márquez. Estos novelistas (y otros) llevan las innovaciones vistas en el apartado anterior a sus últimas consecuencias, enriqueciendo la novela con nuevas aportaciones: - Preferencia por al novela "urbana". - Se mantiene el "Realismo mágico". - Renovación absoluta en el plano formal. No hay innovación de las señaladas para la novela española que no se dé en la novela hispanoamericana: ruptura de la línea argumental, cambios del punto de vista, caos temporal, contrapunto, técnica caleidoscópica, mezcla de personas narrativas, estilo indirecto libre, monólogo interior, etc. - En cuanto al lenguaje, se superponen estilos y registros, con distorsiones léxicas y sintácticas y un gusto por el lenguaje poético. - Es un arte "nuevo" que ocupa un lugar principal en la literatura universal de todos los tiempos. Señalaremos cinco autores:

- Ernesto Sábato (Argentino, 1914). Con tres novelas escritas —muy espaciadas en el tiempo- ocupa un lugar importante en esta narrativa. Se caracteriza por la perfección en la construcción de la novela, por la densidad de ideas y problemas que plantea y suscita y por la cercanía al ensayo. El túnel (1948) fue su primera novela. Le siguen Sobre héroes y tumbas (1961) y Abaddón el exterminador (1974).

- Julio Cortázar (Argentino, 1914-1984) inserta la fantasía en la cotidianidad con ecos surrealistas. Se reveló como un excelente escritor de cuentos, Bestiario (1951), Las armas secretas (1959,), Todos los fuegos el fuego (1966), Queremos tanto a Glenda (1981), donde se imponen la casualidad, el humor y lo lúdico; pero es sobre todo su novela Rayuela (1963) su creación más interesante por su complejidad estilística y por una composición que permite al lector varios modos de seguir la lectura y participar recreando la novela. Destaquemos también 62: modelo para armar y La vuelta al día en ochenta mundos,

- Carlos Fuentes (México, 1928) ha manejado las más diversas técnicas. Crítico de la burguesía en sus novelas, destaca por la riqueza técnica y la mezcla de realidad e imaginación. Señalemos La muerte de Artemio Cruz (1962), Terra Nostra (1975), Gringo viejo (1985) y Diana (1994).

- Gabriel García Márquez (Colombia, 1928) es la figura más destacable de toda la narrativa hispanoamericana. Su obra fundamental, Cien años de soledad



(1967) tiene un lugar destacado en la literatura española y universal. A la manera de un cuento de cuentos, los variadísimos episodios de la novela, perfectamente hilvanados, cuentan la historia de la familia Buendía y del mundo que la rodea, hasta componer una gran saga americana. Es una síntesis de todos los elementos de la narrativa hispanoamericana que se han señalado: la naturaleza, los problemas sociales y políticos, la humanidad cercana que es traspasada por una línea de imaginación sueño, deseos, fuerzas sobrenaturales, magia... y donde se mezclan humor y tragedia, vitalidad y lirismo. El imaginario pueblo de Macondo, que alcanza un carácter mítico, es el escenario-eje donde se desarrolla la novela y donde ya antes había situado algunas novelas: La hojarasca (1955), El coronel no tiene quien le escriba (1961). Continúa con un volumen de cuentos La increíble y triste historia de la candida Eréndira y su abuela desalmada (1972) y El otoño del patriarca (1975); en 1981 vuelve a sorprender con una breve y perfecta novela: Crónica de una muerte anunciada. Otras obras, todas magistrales, son: El amor en los tiempos del cólera (1985), El general en su laberinto (1989), o Noticia de un secuestro (1996).

- Mario Vargas Llosa (Perú, 1936). Muestra en la mayoría de sus novelas una combinación de realidades brutales y experimentación formal. Su primera novela, La ciudad y los perros (1962) supuso ya una revelación, que se continuó con La casa verde (1966). Quizá su mejor obra es Conversación en La Catedral (1969), por su libertad técnica y la evocación social y política. Le siguen La historia del fin del mundo (1981) y El hablador (1987); de carácter más bien lúdico destacan Pantaleón y las visitadoras (1963) y La tía Julia y el escribidor (1977); de carácter erótico Elogio de la madrastra (1988); ¿¿Quién mató a Palomino Molero? (1986) y Lituma en los Andes (1993), sobre el género policiaco: todas ellas en tono desmitificador. Su última novela, La fiesta del chivo (2000) recupera el gusto por las figuras de dictadores.

Añadamos a los ya mencionados Juan Carlos Onetti, Alejo Carpentier, Manuel Mújica Laínez, Augusto Roa Bastos, José Lezama Lima, José Donoso, Guillermo Cabrera Infante, Mario Benedetti, Jorge Edwards, Alfredo Bryce Echenique y un largo etcétera.



LA LITERATURA HISPANOAMERICANA DEL SIGLO XX La poesía. Marco histórico. La superación del modernismo. G. Mistral. Poesía vanguardista: V. Huidobro. Poesía social o comprometida: C. Vallejo, P. Neruda, N. Guillén. Nuevas corrientes: O. Paz. La narrativa. La renovación narrativa: superación del realismo: J.L. Borges, M.A. Asturias, A. Carpentier, J. Rulfo. La nueva novela: E. Sábato, J. Cortázar, C. Fuente, M. Vargas Llosa, G. García Márquez.

LA POESIA HISPANOAMERICANA . Tendencias fundamentales. 1.- El modernismo. Rubén Darío. Sobre Rubén Darío, véase "Modernismo". Cabe señalar la importancia de dos poetas : Amado Nervo (mejicano, 1870-1919) con Jardines interiores y Leopoldo Lugones con su Lunario sentimental (1909). 2.- La humanización de la poesía. Ya en algunos de los seguidores de Rubén se apreciaba, frente al cosmopolitismo, una preferencia por los temas autóctonos y la reflexión sobre los problemas íntimos, con una expresión sencilla y humana. Debemos destacar a tres poetisas de voz muy personal:. Alfonsina Storni (Argentina 1892-1938) encierra en sus versos el sentimiento de la humillada condición femenina, con tonos sensuales o amargos. De 1918 es El dulce daño. Juana de Ibarbourou (Uruguay 1895-1979), con una fuerte voz exaltadora de la vida en Las lenguas del diamante (1919). Gabriela Mistral (seudónimo de Lucila Godoy, Chile 1898-1957) quiere desnudar en su poesía una


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intimidad dolorida y un corazón rebosante de amor, sea trágico (Desolación, 1929), materno, a los niños, a su tierra, etc. Se le concedió el Nobel de Literatura en 1945. Dos poetas cruciales en la historia de la literatura en lengua española, César Vallejo y Pablo Neruda, aunarán en su obra humanismo y vanguardia. - César Vallejo (Perú, 1892-1938). Muere en París donde había llevado una vida llena de dificultades económicas. De 1918 es su primer libro Los heraldos negros, que anuncian la muerte, unos de sus constantes temas. De 1922 es Trilce (triste y dulce), difícil ejercicio de vanguardismo. De 1938, publicados postumamente, son Poemas humanos y España, aparta de mí este cáliz, donde, lejos de las vanguardias, se acerca al hombre y a lo socio-político. - Mario Benedetti (Uruguay, 1924) se aproxima a la narratividad y su poesía está anclada en el pueblo y en lo cotidiano, con un lenguaje sugerente lleno de fuerza y vitalidad. Señalemos sólo Poemas de la oficina (1956), Noción de patria (1963), Poemas de otros (1974), La casa y el ladrillo (1977), Viento del exilio (1981) y Geografías (1984). Parecido compromiso político es el que encarna Pablo Neruda, Pablo Neruda [Ricardo Eliecer Neftalí Reyes Basoalto, "Pablo Neruda"- (Parral, sur de Chile, 1904-1973)] Evolución del poeta: A.- Anterior a El Canto General 1.- Crepusculario (1920-1923), posmodernismo 2.- En 1924, Veinte poemas de amor y una canción desesperada, libro necesario de toda adolescencia lírica hispánica. 3.- Luego insiste en la ambición dantesca del gran poema total, en Tentativa del hombre infinito (1925) 4.- Neruda se vuelve hacia lo sombrío. Quizá cabe hablar aquí de surrealismo, pero de un surrealismo utilizado instrumentalmente. Estamos en el período que se reunirá en Residencia en la tierra: 5.- Obtuvo un cargo consular en Rangún (Birmania), al que llegó pasando por España, donde estableció enlace con Rafael Alberti. Monzón de mayo, Ángela adónica. En Colombo (Ceilán, hoy Sri Lanka) escribió, entre otros poemas, el gran Ritual de mis piernas. 6.- En 1933 está de vuelta en Santiago y publica Residencia en la tierra, luego llamada Primera residencia, pues en 1935 hay un segundo volumen en la edición de Madrid. A Madrid llega Neruda tras encontrar a Lorca en Buenos Aires: la poesía de Neruda ya era muy conocida por los poetas de 1927, a través de Alberti, En Madrid, Neruda asumió una suerte de presidencia honoraria de aquella generación española, que en 1935 publicó un libro Homenaje a Pablo Neruda y le



aceptó como director de la revista Caballo verde para la poesía 7.- La Segunda residencia, como se la suele llamar, conserva la voz de la primera, pero con más hermetismo y tiniebla. B.- "Tercera residencia" y "Canto general": el poeta político Esta veta lírica se hace más sobria y hermética en otros versos escritos tras la Segunda residencia, especialmente en un poema largo, Las furias y las penas; pero, de repente, esa línea, que aparecerá en 1947 como parte inicial de una Tercera residencia, da un viraje radical -desde 1936-. Entonces, en efecto, empieza la guerra en España, y Neruda toma partido, en el Madrid bombardeado -lo cual hace que su gobierno le destituya del cargo de cónsul, donde, por cierto, estaba a las órdenes de la embajadora Gabriela Mistral-. Surgen ahora los poemas de España en el corazón, con un cambio completo de temática. Neruda va a París, donde trabaja con César Vallejo en un comité de ayuda a la República, y luego vuelve a Chile, donde actúa en la campaña del candidato presidencial del Frente popular. Al triunfar éste, Neruda vuelve a ser cónsul, pero ahora en París en 1939, para recoger refugiados republicanos españoles -en el famoso barco Winnipeg-. De 1940 a 1943 es cónsul en México, en cuyas calles se pegan los carteles de su Nuevo canto de amor a Stalingrado. Ahora es cada vez más capaz de ver los problemas de la propia Hispanoamérica: primero, en términos algo retóricos e históricos -Un canto a Bolívar-, y, después, en gradual aproximación a las realidades sociales. Luego, en Memorial de Isla Negra, diría que su experiencia de la guerra española le había abierto los ojos para mirar la dolorosa verdad de sus propias tierras -en el poema Tal vez cambié desde entonces- Neruda empieza por volver a mirar su propio país, escribiendo poemas como la Oda de invierno al río Mapocho, pero seguramente a partir de Himno y regreso (1939) es cuando empieza a tener la idea de un vasto poema que abarque no ya su país, sino toda su América: el Canto general. Leyendo el Canto general, sólo se hacen visibles, sobre el tremendo paisaje y sobre las imágenes de las viejas razas, los conquistadores y los libertadores, algunas dispersas figuras actuales de campesinos, mineros y luchadores heroicos, así como los grandes figurones de los tiranos políticos; pero no se ve que uno de los aspectos del sufrimiento social de Hispanoamérica consista en tener hinchadas metrópolis en medio de enormes extensiones casi vacías. En 1945, regresado de México, Neruda fue elegido senador -"senador Reyes"- por las provincias mineras del Norte: unos meses después se hizo miembro del Partido comunista chileno. En 1946 -ya se llama legalmente "Pablo Neruda"-. Por entonces publica su Tercera residencia y, en revistas, Alturas de Machu Picchu, del Canto general en gestación. C.- El Neruda posterior al "Canto general" Después del resonante Canto general, Neruda viaja -Italia, URSS, China-, escribiendo poemas-crónicas, algo convencionales al lado de su reciente monumento -Las uvas y el viento, etc.-. En el resto de su vida -poco más de veinte años- publicará casi el triple de lo publicado en los treinta anteriores -para no hablar ahora de lo postumo-: ya vive en "olor de multitud", e incluso se permite alguna leve frivolidad fuera de su compromiso político. En el sucesivo y excesivo catálogo nerudiano habrá algún libro trivial, como



Los versos del capitán , bajo transparente anónimo, dedicado a su nueva compañera, Matilde Urrutia. Luego, por invitación de Miguel Otero Silva, en Caracas, crea una "columna" periodística y poética, las Odas elementales (1954), cuyos versos endecasílabos y heptasílabos se fragmentan a veces para ocupar mejor su franja tipográfica. Esta serie se extiende hasta cuatro libros con Nuevas odas elementales (1956), Tercer libro de odas (1957) y Navegaciones y regresos (1959). De esas numerosísimas odas -a veces, casi humorísticas-, son de recordar no pocas -Oda a la alcachofa, Oda al diccionario, Oda a un gran atún en el mercado, etc.-; pero, en conjunto, quizá valgan más como un vasto borrador para Estravagario (1958), uno de los grandes libros de Neruda, sin duda el más válido después del Canto general. Dejando para el olvido los Cien sonetos de amor (1959), anotemos un cambio de tono en Canción de gesta (1960), homenaje a la triunfante revolución de Fidel Castro en Cuba, en solemne endecasílabo asonante, como las Odas seculares de Lugones. En 1961 sale un libro Cantos ceremoniales, con algunos poemas memorables; por ejemplo, El sobrino de Occidente, donde recuerda el descubrimiento de la lectura en su niñez, o una de sus piezas capitales, en varias partes: Fin de fiesta. Podría creerse que la obra de Neruda ya estaba acabada, pero entonces emprende una vasta autobiografía poética en cinco volúmenes: Memorial de Isla Negra (desde 1964). En este tercer ciclo hay una calidad de absoluta madurez vital, a veces fría e informativa, capaz de dar nueva originalidad a motivos a veces ya aparecidos en otros libros. Todavía habrá otros libros: alguno, teatral, como Fulgor y muerte de Joaquín Murieta; otros, más bien decorativos, como Comiendo en Hungría, en colaboración con Miguel Ángel Asturias, Arte de pájaros y La casa en la arena; alguno, monográfico, como Las manos en el día, otro, a modo de síntesis de sus anteriores autobiografías, como Aún, etc. Caso peculiar es el de Fin de mundo (1969), una vasta visión del universo en complejo panorama frente al acabamiento del milenio, donde las esperanzas revolucionarias no llegan a introducir coherencia. Neruda murió en setiembre de 1973, unos días después que el presidente Allende, a cuyo servicio había sido embajador en París: volvió a Chile ya enfermo, a tiempo de hallar su "muerte propia" en ese momento histórico tan trágicamente significativo. Después se han publicado numerosos libros de Neruda, que no añaden nada especial: gran éxito ha tenido su esbozo de autobiografía en prosa Confieso que he vivido; pero, generalmente, se puede ver que esos mismos temas quedaban mejor en su versión poética -lo que ocurre también con otras prosas, Para nacer he nacido-, Neruda queda no sólo como poeta, sino incluso, si se quiere, como tres grandes poetas sucesivos, con divisorias en las fechas de 1936 y 1950. Pero por supuesto que su lectura unitaria y sucesiva le engrandece más, a pesar de que su evolución haya tenido no poco de sorprendente. [José María Valverde, Historia de la Literatura Universal, Tomo 9, pp 402-410. Editorial Planeta, s.a., 1986. Barcelona.] 3.- Otras tendencias hasta los años 60. 3.1 La poesía de vanguardia (años 20 y 30). Hacia 1920, comienzan a dejarse sentir en Hispanoamérica las corrientes vanguardistas nacidas en Europa. Con Vicente Huidobro, fundador, con Gerardo Diego, del creacionismo, (Poemas árticos, de 1918, Altazor, de 1931, entra en Hispanoamérica



una aire nuevo, con las imágenes del surrealismo que habrían de triunfar tanto en la literatura hispanoamericana. Jorge Luis Borges arrastró a una serie de poetas tras de sí en la línea ultraísta y de características semejantes sería el estridentismo mejicano. 3.2 En la línea de la poesía pura debemos destacar la obra de José Gorostiza y Xavier Villaurrutia, ambos mejicanos del grupo los contemporáneos y a José Lezama Lima. 3.3 La poesía negra surge en las Antillas inspirada en las peculiaridades étnicas y culturales . Se desarrolla básicamente en los países en los que el mestizaje racial y cultural es un rasgo primordial. Se funden elementos africanos y españoles en un nuevo folclore, reflejando las costumbres del mundo negro o mulato y denunciando las injusticias sociales y la defensa de la libertad. Destacamos al cubano Nicolás Guillen (1902-1990), llamado el "Lorca" antillano. Sus primeros libros fueron Motivos del son (1930) y Sóngoro Cosongo (1931), que se caracterizan por un prodigiosos sentido del ritmo, el lenguaje popular y el compromiso político. Destaquemos, también, la denuncia de West Indies Ltd. (1934) y el compromiso de La paloma de vuelo popular (1958). 4.- Poesía de la renovación. Octavio Paz. En un contexto integrador de humanismo y vanguardia hay que estudiar la obra de Octavio Paz (México, 1914-1998): romanticismo, existencialismo, vanguardia, barroquismo, simbolismo caben en ella. Se le ha considerado el gran mentor del surrealismo en Hispanoamérica. Destaquemos Libertad bajo palabra (con poemas de 1935 a 1957), de estética neorromántica con preocupaciones sociales; Salamandra (1962), hermético y surrealista; Ladera este (1968), fruto de su contacto con la India y la cultura y religiones orientales; Topoemas y Discos visuales (ambos de 1969) lo sitúan en una línea experimental, en lo que se ha llamado poesía visual. En 1990 se le concedió el premio Nobel de Literatura. Los poetas de las últimas generaciones en España han proclamado reiteradamente su admiración por Paz y su influjo en nuestra poesía más actual es evidente. Por otra parte, Alvaro Mutis (Colombia, 1923) funde lo lírico con lo paródico en una poesía llena de desencanto y humor paródico. Summa de Maqroll el Gaviero recoge su poesía entre 1948 y 1988.



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