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CUBISMO
Origen, cronología y concepto• Movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914,
nacido en Francia y encabezado por Apollinaire, pero también teniendo como principales fundadores a Picasso, Braque y Juan Gris. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Además es un avance pues el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. Nació en el Salón de los Independientes.
• El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles que en el caso de Braque dijo despectivamente que sus pinturas estaban compuestas por «pequeños cubos».
Características• La técnica del facetado fue uno de los recursos primordiales.
Consiste en presentar el espacio por facetas, esto es, a modo de visión fragmentada, por parcelas, reunidas en el cuadro como en el fondo de un ojo facetado, nombre por el que se conoce el aparato óptico de los insectos. A partir de aspectos de las cosas, según se presenten desde distintos ángulos, se perfilaban los esquemas básicos
• Los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran bodegones, paisajes y retratos. Picasso y Braque crean dos tendencias del cubismo. La primera es el cubismo analítico en donde la pintura es casi monocroma. Lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización. El cubismo hermético: estas obras parecen casi abstractas por la cantidad de puntos de vista representados, de este modo la imagen representada era casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos como una pipa, o letras de periódico. El miedo de caer en la abstracción, se transformó en el cubismo sintético que inició Braque al poner papel collé pegado directamente en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a poner periódicos y esto evolucionó en lo que es hoy en día el collage. Estas obras son más sencillas y parecen estar ensambladas, formadas por diversos materiales cotidianos como tiras de papel de periódico, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas
Picasso. Señoritas de Avignon
Señoritas de Avignon 1907• Este cuadro, que marcó el comienzo del cubismo donde elimina
todo lo sublime de la tradición rompiendo con el realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibérica, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.
• Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco. Su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cezanne.
• Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época.
Esquema compositivo
Composición• Rompe con las leyes de la perspectiva. A la izquierda, hay una sucesión de figuras
rectas, de ritmo tenso; a la derecha, la composición se deshace, las caras de las dos mujeres se transforman en máscaras.
• Las figuras se sitúan en un marco irreal: no hay luz ni sombras, ni diversidad de planos. La única realidad es la superficie plana del cuadro. Los fondos geometrizados de color ocre, blanco y azul no sugieren la idea de la tercera dimensión.
• Las figuras centrales tienen los ojos en posición frontal, y la nariz de perfil. La perspectiva es sólo un recurso que se puede utilizar con total libertad; en el siglo XX pueden hacerse servir (como lo hacía El Greco) diversidad de perspectivas en una misma figura.
• El uso del color es también totalmente libre: el ocre de los cuerpos podría referirse al color de la tierra y establecer un juego de ritmos al contrastar con los colores del fondo. Los contornos están reducidos a configuraciones básicas, como las "V" repetidas en el entrepiernas, codo, pecho y formas dentadas del fondo. En los rostros destacan las rayas de color verde y azul en un impulsivo intento de descomponer las superficies de las caras.
• Crea en esta composición uno de los aspectos más nuevos y revolucionarios: el espacio corpóreo. El espacio ya no es el factor común que armoniza los elementos del cuadro, sino un elemento como los demás, real, concreto, que se deforma y descompone de la misma manera que las figuras: expresa al mismo tiempo volumen y espacio. En la figura sentada se rompen todos los cánones de la perspectiva lineal y tridimensional: cara y espalda son visibles al mismo tiempo. Es una ruptura de la perspectiva que había condicionado el arte a partir del Renacimiento. Significa también la introducción de otro elemento, que desarrollarán otras corrientes contemporáneas: el movimiento.
Cubismo analítico
• Fase a la que derivaron Pablo Picasso y George Braque entre 1910 y 1912, cuyo catalizador fue la obra tardía de Cezanne, el mundo artístico en torno a las galerías de arte de París y la teoría relativista. Se caracteriza por una descomposición cada vez mayor de las formas en planos. Los objeto están representados como figuras geométricas de varias caras o facetas, en colores monocromos (ocre, verde oscuro y gris), quietos o en movimiento según la perspectiva que se considere, tal como son concebidos en su totalidad por la mente y no desde un punto de vista único. Es un intento de combinar la tridimensionalidad del mundo real en espacios cerrados con la bidimensionalidad de la obra artística, centrándose en naturalezas muertas, instrumentos musicales y retratos de amigos marchantes.
Picasso: mujer con mandolina 1910. Braque: clarinete y botella de ron 1911-
Picasso. Fábrica de Horta de Ebro
Braque. Cubimo hermético: el portugués
El Portugués
• Braque se esmeró en articular plásticamente esa doble vertiente de la realidad que busca una forma de integración en la visualidad cubista: la realidad externa de la naturaleza y la realidad interna de las cosas. En la representación de personas, como es el caso de este cuadro, tal desdoblamiento del sentido se convierte en riqueza psicológica de un anonimato. Del análisis plástico resulta una superficie vibrátil y ritmada que poetiza la realidad del representado. El empleo de letras estarcidas tan pronto sirve para introducir nombres que se ligan al asunto -baile es un ejemplo- como para acentuar la platitud en un espacio desarrollado genéricamente en profundidad, pero que impone siempre soluciones de continuidad en la penetración del mismo hacia el fondo.
Cubismo sintético• Aún cuando algunos atribuyen a Picasso el dar los primeros pasos
en esta dirección, parecería que fue iniciado por Braque al incorporar a la obra papel collé pegado directamente en la pintura.En todo caso, Picasso y Braque añadieron periódicos, cartón y otros elementos a sus obras, y esto evolucionó en lo que es hoy en día el collage.Las obras son menos elaboradas, y en cierto punto parecen acercarse a una producción en serie. Esta técnica permite a Picasso alcanzar un objetivo largamente perseguido: que el cuadro sea realidad, en lugar de reemplazar a esta. Le da la posibilidad de pegar pequeños trozos de realidad en el cuadro.Esta nueva vertiente artística tuvo en su punto más significativo popularizar la creación artística, dado que no se requerían grandes capacidades técnicas para ensamblar obras, esto, como mencionábamos, termina por dar por tierra el gran mito del artista cultivado durante el renacentismo.El cubismo sintético se desarrolló en tal manera que estuvo al borde de originar una rama abocada a la escultura, pero esto hubiera provocado una contradicción interna en el movimiento, dado su precepto fundamental de ausencia de perspectiva y tercera dimensión.
Cubismo sintético: Juan Gris• Apenas se introdujo en los métodos, de los que extrajo sólo los aspectos
que le interesaban para la construcción del espacio en el plano. Luego será maestro en las operaciones de síntesis plástica y en el collage. Gris definió su método como una operación deductiva, que iba de relaciones formales generales a la individualización del asunto, según Gris el modelo se crea en el cuadro y se hace objeto “ No es el cuadro X el que llega a coincidir con mi tema, sino el tema X el que llega a coincidir con mi cuadro"
• Se esmeró en la reducción de las imágenes a formas sencillas, ligadas por calculadas relaciones de proporción. Pero su empleo de la escuadra, el compás y el cartabón no le condujo a la senda de la construcción mecánica. Utilizó la proporción aúrea.
• Fue un pintor que empleó la razón para fines ingenuos, que cuando concretaba pictóricamente lo abstracto, partiendo de formas puras para crear formas particulares, el tema resultante eran los objetos familiares y las personas queridas
• Sus austeros bodegones de 1910 se ocupan de las ligeras deformaciones ópticas. En los años siguientes encuentra formulaciones esquemáticas muy personales a base de. Su pintura se orienta rápidamente hacia un sintetismo que compite con las producciones coetáneas de Picasso y Braque, con criterios muy decantados hacia el purismo formal. En
• Gran complejidad estructural, pese a la simplificación geométrica y a la platitud a la que somete los volúmenes.
Juan Gris Hombre en
el café
Juan GRIS: guitarra delante del mar
• Guitarra delante el Mar (1925)Sobre una mesa coloca una guitarra, una partitura o un libro, un naipe, una fruta y un periódico. Detrás, una ventana, el mar con un barco de vela, unas montañas y el cielo azul. La mesa se convierte en el alféizar de la ventana.
• Los objetos van apareciendo, metiéndose unos en otros. Todos están vistos desde un punto diferente y utiliza el sombreado para dar la sensación de profundidad. Los elementos son figurativos, se identifican fácilmente. Esta es el rasgo más destacable de la creación de Juan Gris.
Juan Gris: el fumador 1913• La manera en que la cabeza se fragmenta y
se descompone en sus diferentes partes en forma de abanico, atendiendo a un orden geométrico, responde a la influencia de Picasso-
• La dominante oblicua de la parte superior, contrasta con la solidez y frontalidad de la parte inferior, en la que los hombros y el cuello dan una gran estabilidad a la composición. Para sugerir profundidad, Gris presenta la figura desde distintos puntos de vista, lo que hace que algunas de sus partes sean difíciles de reconocer. La nota discordante de este estudiado orden geométrico, la ofrece la línea sinuosa del humo del cigarro a la que los distintos fragmentos del cuadro hacen cambiar de color. Por otra parte, las referencias esquematizadas de la nariz, la oreja y la barbilla, cercanas a la caricatura, tienen cierta similitud con los comienzos de Juan Gris como ilustrador gráfico. Los planos de color verdes, azules, naranjas o rojos, ausentes en las obras de Picasso y Braque de ese momento, dan a la obra de Gris una especial originalidad.
Picasso•
Nació en Málaga en 1881, donde su padre era profesor de Dibujo y director del Museo Municipal. La familia se traslada a La Coruña y de allí a Barcelona, donde inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico. En 1900 se traslada a París por un breve periodo de tiempo.Vuelve a Bracelona y entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa. Más tarde se interesa por el arte africano y Cezanne partiendo de él va a desarrollar el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza. A Picasso también le influyen mucho sus relaciones con las mujeres y la Guerra Civil Española. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final.
Etapas anteriores al cubismo• Periodo Azul Este periodo comienza en 1901 a causa del
suicidio en París de su amigo Carlos Casagemas y termina en 1904. Utiliza un ambiente bohemio de las calles parisinas, también mostrado en sus cuadros la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del post-impresionismo. En sus obras, Picasso casi siempre utiliza tonos azules y representa personajes escuálidos con expresión trágica: Dama en Eden Concert (1903), La Vida (1903), Las dos hermanas (1904) así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años, miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas al estilo de El Greco.
• Periodo Rosa Poco después de establecerse en París, Picasso conoce su primera compañera. Desde 1905 su paleta se inclina hacia los tonos rosas y rojos, lo que dura hasta 1906. En esta época Picasso fue menos trágico y representó escenas de circos, comediantes, etc. Algunas de estas: Familia de Arlequín (1905)
La vida• Cuadro representativo de la
"época azul", en la que nos presenta personajes-tipo de la miseria humana: figuras esqueléticas, alcohólicos, mendigos, prostitutas, dentro de un estilo que recuerda las composiciones de El Greco, con tonalidades azules que acrecentan el ambiente triste del mensaje, como base del conjunto.Fue pintado en Barcelona y muestra el tránsito de la vida representado por una pareja desnuda, que observa a una madre con un bebé vestidos. En el fondo aparcen unas figuras también desnudas que simbolizan el recorrido de la vida hasta soledad de la vejez, todo ello rodeado del ambiente melancólico.
La tragedia• Otro cuadro de la "época
azul" en el que el título significa todo el contenido. Se respira la melancolía, la miseria, la desgracia, todo ello concetrado en la familia que aporta todavía mayor dramatismo. Los colores azules y formas alargadas contribuyen a la frialdad que transmite.
Familia de saltimbanquis
Familia de saltimbanquis
• Como transición a la "época rosa" y ya con temas y expresiones más alegres, Picasso trabajó numerosas obras sobre el tema del circo y los saltimbanquis. Este cuadro todavía tiene la melancolía en las caras de los personajes, pero el trazo, los colores y la pincelada denotan otro espíritu más alegre y dinámico
Etapas de Picasso• Periodo Neoclasicista Este periodo comienza en 1917 y termina
en 1927. Es una vuelta al desnudo monumental, al dibujo de línea precisa como los retratos de Ingres, al equilibrio. Coincide con su matrimonio con Olga Koklova.
• Época Surrealista Este periodo dura de 1928 a 1932. Las pinturas que destacan son Bañista en pie (1929), Bañista al borde del mar (1930) y El sueño (1932). En esta época las formas son distorsionadas, representando lo monstruoso o a evocaciones mitológicas y las esculturas estaban hechas de hilo y de láminas de metal. Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Bretón calificaba este acercamiento de Picasso como «...surrealista dentro del cubismo...»
• Época expresionista Con el comienzo de la Guerra Civil Española, Picasso fue nombrado director del Museo del Prado, por el gobierno republicano. En 1937 pintó el Guernica, es un alegato contra la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo aéreo alemán sobre Guernica. En estos años la mayor parte de las obras expresan un sentimiento de angustia, como consecuencia de la problemática situación que se vivía.Durante la II Guerra Mundial no se movió de Francia, siguiendo pintando en el París ocupado por los nazis. Cuando terminó la guerra, se unió al partido comunista.
Flauta de Pan• Después de la primera
guerra mundial el mundo artístico regresa a un concepto más clásico y real de sus obras. Se produce una vuelta a la figuración en el que la figura humana toma nuevamente relevancia. Las figuras y el escenario con grandes bloques de piedra recuerdan el clasicismo griego, pero con la luz, el cielo y el mar del Mediterráneo. Además sigue realizando obras cubistas.
Muchachas en la playa
El sueño• Pintado en 1932. Está
hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo. Representa a una mujer que yace dormida, con los brazos doblados, la cabeza ladeada y los senos al descubierto. La modelo del cuadro es Marie-Thérèse Walter. A la hora de pintar el cuadro, Picasso optó por simplificar, reduciendo las formas a volúmenes esféricos.
Guernica
• Encargo del gobierno republicano para la Exposición Universal de París de 1937 . Cuadro expresionista.
• La austeridad cromática conviene al tema del cuadro. La primera imagen que Picasso recibió del bombardeo fue a través de los periódicos franceses, lo que propicia la teoría de que interiorizó el horror que ello supuso, reflejándolo con tonos negros y blancos.
Análisis del Guernica• La monocromía del cuadro aumenta el drama. Aparece un toro que voltea.
Bajo el toro una mujer que sostiene en sus brazos a su hijo muerto. Esta mujer recuerda a una “piedad”. Mira al cielo con el rostro desgarrado y gritando de dolor. En el suelo aparece un hombre descuartizado, que se convierte en el símbolo visual de la matanza. Su brazo izquierdo termina en una mano fuerte con surcos en la palma, entre los cuales se puede observar una estrella de cinco puntas. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador. Finalmente entre los brazos se sitúa la cabeza del guerrero, con los ojos abiertos y con los extremos en punta ( a diferencia de las mujeres, cuyos ojos tienen forma de lágrima, lo que expresa el extremo sufrimiento femenino). En el centro del cuadro la yegua es el símbolo del dolor máximo, esta voltea y gira hacia el autor desorientada y herida de gravedad. Por la ventana entra una mujer de un modo surrealista. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República. Totalmente a la derecha aparece una mujer que cae envuelta en llamas de un edificio que arde.
• Los que están ubicados desde la yegua hacia la derecha miran hacia el lado izquierdo, incluida la yegua. Y los que se representan en la parte izquierda desde la yegua dirigen sus miradas hacia el cielo; si seguimos las trayectorias de las miradas estas nos llevan a un pájaro de color negro, que se puede interpretar como los aviones que bombardearon Guernika, todas las miradas buscan a ese pájaro para encontrar una explicación al horror que ha causado.
Etapas de Picasso• Periodo de Vallauris. En esta ciudad acabó su escultura El
hombre del cordero que mide 2,20 m de altura y se dedicó a la cerámica, donde realiza cerca de 2000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: La cabra también en bronce; la obra que llevó a cabo en 1964: maqueta de cabeza de mujer, una monumental escultura de en acero soldado; a lo largo de siete meses, creó notables series de grabados con el que retornó a sus primitivos temas: el circo, escenas eróticas... En Vallauris nacieron sus dos hijos, circunstancia que favoreció la presentación de cuadros más infantiles y maternales, rebosando maternidad. También pintó enormes murales: La guerra y La Paz (1952), Massacre en corée (1951), La Baignade (1957). Durante los últimos años pintó variaciones de temas célebres.
• Muchas de las últimas pinturas de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Velázquez, Delacroix y Manet.
Las Meninas
Las Meninas• Trabajó en la serie de 58 cuadros de Las Meninas en
1957. No hace sólo una reinterpretación en el cuadro, se va a permitir además de la reinterpretación de la obra, la introducción de algunos elementos nuevos en el cuadro como palomas, retratos de Jacqueline. Entre otras licencias hay un elemento que destaca: la disposición del cuadro, Picasso opta por un formato horizontal, en lugar del vertical que usó Velázquez, este formato es más narrativo, se ve así obligado a extender la imagen, bajar los techos y destacar la figura del pintor casi gigantesco.
• Para intensificar la sensación espacial y crear un recinto cúbico ha extendido la pared de la derecha destacando los ventanales como había hecho Velázquez. Ha creado una construcción donde lo que importa es la relación espacio, en este caso del estudio y los personajes.
Guerra
Retrato de Jacqueline
SURREALISMO
Concepto y origenEs una tendencia artística que surge en 1924, con la redacción de "El Manifiesto
Surrealista" por el poeta y crítico francés André Breton. Al principio este fue un movimiento literario y filosófico pero los pintores no tardaron en incorporarse a él.El surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, es el deseo de expresar el mundo del inconsciente como ese mundo en penumbras y del que pocas conocemos.
La aparición del psicoanálisis, creado por Freud, influenció enormemente el desarrollo de esta técnica artística, ya que pone un especial énfasis en el inconsciente del hombre. El artista ya no se conformaba con ir a la estructura de las cosas o del movimiento; querían ver la realidad que se esconde debajo de la conciencia.
El cubismo había deshecho la tercera dimensión proyectando aquel lado de las cosas que solamente se pueden ver en distintos tiempos. El surrealismo trata de proyectar el interior a base de imágenes tomadas tanto de lo real como de lo onírico. En él no existe contradicción entre pasado y presente, entre pasado y futuro, ni tampoco entre lo real y lo imaginario, ya que todo se confunde.
El mundo surrealista se puede definir como caótico, absurdo e irracional. Es como la exteriorización de lo interior, sin control racional y sin obstáculos morales o estéticos.
Características del Surrealismo• El dibujo es importante con el fin de exponer los sueños con
claridad y la manera irracional en que éstos se colocan en el espacio, creando una belleza plástica innegable.
• interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio.
• Objetos y formas sin su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado.
• Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia”). Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.
• Representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales. Todo aquello estaba en contra de la moral, la tradición y la cultura burguesa
• Evocación del caos . Perspectivas vacías. Animación de lo inanimado . Aislamiento de fragmentos anatómicos. Líbido del inconsciente
Nuevas técnicas surrealistas• Max Ernst creó la técnica del frottage: dibujos compuestos
por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo y lo aplicó en grandes obras.
• Cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
• Automatismo significaba el mecanismo por el que las ideas y las asociaciones de imágenes surgían al exterior a través de la imagen de manera rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido.Decalcomanía, técnica inventada por Oscar Domínguez que consiste en aplicar gouache negro sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen.
• Grattage es una técnica en la que (por lo general una vez seca) la pintura se desprende de la tela mediante desgarrones, creando un efecto de relieve. Fue empleada por Max Ernst y Joan Miró
Ernst (1891-1976) • Artista alemán, que compaginó sus estudios de filosofía
clásica en Bonn con el arte. En 1918 funda con Jan Arp el grupo Dadá. En 1921 expone en París y conoce a Breton con el que crea el surrealismo y las técnicas del frottage y el grattage, en un intento por reproducir en el ámbito de las artes visuales la escritura automática de los surrealistas. En 1938 se enemista con Breton y abandona el grupo surrealista. Llega a Estados Unidos en 1941. En sus primeras obras americanas, Ernst se sirve de la decalcomanía para representar el escenario de desolación y muerte en que habría de convertirse Europa tras la contienda. En 1942 pinta "Joven intrigado por el vuelo de una mosca no euclidiana", donde se emplea por primera vez la técnica del dripping (goteo), utilizada más trade por Jackson Pollock, y su obra se va haciendo más abstracta, al tiempo que su tradicional exuberancia orgánica va dejando paso a composiciones geométricas donde predominanlos colores planos. Regresa a Francia, en 1952. El reconocimiento universal a su trabajo le llega en 1954 con la concesión del gran premio de pintura de la Bienal de Venecia.
El ojo del silencio 1944
Tanguy (1900-1955)
• Artista bretón, se unió al surrealismo en 1924, llevando una vida bohemia. Durante la II Guerra se fue a vivir para siempre a EEUU. Sus cuadros son surrealistas abstractos. Muestran paisajes vastos y abstractos, en su mayor parte con una paleta de colores muy limitada, mostrando sólo destellos de colores que contrastan. Típicamente, estos paisajes de ensueño están poblados por formas abstractas variadas, a veces angulares y agudas como fragmentos de vidrio, otras veces con un aspecto orgánico intrigante, como amebas gigantes repentinamente
• Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo
provocar angustia y misterio
Divisibilidad indefinida
1944
Magritte (1898-1967) • Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los
surrealistas más claramente simbolistas.• Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas
realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo atravesado muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.
El tiempo atravesado
Los amantes
Chagall (1887-1985)
• Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.
Yo y la aldea
Giorgio de Chirico 1888-1978• Nace en Grecia. Su formación se inicia en 1906 en
Munich, donde estudia filosofía.Sus composiciones parten de la metafísica basada en visiones oníricas. En éstas existen grandes escenarios arquitectónicos que ofrecen un carácter mágico a la escena, repletos de elementos cotidianos, de personajes como los maniquíes. Más tarde, su introducción en el movimiento surrealista viene de la mano del propio grupo, que ve en sus obras algunos de los postulados que ellos mismos apuntaban. En 1925 participa en la primera exposición surrealista. Posteriormente, De Chirico rechaza sus propias investigaciones e incluso el arte contemporáneo comenzando así el llamado periodo neo-barroco, compuesto sobre todo por elementos arqueológicos y caballos.
Héctor y Andrómaca
Joan Miró (1893-1983) • Es el máximo representante del surrealismo abstracto. En su obra
reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" • Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y
tintas planas. Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.
• Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.
• Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.
Mural de cerámica
La estrella matinal. 1940A finales de 1939 estalla la Segunda Guerra Mundial y Miró se traslada a Normandía. Miró siente el deseo de evadirse de la realidad que lo envuelve. La vida retirada favorece este proceso de introspección, en el cual tienen un papel esencial el cielo y la noche con sus astros. Las Constelaciones, una serie formada por veintitrés aguadas sobre papel, parecen querer reflejar el orden del cosmos, con figuras ingrávidas que hacen referencia a la tierra y que comparten la existencia con una multiplicidad de signos celestes.
Salvador Dalí (1904-1989) • Nacido en Figueras, estudia en Madrid, en cuya Residencia de
Estudiantes se hace amigo de García Lorca y de Buñuel, con quién realiza el film "Un perro andaluz". En 1929 conoce a Gala, su mujer y musa, quién le introduce en el círculo parisino de los surrealistas. Pinta entonces sus obras más importantes como "La persistencia de la memoria", en las que desarrolla sus obsesiones (el sexo, lo blando, lo putrefacto de la materia) y aplica el método paranoíco-crítico de su invención : cultivar el engaño pero manteniendo la consciencia de que el control de la razón ha sido suspendido deliberadamente. Con un dibujo academicista y de gran exactitud, da realidad a sus delirios, a sus sueños. Su actitud megalómana, provocadora, su impudor y su desmedido amor al dinero escandalizan a los propios surrealistas, que lo expulsaron en 1933 del grupo. Además, en la Guerra Civil española muestra simpatías por el bando franquista. Instalado en Estados Unidos desde los años 40, evoluciona hacia el conservadurismo, explotando la religiosidad sentimental y escandalizando con sus paradójicas y extravagantes actuaciones, lo que le resulta muy rentable.
La persistencia de la memoria 1931
La persistencia de la memoria• Paisaje onírico. En primer término una cabeza blanda con una
enorme nariz reposa dormida sobre la arena. Puede muy bien ser un autorretrato estilizado del pintor. Tiene encima un blando reloj de bolsillo. A la izquierda, sobre una mesa hay otros dos relojes: en uno se apelotona una multitud de hormigas y el otro, blando tiene una mosca. De la mesa nace un árbol con una sola rama sobre la que hay un tercer reloj blando. Al fondo, iluminada fuertemente, vemos una cala recortada por acantilados rocosos. El mar se confunde casi con el cielo cubierto de vaporosas nubes blancas.
• El dibujo es muy académico. Los objetos están representados con detallismo, pero sus dimensiones no son reales y están deformados.
• El cuadro está dividido en dos partes no simétricas: una tenebrista, en primer término, y la otra, fuertemente iluminada- Predominan los tonos frios (azules, grises, blancos), que contrastan con los cálidos (ocres, marrones y amarillos).
• La composición : Domina la línea horizontal del mar al fondo, remarcada por la luz, que divide el cuadro en dos mitades desiguales pero armoniosas. Se complementa con la horizontal de la rama seca del árbol, que equilibra la composición. Como elementos dinámicos, el pintor utiliza las líneas diagonales (mesa, cabeza) y las curvas (relojes, cabeza). La perspectiva tradicional existe, pero el espacio parece extraño.
El Angelus 1932
El Angelus• Un ejemplo de aplicación del método paranoico-crítico en el
que Dalí mostró sus ideas obsesivas de modo más contundente. Explicó en sus "Confesiones inconfesables" que ya en su infancia le impresionó esa pintura; su padre tenía una reproducción en su despacho y ver a los dos campesinos, inmóviles frente a frente, le había producido siempre un gran malestar.En 1929, verla de nuevo le inquietó y, a partir de 1932, se convirtió en una imagen tan obsesiva, que hasta soñaba con ella, y a partir de entonces fue desarrollando su método de interpretación. Para Dalí, la luz de la pintura de Millet era crepuscular y su obsesión era saber qué estaba haciendo la pareja; estaban tan apesadumbrados, que pensó que estaban enterrando a un hijo. En 1963 Dalí pidió al Louvre que radiografiara la pintura; el resultado probó la existencia de una forma geométrica a los pies de la mujer, que Dalí interpretó como un féretro y pensó que Millet no debió atreverse a pintarlo para no dramatizar demasiado la escena, pero que realmente se trataba de un entierro.
Crucifijo de San Juan de la Cruz 1951• La posición del Cristo no es idea
original del pintor, se basó en un cuadro conservado en el Monasterio de la Encarnación de Ávila realizado por San Juan de la Cruz. Pertenece a su época mística-clásica que comenzó en los años 40 y que ha sido criticada por numerosos entendidos acusándola de comercial. Realmente son pinturas con un domino absoluto del dibujo, muy trabajadas y con composiciones espléndidas. Además del Jesucristo crucificado, incluye un paisaje de Port-Lligat tan dibujado y estudiado anteriormente, y un espacio casi infinito. El Cristo en sí esta incluido en una perspectiva basada en la proporción áurea Ausencia de cualquier elemento dramático -sangre, heridas, dolor.
Galatea de las esferas 1952• En este cuadro Dalí intenta
reflejar lo que anteriormente ya había escrito en su Manifiesto Místico: la vertiente espiritual -retrato místico de Gala- y la ciencia -las esferas- se combinan como orden general del Universo. Es una idea que le obsesiona y como tal pinta una y otra vez. Simplifica el fondo, básicamente es el mismo, pero solo hay cielo y mar eliminando cualquier otro elemento que complique la percepción del tema principal.
Mi esposa desnuda
