3editorial 207 / octubre 2011 3editorial 3editorialeditorialeditorialsellos en distribución exclusiva(octubre 2011)

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boletín de información discográficaaño XX nº 207octubre 2011

índice

Ciclópeo Nebra

Iphigenia en Tracia, del autor bilbilitano, en una antológica versiónde El Concierto Español dirigido por Emilio Moreno

Memorable Haendel

Sugestivo disco de arias y dúos con Karine Gauvin, Marie-Nicole Lemieuxe Il Complesso Barocco bajo la batuta de Alan Curtis

Un carnaval revolucionario

En Glossa, Hervé Niquet y Le Concert Spirituel brindan unaextraordinaria grabación de Le Carnaval de Venise de Campra

Roberta Invernizzi

Diverdi analiza la trayectoria artística de la nueva musa del barroco

Un Parsifal holandés

Una gran lectura concertante de Jaap van Zweden

Los hijos del rey de Humperdinck

Banse, Vogt, Gerhaher y Schnaut en una excelente versióndirigida por Ingo Metzmacher

La Concertgebouw de los 90

Formidable volumen 6 de la antología de la orquesta holandesa

El eco de los ecos

Neos edita dos importantes composiciones de la altamadurez de LuigiNono

Saber cantar

Statements, debut discográfico del Cuarteto Quiroga

Carlos Bonell, o el arte del arreglo

El guitarrista anglo-español presenta su visión musical de The Beatles

el chupito: Érase una vez

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Eloy Gonzalo 27 (entrada por Santísima Trinidad, 1)

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Maquetación: Jose Pascual (macprimo@diverdi.com)

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4 diverdi conciertos & actualidad

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El furiosoOrlando de Spinosi

Desde su polémica Fida ninfa en el AuditorioNacional, en abril de 2008, cada aparición deJean-Christophe Spinosi acapara toda la aten-ción, pues este violinista y director francés decuarenta y siete años no deja indiferente a nadie.Despertando amores y odios, su talento y ori-ginalidad vienen corroborados desde hace añospor el éxito continuo tanto de sus actuacionesen vivo como de sus grabaciones discográficas.Es un rebelde con causa, que, basándose siem-pre en la investigación musicológica, carga lastintas de las emociones en cada música paraacercarla al oyente y hacerla más humana, ade-más de resaltar los tempos, por lo que su vitaldirección ha recibido el apelativo de “coreográ-fica”. Spinosi esmuy selectivo tanto con sus in-térpretes como con su repertorio, siendoMarie-Nicole Lemieux yPhilippe Jaroussky sus cantan-tes preferidos (juntos en un irreprochable dis-co de obras religiosas de Vivaldi), y Mozart,Bach, Rossini y Vivaldi sus autores predilectos,comobien queda reflejado en su discografía, cu-yosmás recientes triunfos, aparte delDVDconLa pietra del paragone de Rossini, son las ópe-ras que ha ido grabando para la Vivaldi Editionde Naïve: La verità in cimento, Griselda, La fidaninfa y Orlando furioso. Con esta última obraregresará Spinosi al AuditorioNacional deMa-drid junto a su Ensemble Matheus y un repar-to vocal de alto voltaje, distinto al de la graba-ción discográfica, con la salvedad de VeronicaCangemi, integrado porRenata Pokupic,Delp-hineGalou,Daniela Pini, RicardoNovaro yDa-vidDQLee. El sello Naïve tiene previsto editaren 2012 unDVDcon estamismaópera deVival-di, en la interpretación que Spinosi dirigió en elThéâtre desChamps-Elysées de París el pasadomes de marzo. Con el tándem Vivaldi-Spinosi,la calidad, el espectáculo, y la furia de Orlandoestán garantizados.

AuditorioNacionaldeMúsica,Madrid,30 de octubre

El camaleón del teclado

La Fundación Juan March de Madrid recibiráel próximo día 5 de noviembre a uno de los in-térpretes de tecla más activos y versátiles delos últimos tiempos discográficos: Arthur Scho-onderwoerd. Desde hace casi diez años, sunombre está poderosamente vinculado al se-llo Alpha, donde ya suma doce grabaciones contodo tipo de teclados, pues domina por comple-to esta gama de instrumentos, desde claveci-nes a fortepianos, pasando por pianos y clavi-cordios. Lo suyo es el teclado histórico, hastatal punto que, cuando en 1993 fundó el Ensem-ble Cristofori, escogió este nombre por ser elapellido del primer ymás importante construc-tor de pianofortes, BartolomeoCristofori; coneste conjunto ha grabado Schoonderwoerd laintegral historicista de conciertos de piano deBeethoven y tres infrecuentes conciertos holan-deses. Este discípulo de Jos van Immerseel es-tudió en los conservatorios de Utrecht y París,y es profesor del único centro español dondese imparte la carrera superior de fortepiano, laEscola Superior deMúsica deCatalunya. Su re-pertorio se centra en los periodos de vigenciade los antecesores del piano moderno, pero sutalento camaleónico es capaz de dar lo mejorde sí llegando al siglo XX con Shostakovich(en un espléndido doble disco) o colaborandocon Vincent Dumestre en un álbum sobre ro-mances populares franceses. Berlioz, Schubert,Debussy (con Sandrine Piau), dos aplaudidosdiscos con piezas deChopin a bordo de un Ple-yel de 1836, … a todo lo que Schoonderwoerdinterpreta le confiere esa delicada seguridadde su toque maestro, y será un placer escucharel recital de fortepiano que dará en la Funda-ción JuanMarch, ofreciendo cuatro sonatas deMozart (KV 281, 311, 545 y 576). Todo un via-je al siglo XVIII de mano de uno de los mejo-res cicerones posibles.

Fundación JuanMarch,Madrid, 5 deno-viembre

Desde Bulgaria con amor

Nicolai Ghiaurov, Raina Kabaivanska, BorisChristoff, Anna Tomowa-Sintow, … Bulga-ria es cuna de excelentes cantantes, y el másfértil sarmiento de esta cepa en la actualidades la soprano lírica Krassimira Stoyanova, conuna actividad internacional imparable, a quientendremos oportunidad de escuchar duranteel mes de octubre en Barcelona encarnando ala Marguerite de Gounod. No escasean losroles en el currículum de esta diva, cuyo reper-torio abarca desde Mozart a Puccini y se am-plía aún mas en el campo religioso de misas yoratorios. Esta versatilidad se refleja con bri-llantez en los dos álbumes que grabó recien-temente en el sello Orfeo, uno dedicado al in-dispensable “fondo de armario” vocal en elque demuestra su dominio y su predilecciónpor Verdi y Gomes, y un segundo disco cen-trado en arias del repertorio eslavo, tan her-moso como olvidado en nuestras mediterrá-neas latitudes. En palabras de Rafael Banús,Stoyanova “hace gala de un más que suficien-te dominio de la coloratura, un encomiablesentido estilístico, un depurado cuidado en elfraseo, unos agudos bien colocados y un per-manente buen gusto”. Ya sorprendió grata-mente a los melómanos españoles en una gra-bación del Réquiem de Dvorák junto a la or-questa del Concertgebouw con dirección deMariss Jansons, amén de los sucesivos éxitosobtenidos por sus encarnaciones en el GranTeatre del Liceu de los papeles verdianos deDesdemona, Amelia (Simon Boccanegra) y Le-onora (Il trovatore). Es en este escenario cata-lán donde la soprano volverá a encandilarnos,esta vez en una versión de concierto abrevia-da del Faust de Gounod, junto a un extraordi-nario reparto: Piotr Beczala, Erwin Schrott,Karine Deshayes y Michele Pertusi, con Pie-rre Vallet a la dirección.

Gran Teatre del Liceu, Barcelona, 7, 11,15, 20, 25 y 28 de octubre

5conciertos & actualidad 207 / octubre 2011

La revista Gramophone ha hecho públicas lasnominaciones para sus premios anuales, cuyosganadores serán anunciados durante una cere-monia que tendrá lugar en Londres el 6 de octu-bre. Una docena de los sellos distribuidos porDiverdi en España han obtenidomás de un ter-cio del total de las nominaciones en 11 de las 15categorías establecidas. En Early Music obtie-ne una nominación la Missa In myne zyn deAgricola (Ricercar, RIC 306) EnBaroque VocalfiguraApollo eDafne, volumen 7º de lasCantatasitalianas deHaendel, uno de los grandes proyec-tos deGlossa (GCD921527), por Bonizzoni alfrente de La Risonanza. En la categoríaChamber son dos las grabaciones nominadas:el volumen 3 de la integral de Sonatas para vio-lín y piano de Beethoven por Alina IbragimovayCédric Tiberghien, enWigmoreHall (WHLive0045), comentado en estemismo número; y losCuartetos 12 y 13 de Dvorák por el Pavel HaasQuartet, en Supraphon (SU 4038-2). EnContemporaryMusic todas las grabaciones selec-cionadas pertenecen a nuestros sellos, dos delbritánicoNMC–Night’s Black Bird deBirtwistle(NMCD 156) y Winter Passions de Matthews(NMCD 152)–, más el volumen 6 de laMusic ofPoul Rudders (Bridge 9336).¶Muerte en Venecia,de Britten, en la versión de La Fenice editadapor Dynamic (CDS 33608), está nominada enDVD Performance, como lo ha sido enOpera elexcelente Ermione rossiniano de Opera Rara(ORC 42). En Historic Archive han sido selec-cionadas la grabación de los Tríos de cuerda deBeethoven por Kogan, Barshai y Rostropovichen la Praga de 1960 presentada por Supraphon(SU 4052-2), y el extraordinario documento deTestament sobre laDécima deMahler en la ver-sión de Deryck Cooke (SBT3 1457). En

Orchestral obtiene Supraphon una nueva nomi-nación por la Sinfonía Asrael de Suk porMackerras y la Filarmónica Checa (SU 4043-2), mientras que en Choral ha sido selecciona-da Sun-Dogs y Visitatio Sepulchri deMacMillanen grabación deBIS (BISSACD1719). En la sec-ciónSolo Vocal de nuevoNMCes nominado porel disco de Bennett Songs before Sleep (NMCD155), y Challenge Classic por el ItalianischesLiederbuchdeWolf conPrégardien y JuliaKleiter(CC 72378), yNaïve cierra la lista con la precio-sa selección de arias de ópera francesa Ne merefuse pas (V 5201) con Marie Nicole Lemieux(en la foto), en el apartado Recital.

Gramophone Awards 2011

La Sociedad Coral de Bilbao, fundadaen 1886, ofrecerá un concierto extraor-dinario con motivo de su 125º aniversa-rio, que tendrá lugar el 21 de octubre enel Palacio Euskalduna de Bilbao. En elprograma figuran la Sinfonía nº 6 deDvorák y la cantataAlexanderNevsky deProkofiev; junto a la Coral actuará laOrquesta Sinfónica de la BBCy su direc-tor Jirí Belohlávek. En noviembre, la

Coral realizará una gira por el norte de Italia interpretando la Novena Sinfonía de Beethoven en lasciudades de Módena, Bérgamo, Sóndalo y Brescia. ¶ Pero quizá la iniciativa más novedosa de laSociedad para celebrar su cumpleaños consistirá en la organización de un Taller Coral con el com-positor y director norteamericano Eric Whitacre (Reno, Nevada, 1970), uno de los compositorescorales más interpretados actualmente en todo el mundo, y especialmente interesado en desarrollarlas posibilidades que brindan las nuevas tecnologías con iniciativas como el “Coro virtual” en su obraLux Aurumque. El taller estará abierto a los cantores de todos los coros de España que deseen cono-cer y trabajar la obra del compositor (paramás información, véasewww.coraldebilbao.com), y se cele-brará los días 12 y 13 de noviembre en dos edificios tan emblemáticos de la cultura bilbaína como laAlhóndiga Bilbao y el Museo Guggenheim Bilbao.

EETTIIPPOO -- TTEELLEETTIIPPOO -- TTEELLEETTIIPPOO -- TTEELLEETTII

A mediados de este mes Alpha completará sumuy elogiada serie de Conciertos para varios ins-trumentos de Johann Sebastian Bach protagoni-zada por CCaafféé ZZiimmmmeerrmmaannnn con un sextovolumen que se pondrá a la venta de forma indi-vidual (Alpha 181) y como parte de un distin-guido box set (Alpha 811) que recogerá los seiscompactos que forman la colección. Es el bro-che de oro a una de las más exitosas sagas musi-cales que el sello galo ha tenido a bien apadrinar.

En breve recalará en nuestrasdependencias el 32º volumen de lafamosa Edición Vivaldi publicadapor Naïve: se trata de la continua-ción del multipremiado monográ-fico de Conciertos de fagotdefendido por SSeerrggiioo AAzzzzoolliinnii queha obtenido, entre otros premios, elcodiciado Diapason d’or de l’année, un Choc deClassica y, este mismo mes, el Echo Klassik. Enesta segunda entrega consagrada al instrumen-to, el fagotista del momento y la formación cre-monesa L’Aura Soave nos ofrecerán siete nuevosconciertos del Prete Rosso que harán las deliciasde los vivaldianos más exigentes.

El sello británico de música contemporánea porexcelencia, NNMMCC, que este año ha obtenido tresnominaciones a los Premios de la revistaGramophone, publicará en breve dos nuevasgrabaciones del máximo interés: un monográfi-co de obras orquestales de Brian Elias intitula-do The House That Jack Built, que viene avaladopor el buen hacer de la BBC SymphonyOrchestra y los batutas Jiri Belohlávek, MartynBrabbins y Sir Andrew Davis, y, por otra parte,un disco para ensemble de cuerda –CrossingOhashi Bridge– con obras de Roger Marsh, NicolaLeFanu, Anthony Gilbert y Geoffrey Pooleencargadas por el Goldberg Ensemble.

Ondine acaba de hacer público sucontrato con el violinista alemánCChhrriissttiiaann TTeettzzllaaffff, reconocidocomo uno de los solistas másimportantes de su generación. Conmotivo de este acuerdo, el próxi-mo mes de noviembre Tetzlaffestrenará en el sello finlandés unprimer disco dedicado a una selección de con-ciertos para violín de Mendelssohn y Schumannen compañía de la Frankfurt Radio SymphonyOrchestra y el director Paavo Järvi. Para otoñode 2012 y la primavera de 2013 el violinista gra-bará además dos discos de cámara con obras deMozart y Schumann.

Tras unos meses de demora, al fin verá la luz enOpera Rara la muy esperada grabación de estu-dio de la Maria di Rohandonizettiana, ópera queel experto William Ashbrook definió como “lacreación más melodramática de su autor”. Setrata del primer registro discográfico realizadosobre la nueva edición crítica de la partitura yentre cuyas filas canoras se cuentan artistas dela talla de KKrraassssiimmiirraa SSttooyyaannoovvaa, José Bros,Christopher Purves o Brindley Sherratt dirigi-dos por Mark Elder a las bridas de la Orchestraof the Age of Enlightenment.

La Sociedad Coral de Bilbaoconmemora su 125º aniversario

6 diverdi conciertos & actualidad

PPOO -- TTEELLEETTIIPPOO -- TTEELLEETTIIPPOO -- TTEELLEETTIIPPOO --

El esperado nuevo disco en solitario de KKeeiitthhJJaarrrreetttt en ECM, titulado Rio, ya está cociéndo-se a fuego lento en las planchas de la discográ-fica, teniendo prevista su salida comercial afinales de este mes. Se trata de un doble compac-to que recoge un aclamado concierto en direc-to que el pianista de Pennsylvania ofreció en lacapital carioca el mes de abril. En palabras delautor se trata de uno de sus mejores discos,“maravillosamente estructurado, jazzístico, serio,dulce, cálido, enérgico, apasionado y conecta-do de una forma única a la cultura brasileña”.

Tras el éxito cosechado por susálbumes previos dedicados a com-positores románticos como Grieg,Tchaikovski, Rachmaninov ySchumann, la pianista japonesaHHiiddeeyyoo HHaarraaddaa graba para Auditesu cuarto SACD en torno a dosobras maestras del repertorio teclís-

tico de Schubert: la fantasía en do mayorWanderer Fantasy, D 760 y la Sonata nº 21 en sibemol mayor, D 960. La interpretación deHarada, en palabras de los responsables del sello,se afana en pulsar “los contrastes y lazos comu-nes de unas obras que no pueden resultar másantagónicas entre sí”.

Para su tercer album en su propio sello PHI, eldirector belga PPhhiilliippppee HHeerrrreewweegghhee ha convo-cado bajo la bóveda de la sala Lutoslawski deVarsovia a un espléndido grupo de artistas –lacontralto Ann Hallenberg, el Collegium VocaleGent y la Orchestre des Champs-Elysées– conel fin de grabar un selecto programa de obraspara coro y orquesta de Brahms tales como laRapsodia para alto, Schicksalslied, el moteteWarum ist das Licht gegeben, Begräbnisgesang yGesang der Parzen. El disco tiene prevista sufecha de salida para noviembre.

Prosiguiendo el camino emprendi-do por Glossa con sus grabacionesdedicadas a las músicas francesasdel Prix de Rome, HHeerrvvéé NNiiqquueett yla Brussels Philharmonic centranahora su atención en el realismodramático de Gustave Charpentiercon un monográfico muy atractivo

en el que se encastran obras tales como las sin-fonías programáticas Impressions d’Italie y LaVie du poète, la cantata Didon y la obra sinfóni-co-coral La Fête des myrtes. Una tercera entregade la colección Prix de Rome llamada a demos-trar que el talento de Charpentier va mucho másallá de su ópera Louise.

Tras dejarnos un inmejorable sabor de boca consus anteriores compactos dedicados a Samaniegoy Nebra, respectivamente, Los Músicos de SuAlteza y LLuuiiss AAnnttoonniioo GGoonnzzáálleezz vuelven a lacarga en Alpha con un tercer volumen basado enuno de los temas favoritos del barroco: el tormen-to y el éxtasis. Con este concepto como elemen-to unificador, González y sus músicos traen acolación la obra de compositores tan inespera-dos y desconocidos como Luigi Rossi (Il pecca-tor pentito), Domenico Mazzocchi (Pentito sirivolge a Dio), Biagio Marini (Ciacona) yGiacomo Carissimi (Jephte).

En tiempos difíciles el talento se dispara, y enel campo del cuarteto de cuerda estamos vivien-do el florecimiento de nuevos grupos como losDiotima y Casals. A esta generación de gruposJ.A.S.P (Jóvenes Aunque SuficientementePreparados) se suma ahora el Cuarteto Quiroga,originario de la Escuela Reina Sofía de Madrid,y que, gracias a su calidad, ya está ocupando unpapel principal en la escena camerística, comoatestigua su agenda de conciertos para esteoctubre. Comienzan el día 9 abriendo laTemporada de Cámara del Auditorio MiguelDelibes de Valladolid, como cuarteto residen-

Piano Classics llega a EspañaIdeado por el alma mater del sello Brilliant durante sus años de máxima actividad (¿recuerdan la cajaMozart?), Pieter van Winkel, y por el veterano productor Jeremy Elliott, en primavera de este añonacía Piano Classics, una etiqueta que aspira a convertirse en referente imprescindible para todoslos “pianófilos”. Para ello, quiere ir confeccionando un extenso archivo de grabaciones que ya pue-den ser consideradas clásicas (aunque en su mayor par-te provengan de los años 80 y 90 del pasado siglo), ycombinarlas con la edición de producciones nuevas conartistas consagrados o emergentes como Roberto Poli,Klára Würtz, Naum Grubert o Alexander Gavryluyk.Con su base de operaciones repartida entre Londres yÁmsterdam, el sello ya ha presentado 16 títulos queahora llegan a España de la mano de Diverdi. ¶ Entrelas primeras propuestas destacan un disco Rachmaninova cargo de Nikolai Lugansky, los volúmenes 1 y 2 deMakrokosmos de George Crumb en interpretación deRobert Groslot, las Variaciones Goldberg por EvgeniKorollov o el álbum doble de conciertos de Mozart con Ivan Moravec, la Academy of St Martinin the Fields y Neville Marriner. Otros títulos incluyen las sonatas completas para piano de Kabalevskypor Artur Pizarro (protagonista de otro disco dedicado a Vorisek), los Cuadros de una exposiciónde Mussorgski en la versión de Vladimir Ovchinnikov o un programa Debussy confiado a FouTs’Ong. ¶ Un sello nacido en 2011 y dedicado por entero a la música para piano no podía dejar delado el bicentenario de Liszt, y de hecho la mini-colección Liszt, formada por una exquisita selec-ción de álbumes dobles que firman nombres como Alfred Brendel, Claudio Arrau, Jorge Bolet oMichel Dalberto (y con títulos anunciados de Sviatoslav Richter, Zoltán Kocsis y Earl Wild, entreotros), es sin duda el mejor plato de presentación para una marca que ha irrumpido con fuerza enel panorama discográfico internacional. Su página web, www.piano-classics.com, es además unejemplo de claridad y elegancia. No dejen de visitarla.

Quiroga, nuevos maestros de la cuerda

te; el 11 actúan en el Ciclo Músicas ActualesBBK de Bilbao, y el día 20 abren otra tempo-rada, la del Liceo de Cámara del AuditorioNacional de Madrid. En su repertorio encon-tramos autores tan dispares como interesan-tes: Mozart (un arreglo de su Réquiem), Bach,Shostakovich, Bartok, y los tres que aparecenen su atractivo disco de presentación tituladoStatements (Declaraciones): Haydn, Webern ySollima, reseñado en este número. Además,uno de sus miembros, Aitor Hevia, será violínsolista en el próximo disco de Forma Antiquaen Winter & Winter.

7conciertos & actualidad 207 / octubre 2011

¿Qué proyectos inmediatos se trae entre manosAccademia del Piacere?

Ahora estamos en plena faena con Las idas y lasvueltas, el nuevo proyecto de barroco colonial yflamenco en el que nos hemos embarcado juntoa un cantaor de primer nivel como es Arcángel.Lo estrenamos el pasado julio con un lleno en elPalacio de Carlos V de la Alhambra, en el Festi-val Internacional de Música y Danza de Grana-da, un lugar y un evento inmejorables; en octu-bre lo llevaremos a Roma (estamos en el carteljunto a Paco de Lucía y Carmen Linares, que esuna satisfacción), al Auditorio Nacional de Ma-drid y a Elche, para grabarlo antes de final deaño y girarlo por Europa el año que viene, porAlemania, Bélgica y, probablemente, México ySuiza. Todo eso sin olvidar naturalmente nues-tros programas camerísticos y a solo, que segui-mos haciendo estos meses, y la promoción deAmori di Marte, un CD del que estamos muy or-gullosos y cuyo lanzamiento, justamente antes delverano, había quedado un poco aturdido por loscalores estivales.

¿Estáis satisfechos con el desarrollo artístico devuestro proyecto con Arcángel?

Mucho, y eso que nuestras expectativas eran al-tas porque soy un amante del flamenco desdehace muchos años y tenía la ilusión y la confian-za de que la música barroca colonial podía fun-cionar maravillosamente en una voz como la deArcángel, tan de flamenco a la antigua, bella y muyafinada pero al tiempo de una impostación muynatural. Y sabíamos que estos estilos, el barro-co español y el flamenco, no sólo tienen un ori-gen claramente común, sino unas bases musica-les, en el ritmo y en la armonía, que no es que seanparecidas, sino directamente las mismas. Peroque eso funcionara en escena era otra historia,y creo que lo hemos logrado más allá incluso denuestras expectativas. Suena natural y nuevo altiempo, como si se hubiese oído siempre y nun-ca a la vez.

Hay que oír por ejemplo cómo se alternanArcángel y Mariví Blasco al cantar Paseábase elRey Moro, o cómo de bien se funden las jácarascon las bulerías, o los “piques” guitarrísticos dedos figuras como Miguel Ángel Cortés y Enri-que Solinís, cada uno con su tipo de guitarra, ola compenetración de dos percusionistas que vie-nen de mundos diferentes como Pedro Estevany Agustín Diassera... Resulta que los acordes ylos compases son los mismos, y la forma de sen-tir la música también. La comunicación artísti-ca y personal ha funcionado de maravilla, por-que Arcángel es un tipo con un talento y un con-trol musical enorme (no sólo en el cante, sinotambién en ritmo y armonía), y además tanto él

como los demás flamencos han estado genero-sos y abiertos, que es algo que hemos intentadotambién nosotros.

¿Es posible mantener vivo un sello discográficocomo el vuestro, Alqhai&Alqhai?

No sólo mantenerlo, sino que el niño crece cadadía. No podemos quejarnos por los reconoci-mientos, tanto en España como fuera. Las ven-tas cubrieron siempre nuestras expectativas, perovan ahora a mucho más a medida que vamos dis-tribuyendo nuestros discos por mercados am-plios (y exigentes) como Francia, Alemania o elBenelux, y eso nos abre las puertas a llevar nues-tra manera de sentir la música a esos países, quees lo que realmente nos interesa.

Creo que los españoles tenemos un puntode vista muy particular para enfocar la música engeneral y la antigua en particular, y no sólo lanuestra, sino también la francesa, la alemana ola italiana, y este es un momento magnífico parasalir fuera a llevar esa visión, ahora que aquí lacosa está tan malita para la cultura. Hay queecharle arrojo económicamente, y mucho traba-jo, que en ello estamos, pero los resultados lle-gan. Por ejemplo, en Alemania la revista Tocca-ta acaba de poner el sello de recomendado,“Tipp”, a Amori di Marte, y eso nos da la opor-tunidad para que, además de nuestro barrocoflamenco (que ya lo tenemos cerrado para Ber-lín, Hamburgo y Colonia), oigan nuestro Mon-teverdi, que es una música también muy nuestra,que llevamos haciendo con nuestra sensibilidadparticular desde el primer día de nuestro grupo.

Nos decías que grabaréis pronto Las idas y lasvueltas. ¿Con qué sello lo haréis?

Con el nuestro, con Alqhai&Alqhai. Hemos te-nido negociaciones avanzadísimas (con algunohasta el pie del altar, como quien dice) con sellosmuy conocidos, que nos habrían dado, digamos,

PREGUNTAMOS A...

Fahmi Alqhai

mucha visibilidad, pero finalmente nos hemosdado cuenta de que nadie va a permitirnos la li-bertad artística y, al tiempo, el rigor musical quenosotros mismos nos vamos a permitir y a exi-gir. Esa fue nuestra apuesta con Alqhai&Alqhaidesde el primer día, y sigue siendo nuestra elec-ción.

Fahmi Alqhai, Arcángel y Accademia delPiacere presentarán su programa Lasidas y las vueltas en Madrid (AuditorioNacional, 9 de octubre), San Lorenzo deEl Escorial (Real Coliseo Carlos iii, 22de octubre) y Elche (29 de octubre).

El productor Jan de Winne, de Passacaille, ulti-ma en estos momentos uno de los lanzamientosmás potentes del otoño: un disco de conciertosbarrocos para viola da gamba y orquesta–Telemann, Graun, Vivaldi y Tartini– tituladoBarbarian Beauty y defendido por unos cada vezmás indispensables VViittttoorriioo GGhhiieellmmii e Il SuonarParlante, entre cuyas filas se cuentan artistascomo Dorothee Oberlinger a la flauta dulce,Mayumi Hirasaki al violín y Marcel Comendantal cimbalón.

Los próximos títulos del catálogodoméstico de la OrchestrePhilharmonique de Monte-Carlodirigidos por el recientemente desa-parecido YYaakkoovv KKrreeiizzbbeerrgg no pue-den ser más apetecibles: un trípticoruso en CD dedicado a Rimsky-Korsakov, Mussorgsky y Borodin yotro en LP (edición limitada de 500 copias enmemoria del director) con otras obras deRachmaninov, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov.Más adelante, y ya de cara a la temporada 2012-13, se hallan en preparación un monográficoShostakovich con la Undécima Sinfonía y otroconsagrado a la Quinta Sinfonía de Mahler.

8 diverdi antigua

Cuatro años después de la grabación del primervolumen del códice Chantilly por Tetraktys, ve laluz el segundo, y a las ocho piezas del disco inau-gural, se le añaden otras nueve. Hasta las 112 poli-fónicas que atesora este bello manuscrito… yapueden venir entregas. La selección escoge el planc-tus que a la princesa aragonesa Leonor (mujer deJuan I de Castilla) le dedicara (ca. 1382) el enton-ces arpista de la corte Senleches, y piezas deVaillant, Solage (con dos vinculadas al duque deBerry), Guido, Grimace, y magister Franciscus,más una composición de Machaut, el más antiguomaestro de los antologados.

En esta ocasión, la soprano Zsuzsi Tóth sus-tituye a Jill Feldman, que cantaba en la anteriorgrabación y fué codirectora del ensemble en tiem-pos; nos gusta mucho el empaste y el gusto de lahúngara a la hora de cantar, brillante como solis-ta y enemiga de excesos. Continúa el gran contra-tenor español Carlos Mena, que interviene en trespiezas. Se mantiene también el acompañamientode cuerdas (arpa y fídula), aunque para esta oca-sión se ha contado con dos instrumentistas porcada instrumento, turnándose en los cortes, másel director Kees Boeke, que también añade unaflauta. La interpretación de esta música difíciltranscurre sin estridencias, destacándose por enci-ma de todo la voz, cuya dulzura y fraseo subrayael aura sensual que campea en las composiciones.Mínimos pasajes desafinados no restan nada a estebello disco.

Toca ahora decir que no hay dos sin tres, yesperamos la siguiente entrega de esta fuente fun-damental del ars subtilior, cuando de la mano de losavances notacionales se decidió rizar el rizo de lamúsica de autor, desgajada ya de la tradición oralque había servido de base de las composicioneshasta entonces.

Códice Chantilly,rizando el rizo

Josemi Lorenzo Arribas

Etcetera presenta la segundaentrega de la serie, por Tetraktys

CODEX CHANTILLY, VOL. 2

Tetraktys. Kees Boeke, director / ETCETERA / Ref.: KTC1905 (1 CD) D2

Quizá sea la frottola el género musical menos fre-cuentado por quienes se dedican al repertorio rena-centista. Y, sin embargo, fue esta música popularla que predominó en Italia, como precursora delmadrigal, durante el siglo XV y principios del XVI.Aunque la forma de interpretación más habitualera una voz con laúd, también se empleaban enocasiones más voces y diversas combinaciones ins-trumentales, como evidencia esta grabación, en laque se ha optado por incluir cuatro flautas y per-cusión para acompañar a la cantante. Los asuntosabordados por la frottola solían ser eróticos, satí-ricos e incluso groseros. La difusión que alcanzóse debió en gran medida al impresor OttavianoPetrucci, quien publicó diez colecciones de frotto-le. De ellas se conservan nueve, que contienen casi600 piezas de una treintena de compositores ita-lianos, sobre todo de los dos que gozaron de mayorcelebridad: Marchetto Cara (1465-1525) yBartolomeo Tromboncino (c. 1470-1535). En tor-no a la música de ambos gira este disco, en el quese van alternando pasajes instrumentales de com-positores principalmente flamencos: JacobObrecht, Franciscus Bossinensis, Loyset Compère,Heinrich Isaac, Antoine Brumel, Josquin Desprez,Johannes Hesdimois, Vincenzo Capirola y Juande Urrede. La fama de Tromboncino venía dada nosólo por su habilidad como compositor, sino porun truculento episodio idéntico al que un siglomás tarde protagonizaría Carlo Gesualdo: sor-prendió a su esposa in flagrante delicto y la asesi-nó, aunque, al contrario de lo que haría el Príncipede Venosa, dejó escapar con vida al amante. Paracompletar su mala reputación, Tromboncino tam-bién sirvió a la más famosa envenenadora de laHistoria, Lucrecia Borgia. Las lecturas de UlrikaHofbauer y The Modena Consort son serias yrigurosas, lo cual contribuye a una muy placente-ra escucha del disco.

Frottola, madre delmadrigal

Eduardo Torrico

La canción popular renacentistapor The Modena Consort

FROTTOLE: Canciones cortesanas de la Italia renacentista(obras de Tromboncino, Cara, Brocco, Obrecht, Hesdimois,Compère, Isaac, Brumel, Urrede, Capirola, Desprez yBossinensis)

Ulrike Hofbauer, soprano. The Modena Consort / PANCLASSICS / Ref.: PAN 10246 (1 CD) D2

Pocos campos escapan al saber de Leonardo (1452-1519), el genio renacentista, y la música no iba a seruno de ellos. No la especulativa, cuyo dominio sele sobreentiende al autor de la Gioconda, sino lapráctica. Además de avances organológicos, tem-pranos testimonios dan fe de su habilidad canto-ra e instrumental, y ocho enigmas conservados enel Códice Windsor, esos entretenimientos corte-sanos en que se presentaba algo parecido a un jero-glífico para su descifrado, juegan con la música.Tres de ellos se presentan en este disco, cuyo pro-grama realmente se dedica a recrear la música enMilán en el tiempo en que el sabio anduvo por allíbajo el patrocinio de Ludovico Sforza. Para ello,músicas para laúd solo o acompañando a la voznos trae sones intabulados por Gaffurio, Dalza,Tromboncino, Aquilano, Spinacino, Petro PauloBorrono, anónimos, y piezas de Josquin y Sermisy.

Leonardo, pues, sirve como excusa para arti-cular el programa, ofreciendo en la carpeta repro-ducción facsimilar del enigma (rebus) en cuestión.El resto, piezas que Ottaviano Petrucci imprimióen Venecia en la primera década del siglo XVI,algún manuscrito y dos impresos de 1536 (Milanoy Petro Paulo Borrono). Nótese que a este añocorresponde la primera fuente vihuelística hispa-na, el libro de Luis Milán. Es la ventaja que nos lle-van los italianos, cuya música cantarina y danzable,salvo excepciones (por ejemplo el Ricercare XIIde Milano, de complejo contrapunto), da un toquede familia inconfundible a todas estas piezas.

Las intervenciones de Renata Fusco (en 7 delos 27 cortes) son brillantes, pero el mérito se lolleva otro milanés, Massimo Lonardi, que está enla cúspide de los tañedores de cuerda pulsada, enun estado de inspiración excelente, sea con la tior-ba, con la guitarra renacentista, la vihuela o, comoes el caso, el laúd del siglo XVI.

Da Vinci, músico, yotros de Milán

Josemi Lorenzo Arribas

Música instrumental y vocal delXVI por Fusco y Lonardi

LA MÚSICA MILANESA EN ÉPOCA DE LEONARDO DA VIN-CI: Obras de Gaffurio, Dalza, Tromboncino, Aquilano,Spinacino, Desprez, Da Milano, Borrono y de Sermissy

Renata Fusco, soprano. Massimo Lonardi, laúd / BOTTEGADISCANTICA / Ref.: BDI 103 (1 CD) D3

9antigua 207 / octubre 2011

Holanda fue desde el siglo XVI uno de los princi-pales centros de impresión de partituras. Eso pro-pició una rápida y amplia difusión de génerosmusicales que, como el madrigal, llegaban de fue-ra, con la consiguiente influencia en los composi-tores locales. La escuela madrigalística holandesatiene, pues, una génesis innegablemente italiana.Cornelis Verdonck, Hubert Waelrant, CornelisPadbrué y, sobre todo, Jan Pieterszoon son los máseximios representantes de esta escuela, en la quetambién merece consignarse al no tan conocidoCornelis Schuyt (1557-1616). Compositor y orga-nista en su natal Leiden, Schuyt completó doscolecciones de madrigales, en 1600 y 1611, paracinco y seis voces respectivamente. Sus obras sonun fiel reflejo del madrigal italiano clásico, con susobrio cromatismo, aunque no falta en su estiloalguna concesión a las técnicas contrapuntísticasdel norte europeo. El disco que presenta laCamerata Trajectina se centra en Il Primo Libro deMadrigali de Schuyt. Se incluyen una decena deellos, complementados con varias gallardas y pava-nas, alguna canzona, un par de piezas vocales contexto holandés y el motete Domine fiant anima mea.La veterana Camerata Trajectina, fundada por Josvan Veldhoven en 1974, es sin duda la formaciónque mejor conoce y domina el amplio territoriode la música vocal de la llamada Edad de OroHolandesa. Quizá sus interpretaciones puedanparecer demasiado severas y austeras, pero convie-ne no olvidar nunca el contexto en el que se movie-ron estos compositores, profundamente marcadospor la Reforma. Hace quince años, la CamerataTrajectina ya había insertado en un disco algunapieza de Schuyt, junto a otras de Padbrué y JoanAlbert Ban. Nada frecuente en la discografía, lamúsica de Schuyt sólo ha formado parte de reco-pilatorios, por lo que nos hallamos ante su primermonográfico.

El madrigalismoitaliano en Holanda

Eduardo Torrico

Monográfico de Cornelis Schuyt,por Camerata Trajectina

CORNELYS SCHUYT (1557-1616): Madrigali, Padovane &Gagliarde

Camerata Trajectina / GLOBE / Ref.: GLO 6068 (1 CD) D10

Del bien conocido Josquin Desprez, cumbre de lamúsica franco-flamenca, reconforta encontrarun programa tan bien planteado como éste por tresrazones. La primera, porque el ensemble que fir-ma el registro hace su debut. Marc Lewon lo di-rige, habitual tañedor en diversos grupos medie-vales, ahora emancipado con su propio conjunto.La segunda es la apuesta por la música instru-mental de Josquin, el aspecto menos conocido.De hecho, la fuente que ofrece las piezas, un ma-nuscrito de Isabella d’Este, no transcribe los tex-tos, permitiendo a Lewon fantasear con la versiónpuramente instrumental aprovechando precisa-mente que esta palabra, de exitoso recorrido enel siglo XVI, se emplea varias décadas antes paratitular una de sus composiciones (Ile fantazies deJoskin). La última, por la inteligencia del progra-ma, que debemos glosar. Dos tercios del mismocon obras de Josquin, algo lógico puesto que a élse dedica el disco. El plus viene en el tercio res-tante, que son las fuentes de inspiración de lasque parte el francés para construir sus composi-ciones polifónicas, canciones (De tous biens plai-ne, L’homme armé, Adieu mes amours…), estruc-turas rítmicas (La Spagna) o elaboraciones con-temporáneas del mismo material (Spinacino, untal Planquard, y anónimos).

La interpretación es ajustada, siempre com-pleja cuando de prescindir del texto se trata encomposiciones que hacen de éste su razón de ser.Pasa de sobra el corte, y nos retrotrae a un univer-so sonoro plenamente acorde con Desprez. Enotro orden de cosas, brillan las siete páginas denotas, firmadas por el director del conjunto y, co-mentando el programa, David Fallows, una auto-

ridad en el autor. No se las pierdan si quieren apren-der y no sólo escuchar buena música. Dos sorpre-sas al final: un estreno del estonio Arvo Pärt, Seigelobt, du Baum (“¡Alabado seas, oh árbol”), bre-ve pieza para barítono, guiterna, violín y contra-bajo, curioso encargo propiciado por el descubri-miento de un trozo de abeto de 2.300 años de an-tigüedad, parte del cual se empleó para construiruna guiterna al estilo medieval y un violín barro-co; y un corte josquininano oculto, no marcadoen los créditos, cierra el disco. Y qué disco.

Coda: la portada del librito de notas es unlienzo de Leonardo en que se piensa que el retra-tado es el compositor tratado. Y la del disco… Ladama del armiño, que hasta el mes de agosto ha es-tado expuesta en el Palacio Real de Madrid. Se fuea su museo de Cracovia. Nos queda el disco.

Josquin sin palabras, música de fantasía

Josemi Lorenzo Arribas

Música instrumental profana del autor franco-flamenco, y sus fuentesde inspiración, por el Ensemble Leones dirigido por Marc Lewon

LES FANTAISIES DE JOSQUIN: La música instrumental deJosquin Desprez

Ensemble Leones. Marc Lewon, director / CHRISTOPHORUS/ Ref.: CHR 77348 (1 CD) D2

Marc Lewon

10 diverdi antigua

El haber sido en su día una de las grandes eminencias del contrapunto es quizá lo que más ha perjudi-cado a Johann Joseph Fux (1660-1741) ante la posteridad. Durante mucho tiempo, la inevitable com-paración con Bach le situó en un lugar incómodo. Si Bach había sido el poeta del contrapunto, a Fuxle correspondía el papel del erudito, del académico. Al primero le debemos una obra suprema e inefa-ble como El arte de la fuga; al segundo el tratado Gradus ad Parnassum. Buena parte de los malentendi-dos y los tópicos que se ciernen sobre el compositor austríaco se asientan, en realidad, en el escasoconocimiento de su amplísimo catálogo, cuya tarea de recuperación por parte de los intérpretes ha arran-cado en tiempos recientes.

¿Podemos decir que para Fux ha empezado una nueva época? Difícil contestar con un sí rotun-do; los prejuicios tardan en morir y su discografía crece a un ritmo todavía lento. Sorprende por ejem-plo que un artista como Gunar Letzbor, desde siempre volcado en la recuperación de la música barrocaaustriaca, haya tardado tanto en dedicarle un monográfico. Pero no hay que quejarse demasiado cuan-do el resultado final es el que tenemos entre manos. Las ocho Partitas a 3 incluidas en este registro sonpiezas admirables, donde el elemento contrapuntístico nunca es un fin en sí mismo, sino el fundamen-to de un discurso variado y flexible. No faltan muestras de polifonía arcaizante (el Capriccio que abrela Partita 64 o la Contraffattrice de la Partita 319), pero el principio imitativo actúa también en episodiosestilísticamente más avanzados, donde resopla el moderno gusto italiano y sobre todo el francés (Partitas320 y 326).

En los dos primeros movimientos de la Partita 323, en cambio, Fux recupera el talante programá-tico de Schmelzer y Biber. Aquí, los intérpretes afilan los arcos como si de espadas se tratara. La sobre-saliente prestación de Ars Antiqua Austria realza aún más el interés del disco con unas lecturas capacesde alternar rudo vigor y sutil delicadeza (emblemática la Passacaglia de la Partita 320). En la Partita 331,de inspiración turca, el conjunto de Letzbor saca incluso las percusiones, algo que no se había atrevi-do a hacer en su anterior registro de esa misma obra para el sello Symphonia (2002). Decidido a sacara la luz el lado más temperamental de la música de Fux, Letzbor hace definitivamente añicos el tópicodel contrapuntista académico y firma una mayúscula aportación a la discografía de Fux.

El contrapuntista redimido

Stefano Russomanno

Monográfico Fux de Gunar Letzbor, en Challenge

JOHANN JOSEPH FUX (1660-1741): Partite a 3

Ars Antiqua Austria. Gunar Letzbor, director / CHALLENGE RECORDS / Ref.: CC 72381 (1 CD) D2

Pere Ros pertenece a la generación de violagam-bistas españoles que vino después de Jordi Savall.Como el maestro de Igualada, a él también le tocódar sus primeros pasos por la Europa central. EnSuiza y en Alemania, concretamente, lo que le per-mitió vivir muy de cerca la formidable eclosiónque experimentó allí la música antigua. Se trata, sal-vo que mis datos no sean correctos, del único músi-co español al que le cabe el honor de haberintervenido en un registro discográfico con la míti-ca Musica Antiqua Köln, a la cual estuvo vincula-do durante algún tiempo. Luego, en una segundaetapa ya en España, colaboró estrechamente conel propio Savall. Volcado en la docencia (en laactualidad es profesor del Real ConservatorioSuperior de Música de Madrid), no ha sido pródi-go a la hora de grabar como solista, aunque subagaje en ese aspecto tampoco sea desdeñable. Leviene, asimismo, de lejos su colaboración con elsello oscense Arsis, en el cual edita ahora este tra-bajo dedicado a la música isabelina, a la que Ros,autor de las notas explicativas de la carpetilla, quie-re vincular al teatro shakesperiano. Salvo un parde piezas anónimas, Ros se centra en la figurasThomas Morley, del siempre enigmático TobiasHume y de Alfonso Ferrabosco II, hijo ilegítimodel músico boloñés del mismo nombre que hizofama y fortuna en Inglaterra, y al que en uno de susviajes a su natal Italia acusaron de asesinato y robo.Le acompaña en esta grabación la flautista ElviraPancorbo, habitual integrante de la admirable com-pañía teatral portuguesa Nao d’Amores. Esta músi-ca es como el perfume: pura esencia. En grandesdosis tal vez empalague, pero en su justa medidaresulta de una exquisitez total. Ros y Pancorboson conscientes de ello y se ciñen escrupulosa-mente a lo que mandan los cánones, huyendo deartificiosidades y ampulosidades.

Pura esencia isabelina

Eduardo Torrico

Pere Ros y Elvira Pancorbo enmúsicas inglesas del XVI y XVII

LIKE THE SWEET SOUND: Obras para viola da gamba ylaúd de Pere Ros y Elvira Pancorbo

Pere Ros, viola da gamba. Elvira Pancorbo, flauta de pico /ARSIS / Ref.: ARSIS 4233 (1 CD) D2

““Letzbor hacedefinitivamenteañicos el tópicodel contrapuntistaacadémico y firmauna mayúsculaaportación a ladiscografía deFux.””

11antigua 207 / octubre 2011

Es ciertamente asombroso asistir al creciente des-cubrimiento de la música española de los conside-rados siglos de decadencia. Y sobre todo de losaños centrales de ese período, el siglo que se extien-de entre los años 1650, cuando la gran polifonia delsiglo XVI parece agotada, y 1750, cuando se iniciaun cierto progreso durante los reinados deFernando VI y Carlos III.

En ese “siglo vacío” encontramos ahoraimportantes figuras, algunas de gran talla, conoes el caso de Francesc Valls (c. 1671-1743), prolífi-co maestro barcelonés que debe su fama a una desus venticinco misas, la llamada Missa Scala areti-na (1702). Era por entonces Valls coadjutor delmaestro de capilla de la catedral de Barcelona, JoanBarter. Había ingresado en la catedral proceden-te de Santa María del Mar, en 1696. Dos años des-pués se ordena sacerdote y a la muerte de Barter,el 5 de diciembre de 1706, pasará a ser maestro decapilla de la seo barcelonesa. Recordemos que elaño anterior llega a la ciudad condal el archiduqueCarlos de Austria, Carlos III para los catalanes,futuro emperador del Sacro Imperio Romano-Germánico, o sea Carlos VI, padre de la empera-triz María Teresa. Carlos se instalará en Barcelonay su capilla musical tendrá como maestro aGiuseppe Porsile entre 1707 y 1713. Eso permitiráal flamante maestro de la catedral familiarizarse conel estilo vocal de la ópera italiana. Porsile ya habíadado a conocer en Nápoles su Il ritorno di Ulisse allapatria (1707) en San Giovanni de’ Fiorentini.

Ese contacto con lo italiano fortalecerá el esti-lo de Valls, incorporando al mismo nuevos proce-dimientos, especialmente en la música en romance,es decir, los tonos y villancicos con texto en cas-tellano, pasando esas novedades como puedan serlos recitativos y arias a convivir con las tradicio-nales coplas y estribillos del barroco español. Esoserá normal ya en sus dicípulos Pedro Rabassa yJaime Casellas.

En la Missa Scala aretina, así llamada por elhexacordo cuya invención se atribuye a Guidod’Arezzo, da entrada al tiple segundo o segundosoprano en el “Miserere nobis” o “Qui tollis” del“Gloria” con cierta disonancia –una novena sin

preparación–, lo cual era juzgado osadía imper-donable para las normas estrictas de la época. Unorganista de Palencia, Joaquín Martínez, inició lacontroversia censurando duramente tal irregulari-dad. Entre 1715 y 1720 fueron muchos los compo-sitores que se incorporaron a la polémica, la mayorparte a favor de Valls, entre ellos el genialAlessandro Scarlatti. Algunos le atacaban por suopción política, al haberse puesto del lado del archi-duque Carlos en vez de inclinarse hacia el finalmen-te vencedor de la Guerra de Sucesión, Felipe deBorbón, luego Felipe V. En 1717 Valls fue represa-liado, cesando en su cargo, cono le ocurriría a JoseEscorihuela en Tortosa, o en la corte de Madrid aSebastian Durón, quien tuvo que escapar a Francia.En su retiro Valls elaboró el Mapa Harmónico,importante obra teórica.

El pequeño grupo A Corte Musical que diri-ge el instrumentista –de percusión y dulcián– bra-sileño Rogério Gonçalves, nos ofrece el queseguramente sea el único CD monográfico dedi-cado a Valls (hubo otro, aunque compartido conel Requiem de Heinrich I. Biber, en DeutscheHarmonia mundi, que incluía la Missa Scala areti-nadirigida por el gran Gustav Leonhardt). A CorteMusical deja constancia de una extraordinaria cali-dad, tanto en lo vocal como en lo instrumental(violín, violonchelo, guitarra, tiorba, órgano, dul-cián y percusiones). Son muy destacables las vocesde Mercedes Hernández, Felix Rienth, NatachaDucret y Audrey Burgener.

El disco recoge siete tonos divinos, desde losmás clásicos hasta los que introducen arias demayor extensión y dificultad, la mayoría francamen-te hermosas. Se intercalan tres obras para órgano,dos de falsas y una de medio registro de tiple, estaúltima bellísima, en el órgano de San Lorenzo, enLausana, interpretadas con brillantez por Cariende Jong. El excelente grupo instrumental finalizacon un majestuoso Pasacalles de primer tono. Undisco que, en verdad, va a elevar mucho la opiniónsobre la música española del barroco.

Francesc Valls, prestigio de nuestro barrocomusical

Andrés Ruiz Tarazona

Tonos divinos del compositor catalán por el grupo A Corte Musical,en Pan Classics

FRANCESC VALLS (1665-1747): Tonos divinos españoles

A Corte Musical. Rogério Gonçalves, percusiones, dulcian ydirección / PAN CLASSICS / Ref.: PAN 10244 (1 CD) D2

No hay país que goce tanto con los carillones comoHolanda. Por ello, no es de extrañar la devociónque los holandeses sienten por Jacob van Eyck.Ciego de nacimiento, su ocupación profesionalse centró primordialmente en la conservación,reparación y mejora de los tres carillones deUtrecht (ayuntamiento y dos iglesias) y en com-poner música para ellos y, por supuesto, en tocar-la. Pero Van Eyck fue también un virtuoso flautista,a la par que un magnífico arreglista. Cuenta de élque en las tardes de verano se sentaba en los patiosque circundaban a las iglesias de Utrecht y hacíasonar una pequeña flauta para deleitar al impro-visado público. Eso no sólo le valió la estima desus parroquianos, sino también un sustancial incre-mento salarial por tenerlos entretenidos. Algunasde aquellas piezas eran composiciones suyas, perola mayoría consistía en variaciones sobre melodí-as que habían alcanzado notable popularidad enaquel tiempo y que habían sido escritas por músi-cos franceses (Vallet), italianos (Uccellini, Gastoldi,Caccini…), ingleses (Morley, Dowland,Farnasby…), holandeses (Sweelinck) o anónimos.Ardalus, joven conjunto belga (fue fundado en2007), hace su debut discográfico con varias obrasarregladas por Van Eyck. Pero no se centra en elarreglo original, sino que lo enriquece al introdu-cir voz (la de la soprano Sarah Abrahams), violi-nes, cuerda pulsada, viola da gamba, virginal y,por supuesto, toda la familia de las flautas dulces(sopranino, soprano, alto y tenor). La cosa funcio-na bien, porque la voz de Abrahams es ciertamen-te bella (mejor en las piezas inglesas que en lasitalianas) y porque el Ardalus Ensemble hace alar-de de una gran finura. A la fuerza, uno llega a laconclusión de que esta gente está preparada paraempresas mayores. El tiempo se encargará de con-firmarlo o de dejarnos en evidencia.

No sólo de carillonesvivía Van Eyck

Eduardo Torrico

Obras arregladas por el autorholandés con el Ardalus Ensemble

ENTORNO A JACOB VAN EYCK: Obras de Jacob van Eyck,John Dowland, Jan Pieterszoon Sweelinck, Marco Uccellini, ...

Ardalus Ensemble. Karen Ketels, director / PHAEDRA / Ref.:PH 92068 (1 CD) D2

12 diverdi antigua

Mucho ha llovido desde que, en 1996, Archiv Pro-duktion (¡ay!, hoy muerta y enterrada) editara, dela mano de Trevor Pinnock y su English Concert,el primer monográfico que permitió percibir, enóptimas condiciones, la riqueza de la música or-questal de Johann Friedrich Fasch. Nuestro hom-bre trabajó casi toda su vida en la relativamentepoco importante corte de Zerbst como kapellmeis-ter, muriendo inédito, si bien su amistad con Graup-ner, Heinichen, Telemann y Pisendel, así como susviajes a las cortes de Darmstadt y Dresde, permi-tieron una amplia difusión de sus composicionesa la par que una gran estima por parte de patronosy colegas. Hoy su música, una de las más origina-les del barroco, goza de una difusión mucho ma-yor que hace unos pocos años, aunque las edicio-nes discográficas dedicadas al mismo no dejan deser algo escasas, especialmente si tenemos en cuen-ta la mínima repercusión del 250º aniversario de sufallecimiento en 2008. Pero bueno, no es momen-to de lamentarnos, sino, al contrario, de celebrar laaparición de este espléndido disco, segunda incur-sión de Il Gardellino en el repertorio, tras la estu-penda de 2008, también en Accent (curiosamen-te, en ambos casos con la misma pintura como pro-tagonista de su portada). La nueva selección pue-de considerarse aun más atractiva, empezando conel concierto en re mayor para trompeta y dos obo-es, que durante mucho tiempo fue considerado elconcierto de Fasch, casi obligatorio en toda anto-logía dedicada a la trompeta barroca. No puede si-lenciarse el Concierto para tres trompetas, timbales,dos oboes, fagot y violín solo, genial e impresionan-te ejemplo del concierto barroco festivo; ni tam-poco el delicado Concierto para dos oboes da silva,dos violas, dos fagotes y bajo continuo, cuyos tim-bres oscuros crean un paisaje bucólico teñido debruma otoñal. Il Gardellino, más nutrido que en laanterior ocasión, da una lección de insuperable ca-lidad técnica y artística. Y, como siempre, una pro-funda reverencia al maestro Ponseele.

De nuevo en el clavo

Javier Sarría Pueyo

Ponseele vuelve a Faschen Accent

JOHANN FRIEDRICH FASCH (1688-1758): Conciertos paravarios instrumentos

Il Gardellino / ACCENT / Ref.: ACC 24252 (1 CD) D2

Que al noble diletante véneto Benedetto Marce-llo (1686-1739) le disgustaban los derroteros quehabía emprendido la música dramática contempo-ránea quedó patente en su archiconocida sátira IlTeatro alla moda (1720; no hace mucho traducidaal castellano y comentada por nuestro compañe-ro Stefano Russomanno). Y como tampoco apre-ciaba la que se interpretaba en los templos, quisodar trigo y no sólo predicar, emprendiendo la ti-tánica tarea de poner música a la sublime poesíade los 50 primeros Salmos (1724-1726), siguiendola versión italiana de otro colega estamental, Gi-rolamo Ascanio Giustiniani. Huyó de la estructu-ra entonces en boga –con el aria da capo, pensa-da para el lucimiento de los solistas, reinandoagresivamente en los recintos sagrados de las igle-sias– y de la brillantez instrumental. Y así, echan-do una ojeada al pasado desde su presente, redu-jo el acompañamiento al bajo continuo (algunaexcepción hay, no obstante, que confirma la regla),empleó fundamentalmente el aria estrófica, jugócon las alternancias solistas-coro, trabajó el con-trapunto y hasta incorporó algunas melodías an-tiquísimas y de origen hebreo. El resultado, curio-samente, lo apreció más la posteridad que sus con-temporáneos, y en el siglo XIX fue consideradoel genuino representante del Settecento musicalveneciano, hasta que la deslumbrante resurrec-ción de Vivaldi eclipsó su estrella, relegando sunombre a un discreto segundo plano. AlessandroCasari rompe una lanza en su favor grabando consu grupo Gli Erranti cuatro de sus salmos (X,XIII, XIV y XXXV; vendrán más, se anuncia), re-forzando sin exagerar el coro y el bajo continuo,lo que enriquece las texturas, y con un eficaz cuar-teto vocal, en el que figura la experimentada Eli-sa Franzetti. Y todos logran un bello disco de agra-dable escucha.

El cascarrabiasveneciano

Mariano Acero Ruilópez

Salmos de Benedetto Marcellopor Gli Erranti

BENDETTO MARCELLO (1686-1739): Salmos

Ensemble “Gli Erranti”. Alessandro Casari, órgano y direc-ción / STRADIVARIUS / Ref.: STR 33679 (1 CD) D2

El dilema. ¿Cómo reducir la grandeza de una gra-bación sublime a las dimensiones de una reseña deapenas 1900 caracteres? ¿Cómo hablar de la anchu-ra de un músico escondido –o perdido– entre eltupido bosque de una familia ilustre, en el trayec-to de unas pocas líneas dispuestas en un papel? ElJohann Christoph Bach al que está dedicado estedisco fue primo del padre del Johann SebastianBach a quien reverenciamos día y noche. No fueel único Johann Christoph de la saga y eso le per-judica, porque lo camufla, lo agrupa con otrosBach, que, por buenos que fueran, no eran él. Seadmirarán quienes se adentren en este disco de laprofundidad (ya reconocida en su día por su inal-canzable sobrino) y la belleza infrecuente de sumúsica. Me pedirán –y están en su derecho– unaprueba, un ejemplo. Les daré dos. El Lamento Wiebist du denn, o Gott, cantado, declamado, expresa-do, rezado, como hace mucho tiempo que no escu-ché, al bajo Matthew Brook. ¿Es posible mayoremoción? ¡¿Cómo explicarles la manera en queesta música ha entrado en vida?!

Me dirán que exagero, “Caronte, que te cono-cemos”, “te tenemos calado”, “con Gardiner siem-pre es igual”. Pero deben creerme, no les mentiríacon una cosa así. Concédanme hablarles entoncesdel aria Es ist nun aus mit meinem Leben. ¿Un aria?,me preguntan. Pero no, no es un aria al uso. Es unaria fúnebre, una despedida noble y serena para laúltima escena de nuestra vida, un sencillo y humil-de coral en siete estrofas con un verso en común:“Welt, gute Nacht” (“Mundo: buenas noches”).¿Cabe mayor austeridad? Y, sin embargo, ¿cabemayor belleza?

Yo les invito, o más aún, les reto. Les reto, sí,a que escuchen estas obras como lo hecho yo. Lesinsto a que me quiten la razón. Y si no terminancon los ojos humedecidos en el ritardando finalsobre “gute Nacht” (por ejemplo), tal vez es que nomerezcan esta música.

“Mundo: buenasnoches”

Caronte

Gardiner en un bello recital deJohann Christoph Bach

JOHANN CHRISTOPH BACH (1642-1703): Welt, gute Nacht

Doyle, Fuge, Wilkinson / The English Baroque Soloists. MayaHomburger, concertino. John Eliot Gardiner, director / SOLIDEO GLORIA / Ref.: SDG 715 (1 CD) D2

13antigua 207 / octubre 2011

La figura de Domenico Scarlatti es esencial paraentender el desarrollo de la música para tecla de loscompositores ibéricos del siglo XVIII. Desde su lle-gada a Lisboa en 1719 como profesor de los infan-tes Antonio y María Bárbara y hasta su muerte enMadrid en 1757, el gran maestro napolitano dejóen la península una amplia nómina de imitadoresy al menos dos discípulos aventajados, dos músi-cos que lamentablemente murieron demasiadojóvenes: el navarro Sebastián de Albero (1722-1756)y el portugués Carlos Seixas (1704-1742). A tra-vés de ellos queda mejor contextualizada la rela-ción de Scarlatti con el Padre Soler, a quien elbrasileño Nicolau de Figueiredo dedicó ya un sober-bio trabajo en este mismo sello.

Toca el turno a Seixas, a quien cupo la desgra-cia no ya solo de la muerte temprana sino tambiénla del olvido, en buena parte ocasionado por lapérdida de casi todo su legado como consecuen-cia del gran terremoto de 1755. Sus sonatas paratecla se perdieron entonces por centenares, aun-que unas cien se han preservado en distintas fuen-tes. En la mayor parte de los casos hablamos deobras con dos movimientos en forma bipartita, delos cuales el segundo suele ser un minueto (a vecesglosado) en la misma tonalidad que el primero, unaescritura imitativa bien incardinada en la tradi-ción ibérica del tiento o la fantasía y un trabajosobre la irregularidad del ritmo y la incorporaciónde motivos populares de una riqueza y vitalidad querecuerda sin duda la magia scarlattiana. La selec-ción de Figueiredo recorre tonalidades mayores ymenores, casi jugando con la idea de los estudios,y se asienta en interpretaciones de gran virtuosis-mo, ágiles, vibrantes, ornamentadas con largue-za, pero exquisito gusto, de pulsación nítida, clarasde líneas, magnéticas. No recuerdo un disco dedi-cado a Seixas mejor que éste.

La sombra de Scarlatties alargada

Pablo J. Vayón

Sonatas de Seixas por Nicolaude Figueiredo

JOSÉ ANTÓNIO CARLOS DE SEIXAS (1704-1742): Sonataspara clave

Nicolau De Figueiredo, clave / PASSACAILLE / Ref.: PAS 971(1 CD) D2

En la época de cruciales cambios estéticos que tra-jeron a principios del siglo XVII eso que se ha dadoen llamar Barroco musical, la figura de GiovanniValentini (1582-1649) encaja de forma admirable.Alumno de Giovanni Gabrieli en Venecia, Valen-tini trabajó como organista de la corte polaca an-tes de que en 1614 se convirtiese en maestro de ca-pilla del archiduque Fernando de Habsburgo, aquien seguiría de Graz a Viena una vez que su pa-trón se convirtió en emperador. Su tarea al fren-te de la capilla vienesa le dio fama internacional,haciéndolo aparecer como un modelo hacia el quese giraron muchos de los grandes talentos de laépoca, Schütz y Monteverdi incluidos.

Pero lo que, desde nuestra perspectiva, hacea Valentini un músico paradigmático del momen-to es su tarea compositiva, su apuesta por el vio-lín y por el estilo concertado, que aparece ya en unvolumen de misas de 1617 y, en el terreno profano,en los madrigales que presenta en este disco Ro-land Wilson, estas Musiche concertate editadas en1619, justo el año de la coronación de Fernando IIy el mismo de la publicación del Séptimo Libro deMonteverdi, significativamente titulado Concer-to. Se trata de obras pensadas para distintas agru-paciones de voces e instrumentos, entre las 6 y las10 partes, escritas sobre poemas de temática diver-sa, ya que aunque dominan en ellos las lides amo-rosas, los hay también de contenido cinegético yguerrero. Roland Wilson utiliza a un conjunto deseis solistas de reconocido prestigio en la músicadel período (Rydén, Backes, Potter, Oswald, Bruts-cher, van der Kamp) y combina en su Musica Fia-ta Köln violines con cornetas, trombones, arpas,chitarrones y teclados para dar al conjunto un airebrillante y colorista, que lo mismo se acerca al másdelicado tono pastoral que se agita con la furia delestilo concitato o roza el carácter ligero de los ai-res populares.

El maestro delemperador

Pablo J. Vayón

Musiche concertate, de Valentini,por Roland Wilson

ROBERTO VALENTINI (c.1671-1735): Musiche concertate1619

La Capella Ducale. Musica Fiata. Dir.: Roland Wilson / CPO /Ref.: 777533-2 (1 CD) D2

14 diverdi antigua

No somos los españoles, al menos en cuestionesmusicales, propensos a eso de mirarnos al ombli-go. Si José de Nebra hubiera nacido en cualquierpequeño pueblo francés, hoy habría decenas degrabaciones de sus obras, que se programaríancon harta frecuencia en las mejores salas de con-ciertos de todo el mundo. Pero el bueno de Nebrano tuvo mejor ocurrencia que nacer en Calatayud,así que sigue siendo un gran desconocido, pormucho que en los últimos meses hayan aparecidodos discos suyos: uno, en el sello Alpha, con la

ópera Amor aumenta el valor, interpretada por LosMúsicos de Su Alteza; otro, en el sello ChallengeRecords, con cantatas sacras, a cargo de la sopra-no María Espada y Al Ayre Español.

Los directores de estos dos grupos, LuisAntonio González y Eduardo López Banzo, ara-goneses como Nebra, han hecho mucho por reivin-dicar la enorme figura de este músico. No les haido a la zaga Emilio Moreno, a quien debemos laprimera interpretación en tiempos modernos, haceya nueve largos años, de la antes mencionada Amoraumenta el valor. Con su Concierto Español y conun esplendoroso quinteto de voces femeninas,Moreno interpretó en diciembre de 2010, en Leóny en Soria, otra obra señera de la producción deNebra, la zarzuela Para obsequio a la deydad, nun-ca es culto la crueldad, y Iphigenia en Tracia. Deaquellas dos jornadas salió el álbum que ahora pre-senta Glossa.

Iphigenia en Tracia fue estrenada el 15 de ene-ro de 1747, en el madrileño coliseo de la Cruz, pocodespués de que Nebra entrara al servicio del reciéncoronado Fernando VI. Fue prácticamente su adiós

a la escena, pues después de esta obra sólo vinie-ron otras dos (Antes que zelos y amor, la piedad lla-ma al valor y Achiles en Troya; yNo hay perjurio sincastigo), ya que sus nuevas obligaciones le hicieroncentrarse en la música sacra. Las zarzuelas, espec-táculo que alternaba el elemento hablado con elcantado, solían tener lugar en verano, pero FelipeV había fallecido en julio y el obligado luto habíaparalizado toda actividad escénica en la corte, porlo que el estreno de Iphigenia en Tracia hubo dedemorarse varios meses.

Consta de 24 números musicales, entre ober-tura instrumental, coros a cuatro voces, italianasparejas de recitados y arias, piezas de aire hispa-no (como el duetto burlesco de Mochila y Cofieta,dos de los personajes cómicos que surgen en mediode la trama) y seguidillas igualmente castizas. Ellibreto es de Nicolás González Martínez, que sebasó en el drama mitológico de Eurípides Ifigeniaen Táuride (despistado debía de andar el meritadolibretista para confundir Táuride con Tracia). Narralas peripecias de Orestes, quien, tras vengarse cum-plidamente de los asesinos de su padre, Agamenón,es perseguido por las Erinias. Orestes busca refu-gio en el templo de Apolo, en Delfos, donde lapitonisa no es otra que su hermana Ifigenia, que leordena que para expiar el crimen lleve a Atenas laimagen de Diana.

La interpretación es antológica, lo mismoque la toma sonora, en directo (se nota la manode Manuel Mohino, mitad ingeniero de sonido,mitad mago). Las sopranos Marta Almajano(Ifigenia) y María Espada (Orestes) están sublimes,realzando de forma primorosa la majestuosidadde los dos roles protagónicos. Extraordinariaresulta asimismo la labor de las sopranos RaquelAndueza (Dircea y Mochila) y Soledad Cardoso(Polidoro), y de la mezzo-soprano Marta Infante(Cofieta). El Concierto Español, por su parte,suena igual de bien que siempre o, acaso, mejor,porque con el paso del tiempo esta orquesta ha idoganando en aplomo, serenidad, seguridad y mesu-ra, sin caer jamás en estériles estridencias o absur-das extravagancias.

Ciclópeo Nebra

Eduardo Torrico

Emilio Moreno firma una antológica versión de Iphigenia en Tracia

JOSÉ DE NEBRA (1702-1768): Iphigenia en Tracia

Marta Almajano, María Espada, Raquel Andueza y SoledadCardoso, sopranos. Marta Infante, mezzo-soprano. ElConcierto Español. Emilio Moreno, director / GLOSSA / Ref.:GCD 920311 (2 CD) D4 x 2

El guitarrista Pierre Pitzl acompañado por el gru-po que dirige, Private Musicke, en su configuraciónde instrumentos de cuerda pulsada –tres guitarras,tiorba y colascione– a los que se unen un violonche-lo y un percusionista, registra aquí una hermosaantología de música italiana del siglo XVII paraguitarra. Aunque en las notas se defiende la italia-nidad general del repertorio, articulando la selec-ción de piezas de Corbetta, Foscarini, Calvi,Matteis y otros menores y menos representados,figura una serie de obras del libro Instrucción demúsica sobre la guitarra española (Zaragoza, 1674)del guitarrista aragonés Gaspar Sanz (1640-1710).Creo, en consecuencia, que sería más justo pre-sentar el disco como de música italiana y españo-la porque tal cosa son las paradetas, el matachín olos canarios de Sanz que cierran con toda su bri-llantez el programa grabado, como española es lailustración a sangre del cuadernillo que no es otraque la “Tabla para saber cuál dedo ha de tocar lacuerda y en qué traste” del enigmático y avanza-do método Guitarra española (1596?) de Joan CarlesAmat, pero eso no son cuestiones que me preocu-pen lo más mínimo. Lo importante es la belleza deuna interpretación clara que actualiza con interésmúsica de un instrumento con formas de vihuelaque los italianos bautizaron como “español” paradiferenciarlo de su chitarra italiana con cuerpo delaúd. Música sencilla y graciosa que agradece estasinterpretaciones mesuradamente enfáticas. La pro-pia esencia de una música que gira en torno a esque-mas circulares muy cerrados, unida a la lecturapausada de Pitzl y el énfasis en los bajos y percu-siones imaginativas hace de esta lectura una expe-riencia sedante y, al tiempo, entretenida y grata.Especialmente, destacaríamos el Balletto fatto nellaBariera sopra la Sala di Bologna de Corbetta conel que comienza el disco y, sobre todo, la Tarantellade Sanz que, dentro de los límites del género, esun espectáculo.

Italiana… y española

Javier Suárez-Pajares

Músicas para guitarra del XVIIpor Private Musicke

IL LABIRINTO DELLA CHITARRA: Música italiana para guita-rra del s. XVII

Private Musicke. Pierre Pitzl, guitarra y dirección / ACCENT/ Ref.: ACC 24239 (1 CD) D2

““El Concierto Español suena igual de bien quesiempre o, acaso, mejor, porque con el paso deltiempo esta orquesta ha ido ganando en aplomo,serenidad, seguridad y mesura.””

15antigua 207 / octubre 2011

Karina Gauvin y Marie-Nicole Lemieux, además de ser grandes conocedoras de la música de Haendel,son compatriotas y buenas amigas. No puede haber, pues, entre ellas una rivalidad malsana como laque en la década de 1720 mantuvieron en la escena londinense Senesino y la Cuzzoni (a los que, comoeran pocos divos, se sumó la Faustina), que obligó a Haendel a hacer encaje de bolillos musical para noherir sus vanidosas sensibilidades... Si el repertorio de esta antología haendeliana en el que ambas par-ticipan está equilibrado casi al milímetro –cinco arias para la soprano, cuatro para la contralto y seisdúos– es simplemente por lógicas razones relacionadas con gustos y necesidades modernos. PorqueGauvin y Lemieux, Lemieux y Gauvin son en este registro dos colaboradoras perfectamente compe-netradas y bajo la dirección de Alan Curtis –el director en activo con más nutrida discografía del com-positor– firman un disco espléndido.

La música pertenece enteramente a la última etapa creativa de Haendel, cuando tras abandonardefinitivamente la ópera y vivir el breve paréntesis dublinés, se entregó de lleno a la composición deoratorios en lengua inglesa, su gran aportación a la historia de los géneros musicales. Que aún habríapodido ser mayor, de no haber rechazado el público londinense el experimento representado por Semeley Hércules, gigantesco paso adelante en la concepción de la dramaturgia musical, anticipadora de nue-vas fórmulas. Hércules, precisamente, aporta un fragmento, mientras que los restantes pertenecen a ora-torios propiamente dichos, desde Joseph ans his brethren, de 1743, a Theodora (1749), con algunasincursiones en dos de los Oratorios de victoria. Música, pues, siempre hermosa y de alta calidad en laque predominan los tiempos lentos o relativamente reposados, prescindiéndose de las grandes ariasagitadas y de bravura, mas sin faltar momentos para el lucimiento de ambas cantantes en este campo,como “Prophetic raptures swell my breast”, de Joseph..., brillantemente desgranada y ornamentada porGauvin o “Destructive war”, de Belshazzar que abre el disco (pide, además, trompetas y timbales) y “Furywith red-sparkling eyes”, de Alexander Balus, con acusados e interesantes contrastes internos, canta-das con rica flexibilidad por una Lemieux sobrada de facultades. Por lo demás, la clara y cautivadoravoz de Gauvin se llena de tierna sensualidad “Crystal streams in murmurs flowings” (Susanna), sereviste de dulzura sufriente en el lamento de Iole por la muerte de su padre (Hércules) y se desgarra dedolor en el aria de Salomon. Lemieux expresa con aterciopelado timbre su esperanza amorosa en “Fairvirtue shall charm” (Alexander Balus) y asume la esperanzada alegría de vivir de Irene en “As with rosysteps the morn” (Theodora). Y en los dúos, las cualidades e inmensa musicalidad de ambas se funde yse hace una, logrando momentos memorables, como el “Streams of pleasure” que da título al disco yhaciendo de él uno de los mejores registros de dúos haendelianos que puedan encontrarse.

Memorable Haendel

Mariano Acero Ruilópez

Naïve presenta un sugestivo disco de arias y dúos con Karina Gauvin yMarie-Nicole Lemieux dirigidas por Alan Curtis

STREAMS OF PLEASURE: Arias y dúos de Haendel para soprano y contralto

Karina Gauvin, soprano. Marie-Nicole Lemieux, contralto. Il Complesso Barocco. Alan Curtis, director / NAIVE / Ref.: V 5261(1 CD) D1

““Gauvin y Lemieux,Lemieux y Gauvinson en este registrodos colaboradorasperfectamentecompenetradas ybajo la dirección deAlan Curtis firman undisco espléndido.””

16 diverdi antigua

André Campra, el compositor teatral más impor-tante de Francia entre Lully y Rameau, introdujouna bocanada de aire fresco en el anquilosado tea-tro lírico galo, centrado en un género, la tragédieen musique, que, tras la muerte de Lully, su inven-tor, había entrado en crisis ante su incapacidadpara evolucionar, evolución que sólo llegó con lafulminante aparición de Rameau en la AcadémieRoyal de Musique treinta años después, a pesarde las obras maestras compuestas por Charpentier,Marais y el propio Campra. La renovación, pues,sólo podía venir de la mano de la creación de nue-vos géneros: primero la pastoral heroïque–de hecho,la última obra representada de Lully, Acis & Galatée,pertenece a esta especie– y, posteriormente, la opé-ra-ballet y la comédie lyrique, ambas hijas legítimasde nuestro compositor, llamadas a tener inmensafortuna el siglo siguiente. Tras L’Europe Galante(1697), Campra compone dos años después LeCarnaval de Venise, que, a pesar de la presentaciónde la edición discográfica que hoy comento, no esuna ópera ballet, sino una comedia lírica, ya quedesarrolla una trama continua en sus tres actos.En esta obra, su libretista, Jean-François Regnard,presenta una verdadera historia de “teatro dentrodel teatro”, de manera que, en el prólogo, apareceel organizador del espectáculo teatral mientras,para su desesperación, los operarios tratan de ter-minar decorados y escenario a contrarreloj, reci-biendo para ello la ayuda de Minerva. Los tresactos desarrollan una historia muy sencilla, situa-da en Venecia, durante el carnaval, en la que lapareja formada por Isabel y Leandro sufre el aco-so –a veces bastante criminal– de sus respectivosex. Los amantes huyen finalmente aprovechandola representación de Orfeo nell’ inferni, culminan-do la obra con un divertissement carnavalesco.

Es una alegría poder escuchar al gran Campraen una de sus obras más emblemáticas y visiona-rias. Con melodías mucho más generosas que Lully,se aprecia desde la obertura un desparpajo inexis-tente en la tragedia lírica, que mantiene siempre susolemne dignidad; pero no por ello renuncia a latradición de los grandes monólogos, como los queabren cada uno de los actos, de gran profundidad

y dramatismo. Destaca igualmente el magníficoacompañamiento orquestal a lo largo de toda laacción y el dinamismo de la mayoría de las danzasque cuajan la composición. Y algo especial: lamanera en que Campra imita el estilo italiano enel Orfeo, genial mezcolanza de italianismos y gali-cismos musicales de lo más atractivo.

Hervé Niquet, tras sus magníficas incursio-nes discográficas en Rameau, Boismortier,Clérambault, Marais, Destouches y Lully vuelve ala carga con una –hay que decirlo ya– extraordina-ria grabación de esta obra crucial. El director pari-sino y su excelente Concert Spirituel aportan suconocida oscuridad y densidad sonora, obtenidano sólo a través del uso del diapasón francés(La=392 Hz.) sino también mediante el predomi-nio de las voces intermedias y graves sobre las agu-das, siguiendo así la práctica interpretativa francesaen su pureza. Además, Niquet aporta elementos desu propia cosecha que acentúan la densidad, cre-ando una mixtura especialmente pastosa merceda una fantástica articulación y un excepcionalempaste de las cuerdas y las maderas. Su direc-ción es vivaz, urgente y chispeante, saltarinamuchas veces, aportando su conocida contunden-cia –que no brusquedad–, agresividad y teatrali-dad, de manera que, a pesar de tratarse de unagrabación sonora, uno puede “ver” constantemen-te la acción. El reparto, sin grandes nombres, comoes costumbre en Niquet, cumple sobradamente sucometido, destacando la Isabel de Salomé Hallery ambos basse-tailles (Andrew Foster-Williams yAlain Buet) como Leandro y Rodolfo. Ningunotiene una voz de esas que le dejan a uno boquiabier-to, pero se nota que han trabajado mucho sus pape-les y los realizan divinamente, en particular en elaspecto estilístico y dramático.

En conclusión: una grabación imprescindi-ble de verdad para todo amante, aficionado o inte-resado en la ópera barroca francesa.

Un carnaval revolucionario

Javier Sarría Pueyo

Glossa presenta una extraordinaria grabación de Le Carnaval de Venisede Campra a cargo de Hervé Niquet y Le Concert Spirituel

ANDRÉ CAMPRA (1660-1744): Le Carnaval de Venise (ópe-ra-ballet)

Salomé Haller, dessus. Marina De Liso, bas-dessus. AndrewFoster-Williams, basse-taille. Alain Buet, basse-taille. MathiasVidal, haute-contre. Sarah Tynan, dessus. BlandineStaskiewicz, bas-dessus. Luigi De Donato, basse / LeConcert Spirituel. Hervé Niquet, director / GLOSSA / Ref.:GCD 921622 (2 CD) D4 x 2

Sigiswald Kuijken no parece resignarse a figuraren los anales musicológicos sólo como uno de lospioneros y santones de la interpretación historicis-ta, y sigue entregado apasionadamente a la causade su más querida recuperación del instrumenta-rio de época: el violonchelo da spalla. Su principalobjetivo es, sin lugar a dudas, la obra de JohannSebastian Bach, pero no elude enfrentarse a otroscompositores cuyas partituras pueden prestarsea la nueva distribución, aunque en ocasiones yalas hubiera registrado en su día en interpretacio-nes que hoy se le deben de antojar excesivamenteconvencionales. Las cuatro estaciones vivaldianas,por ejemplo, están en este caso. Hoy, de nuevo enAccent, vuelve con Vivaldi y su hermosa Opus X,rematada con otros dos conciertos, para flauta (RV783) y dos flautas (RV 533). Naturalmente, justifi-ca en el libreto la adopción de este instrumentoformalmente más parecido a la viola que al cheloconvencional, que se toca al aire como aquélla ycuyo timbre difiere sensiblemente de la grave vozde éste. Sin entrar en el rigor de su argumentación–habrá, por supuesto, quien la discuta–, sí quierosubrayar, en primer lugar, que la necesidad de noahogar al instrumento en cuestión, obliga a adop-tar una formación estrictamente camerística –LaPetite Bande es realmente petite: seis miembros–,lo que otorga a la interpretación una gran transpa-rencia; que Barthold Kuijken –para muchos, el másbrillante de los tres hermanos– sigue estando enforma, al igual que Frank Theuns, su compañeroen el RV 533; que los demás músicos son de primernivel; que la interpretación, de tiempos nada arre-batados, es muy elegante... Si añaden que, perso-nalmente, el timbre del violonchelo da spalla meresulta grato, concluirán que he disfrutado muchocon este disco.

Vivaldi da spalla

Mariano Acero Ruilópez

Su Opus X y otros conciertos paraflauta por los Kuijken

ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Conciertos para flauta

Barthold Kuijken, flauta travesera. La Petite Bande. SigiswaldKuijken, director y violoncello da spalla / ACCENT / Ref.:ACC 24241 (1 SACD) D1

17antigua 207 / octubre 2011

El nombre de Heinz Holliger está estrechamenteligado a la recuperación discográfica de la músicabarroca para oboe. Algunos recordarán su pione-ra grabación de las espléndidas sonatas de Zelenka(Archiv, 1973). Ya en la década de los ochenta, elsello Philips le encomendó la grabación de los másimportantes conciertos para oboe de Bach, Vivaldi,Albinoni, Telemann y otros autores menos cono-cidos. Por ese canal fue como muchos oyentesempezaron a familiarizarse con estas piezas, loque convirtió a Holliger en una referencia en esterepertorio. Aquel Bach, aquel Vivaldi, aquelTelemann y aquel Albinoni llegaban de la manode un concepto sonoro encarnado por gruposcomo I Musici o la Academy of St. Martin-in-the-Fields, conjuntos que eliminaban de la música delsiglo XVIII la cargante pátina sinfónica de lectu-ras añejas y la enmarcaban en texturas más lige-ras aunque siempre plenas y redondas, imbuidaspor un sano y controlado hedonismo. Se tratabade un acercamiento asentado todavía en el uso deinstrumentos modernos y fraseos tradicionales,algo que hoy en día suena irremediablemente anti-cuado pero que aún pueden ofrecer al oyente nodogmático momentos de gozoso disfrute.

La reciente reedición en el sello Newton demuchas de aquellas grabaciones sugiere una inte-resante comparación con este nuevo registro dela música concertante para oboe de Bach queHolliger protagoniza junto a la Camerata Bernpara ECM. Primera y sorprendente constatación:el paso del tiempo no ha mermado en absoluto eljuego instrumental de Holliger. A sus setenta ypico años, el suizo mantiene un excelente sonido,su técnica no muestra fallos o titubeos, los dedosfluyen con naturalidad y corren cuando la músicaasí lo requiere. El enfoque, en cambio, ha sufridouna significativa evolución. No es para menos.Mucho ha llovido en los treinta últimos años en elámbito de la interpretación barroca y un artistaconcienzudo como Holliger no puede ignorarlo. Notanto como para ponerse a tocar un oboe barro-co, pero sí como para añadir ornamentaciones noescritas en la parte melódica, rodearse de unaorquesta de instrumentos modernos pero con arcos

barrocos y cuerdas de tripa, y ponerse a las órde-nes de Erich Höbarth, violinista muy ducho en lapráctica historicista, en cuyo currículum destacanimportantes colaboraciones con NikolausHarnoncourt y Christophe Coin.

El núcleo del programa lo conforman losConciertos BWV 1055, 1059 y 1060 (todos ellosreconstrucciones de originales perdidos), entre losque se insertan a modo de cuñas las Sinfonías delas Cantatas BWV 12 y 21, y el Adagio de la Sinfoníadel Oratorio de Pascua. En estos breves episodios,elevados aquí a categoría de espirituales medita-ciones, cabe encontrar quizá la cumbre expresivade un disco por otra parte modélico desde la pri-mera nota hasta la última. Un auténtico festínbachiano que aúna frescura y profundidad; elespléndido otoño de un oboísta que sigue ofre-ciendo muestras indiscutibles de su enorme talen-to interpretativo. Como guinda, el Concierto paraoboe de Alessandro Marcello, que Bach transcri-bió en sus años juveniles para clave.

El espléndido otoño de Holliger

Stefano Russomanno

El genial oboísta suizo regresa a Bach para ECM

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Conciertos y sinfo-nías para oboe

Heinz Holliger, oboe. Camerata Bern. Erich Höbarth violín ydirección / ECM RECORDS / Ref.: ECM 2229 (1 CD) D1

foto © Priska Ketterer

Cuando ha completado ya las tres cuartas partesde su gigantesco proyecto bachiano –aproximada-mente, 175 cantatas religiosas grabadas en casimedio centenar de discos– el japonés HidemiSuzuki no muestra el más mínimo signo de desfa-llecimiento. Y esta nueva entrega –digámoslo rápi-damente– está en el nivel de excelencia de susinmediatamente anteriores. Reúne cuatro de lascantatas que en 1728-1729 compuso Bach sobreletra de Picander; o más bien, cuatro de las conser-vadas, que ya se sabe que la hipótesis de que pudohaber un ciclo anual completo o casi completo flo-ta siempre en el aire. Y comienza a maravillarnosdesde el primer momento de la escucha, con unaespléndida intervención orquestal en la sinfoníaintroductoria de la BWV 188, reconstruida a par-tir de un movimiento del concierto BWV 1052–Suzuki incluye en el folleto unas interesante pre-cisiones técnicas sobre la opción elegida–. Vendránluego unos solistas instrumentales de categoría:el propio Suzuki al órgano en la citada sinfonía oMasamitsu San’nomiya, notabilísimo en sus nume-rosas intervenciones con el oboe. Y los cuatro solis-tas vocales, reputados especialistas, asumenbrillantemente su cometido. El tenor Gerd Türkborda, por ejemplo, su larga aria de la BWV 188.Rachel Nicholls tiñe de gracia su intervención enla BWV 171 y ofrece en el dúo de la BWV 159 el con-trapunto perfecto al contratenor Robin Blaze, quedestaca en otras dos intervenciones solistas. YPeter Kooij, además de decir muy expresivamen-te sus recitativos, nos conmueve en su dolientearia de la BWV 159. Y dando unidad al conjunto,la fuerza y el fervor de Suzuki. Ya sé que a estas altu-ras no descubro nada, pero constatarlo una vezmás. siempre reconforta.

Bach y Picander

Mariano Acero Ruilópez

Volumen 49º de la integralde cantatas por Suzuki en BIS

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Cantatas, vol. 49(NºS. 156, 159 Y 171)

Rachel Nicholls, soprano. Robin Blaze, contratenor. GerdTürk, tenor. Peter Kooij, bajo. Bach Collegium Japan.Masaaki Suzuki, director / BIS / Ref.: BIS SACD 1891 (1SACD) D3

18 diverdi entrevista

Desarrollando un extenso repertorio...

La amplitud del repertorio de Invernizzi, y sobretodo cuando de música italiana se trata, es real-mente asombrosa, como lo es su inmensa facilidada la hora de abordar los desafíos de cada una de laspartituras con las que se enfrenta. ¿Y cómo ve ellala dura labor requerida para ello? “Desde mi infan-cia, siempre me he sentido atraída por la músicaantigua. De hecho, empecé a desarrollar y alimen-tar esta pasión desde el primer momento en quecomencé a cantar.” Para ella, el placer y la atracciónde cantar esta música y de participar de forma tanactiva en el redescubrimiento actual de repertoriosolvidados reside “en el continuo descubrimientode las diferencias en los estilos compositivos”. Y,como añade, “existe el placer añadido de cantaren italiano; para mí, es como sentirme en casa”. Enun sentido mucho más pragmático Invernizzi con-tinúa diciendo que “la habilidad de leer a primeravista ha resultado ser extremadamente importan-te en mi carrera, y en especial cuando ha sido la úni-ca manera de afrontar sustituciones de última horacuando alguna otra cantante ha tenido que aban-donar una producción...”.

A lo largo de los años, Invernizzi ha inspira-do innumerables comentarios entusiastas por par-te de la crítica, comentando desde “la intensidady delicadeza, su control de la afinación y el fraseo”en arias de Leonardo Vinci hasta el “intenso res-plandor del tono” en su papel de la Belleza en IlTrionfo del Tempo e del Disinganno de Haendel, oaprobando sin reservas su sensibilidad, refina-miento y sutileza. Y cuando Invernizzi apareció enel escenario del Teatro Real para una versión enconcierto de la Agrippina haendeliana, hace dosaños, Santiago Martín Bermúdez comentó de suretrato de Nerón que su voz de soprano lírica lige-ra tenía “una coloración preciosa, con una agilidadextrema en las ornamentaciones, en la vocaliza-ción, en los agudos...”.

Haendel y el Campra “italiano” con FabioBonizzoni...

Uno de los directores con los que RobertaInvernizzi ha trabajado con mayor frecuencia ycon un éxito notable ha sido el también milanésFabio Bonizzoni, clavecinista, organista y direc-tor de la orquesta barroca La Risonanza. Bonizzonirecuerda que sus primeros conciertos juntos datande cuando ambos eran estudiantes de música (“haceunos pocos años”, como dice caballerosamente).Después de aquellos primeros tiempos, señala,“dimos algunos de nuestros primeros conciertosprofesionales juntos, después realizamos con LaRisonanza algunas de nuestras primeras graba-ciones, y desde entonces nuestra colaboración ynuestras carreras se han desarrollado de una for-ma paralela y sin fisuras, según me parece”. Y contoda la experiencia acumulada por Invernizzi,¿cómo valora Bonizzoni su talento en la actuali-

Roberta Invernizzi

Mark Wiggins

“Desde mi infancia, siempre me he sentido atraída por la música antigua”Diverdi analiza la trayectoria artística de la nueva musa del barroco

Roberta Invernizzi es muy claramente una de las mejores sopranos que se pueden escu-char hoy día en el repertorio barroco –y especialmente el italiano–, algo evidente antela deslumbrante belleza que aporta a sus papeles vocales, muchos de ellos aborda-dos en disco y en concierto por otras cantantes de gran prestigio, pero también por suespecial sentido a la hora de caracterizar muchas músicas hasta ahora desconocidasde los siglos XVII y XVIII. El redescubrimiento de tanta música italiana en los últimosaños es el reflejo de la intensa labor y el arte de numerosas mentes inquietas, pero comouna suerte de prima donna inter pares, la soprano milanesa destaca por la intensidadde sus planteamientos, hasta el punto de que está emergiendo como una nueva musapara otras distinguidas figuras del Barroco italiano como Fabio Bonizzoni o AntonioFlorio, que aportan en este artículo sus propias consideraciones acerca de las cualida-des artísticas de Roberta Invernizzi, que se añaden a los esbozos que la propia sopra-no nos suministra acerca de su vida musical.

Resulta maravilloso que, tras tanto trabajo “en equipo”, Invernizzi se encuentre aho-ra emergiendo en disco como una estrella individual de pleno derecho; el nuevo lan-zamiento en Glossa del pastiche Gli strali d’amore, con música de André Campra,significa un claro movimiento de la soprano a primerísimo plano, y hay nuevos proyec-tos dentro del mismo sello que apuestan por su reivindicación como protagonista prin-cipal. Aquí estamos, en efecto, ante una voz de soprano que nos trae a la memoria lasactividades de un Haendel, un Vivaldi o un Leonardo Vinci componiendo para las vir-tudes de sus propias musas, algo tan vivo en el siglo XXI como lo estuvo hace tres omás siglos.

Visitemos pues, en este retrato, el lado musical de esta musa que, tras haber par-ticipado en no menos de 80 grabaciones a lo largo de su carrera, ve cómo sus segui-dores en sitios como Facebook y YouTube reclaman más, mucho más...

foto © RibaltaLuce Studio

19entrevista 207 / octubre 2011

dad? “Tiene una voz hermosa, y es muy intuitivay espontánea. Así, tiene todas las cualidades típi-cas de una buena voz y una buena técnica, pero loque quizás resulte más impactante es su clara com-prensión de los papeles dramáticos.” La músicadramática, ya sea la ópera u otras formas habitua-les en el Barroco, es algo que resulta claramenteatractivo para Invernizzi, pues, como dice, “paramí lo más importante es la caracterización musi-cal y la teatralidad de los diferentes papeles; ¡es loque me atrae de toda esta música!”

Y es este sentido del drama lo que caracteri-za la participación de Roberta Invernizzi en la másreciente grabación de Bonizzoni para Glossa, unpasticcio operístico de título Gli strali d’amore, conarias de André Campra y recitativos preparados porel propio Bonizzoni junto con Angela Romagnoli,musicóloga especializada en libretos de los siglosXVII y XVIII. Las arias italianas para esta peque-ña ópera están tomadas de las óperas francesas deAndré Campra, nacido en Aix-en-Provence, perodebe mencionarse que su padre Jean-François (ciru-jano y violinista) nació en Turín y que André esta-ba tan instruido en el estilo italiano como muchosotros compositores franceses de la época, espe-cialmente desde que la muerte de Lully en 1687había significado el levantamiento de la prohibiciónde la música italiana en Francia.

Bonizzoni resume así el argumento de Glistrali d’amore: “Es básicamente una historia muytípica de los siglos XVII o XVIII. Hay tres perso-najes: una mujer y dos hombres. Los dos hombres–el joven Lelio y el maduro Doctor– están enamo-rados de la bella Leonora. Ella únicamente ama alprimero de ellos, pero el Doctor no pierde la espe-ranza de que ella acabe enamorándose también deél. Y en este sentido, intenta convencer a Leonorade sus cualidades. Ella se encuentra en ocasionesadulada, pero en otras muy irritada. Hay un finalfeliz (de nuevo un topos tomado de los libretos dela época) en el que Leonora reafirma su amor porLelio, y el Doctor reconoce que ello es el verdade-ro deseo de Leonora, se declara feliz por ambos yles proporciona protección.”

Este pastiche operístico se centra en su per-sonaje femenino y por tanto parece hecho a lamedida de Roberta Invernizzi. Al respecto,Bonizzoni indica que ello es completamente cier-to, ya que “Leonora es el centro de la historia, yRoberta es sobradamente capaz de expresar todas

las emociones implicadas, pero mientras la cono-cemos sobre todo por la belleza de su voz y la faci-lidad con la que canta las arias expresivas y decoloratura, es igualmente expresiva en los recita-tivos. Realmente, disfruté muchísimo componien-do los recitativos expresamente para ella,conociendo su voz y su personalidad. Realmentesentí que estaba en el papel de un compositor queno solo ponía en música la historia que estaba fren-te a él, sino que sabía con exactitud para quiénestaba componiendo. Ello realmente influye lamanera de escribir, porque no solo se imagina lamúsica o el sonido, sino la persona concreta queestá cantando. Así que esto ha sido una experien-cia maravillosa para mí, parecida a la que debióvivir Haendel (por nombrar a un compositor queme resulta muy cercano) cuando, durante su estan-cia en Italia, escribió para cantantes como la sopra-no Margherita Durastanti.”

Uno de los proyectos concertísticos y disco-gráficos de mayor éxito en los últimos años ha sidola serie de cantatas italianas de Haendel con acom-pañamiento instrumental, en la que RobertaInvernizzi ha participado en nada menos que nue-ve de las cantatas escritas por el compositor entre1706 y 1710 (una selección de las arias se puedeescuchar en la reciente edición de un álbum doblede Glossa dentro de su colección “Portrait”). ¿Quées lo que llevó a Bonizzoni a implicar a Invernizzide esta manera en lo que acabó siendo una multi-premiada colección de siete títulos, todos paraGlossa? “Como ya he dicho, Durastanti fue lasoprano favorita de Haendel cuando estaba com-poniendo estas cantatas, y la mayor parte de ellasfueron compuestos precisamente para ella. Viendola escritura de estas cantatas y conociendo la vozde Roberta llegué a la conclusión de que su mane-ra de cantar debía estar muy próxima a lo que habíasido la de Durastanti, porque las partes escritaspor Haendel para ella eran simplemente perfectaspara sus cualidades. Así que pensé, sin dudarlo,que Roberta era la mejor cantante posible paraesta música. Es una presencia fortísima dentro deeste trabajo en equipo que es la colección de can-tatas de Haendel, y una oportunidad para la gen-te de disfrutar de ella en plena forma.” DavidVickers, en su reseña para Gramophone del pri-mer volumen de la colección, ya señalaba queInvernizzi “revive con toda la intensidad el senti-do dramático de la poesía, a la vez que nos regala

una coloratura milimétricamente perfecta y unfraseo lleno de estilo”.

Aunque estas cantatas habían sido grabadasde forma individual con cierta frecuencia, lo cier-to es que habían permanecido en un estado deletargo y minusvaloración dentro de la produc-ción de Haendel hasta el mismo momento en queBonizzoni y su equipo de cantantes e instrumen-tistas aportaron sus precisas –y muy italianas–cualidades a la interpretación de estas obras. Ycuál no sería la cautela y el recelo ante este reper-torio si incluso la propia Invernizzi comenta aho-ra que “aunque el éxito de este proyecto me haproporcionado un gran placer, lo cierto es quetambién me he sentido bastante sorprendida”...

Hacia el Sur, a Nápoles con AntonioFlorio...

Roberta Invernizzi también ha participado en otrade las grandes aventuras en torno a la música ita-liana que se ha producido en años recientes, laexploración de la vida musica en la Nápoles delBarroco (a la que, en tiempos en los que aún que-daba lejos la unificación italiana, se la considera-ba en el campo musical como una capital inclusomás importante que Roma) durante y después deldominio español. La sola mención de AntonoFlorio y su conjunto I Turchini (anteriormente lla-mado Cappella della Pietà de’ Turchini), cuyas gra-baciones fueron editadas por sellos comoSymphonia y Opus 111 (Naïve) antes de llegar aGlossa, evoca de inmediato esas dos décadas, entre1990 y 2010, en que nombres de compositores pre-viamente desconocidos incluso para los aficiona-dos más informados emergieron a través deinterpretaciones frescas e idiomáticas. Nombrescomo Francesco Provenzale, Giuseppe Cavallo,Cristofaro Caresana, Leonardo Vinci, LeonardoLeo, Gaetano Latilla o Niccolò Jomelli están hoyen boca de todos gracias a Florio y sus colabora-dores... “Durante aquellos años tan emocionan-tes, estuvimos poco a poco sacando a la luz unterritorio musical que había permanecido com-pletamente inexplorado hasta este momento.Contar para ello con una intérprete –y es muyimportante enfatizar esto– tan entusiasta comoRoberta Invernizzi fue, simplemente, algo fantás-tico. Ella, además de Pino De Vittorio, represen-taba a la perfección los aspectos más destacados,característicos y contrastantes de este repertorio.”Un buen recuerdo de esta época inicial vendrá dela mano de un inminente estuche triple editadopor Glossa, Il Canto della Sirena, que recoge tresde las primeras grabaciones de Florio para el selloSymphonia, con el protagonismo destacado de esecantante y actor tan carismático que es Pino DeVittorio.

““Disfruté muchísimocomponiendo losrecitativosexpresamente paraella, conociendo su vozy su personalidad.””(Bonizzoni)

foto © Marco Borggreve

20 diverdi entrevista

Preguntamos a Invernizzi acerca de su propiacontribución al trabajo de Florio y de la impor-tancia de éste en nuestra percepción actual de lamúsica barroca de Nápoles. “Su pasión y determi-nación los ha convertido en los máximos expertosy comunicadores de la música napolitana a nivelmundial. No puedo sino tener el máximo respetoy gratitud por habernos descubierto tanta músicatan bella.”

Antonio Florio, por su parte, recuerda lacolaboración con Invernizzi con gran entusias-mo. “Cuando nos encontramos por primera vez,quedé prendado de inmediato por su musicali-dad y su madurez, a pesar de ser tan joven.Recuerdo con especial cariño su participación enLa colomba ferita de Provenzale y en Li Zite’Ngalera de Vinci. Para estas obras, aprendió elnapolitano, con todas sus especiales acentuacio-nes y sutilezas, con una destreza sorprendente. Enesta misma línea se sitúa Pulcinella vendicato deGiuseppe Paisiello, donde su actuación fue igual-mente extraordinaria, tanto desde el punto de vis-ta estrictamente vocal como desde el de su sentidodramático.” Su gran habilidad para los aspectostextuales se demostró adicionalmente en sus pasa-jes en calabrés, también en La colomba ferita,mientras que en la La finta cameriera, ópera bufade Latilla fechada en 1738, tuvo que cantar en tos-cano. Merecidos elogios han acompañado tambiénsu participación en Napoli/Madrid, disco conmúsica de Vinci que aún se encuentra disponibleen Naïve.

¿Y cuál es la valoración que hace Invernizzi,con toda su experiencia acumulada, de composi-tores como Provenzale, Latilla o Caresana cuan-do se los compara con nombres má conocidos dela misma época como Alessandro Scarlatti oVivaldi? “Para mí, todos ellos están al mismo nivel,y realmente pienso que a veces algunos de estosnapolitanos pueden resultar más soprendentes quesus colegas más conocidos.”

Al hablar del entusiasmo, el brío y el drama-tismo que Invernizzi aporta a sus interpretacio-nes, Florio comenta que “ello proviene del hechode que Roberta es una cantante verdaderamentegrande, y sabe cómo amoldarse con facilidad acualquier situación que requiera la expresión de un

afecto particular, o una explosión de virtuosismo.Para mí, Roberta es la voz del barroco par excellen-ce. Trabajar con ella es siempre, siempre, un enor-me placer.”

Tocamos también con Antonio Florio el siem-pre controvertido tema de la improvisación. “Es unaspecto de la mayor relevancia, porque sin la cre-atividad a través de la improvisación –y sobre todoen la música napolitana del siglo XVII–, este reper-torio perdería gran parte de su significado. El granpeligro que corrimos en su día, y esto es algo queahora veo con claridad, habría sido el de haberimprovisado sin una cuidadosa atención por losdetalles estilísticos, algo que nos habría acercadoa una cierta dejadez y superficialidad, anteponien-do intereses comerciales a certezas musicológi-cas, pero que afortunadamente supimos evitar atiempo. En este sentido, Roberta siempre ha sidomuy flexible y ha sabido capturar sin aparenteesfuerzo el espíritu, el gusto y la expresión inhe-rente a cada música.” En su juventud, Invernizziestudió contrabajo y piano y, aunque ello no la pre-paró para la improvisación, dice que “la improvi-sación es importante en la música barroca y escrucial tener al menos una cierta habilidad paraello, aunque no pienso que ello esté relacionado conla improvisación tal y como la entendemos en eljazz, por ejemplo.”

La contribución de otros directores...

En este retrato del viaje musical de RobertaInvernizzi no podemos olvidar que, además de suintenso trabajo con Antonio Florio y FabioBonizzoni, la soprano ha participado en numero-sísimos proyectos de otros de los principales direc-tores barrocos del momento, y en especial maestrositalianos junto a los que ha aportado más pruebasde su inmensa versatilidad. Rinaldo Alessandrini,sin ir más lejos, ha llamado a la soprano milanesapara participar en tres de sus contribuciones a laEdición Vivaldi de Naïve (las óperas L’Olimpiadey Ottone in Villa–esta última grabada en Valladolid–además de las Vespri per l’Assunzione di MariaVergine), mientras que el “italiano honorario” AlanCurtis ha contado con ella para varias de sus gra-baciones de óperas de Haendel y Vivaldi.

Fabio Biondi es otro de los socios musicalesde Invernizzi de más largo recorrido, desde la gra-bación de 2003 del oratorio La santissima trinitàde Alessandro Scarlatti (editado por Virgin) has-ta las producciones, este mismo año, de La fedene’ tradimenti de Attilio Ariosti en Montpellier ySiena. A Ariosti quizás se le conozca más por sucolorida vida que por su música (siendo un mon-je muy poco “enclaustrado”, viajó por las cortes yciudades de Europa antes de aterrizar en Londrescomo uno de los miembros del “notable triunvira-to” de compositores mencionado por CharlesBurney; los otros dos fueron Bononcini y Haendel).Invernizzi asumió el papel principal en la óperade Ariosti, cuya acción transcurre en la Españamedieval. ¿Y qué impresiones se llevó? “¡Fue unaexperiencia maravillosa! Nunca antes había canta-do música de Ariosti, y fue un gran descubrimien-to para mí. Espero poder cantar alguna otra de susobras pronto.” Y a principios de este año, esa noto-ria habilidad para cantar repertorio desconocidocon estilo y elegancia se dejó asimismo notar en unaproducción dirigida por Kai Wessel en Colonia, IlNarciso, obra de una figura aún más remota denombre Francesco Pistocchi...

El foco se centra en Roberta Invernizzi...

Hasta la fecha, mucho del trabajo discográfico deInvernizzi se ha desarrollado –por muy exigentesque hayan sido sus contribuciones– dentro de con-juntos en los que no era la gran protagonista (loslectores más informados quizás recuerden sus reci-tales en Donne barocche, producción disponible enNaïve, o Come away, come sweet love, un disco dedi-cado a la música de John Dowland publicado porStradivarius). Un desarrollo especialmente esti-mulante es la preparación de nuevos programasque suponen un paso al frente por parte de la sopra-no, que se sitúa decididamente en el centro de losfocos para llevar a cabo, junto a algunos de sus cola-boradores más cercanos, una serie de proyectos enlos que se erige como la máxima protagonista.

Fabio Bonizzoni anuncia que este mes deoctubre se embarca en lo que espera sea una nue-va mini-serie para Glossa que “se centre en Robertacomo gran solista, nuestra cantante estrella, si sequiere, afrontando arias famosas –y algunas menosconocidas– de los grandes compositores, empe-zando por Vivaldi. En las arias más célebres susseguidores tendrán la oportunidad de escuchar ycomparar, si así lo desean. Pero también esperoque esta grabación añada al interés intrínseco depoder escuchar a una de las mejores cantantes dela actualidad el placer de poder descubrir aspec-tos del Vivaldi menos conocido.”

Mientras tanto, Antonio Florio también seha sentido seducido por lo que de musa hay enRoberta Invernizzi, y prepara una nueva graba-ción en torno a ella, asimismo para Glossa.

““Para mí, Roberta es lavoz del barroco parexcellence. Trabajarcon ella es siempre,siempre, un enormeplacer.”” (Florio)

21207 / octubre 2011

La paradoja vivida en la Francia musical del GrandSiècle es bien conocida. El italiano Giovanni Bat-tista Lulli, transmutado en Jean-Baptiste Lully, de-finió e impuso lo que habría de ser estilo dominan-te –llegó a evitar que algún joven aprendiz de com-positor cruzara los Alpes “para que no se le co-rrompiera el gusto”–, correspondiendo a compo-sitores galos la tarea de introducir, más o menostímidamente, los aires italianos en lo que el supe-rintendente concibió como castillo inexpugnable.André Campra (1660-1744), que contaba, por cier-to, con ascendencia piamontesa, fue uno de losque se entregó a la práctica de los Goûts réunis,asociando, al decir de Edmond Lemaître, “el gus-to y delicadeza franceses a la vivacidad de la mú-sica italiana”. Lo hizo fundamentalmente en susobras dramáticas, que mediante la nueva fórmu-la de la opéra-ballet –que él fijó definitivamente–revitalizaron la escena musical francesa en un mo-mento en que la tragédie lyrique lullista perdía alien-to. Y Fabio Bonizzoni, que últimamente anda pro-fundizando en las influencias sureñas en la música francesa, ha entresacado una serie de arias italiani-zantes de una decena de obras de Campra compuestas entre 1697 y 1712 y, cimentándolas con recitati-vos de nueva creación, ha pergeñado Gli strali d’amore, un juguete lírico en el que el joven Lelio (hau-te-contre) y un maduro doctor (bajo) se disputan los favores de la hermosa Leonora (soprano) –típicoargumento bufo italiano–, que completa con la inclusión, a modo de obertura e intermedios, de tressonatas de Louis-Nicolas Clérambault (preciosa, por cierto, la chacona).

Argumento bufo italiano, arias frecuentemente da capo y con letra italiana, aunque compuestaspor un francés y bajo la batuta del padre de la idea, italiano, como se sabe... Precisamente a la inteligen-te dirección se debe que el resultado, que en otras manos habría derivado inevitablemente hacia el de-sastre, sea, purismos intransigentes aparte, literalmente delicioso. A la inteligente dirección y a la de-cisiva contribución de los tres solistas, aunque sea a la soprano Roberta Invernizzi a quien correspon-de el mayor protagonismo (ocho arias y participación en un dúo y en el número de conjunto final). ¿Hayque hablar una vez más de la belleza de su timbre, de su seguridad en las agilidades, de su facilidad paralos agudos? A todo ello hay que añadir su capacidad para vestir de elegancia a la ligera Leonora sin porello perder la gracia y hasta un puntillo de candorosa picardía, dando, por otra parte, rienda suelta a sufina sensibilidad en momentos como Lungi da me, martiri. Cyril Auvity, estrella en firme ascenso en lainterpretación historicista, deja constancia de su solidez técnica, musicalidad y buen gusto en sus bre-ves intervenciones, lo que hacemos extensivo al bajo Salvo Vitale. Repetimos: una encantadora fanta-sía franco-italiana.

Fantasía franco-italiana

Mariano Acero Ruilópez

Gli strali d’amore, un pasticcio de Campra con Bonizzoni e Invernizzi

ANDRÉ CAMPRA (1660-1744): Gli strali d' amore (Divertimento Immaginario)

Roberta Invernizzi, soprano Cyril Auvity, contralto. Salvo Vitale, bajo. La Risonanza. Fabio Bonizzoni, director / GLOSSA / Ref.:GCD 921512 (1 CD) D2

Comenta que “junto con dos musicólogos quesiempre han estado trabajando a mi lado, DinkoFabris y Giulia Veneziano, he diseñado para ella unprograma muy especial en torno al viaje de la can-tante veneciana Faustina Bordoni a Nápoles en1721 y su retorno a la ciudad una década más tar-de. En aquellos años Faustina cantaba con tesitu-ra de soprano (se convertiría más tarde en falcon,una voz más grave), y en Nápoles coincidió congrandes compositores como Alessandro Scarlatti,Francesco Mancini o Domenico Sarro, pero antetodo Leonardo Vinci, del que sería la primera ymás inolvidable intérprete.”

Y para estimular aún más el apetito, espera-remos con paciencia el posible resultado disco-gráfico de la nueva asociación entre Invernizzi yCafé Zimmermann, el conjunto liderado por CélineFrisch y Pablo Valetti. Nos comenta Frisch que“hemos realizado algunos conciertos recientemen-te con Roberta, en los que ha participado en ariasde Haendel y cantatas profanas de Bach”...

Mas allá del barroco...

Y, por último, y a pesar de que nos podríamos sen-tir tentados de pensar que Roberta Invernizzi sehalla a gusto únicamente en el Barroco, resultagratificante observar cómo sus incursiones enrepertorios posteriores cosechan igualmente losparabienes de la crítica, como ha sido reciente-mente el caso con su interpretación de arias deMozart como A questo seno... Or che il cielo con laOrchestra of the Age of Enlightenment. Y en suagenda para el próximo mes se encuentra una citaen la Opéra Royal de Versalles con un programaque incluye más Mozart (de Idomeneo), y músicasde La caravane du Cairede Grétry y de Les deux sous-lieutenants de Henri-Montan Berton.

Toda la discografía deRoberta Invernizzi en

““A la inteligentedirección se debe queel resultado sea,purismosintransigentes aparte,literalmente delicioso.[...] A la sopranoRoberta Invernizzicorresponde el mayorprotagonismo. ¿Hayque hablar una vezmás de la belleza desu timbre, de suseguridad en lasagilidades, de sufacilidad para losagudos?””

foto © RibaltaLuce Studio

22 diverdi antigua / clasicismo

La cosa va de conciertos para piano que no son exactamente para piano y de cuartetos de cámara queen realidad podrían haber sido tríos. Para lo primero no se requiere de mucha explicación: la opcióninterpretativa de Michael Rische sobre un instrumento moderno, legítima desde lo que hoy es ya unatrevimiento –pues cambiaron las tornas–, aborda como es sabido obras nacidas durante la etapa últi-ma del clave y la primera del fortepiano. En el segundo caso, las excelsas piezas tardías de los Wq. 93,94 y 95, presentadas como cuartetos por el propio Emanuel, empero están escritas para tres músicosúnicamente: un flautista, un violista y un teclista.

De cualquier manera, podríamos concebir la mano izquierda de este último como la cuarta parteque aún nos faltaba. Así lo consideró el grupo La Tempestad en un soberbio álbum, titulado expresa-mente Música a tres, que servidor tuvo la suerte de presentar en estas mismas líneas (Arsis 4204). Ahorabien, la idea de invitar a un chelista para que redoble los bajos del teclado está asimismo perfectamen-te argumentada. Y es de esta forma que Roel Dieltens se unió al proyecto del flautista barroco Jan DeWinne, la viola de Marten Boeken y el fortepiano –esta vez sí– de Shalev Ad-El. Por cierto que LaTempestad aportó en su caso el clave de Silvia Márquez, lo que entonces añadía un punto más de leve-dad al radical minimalismo introspectivo con el que se desmenuzaban las texturas.

Lo que hace más que interesante la versión de Pasacaille es que, por poco que se parezca a la delos españoles, demuestra, por el pianoforte y sus resonancias, por el añadido del chelo y por la pro-pia interpretación, más ampulosa, que la música del Bach de Hamburgo, de grande que es, sigue fun-cionando de maravilla desde atalayas muy diferentes. Como igual ocurre, a propósito, entre Rischey, digamos, Miklós Spányi, por citar al egregio valedor del universo concertante de C.P.E. Bach. Loscuartetos entre manos se ofrecen en una nueva versión en la que se preferirá la plena sonoridad a lodesnudo, la melodía nítida frente al puntillismo y hasta una clasicista elegancia sobre cualquier ten-tación visionaria. Todo esto provocará que la balanza de fuerzas se incline sobre De Winne –Peñalver,por así decirlo, se mostró más democrático–, hecho éste confirmado con la inclusión de la Sonatapara flauta y bajo continuo Wq.133 y, más aún, por la Sonata a solo Wq.132, extraordinario colofónal programa.

Otra obra a solo –volvemos a Rische–, el curioso concierto sin orquesta Wq.112 de 1765, separasendos conciertos –con orquesta– en modo menor, de impetuoso pathos ambos: los bien conocidos Wq.23y Wq.31, de 1748 y 1753 respectivamente. La acompañante en cuestión es la Leipziger Kammerorchesterque, con franco acierto, encabeza el polifacético Morten Schuldt-Jensen. Sin usar instrumentos deépoca, su técnica, su fraseo y su compacidad son tales que al conjunto no hay nada que reprocharle encuanto a atmósfera historicista. Shuldt-Jensen aporta sobre todo muy buen sentido de la flexibilidad,de los matices y de los detalles más pequeños e imaginativos. Y permite así al pianista que flote en unasuerte de libertad rítmica sobre firmes y sólidos encuadres estructurales. Rische, que en cambio no disi-mula el anacronismo de su timbre, avienta las tensiones y el empuje del director para rubricar junto aéste un resultado del todo refrescante, disciplinado pero heterodoxo, original y brillante.

Dos novedades para Carl Philipp Emanuel

Pablo del Pozo

Conciertos con Michael Rische y cuartetos con Jan de Winne,en Hänssler y Passacaille

CARL PHILIPP EMANUEL BACH (1714-1788): Conciertos para piano Wq.23, Wq.112/1 y Wq.31

Michael Rische, piano. Leipziger Kammerorchester. Morten Schuldt-Jensen, director / HÄNSSLER / Ref.: 98.639 (1 CD) P.V.P.:17,50 €.-

CARL PHILIPP EMANUEL BACH (1714-1788): Cuartetos para flauta, viola, violonchelo y fortepiano

Jan de Winne, flauta barroca. Marten Boeken, viola. Roel Dieltiens, violonchelo. Shalev Ad-El, fortepiano / PASSACAILLE /Ref.: PAS 973 (1 CD) D2

Durante el periodo barroco, la ópera francesa pre-senta, en cualquiera de sus subgéneros (tragédiesen musique, opéra-ballets, pastorales héroïques,comédies lyriques, comédies-ballets y actes deballet), un sinfín de singularidades frente la ópe-ra italiana. Son propios de ella, entre otras carac-terísticas, los fragmentos orquestales puros(oberturas, ritornelos, piezas conclusivas…) y lasarias de danza (gavotas, minuetos, rigodones, ron-dós, tambourines, musettes…), habida cuenta deque la coreografía forma parte esencial del espec-táculo. Ya sea porque esta ópera francesa no leresulta tan fácil de digerir al gran público como laitaliana, más universal y comprensible, no sonpocos los directores que han sucumbido a la ten-tación de prescindir de las partes cantadas y deinterpretar en un todo uniforme y continuado sólolas instrumentales, aunque éstas aparezcan primi-geniamente diseminadas a lo largo de la trama.Recuérdense, por ejemplo, aquellas grabacionespara Philips, a finales de los años 80, de FransBrüggen, al frente de la Orchestra of the 18thCentury, que tanto encandilaron a los melóma-nos, incluso a aquéllos a los que se les atraganta laópera francesa. Siguiendo tan habitual práctica,la veterana violinista y directora austriaca MichiGaigg ha reunido en este disco las partes instru-mentales de la primera tragédie en musique,Hippolyte et Aricie (1733) y de la primera pastoralhéroïque, Zaïs (1748), de Jean-Philippe Rameau,acaso el compositor lírico más importante, juntoa Jean-Baptiste Lully, del barroco francés. La mag-nífica música del genio de Dijon es primorosa-mente interpretada por Gaigg y su L’OrfeoBarockorchester, en la que encontramos algunosnombres insignes del movimiento historicista,como el violinista Martin Jopp, aventajado discí-pulo de Reinhard Goebel y director de la excepcio-nal Main-Barockorchester Frankfurt.

Sobran las palabras

Eduardo Torrico

Suites de Zaïs e Hippolyte et Ariciepor L’Orfeo Barockorchester

JEAN PHILIPPE RAMEAU (1683-1764): Zaïs; Hippolyte etAricie (suites orquestales)

L'Orfeo Barockorchester. Michi Gaigg, director / CODAEX /Ref.: N 67063 (1 CD) D2

23clasicismo 207 / octubre 2011

Esta publicación de Gramola me ha traído muybuenos recuerdos, ya que me ha llevado a los pri-meros años vieneses de mi padre, emancipado yade toda responsabilidad para con el cafre deColloredo –¿habrá habido en la historia del artealguien tan ciego como él, que no supo respetar,atender y mimar a quien sería reconocido con eltiempo como uno de los más grandes genios de lahumanidad?–, instalado en la capital y abriendouna nueva y, en parte, sólo en parte, gozosa épo-ca de su corta vida. Parece que estoy viendo aWolfgang dirigirse al fortepiano, el rudimentariopiano construido por Anton Walter, que mis pai-sanos llamaban Hammerflügel, aquella tarde de1785 –se me han olvidado el mes y el lugar– e ini-ciar como transido el majestuoso e intriganteAdagio con el que comienza la formidable Fantasíaen do menor K 475, obra verdaderamente insonda-ble que todavía hoy –y me ha ocurrido otra vez–me pone la carne de gallina.

La composición, editada por Artaria comoop. 11 en unión de la Sonata K 457 en la mismatonalidad, fue dedicada por mi padre a su alumnaTherese von Trättner. Siempre me he preguntadola razón de que partitura tan sombría fuera pen-sada para una alumna tan sosita y tan poquita cosa.No creo que su cutis rubicundo pudiera inspirarabsolutamente nada al músico. La sucesión de epi-sodios líricos y dramáticos, la alternancia de tem-pi –adagio-allegro-andantino-più allegro-adagio–contribuye a otorgar claroscuros a estos impresio-nante pentagramas, que tienen en la interpreta-ción del trabajador Badura-Skoda fiel reproducción.He de reconocer, no obstante, que a mí me gustaun acercamiento más matizado en las dinámicasy más flexible en el tempo. Al teclado le falta dimen-sión, profundidad. Cierto es que el instrumento noalcanza las posibilidades expresivas de un pianomoderno, pero aún así. Lo han demostrado, y enDiverdi lo saben, Van Immerseel y Brautigam.

Pero, pese a ello, este disco es muy digno dealabanza pues en él interviene, junto a Badura-Skoda, nacido en 1927, otro ancianito, que revelaasimismo encontrarse en buena forma, JörgDemus, que vino al mundo un año más tarde. Es

en efecto admirable el vigor, la animación, la vita-lidad y la capacidad de desplegar ataques certerosy frasear con propiedad, ceñidos a los instrumen-tos que manejan, de estos dos impenitentes artis-tas. Se unen con éxito el dinamismo ligero, elespíritu espumoso del primero, amigo de los tecla-dos de época, con las maneras sobrias, de ajusta-da digitación, el estilo de severo pianista delsegundo, aunque, claro, estas diferencias sean difí-ciles de apreciar, incluso para mí, tan cerca de estamúsica, cuando tocan juntos, como en la esplén-dida Sonata para dos teclados K 448 (375ª), escritaen 1781. La recreación es muy válida, si bien en lospasajes rápidos alguno de ellos no acierta siempreen la nota exacta y escuchamos compases episó-dicamente frondosos. Aunque el resultado finales más que encomiable. Claro que tengo en lamemoria la versión que tocaban por aquellas leja-nas calendas Wolfgang y la feúcha de JosephaAuerhammer. El estreno debió de ser en noviem-bre de 1781. No hay duda de que Demus y Badura-Skoda sacan chispas del Molto allegro.

Posterior es el Andante con variaciones en solmayor K 501 de 1786 a cuatro manos. Los dos ins-trumentistas pugnan por dar a la pieza, muy pocotocada, la viveza y la elegancia que la caracterizan.Bordan los pasajes staccato. Y sacan mucho parti-do de una obrita bastante insulsa, a despecho desu aire marchoso, cual es el Larghetto y Allegro enmi bemol mayor para dos teclados, que no llevanúmero de catálogo y que según tenía yo noticiahabía completado Stadler. La versión que escu-chamos se debe, sin embargo, al propio Badura-Skoda, que ha partido de los 108 compases dejadospor mi progenitor.

Es Demus quien se encarga de exponernoslas otras dos Fantasías, vecinas en el catálogo: la K396 (385f), que proviene de un movimiento de sona-ta para piano y violín del que sólo se conservaban27 compases y que, también en este caso, conclu-yó el laborioso Stadler, y la 397 (385g). El pianistaalemán ha sabido establecer fácilmente, con digi-tación precisa y sentido del canto, esa mezcla degalantería y de seriedad a lo Carl Philipp EmanuelBach que caracteriza a esta composición, que des-pliega de inicio un anhelante dramatismo prerro-mántico, curiosamente diluido en el espumosoAllegretto de cierre.

Un disco que me ha hecho disfrutar y quemiro con simpatía. La que despiertan en mí estosdos ancianos, con tantas horas de vuelo, o de tecla-do, a sus espaldas. Sus pequeños yerros no revis-ten mayor importancia. Y extraen adecuadopartido de instrumentos similares a los que Mozartempleaba.

La impronta de la edad

Papageno

Jörg Demus y Paul Badura-Skoda,un veterano y acreditado dúo para Mozart

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Obras para1 y 2 pianos

Paul Badura-Skoda y Jörg Demus, pianos / GRAMOLA / Ref.:98900 (1 CD) D2

24 diverdi ópera

Dos testimonios más de la madurez “australiana”de Joan Sutherland. Como Leonora de Trovatore,julio de 1983, sopranísima, aprovecha la oportu-nidad de exhibir sus posibilidades técnicas o suscapacidades virtuosísticas así como la gloriosaextensión de su registro agudo con un instrumen-to ahora más denso, ancho y potente. Estamosante una lánguida muchacha abrumada por losacontecimientos que ha de soportar su destino,un poco complaciente con esas circunstanciaspuesto que le permiten dar rienda suelta a su tanprecioso equipamiento canoro. Nada italiana omediterránea es la presencia de Kenneth Collinscomo su compañero Manrico, pero con una fir-meza tímbrica (un poco contraída en la zona su-perior) y la necesaria y apasionada entrega queprocuran varias satisfacciones a quien le escucha.Un desconcertante impacto supone la Azucenade Lauris Elms, quien consigue conferir inusualprofundidad sicológica a la errabunda gitana, am-parada por un centro claro, graves sonoros y agu-dos, aunque a veces algo tirantes, suficientes. Lainteligencia con que plantea su escena de presen-tación es digna de destacarse, logrando así en ellay otras intervenciones posteriores disimular esosmedios poco dramáticos para tan trágico perso-naje. Jonathan Summers es un Conde de Lunamuy por encima en estilo y en canto de lo que le

permiten sus más bien livianas posibilidades. Su“Balen del suo sorriso”, incluida la elogiable mane-ra de resolver el fastidioso salto de octava en “latempesta”, puede enrojecer de vergüenza a baríto-nos más dotados en color y potencia pero máschapuceros. Efectúa su inicial narración de formabastante coherente el Ferrando de Donald Shanks,impulsado por el excelente empuje que le sirve labatuta de Richard Bonynge. En suma, una dignalectura, aunque complacerá en especial a los abun-dantes fans de La Stupenda.

Aunque desigual en resultados, la ópera fran-cesa tuvo un espacio importante en el currículode la Sutherland: deslumbrante reina Valois deMeyerbeer, las tres heroínas de Offenbach, Sitay Esclarmonde massenetianas que ella nos descu-brió después de ponernos al día la Marie de Do-nizetti, Ophelie de Thomas y, desde luego, la Lak-mé de Delibes. La intérprete se sentía muy a gus-to con esta delicada muchacha hindú, víctima delmal entendimiento entre religiones y culturas,por lo que se justifica el que la llevara en 1976 asu nativa Sydney, con la célebre “aria de las cam-panillas” como centro neurálgico de la obra, oca-sión para que la intérprete dé salida a todo su for-midable poderío instrumental. Henri Wilden escapaz de conferirle a Gérald todo el lirismo y laelegancia del amoroso personaje, en especial enFantaisie aux divins mensonges, una de las ariasmás hermosas, que pocos lo duden, de la litera-tura tenoril francesa. El Nilakantha de CliffordGrant está a la altura de su fama, pues es bien co-nocido por hacer discurrir su carrera a lo largo deun repertorio que le implicaba en cometidos tandispares como Hu-Tsin (L’oracolo de Leoni), Oro-veso, Fafner o Hunding, el Comendador mozar-tiano y algún Verdi. En fin, la bella Huguette Tou-rangeau, de vocalidad tan personalísima, aportaun correcto trabajo como la fiel Mallika y la en-cantadora Isobel Buchanan (Sophie de Wertheral lado de Carreras y Kraus, se recuerda de in-mediato) da un relieve superior a la episódica pro-metida de Gérald, Ellen. La refinada labor direc-tiva de Bonynge corrobora su complacencia y afi-nidad hacia este repertorio.

Llegarán, nadie lo dude, más testimonios deesta actividad australiana de la diva nacional.

Sutherland de nuevo

Fernando Fraga

Trovatore y Lakmé, nuevas citas australianas de La Stupenda

LÉO DELIBES (1836-1891): Lakmé (ópera en tres actos)

Sutherland, Wilden, Grant, Buchanan, Pringle, Torangeau,Ewer, Bermingham / Australian Opera Chorus. ElizabethanSydney Orchestra. Richard Bonynge, director (grabado endirecto en 1976) / OPERA AUSTRALIA / Ref.: OPOZ56012CD (2 CD) D2

GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Il Trovatore (ópera en cuatroactos)

Sutherland, Elms, Collins, Shanks, Summers, Johnston /Australian Opera Chorus. Elizabethan Sydney Orchestra.Richard Bonynge, director (grabado en directo en 1983) /OPERA AUSTRALIA / Ref.: OPOZ 56013CD (2 CD) D2

Le Villi, la primera ópera de Puccini, estrenada ensu versión definitiva en 1884 en Turín es, como laidentidad de su libretista Ferdinando Fontana per-mite rápidamente deducir, una obra adscrita al fe-nómeno artístico denominado Scapigliatura (“des-melenamiento” en aproximativa traducción) queimplicaba un absoluto rechazo de lo nacional (ita-liano) por demasiado provinciano, dirigiendo mi-radas e intenciones hacia una cultura más allá de lasfronteras peninsulares que consideraban de mayorrango e internacionalidad. Pese a todo, esta obraen la que el ballet o el elemento sinfónico adquie-ren un preponderante espacio, tiene el sello incon-fundible del autor tanto en la calidez melódica delprincipal tema del preludio como en las dos pági-nas solistas de la pareja amorosa. El colorido ins-trumental y el vibrato infaliblemente italiano deNorma Fantini le propicia un canto de similarescontornos: una Anna de inmediato impacto cano-ro. Giuseppe Giacomini, puede que el instrumen-to tenoril más rotundo que hayan dado los últimosaños, sale de su voluntario retiro iniciado en el año2000 para, con 69 años, seguir regalándonos consus poderosísimos medios, pese a una emisión algoartificiosa a veces, un Roberto imponente comono podía ser de otra manera. El argentino Víctor To-rres, al tratarse de un barítono de noble lirismo,puede definir sin problemas a Guglielmo, el sufri-do padre de la protagonista, primero a través de laamargura de su decepción y luego, en consecuen-cia, por el deseo justo de resarcir la afrenta familiar.En la superlativa ejecución de la orquesta y coro dela Vlaamse Opera, en Gante de Bélgica –país éstedonde, recordamos, murió Puccini en 1924–, tienemucho que ver el concepto y el desarrollo de una ba-tuta como la de Muhai Tang. En suma, una versiónque puede tenerse en consideración al lado, en sudefecto, de una de las mejores del catálogo, la de Lo-rin Maazel de 1979, narrada por Tito Gobbi, cuyopersonaje está ausente en este registro.

El primer Puccini

Fernando Fraga

Le Villi en Amberes, con un sólidoreparto italo-argentino

GIACOMO PUCCINI (1858-1924): Le Villi

Fantini, Giacomini, Torres / Orquesta y Coro de la ÓperaFlamenca de Amberes y Gante. Muhai Tang, director / BON-GIOVANNI / Ref.: GB 2454-2 (1 CD) D2

25ópera 207 / octubre 2011

Verdi compuso Macbeth en 1847 y lo revisó en 1865para su reestreno en París. Esta segunda versión,la más habitual, es la que ofreció en 1964 y 1965el Festival de Salzburgo. Como todas las de Verdi,plantea serias dificultades a la hora del reparto depapeles, problema que ha sido resuelto satisfacto-riamente en contadísimas ocasiones.

En esta representación ofrece particular inte-rés la pareja protagonista. La mezzosoprano nor-teamericana Grace Bumbry (San Luis, Misuri,1937) fue la jovencísima intérprete de un papeltemible que supera con brillantez. Durante trein-ta años largos, Bumbry cantó en todo el mundo elrepertorio de mezzosoprano más exigente, alter-nándolo con el de soprano dramática. Una vozexcepcional, timbrada y poderosa, sustentada enuna solidísima técnica, unida a una gran musica-lidad –pulida con Lotte Lehmann– que le permi-tió brillar, también, como intérprete de Lieder.Recordemos sus recitales en Salzburgo en 1965, 66y 67, consagrados a Schubert, Schumann y Brahms,que ofreció en paralelo con las representaciones deMacbeth (1964-65) y de Carmen (1966-67, conKarajan).

Bumbry está sobresaliente en sus cuatro ariasy en un magnífico dúo del acto I con su esposo, yes capaz de cantar todas las notas de su tremendopapel, incluidos el re bemol sobreagudo opcional,al término del acto I, y el de la escena del sonam-bulismo, obligado. Solo unos pocos pasajes de estafunción, como la lectura de la carta, no suenanconvincentes. La voz, admirablemente proyecta-da, supera con brillantez todos los escollos voca-les, y solo acusa, en contadas ocasiones, ciertatirantez derivada del hecho de que la tesitura esmás de soprano dramática que de mezzo. En suma,una excelente Lady Macbeth.

El barítono berlinés Dietrich Fischer-Dieskau(1925) ofrece, como de costumbre, una prestacióndramática de primera categoría, a pesar de nomoverse en un repertorio del todo afín. Aunque sudicción italiana es casi siempre clara, su fraseomuestra a veces acentos y énfasis ajenos a la len-gua de Dante. Además, su voz lírica carece delempaque, de la proyección y del caudal de otros

grandes intérpretes del papel principal (Taddei yCappuccilli; también Bruson). Tal vez, su arte tanmatizado y su fraseo tan rico en medias tintas–más próximo al Lied que a Verdi– se expandemejor en estudio que en teatro, especialmente enuno de las dimensiones de la Felsenreitschule. Noobstante, el citado dúo del acto I es memorable, aligual que la composición dramática de la escena delas apariciones en el tercero, y canta muy bella-mente su aria del último acto. El resto del repartono ofrece gran interés, aunque cabe consignar lapresencia de Francisco Lázaro como Malcolm.Wolfgang Sawallisch, en una de sus pocas incur-siones verdianas, colabora muy bien, con firmeza,flexibilidad y sentido del color, con el gran dúoprotagonista. Su dirección, de tempi muy vivos,es fogosa y contrastada, con óptima colaboraciónde la Filarmónica de Viena y buena prestación delCoro de la Ópera Estatal. Cabe reprocharle la pro-fusión de cortes practicados, que afectan a laObertura, suprimida, a cabalettas, coros – tambiénse omite el de los sicarios en el acto II– e incluso,a algunos compases de La luce langue.Muy buenagrabación.

Un problema siempre difícil: la vocalidad verdiana

Roberto Andrade

Macbeth en versión salzburguesa de 1964 con dos grandes:Grace Bumbry y Dietrich Fischer-Dieskau

GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Macbeth

Dietrich Fischer-Dieskau, Peter Lagger, Grace Bumbry,Bozena Ruk-Focic, Ermanno Lorenzi, Francisco Lázaro, AloisPernerstorfer, Walter Raninger, Herbert Lackner / WienerPhilharmoniker. Wolfgang Sawallisch, director (grabado endirecto el 7 de agosto de 1964) / ORFEO / Ref.: C843112I (2CD) D4 x 2

Grace Bum

bry

26 diverdi ópera

Stefan Gedeonov, director de los Teatros Imperialesrusos hacia fines del siglo XIX, ofreció un libretode ópera al Grupo de los Cinco, de modo que com-pusiera cada uno de ellos una sección de la parti-tura, dejando a Minkus los ballets de la misma. Lainiciativa no prosperó. Un asunto fantástico, conabundancia de números de gran espectáculo y unaserie de trucos (espacios infernales y celestiales,lagos encantados, terremotos) no era atractivopara la mayoría de ellos, inclinados al realismo y ala historia más que a la leyenda.

La excepción fue Rimsky-Korsakov, quien sepuso manos a la obra en 1889 y al año siguienteestrenaba esta Mlada. Se trata de una ópera-ballet,a la manera de las antiguas construcciones del barro-co francés, pero que Rimsky consiguió replanteara su manera. Magistral orquestador, dueño de unavariedad de colores instrumentales en solos y com-binaciones, amante del pintoresquismo igualmen-te colorido y orientalizante, virtuoso de lasatmósferas de ensueño y delirio, llevó a cabo concerteza la compleja arquitectura de aquel libreto, conIvanov y Cechetti como coreógrafos.

Rimsky concedió a los personajes aristocrá-ticos –esos príncipes y princesas imprescindiblesen los cuentos de hadas– un recitado elegante yde gran eficacia expresiva, dando a los sobrenatu-rales un tinte fantasmático, a veces amable y otrasterrorífico, según cuadrase. El pueblo aparece conel coro muy bien personificado y entretejido conlos abundantes momentos bailables. El numerosí-simo elenco y la cantidad de requisitos materialesque la puesta de Mlada exige la alejan de los pro-gramas, por lo que el aficionado agradecerá la ree-dición de esta toma, datada en 1962 y que tienecomo protagonistas, según conviene, a las masasdel moscovita Bolshoi bajo la infalible y suntuosabatuta de Evgeny Svetlanov.

Seres de este y de losotros mundos

Blas Matamoro

Suntuosa reedición de Mlada,de Rimsky-Korsakov

NIKOLAI RIMSKY-KORSAKOV (1844-1908): Mlada (óperamágica-ballet en cuatro actos)

Great Symphony Orchestra. State Academic Orchestra ofthe Bolshoi Theatre of the USSR. Evgeny Svetlanov, director /MELODIYA / Ref.: MEL 1001829 (3 CD) D5 x 2

Isaac Nathan fue un judío inglés de origen polaco.No era un cualquiera: entre sus más selectas tare-as figura la de recopilar canciones hebreas en com-pañía, ahí está el detalle sabroso, de Lord Byron.En 1841 se trasladó a Sydney donde desarrolló unadiversificada labor relacionada con la música, lle-gando a componer varias óperas, entre ellas DonJohn of Austria, es decir, Don Juan de Austria.

Nathan tuvo ocasión de conocer el trabajo decompositores italianos, no sólo de Rossini, con elque compartió casi al detalle su periplo vital−Nathan nació en 1790, Rossini en 1792; murió en1864 cuatro años antes del pesarense−, sino quetambién pudo acceder a la obra de Bellini (enLondres pudo ver el estreno de Puritani en 1835) yla de Donizetti (su Lucia llegó a la capital inglesaen 1838). Todo lo contrario, en la obra nathanianano se concreta ninguna de estas viables influencias.Nathan parece inspirarse en el mundo germano, yespecialmente en Weber; no olvidemos que estegenial compositor alemán vivió algún tiempo enLondres, donde murió, trabando conocimientocon Nathan. En conjunto, sin embargo, la óperaadquiere un cariz cercano al más modesto de lossingspieler, a la manera de Marschner o Lortzingy puede que Mendelssohn.

La obertura, que parece iniciarse en planmozartiano, insinúa la presencia de un fandango,ya claramente expuesto al inicio de la ópera antesde que comience el coro, danza que para los com-positores europeos era la marca de fábrica de lamúsica española desde Mozart a Eugen d’Albert.Tras esta apertura instrumental el resto de la ópe-ra es una suma de canciones, muy sencillas, demelodías límpidas y sin el más mínimo adorno,con varios dúos del mismo cariz, además de dostercetos, un final y, entre medias, la presencia dealgunos coros. Nathan debía de considerar que noconvenía asustar a los posibles espectadores aus-tralianos con una escritura musical demasiadocomplicada ni sobrecargar a sus cantantes contareas demasiado dificultosas. Todo fácil para elintérprete, que así hacía llegar mejor tan simplemúsica al oyente. La obra se estrenó en 1847 en elRoyal Theatre Victoria de Sidney

El asunto lo facilitó Casimir Delavigne, escri-tor francés de cuyos textos han partido más omenos directamente muchas historias operísti-cas: trabajos de Auber (Fra Diavolo, La muette dePortici), Donizetti (Marin Faliero) y Verdi (LesVêpres siciliennes). El libreto lo redactó otro judío,Jakob Levi Montefiore.

Sir Charles Mackerras ha sido el encargadode hacer posible la ejecución actual de esta curio-sa obra donde, sin llegar a los climas de una opéracomique o una zarzuela, incluye entre las páginascantables numerosas partes recitadas, personajesque se dedican exclusivamente a hablar (criados,ministros, inquisidores) sin ninguna oportunidadde abrir la boca para esbozar la más mínima nota.En el reparto canoro aparecen varios nombres“nacionales” que ya han desbordado las fronterasaustralianas para realzar repartos en diversos esce-narios internacionales. Destacan especialmenteSteve Davislim, tenor haendeliano entre otras espe-cialidades, insigne habitual compañía de AlanCurtis y su Complesso Barocco. Y la bella CherylBaker, además de otros títulos una buena puccinia-na, conmovedora Mimì en el ensalzado montaje delcineasta Baz Luhrman. Alexander Brieger dirigela Sinfónica y al Coro de Cámara de la Filarmoníade Sidney. Todo queda en casa.

La ópera llega a Australia

Fernando Fraga

Isaac Nathan, un inglés emigrado a las antípodas,y la sorprendente primicia de su Don John of Austria

ISAAC NATHAN (c. 1792-1864): Don John of Austria (arregla-da por Sir Charles Mackerras)

Steve Davislim, Cheryl Barker, Grant Doyle, Paul Whelen,Sally Anne Russell / Sydney Symphony Orchestra. SydneyPhilharmonia Chamber Singers. Alexander Briger, director /ABC CLASSICS / Ref.: ABC 4764114 (2 CD) D4 x 2

““Sir Charles Mackerrasha sido el encargadode hacer posible laejecución actual deesta curiosa obradonde, sin llegar a losclimas de una opéracomique o unazarzuela, incluye entrelas páginas cantablesnumerosas partesrecitadas.””

27ópera 207 / octubre 2011

Un año después de la aparición del Parsifal peters-burgués, a priori “galáctico” y no del todo redon-do de Gergiev, nos llega, procedente de Holanda,una nueva grabación del drama musical postrerode Richard Wagner. Como la del ruso, y señal deque los tiempos ya no están para grandes empre-sas y proyectos discográficos (el registro de Gergievlo editó el sello del Mariinski), se trata de una gra-bación del concierto (1) que tuvo lugar el 11 dediciembre del pasado año en la Concertgebouwde Amsterdam, comercializada por el sello holan-dés Challenge Classics. Por alguna extraña razón,o simple descuido, las notas que acompañan lagrabación omiten el dato, que sí figura en los cré-ditos del generoso DVD (80’) con fragmentos delconcierto que se incluye como bonus. El concier-to, una matiné de sábado, conmemoró el 65º ani-versario de la Orquesta Filarmónica de la Radio deHolanda (en rigor, de los Países Bajos), orquestade la que han sido directores titulares Paul vanKempen, Bernard Haitink, Jean Fournet o Edo deWaart, y supuso un nuevo éxito personal de suactual titular, Jaap van Zweden, después de loscosechados con Lohengrin (2008) y Maestros can-tores (2009). Un nuevo hito en la lenta carreraascendente de van Zweden (n. 1960), ex-niño pro-digio, concertino de la Concertgebouw deAmsterdam a los 18 años, director a tiempo com-pleto desde 1997, sucesor de Andrew Litton enDallas (2008-) y director asimismo de la RealFilarmónica de Flandes (la deFilharmonie) desde2008 hasta el final de la presente temporada.

Gergiev, director de postín y no precisamen-te un outsider en Wagner, planteó un Parsifal tea-tral, bastante irregular por su dirección manieristay divagante, con momentos espléndidos y otrosplúmbeos (los comienzos de primer y tercer acto),dirección de un detallismo, colorido y opulencia pormomentos vacuos. Van Zweden arma en cambio

un grandioso oratorio. Su Parsifal es eminente-mente lírico, espiritual. Los momentos dramáticosaportan la necesaria variedad y evitan la monoto-nía, pero pocas veces tensa la cuerda al límite,como en un teatro, aunque la segunda mitad del dúoParsifal-Kundry es volcánica. La lectura del segu-ro van Zweden, estupendo narrador y acompa-ñante de voces, es transparente, cálida, fluida (2),expresiva sin altisonancias. La respuesta de unosconjuntos concienzudamente preparados (men-ción especial para el Coro Masculino Estatal deLetonia, que en consonancia con el enfoque de vanZweden son más monjes de Silos que monjes-gue-rreros) es de primera clase.

El reparto, sobre el papel inferior al deGergiev, funciona admirablemente. El Gurnemanzdel veterano Robert Holl (n. 1947) no palidece anteel de René Pape. Si Pape arrebata por la belleza ynobleza del instrumento y la técnica prodigiosa(cosa rara hoy), Holl, con una voz de inferior cali-dad, ya algo nasal y gastada (menos de lo espera-do), subyuga por su entrega y dominio del papel yun inefable halo de venerabilidad que se potenciaen la filmación del concierto. Si acaso, FalkStruckmann es un cantante para ver antes que paraoír. Su voz rocosa, de lija, que siempre me ha pare-cido desagradable, ya está, si cabe, muy deteriora-da: vibrato molesto, graves áfonos, de dudosaortodoxia. Con todo y no tener nada que hacerante el formidable Evgeni Nikitin, inexplicable-mente su Amfortas puede llegar a conmover, atransmitir sufrimiento. Con el siempre impecable(este hombre no se despeina nunca) Klaus FlorianVogt hay que insistir. En la primera escucha mepareció ideal como “puro loco”, con su voz casisin impostar, blanquecina, sin metal, su persisten-te tono melifluo, blandengue, incapaz de cualquierprogresión dramática. Con el tiempo he llegado acreer que Vogt es tan idóneo para Parsifal como

para Lohengrin (aún tengo buenos recuerdos desu paso fugaz por el Teatro Real). Dentro de laslimitaciones naturales de su instrumento, se apre-cia un progresivo ensanchamiento. Cuando la situa-ción lo requiere, asoman tintes moderadamenteheroicos (de aprendiz púber si se quiere, muy pro-pio), más evidentes en la toma del CD (¿más cer-cana?) que en la del DVD. A su lado, la estupendaKatarina Dalayman es una comeniños. Con mediosmenos opulentos que los de Violeta Urmana, suKundry, poderosa, seductora, es más plausible quela de la lituana. Suficiente el Klingsor del sueco deKrister St. Hill, dominador, expresivo, sinuoso,de medios vocales sobrados, y olvidable el Titureldel joven (n. 1978) croata Ante Jerkunica. Entrelas muchachas flor (deliciosa su escena) se encuen-tra la valenciana Silvia Vázquez, Woglinde en elcelebrado Anillo del Palau de les Arts.

Los fragmentos recogidos en el DVD permi-ten apreciar el ambiente de concentración y entre-ga que reinó en el concierto, así como la reacciónentusiasta del público. El video completo está enYoutube. Puede accederse a sus tres partes, desdehttp://intermezzo.typepad.com/intermez-zo/2010/12/parsifal-from-amsterdam.html.

NOTAS

(1) En realidad, la grabación de Gergiev se asemeja mása un producto de estudio: se cocinó con tomas deensayos y concierto (?), a lo largo de 9 días. Si verda-deramente se incluyeron tomas del concierto, el públi-co fue muy disciplinado, pues no hay toses ni aplausos.

(2) Los tiempos, 106’ + 66’ + 74’, son muy similares a losde “Kna” en 1960, su año más ligero. Los de Gergiev:114’ + 67’ + 78’.

La hora de los modestos

Miguel Ángel González Barrio

Desde Ámsterdam, un muy logrado Parsifal en concierto dirigido por Jaap van Zweden

RICHARD WAGNER (1813-1883): Parsifal

Falk Struckmann, bajo-barítono. Ante Jerkunica, bajo. RobertHoll, bajo. Klaus Florian Vogt, tenor. Krister St. Hill, barítono.Katarina Dalayman, soprano / Netherlands RadioPhilharmonic Orchestra. Netherlands Radio Choir. StateMale Choir ‘Latvija’. Jaap van Zweden, director / CHALLEN-GE RECORDS / Ref: CC 72519 (4 SACD) D4 x 4

foto © Marco Borggreve

28 diverdi ópera

En 1925, ya instalado en el trono de la opereta cen-troeuropea y alentado por el éxito de El ruiseñorespañol de Leo Fall, Franz Lehár estrenó Frasquitaen el Teatro an der Wien. No le entusiasmó el libre-to y la crítica señaló sus debilidades. En cambio,lo atrajo la figura de una suerte de Carmen delsiglo XX, una gitana de Barcelona que seduce aun muchacho francés que la ama, la rechaza y –alrevés que la criatura de Bizet– acaba como parejaarmoniosa en un elegante piso de París.

El pintoresquismo queda declarado desde eltítulo y Lehár lo sirve con su habitual chispa, susfinas soluciones y una vena melódica que resultaobvio siquiera mencionar. La romanza del tenor “Situviera una cama con dosel azul” ha pasado a lasantologías. El uso sutil de los colores orquestales,unido a la variedad rímica –vals, polka, habanera,marcha revisteril– hace el resto.

La obra tuvo una notable fortuna: casi 200representaciones en el recinto vienés y amplia difu-sión en ambos continentes, a contar desde Berlín.El primer tenor fue Hubert Marischka, luego sus-tituido por el grande y canónico Richard Tauber.La huella estelar se extendió a París, donde la pro-tagonista fue Conchita Supervía, y a Nueva York,con Geraldine Farrar a la cabeza del reparto.

No faltó una nota de ínfimo escándalo, quehoy no gozaría de tal calidad. La inicial Frasquita,una dama de la escena como Betty Fischer, apa-recía en un tablado de cabaret más o menos anda-luz junto a un séquito de bataclanas, apenasataviadas, la diva y las otras, con una “nube” decrespón negro sostenido por sus caderas. Eranlos años locos, era la posguerra que luego fueentreguerra, era la superinflación y eran las ganasde olvidar la tragedia.

¿Una Carmen vienesa?

Blas Matamoro

Frasquita, un Lehár “español”

FRANZ LEHÁR (1870-1948): Frasquita (opereta en tres actos)

Bergmann, Scherwitzl, Schirrmacher, Maszl, Noack, Zisterer/ Chor des Lehar Festivals. Franz Lehar-Orchester. Dir.:Vinzenz Praxmarer / CPO / Ref.: 777592-2 (2 CD) D2 x 2

La (plenamente merecida, por otra parte) popula-ridad internacional alcanzada por Hänsel y Gretelha eclipsado prácticamente el resto de la produc-ción escénica de un compositor tan absolutamen-te único como Engelbert Humperdinck, incluidasu tercera, y quizá más ambiciosa ópera,Königskinder (Los hijos del rey). El compositorrenano fue uno de los más dotados colaboradoresde Richard Wagner, de quien fue asistente en elestreno de Parsifal en el Festival de Bayreuth de1882. Desde muy joven ganó becas y premios quele dieron la oportunidad de estudiar y viajar porel mundo. Estos viajes fueron una constante ins-piración para él, y en su música encontramosinfluencias de sonidos e instrumentos de paíseslejanos. Otro de los elementos característicos desu estilo es su amor por lo popular y lo infantil, enlo que podemos observar también una fuerteinfluencia sobre la personalidad del hijo de RichardWagner, Siegfried. Su labor como pedagogo le lle-vó a trabajar por un breve periodo en elConservatorio de Barcelona (1885-1886).

Königskinder se estrenó primeramente comomelodrama el 23 de enero de 1897 en el Hoftheatherde Munich, y debido al éxito de su música su autordecidió reconvertirla en ópera entre 1907 y 1910,presentándola en el Metropolitan de Nueva Yorkel 28 de diciembre de 1910, a instancias del famo-so empresario Giulio Gatti-Casazza, en la mismatemporada en que vio la luz La Fanciulla del Westde Puccini, siendo apreciada por la crítica por suoriginalidad y su excelente factura, considerándo-la como “la ópera más valiosa de la época post-wagneriana”. La dirección musical fue de AlfredHertz, y contó con voces tan eminentes comoHermann Jadlowker, Geraldine Farrar, LouiseHomer o Adamo Didur. Es una sofisticada histo-ria de dos muchachos enamorados que sucumbenpor su bondad ante el mundo que los rodea. Sufinal no cae en el melodrama sino que está resuel-to en clave de simbolismo, constituyendo una con-trapartida trágica a la citada Hänsel y Gretel. Así,la Bruja (que aquí es la madre de la protagonista)no está dotada de esos –por otra parte maravillo-sos–, rasgos grotescos de su homónima de maza-

pán, sino que es mucho más humana, como unaespecie de médium entre el universo de los mor-tales y el submundo de los espíritus y lo irracional.

La obra puede decirse que ha tenido un cier-to “culto”, ya desde la antigua grabación de la Radiode Colonia de 1952 dirigida por Richard Kraus,con Dietrich Fischer-Dieskau como el Ministril yotras ilustres voces como Fritz Ollendorff, PeterAnders o Hanna Ludwig. En los últimos años hahabido notables esfuerzos por reponer escénica-mente la obra, con montajes en Munich en 2005(con Fabio Luisi, Annette Dasch y Robert Gambill)y en Zurich en 2007 (con Ingo Metzmacher, IsabelRey y el hoy ensalzadísimo Jonas Kaufmann, pro-tagonista también de una versión de concierto enel Festival de Montpellier de 2005 con ArminJordan y Ofelia Sala).

Ingo Metzmacher, uno de los nombres másinteresantes de la dirección orquestal alemana enla actualidad, es también el artífice de la presentepublicación, recogida a partir de dos estupendasveladas que tuvieron lugar en la Gran Sala de laPhilharmonie berlinesa, el 15 y 17 de diciembre de2008. Al frente de la excelente Orquesta SinfónicaAlemana (la antigua RIAS) sabe extraer toda laprodigiosa riqueza instrumental de la exquisitapartitura, evitando cualquier sentimentalismo ysabiendo llevar a los tres protagonistas a interpre-taciones de enorme sinceridad y credibilidad. Lasoprano Juliane Banse, muy habituada a los pen-tagramas del Fin de Siglo, es una Cuidadora deGansos absolutamente deliciosa, y el tenor KlausFlorian Vogt aporta su exquisito lirismo al Hijodel Rey. El barítono Christian Gerhaher está tam-bién admirable como el Juglar que cierra la obra consu canción, e incluso la veterana Gabriele Schnaut(que ha vuelto a sus orígenes de mezzosoprano)sabe aprovechar su incisivo vibrato para dar carác-ter a la Bruja. Impecable el resto del elenco, inclui-da la niña Sophia Schupelius, integrante del CoroInfantil de Berlín, que añade su espontaneidad ala hijita del fabricante de escobas.

Un cuento de hadas para el Met

Rafael Banús Irusta

Ingo Metzmacher dirige una magnífica versiónde Los hijos del rey de Humperdinck

ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921): Königskinder

Klaus Florian Vogt, tenor. Juliane Banse, soprano. ChristianGerhaher, barítono. Gabriele Schnaut, mezzosoprano.Andreas Hörl, bajo-barítono. Stephan Rügamer, tenor, ... /Rundfunkchor Berlin. Berliner Mädchenchor. DeutscheSymphonie-Orchester Berlin. Ingo Metzmacher, director /CODAEX / Ref.: N 67044 (3 CD) D3 x 2

““Ingo Metzmacher sabeextraer toda laprodigiosa riquezainstrumental de laexquisita partitura.””

30 diverdi grabaciones históricas

Oír para creer. Desde las primeras notas de laSegunda sonatade Chopin se siente la autoridad sinfisuras del auténtico y mejor pianismo. En un tiem-po como el actual, en el que tantas carreras sehacen en los dormitorios y/o en los despachos delos agentes artísticos, y son diseñadas por los mer-cadotécnicos de la compañía de disco de turno,resulta estimulante escuchar a un maestro tan ver-dadero y absoluto como Emil Gilels.

El disco, de paupérrima presentación, sóloinforma de que se trata de un recital ofrecido porel coloso soviético en 1961. Poco importa estaausencia de información, o que la toma de sonidocarezca de las calidades de las modernas graba-ciones en estudio. La fuerza de estas versiones, elvirtuosismo de las mismas, sólo equiparable a sugigantesca dimensión artística y expresiva, con-vierte en oro puro los 50 minutos de este recitalasombroso, que confronta dos pesos pesados delrepertorio pianístico tan destacados como laSegunda sonata de Chopin y la Sonata en si menorde Liszt.

Es increíble comprobar como un mismo intér-prete puede generar estados estéticos tan diferen-tes. Gilels –su sonido, sus registros y actitud– setransforman del universo abstracto de Chopin al

sugestivo y descriptivo de Liszt, sin por ello per-der un ápice de esa impronta personal que siem-pre marcaba sus interpretaciones. No hay espaciopara la demagogia expresiva o los excesos roman-ticoides. Todo fluye con férreo e insobornable sen-tido estético. Fuego, delicadeza, refinamiento,desbordamiento, contención... Las gamas dinámi-cas son infinitas, así como sus gradaciones.

Ridículo resultaría tratar de explayarse en lasinagotables maravillas de estas interpretaciones.Sería tan estúpido como intentar encerrar el maren una botella de agua. Sólo escuchando este dis-co prodigioso puede uno imaginar el calibre desus contenidos. Con unos medios técnicos queparecen sobrenaturales, y con una capacidad parael canto y el fraseo sin límite, Gilels se muestra enestas dos referencialísimas interpretaciones comolo que siempre fue, es y seguirá eternamente sien-do: uno de los más maravillosos pianistas de la his-toria.

Referencialísimas interpretaciones

Justo Romero

Interpretaciones de referencia de las sonatas de Chopin y Lisztpor Emil Gilels en un recital de 1961

EMIL GILELS interpreta FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1894):Sonata no. 2; FRANZ LISZT (1811-1886): Sonata en si menor

Emil Gilels, piano (grabado en directo en 1961) / IDIS / Ref.:IDIS 6617 (1 CD) D5

Con cuentagotas van apareciendo discos dedica-dos a las grabaciones denominadas históricas en elsello de la London Philharmonic, que parece volca-do en el presente (Vladimir Jurowski) y el gloriosopasado reciente (Klaus Tennstedt). El disco queaquí se comenta es el segundo dedicado al funda-dor de la orquesta, Sir Thomas Beecham, y sin dudahará las delicias de los aficionados a la historia delsonido grabado.

El baronet siempre miró con escepticismo losavances técnicos en materia de grabaciones. Con suproverbial buen humor, al sonido estereofónico quese impuso en los años 50 lo llamaba “estereocómi-co” o “estreptocócico”. A pesar de ello, el 19 de ene-ro de 1934, durante las sesiones en las que se registróla Sinfonía nº 41de Mozart, un clásico de la fonogra-fía, de sorprendente modernidad, incluido en el dis-co, permitió que Alan Blumlein, ingeniero de EMIinventor del “estéreo” (1931), realizara grabacionesde prueba con el nuevo sistema, aún en fase expe-rimental. La comparación de la toma monoaural ylos fragmentos grabados en binaural (así lo deno-minó Blumlein) revela una perspectiva sonora radi-calmente distinta. Blumlein patentó su invento en1933 y grabó 3 minutos de sonidos de gente cami-nando en una habitación, que también se recogenen el disco, un documento comparable a Llegada deun tren a la estación de La Ciotat de los hermanosLumière. En 1936, Beecham y la joven LPO reali-zaron una gira por varias ciudades alemanas. Unode los conciertos tuvo lugar en la sede de la BASFen Ludwigshafen. Con algunos problemas técni-cos, fue grabado en cinta magnética, el nuevo sopor-te que los alemanes estrenaron en 1935. Por primeravez podemos oír todos los fragmentos grabados,una nueva oportunidad de disfrutar con el despar-pajo de Beecham, envuelto sin querer en la vanguar-dia tecnológica, en repertorio afín: su adoradoMozart (Sinfonía 39), su no menos adorado Delius(Al oír el primer cuco en primavera) y un Rimskydesinhibido (suite de El gallo de oro).

Beecham, pioneroa su pesar

Miguel Ángel González Barrio

La LPO de los años 30¡en estereofonía!

LOS AÑOS DE FORMACIÓN: Grabaciones pioneras de losaños 30 (obras de Mozart, Delius y Rimsky-Korsakov)

L.P.O. Dir.: T. Beecham / LPO / Ref.: LPO 0040 (1 CD) D5

Teatro Real • Plaza de Oriente, s/n • 28013 MadridTfnos.: 91 516 06 73 - 91 541 25 95e-mail: latiendadelreal@diverdi.com

Nuevo horario: De lunes a viernes de 17 a 20 horasLos días de función permanecerá abierta al público asistente hasta el primer entreacto

domingos y festivos incluidos

““La fuerza de estasversiones, elvirtuosismo de lasmismas, convierte enoro puro los 50minutos de esterecital asombroso.””

31grabaciones históricas 207 / octubre 2011

Confieso que pedí un disco de Kirill Kondrashinpara, al menos discográficamente, saber un pocomás sobre Kondrashin. Última pieza, pues, cobra-da, volandera, boletinera. El arte del moscovita esaquí su legado referido al repertorio centroeuro-peo, tan querido por este director de obligacionessoviéticas, que grabó bastante música rusa y fran-cesa y, más tarde, fue inmigrante en Amsterdam,cuyo epítome mahleriano pudiera ser la complejay siempre huidiza Sextasinfonía, el primer adiósen toda regla al (neo)Ro-manticismo, que se con-sumará con la Novena.

Hombre de teatro(¡el Ruslan y Ludmila!) yde conciertos (la defensade su leal Shostakovich),K.K. fue un refinadoacompañante de grandessolistas (repasemos, avuelapluma, el Conciertopara piano nº 1 de Liszt,con Byron Janis, o el Se-gundo de Rachmaninov,con Vladimir Ashkenazy)que, tras huir del sistemade clones soviético, seunió en Amsterdam a la dinámica de las salas deconcierto del mal llamado mundo libre y en los es-tudios de grabación dejó discos memorables conla Royal Concertgebouw. ¡Aaay!, si todos los quehizo a la postre son como éste, qué director nos per-dimos por culpa del infarto que lo expulsó del cua-drilátero lejos aún de los 70 (años) y de los 90 (ladécada siguiente).

Con estos mimbres, la cesta sinfonía alcan-za cotas difícilmente superables. Los tres temasdel primer tiempo son expuestos con pasión em-bravecida, sin mengua en sus muchas relacionesy su estructura de madeja; tales derivaciones seconsuman con una vehemencia y un fasto tímbri-co ineludibles en Mahler, así como en Kondras-hin, sin atascos ni imprudencias. Así, en manos deK.K. la obsesiva marcha del inicio nos toma de

sorpresa cada vez; el tercer tema, el famoso temade Alma, sugiere en unos pocos compases y ensus posteriores zarandeos cuánto debió de quererMahler no a una mujer sino a la suya propia, lo cualtiene mucho más mérito. Lo sabíamos tambiénpor una amplia selección de la correspondencia deambos, que Taurus editó en tiempo inmemorial.Los técnicos, en fin, también están contentos,pues el ruso ha grabado el movimiento inicial a unavelocidad endiablada, casi lapidaria, y se puedenir antes a comer.

Frente a esto, el historiado Scherzo suponeun gozne ingenioso, una suerte de bisagra a la queno escapará tampoco el lento, movimiento de granbelleza, cuyo hermoso tema inicial de la cuerda esexpuesto por los de Baden-Baden et al. con me-nos inspiración que el ya citado de Alma, si bieneste movimiento corre peligro de pasar inadverti-do en un lienzo sinfónico cuatripartita con espe-cial querencia por los (tiempos) extremos.

Mahler llevaba estampados en el alma tor-mentos de raíz dostoyevskiana y nietzscheana; enel Finale, construyó, oreó y se dejó inmensos sa-beres, ¡esas postrimerías que son a veces el puntodébil de la sinfonía romántica, ahormada casi siem-pre dentro de la forma sonata, mas he aquí un com-

bate fiero, oscuro y fulgurante, entre la esperan-za henchida de salud y la desazón vital más opri-mida y torva! Esta Sexta es una pieza volcánica, ca-taclísmica, es conflicto extremo, zozobra, apea-dero, dos martillazos en fortissimo... y también doshuevos duros.

Hoy es lunes, día de San Cristóbal, patrón delos conductores. Son las doce de la noche. Consinfonías así, y tocadas por éste, no sé cómo alguiennecesita tanto fútbol.

PourquoiKondrashin?

Joaquín Martín de Sagarmínaga

Una volcánica Sextamahleriana por el gran director moscovita

KIRILL KONDRASHIN dirige GUSTAV MAHLER (1860-1911):Sinfonía nº 6 en la menor "Trágica"

SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. KirillKondrashin, director / HÄNSSLER / Ref.: 94.217 (1 CD) D4

“Toda mi vida, siempre que he dirigido lo he hechocomo compositor”. El gran Wilhelm Furtwängler,cuyos éxitos como director habían relegado su ca-rrera como compositor y no evitaron que sus obrascayeran en el olvido (no habría un segundo Mahler,su tiempo nunca llegó), debió sentirse feliz cuandola Orquesta de la Radio de Stuttgart le invitó a di-rigir su Sinfonía nº 2 en Mi menor el 30 de marzo de1954. Su obra más popular junto con el Conciertopara piano, la Segunda es una obra mastodóntica(82’), monumental, con la que Furtwängler clamasu fe en la tonalidad, un homenaje a un pasado do-lorosamente evanescente (movimientos extremos àla Bruckner, en forma sonata tritemática, reminis-cencias de Brahms, Wagner, Sibelius, cita del mo-tivo BACH, subrayando su adhesión inquebranta-ble a la gran tradición) que muestra su aislamientoartístico y su alejamiento de un tiempo que ya no erael suyo. La dirigiría en 21 ocasiones entre el 22 de fe-brero de 1947, fecha de su estreno absoluto, y el 20de septiembre de 1954, en el que sería su últimoconcierto, y llegó a grabarla para DG en 1951.

Si las grabaciones anteriores mostraban unwork in progress con desigualdades, en Stuttgart,pese a dirigir una obra desconocida a una orques-ta poco habituada a su peculiar estilo, en una salade circunstancias, prestada por la compañía detransportes local, las piezas encajaron maravillosa-mente. Furtwängler logró aquí su mejor interpre-tación de su gran obra, alcanzando cotas irrepeti-bles de espontaneidad e intensidad. El conciertoconcluyó con una pieza “ligera”, la Primera de Be-ethoven, que en manos de Furtwängler mira haciadelante, no hacia atrás. Ésta y la de Viena 1952 (envivo, Tahra, M&A) son sus mejores versiones de laobra. El concierto de Stuttgart ya había aparecidoen 1996 en Mediaphon con excelente sonido mo-nofónico. Hänssler aplica reverberación artificial,práctica de dudoso gusto que ya empañó la magnaedición Schuricht.

Furtwängler sereivindica

Miguel Ángel González Barrio

La Segunda Sinfonía del míticodirector, en Hänssler

FURTWÄNGLER dirige FURTWÄNGLER: Sinfonía nº 2;BEETHOVEN: Sinfonía nº 1

Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR. Dir.: WilhelmFurtwängler (1954) / HÄNSSLER / Ref.: 94.215 (2 CD) D4 x 2

Kiril Kondrashin

32 diverdi siglo XIX

Todo parece tener cabida en el oceánico legado deJulius Röntgen. Tras sus últimas incursiones en elciclo sinfónico del músico germano-holandés, CPOse sumerge en esta ocasión en su literatura concer-tante para violín y piano con dos nuevas entregasa cargo del habitual –y siempre solvente–David Por-celijn al frente de dos agrupaciones alemanas yotros tantos solistas encargados de rehabilitar cin-co partituras de notable interés. Recordemos que,además de gran pianista, el prolífico músico lipsien-se tocaba con destreza la viola y el violín, este úl-timo instrumento casi obligado en la familia Rönt-gen: su padre fue durante mucho tiempo concer-tino de la Orquesta de la Gewandhaus y su prime-ra esposa también fue violinista, profesión igual-mente de sus hijos Julius y Joachim (con cuyo nom-bre el padre homenajeó a su amigo de toda la vida,el gran Joseph Joachim).

A la violinista holandesa Liza Ferschtman –aquien conocíamos de sus anteriores registros enBrilliant y, más recientemente, en Challenge– leha tocado defender tres densas páginas, ambicio-sas y verdaderamente comprometidas. El Concier-to para violín en la menor, primero del catálogoröntgeniano, fechado en 1902 y estrenado un añodespués por Bram Eldering (alumno de Joachimy antaño concertino de la Filarmónica de Berlín)con la Concertgebouw de Ámsterdam dirigida porel autor, es una amplia partitura preñada de nos-

talgia –basta con escuchar su bellísimo Lento cen-tral– con la que Röntgen parece querer rendir unúltimo homenaje de sumisión a ese lenguaje ro-mántico de tintes conservadores aprendido enLeipzig que casi nunca pretendió apartarse de lasenda emprendida por Mendelssohn, Schumanny Brahms y continuada fielmente por sus suceso-res Reinecke, Bruch y tantos otros nombres demenor estatura.

La preciosa Balada, compuesta en una sema-na de abril de 1918, es una página de emocionan-te lirismo cuya atmósfera predominantemente aba-tida refleja la fecha de su escritura y la lógica pre-

ocupación del músico, establecido en Holanda,por la situación de algunos miembros de su fami-lia, entre otros sus dos hermanas, residentes enuna Alemania que se encontraba entonces al bor-de de la derrota bélica. De discurso más concen-trado que el anterior, el Concierto nº 3 no oculta sutardía deuda para con el amigo y maestro Brahms–la obra fue compuesta por Röntgen en 1931, su pe-núltimo año de vida– en el imponente Moderato ini-cial, pero su sutil instrumentación revela transpa-rencias –escúchese el mágico Andante tranquillo–de signo impresionista. Röntgen dedicó la obra ala violinista húngara Jelly d’Arányi, sobrina de Jo-achim para quien Ravel escribió su Tzigane y Bar-tók sus dos sonatas para violín y piano. Por razo-nes desconocidas, no fue ella la responsable delestreno de la obra, que correría a cargo de JoachimRöntgen y Van Beinum al frente de la Orquestadel Concertgebouw, en un concierto de 1942 queconmemoraba el décimo aniversario de la muertedel compositor.

El registro protagonizado –¡y de qué mane-ra!– por el pianista Matthias Kirschnereit, granintérprete de Mendelssohn, abarca también unadistancia temporal de más de un cuarto de siglo enel catálogo de Röntgen. El Concierto para piano nº2 op. 18 es una página todavía juvenil (1879) que elautor consideró como su primera obra a conside-rar en este terreno, retirando de la circulación elprimitivo nº 1 de 1874. Compuesto a lo largo del ve-rano de 1879, con el músico ya establecido en Áms-terdam y a punto de casarse, refleja una poderosí-sima influencia de Brahms –y también, mirando

algo más atrás, de Schumann– que por momentosllega casi hasta el mimetismo. No por casualidadRöntgen, brahmsiano impenitente, se había des-plazado hasta Leipzig unos meses antes para acu-dir al estreno, a cargo de Joachim, del Concierto paraviolíndel hamburgués. El propio compositor estre-naría la obra, con su padre en el podio de la Ge-wandhaus, en 1881.

Veintiséis años después Röntgen hará lo mis-mo con su Concierto nº 4 en fa mayor, escrito enjulio de 1906, sólo unos días después de compo-ner una sonata para violonchelo y piano destina-da a Casals. El dramatismo que lo impregna tra-

duce, en cierta medida, su conflicto latente con Wi-llem Mengelberg, para quien Röntgen y otrosapóstoles de Brahms sólo representaban el pasa-do, y que propiciaría durante años su alejamien-to de los conciertos sinfónicos de la Concertge-bouw. De nuevo, la inefable poesía que envuelvea su movimiento lento certifica la formidable ta-lla de su autor. Como recuerda Jurjen Vis en susnotas al disco, “el 11 de febrero, [Röntgen] se la-mentaba a Grieg declarando su partitura vergon-zosamente difícil. […] Se comprende mejor porqué, desde 1907, ni un solo pianista se ha tomadola molestia de medirse realmente con el CuartoConcierto de Röntgen”.

Nuevos perfiles de Röntgen

Juan Manuel Viana

CPO edita dos nuevos registros con cinco obras concertantes para violín y piano del músico de Leipzig

JULIUS RÖNTGEN (1855-1932): Concierto para violín en lamenor; Balada para violín y orquesta; Concierto para violínen fa sostenido menor

Liza Ferschtman, violín. Deutsche StaatsphilharmonieRheinland-Pfalz. David Porcelijn, director / CPO / Ref.:777437-2 (1 CD) D2

JULIUS ROENTGEN (1855-1932): Conciertos para piano, vol.2

Matthias Kirschnereit, piano. NDR Radiophilharmonie. DavidPorcelijn, director / CPO / Ref.: 777398-2 (1 CD) D2

““A la violinista holandesa Liza Ferschtman le ha tocadodefender tres densas páginas, ambiciosas y

verdaderamente comprometidas. [...] La inefable poesía

que envuelve al movimiento lento de su Concierto nº 4

en fa mayor , protagonizado –¡y de qué manera! – por el

pianista Matthias Kirschnereit, certifica la formidable

talla de su autor.””

33siglo XIX 207 / octubre 2011

En febrero de 2010, la revista Gramophone, última-mente muy proclive a publicar influyentes rankingsmusicales, difundió una lista con los diez momen-tos musicales de la primera década del siglo XXI.Y, tras la introducción del iPod, el fenómenoorquestal venezolano encabezado por Dudamel, larevolución oriental liderada por Lang Lang, el rena-cer de grandes orquestas en manos de nuevos direc-tores como Levine en Boston o Chailly en Leipzig,o la consolidación de nuevos compositores (Adès,Lindberg o Golijov), situaba en sexto lugar la eclo-sión de una pléyade de jóvenes violinistas y, enespecial, de jovencitas bellas y talentosas. La listaes amplia pero es fácil nombrar sin pensar muchoa Batiashvili, Benedetti, Fischer, Hahn, Hanslip,Jansen, Kopatchinskaja o Steinbacher, pero tam-bién a las tres protagonistas de estas líneas: la ruso-tatar Alina Ibragimova (1985), la letona BaibaSkride (1981) y la holandesa de origen ruso LizaFerschtman (1979); podríamos hablar incluso detres verdaderos ángeles de Charlie violinistas, espe-cialmente ahora que acaba de estrenarse en EE.UU.el remake de esa mítica serie de los setenta.Empezando por la rubia Ibragimova, la KrisMunroe del trío de “ángeles”, ya tratamos sobre ellaen los primeros dos lanzamientos de su integral delas sonatas violinísticas de Beethoven paraWigmore Hall Live, registrada en tres conciertoscelebrados entre octubre de 2009 y mayo de 2010junto a Cédric Tiberghien (véanse los Boletinesnº 196, pág. 40 y nº 198, pág. 39). Y, a pesar de queno ha resultado en su conjunto una integral redon-da, hay que reconocer que este tercer lanzamien-to es el mejor; las importantes dosis deespontaneidad e imaginación y su química con elpianista francés hacen esta vez su trabajo y esta-mos, por ejemplo, ante una Sexta musicalmenteexuberante, una Tercera fresca y equilibrada o unaKreutzer vitalista y apasionada; la joven violinistaexhibe un tono diferente e idealmente coloreadopara cada obra en total sinergia con su partenaire.

La nueva generación violinística femenina nosólo destaca en el repertorio convencional, sinoque mantiene una intensa actividad camerística ytampoco es ajena a la música contemporánea o

incluso a los usos historicistas. Skride, la sensibleKelly Garrett de nuestro trío de “ángeles”, combi-na prácticamente todas esas facetas con un estilolírico y personal que le permitió alzarse en 2001 conel primer premio en el Concurso Internacional“Reina Elisabeth” de Bruselas; en 2004 firmó uncontrato con el sello Sony Classical donde ha regis-trado interesantes versiones de los conciertos deShostakovich, Janácek o Tchaikovsky. Con estenuevo lanzamiento dedicado a Brahms inicia portodo lo alto una nueva relación con el sello Orfeo;una inteligente combinación de música del ham-burgués con Joseph Joachim como telón de fondo,al incluir el Concierto para violín con su cadenza oel arreglo que hizo para violín y piano de las popu-lares Danzas húngaras. La combinación resultatodavía más sorprendente cuando el Concierto,que ha sido registrado en vivo, destaca por su affai-re camerístico con el director de orquesta SakariOramo (él mismo también violinista) que le ofre-ce al frente de la Royal Stockholm Philharmonicun acompañamiento muy corporativo y las Danzas,grabadas en estudio, por el empaque sinfónico queconsigue junto a su hermana Lauma, con la quehace dúo habitualmente (juntas estrenarán estemes de octubre el doble concierto del danésHansAbrahamsen); y eso que para cada obra Skride dis-pone de un stradivarius diferente: el poderoso“Wilhemj” para el Concierto y el sedoso “Ex Baronvon Feilitzsch”, hasta hace poco propiedad deGidon Kremer, en las Danzas.

Otro aspecto novedoso de la nueva generaciónde violinistas es su preparación intelectual y, porextensión, su implicación en la dirección artísticade festivales o en la programación de salas de con-cierto. Si hace algunos años Skride hizo sus pini-tos como directora artística de un auditorio,Ferschtman (nuestra brillante Sabrina Duncan deltrío de “ángeles”) dirige desde 2007 el principalfestival holandés de música de cámara que se cele-bra todos los veranos en la ciudad de Delf. Estajoven representa otro ejemplo del enorme poten-cial violinístico que tiene hoy Holanda bien cono-cido a través de Janine Jansen; de hecho,Ferschtman comparte con ella el prestigiosoNederlandse Muziekprijs con tres años de dife-rencia. Su discografía comenzó a despegar con suvinculación al sello Challenge Classics donde ya hagrabado dos estupendos discos en solitario conobras de Bach e Ÿsaye o acompañada por el pia-nista Inon Barnatan con sonatas de Beethoven ySchubert. Este tercer lanzamiento lo dedica a laobra orquestal de Beethoven y está acompañada porJan Willem de Vriend y la Netherlands SymphonyOrchestra, inmersos precisamente en un intere-sante ciclo sinfónico beethoveniano dentro delmismo sello. Y es que, sin más, estamos ante unade las mejores grabaciones recientes del Conciertode Beethoven, perfectamente hermanada con lasdos Romanzas, que se sitúa a medio camino entrelos excesos creativos de Kopachinskaja en Naïve(véase Boletín nº 184, pág. 38) y la carencia vital de

Jansen en Decca o la falsa espontaneidad deBatiashvili en Sony. Ferschtman toca una versiónrefinadísima y luminosa que fluye con total natu-ralidad de principio a fin y que encima cuenta conun acompañamiento de habitual élan historicistaidealmente equilibrado con el solista.

Los ángeles de Charlie violinistas

Pablo-L. Rodríguez

Los formidables Beethoven y Brahms de Alina Ibragimova, Baiba Skride y Liza Ferschtman

JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Concierto para violín yorquesta; 21 Danzas húngaras

Baiba Skride, violín. Lauma Skride, piano. Royal StockholmPhilharmonic Orchestra. Sakari Oramo, director / ORFEO /Ref.: C829112A (1 CD) D2

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Concierto paraviolín; 2 romanzas para violín y orquesta

Liza Ferschtman, violín. Netherlands Symphony Orchestra.Jan Willem de Vriend, director / CHALLENGE RECORDS /Ref.: CC 72384 (1 CD) D2

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Sonatas para violíny piano, vol. 3 - Sonatas para violín y piano núms. 1, 3 yKreutzer

Alina Ibragimova, violín. Cédric Tiberghien, piano (2010) /WIGMORE HALL LIVE / Ref: WHLIVE 0045 (1 CD) D5

34 diverdi siglo XX

En el coctel que siguió al concierto y ceremonia deentrega del Premio Nestlé para jóvenes directo-res, que se celebró en el Festival de Salzburgo lamatinéedel 14 de agosto de 2010, una periodista chi-na expresó al vencedor, el alemán David Afkham(1983), la impresión que le había causado su pasiónen el podio. El joven director, lejos de esbozar uncortés asentimiento, le espetó la siguiente respues-ta: “No es sólo pasión. Tan importantes son paramí la disciplina y la preparación mental”. El selloOrfeo nos presenta con este CD a otro gran direc-tor joven cuyo nombre no tardará en unirse a losya habituales de Dudamel, Nelsons, Nézet-Seguin,etc... Y es que este joven alemán de origen parsi yfamilia eminentemente musical (su hermano Michaes violista en la Berliner Philharmoniker) no esningún recién llegado: en los últimos años ha sidoasistente de Gergiev en Londres, Haitink enChicago, Salonen en Los Angeles y Abbado en laGustav Mahler Jugendorchester. Precisamente fueesta última formación (por cierto, plagada de espa-ñoles) la elegida para su concierto como vencedordel concurso con un ambicioso programa que seabría con Atmosphères de Ligeti y el Tercer concier-to para piano de Beethoven con Till Fellner comosolista y culminaba con la Décima sinfonía deShostakovich; una pena la supresión de la obrabeethoveniana donde quedó patente la imagina-ción del joven Afkham como acompañante. Laobra de Ligeti ya muestra su capacidad para impo-ner la trasparencia en esta compleja partitura yconseguir matices, contrastes y texturas muy espe-ciales. No obstante, la clave de su éxito reside enla Décima: un verdadero milagro de interpretaciónorquestal, construida de una pieza y llena de auda-cia, concentración y personalidad. Welser-Möstya lo recalcó al entregarle el premio: “Es jovenpero, a diferencia de otros, éste al menos dirige”.

No es sólo pasión

Pablo-L. Rodríguez

Impresionante debut discográficode David Afkham, en Orfeo d’Or

DAVID AFKHAM dirige GYÖRGY LIGETI (1923-2006):Atmosphères; DIMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975):Sinfonía nº 10

Gustav Mahler Jugendorchester. David Afkham, director /ORFEO / Ref.: C797111B (1 CD) D4

La escuela violinística franco-belga, que alcanza-ría su apogeo entre las postrimerías del siglo XIXy los primeros años del XX constituye una inago-table cantera de descubrimientos y sorpresas. Laúltima ha tomado forma en este precioso discoque contiene las dos sonatas para violín y piano delhoy desconocido Victor Vreuls (1876-1944). Nacidoen Verviers � la misma pequeña localidad de pode-rosa industria textil situada al este de Lieja donde,antes que él, vieron la luz Vieuxtemps y el malo-grado Lekeu� , Vreuls estudió con Sylvain Dupuisen su ciudad natal, tomó lecciones de Lekeu y seperfeccionó en París con D’Indy, que le invitaría adar clases de armonía en la Schola Cantorum.

Director de orquesta, animador de la vidamusical belga y director durante dos décadas (1906-26) del Conservatorio de Luxemburgo, Vreuls nosha dejado un legado creador muy diversificado queencierra tanto piezas instrumentales (los poemassinfónicos Cortège héroïque, Jour de fête o Werther;una Sinfonía para violín y orquesta galardonada conel Premio Eugène Ysaÿe) como vocales (el ciclode canciones La guirlande des dunes, sobreVerhaeren; las óperas Olivier le simple y Le songed’une nuit d’été).

La filiación franckista de Vreuls es evidentedesde los primeros e incandescentes compases desu Sonata nº 1 (1900), obra dedicada a Ysaÿe y quese inscribe por derecho propio entre las más dis-tinguidas herederas de la inalcanzable Sonata paraviolín y pianodel Pater Seraphicus. No menos atrac-tiva es la Sonata nº 2 (1922-23), ofrecida por Vreulsa Mathieu Crickboom, dedicatario igualmente dela Sonata nº 5 de Ysaÿe y del Cuarteto op. 35 deChausson. Como siempre, Cyprès ha cuidado converdadero mimo todos los detalles: no sólo lasinterpretaciones de la veterana Andersen, paraquien esta música no tiene secretos, y el joven EliotLawson son suntuosas; también son espléndidoslos comentarios de Nicolas Derny y la anónimailustración elegida como portada.

Otra gozosaresurrección

Juan Manuel Viana

Sonatas para violín y piano deVictor Vreuls en Cyprès

VICTOR VREULS (1876-1944): Sonatas para piano y violín

Diane Andersen, piano. Eliot Lawson, violín / CYPRES / Ref.:CYP 4633 (1 CD) D2

Ondine edita en un práctico estuche el ciclo Pro-kofiev que el pianista Matti Raekallio grabó en-tre 1988 y 1997. Un total de cuatro discos en losque el pianista va sorteando las complicaciones,enormes, que plantea el repertorio, mostrandouna especial afinidad con el Prokofiev más explo-sivo. Cuantas más notas pueblan el pentagramamás cómodo parece sentirse Raekallio, que rea-liza una espectacular exhibición técnica, toda unademostración de nervio y de agilidad. Sorpren-de la variedad en los ataques a partir del forte, lafantasía de la articulación, siempre limpia y pul-cra, cuando el pulso se vuelve frenético. Raeka-llio golpea, martillea, hace crepitar al piano conuna mecánica exacta y un soberbio control sobreel sonido, llevando al límite de las posibilidadessonoras y digitales el discurso más salvaje y arro-llador. De ahí que el ruido y la furia de las sona-tas “de guerra” reciban una traducción impeca-ble, e implacable; de ahí también que las prime-ras obras conserven en manos del pianista esecarácter provocador, de elegancia perversa, dia-bólica, endemoniada. Más dificultades encuentraRaekallio a la hora de enfrentarse con el Proko-fiev más sugerente, a la hora de administrar lossilencios, de extraer poesía de las páginas mássutiles y delicadas. Le cuesta, por ejemplo, co-nectar con la fascinante musicalidad de la segun-da sonata, y los resultados de su interpretación sondispares por lo que se refiere a las colecciones in-cluidas en los dos últimos discos: los Etudes Op.2y los Sarcasms Op.17 resultan ejemplares, las Vi-sions fugitives Op.22 y los Tales of an Old Grand-mother Op.31 necesitarían una mayor dosis deimaginación y ternura, las diez piezas de Romeoy Julieta, por último, reclamarían más pasión, másatención al relato literario que las inspira. Un ci-clo, en suma, que se incomoda lejos del campo debatalla, donde su triunfo es incontestable.

El ruido y la furia

Ignacio González Pintos

Magno ciclo Prokofiev porRaekallio, en Ondine

SERGEI PROKOFIEV (1891-1953): Sonatas nº 1-9 y otras pie-zas para piano

Matti Raekallio, piano / ONDINE / Ref.: ODE 1103-2Q (4 CD)D4 x 2

35siglo XX 207 / octubre 2011

Hija de un político y aristócrata croata y de una condesa húngara, Dora Pejacevic nació en Budapesten 1885. Criada en el palacio familiar de Našice (Eslovenia), la considerada como primera composito-ra croata gozó de una educación privilegiada en la que el ejercicio de la música, alentado por su madre,jugó un papel especialmente destacado. Tras el traslado de la familia a Zagreb en 1903, la joven Dora,que hasta entonces se había formado con profesores particulares, estudia en el Instituto Croata deMúsica, perfeccionando su formación en Dresde y Múnich, dos de los grandes centros musicales de laépoca. Pianista y violinista además de compositora, Pejacevic comienza, en los primeros años del nue-vo siglo, a difundir sus creaciones en público contando como defensores de algunas de sus obras a lapianista Alice Ripper y al violinista Joan Manén.

Culta, curiosa, enérgica e independiente, Pejacevic entra en contacto con la élite intelectual de sutiempo. Es amiga de Rilke y de Karl Kraus, a cuyos textos pone música, como también a algunos deNietzsche. Schönberg revela al público vienés su Verwandlung, para voz, violín, y órgano, sobre el poe-ma homónimo del creador de Die Fackel, y Oskar Nedbal interpreta en 1918, al frente de laTonkünstlerorchester de Viena, dos movimientos de su única sinfonía. Los años posteriores a la GranGuerra coinciden con el apogeo de su fama, viajes constantes (Múnich, Praga, Budapest, Viena) y sumatrimonio en 1921 con un oficial austríaco. Desde esa fecha la compositora vivirá en Dresde y Múnich,donde fallece en 1923 de una insuficiencia renal tras el nacimiento de su hijo.

Los archivos del Instituto Croata de Música custodian en Zagreb el legado musical de DoraPejacevic: 57 obras catalogadas entre las que se encuentran cuatro partituras orquestales, numerosaspiezas vocales y pianísticas y un sustancioso legado camerístico. Siempre a la búsqueda de lo descono-cido, CPO publica ahora, en versiones admirables, cuatro obras perfectamente representativas del que-hacer de esta carismática autora. Estrenada en Dresde en 1920, la Sinfonía op. 41 no está exenta deocasionales prolijidades en su extenso primer movimiento –la obra, concluida en 1917, pasa por ser laprimera sinfonía moderna croata junto con la de Franjo Lucic, compuesta el mismo año– pero la ins-piración es fresca, su melodismo cálido y las huellas estilísticas que pueden rastrearse (la de Dvoráken el transparente y danzante Scherzo; la de Franck en un Allegro appassionato de elaboración cíclica;la de Chaikovski en su temperatura emocional y brillo conclusivo) no emborronan su sinceridad yempuje. La Fantasía concertante para piano y orquesta op. 48 (1919) que cierra el primer disco es ya unaobra perfectamente elaborada, sin caídas de tensión y en la que Pejacevic resume en un único movi-miento de brillante discurso para el solista la estructura tripartita tradicional del concierto romántico.

El repertorio de cámara, fundamental en el conjunto de su obra, está representado por una segun-da grabación que reúne dos páginas de más que sobrado atractivo. El Trío para violín, violonchelo y pia-no nº 2 op. 29 está fechado en 1910 y confirma el grado de madurez estilística y formal alcanzada por lacroata en este dominio tras un imperfecto ensayo juvenil de 1902. La Sonata para violonchelo y pianoop. 35, compuesta en 1913, revisada en 1915 y estrenada, como la obra anterior, en Budapest, corrobo-ra que el retrato discográfico de esta gran dama de la música, aunque iniciado con injusto retraso, noha hecho más que empezar.

Retrato (incompleto) de una dama

Juan Manuel Viana

CPO nos revela a la compositora croata Dora Pejacevic

DORA PEJACEVIC (1885-1923): Sinfonía op. 41; Fantasía Concertante

Volker Banfield, piano. Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. Ari Rasilainen, director / CPO / Ref.: 777418-2 (1 CD)D2

DORA PEJACEVIC (1885-1923): Trio con piano; Sonata para violonchelo y piano

Andrej Bielow, violín. Christian Poltera, violonchelo . Oliver Triendl, piano / CPO / Ref.: 777419-2 (1 CD) D5

Nuevo descubrimiento que agradecer a Timpani: elde Jean Cartan, nacido en el seno de una familia degrandes científicos –su padre Élie y su hermanomayor Henri, matemáticos de prestigio mundial, yel brillante físico Louis, mártir de la Resistencia–,alumno de composición en el Conservatorio deParís de Widor y Dukas, aunque consideraba a AlbertRoussel, Debussy y Stravinsky sus auténticos maes-tros. Afectado de tuberculosis, tras un prometedorarranque de carrera con una docena de obras de losmás diversos géneros –camerístico, vocal (Chantsd’été, ciclos de mélodies sobre Villon, Mallarmé oTristan Klingsor), orquestal (A la memoria de Dante)y coral (Pater, para solistas, coro y orquesta)–, falle-ció en un sanatorio a poco de cumplir 25 años.

Aunque adscribible al neoclasicismo de entre-guerras, nada hay en la música de Cartan que sue-ne a fórmula o pastiche; rigor constructivo, capacidadpara integrar en una voz personal los elementos másdispares (canciones populares, sarabandas barro-cas, ecos beethovenianos, danzas americanas), dis-tinción e imaginación melódicas, uso eficaz de ladisonancia, vigor rítmico, son todos ellos rasgosestilísticos de una música original, de honda entra-ña poética y autenticidad expresiva. Dos cuartetosde cuerda –vibrante, arrollador, rico de vida y con-trastes, el sucinto primero en cuatro movimientos,mientras que el maduro segundo, de complejidadcontrapuntística y tonalidad emancipada, consta detres–, una Introducción y Allegro para piano y quin-teto de vientos de delicioso encanto pastoral, y unaSonatina para flauta y clarinete (estrenada en Oxforden el festival de la SIMC de 1931) que no tiene nadaque envidiar al joven Poulenc, componen este fres-co compositivo que nos deja con afán de conocer elresto del legado de quien era mucho más que una pro-mesa en su temprana desaparición. El Cuarteto yEnsemble Stanislas, establecidos en Nancy, ciudadnatal de Cartan, son los brillantes y entregados tra-ductores de tan sugestivas partituras.

Jean Cartan, unarevelación

Santiago Salaverri

Integral de cámara del malogradoautor francés de entreguerras

JEAN CARTAN (1906-1932): Integral de la música de cáma-ra

Ensemble Stanislas. Quatuor Stanislas / TIMPANI / Ref.:1C1187 (1 CD) D2

36 diverdi siglo XX

No necesité esperar a ser viejo para calar a esoscolegas míos que fingen fastidio cuando les lleganlos juguetes, esto es, los álbumes policromos delos que han de dar cuento rendido, y en los que amenudo se encuentran jefes de obra. ¿Hay mayorplacer que recibir este sexto volumen de la Anto-logía de la Orquesta del Concertgebouw de Ams-terdam, por mucho que desde hace años espere-mos el primero, que acaso llegue…? Y nadie se sor-prenderá si desde el primer momento digo que, en-tre tantas maravillas de la década final del siglo,década que ahora vemos feliz y algo inope para esteOccidente atolondrado, hay algunas que uno pre-fiere sobre otras, sin más justicia que la del arbi-trario gusto estético en el que se mezclan inquie-tud y hasta temor con el consabido cóctel de de-leites, siempre distinto y no por completo sen-sual, sólo principalmente sensual. Ese temor-in-quietud y esa sensualidad acompañada de otras ins-tancias placenteras son fuentes del gusto. A con-dición de que estén bien informadas, y eso vienede antes.

Podríamos decir: estamos en una década de-cisiva para este conjunto de Amsterdam. Pero to-das lo fueron. Esta década es la de Chailly comotitular, elegido por el pueblo, esto es, por la or-questa, para sorpresa e incluso consternación demuchos; no olvidemos esto, resulta que la orques-ta tenía razón, y así lo demostró el tiempo. Haitinky la orquesta –tanto tiempo juntos– se distancia-ron. Pero regresó, no podía ser de otro modo. Fa-llecían los grandes maestros del pasado, perma-necían y crecían otros, como Boulez o Harnon-court. Y surgían otros valores, como Mariss Jan-sons, que tanta importancia iba a tener para el con-junto de Ámsterdam: atención a esas densas, in-quietantes Piezas op. 16 de Schoenberg a finalesde 1995. Sucedería a Chailly como director prin-cipal en 2004. Las otras cosas importantes de la dé-cada no vamos a repetirlas, están en el libreto, quecuenta otras sabrosas, algunas crisis o conflicto,problemas económicos, etc.

En cuanto a los directores cercanos, asocia-dos, invitados, bienvenidos… a ellos nos referi-mos ya mismo.

Este álbum tiene fuentes de gusto inmediato,como la Pastoral de Sawallisch, en fecha tan tardíapara él como 1991, una belleza que permite ensue-ños. Como la Grande de Schubert por Gardiner,cuando empezaba a despuntar claramente en esterepertorio que hasta ese momento no parecía elsuyo; precisamente, él la hace más “clásica”, me-nos pre-bruckeriana. Es legítimo, y más que eso:es su sentido histórico, pero no sólo. Como eseciclo temprano y penetrante de Berlioz, Las no-ches de estío, con Ann Murray, en una línea quenos produce un dolor gozoso, subrayado todo porel acompañamiento de Haitink. Como la Cuaren-ta de Mozart por Harnoncourt: en las anterioresantologías casi siempre hay una Cuarenta de Mo-zart, y eso permite comprender cómo transitó elnivel de conciencia sonora y artística y tímbricade este compositor, y muy especialmente graciasa Harnoncourt, que a estas alturas (marzo de 1991)ya era más que un descubridor de los sonidos ocul-tos del Barroco y el Clasicismo. Su Mozart es ex-traordinario en esta toma de hace veinte años, y conla orquesta que él supo conquistarse. La OberturaTrágica de Brahms y la Fantasía de Schumann (conZehetmair) las resuelve también Harnoncourt,mediada la década.

Muerte y transfiguración, en manos de KurtMasur resulta de dramatismo contenido, una na-rración sugerida. Mas atención a esa Quinta deMahler que Tennstedt, gran mahleriano, desgra-naba una vez más con hondura sin muecas en di-ciembre de 1990. En fin, y aunque no falten otrasfuentes aquí presentes de belleza inmediata, ter-minemos con una Ma Mère l’Oye por Haitink,que para entonces, febrero de 1993, ya lo había gra-bado al menos un par de veces, así, íntegro, estoes, la versión “ampliada” para hacer de ello unballet, que nunca funcionó bien como tal y que seconvirtió en una suite sinfónica maravillosa, qui-zá tanto como Dafnis. No, no terminamos: no meresisto a añadir una proeza del viejo Kurt Sander-ling –al que acabamos de perder–, una Tercera deBruckner que demuestra que grandeza y monu-mentalidad son cosas distintas: un gran corazón;basado, sí, en la gran capacidad de desarrollo y enla variación, pero corazón y no basílica ni túmu-lo. Sanderling hace aquí doblete, con una esplén-dida Quinta de Shostakóvich.

Y ahora las secuencias de inquietud cuya be-lleza hay que penetrar con más cuidado que el delaficionado medio que todos llevamos dentro y alque tenemos que llamar la atención cuando pasa-mos cierta raya temporal, la que marcan las fechasde los vieneses, los húngaros, ciertos centroeuro-peos, ciertos músicos ocultos y, desde luego, lavanguardia. Pero no podemos señalarlo todo. Jo-yitas, en cualquier caso.

Este Concerto para orquesta de Lutoslawskipor Skrowaczewski es una referencia nueva e in-discutible de un título cada vez más presente delesplendoroso compositor polaco al que tantas ve-ces vimos dirigir en nuestro país sus propias obras.Una de esas referencias que permiten una pará-frasis: “Ah, Lutoslawski: cada día compone me-jor”. No ha de extrañar, no descubrimos un mun-do nuevo. Skrowaczewski lo ha grabado repetidasveces, lo ha dirigido y dirigido. Era de esperar quele saliera redonda también esta grabación en vivode 1993.

El castillo de Barbazulde Iván Fischer, de 1990,es un registro anterior en once años al que ahoranos llega del sello Channel Classics, con la mismaprotagonista, la magnífica mezzo húngaro IldikóKomlósi (Carmen, Oktavian, Cherubino, Laurade La Gioconda...), que en ese momento era una jo-ven de treinta años. Completado el doble elenco conmenor fortuna con el veterano bajo húngaro Ko-los Kovács, Iván Fischer logra en este registro ho-landés una auténtica referencia (otra).Unas semanas después de dirigir este Faunodebuss-yano de 1995, Jean Fournet cumplía 82 años. Y yaven, en plena forma colorista. Es cierto que no haynada como tener un instrumento como esta cen-turia, que además se sabe la pieza de memoria.Pero Fournet fue uno de los debussyanos de siem-pre, de los que todavía conocieron la tradición in-mediatamente posterior no como supervivencia,sino como algo vigente.

Una breve maravilla es el Concierto para trom-petade B. A. Zimmerman (1954), subtitulado ‘No-body knows de trouble I see”, música de base ne-gra (ojo a ese de, no the), un alegato artístico con-tra el racismo de entonces en Estados Unidos. Latrompeta, en tesitura aguda, parece la queja de al-guien doliente (Zimmerman lo era, por las terri-bles heridas de guerra y por las secuelas, y otrasheridas; pero era otra la queja que evocaba aquí).Edo de Waart acompañaba al excelente trompetaPeter Masseurs en ese concierto de 1995, cuandose cumplían 25 años de la muerte del compositor.

Boulez, el vanguardista que ganó la gracia delmar, recrea con tensión y con emotiva objetividad(sin muecas, también él, desde luego) la tempranapartitura de Schoenberg Noche transfigurada. Bou-lez nunca cambió de opinión, pero en su infinitasabiduría supo perdonar las culpas del pasado.

Theo Loevendie (1930) es el único holandéscontemporáneo de esta antología. Su Concertopara piano de 1996 (estreno) es cualquier cosa me-nos vanguardia. Felizmente, porque los epígonos

Sonora felicidad

Santiago Martín Bermúdez

Tesoros de la década de los noventa de la Concertgebouw, en RCO

““Lecturas sencillamenteextraordinarias de estaantología de antología.[...] Son veintitantashoras de felicidad.””

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ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA: Antología, Vol. 6[Grabaciones radiofonicas en directo (1990-2000)]

Klaus Tennstedt, Wolfgang Sawallisch, Charles Dutoit, AndréPrevin, Edo de Waart, Riccardo Chailly, Reinbert de Leeuw,Bernard Haitink, Nikolaus Harnoncourt, Peter Eötvös,Gennady Rozhdestvensky, Kurt Masur, Kurt Sanderling, SirJohn Eliot Gardiner, directores / ROYAL CONCERTGEBOUWORCHESTRA / Ref.: RCO 11004 (14 CD) D2 x 5

o seguidores o admiradores de la vanguardia soncomo Stockhausen cuando envejeció: repetidores(no de fórmulas; sino de muecas sonoras). El Con-certode Loevendie es claramente “moderno”, pun-tillista en una línea que se apoya en acordes de algodisonante y muy bella tímbrica de fondo. Brauti-gam lo mima, lo recrea con toda objetividad y to-que apolíneo. Chailly protege a ambos. No de Bou-lez, ya estamos en 1996. La modernidad plena (noexactamente vanguardia) está presente con Cop-tic Light, obsesiva secuencia de Morton Feldmanen la batuta del compositor y director Peter Eötvös.Pero la vanguardia no falta: Berio, todavía vivo en1997, recreaba su asombrosa Sinfonía de 1969 conesta orquesta y con los Swingle Singers, aquí, enAmsterdam. Dutoit daba vida sonora superior a dosclásicos de la penúltima música francesa, uno deellos felizmente vivo: L’Arbre des Songes de Duti-lleux con la pasmosa Isabelle von Keulen, más lasjuveniles Tres Liturgias de Messiaen.

Mas todo tiene un límite. Así que me limita-ré a señalar algunas lecturas sencillamente extra-ordinarias (también) de esta antología de anto-logía: la Cuarta de Sibelius (unas de las “raras”),bellísima en la batuta de Paavo Berglund; las Me-tamorfosis Weber de Hindemith en manos deChailly; las Liriche Greche de Dallapiccola canta-das por Lucy Shelton y acompañadas por de Le-euw; El beso del hada de Stravinski desgranadopor Rozhdestvenski; Ives (Three Places) y Takemit-su (A Flock…) por el sensacional compositor ymuy interesante director John Adams; la Segun-da Sinfonía de Elgar por ese musicazo que es An-dré Previn. Y dos impresionantes ciclos vocales dedos posrománticos que fueron contemporáneos:Zemlinsky y unos Cantos sinfónicos, muy “músi-ca negra”, en la voz poderosa de Willard White(Chailly) y Vom ewigen Leben, de Schreker, en lavoz penetrante como arañazos de Claudia Ba-rainsky (Gerd Albrecht).

Pero, que conste: hay más. Son veintitantas ho-ras de felicidad. No necesito decirles que un pocode felicidad hay que llevarla puesta de antes.

La brillantísima historia reciente de la OrquestaSinfónica del Estado de Sao Paulo (OSESP) estáligada a la figura de John Neschling, su directortitular entre 1997 y 2009. Sobrino-nieto de Ar-nold Schönberg y de Arthur Bodanzky, hijo de ju-díos austriacos huidos del infierno nazi, Nesch-ling nace en Rio de Janeiro pero no tarda en cru-zar el charco para estudiar en Viena con Hans Swa-rowski, triunfar en los concursos de dirección deorquesta de Florencia, Londres o Milán y acumu-lar experiencia con puestos en Palermo, Burdeos,Lisboa y la misma Viena. Su ejemplar periodo deformación tendió más puentes: uno hacia el Tan-glewood de Bernstein y otro hacia su Brasil natal,donde en 1973 asume la dirección de los teatrosmunicipales de Sao Paulo y Rio de Janeiro. Nesch-ling llega a la OSESP con el propósito de transfor-marla radicalmente y con las ideas muy claras. Exi-ge la construcción de una nueva sala de conciertos,endurece los criterios de selección de los instrumen-tistas, internacionaliza la orquesta, eleva conside-rablemente su nivel técnico... Como consecuen-cia, los abonados crecen, la institución se amplíay se enriquece con nuevos proyectos, llegan loscontratos discográficos, el elogio unánime de lacrítica, los premios, el reconocimiento general. Eltorbellino acaba engullendo al propio Neschling:su relación con la orquesta se deteriora, su poderse vuelve incómodo para políticos y miembros delConsejo de Administración. Se pacta una suce-sión responsable, paulatina, pero las filtraciones,los excesos verbales, los malentendidos y las sali-das de tono aceleran los acontecimientos y aca-ban provocando el cese fulminante de Neschling.Un final triste, polémico y traumático –continúaabierto, salvo error, un proceso indemnizatorio–para una década, algo más, realmente prodigiosa.

Para disfrute del melómano BIS continúa edi-tando en forma de disco los capítulos inéditos deesta historia, y así nos llega ahora un programaHindemith cuya grabación data de 2008. Un re-gistro espléndido que demuestra que Neschlingconsiguió dotar de personalidad a su orquesta:nada suena exótico pero sí con un tono particular.A Hindemith le sienta de maravilla el traje de lino,

color hueso, que orquesta y director le confeccio-nan, y su figura adquiere una elegancia típicamen-te meridional: esbelta, elástica, flexible. Maderasdulces, metales cálidos, percusión brillante, cuer-da inquieta y ligera… el luminoso balance orques-tal conecta con el carácter íntimo de las piezas,con ese Hindemith que, sin que su lenguaje pier-da la erudición que le caracteriza, se muestra enellas especialmente sensible y cercano. El lirismoonírico, la fúnebre majestad de los corles de Mat-his der Maler; la escatológica espiritualidad, som-bría y quebradiza, agobiante, de Nobilissima Visio-ne; la fantasía oriental, el humor marchoso de lasSymphonic Metamorphosis… Neschling y la OSESPtraducen el exigente repertorio con brillante vir-tuosismo, sí, también con imponencia y majestadcuando es debido pero, sobre todo, con una luz, unaflexibilidad y una dulzura características. ¿TendráBIS reservado algún otro capítulo?

Una década prodigiosa: Hindemith en traje de lino

Ignacio González Pintos

Obras orquestales por la orquesta paulista, en BIS

PAUL HINDEMITH (1895-1963): Mathis der Maler;Nobilissima Visione; Metamorfosis sinfónica sobre temas deCarl Maria von Weber

São Paulo Symphony Orchestra. John Neschling, director /BIS / Ref.: BIS SACD 1730 (1 SACD) D3

““Neschling y la OSESPtraducen el exigenterepertorio conbrillante virtuosismo,sí, también conimponencia y majestadcuando es debidopero, sobre todo, conuna luz, unaflexibilidad y unadulzuracaracterísticas.””

38 diverdi siglo XX

El encuentro de Luigi Nono y Massimo Cacciaria finales de los setenta marcó un punto de infle-xión trascendental en la obra de compositor ve-neciano que, sin dejar de lado la temática de de-nuncia política que había caracterizado su obrahasta entonces, comenzó a abrirse hacia otros ho-rizontes poéticos en que dominaban las referen-cias a los poetas germanos como Nietzsche, Höl-derlin o Rilke, cuyo más llamativa huella se encuen-tra en el cuarteto Fragmente-Stille, An Diotima(1980), punto de partida de su última etapa. Altiempo, la creación en Freiburg del Estudio Expe-rimental de la Sudwestrundfunk auspiciado porla Fundación Strobel le abría un nuevo campo detrabajo: la electroacústica era ya un terreno de ex-ploración que había suscitado su interés desde lostiempos de Omaggio a Vedova (1960) y La fabbri-ca illuminata (1964), pero ahora podía desarrollarsu pesquisa hasta extremos impensables añosatrás. Surgen así una serie de obras que culminancon el desarrollo de la transformación electróni-ca del sonido simultánea con la ejecución (con lanescencia característica del presente, hoy se hapopularizado la locución en tiempo real: como sihubiese tiempos irreales) cuyo más señero vérticees la imponente Prometeo, tragedia dell’ascolto(1984), de la que ya se habló en estas mismas pá-ginas con ocasión del advenimiento del excepcio-nal registro discográfico realizado por Col leg-no. Llega ahora una nueva muestra de esa últimaetapa de su quehacer, que recoge dos obras naci-das en 1987, Risonanze erranti y Post-prae-ludium,que comparecen en excelentes versiones en lasque el referido Experimentalstudio de la SWRasume el obligado protagonismo.

De esta última obra, en concreto, se dispo-nía del histórico registro de su estreno en el Fes-tival de Donaueschingen el 17 de octubre de 1987a cargo del tubista Giancarlo Schiaffini: la graba-ción presente ofrece una mejor y más limpia tomade sonido y una interpretación más matizada eimaginativa de Klaus Burger, aunque, lógicamen-te, carezca de la calidez y el poso histórico del re-gistro en vivo, ostensible en algún ruido extem-poráneo así como en los obligados aplausos fina-

les de la première; a cambio, la mayor riqueza y va-riedad dinámica (dentro de la obligada parque-dad exigida por la partitura) aporta un más hon-do misterio a esta obra de belleza enigmática y as-cética. Nono, veterano de Darmstadt donde ha-bía estrenado ya algunas obras, se presentó enDonaueschingen en 1953 invitado por HeinrichStrobel, sin regresar hasta 1980 con algunos frag-mentos de Prometeo y otras composiciones in-mediatamente posteriores que, como sucede conQuando stanno morendo, constituían una suertede escolios derivados del pensamiento composi-tivo de esta última etapa. Post-prae-ludium nº1 perDonau [eschingen] es una especie de homenaje ala ciudad y a su Festival, así como el inicio de unaserie (que no llegaría a desarrollar) de obras parasolista y electrónica en vivo. Articulada en unaforma vagamente ternaria, elabora un itinerarioque avanza desde los ruidos asociados a la propiaejecución, el empleo de fonemas y multifónicosa la paulatina conquista de los registros extremosdel instrumento y el paso a los sonidos perfecta-mente afinados, ejemplificados por un Fa naturalque, bajo diversas apariencias, concluye la obra se-rena y luminosamente.

Risonanze erranti es un trabajo de especial ri-gor y radicalidad que elabora las consecuencias dePrometeo. Como allí, se parte de una base poe-mática que, en este caso, son poco más que des-hilachados girones procedentes de Battle piecesde Herman Melville y de Keine Delicatessen de In-geborg Bachmann. Fragmentos, palabras aisladasmás bien, destellos de lo que podría ser el espec-tro o la sombra de un poema que, despojados desu significación contextual, se descomponen en lamera sonoridad de sus fonemas individualizadospara convertirse en sonidos difractados median-te procesos electroacústicos: es como si avistáse-mos una etapa transfigurada de Il canto sospeso

en que, tres décadas después, el lenguaje regresa-ra para sumergirse de nuevo en la música y nau-fragar en ella, pero ahora a partir de un análisis for-mal que ya no deriva del serialismo sino de la pro-pia estructura armónica interna de la materia delhabla. Abstracción de los textos que, condensadainicialmente en sintagmas independientes, eva-cua toda posibilidad narrativa para, en la fase fi-nal de la obra, reducirse tan solo a una desnudaenumeración pronominal interrogativa, como sitoda individualidad posible se hubiera disuelto enel tiempo: empero, se marca una cierta direccio-nalidad metáforica (ya que no un argumento) quese desplaza desde la tempest burning, la hope fai-rest o la sweep stroming iniciales de Melville a laHunger, Tränen, Finsternis, Verzweiflung finales deBachmann. Sonidos aislados que se dirían prove-nientes de espacios y tiempos inaccesibles, islotessolitarios apenas entrevistos en un mar de silen-cio sin orillas, especie de micronesia de aconteci-mientos sonoros minúsculos entrecortados porviolentas y breves irrupciones de los instrumen-tos de parche. Resonancias errantes: pocas veces untítulo puramente musical habrá resultado más cer-teramente descriptivo de su realidad intrínseca,de su emoción y de su esencia.

El eco de los ecos

José Luis Téllez

Neos edita dos importantes composiciones de la alta madurez de Luigi Nono

LUIGI NONO (1924-1990): Risonanze erranti, Post-prae-ludium per Donau

Susanne Otto, contralto. Roberto Fabbriciani, flauta. KlausBurger, tuba. Les Percussions de Strasbourg. ENSEMBLEEXPERIMENTAL. EXPERIMENTALSTUDIO des SWR. DetlefHeusinger, director / NEOS / Ref.: NEOS 11119 (1 CD) D1

39siglos XX & XXI 207 / octubre 2011

Un unicornio puede resultar encantador y a la veztener mala prensa, todo depende de la experienciaestética que represente, de la cur-silería más abyecta al arte másconmovedor. Kaija Saariaho seha inspirado en la serie de tapi-ces La dama y el unicornio que seconservan en el Museo de Cluny,en París, para escribir una de susúltima obras, D’om le vrais sens(2010), para clarinete y orquesta,que se presenta por vez primeraen este disco. Naturalmente nohay descripción ni se supone quetampoco intención de hacerlosino, más bien, deseo por explicarese sentido que une a la cultura através de los siglos, del autor de lostapices a quien es una de las com-positoras –y compositores, paraincluir a los hombres igualmen-te– mejor consideradas de nues-tro tiempo. Es verdad que los mis-mo tapices aparecen en HarryPotter pero ya sabemos cuán per-meables son hoy las artes y susprotagonistas. Lo que sí es evi-dente es que aquí, en los seis epi-sodios que conforman la pieza,encontramos la transparencia quecaracteriza la escritura de Saaria-ho, su enorme pericia tímbrica yesa cualidad tan suya de hacer quelo que sucede tenga una continui-dad narrativa excelentemente con-seguida, como sucede, ya lo sabe-mos, en sus óperas con Amin Ma-alouf. De 2008 es Laterna Magi-ca, inspirada en las memorias del mismo título delcineasta Ingmar Bergman y que es un juego de mi-radas y réplicas, de imágenes especulares, de lucesy sombras con guiños puntuales a frases que nosacercan lo más lejano. Leino Songs, de 2007, es,como su título indica, una serie de canciones contextos del poeta finlandés Eino Leino (1978-1926).

Susanna Välimäki dice en sus notas que los poe-mas de Leino representan “la fuerza creadora con-tra el carácter limitado de la vida, la llama del almacontra el mundo lúgubre”. Uno diría que se tratade la mejor de las tres obras del disco, pues sien-do inequívocamente de una autora inconfundiblese mueve muy en el fondo de sus mejores caracte-rísticas, las citadas más arriba y, junto a ellas, unaespecial capacidad para ligar la expresión literariaa un discurso musical que la apoya sin ahogarla, quela complementa sabiamente. Hay aquí, me parece,más verdad que en ese unicornio que se recrea mu-cho y bien en su hermosura. Excelente trabajo elde la soprano Anu Komsi, el clarinetista Kari Kriik-ku y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlan-dia dirigida por Sakari Oramo en un disco que espuro Saariaho.

El unicornio y el poeta

Pablo Batallán

Obras recientes de la gran compositora finlandesa Kaija Saariahoen Ondine

KAIJA SAARIAHO (1952): D'om le vrai sens (Concierto paraclarinete); Laterna Magica; Leino Songs

Kari Kriikku, clarinete. Anu Komsi, soprano. Finnish RadioSymphony Orchestra. Sakari Oramo, director / ONDINE /Ref.: ODE 1173-2 (1 CD) D2

foto © Maarit Kytöharju

40 diverdi siglos XX & XXI

Volvemos de nuevo a ocuparnos del sello ColumnaMúsica que una vez más nos sorprende con músi-ca catalana prácticamente desconocida. En esta oca-sión nos presentan un doble cd para violín y pianoa cargo de la violinista Kalina Mascuta y el pianis-ta Daniel Blanch. En este completo trabajo encon-tramos a algunos de los compositores más conocidosdel ámbito catalán, como Eduard Toldrá, FredericMompou, Enric Granados, Gaspar Cassadó oXavier Montsalvatge, junto a otros más desconoci-dos por el público general como Càndi Candi,Francesc Benetó, Onia Farga, Antonio Massana oJoan Massià. En total aparecen treinta y cinco peque-ñas obras (algo más de ocho minutos la más exten-sa y apenas dos minutos la más breve) de veintisietecompositores, entre los que solo encontramos a unamujer: la barcelonesa Onia Farga, que cierra el pri-mero de los discos con su obra de carácter nacio-nalista-catalán Aplec-Sardana.

Debido a la variedad de compositores y obras,en este doble compacto encontramos estilos musi-cales para prácticamente todos los gustos: desde elmundo más clásico del Allegro Spiritosso de JoanMassiá; pasando por el romanticismo de obrascomo Moment musical de Joseph Barberá o laRomança de Granados, junto al citado carácternacionalista que aparece en obras como la de OniaFarga o Catalana de Joaquín Nin-Castellanos. Todaslas miniaturas de este trabajo se integran en uncarácter de música doméstica que sigue con granrespeto la tonalidad tradicional. En todas ellas la pro-tagonista es la línea del violín, con el piano en unsegundo plano excepto en contadas ocasiones. Enla técnica empleada, dentro de ese espíritu dedomesticidad, prima la sencillez, con un protago-nismo del valor melódico y la expresividad frentea los virtuosismos más coloristas, que encontra-mos también, como excepción, en obras comoBabillage de Francesc Benetó o Dansa del diablevert de Gaspar Cassadó.

Pequeño homenaje a lamúsica catalana

María Palacios

Novedosas Miniatures para violíny piano

MINIATURAS CATALANAS PARA VIOLÍN Y PIANO: Obras deToldrà, Massià, Mompou...

Kalina Macuta, violín. Daniel Blanch, piano / COLUMNAMUSICA / Ref.: 1CM 0274 (2 CD) D10 x 2

Hubo un tiempo en el que nuestro país era un erialpara la música de cámara. En los duros años de laposguerra escuchar un cuarteto de cuerda era másdifícil que encontrarse un camello por la Gran Víamadrileña. Aunque durante algún tiempo, los másviejos podemos recordarlo, entrados ya los cin-cuenta, el aficionado al género podía solazarse conlas sesiones del Conservatorio protagonizadas porla Asociación Española de Música de Cámara, for-mada por instrumentistas de la Orquesta Nacionalcon Luis Antón al frente. En paralelo, discurríanlos conciertos del Cuarteto de la RTVE en el que,curiosamente, tocaba algún profesor de la ONE,como Rafael Periáñez.

Fueron músicos esforzados y profesionales,que daban lo que tenían y que calmaban ciertosapetitos, sólo saciados con las visitas a la sociedadde conciertos Cantar y Tañer de conjuntos de pres-tigio como el famoso Cuarteto Végh. El ejemplode nuestros músicos fue seguido por otros, habi-tualmente integrantes de agrupaciones sinfónicasespañolas que iban tirando sin crear verdadera-mente escuela y de vida frecuentemente corta oguadianesca. No hay duda de que el nacimientoen 1992 del ciclo anual Liceo de Cámara de laFundación Caja de Madrid supuso un importan-te acicate para el fomento del repertorio cuartetís-tico y para que jóvenes instrumentistas, salidos delas aulas de la Escuela Reina Sofía, se animaran alanzarse al ruedo. Es el caso de los Cuartetos Casalsy Quiroga.

Es este último el que nos ofrece el disco quehoy hemos de juzgar. Más reciente que su colega,sus componentes –Aitor Hevia y Cibrán Sierra,violines, Dénes Ludmány, viola, y Helena Poggio,chelo– han conseguido una rara unidad, equilibrioy pureza de sonido, condiciones básicas para queun grupo de este tipo funcione. Lo hemos podidoconstatar escuchándolos en directo; y lo compro-bamos de nuevo siguiendo sus evoluciones en estasustanciosa grabación, una suerte de carta de pre-sentación, de salvoconducto, que se presenta bajoel título Statements (Declaraciones), un términoque da sentido al producto y a su finalidad postre-ra: una proclama “de amor por el cuarteto como

arte de lo arriesgado y refugio de la praxis instru-mental más inconformista”, como explica bella-mente el segundo violín.

Yendo al grano, tenemos que aplaudir el éxi-to de la aventura. El Cuarteto-Divertimento a quat-tro op. 20 nº 2 en do mayor de Haydn, obra queabría una nueva era en el joven género, goza deuna interpretación verdaderamente refrescante,ágil y transparente, como debe ser. La entrada delviolonchelo en el Moderato inicial es muy hermo-sa: contundente, elegante, matizada y bien canta-da, un rasgo éste que caracteriza toda la actuacióndel conjunto, siempre atento a subrayar los expre-sivos sforzandi. La voz más grave se escucha denuevo al comienzo del Capriccio. Adagio y da pasoa una escalada muy nítida, plenamente afinada, delas voces agudas, que entonan alegremente la melo-día, que circula entre contrastes dinámicos bienbalanceados. Feliz y aéreo el Menuett y bien dibu-jado en sus líneas fugadas, rotundo y masculino,el Finale.

Cambio de paisaje para enlazar con un here-dero a distancia de Papá Haydn, Anton Webern.Los Quiroga despliegan toda su capacidad emocio-nal para meterse a conciencia en la turbia e inten-sa marea postromántica del Movimiento de cuartetosin opus, que nos llega en su extraña mezcla de eté-reas suavidades y viriles afirmaciones. Momentomágico aquél en el que el chelo, de nuevo, es pes-punteado por un delicado violín. Hay mucho quetocar y que expresar en las Cinco piezas para cuar-teto op. 5, en las que escuchamos ya la voz propiadel músico maduro, en su búsqueda de la síntesisaforística. Firme y acerado el dibujo, precisión enlos pizzicati, igualdad en los ataques, viajes desdeel frío más gélido a la intensidad calórica y lumí-nica más cegadora, ensoñaciones, alucinación…Rasgos que contribuyen a obtener una muy con-vincente interpretación.

De propina, una suerte de divertimento enseis pequeños movimientos, tres Sonetos y tresRondós, del chelista y compositor italiano GiovanniSollima. Seis miniaturas de 2007 de ecléctico tra-zado, que combinan la breve reflexión con el airedanzable, en algún caso emparentado con el fol-klore rumano. Es primera grabación mundial.Exactitud, finura y controlado salvajismo en losarcos.

Saber cantar

Arturo Reverter

Óptimo debut discográfico del Cuarteto Quiroga en Cobra

CUARTETO QUIROGA: Statements (obras para cuarteto decuerda de Haydn, Webern y Sollima)

Cuarteto Quiroga / CODAEX / Ref.: COBRA 0035 (1 CD) D2

41siglos XX & XXI 207 / octubre 2011

... en este caso sí son buenas, como lo es la noticiadel ritmo con que Columna Música prosigue suedición de la obra sinfónica de Guinjoan; es mu-cho el trabajo pendiente para poner al alcance delmelómano esta parcela del catálogo de los compo-sitores de su generación y tras el primer volumen,dedicado a tiempos más recientes, vuelve ahorael sello barcelonés sus ojos al origen del mundo so-noro del compositor de Riudoms.

Y no es un juego de palabras: Ab origine (1974)marca, pese a intentos anteriores, una primera con-secución de un lenguaje personal en el campo dela orquesta de Guinjoan, por su calidad energéti-ca (punzantes metales, consistente percusión, agre-sivas cuerdas a lo Xenakis) y por el juego entre ar-monías complejas, atisbos tonales y circunloquiosen torno a motivos breves o alturas únicas que pau-tan el recorrido formal, característica que, abiertaa una paleta tan luminosa como inquieta, predomi-na también en Trama (1982), “retablo” de imágenesde convincente imaginación que, en su fin, jueganostálgicamente con el recuerdo de un tema popu-lar tratado con regusto impresionista.

Si las versiones de estas dos obras ya habíansido puestas en el mercado por Àudio-Visuals deSarrià (1996) y Fundación Autor (2001) –y es mag-nífica decisión recuperar la sabia dirección de Ponsy Colomer al frente de la OBC, rica en matices–,el Concert per a piano i orquestra, de 1984, se nosofrece en propuesta alternativa a la ya existenteen Harmonia Mundi (2004): grabación en direc-to, en que la pulsación segura de Ituarte conduceel universo de referencias cruzadas de su escritu-ra, de Bach a la gran tradición romántica y el pia-no modernista, a un horizonte amplio, ya desde elinicio en el registro grave, en que no faltan reman-sos líricos ni fantasía tímbrica. Sólo cabe esperar,por continuar con el refranero, que “no haya dossin tres”...

Segundas partes...

Germán Gan Quesada

Nueva entrega de la obra sinfónicade Guinjoan

JOAN GUINJOAN (1931): Obra sinfónica, vol. 2

Miguel Uriarte, piano. Orquestra Sinfònica de Barcelona iNacional de Catalunya. Josep Pons, Edmon Colomer,Ernesto Martínez-Izquierdo, directores / COLUMNA MUSI-CA / Ref.: 1CM 0278 (1 CD) D2

El sello independiente de reciente creación Neu Records presentaba el pasado mes de junio su proyec-to Blanc, un disco doble con una selección de la obra coral del compositor catalán Bernat Vivancos, enla que constituye la primera referencia de su catálogo hasta la fecha. Nacido con una clara vocación di-vulgativa, el nuevo sello pretende dar a conocer la obra de los autores catalanes más actuales, pero suscriterios de calidad trascienden este punto para influir en todos los aspectos del producto. De esta for-ma, y conscientes de las exigencias cada vez mayores del aficionado, los responsables del sello hanapostado desde el inicio por la más alta calidad en sus discos, tanto en el contenido musical como enel medio técnico en el que éste se nos ofrece. Basta con desprecintar el disco para apreciar enseguidaque nos encontramos ante un producto cuidado hasta el más mínimo detalle: el papel reciclado contie-ne un cuidado y detallado libreto escrito en cuatro idiomas, un bonito caligrama con una obra de Vi-vancos en papel con semillas y un código que permite acceder a los contenidos especiales de la páginadel sello, para así poder descargar las notas completas al disco, las distintas pistas del mismo en variosformatos de audio (desde los que no ofrecen pérdida alguna hasta el formato MP3), e incluso las par-tituras de todas las obras del programa. Como se observa, la concepción del producto busca satisfacera los aficionados más exigentes.

Nacido en 1973, Vivan-cos se inició en los estudiosmusicales de la mano de supadre y más adelante se for-mó en la Escolanía de Mont-serrat, en el ConservatoireSupérieur de Musique et deDanse de Paris y en la Acade-mia de Música Noruega. Ac-tualmente es el director de laEscolanía de Montserrat,además de profesor de com-posición y orquestación enla Escola Superior de Músicade Catalunya (ESMUC). Su estancia en latitudes más septentrionales se ha visto reflejada en su estilo,de evidentes influencias nórdicas y francesas, pero también bálticas. Todo ello da como resultado unefecto arrebatador en las texturas mediante el uso de las distintas disposiciones de los efectivos en elespacio –tal y como podemos observar en sus detalladas partituras–, con el fin de incidir en la imagensonora espacial recreada por el oyente. Por todo lo anterior, la elección de la obra de Vivancos nos pa-rece la ideal para sacarle todo el partido posible a las notables cualidades sonoras que propugna el se-llo catalán.

Las dificultades técnicas y musicales de las obras son resueltas por el Coro de la Radio Letona conuna maestría al alcance de unos pocos. De la mano de su director habitual Sigvards Klava, el conjun-to rubrica este maravilloso proyecto con un sonido embelesador y una interpretación portentosa, apa-bullante. No se nos ocurre otra forma mejor que este prometedor inicio para comenzar la andadura.Desde aquí, mucha suerte y nuestra más sincera enhorabuena.

Un comienzo deslumbrante

Urko Sangroniz

Una selección de la obra coral de Bernat Vivancos en el nuevo sellocatalán Neu Records

BERNAT VIVANCOS (1973): Blanc. Obras corales

Latvian Radio Choir. Sigvards Klava, director / NEU RECORDS / Ref.: NEU 0001 (2 CD) D6 x 2

““El Coro de la RadioLetona rubrica estemaravilloso proyecto conun sonido embelesadory una interpretaciónportentosa,apabullante.””

Bernat Vivancos. Foto © Mercè Rial

42 diverdi siglos XX & XXI

“Aunque sea inmoral decirlo, escribo la músicapara mí mismo y para nadie más, y la uso paraconstruir mi propio universo”, dice el más famo-so de los compositores finlandeses en activo, Ei-nojuhani Rautavaara (1928). Pero sin embargoeste “egoísmo” no está reñido en absoluto con elpúblico, ya que la música de Rautavaara, a pesarde haber pasado desde el neo-clacisismo de susinicios al dodecafonismo, para finalizar en el es-tilo multidisciplinario por el que es más conoci-do, parte siempre de la base de una rápida acce-sibilidad para el oyente. Su música, vaporosa yconfortable, casi próxima al new-age, roto aquíy allá a veces por algunas inesperadas tensiones,acostumbra a identificarse con la forma sinfóni-ca, por lo que este CD con músicas para violín ypiano nos ofrece una perspectiva enriquecedorasobre su personalidad.

Pelimannit (Los violinistas) fue compuesta en1952 para piano solo, y también en su posterioradaptación para orquesta de cuerda, supuso elprimer gran triunfo de Rautavaara. Es una suitebasada en los antiguos polska finlandeses, com-posiciones para violín de influencias polacas, quedaban paso a improvisaciones musicales y losconsecuentes bailoteos populares. Como nove-dad, esta grabación incluye también la “versiónoriginal” para violín, colocada antes de cada unade las piezas.

Encontramos en el resto este recital toda lagama de estilos e intenciones de Rautavaara:Dithyrambos y Variétude son piezas de exigenciatécnica para el violín, pues fueron escritas paraser piezas de ejecución obligada en la Competi-ción Sibelius. El Notturno e danza, también pie-za de competición, es más campechano, al habersido escrita no para virtuosos sino para los mássencillos concursantes del Instituto Musical Ju-venalia en Espoo.

Escrita para Midori en el 2005, la nostálgi-ca Lost Landscapes, alude a cuatro lugares decisi-vos en la formación musical de Einojuhani: Tan-

glewood (donde tuvo como maestros a Coplandy a Sessions), Ascona (con Wladimir Vogel), unpalacio en la Rainergasse 11, de Viena, utilizadocomo residencia estudiantil, y un piso en la West23rd Street NY. La música se adapta a la variedadde estilos de los compositores mencionados y aevocaciones sonoras de las respectivas ciudades.El paso del tiempo y los cambios en una civiliza-ción que va a peor se reflejan en April Lines, co-menzada en 1970 y terminada en 2006. En la másreciente de todas estas obras, Summer Thoughts(2008) no se remite precisamente a sol y sonrisas,sino a la conexión entre el final de agosto y el co-mienzo del otoño, en una meditativa alusión alcrepúsculo de la vida.

Sobra decir que Pekka Kuusisto, violín, y Pa-avali Jumppanen, piano, se adaptan a todas las pe-culiaridades de la música del finés con sabiduría ymáxima minuciosidad, en su mayoría en primerasgrabaciones mundiales de las piezas.

Pensamientos veraniegos de un venerableanciano finlandés

Mel Smith-Window

Obras para violín y piano de Einojuhani Rautavaara, en Ondine

EINOJUHANI RAUTAVAARA (b. 1928): Summer Thoughts(obras para violín y piano)

Pekka Kuusisto, violín. Paavali Jumppanen, piano / ONDINE /Ref.: ODE 1177-2 (1 CD) D2

Las cuatro piezas que integran este nuevo mono-gráfico dedicado a la música de Toshio Hosokawatrazan un diálogo entre una orquesta –completa ode cuerdas– que representaría las energías tectó-nicas, o telúricas, de la naturaleza, y el shô, ins-trumento tradicional japonés, especie de órganode boca que, según la leyenda, reproduciría la lla-mada del ave fénix, cuyo sonido vibrátil e iridiscen-te en la más alta gama del registro liberaría laspotencias etéreas del espectro. Diálogo no en sen-tido dialéctico, más bien reflejo de la postura demeditación zen, en donde la parte superior delcuerpo apunta al cielo mientras que la inferior, fir-memente anclada en el suelo, afirmaría el vínculonatural con la raíz de la tierra. En medio, comoflecha apuntando en el arco tensado, la respira-ción cerraría el círculo suprimiendo cualquier dua-lidad. En Landscape V, que abre el registro, y enCloud and Light, que lo cierra, solista y orquesta ela-boran el juego de reflejos que dibujan ese paisajeesencial, nunca quieto en su perfecta inmovilidad,hecho de sutiles trazos, luces fugaces y mínimosdestellos, y en donde sonido y silencio acaban porser una única cualidad indivisible, informe, indi-ferente. Por su parte, en las dos obras centrales deldisco, Ceremonial Dance y Sakura für Otto Tomek,orquesta y shô toman caminos independientespara gestualizar las dos manifestaciones elementa-les de los dos estados; la danza en el caso de laorquesta/tierra, y el canto en el del shô/aire. Enaquella es el gesto vertical, lento y sólido del gaga-ku, la música y el baile de la corte del Japón impe-rial, el que dicta y prefigura el movimiento. EnSakura (la flor del cerezo) el translúcido sonidodel shô logra una incandescente y bellísima repre-sentación de una canción popular nipona que pare-ce suspenderse en el aire para ascender lentamentehacia esferas de perpetua calma. Las interpretacio-nes, así como la calidad técnica del registro, son deprimer orden.

Campos de energía

Martin Lasalle

ECM dedica un magníficoregistro a la música de Hosokawa

TOSHIO HOSOKAWA (1955): Landscapes

Münchener Kammerorchester. Alexander Liebreich, director/ ECM RECORDS / Ref.: ECM 2095 (1 CD) D1

43cine / jazz & otras músicas 207 / octubre 2011

Disculpamos a aquellos lectores que tras un visio-nado rápido a la cinta de Peter Guyer y NorbertWiedmer Sounds & Silence: viajes con ManfredEicher tengan la sospecha de que tras ese high con-cept que ECM marca a fuego en cada una de suspublicaciones (“el sonido más próximo al silen-cio”) se nos esté vendiendo un documento pro-mocional de arte y ensayo encargado bajo cuerdapara rubricar sus conceptos musicales de diseñoy estimular la venta de sus discos. No siendo ésta,ciertamente, la motivación de unos panegiristassolícitos pero inocentes de los cargos, tampocohay que llevarse a engaño: Sounds & Silence no esun documental periodístico sobre el arte de la pro-ducción discográfica, sino un dossier cortado tana la medida de la filosofía editorial de ECM que lle-ga ésta a contaminar la crónica como un agentemutágeno. Pero es el mismo fenómeno (que meatrevería a definir como metaestético) lo que nosseduce de Sounds & Silence: que una propuestaaudiovisual ajena a ECM tenga que mimetizarsecon el objeto de su observación para poder mos-trarnos sus interiores (con lo que se neutraliza ladistancia focal entre la mirada y su objeto) dicemucho más de Edition of Contemporary Musicque cualquier gran trabajo de investigación sobreel tema.

La película en cuestión se abre con unManfred Eicher –para los despistados que todavíano lo sepan, hablamos del capo de la escuderíaECM– en rodiniana apostura sintonizando el infi-nito como un maestro del buen oír. Así, nadamenos, arrancan unos apasionantes cuadernos deviaje que nos van pilotando por los acostumbra-dos destinos internacionales del sello (Tallinn,Zurich, Marruecos, Atenas, Salta y, por supuesto,Munich) a la par que nos muestran una serie esco-gida de moments musicaux troquelados por la músi-ca y la imagen, nunca por el verbo. Y es que, comoen todo buen documental, lo que importa en S&Ses lo que se ve y lo que suena, y no tanto lo que sedice. Por esta razón ralean las entrevistas a cáma-ra y los compositores encuadrados (EleniKaraindrou, Dino Saluzzi, Anouar Brahem,Gianluigi Trovesi o Nik Bärtsch) no revelan nada

que su arte no nos haya cantado antes o después.Son cinco años de ECM embuchados en ochentay siete minutos y aunque no están todos los que son(habríamos pagado por una viñeta de Jarrett,Rypdal o Kancheli), no hay por qué ser pedigüe-ño; los slices of life que nos recortan y pegan losdirectores valen más que su peso en oro: Arvo Pärtimprovisando un vals con Manfred Eicher a lossones del Für Lennart In Memoriam; Dino Saluzziinvitando a Anja Lechner a conocer una tangueríade Salta; Gianluigi Trovesi y Gianni Coscia trotan-do en Zurich con sus maletas como dos persona-jes de Ettore Scola; Eicher y Nik Bärtsch afinandoel reverb de una toma de Holon; Anouar Brahemcomponiendo al oúd y Marilyn Mazur percutien-do su colección de idiófonos; los prolegómenosde un concierto de Eleni Karaindrou en elMégaron... Y entre unos y otros se van encartan-do estos viajes de Eicher por el mapa con imáge-nes fugadas de ruinas y barriadas, paseantesfugitivos y urbes que se encienden en el crepúscu-lo. En otras palabras: el universo ECM rodado enalta definición y sonorizado con las mismas aven-turas en música sobre las que pivotan de continuosus protagonistas.

El disco oficial de la banda sonora cumpleuna misión de refuerzo: en él no sólo están conte-nidas las piezas íntegras que escuchamos ensaya-das o a medio tocar en la película –Für Lennart InMemoriam, Da Pacem Nomine (Pärt); Modul 42(Nik Bärtsch / Ronin); Sur Le Fleuve (Brahem);Creature Walk (Mazur); Tango a mi padre, Ojosnegros (Saluzzi / Lechner); Così, Tosca (Puccini /Trovesi)–, sino que además se insertan obras indis-putables de algunos paladines omitidos –como laLectura de los libros sagradosde Gurdjieff por KeithJarrett o el fabuloso Kapsberger de la Nuove Musichepracticado por Rolf Lislevand– e incluso, comogancho, dos números de un directo inédito deFrankfurt sobre bandas sonoras de Karaindrou–unos sublimes Farewell Theme para saxo y viola(de El apicultor) y un To Vals To Gamou para trío–cuya naturaleza despezada no mengua en puntoalguno su necesidad, pues son Garbarek,Kashkashian y la propia compositora al piano,nada menos, quienes los plañen. Sounds & Silencees, por tanto, la mejor vía no musical de ahondaren los misterios éticos y estéticos de una compa-ñía discográfica que se precia, y no sin razón, degrabar algo más que buena música.

El lugar donde muere el silencio...

David Rodríguez Cerdán

ECM edita en DVD y Blu-ray el galardonado documentaly en CD su banda sonora

SOUNDS AND SILENCE: Un documental sobre ECM dePeter Guyer y Norbert Wiedmer (DVD)

Varios artistas y compositores / ECM RECORDS / Ref.: ECM5050 (1 DVD) D4 x 2

SOUNDS AND SILENCE: Música de la película (obras deGurdjieff, Pärt, Kapsberger, Bärtsch, Brahem, Mazur, Saluzzi,Karaindrou y otros)

Varios intérpretes (grabaciones registradas entre 1980 y2008) / ECM RECORDS / Ref.: ECM 2250 (1 CD)P.V.P.: 17,50 €.-

Cuando creíamos que ya estaba todo dicho en Satie(1866-1925), llega un disco tan infrecuente comorelajante, tan exquisito como interesante, que se dis-fruta al primer vistazo pero que induce a repasarlas obras originales. Sí, las originales, pues no essólo Erik Satie lo que tenemos aquí, sino un viajeapasionante y nuevo al interior de sus obras. Da lasensación de estar oyendo al propio autor impro-visando al piano; incluso podemos hacernos la ilu-sión de estar presenciando cómo iba creando suspiezas a medida que jugaba con el teclado, embe-bido en su propia sonoridad. El intérprete, Satie,…perdón, Michael Gees, es como un médium entrance que libera a la música del papel y la haceflotar transparente, delante de nuestros oídos, per-mitiéndonos escuchar a un Satie resucitado paranosotros.

No es ningún desconocido este pianista ale-mán nacido en 1953, pues, aparte de haber graba-do muchos y buenos discos, ganó en el MIDEMde 2009 los premios al mejor disco vocal y mejorálbum del año con su versión de Die Schöne Müllerinde Schubert junto a Christoph Prégardien.

Es un gran intérprete de estas preciosas minia-turas que nos legó el irónico orfebre que fue Satie.Gees las respeta de corazón, y traza sutiles varia-ciones y desarrollos sin vulnerar sus márgenes,dilatando los tiempos con holgura, y reflexionan-do con los dedos sobre las posibilidades y losembriones de estas piezas. En esta introspecciónpor las volutas de obras maestras comoGymnopédies, Gnossiennes, o las Pièces froides, Geesjuega como hacía Glenn Gould con Bach, y com-parte con Keith Jarrett su capacidad para aden-trarnos en su ensimismamiento. Dentro de laortodoxia, Gees suena más pausado que el maes-tro Ciccolini y más próximo al terciopelo de Rogéy Cohen, pero su estilo es muy personal, con unafluidez asombrosa debida quizá a su experienciaen el mundo del jazz.

Gould + Jarrett = Gees

José Velasco

Michael Gees experimenta comoun médium reviviendo a Satie

IMPROVISATIE: Michael Gees improvisa sobre temas deErik Satie

Michael Gees, piano / CHALLENGE RECORDS / Ref.: CC72512 (1 SACD) D1

44 diverdi entrevista

Carlos Bonell

David Rodríguez Cerdán

Diverdi entrevista al gran guitarrista anglo-español y profesor del Royal College of Music

DIVERDI: Cuéntenos su historia de amor con laguitarra...

CARLOS BONELL: Mis padres eran los dos espa-ñoles, pero marcharon a vivir a Inglaterra y yo nacíallí. Mi padre era un enamorado de la música fol-clórica española para guitarra, y a los cinco añosya me había contagiado esa pasión. En esos prime-ros años aprendí de oído, pero a los siete u ochome puse a estudiar en serio el repertorio clásico.Luego entré en el Royal College of Music, dondetuve la suerte de que John Williams me tomaracomo aprendiz durante tres años. A los veintidósme presenté al Concurso para Jóvenes Músicosde la Asociación de las Artes de la Localidad deLondres y lo gané. La enorme ventaja de este cer-tamen fue que subvencionaba a los promotores deconciertos londinenses que tuvieran a bien con-tratarme para dar recitales. Debido a ello conse-guí en menos de dos años unas cincuenta o sesentaactuaciones...

D.: ¿Cuánto se tarda en llegar desde Falla y Rodrigoa Queen y Los Beatles?

C.B.: Cuando empezaron Los Beatles yo tenía tre-ce años. A mí me entusiasmaba su música, perocuriosamente nunca me interesó tocarla, comotampoco me atrajo nunca la guitarra eléctrica.Todo ha sido posible gracias al productor DavidYoung, con quien hace unos años grabé un DVDsobre técnica de guitarra. Primero se le ocurrió laidea de grabar un disco de Queen, ¡pero la verdades que yo no conocía nada de Queen! No obstan-te, empecé a escuchar sus discos y me pareció unamúsica de una pasión increíble. Luego se me ocu-rrió que tal vez podíamos añadirle una sección decuerda. A David le pareció buena idea y contrata-mos a un arreglista, pero éste nos propuso contarcon una orquesta sinfónica. Queen estaba forma-do solamente por cuatro músicos, pero lograbancrear un sonido tremendo. Decidimos abordar elproyecto como algo monumental para reflejar lapersonalidad desmedida de Freddie Mercury.Grabamos el disco en Venezuela, porque a pesarde no haber estallado todavía el fenómenoDudamel, yo ya conocía la red de orquestas tanextraordinaria que tenían. Así que en 2007 nosfuimos a Lara, que es la cuna de este movimiento.Pero grabar allí también tiene sus pegas, porqueviven improvisando. Todo se hizo en el últimomomento, pero por suerte resultó ser una experien-cia maravillosa.

D.: ¿Y qué nos cuenta de Sir Paul?...

C.B.: Sir Paul McCartney me llamó hace pocotiempo para que le echase una mano con un con-cierto para guitarra y orquesta en el que está tra-bajando actualmente. Ya había colaborado con élen el disco Give My Regards To Broad Street. Juntoshemos ido transcribiendo la parte solista del con-

cierto. Su proceso creativo resulta fascinante: nor-malmente suele disponer de una pregrabación enla que va explorando de forma intuitiva una peque-ña armonía o una secuencia de cinco notas. Uncompositor mediocre acabaría desarrollando estaspequeñas unidades de modo previsible, pero en elcaso de Paul llama la atención hasta dónde puedeextender una idea corriente. A veces, un simplefallo le inspira un rumbo inesperado. Es un refle-jo de lo que él cuenta a propósito de los insólitoscombos instrumentales que aparecen en algunasgrabaciones míticas de Los Beatles. Al parecer,EMI solía tener almacenados gran cantidad de ins-trumentos exóticos en sus estudios, y lo normal eraque George Martin y los cuatro Beatles pusieranpatas arriba estos depósitos de instrumentos enbusca de sonoridades llamativas. De esta maneraconsiguieron sonidos tan emblemáticos como el deI Am The Walrus o el timbre barroco de la trompe-ta contralto que aparece en Penny Lane, instru-mento que McCartney descubrió escuchando elRéquiem de Mozart. Su obra es en gran medidauna mezcla genial de originalidad y casualidad.

D.: ¿Cómo piensa que ha ido madurando el reper-torio durante la última centuria?

C.B.: Hasta cierto punto pienso que ha renacidola tradición del guitarrista compositor. Es una tra-dición que se había perdido un poco, porque niAndrés Segovia ni Julian Bream ni John Williamshan compuesto obras propias. Pero existen ahoraguitarristas como Roland Dyens o Gary Ryan quecomponen e interpretan sus partituras. Por otrolado, pienso que compositores como ToruTakemitsu todavía no han sido debidamente reco-nocidos. La forma que tenía de emplear los armó-nicos naturales o de trabajar los trastes es casiúnica. No olvidemos que la última pieza que escri-bió antes de morir fue concebida para guitarra clá-sica. Son dos acordes que va alternando de formatrágica, al estilo de esa sinfonía de Mahler en la queel autor se despide de la vida... Es una pieza extra-ordinariamente emotiva.

“Siempre me he sentido enormemente atraído por el arte del arreglo”

La guitarra de Carlos Bonell no conocecantones ni peajes. Su trastero tiene la bue-na costumbre de rendirle los mismos hono-res a Freddy Mercury que a Manuel deFalla, de zapatear una milonga o cantarseun aria de algún maese barroco. Hijo adop-tivo de una generación de conquistadoresarmados con seis cuerdas (la quinta deJohn Williams, Julian Bream y AndrésSegovia), Bonell es a la guitarra lo queGerald Brenan a la landa íbera: un viajeroromántico y giróvago rural, visitador afa-ble de terruños y campiñas cuyos dedosse deslizan cómodamente por las tonadasisleñas de Britten y Walton o los arabescosde Rodrigo y Turina, pinzando tan a gustofrente a una pantalla de estudio como bajolos regios focos del Royal Albert Hall. Trashaberse atrevido a versionar los mejorestemas de Queen con la complicidad de laSinfónica de Lara y a hacer sus pinitos enDVD como maestre del instrumento, Bonellpublica en David Young Productions unadeslumbrante fantasía guitarrística sobretemas inolvidados de los cuatro deLiverpool (Magical Mystery Guitar Tour)que Diverdi tiene el orgullo de presentar-les este mes.

45entrevista 207 / octubre 2011

D.: ¿Con qué otras guitarras le gustaría trastear?

C.B.: Para EMI y Decca he grabado buena partedel repertorio británico del siglo veinte, entre otrascosas las Bagatelas de William Walton o lasVariaciones sobre temas folclóricos de Britten. Meparece un repertorio grandísimo que todavía no haentrado en la conciencia de un público conformis-ta varado en la guitarra romántica. Tengo pensa-do grabar un disco de música contemporáneainédita con obras concertantes de Ottavio Negro,Barrington Pheloung y otros compositores actua-les. Siempre me he sentido enormemente atraídopor el arte del arreglo. Me fascina el hecho de cogeruna obra para orquesta u otros instrumentos y ree-laborarla para guitarra intentando imaginar cómole habría gustado al compositor que sonase.Rachmaninov lo hizo con Paganini y ahí han que-dado para la posteridad sus maravillosasVariaciones. En el caso del repertorio español mesiento muy orgulloso de mis arreglos sobre cancio-nes de Lorca, las cuales he abordado no desde elfolclore sino desde el modernismo...

D.: ...Lo que nos lleva hasta su último álbum...

C.B.: En Magical Mystery Guitar Tourno aparecensólo simples transcripciones de canciones de LosBeatles, sino fantasías para guitarra inspiradas porlas propias melodías, como es el caso de Here ComesThe Sun o Strawberry Fields, donde hay añadidu-ras e invenciones propias. Se trata, en definitiva,de recomponer los temas, pero sin apartarse nun-ca de la idea original. En Yesterday o Michelle, porejemplo, las canciones me resultaban tan comple-tas que lo único que podía aportar era una peque-ña introducción o una coda, acaso una armoníadiscreta y poco más. Empecé arreglando dos pie-zas, Here Comes The Sun y Penny Lane, que hice lle-gar a Paul McCartney en cuanto las tuveterminadas. Le encantó lo que había hecho y medio luz verde para seguir adelante.

D.: Primero Queen y luego Los Beatles. ¿Qué nostiene preparado para su próximo disco en DY?

C.B.: Me apetece cerrar la “trilogía” con un discodedicado a Madonna o quizás a Lady Gaga, quiencomo es sabido goza actualmente de una granpopularidad. La dificultad está en encontrar temasconcretos que puedan ser moldeados con la guita-rra....

D.: Si me lo permite, yo me quedaría con LadyGaga... Madonna está ya muy oída...

C.B.: ¿Ah sí? Pues Lady Gaga entonces (risas)...

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Con el título de Magical Mystery Guitar Tour, refe-rido al célebre Magical Mystery Tourde los Beatles,y una cubierta de estética psicodélica, el guitarris-ta Carlos Bonell presenta un “viaje por la músicade los Beatles” que consiste en quince cancionesde la banda inglesa arregladas para guitarra sola porel propio Bonell. La universalidad del repertorio yla autoridad del intérprete, que lleva años ejercien-do la cátedra de guitarra del Royal College of Musicde Londres, no necesitan más presentación y asíeste disco prescinde de las convencionales notasy se acerca más a la versión más descarnada dedisco de música pop. La observación precedentees posible que nos dé la clave para comprenderesta última producción en la que Carlos Bonellaborda de nuevo uno de los iconos del pop britá-nico, después del éxito obtenido por su anteriorálbum –Queen. Guitar Rhapsodies– en el que gra-bó una antología de canciones de Queen arregla-das para guitarra y orquesta: Bonell pretende llevarsu guitarra, con la mediación todopoderosa deestos repertorios, al Público, con mayúsculas; nosólo a los restringidos y elitistas círculos de la gui-tarra clásica. Por eso quizá la bizarría de sus arre-glos y sus interpretaciones los coloca en la antípodade otros que hemos tenido oportunidad de comen-tar en estas mismas páginas conjugando los nom-bres de Brouwer, Takemitsu o Christian Rivet, queterminó su último disco con una genial interpre-tación en laúd de Here comes the sun, la pieza conla que Bonell inicia su disco. Sin el determinanteinflujo de la orquesta sinfónica que respaldaba losarreglos de Queen, los de los Beatles descansanen una guitarra sola y, más que transcribirse a par-tir de las grabaciones originales, su punto de par-tida parece estar en la memoria del propiointérprete. De esta manera la literalidad se trasto-ca en muchas ocasiones, otras se proclama, y lascanciones se convierten en temas que se circundanestrechamente, levemente variados, ligeramentereinterpretados con interpolaciones o preludiosrealizados con los argumentos de un guitarristade formación clásica que quiere ser esencialmen-te directo sin renunciar a su personalidad de músi-co y de intérprete. Así los compases iniciales de la

afrancesada balada Michelle, que evocan en manosde Bonell las posrománticas decadencias de la gui-tarra modernista. Así, Blackbird sale de la memo-ria de Bonell con el apéndice insólito de una de laspáginas más célebres del repertorio guitarrísticoclásico: la bourrée de la primera suite para laúd deBach. Y Penny Lane empieza con la anónima Gigade Kemp y termina con una especie de preludioarpegiado bachiano en el que, antes de concluir, rea-parece el estribillo de la canción rocanrroleadocon unos bajos tocados medio a la Bartók, algoque sustituye en la versión de Bonell al célebre solodel trompetista David Mason, maestro de trompe-ta durante largos años en el Royal College of Musicde Londres, la misma institución en la que ahoraejerce Bonell como maestro de guitarra. Que BrianMay, guitarrista e inteligentísimo líder de Queen,pondere entusiásticamente el guitarrismo de Bonelly que el propio Bonell haya colaborado con PaulMacCartney en su esperado concierto para guita-rra y orquesta son razones más que suficientespara tomar en serio y escuchar con atención undisco como éste.

Misterioso viaje de la guitarra

Javier Suárez-Pajares

Carlos Bonell nos brinda sus recreaciones de las más famosaspiezas de los Beatles

MAGICAL MYSTERY GUITAR TOUR: Canciones de LosBeatles arregladas para guitarra clásica

Carlos Bonell, guitarra clásica / ALTO / Ref.: DYCD2 (1 CD)D4

CARLOS BONELL: Obras para guitarra de Gaspar Sanz,Isaac Albéniz, Francisco Tárrega... (DVD)

Carlos Bonell, guitarra / ALTO / Ref.: DYDV1 (1 DVD) D1

QUEEN: Rapsodias para guitarra (canciones de Queenarregladas para guitarra clásica y orquesta sinfónica)

Carlos Bonell, guitarra. Lara Symphony Orchestra.Tarcisio Barreto Ceballos, director / ALTO / Ref.: DYCD1(1 CD) D3

También disponibles:

““Hasta cierto puntopienso que harenacido la tradicióndel guitarristacompositor.””

46 diverdi jazz & otras músicas

... entre los aprendices que se fueron en pos deespiritualidad tomando la carretera hacia Orientey volvieron a Londres o París con aura gurúica,Gurdjieff fue/es el más asequible (que HelenaBlavatsky, por ejemplo) acaso por su música, queno era/es exactamente suya, sino (habría que aña-dir unos «acaso» a cada palabra) unas melodíasespirituales, tradicionales o cotidianas, escuchadas«a la fuente», aprendidas de memoria y canturre-adas, tras el viaje de regreso, a Thomas deHartmann, concertista y compositor, quien lasapuntó y armonizó para el piano. Alain Kremski,hace años, y más recientemente el tríoTsabropoulos-Lechner-Gandhi o la pianista Marie-Luise Hinrichs grabaron sus re-interpretaciones deestas (re)versiones de músicas cuyo modelo origi-nal está si no perdido, más o menos irreconocibletras el tiempo pasado, casi un siglo. O: tras unaequiparación con los documentos sonoros de épo-ca, uno podría acaso pensar que toda coinciden-cia con la realidad no es sino mera casualidad. Seacomo fuere, la aventura musical es fascinante, puespermite al oyente soñar con una suerte de Shangri-La desaparecido (incluso reconstruirlo en su esta-do primero y, si es algo perverso, reformarlo comouna ruina) o si cree en el pensamiento de Gurdjieff,considerar estas notas como una realidad. Esta eramás o menos la situación hasta la propuesta deThe Gurdjieff Folk Instruments Ensemble: conlos dulces duduk, la flauta nay, los laúdes ’ud, lasviolas kemanché y tar, las cítara-salterios kanun ysantur, las percusiones usadas desde Medio-Oriente hasta Irán, las melodías pre-cristianas, lasdanzas pré-islámicas, las oraciones sin indicaciónde religión recordadas/recompuestas por Gurdjieff,armonizadas (re/recompuestas) por Hartmann,hacen una suerte de peregrinación a las hipotéti-

cas fuentes mediante la nueva armonización LevonEskenian. Como en la inversión de un tema delArte de la fuga previamente tratado por una sime-tría en espejo, la nueva metamorfosis de la músi-ca de Gurdjieff es o podría ser misteriosamenteparecida a la original (imaginada, imaginaria): lasinterpretaciones, recomposiciones, o como quie-ra el oyente llamarlas, son unas novelizaciones,acaso unas novelas que imaginan otras obras, otrasvidas, alejando sus límites, su horizonte (y el mío).

... retorno al pasado

Pierre Élie Mamou

Las músicas de Gurdjieff, en ECM

THE GURDJIEFF FOLK INSTRUMENTS ENSEMBLE: Músicade Georges I. Gurdjieff

The Gurdjieff Folk Instruments Ensemble. Levon Eskenian,director / ECM RECORDS / Ref.: ECM 2236 (1 CD) P.V.P.:17,50 €.-

Tras haber radiografiado en Grizzly Man (2005) aese loco de la pradera que fue Timothy Treadwelly documentar las bizarrías antárticas de unos cien-tíficos en Encuentros en el fin del mundo (2007),Werner Herzog descendió el año pasado a las oque-dades prehistóricas de Chauvet-Pont D’Arc parailuminar con sus lentes tridimensionales unoshogares paleolíticos decorados con pinturas rupes-tres de hace treinta y cinco mil años. Todo pareceindicar que el enésimo documental del cineastamuniqués nunca llegará –como es natural– a lassalas comerciales de nuestro país, pero al menosnos queda la banda sonora, que W&W ha preser-vado con su irreprochable buen gusto en un estu-che de color vinoso. Herzog ha vuelto a contar conel violonchelista prodigio de la casa para encajaren pentagramas una meditación antropológicasobre el tiempo que por su aire entre filosófico ycientificista se antoja musicalmente impenetrable.Pero Reijseger consigue persuadirnos nuevamen-te de que no hay mejor concepto que el suyo, fabu-lando una obra ascética y distinta para coro decámara, violonchelo y teclas que se pega comoadhesivo cáustico a las paredes cavernarias deHerzog. En alguna región de la música situadaentre Corelli y el ruidismo, la polifonía alpina yun espectralismo cortocircuitado por el díscoloinstrumento de nuestro homo faber fondea estamúsica hecha de líneas cromáticas a dos o tresvoces, unas filosas y abrasivas difuminaciones parachelo (¿Bach meets Einsturzende Neubauten?), ariaslentas para pianos armonizadas a la manera barro-ca y unos dúos para chelo y tecla instalados sobrepedales y progresiones modulares de estilo holan-dés que chispean constelaciones de armónicos.Sin olvidar ese Gaga para sopranos y pennywhis-tle de voz huesuda rematado con unos tonos alsa-cianos perfectamente ancestrales. Qué maravillade disco.

En busca del fuego

David Rodríguez Cerdán

Nueva banda sonora de ErnstReijseger para Werner Herzog

ERNST REIJSEGER (1954): Cave of Forgotten Dreams (bsode la película de Werner Herzog)

Nederlands Kamerkoor. Ernst Reijseger, violonchelo ydirección artística / WINTER & WINTER / Ref.: WIN 910181-2(1 CD) D1

The Gurdjieff Folk Instruments Ensemble

orlando furiosomadrigalesORLANDO FURIOSO: Madrigales sobre el poema deLudovico Ariosto / La Compagnia del Madrigale

arcanaA 363 | 1 CD | D2 | EAN: 8033891690465

johannes ciconiaopera omnia (obras completas)JOHANNES CICONIA (c. 1370-1412): Opera Omnia (obrascompletas) / Diabolus In Musica. La Morra. AntoineGuerber, Corina Marti y Michal Gondko, directores

ricercarRIC 316 | 2 CD | D10 x 2 | EAN: 5400439003163

der erlauchte fürstcultura cortesana en la época...DER ERLAUCHTE FÜRST: Cultura cortesana en la época delmaestro de Naumburgo (obras de Walther von derVogelweide, Konrad von Würzburg, Johannes Rothe y anóni-mos) / Jörg Peukert, narrador. Ioculatores

raumklangTAL 90003 | 1 CD | D2 | EAN: 4018767900033

c.f. abel; j.s. bachlas sonatas prusianas; suite iCARL FRIDRICH ABEL (1723-1787): Las sonatas prusianas;JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Suite I BWV 1007/ Jordi Comellas, viola da gamba. Andreas Martin, laúd

arsisARSIS 4239 | 1 CD | D2 | EAN: 8435042600345

antonio vivaldiconciertos con fagot, vol. iiANTONIO VIVALDI (1678-1741): Conciertos con fagot, vol.II / Frans Robert Berkhout, fagot. La Suave Melodia. PieterDirksen, director

etceteraKTC 1428 | 1 CD | D2 | EAN: 8711801103037

john jenkinsmúsica de cuatro partes para consortJOHN JENKINS (1592-1678): Música de cuatro partes paraconsort / The Spirit of Gambo

codaexMF 8011 | 1 CD | D2 | EAN: 5410939801121

michel pignolet de montéclair6 conc. para 2 flautas traveseras sin bajoMICHEL PIGNOLET DE MONTÉCLAIR (1667-1737): Seisconciertos para dos flautas traveseras sin bajo / Marie-Céline Labbé y Marion Treupel-Franck, traversos

raméeRAM 1102 | 2 CD | D10 x 2 | EAN: 4250128511025

georg friedrich haendelapollo e dafne; conciertos; obertura...GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759): Apollo e Dafne"La terra e liberata" HWV 122; Concerto grosso op. 3/2;Obertura; Suites; Chacona / Brown, Woerner / CantusFirmus Consort. Andreas Reize, director

cpo777228-2 | 1 CD | D2 | EAN: 0761203722822

bernardo pasquinimúsica virtuosa para dos clavesBERNARDO PASQUINI (1637-1710): Música virtuosa parados claves (Londres, 1704) / Attilio Cremonesi, clave.Alessandro De Marchi, clave

pan classicsPAN 10247 | 1 CD | D2 | EAN: 7619990102477

en busca de vivaldilos secretos de vivaldi (libro + 2cd)EN BUSCA DE VIVALDI: Los secretos de Vivaldi (Libro +2CD) / Varios intérpretes

naïveV 5274 | 2 CD | D5 | EAN: 0822186052747

vivaldi indispensablelo mejor de vivaldiVIVALDI INDISPENSABLE: Lo mejor de Vivaldi (obras ínte-gras y fragmentos de óperas, conciertos y piezas corales) /Lemieux, Piau, Lehtipuu, ... / Europa Galante, EnsembleMatheus, ... / Varios directores

naïveV 5273 | 1 CD | D5 | EAN: 0822186052730

andrea falconiericanzone, sinfonie & fantasieANDREA FALCONIERI (c 1585-1656): Canzone, Sinfonie &Fantasie (Napoli, 1650) / Ensemble Isabelle d’Este. ArianeMaurette, directora

pan classicsPAN 10248 | 1 CD | D2 | EAN: 7619990102484

antonio vivaldicanzone, sinfonie & fantasieANTONIO VIVALDI (1678-1741): Conciertos para clave solo/ Enrico Baiano, clave

pan classicsPAN 10251 | 1 CD | D2 | EAN: 7619990102514

georg böhmobras para órganoGEORG BÖHM (1661-1733): Obras para órgano / BernardFoccroulle, órgano

ricercarRIC 319 | 1 CD | D2 | EAN: 5400439003194

arcangelo corellisonatas para viola da gamba y continuoARCANGELO CORELLI (1653-1713): Sonatas para viola dagamba y continuo, op. 5 / Guido Balestracci, EuniceBrandão, Paolo Pandolfo, Eduardo Egüez, Luciano Còntini,Gaetano Nasillo, Massimiliano Raschietti

pan classicsPAN 10250 | 2 CD | D10 x 2 | EAN: 7619990102507

luzzasco luzzaschiconcerto delle dameLUZZASCO LUZZASCHI (c. 1545-1607): Concerto delleDame. Madrigale per cantare et sonare a 1, 2, 3 soprani(1601) / Roberta Mameli, Emanuela Galli, FrancescaCassinari, sopranos. La Venexiana. Claudio Cavina, director

glossaGCD 920919 | 1 CD | D2 | EAN: 8424562209190

www.diverdi.comoctubre 2011antigua

ópera

siglo xix

hist.

clas.

rusalkaantonín dvorákANTONÍN DVORÁK (1841-1904): Rusalka / Beczala, Magee,Nylund, Held, Remmert, Plachetka, Liebau, , Prohaska,Stephanie Atanasov, Minutillo / The Cleveland Orchestra.Franz Welser-Möst, director

orfeoC792113D | 3 CD | D4 x 3 | EAN: 4011790792323

de hoy a mañanaarnold schoenbergARNOLD SCHOENBERG (1874-1951): De hoy a mañana(ópera en un acto) / Nigl, Geller, Visentin, Schulz yD’Adamo / Orquesta y Coro de la Fenice. Eliahu Inbal,director musical. Andreas Homoki, director escénico

dynamicCDS 33638 | 1 DVD | D10 x 2 | EAN: 8007144336387

l’inimico delle donnebaldassarre galuppiBALDASSARRE GALUPPI (1874-1951): L’inimico DelleDonne / Panzarella, Devos, Laplace / Opera Royal deWallonie. Rinaldo Alessandrini, director musical. StefanoMazzonis di Pralafera, director artístico

dynamicCDS 33677 | 1 DVD | D10 x 2 | EAN: 8007144336776

baldassarre galuppi6 sonatas para dos violines y continuoBALDASSARRE GALUPPI (1706-1785): Seis sonatas parados violines y continuo / Accademia Dei Solinghi. RitaPeiretti, directora

dynamicCDS 694 | 1 CD | D3 | EAN: 8007144606947

luigi boccherinitríos op.34, vol. 2LUIGI BOCCHERINI (1743-1805): Tríos op. 34, vol. 2(Primera Grabación Mundial) / La Ritirata

columna música1CM 0275 | 1 CD | D2 | EAN: 8429977102753

falstaffgiuseppe verdiGIUSEPPE VERDI (1813-1901): Falstaff / Evans, Ligabue,Rota, Bruscantini / The Royal Philharmonic Orchestra.Vittorio Gui, director (grabado en directo en junio de 1960)

glyndebourneGFOCD 012-60 | 2 CD | D4 x 2 | EAN: 0878280000122

van cliburnobras de brahms, barber y beethovenVAN CLIBURN interpreta obras para piano de JohannesBrahms, Ludwig van Beethoven, Samuel Barber y FrédéricChopin / Van Cliburn, piano (grabado en directo el 3 deagosto de 1964)

orfeoC841111B | 1 CD | D4 | EAN: 4011790841120

renato de barbierilas grabaciones históricas de hmvRENATO DE BARBIERI: Las grabaciones históricas de laHMV [1956] (obras de Castelnuovo-Tedesco, Ravel,Schumann, Elgar, Achron, Paganini, Prokofiev y Wieniawski)/ Tullio Macoggi, piano (grabado en estudio en 1956)

idisIDIS 6622 | 1 CD | D5 | EAN: 8021945002463

josef gabriel rheinbergerobras para pianoJOSEF GABRIEL RHEINBERGER (1839-1901): Obras parapiano [versión integral] / Jürg Hanselmann, piano. Sandra yJürg Hanselmann, pianos (dúos)

carusCARUS 83.365 | 10 CD | D3 x 4 | EAN: 4009350833654

christoph prégardien en conciertolieder de schubertCHRISTOPH PRÉGARDIEN EN CONCIERTO: 12 Lieder delWinterreise (Schubert); 2 Lieder de La bella molinera(Schubert) / Christoph Prégardien, tenor. TilmanHoppstock, guitarra

christophorusCHR 77352 | 1 CD | D2 | EAN: 4010072773524

christian sindingconciertos para violín; legend; suite; ...CHRISTIAN SINDING (1856-1941): Conciertos para violín;Legend; Suite; Romance; Abendstimmung / Andrej Bielow,violín . NDR Radiophiharmonie. Frank Beermann, director

cpo777114-2 | 2 CD | D2 x 2 | EAN: 0761203711420

louis spohrsinfonías nº 1 y 6LOUIS SPOHR (1784-1859): Sinfonías nº 1 y 6 / NDRRadiophiharmonie Hannover. Howard Griffiths, director

cpo777179-2 | 1 SACD | D2 | EAN: 0761203717927

adrien-françois servaisobras para violonchelo y orquestaADRIEN-FRANÇOIS SERVAIS (1807-1866): Obras para vio-lonchelo y orquesta / Wen-Sinn Yang, violonchelo. MünchnerRundfunkorchester, Terje Mikkelsen, director

cpo777542-2 | 1 CD | D2 | EAN: 0761203754229

franz lisztaños de peregrinaje iii; venecia y nápolesFRANZ LISZT (1811-1886): Años de peregrinaje III, Veneciay Nápoles / Michael Korstick, piano

cpo777663-2 | 1 CD | D5 | EAN: 0761203766321

césar franck; eugène ysaÿeobras para chelo y pianoCÉSAR FRANCK (1822-1890) / EUGÈNE YSAYE (1858-1931): Obras para chelo y piano / Alexander Kniazev, vio-lonchelo. Plamena Mangova, piano

fuga liberaFUG587 | 1 CD | D2 | EAN: 5400439005877

gabriel fauréréquiem; cantique de jean racine...GABRIEL FAURÉ (1845-1924): Requiem; Cantique de JeanRacine; Tu es Petrus; Tantum ergo / Okamura, Wilson-Johnson, Selc, Nancekievill / Ensemble Orchestral de Paris.Rolf Beck, director

hänssler98.628 | 1 CD | P.V.P. 17,50 €.- | EAN: 4010276024484

robert schumannel joven virtuosoROBERT SCHUMANN (1810-1856): El joven virtuoso (inte-gral de las obras para piano, vol. 2) / Florian Uhlig, piano

hänssler98.632 | 1 CD | P.V.P. 17,50 €.- | EAN: 4010276024514

robert schumanngeistervariationenROBERT SCHUMANN (1810-1856): Geistervariationen /András Schiff, piano

ecm recordsECM 2122/23 | 2 CD | D10 x 2 | EAN: 0028947639091

johannes brahmstrios con piano nº 1-4JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Trios con piano nº 1-4 /Eskar Trio

cpo777642-2 | 2 CD | D5 x 2 | EAN: 0761203764228

osiris triomelodías de amor y muerteOSIRIS TRIO: Melodías de amor y muerte (obras deDvorák, Verdi, Bizet, Donizetti, Puccini, Janácek, Massenet,Saint-Saëns y R. Strauss arregladas por Bob Zimmermanpara trío con piano) / Osiris Trio

challenge recordsCC 72373 | 1 CD | D2 | EAN: 0608917237320

siglo xix

s. xx & xxi

james levinemahler: sinfonía nº 2JAMES LEVINE dirige GUSTAV MAHLER (1860-1911):Sinfonía nº 2 / Katheen Battle, Christa Ludwig / WienerStaatsopernchor. Wiener Philharmoniker. James Levine,director (grabado en directo el 19 de agosto de 1989)

orfeoC837112B | 2 CD | D4 x 2 | EAN: 4011790837123

mussorgsky / shostakovichcuadros de una exposición; ...MUSSORGSKY: Cuadros de una exposición; SHOSTAKO-VICH: Concierto nº 1 para piano, trompeta y cuerda /Vladimir Ovchinnikov, piano. The Philharmonic Orchestra.Maxim Shostakovich, director (grabado en 1990)

piano classicsPCL 0004 | 1 CD | D5 | EAN: 5065001863240

frédéric chopinobras para piano vol.1FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849): Obras para piano, vol. 1 /Roberto Poli, piano

piano classicsPCL 0012 | 1 CD | D5 | EAN: 5065001863202

arrau interpreta lisztsonataCLAUDIO ARRAU interpreta FRANZ LISZT (1811-1886):Sonata; Sonata "Dante"; Conciertos para piano (directosraros e históricos) / Claudio Arrau, piano (grabaciones de1935, 1937 y 1943)

piano classicsPCL 0015 | 2 CD | D10 | EAN: 5065001863349

dalberto interpreta lisztlos años de peregrinaje ii; ...FRANZ LISZT (1811-1886): Los años de peregrinaje II("Italia"); Liebesträume;... / Michel Dalberto, piano

piano classicsPCL 0011 | 2 CD | D10 | EAN: 5065001863318

cohen interpreta lisztscherzo y marcha; sonata ‘dante’; ...FRANZ LISZT (1811-1886): Scherzo y Marcha; Sonata‘Dante’; Sonata en si menor / Arnaldo Cohen, piano

piano classicsPCL 0014 | 1 CD | D5 | EAN: 5065001863332

brendel interpreta lisztrapsodias húngaras; ...ALFRED BRENDEL interpreta FRANZ LISZT (1811-1886): ):Rapsodias húngaras; Transcripciones de ópera; Paráfrasis;Estudios de Paganini / Alfred Brendel, piano (grabado entre1955 y 1959)

piano classicsPCL 0016 | 2 CD | D10 | EAN: 5065001863356

bolet interpreta lisztestudios de ejecución trascendente ii; ...JORGE BOLET interpreta FRANZ LISZT (1811-1886):Estudios de ejecución trascendente II; Consolaciones;Paráfrasis / Jorge Bolet, piano (grabado en 1969 y 1970)

piano classicsPCL 0017 | 2 CD | D10 | EAN: 5065001863363

franz schubertsinfonía nº 9FRANZ SCHUBERT (1797-1828): Sinfonía nº 9 / RoyalFlemish Philharmonic. Philippe Herreweghe, director

pentatonePTC 5186372 | 1 SACD | D1 | EAN: 0827949037269

anne gastinel y claire désertfranck; debussy y poulencFRANCK: Sonata para violín y piano el La mayor; DEBUSSY:Sonata para violonchelo y piano y POULENC: Sonata paraviolonchelo y piano / Anne Gatinel, violonchelo. ClaireDésert, piano

naïveV 5259 | 1 CD | D1 | EAN: 0822186052594

gustav mahlersinfonía nº2 “resurrección”GUSTAV MAHLER (1860-1911): Sinfonía nº 2 "Resurrección"/ Adriana Kucerová, soprano. Christianne Stotijn. LondonPhilharmonic Orchestra and Choir. Vladimir Jurowski, direc-tor

lpoLPO 0054 | 2 CD | D10 | EAN: 0854990001543

antonín dvorákvariaciones sinfónicas, ...ANTONÍN DVORÁK (1841-1904): Variaciones sinfónicas;Sinfonía nº 8 / London Philharmonic Orchestra. Sir CharlesMacKerras, director

lpoLPO 0055 | 1 CD | D5 | EAN: 0854990001550

olivier latryobras para pianoOLIVIER LATRY: Obras para piano con pedales de Alkan,Boëly, Brahms, Liszt y Schumann / Olivier Latry, piano conpedales

naïveV 5278 | 1 CD | D1 | EAN: 0822186052785

bedrich smetanaobras para pianoBEDRICH SMETANA (1824-1884): Obras para piano / JitkaCechová, piano

supraphonSU 3845-2 | 1 CD | D2 | EAN: 0099925384524

rosenmond und lindentraumcanciones de amor y vidaROSENMOND UND LINDENTRAUM: Canciones de amor yvida / Christine Maria Rembeck, canto, piano y arreglos.Emilia Gliozzi, violonchelo

raumklangRK 3002 | 1 CD | D2 | EAN: 4018767030020

christopher maltmanschubert: die winterreiseFRANZ SCHUBERT (1797-1828): Die Winterreise (Viaje deinvierno) / Christopher Maltman, barítono. Graham Johnson,piano

wigmore hall liveWHLIVE 0046 | 1 CD | D5 | EAN: 5065000924492

amjad ali khanragas clásicos de la indiaAMJAD ALI KHAN: Ragas clásicos de la India / Amjad AliKhan, Ayaan Ali Khan y Amaan Ali Khan, sarod. SatyajitTalwalkar, tabla

wigmore hall liveWHLIVE 0047 | 1 CD | D5 | EAN: 5065000924492

sibelius edition, vol. 13obras misceláneasTHE JEAN SIBELIUS EDITION, VOL. 13: Obras misceláneas(incluye DVD) / Dominante Choir. Seppo Murto. YL MaleVoice Choir. Lahti Symphony Orchestra. Osmo Vänskä,director (...)

bisBIS 1936/38 | 4 CD | D3 x 3 | EAN: 7318591936381

piotr ilytch tchaikovskiel cascanueces (ballet completo)PIOTR YLITCH TCHAIKOVSKI (1840–1893): El cascanueces(ballet completo) / Russian National Orchestra. MikhailPletnev, director

ondineODE 1180-2D | 2 CD | D5 x 2 | EAN: 0761195118023

canciones para don quijote obras para voz y pianoCANCIONES PARA DON QUIJOTE: Obras para voz y pianode Vives, Obradors, del Campo, Halffter... / Elena Gragera,mezzosoprano. Antón Cardó, piano. Iagoba Fanlo, violon-chelo

columna música1CM 0259 | 1 CD | D2 | EAN: 8429977102593

siglos xx & xxi llibre vermell xxi

arreglos para piano del llibre vermellLLIBRE VERMELL XXI: Arreglos para piano del LlibreVermell / Antoni Rossell y Jaume Vilaseca, pianos

columna música1CM 0273 | 1 CD | D2 | EAN: 8429977102739

0bras para pianogerhard oppitzGERHARD OPPITZ: Obras para piano de compositoresjaponeses contemporáneos (Keiko Fujiie, Toru Takemitsu,Shinichiro Ikebe y Saburo Moroi) / Gerhard Oppitz, piano

hänssler98.631 | 1 CD | P.V.P. 17,50 €.- | EAN: 4010276024507

doktor faust (fragmentos)ferrucio busoniFERRUCIO BUSONI (1866-1924): Doktor Faust (fragmentos)/ Fischer-Dieskau, Lewis, Wallace / London PhilharmonicOrchestra. Sir Adrian Boult, director (Directo, 1959)

lpoLPO 0056 | 1 CD | D5 | EAN: 0854990001567

jean sibelius; witold lutoslawskisinfonía nº 5; pohjola's daughterJEAN SIBELIUS (1865-1957): Pohjola's Daughter; Sinfonía nº5; WITOLD LUTOSLAWSKI (1913-1994): Concierto paraorquesta / London Philharmonic Orchestra. Jukka-PekkaSaraste, director

lpoLPO 0057 | 1 CD | D5 | EAN: 0854990001574

american musicreich; barber y crumbAMERICAN MUSIC: Obras de Steve Reich, Samuel Barber yGeorge Crumb / Quatuor Diotima

naïveV 5272 | 1 CD | D1 | EAN: 0822186052723

konstantia gourziconjunctions; synápsiesKONSTANTIA GOURZI (1962): Conjunctions; Synápsies /Apollon Musagète Quartet

neosNEOS 11035 | 1 CD | D1 | EAN: 4260063110351

rudolf kelterbornhommage à fd; sinfonía de cámara 3;...RUDOLF KELTERBORN (1931): Hommage à FD; Sinfonía decámara 3; ich höre mich; Concierto para viola y orquesta /Nouvel Ensemble Contemporain NEC. Sinfonie OrchesterBiel. Thomas Rösner y Pierre-Alain Monot, directores

neosNEOS 11118 | 1 CD | D1 | EAN: 4260063111181

mieczyslaw weinbergsinfonía nº 6; sinfonietta nº 1MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Symphony No. 6;Sinfonietta No. 1 (Weinberg Edition, vol. 1) / WienerSängerknaben. Symphonieorchester Vorarlberg. WienerSymphoniker. V. Fedoseyev y G. Korsten, director

neosNEOS 11125 | 1 SACD | D1 | EAN: 4260063111259

mieczyslaw weinbergsymphony nº. 17 “memory”MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Symphony No. 17“Memory” (Weinberg Edition, vol. 2) / WienerSymphoniker. Vladimir Fedoseyev, director

neosNEOS 11126 | 1 SACD | D1 | EAN: 4260063111266

mieczyslaw weinbergrequiemMIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Requiem(Weinberg Edition, vol. 3) / Elena Kelessidi, soprano.Wiener Sängerknaben. Prague Philharmonic Choir. WienerSymphoniker. Vladimir Fedoseyev, director

neosNEOS 11127 | 1 SACD | D1 | EAN: 4260063111273

mieczyslaw weinbergsonata para chelo y piano nº 2...MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Sonata para cheloy piano nº 2; Quinteto con piano (Weinberg Edition, vol. 4) /Christoph Stradner, violonchelo. Luca Monti, piano. EOS-Quartett Wien. Doris Adam, piano

neosNEOS 11128 | 1 SACD | D1 | EAN: 4260063111280

david matthewswinter passions; ...DAVID MATTHEWS (1943): Winter Passions; ... / SusanBickley, mezzosoprano. Stephan Loges, barítono. The NashEnsemble. Lionel Friend, director

nmcNMCD 152 | 1 CD | D10 | EAN: 5023363015226

harrison birtwistlenight’s black bird; ...HARRISON BIRTWISTLE (1934): Night’s Black Bird; TheShadow of Night; The Cry of Anubis / Owen Slade, tuba.The Hallé. Ryan Wigglesworth, director

nmcNMCD 156 | 1 CD | D10 | EAN: 5023363015622

thea musgravean occurrence at owl creek bridge; ...THEA MUSGRAVE (1928): An Occurrence at Owl CreekBridge; Green; Wild Winter I / Jake Gardner, barítono.Gayle Hunnicutt, narrador. Red Byrd. Fretwork. ScottishEnsemble. London Sinfonietta. Thea Musgrave, directora

nmcNMCD 167 | 1 CD | D10 | EAN: xxxx

duo gazzanafive piecesDUO GAZZANA: Five Pieces (obras para violín y piano deTakemitsu, Hindemith, Janácek y Silvestrov) / Duo Gazzana

ecm recordsECM 2238 | 1 CD | D1 | EAN: 0002894764428

boris yoffesong of songsBORIS YOFFE: Song of Songs / Rosamunde Quartett. TheHilliard Ensemble

ecm recordsECM 2174 | 1 CD | D1 | EAN: 0028947644262

ermano wolf-ferrariobras orquestalesERMANNO WOLF-FERRARI (1876-1948): Obras orquestales/ Münchner Rundfunkorchester. Ulf Schirmer, director

cpo777567-2 | 1 CD | D2 | EAN: 0761203756728

mieczyslaw weinbergcuartetos de cuerda vol.5MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Cuartetos de cuer-da, vol. 5 / Quatuor Danel

cpo777566-2 | 1 CD | D5 | EAN: 0761203756629

adam gorbtowards nirvana; ...ADAM GORB (1958): Farewell; Scenes from Bruegel; Ascenty Towards Nirvana / RNCDM Wind Orchestra Clark Rundell,Timothy Reynish, Mark Heron, directores

nmcNMCD 154 | 1 CD | D10 | EAN: xxx

mieczyslaw weinbergthree palms; trío de cuerda;...MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Three Palms; Tríode cuerda; Concierto para trompeta nº 1 (WeinbergEdition, vol. 5) / EOS-Quartett Wien. SymphonieorchesterVorarlberg. Gérard Korsten, director

neosNEOS 11129 | 1 SACD | D1 | EAN: 4260063111297

siglos xx & xxi

jazz & otras músicas

david lumsdainebig meetingDAVID LUMSDAINE: Big Meeting (collage electrónicosobre una gala minera) / David Lumsdaine, programación ymontaje electrónico

nmcNMCD 171 | 1 CD | D10 | EAN: xxxx

claude debussyobras orquestales, vol. 2CLAUDE DEBUSSY (1862-1918): Obras orquestales, vol. 2 /Olivier Dartevelle, clarinete. Catherine Beynon, arpa.Orchestre Philharmonique du Luxembourg. Coro Accentus.Emmanuel Krivine, director

timpani1C1173 | 1 CD | D2 | EAN: 3377891311735

hans g. helmsfa : m’ ahniesgwowHANS G. HELMS (1932): Fa : M' Ahniesgwow /Sperchbohrer

wergo6314-2 | 1 CD | D2 | EAN: 4010228631425

karlheinz stockhausentierkreis para órganoKARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928-2007): Tierkreis. 12melodías sobre los signos del zodiaco para órgano /Dominik Susteck, órgano

wergo6736-2 | 1 CD | D2 | EAN: 4010228673623

gregorian blue notescanto medieval e improvisación al saxoGREGORIAN BLUE NOTES: Canto medieval e improvisa-ción al saxo / Jürgen Seefelder, saxofón. EnsembleOfficium. Wilfried Rombach, director (en directo desde laCatedral de Worms)

christophorusCHR 77351 | 1 CD | D3 | EAN: 4010072773517

michael mantlerfor twoMICHAEL MANTLER: For Two / Bjarne Roupé, guitarras. PerSalo, piano

ecm recordsECM 2139 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0602527637839

amina alaouiarco irisAMINA ALAOUI: Arco Iris / Amina Alaoui, voz, daf. SaïfallahBen Abderrazak, violín. Sofiane Negra, oud. José LuisMontón, guitarra flamenca. Eduardo Miranda, mandolina.Idriss Agnel, percusión

ecm recordsECM 2180 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0602527637587

dino saluzzinavidad de los andesDINO SALUZZI (1935): Navidad de los Andes / Dino Saluzzi,bandoneón. Anja Lechner, violonchelo. Felix Saluzzi, saxo-fón tenor, clarinete

ecm recordsECM 2204 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0602527769288

sinnika langelandthe land that is notSINNIKA LANGELAND (1961): The Land That Is Not /Sinikka Langeland, voz, kantele. Arve Henriksen, trompeta.Trygve Seim, saxofones soprano y tenor. Anders Jormin,contrabajo. Markku Ounaskari, percusión

ecm recordsECM 2210 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0602527620367

craig tabornavenging angelCRAIG TABORN: Avenging Angel / Craig Taborn, piano

ecm recordsECM 2207 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0602527636375

chick corea / stefano bollaniorvietoCHICK COREA / STEFANO BOLLANI: Orvieto / ChickCorea y Stefano Bollani, pianos

ecm recordsECM 2222 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0602527796925

ricardo villalobos / max loderbauerre: ecmRICARDO VILLALOBOS / MAX LODERBAUER: Re: ECM /Ricardo Villalobos y Max Loderbauer, electrónica

ecm recordsECM 2211/12 | 2 CD | D10 x 2 | EAN: 0602527586816

jean-françois zygel; antoine hervédouble messieursJEAN-FRANÇOIS ZYGEL, ANTOINE HERVÉ: Double mes-sieurs (CD + DVD) / Jean-François Zygel y Antoine Hervé,pianos

naïveV 5222 | 1 CD | D1 | EAN: 0822186052228

nuova compagnia di canto popolare en directo desde munichNUOVA COMPAGNIA DI CANTO POPOLARE: En directodesde Munich (canciones populares italianas) / NuovaCompagnia di Canto Popolare

pan classicsPAN 10249 | 1 CD | D2 | EAN: 7619990102491

marilyn mazurcelestial circleMARILYN MAZUR: Celestial Circle / Marilyn Mazur, batería,percusión, voz. John Taylor, piano. Josefine Cronholm, voz.Anders Jormin, contrabajo

ecm recordsECM 2228 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0602527680569

the world's biggest big bandthe swr big band; ...THE WORLD'S BIGGEST BIG BAND: Piezas famosas deswing / The SWR Big Band & The Syd Lawrence Orchestra.Chris Dean, director

hänssler93.278 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0401027604453

conlon nancarrowas fast as possibleCONLON NANCARROW (1912-1997): As Fast As Possible /Bugallo-Williams Piano Duo. Ensemble Modern. WDRSinfonieorchester Köln. Kasper de Roo y Stefan Asbury,directores

wergo6733-2 | 1 CD | D3 | EAN: 4010228673326

alejandro morenoacrílico y óleoALEJANDRO MORENO (1962): Acrílico y óleo (obras decámara) / Raúl Jiménez, acordeón. Cuarteto Areteia

versoVRS 2110 | 1 CD | D10 | EAN: 8436009801102

george crumbmakrokosmos vols. i & iiGEORGE CRUMB (1929): Makrokosmos Vols. I & II / RobertGroslot, piano

piano classicsPCL 0007 | 1 CD | D5 | EAN: 5065001863271

cyprien katsarislive in shanghai (dvd)CYPRIEN KATSARIS: En directo desde Shanghai (TheInternational Piano Festival of Shanghai Conservatory ofMusic, 2007) / Cyprien Katsaris, piano. Bi Yi, director devídeo

piano 21P21 035-N | 1 DVD | D3 | EAN: 3760051450434

52 diverdi el zoco

zo co e l zo co e l zo co e l zo co e l zo co e l zo co e l zo co e l zo co e l zo co

L o s d i s c o s d e l z o c o n o c o m p u t a n p a r a l o s d e s c u e n t o s s e ñ a l a d o s e n e l b o l e t í n d e p e d i d o .

Estamos de enhorabuena, pues el prestigioso sello alemán CPO ofrece una pequeña selección de su catálogo en este Zoco aun precio increíble: 55,,9955 eeuurrooss ccaaddaa CCDD. El abanico de compositores abarca desde el Barroco, con la familia Bach, Abel yWeckmann, hasta el siglo XX con Pettersson, Busoni, Scelsi, Krenek y Hindemith, mientras que Clasicismo y Romanticismoestán representados por Reicha, Onslow, Spohr, Schumann, Bruckner y Wolf. Dos intereresantes discos se dedican a la obra

no vocal de dos grandes operistas, Donizetti y Rossini, y en otro podemos disfrutar de la obra de cámara de Enrique Granados. Como muestra de losintérpretes, hay que citar algunos imprescindibles como el Cuarteto Mandelring, el violinista Ulf Hoelscher, el grupo La Stagione, Ludger Rémy, y elpropio Scelsi al piano. Jamás estos discos tan sobresalientes se ofrecieron a un precio tan reducido.

GEORGES ONWLOW: Cuarteto de cuer-das op. 9 nº 1 y 2. Cuartetos de cuerdaOp. 47 / Mandelring Quartett / CPO /Ref.: 999060-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ANTON REICHA (1770-1836): Músicade cámara para fagot / Eckart Hübner,fagot. Nomos-Quartett. Inge-SusasnnRömhild, piano / CPO / Ref.: 999061-2 (1CD) P.V.P.: 5,95 €.-

GIOACCHINO ROSSINI (1792-1868)::Primeras sinfonías / Haydn OrchestraBolzano. Alun Francis, conductor / CPO/ Ref.: 999063-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ALLAN PETTERSSON (1911-1980):Sinfonía No. 8 / Radio-Symphonie-Orchester Berlin. Thomas Sanderling,dirección / CPO / Ref.: 999085-2 (1 CD)P.V.P.: 5,95 €.-

LOUIS SPOHR (1784-1859): Oberturas /Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin.Christian Fröhlich, dirección / CPO / Ref.:999093-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ALLAN PETTERSSON (1911-1980):Concierto para violín No. 1; 4Improvisaciones.../ Ulf Hoelscher, violín.Mandelring Quartett. Albert SchweitzerQuintett. Michael Scheitzbach, viola.Volker Banfield, piano / CPO / Ref.:999169-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

CARL FRIEDRICH ABEL (1723-1787):Sinfonías op. 10, Nos. 1-6 / La Stagione.Michael Schneider, dirección / CPO /Ref.: 999207-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ROBERT VOLKMANN (1815-1883):Cuartetos para cuerdas Nos. 3 & 6 /Mannheimer Streichquartett / CPO / Ref.:999237-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ERNST KRENEK (1900-1991): SinfoníaNo. 2 / NDR Radiophilharmonie. TakaoUkigaya, dirección / CPO / Ref.: 999255-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ANTON BRUCKNER (1824-1896): Obraspara piano / Wolfgang Brunner, piano /CPO / Ref.: 999256-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

FERRUCIO BUSONI (1866-1924):Cuatetos de cuerda 1 y 2 / PellegriniQuartett / CPO / Ref.: 999264-2 (1 CD)P.V.P.: 5,95 €.-

GAETANO DONIZETTI (1797-1848):Cuartetos para cuerda Nos. 13-15 / TheRevolutionary Drawing Room / CPO /Ref.: 999280-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

GIACINTO SCELSI (1905-1988): Musicade cámara para flauta y piano / CarinLevine, flauta. Kristi Becker, piano. PeterVeale, oboe. Edith Salmen, percusión.Giacinto Scelsi, piano / CPO / Ref.:999340-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ENRIQUE GRANADOS (1867-1916):Música de cámara / Piano Trio Salzburg /CPO / Ref.: 999365-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

PAUL HINDEMITH: Integral de los con-ciertos para violonchelo / DavidGeringas, violonchelo . QueenslandSymphony Orchestra. Werner AndreasAlbert, dirección / CPO / Ref.: 999375-2(1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ROBERT SCHUMANN (1810-1856):Fantasías para piano / Volker Banfield,piano / CPO / Ref.: 999431-2 (1 CD) P.V.P.:5,95 €.-

HUGO WOLF (1860-1903): Intermezzo.Italianische Serenade / Auryn Quartett /CPO / Ref.: 999529-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

CARL PHILIPP EMANUEL BACH (1714-1788): Conciertos para clave Wq 3, 32,44 & 45 / Les Amis de Philippe. LudgerRémy, clave y dirección / CPO / Ref.:999566-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

JOHANN CHRISTIAN BACH (1735-1782):Integral de piano a cuatro manos. WIL-HELM FRIEDRICH BACH (1759-1845):Sonata para piano a cuatro manos; DuetNo. 2 para piano a cuatro manos / DuoGenova & Dimitrov / CPO / Ref.: 999848-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

MATTHIAS WECKMANN (1616-1674):Obras sacras / Himlische Cantorey / CPO/ Ref.: 999944-2 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ALEXANDER BORODIN (1833-1887):Cuartetos Nos 1 & 2 / The ShostakovichQuartet / ALTO / Ref.: ALC 1111 (1 CD)D7

FRANZ SCHUBERT (1797-1828): Sonataspara piano nº 9 y 11; Moments Musicauxnº 1, 3 y 6 / Sviatoslav Richter, piano /ALTO / Ref.: ALC 1115 (1 CD) D7

ORLANDUS LASSUS (1532-1594):Lamentaciones de Jeremiae para 5 voces/ Pro Cantione Antiqua. Dir.: Bruno Turner/ ALTO / Ref.: ALC 1123 (1 CD) D7

LISA DELLA CASA canta RICHARDSTRAUSS: Four last songs; Arias deArabella, Ariadne auf Naxos / Lisa dellaCasa. VPO. Dir.: K. Bohm / ALTO / Ref.:ALC 1129 (1 CD) D7

JOHANN STRAUSS (1825-1899): DieFledermaus (El murciélago) / Güden,Kunz, Berry, Klein / Vienna State OperaOrchestra. Dir.: Herbert von Karajan(Incluye un bonus de Música de Ballet y‘Gala Sequence’) / ALTO / Ref.: ALC 2018(2 CD) D7 x 2

GIACOMO PUCCINI (1858-1924):Madama Butterfly (ópera en 2 actos) /Tebeldi, Bergonzi, Cossotto / Orchestradell Accademia Santa Cecilia. Dir.: TullioSerafin / ALTO / Ref.: ALC 2015 (2 CD)D7 x 2

SERGEI RACHMANINOV (1873-1943):Sonata para piano No. 2; Variacines deun Tema de Corelli, Op.42; 6 momentosmusicales Op.16 / John Lill, piano / REGIS/ Ref.: RRC 1331 (1 CD) D7

TREVOR PINNOCK: BaroqueMasterpieces for Harpsichord (Obras deArne, Greene, Haendel, Rameau yScarlatti) / Trevor Pinnock, clave / REGIS/ Ref.: RRC 1332 (1 CD) D7

16TH CENTURY MUSIC FOR VIOLS:Obras de Tallis y Dowland / Fretwork &Rose Consort of Viols / REGIS / Ref.: RRC1333 (1 CD) D7

LAS CANCIONES DE INGLATERRA:Canciones populares inglesas / JohnPotter, Lucie Skeaping, Jo Freya, TheBroadside Band / REGIS / Ref.: RRC 1337(1 CD) D7

MAURICE RAVEL (1875-1937): Obraspara piano / Jean Yves Thibaudet, piano.Hélène Grimaud. RPO. Dir.: Jesús López-Cobos / REGIS / Ref.: RRC 1339 (1 CD)D7

MUSIC FOR VIOLA DA GAMBA: (obrasde Abel, Ortiz, Schenck, Telemann,Simpson y Hume) /Wieland Kuijken, vio-la da gamba / REGIS / Ref.: RRC 1346 (1CD) D7

FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849): Obraspara piano ( Baladas, Mazurcas,Preludios, nocturnos, Polonesas y Waltz/ Artur Rubinstein, piano / REGIS / Ref.:RRC 6010 (6 CD) D7 x 3

Los sellos británicos tienen un talento especial para rescatar tesoros discográficos perdidos hace años en las simas de la des-catalogación. Para este mes de octubre, Regis y Alto nos ofrecen como recién hechas algunas de sus recuperaciones. La másextensa se recoge en un estuche de seis discos con el mejor Chopin en manos del maestro Anton Rubinstein. Otros tres pia-nistas de lujo, Richter, Thibaudet y Grimaud, para Schubert y Ravel, contrastan con el despliegue al clave de Trevor Pinnock,mientras en las cuerdas encontramos un recital de viola da gamba a solo de Wieland Kuijken y un disco del mítico conjunto deviolas Fretwork. En el campo de la polifonía hallamos a los inefables Pro Cantione Antiqua cantando Lassus, y en el camerís-tico destaca el Cuarteto Shostakovich interpretando los de Borodin. También nos ofrecen dos veladas operísticas imprescin-dibles, como son Madama Butterfly con Tebaldi y Bergonzi, y El murciélago dirigido por Karajan, que incluye la mítica secuencia

de la fiesta en la que podemos escuchar, entre otros, a Sutherland, Berganza, Price, Björling, Welitsch, Simionato, Bastianini, del Monaco, Nilsson. Másestrellas que en el cielo.

53el zoco 207 / octubre 2011

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L o s d i s c o s d e l z o c o n o c o m p u t a n p a r a l o s d e s c u e n t o s s e ñ a l a d o s e n e l b o l e t í n d e p e d i d o .

Nueva y esperada entrega de la ilustre colección Voces Barrocas del sello Naïve. Los mejores artistas del momento están pre-sentes en esta selección, encabezados por Marc Minkowski y sus Musiciens du Louvre, de quienes podemos disfrutar de laOda para el día de Santa Cecilia de Haendel. El grupo más presente es Concerto Italiano, dirigido por el clavecinista RinaldoAlessandrini, con cuatro discos dedicados a Monteverdi, Alessandro Scarlatti, arias para bajo de Vivaldi con el gran Lorenzo

Regazzo, y un recital haendeliano con Sandrine Piau y Sara Mingardo. Piau aparece también entre otros cantantes en un álbum dedicado a arias de ópe-ras de Vivaldi bajo la dirección de Sardelli. El fértil mundo de la religiosidad barroca está bien representado por un recital bachiano del contratenor GerardLesne, la Historia di Jephte de Carissimi, y obras de Provenzale y Caresana de mano de Antonio Florio y la Cappella de’ Turchini. Además, el mito deMedea en la voz de Stéphanie D’Oustrac. Todo un banquete musical a precio reducido.

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 41:GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759): Oda para el Día de Sta. Cecilia /Crowe, Croft / Choeur des Musiciens duLouvre. Les Musiciens du Louvre. Dir.:Marc Minkowski / NAÏVE / Ref.: V 5279(1 CD) P.V.P.: 9,95 €.-

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 42: GIO-VANNI CARISSIMI: Historia di Jephte /Le Parlement de Musique. Dir.: MartinGester / NAÏVE / Ref.: OP 30526 (1 CD)P.V.P.: 9,95 €.-

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 43: MÉDÉEFURIEUSE: Obras barrocas inspiradas enel mito de Medea / Stéphanie D’Oustrac,mezzo-soprano. Amarillis / NAÏVE / Ref.:E 8934 (1 CD) P.V.P.: 9,95 €.-

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 44: BACH:Arias y cantatas para alto de JohannSebastian Bach, Johann Christian Bach &Johann Michael Bach / Il SeminarioMusicale. Gérard Lesne, alto. / NAÏVE /Ref.: E 8933 (1 CD) P.V.P.: 9,95 €.-

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 45: ALES-SANDRO SCARLATTI (1660-1725): DixitDominus; Magnificat / Concerto Italiano.Dir.: Rinaldo Alessadrini / NAÏVE / Ref.:OP 30525 (1 CD) P.V.P.: 9,95 €.-

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 46: FRAN-CESCO PROVENZALE: La bella devo-zione: Pange lingua; Dialogo sacro a 5voces con instrumentos. CRISTOFAROCARESANA: Sonata a 8 parti; Missa paraocho voces e instrumentos "Exultet orbisgaudiis" / Cappella de' Turchini. Dir.:Antonio Florio / NAÏVE / Ref.: OP 30527(1 CD) P.V.P.: 9,95 €.-

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 47: CLAU-DIO MONTEVERDI: Il sesto libro deMadrigali / Concerto Italiano. Dir.: RinaldoAlessandrini / NAÏVE / Ref.: OP 30522 (1CD) P.V.P.: 9,95 €.-

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 48:GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759): Arias y duetos de ópera / SandrinePiau, soprano. Sara Mingardo, contralto.Concerto Italiano. Dir.: RinaldoAlessandrini / NAÏVE / Ref.: OP 30521 (1CD) P.V.P.: 9,95 €.-

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 49: ANTO-NIO VIVALDI (1678-1741): Arie per bas-so / Lorenzo Regazzo, bajo. ConcertoItaliano, Dir.: Rinaldo Alessandrini / NAÏVE/ Ref.: OP 30524 (1 CD) P.V.P.: 9,95 €.-

LAS VOCES BARROCAS, VOL. 50: ANTO-NIO VIVALDI (1678-1741): Arias de ópe-ra / Piau, Hallenberg, Agnew, Laurens /Modo Antiquo. Dir.: Federico MariaSardelli / NAÏVE / Ref.: OP 30523 (1 CD)P.V.P.: 9,95 €.-

Resulta abrumador el despliegue de referencias de Brilliant y Novosón. Este octubre abren fuego con nuestra mejor músi-ca con dos obras líricas infrecuentes: El anillo de hierro, con Teresa Berganza, y La duquesa del Bal Tabarín, además de laSuite Iberia de Albéniz dirigida por Ataúlfo Argenta y dos discos de arias y canciones del insuperable Alfredo Kraus.Saliendo de España encontramos seis estuches monográficos dedicados a los mejores instrumentistas rusos: Oistrakh,Rostropovich, Kissin, Gilels, Sofronitzky y Kremer. En el campo operístico encontramos títulos de Dukas, Glinka,

Mussorgsky y Mozart, mientras que en instrumentos a solo disfrutaremos de la guitarra de Villa-Lobos, el piano de Tcherepnin , y la personal versiónde todas las Sonatas de Mozart por Maria Joao Pires. Como colofón, los pesos pesados: Todo Frescobaldi y una panorámica de Tchaikovsky en 60 CDs.

DAVID OISTRAKH INTERPRETA CONCIERTOSRUSOS PARA VIOLÍN: Obras de Kabalevsky,Shostakovich, Prokofiev... / David Oistrakh, violín /BRILLIANT / Ref.: 9239 (3 CD) P.V.P.: 11,85 €.-

MSTISLAV ROSTROPOVICH INTERPRETA CON-CIERTOS RUSOS PARA VIOLONCHELO: Obras deGlazunov, Khachaturian, Myaskovsky, ... / MstislavRostropovich, violonchelo / BRILLIANT / Ref.: 9240(3 CD) P.V.P.: 11,85 €.-

VLADIMIR SOFRONITZKY INTERPRETA MUSICARUSA PARA PIANO: Obras de Scriabin,Rachmaninov, ... / Vladimir Sofronitzky, piano / BRI-LLIANT / Ref.: 9241 (3 CD) P.V.P.: 11,85 €.-

GIDON KREMER INTERPRETA MÚSICA DEL COM-POSITORES DEL SIGLO XX: Obras de Prokofiev,Schoemberg, Webern, Stockhausen... / BRILLIANT/ Ref.: 9242 (3 CD) P.V.P.: 11,85 €.-

EVGENY KISSIN INTERPRETA MUSICA RUSA PARAPIANO: Obras de varios compositores / EvgenyKissin, piano / BRILLIANT / Ref.: 9243 (3 CD) P.V.P.:11,85 €.-

EMIL GILELS INTERPRETA LOS CONCIERTOSPARA PIANO DE BEETHOVEN / Emil Gilels, piano/ BRILLIANT / Ref.: 94291 (3 CD) P.V.P.: 11,85 €.-

TCHAIKOVSKY EDITION (CAJA 60 CDs): Sinfonías;Música de cámara; Conciertos; Canciones;... / Variosintérpretes / BRILLIANT / Ref.: 93980 (60 CD) P.V.P.:79,00 €.-

MIKHAIL GLINKA (1804-1857): Ivan Susanin (ópe-ra en cuatro actos) / Ghiuselev, Stoyanova,Angelakova... / Sofia National Opera Chorus and

Orchestra. Ivan Marinov, director / BRILLIANT / Ref.:94220 (3 CD) P.V.P.: 11,85 €.-

PAUL DUKAS (1865-1935): Ariadna y Barbazul /Polaski, Henschel, Youn... / RadioSymphonieorchester Wien. Slovak PhilharmonicChoir. Bertrand de Billy, director / BRILLIANT / Ref.:94254 (2 CD) P.V.P.: 7,90 €.-

MODEST MUSSORGSKY (1839-1881):Khovanshchina / Petrov, Kontov, Ghiselev... / SofiaNational Opera Chorus and Orchestra. BulgarianNational Choir. Atanas Margaritov, director / BRI-LLIANT / Ref.: 94255 (2 CD) P.V.P.: 7,90 €.-

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): DieZauberflöte (La Flauta Mágica, ópera en dos actos)/ Genz, Genz, Siebert, LeBlanc / La Petite Bande.Sigiswald Kuijken, director / BRILLIANT / Ref.: 94239(3 CD) P.V.P.: 11,85 €.-

HEITOR VILLA-LOBOS (1887-1959): Integral de lamúsica para guitarra / Frédéric Zigante, guitarra /BRILLIANT / Ref.: 9196 (2 CD) P.V.P.: 7,90 €.-

ALEXANDER TCHEREPNIN (1899-1977): Integralde la obra para piano / Noriko Ogawa, piano.Singapore Symphony Orchestra. Lan Shui, director/ BRILLIANT / Ref.: 9232 (2 CD) P.V.P.: 7,90 €.-

FRESCOBALDI EDITION (CAJA 15 CDs): Obra com-pleta / Varios intérpretes / BRILLIANT / Ref.: 94111(15 CD) P.V.P.: 39,95 €.-

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791):Integral de las Sonatas para piano / Maria Joao Pires,piano / BRILLIANT / Ref.: 94271 (5 CD) P.V.P.: 19,75 €.-

LEO BARD: La Duquesa de Bal Tabarin (opereta) /Elsa del Campo, Tomás Álvarez, Dolores Pérez,Santiago Ramalle / Coros de Radio Nacional deEspaña. Orquesta de Cámara de Madrid. EnriqueEstela, director / NOVOSON / Ref.: Z-225 (1 CD)P.V.P.: 5,95 €.-

ALFREDO KRAUS: Ensueño de amor (arias de ópe-ra) / Alfredo Kraus, tenor. Gran Orquesta Sinfónica.Orquesta de Conciertos de Madrid. Benito Laurety Pablo Sorozábal, directores / NOVOSON / Ref.: Z-233 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

ALFREDO KRAUS: Canciones inolvidables / AlfredoKraus, tenor. Gran Orquesta de Cámara de Madrid.José Luis Lloret, director. Daniel Montorio, supervi-sión musical / NOVOSON / Ref.: Z-236 (1 CD) P.V.P.:5,95 €.-

ISAAC ALBÉNIZ: Suite Iberia / Orquesta de laSociedad de conciertos del Conservatorio de Paris.Ataulfo Argenta, director / NOVOSON / Ref.: Z-226(1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

MARQUES / ZAPATA: El Anillo de Hierro / TeresaBerganza, Manuel Ausensi, Carlos Mungia, José LuisCancela, Sigfredo Videras, Gerardo Monreal / GranOrquesta Sinfónica. Dir.: Benito Laurent / NOVO-SON / Ref.: Z-228 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

AMADEO VIVES (1871-1932): Los flamencos; PABLOSOROZÁBAL (1897-1988): Entre Sevilla y Triana /Pérez Carpio, Romeu, Navarro, Marcén, Avellí //Medio, Serrano, Iriarte, Cuenca, de la Vara / GranOrquesta Sinfónica. Pablo Sorozábal, director /NOVOSON / Ref.: Z-229 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-

NOVOSON

diverdi el chupito

El pasado 18 de septiembre la ciudad alemana deLeipzig amaneció con la perspectiva de un díacompleto dedicado a Robert Schumann. A las 9,30comenzaba en su propia casa un periplo de actua-ciones por parques y edificios históricos, con unplanteamiento de fiesta familiar, que incluía nota-bles paseos y desplazamientos preferentementeen bicicleta. Ese mismo día el Teatro de Óperaofrecía tres espectáculos: a las 11, la ópera paraniños La princesa árabe, con música de JuanCrisóstomo de Arriaga; a las 15 la opereta El con-de de Luxemburgo, de Franz Lehar, y a las 19 laópera Eugenio Oneguin, de Chaikovski, con pues-ta en escena de Peter Konwitschny. En Leipzig, yasaben, se encuentra la iglesia de Santo Tomás, cora-zón durante muchos años de la actividad de Bach;tiene también una casa-museo Mendelssohn y esel lugar de nacimiento de Richard Wagner. La cul-tura, la música, se mascan en cada rincón.

Ha sido precisamente en Leipzig donde hatenido lugar, enmarcado en los actos del 50º ani-versario de su teatro de Ópera, el estreno europeode Die arabische Prinzessin, una ópera-pasticcioparaniños, inspirada en un cuento oriental al estilo deLas mil y una noches, con música del bilbaínoArriaga, seleccionada y adaptada para la ocasiónpor la violinista y directora de orquesta Anne-Sophie Brüning. El estreno absoluto fue en Ramalaen julio de 2009, por obra y gracia del sector pales-tino más juvenil de la Fundación Barenboim-Said.Entonces la ópera se cantó en árabe con el títuloLa sultana de Cádiz, y ahora se hace en alemán. Eltema central se ha desplazado desde las dificulta-des de convivencia judeo-palestina a los proble-mas familiares de estabilidad de una pareja denuestro tiempo. El sensible libreto se debe en ambasversiones a Paula Fünfeck, nombre detrás del cualse encuentra la cantante Irmelin Gödecke. La his-toria del pescador Jamil y la princesa Amirah sir-ve de excusa a una ópera con varios coros infantilesen los que participan casi un centenar de niños,

con los correspondientes planteamientos pedagó-gicos de acercamiento a la ópera que eso facilita.La ópera se ha programado durante varios fines desemana y aún hay oportunidad de verla en octu-bre y diciembre.

Se podía haber ilustrado con música de nues-tro tiempo, pero la responsable musical del proyec-to pensó que era una gran oportunidad parareivindicar la música de Arriaga, un compositor alque ella admira hasta el delirio en su condición deviolinista familiarizada con sus cuartetos. Así selec-cionó fragmentos como el aria de Oedipe paratenor y orquesta, el dúo de Ma tante Aurora, o lacantata Herminie para soprano y orquesta, las tresde 1825; la obertura de Los esclavos felices, de 1819;la Marcha militar, de 1820; O Salutaris, de1823; lacantata Agar dans le désert, de 1825; el himno Yaluce en este hemisferio para coro y orquesta, opus3, de 1819; la Symphonie à grand orchestre, de 1824;Tema variado para cuarteto de cuerda, de 1820, ouna adaptación para orquesta del Estudio num. 1para piano, de 1819. Músicas del periodo bilbaíno(1806-1821) y del parisino (1821-1826) de Arriaga,que han sonado maravillosamente en este contex-to, gracias, cómo no, a la extraordinaria orquestaGewandhaus de Leipzig.

La ABAO está ya en negociaciones avanzadaspara presentar esta ópera para niños en Bilbaodentro de su potente temporada lírica Abao Txikide ópera en familia (en el curso 2011-12 están pro-gramados nada menos que cinco títulos). El ilus-tre compositor bilbaino nació un 27 de enero, comoMozart, y no llegó a cumplir los veinte años. Unavez editada su obra completa por la FundaciónVizcaína Aguirre, el Ayuntamiento de Bilbao, Tritóo Ediciones Polifemo, y con una biografía en lacalle tan competente como la de RománRodamiláns en Mínima, lo que importa ahora esla difusión de su música en toda su extensión. Paramuchos va a suponer una sorpresa monumental.En Alemania lo ha sido, desde luego.

el chupito

Érase una vez

Juan Ángel Vela del Campo

““En Leipzig ha

tenido lugar el

estreno europeo

de Die arabische

Prinzessin, una

ópera-pasticcio

para niños,

inspirada en un

cuento oriental al

estilo de Las mil y

una noches, con

música del

bilbaíno Arriaga,

seleccionada y

adaptada para la

ocasión.””

foto © Andreas Birkigt