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LA MÚSICA EN EL CLASICISMO
1. CRONOLOGÍA
El Clasicismo es un período artístico que se enmarca entre el Barroco y el
Romanticismo. Musicalmente se toma como comienzo el año 1750, año de la muerte de
Bach, y su final el año 1827, año de la muerte de Beethoven. Es decir, transcurre
durante la segunda mitad del siglo XVIII y comienzos del XIX.
2. CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL
Es una época marcada por el movimiento de la Ilustración, movimiento intelectual
europeo que promovió ideas de igualdad y bienestar para todos, a través del acceso
a la educación y al conocimiento, y que no fuera solamente privilegio de la
aristocracia. Se quería así lograr disipar las tinieblas de la ignorancia de la
humanidad mediante las luces del conocimiento y la razón. Es por este motivo, que
el siglo XVIII es conocido como el Siglo de las Luces. Aparecen las primeras
enciclopedias y el gusto por el saber dan como resultado un gran desarrollo de la
investigación y de la ciencia.
Este movimiento tenía como principios, la razón, la igualdad y la libertad, y fue
defendido sobretodo por la burguesía ( comerciantes, banqueros, abogados,
médicos...) Se quería educar a la sociedad, porque una sociedad culta que piensa por
sí misma era la mejor manera de acabar con el Antiguo Régimen ( el absolutismo y
las dictaduras se basan en la ignorancia del pueblo para dominarlo).
La Ilustración fue el germen de varios
acontecimientos, teniendo como consecuencia
en Francia, la Revolución Francesa en 1789,
cuando el pueblo (campesinos y burgueses) se
reveló contra los abusos de la aristocracia y
del clero. El pueblo francés se alzó victorioso
destronando al rey Luis XVI, y tanto él como su
mujer María Antonieta fueron decapitados en
la guillotina en 1793.
3. CONTEXTO ARTÍSTICO
Durante este período de revoluciones, surgió una corriente artística que
reflejaba el pensamiento de los intelectuales de la ilustración, denominándose Arte
Neoclásico.
El Neoclasicismo es una corriente artística que abarcó la arquitectura, la escultura y
la pintura (artes plásticas), en cambio, a la música de este periodo se le denominó
música clásica, luego explicaremos el por qué.
El Neoclasicismo trata de imitar el arte
antiguo de la época Clásica de Grecia y Roma.
Este interés por imitar las obras antiguas
greco-romanas, vino motivado por los
descubrimientos arqueológicos de ruinas en
Grecia y Roma en la primera mitad del S.
XVIII, sobretodo de las ciudades de
Pompeya y Herculano.
Ruinas de la ciudad de Pompeya. Fue
sepultada bajo las cenizas del volcán el
Vesubio el 24 de agosto del año 79 d.C.
y redescubierta en 1748.
Por tanto, la arquitectura, escultura y pintura se caracterizan por la sencillez,
equilibrio y proporción, ideales del arte greco-romano.
En arquitectura, por ejemplo, los edificios imitan los templos greco-romanos, con
columnas, frontones y cúpulas, con líneas rectas, como reacción a la complejidad del
arte Barroco en donde predominaban las líneas curvas.
MUSEO DEL PRADO (1785). MADRID
1785 CONGRESO DE LOS DIPUTADOS
( 1843-1850). MADRID
IGLESIA DE LA MAGDALENA
(1763-1842). PARÍS
TEATRO PRINCIPAL DE ALICANTE
(1847)
Y así, mientras las artes plásticas redescubrían y copiaban los antiguos modelos
greco-romanos, la música no tenía más que unos escasos restos musicales encontrados
de la música de la Antigüedad, y que eran insuficientes como para basarse en ellos.
El estilo de música que surgió en este periodo, era un estilo musical nuevo, que si no
tenía nada que ver con la música de los griegos y romanos, sí tomó como base de ese
estilo la estética de esa cultura: el buen gusto, la sencillez, proporción, equilibrio,
armonía y claridad.
La denominación de música clásica, fue utilizada por los románticos (época posterior
al clasicismo) para nombrar a la música que les precedió, y por extensión, el nombre
fue usado para toda la música culta occidental anterior al S. XX.
4. EL NUEVO PÚBLICO BURGUÉS
La burguesía, se convierte en el nuevo público de los músicos, al que debían satisfacer
con una música entretenida, elegante y fácil de entender.
Los burgueses pagan por asistir a conciertos
y también compran partituras para
interpretarlas en su casas como forma de
entretenimiento; de esta forma, el músico se
va a liberar poco a poco de trabajar
supeditado al gusto de los mecenas o
patronos, obteniendo así una mayor
independencia creativa, pero contando ahora
con el reto de tener que depender del
público para rentabilizar sus ingresos. La
música irá abandonando los ambientes
eclesiásticos y aristocráticos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y
en espectáculos públicos.
5. LA CONDICIÓN SOCIAL DEL MÚSICO: ¿ARTISTA O
CRIADO?
Los compositores del siglo XVIII eran poco más que criados a la órdenes de un noble
que ejercía de mecenas, por tanto la música se escribía por encargo y el compositor no
tenía la facultad de crear a su gusto, sino al gusto de su señor, bajo pena de ser
despedido.
Esta situación conlleva:
- Falta de libertad creativa: hay que componer música para unas necesidades
concretas, teniendo en cuenta muchos condicionantes.
- Restricción de movimientos: el señor puede reclamar los servicios del
músico en cualquier momento. Para viajar hay que pedirle autorización.
- Relación de pertenencia: las obras del músico son propiedad del señor y no
pueden interpretarse fuera de sus dominios sin su permiso.
Por otro lado, esta situación tiene sus ventajas:
- Sueldo seguro, tranquilidad laboral.
- Dinero disponible para adquirir buenos instrumentos y contratar cantantes e
intérpretes de calidad.
Resulta verdaderamente curioso comprobar cómo esta situación va a ir cambiando a
lo largo del periodo de la mano de los tres grandes compositores clásicos: Haydn,
Mozart y Beethoven, y los tres vivieron en la misma ciudad, Viena (Austria ).
Haydn, el mayor de los tres, entró con 29 años al servicio del príncipe Esterházy, jefe
de una de las familias más acaudaladas y poderosas de la nobleza, y pasó cerca de
treinta años a su servicio, obligado a componer cualquier música que le fuera
solicitada, aunque en unas condiciones de trabajo inmejorables para un músico de la
“Comemos hacia las doce, desgraciadamente un poco pronto para mí. Los
comensales somos dos ayudas de cámara, el pastelero, los dos cocineros y ... mi
insignificante persona. Por cierto, los dos ayudas de cámara se sientan en la
cabecera de la mesa, y yo tengo al menos el honor de que me consideren por
encima de los cocineros...”
W. A. Mozart. Carta a su padre
época. Con el tiempo, su fama se extendió por toda Europa y llegó incluso a recibir un
Doctorado en Música por la Universidad de Oxford, en Inglaterra, pero él siempre
vistió con agrado la librea o uniforme que la acreditaba como servidor de los
Esterházy, hasta su muerte a los 77 años.
Mozart, fue un hombre mucho más complicado, entregado completamente a su arte
pero con dificultades para desenvolverse en su vida profesional. Dotado de un talento
excepcional, recorrió Europa durante años como niño prodigio, asombrando a las
ilustres cortes, teatros y salones aristocráticos. Vivió sólo treinta y cinco años, pero a
diferencia de Haydn, se rebeló muy joven contra un sistema de mecenazgo que le
habría condenado a vivir toda su vida en Salzburgo, su ciudad natal, al servicio del
Arzobispo. Su actitud rebelde le valió ser expulsado de su cargo, y vivir el resto de su
vida en Viena, tal y como él deseaba, pero a merced del éxito o fracaso de sus obras.
Tras unos años de relativo éxito, en el momento de su muerte se encontraba en una
difícil situación económica. Fue enterrado en una fosa común.
Con Beethoven, que contaba sólo catorce años menos que Mozart, el compositor dejó
de ser artesano al servicio de un patrón o mecenas noble, que compone sus obras para
ser oídas una o dos veces como mucho con motivo de alguna ocasión especial, para
convertirse en un artista, es decir, un profesional cuyas obras se publican y venden en
el mercado libre y que escribe para un público universal, para la posteridad, sin seguir
los dictados de un patrón que lo tenga a su servicio.
Por eso, frente a las más de 100 sinfonías de Haydn y las 41 de Mozart, Beethoven
escribió sólo 9 en toda su vida, porque para él cada obra era única e irrepetible, y
sentía que tenía que madurarla y corregirla el tiempo que fuese necesario, incluso
durante años, hasta quedar completamente satisfecho.
6. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA CLÁSICA
Hay muchos adjetivos que pueden describir la música clásica, es una música ligera,
optimista, sin pretensiones, bella, elegante, clara y equilibrada. Es una música objetiva,
no pretende transmitir emociones ni describir nada extramusical, sólo se recrea en la
belleza del sonido mismo, es lo que se llama música pura.
1. MELODÍA: el alma de la música es la melodía. Para hacerla más comprensible se
estructura en frases simétricas claramente delimitadas (se percibe claramente
cuando empieza y cuando termina) frente a la melodía continua barroca.
2. RITMO: desaparece el ritmo mecánico y machacón del barroco, sustituido por
un ritmo más natural.
3. TEXTURA: predomina la textura de melodía acompañada, utilizándose menos la
contrapuntística y la homofónica.
4. DINÁMICAS: aparecen el crescendo y el diminuendo, pero de forma
controlada, sin brusquedades.
5. TIMBRE: la música instrumental adquiere más importancia que la vocal.
Desaparecen instrumentos barrocos como el clavicémbalo y la flauta de pico, y
aparecen otros nuevos como el clarinete y el piano-forte.
7. LA MÚSICA RELIGIOSA
Como ya habíamos adelantado, la música religiosa va a estar en decadencia en esta
época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en
géneros mucho más solicitados por el público en general.
En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios musicales
respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos géneros,
dentro de los cuales destacará la “misa”. Un tipo de misa especial que va a adquirir
gran importancia en este periodo es el Réquiem.
El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia Católica.
Dicha música es ligeramente distinta de la de las otras misas, ya que se prescinde de
las partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de duelo.
Dentro de este tipo de género, podemos destacar el Réquiem de Mozart, obra
maestra de la música clásica. Según cuenta la leyenda, esta obra fue encargada a
Mozart por un desconocido. El compositor, que entonces ya estaba gravemente
enfermo, creyó que se trataba de un encargo del “más allá” para su propio funeral y
murió componiendo la séptima parte de la obra que lleva por título Lacrimosa. Esta
parte termina con la palabra Amen, palabra que se utilizaba al final de la misa, algo
extraño teniendo en cuenta que a Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por
componer. Lo obra sería completada siguiendo las instrucciones que el compositor dejó
escritas, por su alumno Süsmayr.
8. LA ÓPERA
El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género
operístico. Los teatros públicos se multiplicaron y se convirtieron en una manera más
de costear el trabajo de los compositores mediante el pago de entradas.
La ópera seria, nacida en el Barroco dentro de los círculos aristocráticos,
experimentará en el Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos barrocos,
volviéndose más natural y con un argumento más sencillo y verosímil, desechando los
elementos fantásticos y artificiales del Barroco.
Pero el tipo de ópera que triunfó en esta época fue la ópera bufa, sobretodo con la
llegada de la burguesía al poder.
Ya sabéis, como explicamos en el tema anterior, que la ópera bufa surgió de intercalar
fragmento cómicos entre las diferentes actos de las óperas serias. Estos fragmentos
se fueron desarrollando y acabaron independizándose, dando lugar a un género nuevo
llamado ópera bufa. Esto ocurrió a finales del Barroco y principios del Clasicismo.
Pronto se convirtió en el género preferido del público, alcanzando su máximo
esplendor en la óperas de Mozart. Aunque comparten algunas características con la
ópera seria, la ópera bufa cuenta con algunas particularidades:
OPERA SERIA OPERA BUFA
Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la ópera seria. Esto
no es extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener a un
público, cada vez más amplio y sin conocimientos musicales. La ópera bufa italiana
llegó a toda Europa, llamándose en Alemania Singspiel (teatro cantado), en Francia
Ópera Cómica, en Inglaterra Ópera Balada y en España Zarzuela.
Argumento sobre temas mitológicos,
históricos e irreales.
Argumento sobre temas cotidianos
con carácter cómico.
El idioma utilizado es el italiano. El idioma utilizado es el de cada
país.
Toda la ópera es cantada. Se intercalan partes cantadas y
partes habladas.
Destinada a la aristocracia.
Destinada al público burgués.
Las óperas de Mozart se consideran las más importantes de esta época. Mozart
escribió óperas en todos los géneros: óperas serias y bufas en italiano, y el Singnspiel
en alemán. Su virtud radica en aunar en sus óperas lo mejor de la ópera italiana,
francesa y alemana , creando un nuevo estilo muy personal y con la genialidad de
caracterizar musicalmente la psicología de cada personaje.
9. MÚSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental en el Clasicismo adquiere muchísima importancia
desarrollándose en torno a dos tipos de agrupaciones: la música de cámara y la música
orquestal.
LA MÚSICA DE CÁMARA:
Se llama música de cámara a la música compuesta para un reducido grupo de
instrumentos en contraposición a la música de orquesta. El nombre viene de las
habitaciones o cámaras de los palacios en los que tocaban pequeños grupos de
músicos durante la Edad Media y el Renacimiento.
Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara
comenzará poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas
particulares. Esto viene provocado por el acceso de la burguesía a la práctica
instrumental y a los conocimientos musicales y también porque económicamente una
agrupación de cámara era mucha más rentable que toda una orquesta.
Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera ser
interpretada por aficionados.
Las obras de cámara podían ser para un
instrumento solista ( como el piano o la flauta), para
un dúo ( piano y flauta, piano y violín ....), para un
trío ( piano, violín y violonchelo...); pero sin duda, la
agrupación de cámara que se convirtió en favorita
fue el cuarteto de cuerda (dos violines, una viola y
un violonchelo).
LA ORQUESTA:
La orquesta, que había comenzado a tomar forma durante el Barroco, siguió
evolucionando adquiriendo una plantilla de instrumentos ya bastante consolidada que
incluía:
- CUERDAS: aumenta el número de instrumentos de cuerda (violines, violas,
violonchelos y contrabajos).
- VIENTO-MADERA: dos flautas, dos oboes, dos fagotes y dos clarinetes,
este último inventado en esa época y por el cual Mozart quedó fascinado.
- VIENTO-METAL: dos trompas y dos trompetas.
- PERCUSIÓN: dos timbales.
El clave desaparece poco a poco de la orquesta. Al final del periodo, Beethoven la
amplió introduciendo el trombón, el flautín y el contra-fagot.
EL PIANO –FORTE:
El primer piano de la historia fue construido en Florencia
en 1707 por Bartolomeo Cristofori ( 1655 – 1731 ),
siendo bautizado por su constructor con el nombre de
“cembalo col piano e forte”, de donde derivó “piano-
forte”, y por abreviación, finalmente “piano”
Lo que hizo este constructor fue cambiar el sistema
de púas que tenían los clavecines por otro de
martillos que golpeaban las cuerdas; de esta manera, la
apariencia exterior, las cuerdas y el teclado del piano-
forte eran los mismos que los correspondientes a un
clave, pero el sistema de producción del sonido era
diferente. El resultado fue un instrumento capaz de
producir diferentes matices de volumen, es decir,
diferentes matices de piano y de forte, dependiendo
de la fuerza con que se presione la tecla, cosa
imposible en el clavecín.
Piano de Cristofori de 1720
(Museo Metropolitano de Arte
de Nueva York).
A partir de este prototipo, constructores de varios paises eruropeos fueron
introuduciendo modificaciones llegando a construirse a finales del siglo XVIII y
principios del XIX, unos pianos similares a los que se usan en la actualidad.
Los músicos del Clasicismo tardaron unos años en componer obras destinadas al nuevo
piano-forte. Las primeras datan de 1770, época de las primeras sonatas para piano de
Haydn. Pero el gran salto adelante en la técnica del piano vino poco después con los
conciertos para piano y orquesta de Mozart y, sobre todo, con las sonatas de
Beethoven.
10.LAS FORMAS INSTRUMENTALES
Las formas instrumentales que más destacaron durante el Clasicismo fueron: la
sonata, el cuarteto, la sinfonía y el concierto.
LA SONATA:
Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante el Clasicismo en
el principal modelo de composición para la música instrumental de la época.
Se trata de una obra musical para un instrumento solista ( piano, violín...) o para dos
instrumentos, uno de teclado y otro de viento o cuerda. La sonata consta de cuatro
partes denominadas movimientos, de velocidades y estructuras diferentes.
Movimentos de una sonata:
1º Allegro ( de velocidad rápida y de estructura en “forma de sonata”)
2º Andante ( de velocidad lenta )
3º Minueto ( de velocidad ligera )
4º Allegro o Presto ( de velocidad rápida )
EL CUARTETO:
Podemos decir que es una sonata construida para una cuarteto de cuerda (violín 1º,
violín 2º, una viola y un violonchelo).
El cuarteto de cuerda fue uno de los géneros musicales que más se cultivó durante el
Clasicismo.
LA SINFONÍA:
También es como una sonata hecha para una orquesta completa aunque de manera más
compleja. Se considera a Haydn como el compositor que dio la forma definitiva a este
género.
Las orquestas sinfónicas reciben este nombre, porque en un principio eran concebidas
para interpretar sinfonías.
Para nombrar sinfonías se emplea el número de orden en el que se ha escrito. Por eso
hablamos de la 5ª sinfonía de Beethoven o la 83 de Haydn. Muchas de ellas también
tienen un sobrenombre; por ejemplo, la 3ª de Beethoven se conoce como “La Heroica”
y la 101 de Haydn se conoce como la “Sinfonía del reloj”.
Entre los mejores compositores de sinfonías clásicas podemos nombrar:
Haydn, que compuso más de 100; Mozart, que compuso 41 y Beethoven que creó 9
sinfonías.
EL CONCIERTO PARA INSTRUMENTO SOLISTA Y ORQUESTA:
Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento solista y toda la
orquesta. Este tipo de obras se convirtió en una de las favoritas de los compositores
del Clasicismo, ya que va a aunar en una sola forma los nuevos avances de la orquesta
y el virtuosismo del solista.
LA FORMA SONATA O FORMA DE PRIMER MOVIMIENTO
La palabra “sonata” tiene dos significados: por un lado designa una obra para uno o dos
instrumentos integrada por cuatro movimientos; por otro lado, hace referencia al tipo
de estructura que se utiliza en los primeros movimientos de sonatas, sinfonías,
cuartetos, conciertos, etc.
Esta estructura tiene 3 partes o secciones denominadas EXPOSICIÓN,
DESARROLLO Y REEXPOSICIÓN. En ellas, el compositor realiza un trabajo de
elaboración musical a partir de 2 temas o melodías que aparecen al principio.
11. COMPOSITORES CLÁSICOS
Franz Joseph Haydn fue un compositor austriaco y uno de
los máximos representantes del periodo clásico.
INFANCIA
Nació en 1732 en un pueblecito cercano a Viena (Austria). Fue el segundo de doce
hermanos. Su padre era fabricante y reparador de carros al serivicio del conde de
Harrach, el aristócrata de la población, y su madre la cocinera del palacio del mismo
conde. Ninguno de los dos sabía leer música, pero su padre fue un entusiasta músico
folclórico que había aprendido a tocar el arpa de forma autodidacta. Su infancia,
Haydn la recuerda como extremadamente musical, ya que frecuentemente cantaban
juntos y con sus vecinos.
Sus padres, pronto se dieron cuenta del talento de su hijo para la música, por lo que lo
enviaron a casa de un pariente músico para que le enseñara música. Por tanto, Haydn,
con tan sólo seis años se marchó con este pariente y nunca más vivió con sus padres.
Haydn comenzó sus estudios musicales en casa de este familiar y aprendió a tocar el
violín y el clavecín, así como a cantar en el coro de la iglesia.
Pero la vida allí no fue fácil para Hadyn, quien después recordaría que pasaba hambre
y era humillado por el estado asqueroso de su ropa.
Su extraordinaria voz para cantar, pronto atrajo la atención,
y le sirvió para entrar a formar parte del famoso coro de
niños de la catedral de San Esteban de Viena, (actualmente
es el coro de niños más prestigioso del mundo, haciendo giras
internacionales y se les conoce como “Los Niños Cantores de
Viena”).
Haydn vivía en aquel entonces, en casa del maestro de capilla
de la catedral, junto a otros cinco chicos del coro.
HAYDN
Haydn formó parte del
coro de la Catedral de
Viena durante 9 años, de
1740 a 1749.
Recibió clases de latín y otras asignaturas, así como clases de canto, violín y teclado,
pero al igual que le ocurrió en la anterior vivienda, no estaba bien atendido referente
a la alimentación, por lo que Hadyn se motivaba en cantar muy bien, con la esperanza
de obtener muchas invitaciones para cantar ante la aristocracia, donde normalmente,
al final de la actuación, se invitaba a canapés a los cantantes.
SUS COMIENZOS
Haydn, cuando alcanzó la pubertad y su voz ya no podía cantar en registro agudo, fue
despedido del coro sin ningún sitio al que ir. Pero pronto encontró refugio en la
buhardilla de la casa de un amigo, donde vivió unos meses. A partir de aquí, Hadyn se
buscó la vida trabajando como profesor de música, cantante de serenatas callejero y
finalmente como criado del compositor italiano Nicola Pórpora ( el maestro vocal del
castrado Farinelli), de quién aprendió verdaderamente las técnicas de la composición.
Empezó a componer sus primeros cuartetos y su primera ópera, adquiriendo bastante
reputación , por lo que empezó a obtener el mecenzazgo de varios aristócratas (
condes, barones...) como cantante, profesor de teclado, compositor, director ...
ESTABILIDAD Y MADUREZ
A partir de 1760, su vida laboral ya tenía bastante estabilidad, por lo que contrajo
matrimonio. Pero su matrimonio no fue feliz, no tuvieron hijos y tampoco se separaron
porque las leyes de la época no lo permitían, Así, que ambos cónyugues tuvieron varios
amantes; Haydn tuvo una larga relación sentimental con una cantante de los
Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo varios hijos.
Pero su gran oportunidad le llegó cuando entró a trabajar en 1763 para el príncipe
Esterházy, una de las familias más ricas e influyentes del Imperio Austríaco.
Los Esterházy, residían en varias propiedades
entre Viena y Hungría, entre ellas, dos palacios y
un castillo, y Hadyn tenía que seguir a la familia
cuando se trasladaban a sus palacios. Los
Esterházy eran amantes de la música y dieron a
Haydn todo el apoyo que necesitaba para su labor,
incluso una orquesta a su disposición para que
experimentara cuanto quisiera.
Palacio Esterhaza, donde Haydn pasaba la mayor parte del año al
servicio de la familia Esterházy.
Haydn trabajó muy duro durante 30 años al servicio de los
Esterházy, estando obligado a componer cualquier música que
le solicitara el príncipe, además de dirigir la orquesta,
supervisar a los músicos y reparar los instrumentos,
interpretar música de cámara con mienbros de la orquesta y
también de la familia, organizar el montaje de óperas,
presentaba todas las semanas dos óperas y dos conciertos,
además de las obras para los visitantes destacados y
conciertos de música de cámara diarios en los que el propio
príncipe tocaba un inusual instrumento conocido como baritón.
A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre
afortunado vistiendo la librea (uniforme) con mucho orgullo.
Cuando murió el príncipe Nicolás Esterházy, su primogénito y
sucesor, resultó ser un hombre sin interés por la música, por lo que
despidió a la orquesta, (salvo a los instrumentos de viento, que le
eran útiles para las cacerías) y jubiló a Haydn. Con tal motivo,
Haydn se desplazó a Inglaterra con un empresario musical que le
ofreció una orquesta para que dirigiese sus sinfonías.
Sus conciertos tuvieron mucho éxito y obtuvo grandes ingresos. En Inglaterra
compuso algunas de sus obras más sobresalientes, como las 12 Sinfonías de Londres y
las Sinfonías Militares, entre otras. Recibió el doctorado Honoris Causa en la
Universidad de Oxford. Hasta su muerte, su vida transcurrió entre Inglaterra y
Viena.
Conoció a Mozart, 24 años menor que él, del que tuvo una estrecha amistad, puesto
que los dos sentían admiración el uno por el otro, incluso llegaron a tocar cuartetos
juntos. Mozart en homenaje a él escribió una serie de 6 cuartetos llamados Cuartetos
Haydn. Con Beethoven, llegó a darle algunas clases, pero la relación no cuajó entre
ellos siendo más bien tensa.
Murió en Viena en 1809 a los 77 años de edad, mientras la ciudad era atacada por las
tropas de Napoleón Bonaparte. Murió siendo muy respetado y venerado, incluso un año
antes de morir, Beethoven le besó las manos emocionado cuando estrenó su oratorio
La Creación, y hasta los oficiales napoleónicos, que estaban saqueando la ciudad,
Copia del Baritón del
príncipe Esterházy.
Librea que
vestía Haydn
detuvieron sus acciones para acudir a su funeral, (Napoleón colocó un guardia de honor
en la puerta de su vivienda).
PERSONALIDAD Y OBRA
Haydn era un hombre trabajador, alegre y sincero. Valoraba mucho el orden, la paz y
la tranquilidad. Era amable con sus superiores pero no servil: supo defender los
derechos de los músicos que estaban a su cargo, ellos le llamaban cariñosamente “papa
Haydn”.
Está considerado como el padre de la sinfonía y del cuarteto de cuerda, que aunque él
no los inventó, les dio una forma consolidada y coherente que sirvió de referente para
los compositores que le sucedieron como Mozart y Beethoven. Su obra es muy
prolífica que comprende: 108 sinfonías, mucha música de cámara como cuartetos,
sonatas, diversas obras vocales como Misas, Oratorios, óperas..., incluso óperas para
marionetas y música para relojes musicales.
Tenía un gran sentido del humor, y eso se puede comprobar en algunas obras suyas:
- En la Sinfonía nº 45, llamada “Sinfonía de los adioses”, en el último
movimiento, los músicos se van yendo poco a poco del escenario hasta que
sólo queda uno. Fue la forma educada que tuvo Haydn de pedir al príncipe
vacaciones para los músicos de la corte. El príncipe cogió la indirecta y les
dio vacaciones una temporada.
- En la Sinfonía nº 94, llamada “La Sorpresa”, sabedor de la costumbre que
tenían lo asistentes a sus conciertos de echarse alguna sistecilla, Haydn
quiso gastar una broma , y en el segundo movimiento se oye un golpe fuerte
del timbal con toda la orquesta, Haydn quería ver a las damas saltar de los
sillones.
- En 1797, Haydn tuvo el encargo de componer un himno para el cumpleaños
del emperador Francisco de Austria, que fue cantado en presencia de su
majestad en el Teatro de Viena. Este himno, aunque con una letra diferente
a la de entonces, es el conocido himno actual de Alemania, Das Lied der
Deutschen.
Mozart fue un compositor austriaco del Clasicismo, considerado como uno de los más
grandes genios musicales de la historia. Además de compositor, fue un excelente
pianista, organista, violinista y director de orquesta, y destacaba por sus
improvisaciones que solía realizar en sus conciertos y recitales.
Personaje con un carácter rebelde e impredecible, Mozart fue uno de los primeros
compositores que intentaron vivir al margen del mecenazgo de nobles y religiosos.
MOZART COMO NIÑO PRODIGIO
Mozart nació en 1756 en Salzburgo ( Austria ) y fue bautizado con el nombre de
Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, aunque más conocido como
Wolfgang Amadeus Mozart. Fue el último hijo de Leopold Mozart y Anna Maria Pertl.
El matrimonio tuvo siete hijos, de los cuales sólo sobrevivieron dos, Wolfgang y su
hermana Nannerl, cuatro años mayor que él.
Su padre era violinista y compositor (aunque de poca relevancia), de la corte del
Arzobispado de Salzburgo.
Tanto Mozart como su hermana, mostraron desde
pequeños facultades para la música. Mozart era un
niño prodigio, que aprendió antes las notas musicales
que a leer. A los cuatro años ya tocaba el clave y a
los seis el violín con destreza, podía leer música a
primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una
increible capacidad para improvisar. A los cinco años
componía piezas sencillas para su padre, y a los ocho
años compuso su primera sinfonía.
MOZART
El orgulloso padre, no dudó en presentar a sus dos geniecillos ante diversos reyes y
nobles, con objeto de no sólo deleitarse con las alabanzas sino también de encontrar
generosos mecenas dispuestos a asegurar la carrera de los futuros músicos.
Así, los hermanos Mozart junto a su padre, emprendieron una serie de giras de
conciertos por Alemania, Francia, Gran Bretaña, Italia y Paises Bajos.
Hay un anécdota que cuenta que siendo niño, en Versalles (Francia), tocando delante
de la corte, saltó en un arrebato a las faldas de la emperatriz y futura reina María
Antonieta, entonces niña de su misma edad, y le pidió casarse con él.
Estos viajes, aunque no siempre tuvieron el éxito esperado y de pasarlo mal por la
delicada salud de Mozart, pensemos en interminables caminos por Europa en coche de
caballos, lloviendo, durmiendo en posadas, sí sirvieron para que Mozart conociese a
muchos músicos y maestros que le enseñaron las nuevas técnicas extranjeras y esto
hizo que su música fuese una asimilación de todos los estilos musicales.
MOZART EN SALZBURGO Y VIENA
La familia Mozart, volvió a Salzburgo después de varias giras
por Europa. Fue entonces cuando comenzó una nueva etapa,
pero mucho más difícil para Mozart, porque se vió obligado a
aceptar el cargo de músico de la corte del Príncipe-Arzobispo
de Salzburgo Colloredo. Este Arzobispo era un personaje, que
trataba a sus subordinados, entre ellos a los músicos, de
manera autoritaria y déspota, teniendo numerosos
encontronazos con Mozart, llegando al punto de ser despedido
con una patada en el culo literalmente.
Este momento fue muy duro para Mozart porque su padre se
posicionó en su contra, recriminándole su conducta y pidiéndole
fervientemente que se reconciliase con su patrón. Pero Mozart no renunció a su
dimisión y decidió instalarse en Viena como compositor e intérprete independiente.
La nueva carrera de Mozart en Viena tuvo un buen comienzo.
Contrajo matrimonio con Constance Weber, en contra de la voluntad
de su padre, y tuvo seis hijos de los cuales sólo sobrevivieron dos.
El matrimonio llevaba un vida bastante acomodada gracias al éxito
de Mozart como pianista solista y compositor de conciertos y
sinfonías.
Constance Weber,
esposa de Mozart
Príncipe-Arzobispo
Colloredo, para el que
trabajó Mozart durante
12 años.
También de esta época son algunas de sus óperas más exitosas: “Las Bodas de
Fígaro” y “Don Giovanni”.
Pero esa vida tan lujosa, con criados, fiestas... duró poco tiempo. Viena, empezó a
perder interés musical por Mozart, y las fuentes de ingreso fueron disminuyendo, lo
que obligó a la familia a trasladarse desde el centro de Viena a un alojamiento más
barato en un barrio periférico de la ciudad. Mozart comenzó a pedir dinero prestado,
y esta situación sumada a la muerte de su amado padre, lo sumió en una depresión, que
no ayudó para nada su recuperación económica.
ÚLTIMO AÑO DE VIDA (1791). LA COMPOSICIÓN DEL RÉQUIEM
En el último año de su vida, 1791, su situación financiera, por fin mejoró. Compuso
algunas de sus obras más admiradas, entre ellas la ópera “La Flauta Mágica”, con gran
éxito de público, y aparecieron patrocinadores ricos prometiéndole anualidades a
Mozart a cambio de composiciones ocasionales.
Pero la salud de Mozart comenzó a empeorar. En marzo de 1791, Mozart ofreció en
Viena uno de sus últimos conciertos públicos.
Con la enfemedad ya avanzada, se presentó en su
casa un desconocido de aspecto misterioso, vestido
de gris que no quiso identificarse, y le encargó a
Mozart la composición de un RÉQUIEM (misa de
difuntos). Mozart, debilitado por su enfermedad e
impresionado por el aspecto de aquel misterioso
personaje, creyó que éste era un mensajero del más
allá y que el réquiem lo estaba componiendo para su
propio funeral. Más tarde se supo que aquél extraño
personaje era un criado del conde Franz Walsseg,
cuya esposa había fallecido. El viudo deseaba que
Mozart compusiese una misa de réquiem para el
funeral de su mujer, pero queriendo hacer creer a los
demás que la obra era suya, y por eso permanecía en
el anonimato.
Mozart murió antes de terminar el réquiem. Un alumno suyo la completó. El 5 de
diciembre de 1791, Mozart falleció a los 35 años de edad. Según investigaciones
recientes han demostrado que murió por una fiebre reumática. Debido a sus
problemas económicos, fue enterrado en una fosa común y jamás se le pudo ubicar.
Mozart componiendo el Réquiem
Quedó sordo pero compuso las sinfonías más poderosas de todos los tiempos. Tocó el
piano como pocos y le dio un gran impulso a la música clásica. Era un alemán solitario,
romántico y hostil cuya pérdida conmocionó a la Viena del siglo XIX. Su nombre
Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethoven, ha sido uno de los compositores más grandes de todos los
tiempos. Su obra supone la transición del Clasicismo al Romanticismo. Nació el 16 de
diciembre de 1770 en la ciudad Alemana de Bonn. Allí, durante sus primeros años de
vida, estuvo expuesto a una exigente formación musical por parte de un padre
obsesionado en convertirlo en “el nuevo Mozart”.
UNA INFANCIA DURA
Su padre, Johan, era músico de la corte y un hombre desgraciado, que no destacó
precisamente por sus dotes musicales, sino más bien por su alcoholismo. Su madre,
María Magdalena, estaba enferma de tuberculosis. El matrimonio tuvo tres hijos,
siendo Ludwig el mayor. La situación económica y moral del matrimonio se fue
deteriorando debido al alcoholismo del padre. El dinero escaseó, lo niños andaban mal
nutridos y no era infrecuente que fueran golpeados por el padre; la madre iba
consumiéndose, hasta el extremo de que, al morir en 1787 a los cuarenta años, su
aspecto era el de una anciana.
Su padre, se percató pronto de las dotes musicales de Ludwig y se
aplicó en educarlo con férrea disciplina, obligándolo a estudiar
incluso por las noches, quería convertirlo en un nuevo Mozart y así
aliviar su situación de pobreza. Y aunque a los ocho años de edad ya
daba conciertos en público tocando el clave, esa situación marcó su
personalidad haciendo de él un niño hosco, resentido y que decía
odiar al mundo.
BEETHOVEN
Beethoven de niño
