CURSO

16 Y 17 DE NOVIEMBRE DE 2019

LA MIRADA FEMINISTA: Perspectivas feministas en las producciones artisticas y las teorias del arte

www.artium.eus

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El museo Artium organiza la duodécima edición del curso La mirada feminista: Perspectivas feministas en las producciones artísticas y las teorías del arte. Dirigido por Xabier Arakistain, comisaria de arte, y Lourdes Méndez, catedrática de antropología del arte de la UPV/EHU, el curso reúne anualmente a conferenciantes de diferentes países, disciplinas y generaciones que, desde perspectivas feministas, analizan o intervienen en el campo del arte. Esas perspectivas, para denunciar y combatir la discriminación, opresión y explotación de las mujeres, retienen que la categoría sexo estructura lo social, la mirada, el lenguaje, el arte, su campo y sus instituciones conjugando dimensiones estéticas y políticas. Asimismo, las perspectivas feministas analizan a los y las artistas en el entramado de relaciones sociales de sexo, etnia y clase vigentes en las sociedades en las que viven y, al hacerlo, desvelan los motivos del desigual reconocimiento alcanzado por las artistas y sus obras en el arte.

Este curso propone a un público amplio una panorámica de las principales aportaciones de artistas y teóricas feministas del arte, incidiendo en las problemáticas teóricas y políticas a las que hoy se debe hacer frente para seguir elaborando y difundiendo un arte y un conocimiento libre de sesgos androcéntricos y etnocéntricos.

16 y 17 de noviembre de 2019

Auditorio de Artium

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SÁBADO 16 DE NOVIEMBRE

10:30 h Presentación a cargo de la dirección del curso: Xabier Arakistain y Lourdes Méndez

11:00 h Conferencia María Zambrano. Escribir el arte, pensarlo Rosa Rius, profesora honorífica de la Universidad de Barcelona

12:30 h DESCANSO

13:00 h Conversación entre la artista Elena Mendizabal y Beatriz Herráez, directora de Artium

14:30 h DESCANSO

16:30 h ConferenciaSororidad y arte feministaAmy Tobin, profesora del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Cambridge, y comisaria en Kettle’s Yard

18:00 h DESCANSO

18:30 h Conferencia Alzar un muro: Éxtasis

Monica Bonvicini, artista y catedrática de Escultura en la Universidad de Bellas Artes de Berlín

20:00 h FIN DE JORNADA

DOMINGO 17 DE NOVIEMBRE

11:00 h Conferencia Segunda ola del feminismo y rechazo del arte: el estilo italiano

Giovanna Zapperi, historiadora del Arte y profesora de Historia del Arte contemporáneo en la Universidad de Tours

12:30 h DESCANSO

13:00 h ConferenciaComisariado de duelo. Memoria, dolor y resistencia feminista reparadora Elke Krasny, profesora de Arte y Educación en la Academia de Bellas Artes de Viena

14:30 h DESCANSO

16:30 h Conferencia Mi DOBLE VIDA como artista feminista Sanja Iveković, artista

18:00 h FIN DE CURSO

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Rosa Rius Gatell es profesora honorífica de la Universidad de Barcelona e integrante del Seminario Filosofia i Gènere de la misma Universidad. Su labor investigadora se articula en torno a dos ejes: la filosofía del Renacimiento y el pensamiento de las mujeres en distintos períodos de la historia, en especial, entre los siglos XII y XVI y en el siglo XX. Es editora de varios volúmenes colectivos, entre los cuales cabe recordar: Pensadoras del Siglo XX. Aportaciones al pensamiento filosófico y político (2011) y Lectoras de Simone Weil (2013), los dos con Fina Birulés, así como Remedios Varo. Caminos del conocimiento, la creación y el exilio, con María José González Madrid (2013). Entre sus publicaciones destacan «Il Principe» de Maquiavel. Primera traducció espanyola basada

en un manuscrit inèdit (2010) (coautora Montserrat Casas), la introducción y las notas críticas a la Historia de las mujeres filósofas de Gilles Ménage (2009; 3a reimpr. 2019), la edición, traducción e introducción de De la Ilíada de Rachel Bespaloff (2012) y artículos como: «Armonía y creación en el cosmos de Remedios Varo» (2013), «De l’alegria i el dolor en María Zambrano» (2013), «De antiguas sabidurías: Simone Weil y María Zambrano» (2013), «À la recherche des savoirs anciens. Simone Weil dans l’air du temps» (2014), «Rinascimento: eccellenti nel proprio tempo. Il merito di Moderata Fonte» (2015), «María Zambrano et “l’art qui fait voir”» (2015), «De la belleza, el arte y la pintura “verdadera” en Simone Weil» (2017) y «Simone Weil lectora de Maquiavelo» (2018).

María Zambrano. Escribir el arte, pensarlo

María Zambrano decía: «yo de lo que es mejor o peor en pintura ni en nada, no sé». Sin entrar en consideraciones sobre esta afirmación, deseo señalar que sus reflexiones sobre el arte en general y la pintura en particular me parecen altamente inspiradoras. Para Zambrano el arte es un medio de conocimiento, pero también de recuperación de algo que la humanidad habría perdido. Concebido como una de las acciones originarias de la criatura humana, el arte pondría de manifiesto el carácter auroral del ser de dicha criatura, su «perenne estarse amaneciendo». La pensadora vinculó a menudo sus reflexiones sobre el arte a su modo de concebir la contemplación, que ella entendía esencialmente como expectación, como escucha. «La contemplación es la ley que la belleza lleva consigo», escribía, y no dejó de insistir en la idea de que para un contemplar atento es indispensable un mínimo de quietud «o por lo menos de aquietamiento». En un mundo acelerado como el nuestro la propuesta zambraniana es, cuanto menos, extemporánea. Por ello, para reflexionar y llevar a término su concepción del arte debemos atender a su invitación a mirar —y también a escuchar— sin precipitación. Zambrano contaba que la pintura la había llevado a escribir numerosas páginas. De ahí que afirmara que el arte pictórico le había permitido «ver» y la había impulsado a hablar de lo que veía. El mismo proceso, en su caso, es extensivo al arte en general, no solo al plástico. No por otra cosa el título propuesto para la presente intervención es «María Zambrano. Escribir el arte, pensarlo».

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Elena Mendizabal cursó Bellas Artes de 1977 a 1982, siendo compañera de estudios de Juan Luis Moraza, Maria Luisa Fernández y Txomin Badiola, entre otros artistas. Aunque hizo la especialidad de pintura, ya desde 1982 realizó trabajos de carácter objetual. En 1982 tuvo lugar su primera exposición individual, con trabajos influidos por la noción de tautología y el uso escultórico de la palabra. En 1985 produjo las primeras esculturas propiamente dichas, obras de carácter biomórfico que recordaban a muebles, paisajes y animales. Desde 1987 hasta 1992 creó obras de carácter constructivo, llevando el lenguaje de lo que se conoció como «escultura vasca» otra vez hacia el mobiliario y a la figuración, empleando luces, papel pintado, espejo,

cristal y policromía. Este periodo se inició con dos parejas de obras de hierro de 1986 —Melena y Valla, que tienen un carácter romántico y melancólico— y las «casetas», que son propiamente constructivas. En 1993, después de hacer la tesis, influida por la importancia de la imagen para el estudio de la escultura, hizo obras a partir de fotografías de esculturas anteriores. A partir de esa fecha sus trabajos se han caracterizado por la diversidad de «lenguajes», materiales y procedimientos, siendo cada exposición algo que responde y remite de una manera intuitiva a su momento vital; son como unidades dentro de una serie que a veces mira hacia atrás para volver, de nuevos modos, a formas antes tratadas. En su opinión es una artista de «imágenes» (figuras, analogías, metáforas) más que de lenguaje.

ELENA MENDIZABAL EGIALDELA

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Beatriz Herráez se formó como historiadora del Arte y en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco. Desde diciembre de 2018 es directora de Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

Ha sido comisaria de numerosas exposiciones colectivas y monográficas, entre otras, las dedicadas a Itziar Okariz, Julia Spínola, María Luisa Fernández, Susan Hiller, Erlea Maneros Zabala, Juan Luis Moraza o Néstor Sanmiguel Diest, organizadas en espacios e instituciones nacionales e internacionales como el MARCO (Vigo), MUSAC (León), Azkuna

Zentroa (Bilbao), CCI Tabakalera (Donostia-San Sebastián), Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles), castillo/corrales (París), Sculpture Center (Nueva York) o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS (Madrid).

En el periodo 2007-2011 ocupó el cargo de comisaria-jefe en Montehermoso Kulturunea, un proyecto pionero en la aplicación de políticas de igualdad entre los sexos en los ámbitos del arte, el pensamiento y la cultura contemporáneos.

Es miembro del Consejo Asesor de Museos de Euskadi y de ADACE.

BEATRIZ HERRÁEZ DIÉGUEZ

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Amy Tobin es profesora del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Cambridge, comisaria de exposiciones, investigación y eventos en Kettle’s Yard, Cambridge, y miembro del Newnham College, Cambridge. Terminó su doctorado en la Universidad de York, Reino Unido, en 2017 con una tesis sobre arte y feminismo en la década de 1970. Sus trabajos de investigación se han publicado en revistas como British Art Studies, MIRAJ y Tate Papers, así como en los libros Collaboration and its (Dis)Contents, (Courtauld Books Online, 2017), Other Cinemas: Politics, Culture and Experimental Film in the 1970s (IB Tauris, 2017), Feminism and Art History Now (IB Tauris, 2017) y A Companion to Feminist Art (Wiley Blackwell, 2019). También es coeditora de London Art Worlds: Mobile, Contingent and Ephemeral Networks 1960-1980 (Penn State University

Press, 2018) con Jo Applin y Catherine Spencer y The Art of Feminism (Chronicle and Tate, 2018) con Lucy Gosling, Helena Reckitt y Hilary Robinson. Amy trabaja actualmente en una monografía sobre feminismo, arte y sororidad.

Sororidad y arte feminista

El Movimiento de Liberación de la Mujer de la década de 1970 abogó por el poder político de la sororidad, pero estas relaciones rara vez fueron fluidas. Se formaron y deshicieron grupos, las principales activistas fueron apartadas y eliminadas de las organizaciones que ellas mismas fundaron, las feministas lucharon por la inclusión y la igualdad. En el conectado Movimiento Artístico de Mujeres, los debates sobre la actividad de los y las artistas y las políticas de representación crearon un mal ambiente entre artistas y críticas, y fundamentalmente dieron forma a la creación, discusión y exhibición del arte. Esta charla mapea algunos de estos intercambios sobre el modelo divergente de la relación entre hermanos y hermanas, articulando una vanguardia feminista y una comprensión más compleja del lema «la sororidad es poderosa».

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Mónica Bonvicini surgió como artista visual y comenzó a exponer a nivel internacional a mediados de la década de 1990. En su polifacética práctica de dibujo, escultura, instalación, vídeo y fotografía, investiga la relación entre arquitectura, dispositivos de poder, género, espacio, vigilancia y control, explorando situaciones políticas, sociales e institucionales y su impacto en la sociedad y en la producción artística. Sus obras cuestionan el significado de hacer arte, la ambigüedad del lenguaje y los límites y posibilidades del ideal de libertad. De humor árido, directo e impregnado de referencias históricas, políticas y sociales, el arte de Bonvicini nunca se abstiene de establecer una conexión crítica con los lugares en los que se exhibe, los materiales que lo componen y los roles de espectadora y creadora.

Su trabajo se ha presentado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, así como en bienales de todo el mundo. Ha recibido varios premios, entre ellos el Hans Platschek Prize for Art and Writing (2019); el Rolandpreis für Kunst for Art in the Public de la Fundación Bremen (2013); el Preis der Nationalgalerie für junge Kunst, del Staatliche Museen zu Berlin (2005), y el León de Oro de la Biennale di Venezia (1999). También en el ámbito público ha creado piezas icónicas y permanentes como RUN, en el Queen Elizabeth Park de Londres, o She Lies, en el fiordo Bjorvika frente a la Ópera de Oslo.

Mónica Bonvicini estudió arte en Berlín y en Cal Arts, Valencia, CA. Desde 2003 hasta 2018 ha sido profesora de Artes Performativas y Escultura en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde ha formado a una nueva generación de artistas relevantes. Desde 2017 ostenta la cátedra de Escultura en la Universidad de Bellas Artes de Berlín.

Alzar un muro: Éxtasis

Monica Bonvicini analiza la arquitectura moderna y sus visiones de máxima transparencia y orden frente al psicoanálisis, la deconstrucción de los roles de género y la política feminista. Disecciona críticamente la arquitectura como una disciplina dominada por los hombres, tanto de manera estética como crítica, y con la ironía y el humor árido que caracterizaron su práctica artística.

Para la charla en Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Bonvicini se centra en algunas de sus obras que responden críticamente a la desigualdad de género, la discriminación y otras formas de normativismo parcial y patriarcal, patrones de políticas inadecuadas con los que lucha el feminismo, y habla de la mediación problemática y la representación visual de género, así como de la identidad masculina y sus feroces enredos con el Estado capitalista, y los efectos de tal enredo en el campo de la producción artística de los artistas no masculinos. Se prestará especial atención a la relación en su práctica entre elementos tales como títulos, materiales y símbolos del patriarcado como la disciplina, la moderación, la prudencia, la austeridad y otras virtudes basadas en el género, la sexualidad, la raza, el idioma y las creencias, que han estructurado y controlado eficazmente la sociedad desde principios de nuestra era. Presente en la escena artística desde mediados de los años 90, Bonvicini invita a una reflexión comunitaria sobre la evolución de los comportamientos y símbolos del patriarcado en este campo durante los últimos 20 años.

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Giovanna Zapperi es historiadora del arte con sede en París y profesora de historia del arte contemporáneo en la Universidad de Tours. Fue profesora invitada «Rudolf Arnheim» en la Universidad Humboldt de Berlín (2007-2008), becaria en el Instituto de Estudios Avanzados de Nantes (2009) y en la Academia Francesa de Roma en la Villa Medici (2013-2014), donde realizó una extensa investigación sobre la crítica de arte y escritora Carla Lonzi. Los artículos de Zapperi se han publicado en varios idiomas europeos y han aparecido en diversas revistas, entre ellas Afterall, Art History, Les Cahiers du Musée National d’Art Moderne, e-flux journal, Feminist Review, MAY, Oxford Art Journal, Perspective, Studi Culturali y Texte zur Kunst. En 2009 recibió

el Premio de Estudios de Género de la Ciudad de París por su doctorado, que se convirtió en un libro titulado L’artiste est une femme. La modernité de Marcel Duchamp, publicado en 2012. Zapperi también es coautora de Lo schermo del potere. Femminismo e regime della visibilità, con Alessandra Gribaldo, y es la editora de la edición francesa de Autoritratto de Carla Lonzi. Su último libro examina los escritos de la crítica de arte y feminista radical italiana Carla Lonzi: Carla Lonzi. Un’arte della vita, Roma, 2017. Junto con Nataša Petrešin-Bachelez, comisarió la exposición Defiant Muses: Delphine Seyrig and Feminist Video Collectives in France, 1970s-1980s, Museo Reina Sofía, Madrid (del 25 de septiembre de 2019 al 23 de marzo de 2020).

Segunda ola del feminismo y rechazo del arte: el estilo italiano

Esta conferencia examina el análisis feminista del arte como institución patriarcal dentro de las historias del feminismo italiano de los años setenta, centrándose en algunas mujeres artistas que participan en grupos feministas (particularmente Rivolta Femminile) y en los escritos de Carla Lonzi. Reconocida crítica de arte en los años 60, Lonzi abandonó el mundo del arte para experimentar formas alternativas de vida, de creatividad y de estar juntos, especialmente a través de la práctica feminista de la autocoscienza (autoconciencia). Mientras Lonzi abogaba por el rechazo del arte, artistas como Carla Accardi, Suzanne Santoro o Marcella Campagnano estaban interesadas en el potencial radical de la autoconciencia para redefinir su propia práctica creativa.

GIOVANNA ZAPPERILA

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Elke Krasny es doctora y profesora de Arte y Educación en la Academia de Bellas Artes de Viena. Su erudición se enfoca en prácticas críticas de arte, comisariado, arquitectura y urbanismo que abordan la ecología, la economía, el trabajo, la memoria y el feminismo. Desde 2016, ha comisariado una serie de simposios sobre comisariado feminista junto con sus colegas Lara Perry y Dorothee Richter.

Su exposición Suzanne Lacy’s International Dinner Party in Feminist Curatorial Thought se presentó en la Universidad de las Artes de Zurich en 2015 y en el Instituto Real de Tecnología de Estocolmo en 2016. Su exposición Hands-on Urbanism. The Right to Green se presentó en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2012 y luego viajó internacionalmente.

Los volúmenes editados incluyen Critical Care. Architecture and Urbanism for a Broken Planet con Angelika Fitz (MIT Press, 2019), y In Reserve! The Household con Regina Bittner (Spector Books, 2016) y Curating in Feminist Thought (2016), un número especial de la revista OnCurating editado junto a Lara Perry y Dorothee Richter.

Algunos ensayos seleccionados incluyen: The Unfinished Feminist Revolution. Performing the Crisis of Reproduction, Monumental Activism: Judy Chicago’s Dinner Party in Feminist Art Making y Hysteria Activism. Feminist Collectives for the Twenty-First Century (los tres en preparación), Curating without Borders. Transnational Feminist and Queer Feminist Practices for the 21st Century, Divided We Share: On the Ethics and Politics of Public Space y Claims for the Future: Indigenous Rights, Housing Rights, Land Rights, Women’s Rights (todos de 2019) y Citizenship and the Museum: On Feminist Acts, The Salon Model. The Conversational Complex y Caring Activism (todos de 2017).

Comisariado de duelo. Memoria, dolor y resistencia feminista reparadora

¿Quién está de luto y quién no? ¿Qué se olvida deliberadamente, se ignora estratégicamente y se silencia en los rituales públicos de duelo mientras realizan el duelo y la memoria? ¿Cómo la mirada colonial patriarcal da lugar a prácticas de memoria pública en las que se reproduce y perpetúa el teatro de la violencia? ¿De qué manera las culturas de la memoria y los rituales de luto público, incluyendo el arte público, las performances, las esculturas o las exposiciones de los museos, reproducen ejes de desigualdades a medida que continúan adoptando los puntos de vista, ya de por sí sexistas, sexualizados, étnicos y racializados, relacionados con la mirada patriarcal colonial? ¿Cómo se enredan las prácticas artísticas y curatoriales en la explotación del dolor ajeno?

Hoy en día, el arte feminista y el comisariado no solo se enfrentan a los traumáticos legados del patriarcado colonial y el terror genocida, sino que también tienen que luchar contra las nuevas y antiguas formas de misoginia violenta, el racismo imperante y la supremacía blanca relacionadas con el actual ascenso de la extrema derecha con su cultura de masculinidad tóxica y su ideología generalizada de odio. Concebir una política feminista y una ética feminista en la práctica del duelo a través de la creación y el comisariado de arte, por lo tanto, tiene en cuenta las estrategias contemporáneas del activismo feminista, antirracista y antifascista, y el trabajo de estudiosos como Athena Athanasiou, Saidiya Hartman, Marianne Hirsch, Gloria Wekker o Françoise Vergès. Presentando prácticas curatoriales feministas y artísticas de una amplia gama de diferentes geografías, la conferencia se centra en formas reparadoras y curativas del luto por historias violentas, incluyendo los traumas de la esclavitud, el terror genocida, los crímenes de guerra sexual y el feminicidio.

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Sanja Iveković nació en Zagreb, Croacia, donde actualmente vive y trabaja. Se crió en la República Federativa Socialista de Yugoslavia y pertenece a la generación artística englobada por el término Nueva Práctica Artística que surgió después de 1968. Iveković cuestiona continuamente el papel del arte en la sociedad a través de una amplia gama de medios de comunicación, en los puntos de intersección entre género, nación y clase. Su obra de los años noventa

trata del colapso de los regímenes socialistas y de las consecuencias del triunfo del capitalismo y de la economía de mercado sobre las condiciones de vida, en particular de las mujeres. Ha participado en numerosas bienales internacionales y grandes exposiciones, como la Bienal Internacional 38.EVE, Limerick; Bienal de Kiev, Kiev (2015); Documenta 8, 11, 12, 13 y 14 (1987, 2002, 2007, 2012, 2016), Artes Mundi, Cardiff (2014) y la Bienal de Estambul (2009, 2007). Ha realizado exposiciones individuales en la DAAD Gallery de Berlín, 2015; la South London Gallery/Calvert 22; MUDAM, Luxemburgo; MAC/VAL, Francia, 2012; MoMA, Nueva York, 2011; y BAK Utrecht Van Abbemuseum, Eindhoven, 2009.

Mi DOBLE VIDA como artista feminista

En mi breve charla de artista hablaré sobre mi práctica artística desde los comienzos en la Yugoslavia socialista hasta hoy. Desde la década de 1970 he reflejado de manera crítica la construcción de los roles de género bajo las condiciones de la supuesta igualdad socialista de la mujer y he examinado el espacio de los medios de comunicación desde una perspectiva de género, así como los marcos institucionales dentro del campo cultural. Doble vida, el título de una de mis primeras obras, representa el aspecto performativo de mi primera práctica y se refiere a la relación estructural entre lo «público» y lo «privado», así como a la política de género de los organismos implicados en ella.

En el nuevo estado de Croacia analicé la contaminación nacionalista reaccionaria de la esfera pública examinando críticamente la amnesia colectiva sobre el pasado antifascista, a la que me referí tanto como artista como activista. En los años noventa, trabajé con las organizaciones que luchan contra la violencia contra las mujeres impulsadas por el conservadurismo y el patriarcado del nuevo estado nacional y desarrollé proyectos que abordaban las nuevas formas emergentes de capitalismo depredador y sus consecuencias.

SANJA IVEKOVIĆLA

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Xabier Arakistain es comisariA de arte. Desde su primera exposición, Trans Sexual Express, incorporó la categoría sexo como criterio curatorial. Ha comisariado retros-pectivas dedicadas a artistas cruciales del Arte Feminista como Margaret Harrison, Judy Chicago o Guerrilla Girls, así como las exposiciones colectivas La Mirada Iracunda, Kick in the Eye, ocho estrategias feministas

para interrumpir la mirada masculina o Kiss Kiss Bang Bang, 86 pasos en 45 años de Arte y Feminismo. En 2008, preocupadA por los obstáculos en la transmisión del conocimiento feminista, puso en marcha, junto a la antropóloga Lourdes Méndez, el curso anual interdisci-plinar, internacional e intergeneracional Perspectivas feministas en las producciones artísti-cas y las teorías del arte. Entre 2007 y 2011 dirigió el Centro Cultural Montehermoso con un proyecto pionero en el desarrollo y la aplicación de políticas de igualdad entre los sexos en los ámbitos del arte, el pensamiento y la cultura contemporáneos.

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Lourdes Méndez es Catedrática de Antropología del Arte de la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea. Estudió Antropología en la Universidad de París VIII. Tras doctorarse, se incorporó como docente a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea, de la que ha sido Vicedecana de Tercer Ciclo e Investigación (1987-1989) y Vicedecana de Relaciones Internacionales (2004-2009).

Sus líneas de investigación abarcan el análisis del campo de las artes visuales desde las perspectivas del feminismo materialista; las problemáticas derivadas del diseño y aplicación de las políticas culturales a nivel local y al de la UE; y las consecuencias sobre las investigaciones

feministas de las políticas institucionales basadas en la asunción de la denominada «perspectiva de género». Lourdes Méndez ha escrito numerosos libros y artículos. Entre los más recientes destacamos: Galicia en Europa. El lugar de las artes plásticas en la política cultural de la Xunta (2002), «Una connivencia implícita: perspectiva de género, empoderamiento y feminismo institucional» (2005), Antropología feminista (2007), Antropología del campo artístico: Del arte primitivo [...] al contemporáneo (2009), «Ellos, “artistas” a secas; Ellas, “mujeres artistas”; que no es lo mismo» (2012), «Feminismos en movimiento en el Estado español. ¿Re-ampliando el espacio de lo politico?» (2014) y From The Trap of Difference to That of Excellence: The Women Artists, Their Works and The Artistic Field (2014), «Exclusionary Genealogies» (2016), «Mujeres, LGTBI, Queers y + : sujetos políticos emergentes y ontología naturalista» (2017), «Una posición de dentro, pero fuera: las artistas y sus obras en el campo del arte» (2018) y Siete claves para una introducción a la antropología (2019).

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Sábado 16 y domingo 17 de noviembreAuditorio

Entrada libre hasta completar aforo

Para asistir es necesario inscribirse previamente en www.artium.eus, en la taquilla de Artium o en el 945 20 90 20