L'Histoire de l'Art Pour Les Nuls

©ÉditionsFirst-Gründ,2006.PubliéenaccordavecWileyPublishing,Inc.«PourlesNuls»estunemarquedéposéedeWileyPublishing,Inc.«ForDummies»estunemarquedéposéedeWileyPublishing,Inc.ISBNnumérique:9782754043274Dépôtlégal:3etrimestre2006

Production:EmmanuelleClémentCorrection:BérengèreCournutMiseenpage:MarieHousseauCahiercentral:AgnèsBoucheIllustrations:MarcChalvinCouverture:KNConception

60,rueMazarine75006Paris–FranceTél.:0145496000Fax:0145496001E-mail:[email protected]:www.editionsfirst.frCetteœuvreestprotégéeparledroitd’auteuretstrictementréservéeàl’usageprivéduclient.Toutereproductionoudiffusionauprofitdetiers,àtitregratuitouonéreux,detoutoupartiedecetteœuvre,eststrictementinterditeetconstitueunecontrefaçonprévueparlesarticlesL335-2etsuivantsduCodedelaPropriétéIntellectuelle.L’éditeurseréserveledroitdepoursuivretouteatteinteàsesdroitsdepropriétéintellectuelle

mailto:[email protected]

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devantlesjuridictionscivilesoupénales.Toutereproduction,mêmepartielle,ducontenu,delacouvertureoudesicônes,parquelqueprocédéquecesoit(électronique,photocopie,bandemagnétiqueouautre)estinterditesansautorisationparécritdesÉditionsFirst-Gründ.

Àproposdesauteurs, docteur en littérature et

civilisation françaises, est responsable d’activités,départementLivres,auseindelaRéuniondesmuséesnationaux. Il est l’auteur du Mage dans la« Décadence latine » de Joséphin Péladan, auxéditions du Cosmogone, et collectionne les œuvresd’artpopulairedutiers-monde.

, docteur en histoire de l’art etdiplômé de muséologie à l’école du Louvre, acollaboréàplusieurs ouvrages collectifs sur l’histoiredel’art.

, titulaire d’une licence dephilosophiedel’art,travailleàlaRéuniondesmuséesnationaux.

DédicaceCe livre est dédié à tous les artistes d’hier,d’aujourd’huietdedemain,mêmes’ilsn’exercentquele dimanche, pour leur volonté d’offrir à l’humanitésouffranteunpeudebeauté.À tous les critiques d’art dont nous nous moquonsparfois gentiment, en souhaitant qu’ils allient à leursensesthétiqueceluidel’humour.

RemerciementsUngrandmercià:

BenjaminArrangerpoursaconfianceetsapatience; Dominique Héniau, éminent professeur de philosophie, auxremarquessanscessejudicieuses;ÉlodieetOscar,sansquijeseraisbienlas; Joëlle et Laure, toujours pleines d’indulgence pour lesactivitésdeleurmarietpère; toutes celles et ceux qui ont eu la gentillesse de nousencourager.

PagedeCopyrightPagedetitreÀproposdesauteursDédicaceRemerciements

ÀproposdecelivreLesconventionsutiliséesdanscelivreCommentcelivreestorganiséPremièrepartie:DescavernesauColisée:lapréhistoireetl’AntiquitéDeuxième partie : Du sourire de l’ange à celui de laJoconde:leMoyenÂgeetlaRenaissanceTroisième partie : Baroque, rocaille et rococo ou lalégende du roc : les temps modernes (XVIIe-XVIIIesiècles)Quatrième partie : Nunuches, nanars et nénuphars : leXIXe siècleCinquièmepartie:L’aventurecontinue:dudébutduXXesiècleànosjoursSixièmepartie : Aux pays desmerveilles : les arts noneuropéensSeptièmepartie:LapartiedesdixLesicônesutiliséesdanscetouvrageParoùcommencer

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L’artestlepropredel’hommeLesgrottesmiraculeusesEnavancesurleurtempsChacunsatacheDolmenréservéTousenligneÀtable!

-ÀSumersadifférenceQuellebarbe!QuandlafoidéplacelesmontagnesAunomdelaloi:BabyloneTourd’horizonàBabelPireempire

-EnpleindansleNilDeConcordeàPyramidessanschangerdestationHathorouàraison,desdivinitésplutôtvachesLeshiéroglyphes:uneécritureindéchiffrable?LaperpétuitésansconcessionLapireamied’ÉgypteColonnesàlauneObélisquesàmarquerd’unastérisqueDusur-mesurepourtouteslestaillesJamaisàlaretraite:leschaouabtisLemeilleuràl’écrit:lescribeaccroupiÉtudesdeprofilVussouscetangleSansperspective

-MycènesmiseenscèneL’erreurféconde

Letempleyest,montrésorEntrezdanslesordres:l’architecturegrecqueAppelez-la«polis»!AcropolepositionCanonsetpoudreauxyeux:lasculpturegrecqueOffriraveclesourire:lekourosOnbronze,enGrèceLesvoilésdévoilésMytheaulogis:lapeinturegrecqueEnpremierApelleTiens,voilàduraisin!

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Retouràl’ÉtrurieIlsn’ontpasinventélapoutre:l’architectureétrusqueDansleplussimpleappareilUncertainsenspratique:l’architectureromaineL’horreurduvideL’architecturetriomphalePrendrelepli:lasculptureétrusqueetromaineLemeilleurdel’ÉpireSepayersatête:l’inventionduportraitLapeinture…entrompe-l’œil!UntalentquisemonnayeUnepeinturedélavée

-Unromanpassionnant:l’architectureEnvoûté,c’estpassorcierQuerellesdeclochersàl’étrangerFresquepareille:lapeintureDétrempe-toi!Complètementenluminés

-

Unelanguedepierre:l’architectureDestêteschercheusescréentl’ogiveL’abbéattitudeOpérationàchœurouvertDesidéeslumineusesÀSensuniqueEnattendantHugoSourireauxangesTouts’écrouleLepleindessens:«LaDameàlalicorne»

-Enfinlaviedechâteau:l’architectureRemettreunpeud’ordre:l’ItalieUnbeaupalais:laFranceL’artetlamatière:lasculptureD’unseulbloc:Michel-AngePrisonnierdelamatièreEnfinunpeudeprofondeur:lapeintureDequoifaireuneCène:LéonarddeVinciL’èred’unange:RaphaëlHauteencouleur:l’écolevénitienneUnpeudepigmentdanslavie:lespaysduNordC’estpolyptyque!LesFlamandsÇabaignedansl’huile:l’Allemagne

- barroco :

Ilétaitunefoi:l’architectureLeBernin:lafontainedel’InnocentBarbareBarberiniPlaceàlabénédictionExplosif:uneplastiquedynamiqueVœuxd’artifice

Maderno:pointd’orgueDuquesnoy:taillemannequinQuelsmiracles!LapeintureUnevoiedeCarrache?Leçondeténèbres:leCaravage

- :Peinturefraîche!VouetaunebellecarrièreDuChampaignenonpétillantL’éclosiond’unPoussinUnbeauLeBrunpasténébreuxDansleflotmaishorscourantLaTour,unpharedansleclair-obscurWatteau,unlibertinenpèlerinageChardindesdélicesUnegrâcemâtinéed’antique : lasculptureclassiqueetbaroqueLamollevoluptédeschairsLesalondelaGuerreàVersaillesLescommandantsCoustouAthlètesatlantesLetempsdel’Îleenchantée:l’architectureUnchâteaufortbeauLesInvalides:unesacréepension

-Avoirlavocation:lapeintureLespremierspasavecRibaltaetRiberaNefaitespasl’infant:VélasquezLepeintredusilence:ZurbaránLe caravagisme voué aux ténèbres par la nouvellegénérationDeshorreursdetoutebeauté:GoyaUnciseaubaroque:lasculptureDouleurencouleurUnréalismepathétiqueEnviedeplisséLagrandeillusion:l’architecture

UnearchitectureàdoublefaceLaboucleestbouclée:baroquecontrerocaille

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Sansmêlerlespinceaux:lesPays-BasMineursetpourtantmajeursRembrandt,unepreuved’exigenceLesilenceestdemise:VermeerNaturesmortesetbonsvivants:laBelgiqueUnepalettedetalents:RubensSatyresdanstouslescoinsUnepeintured’importation:l’AngleterreHogarth,lepeintredescarrièresThomasGainsborough,sobritish

-LestoilesdeDavidUnpeintresoussermentDavid,unfrondeurIngresattitudeL’artoséComplètementd’Ingres!Copierl’inimitable:lasculpturenéoclassiqueOùdoncestHoudon?Canova:lesensdel’amourL’internationaledustyle:l’architecturenéoclassiqueUnAngepasseLedoux,unvraidurSoufflotn’estpasjouerTropdeChalgrinUneBoursedevaleur

-Lespeintresdel’ailleursUnGrosquisuitplusieursrégimes

Géricault,lestempêtesdelarenomméeDelacroixetlabannièreUnesculpturedecompromisAttentiond’AngersQuandl’éléphantBaryeCarpeauxserongelessangsChampiond’éclectisme:l’architectureromantiqueNostalgiegothiqueFallaitlefer!

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Leréalisme:uncourantcontinuCourbet,unpeintredroitIlssèmentàlafolie:delacaricatureauxpaysansUnbonbold’air:paysagesetpetitsmaîtresCorot:lacontrefaçonsansfaçonRienquedubonheurFriantdepeintureUnhymneauxouvriers:lasculptureréalisteDalou:onretrousselesmanchesMeuniervaaucharbonLespeintrespompiers:paixàleurscendresEnhautdel’échelleHébert,unpestiféré?DeslissesléchésLasculptureacadémiqueFalguière,unstylediplomatiqueFrémiet,pèredeKingKong?Clésinger,unprovocateur

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DuSalondesrefusésàl’impressionnismeDéjàdanslebainavecManetDegascollatéralAvéCézanneTimeisMonetPasdenoirpourMonet!

DespaysagesbienSisleyPissarro:l’effet,rienquel’effetRenoirtoutencouleurTranquillecommeBazilleDiviserpourmieuxrégner:lenéo-impressionnismeSeuratenpointilléPâteàmodeler:VanGoghToulouse-Lautrec,Albi-Montmartre

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LadécadencemoderneLeseigneurdespanneauxMortaumytheGustave!RedondenseEndehorsdenosfrontièresSymbolismegermanique:vonStuck,BöcklinD’unpaysplattoniqueSacréGauguin!PauseàPont-AvenDeserrancesLepenseuretlavague:RodinetCamilleClaudelL’hommedanstoussesétatsLapassionselonCamille:del’incompréhensionàlafolie

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Quandlesfauvess’exposentD’untonrougissant:MatisseUnfauveencave:RouaultLamodernitéentreenfraudeavecleDouanierForcerletrait:l’expressionnismeDuderniercri:MunchUnenouvellefaçondefairelepont:DieBrückeLaguerredeSezessionautrichienne

Adultes,ilsjouentencoreauxcubes!Alors,onseBraque?Pasd’anglemort:PicassoRodagescontreRodin:lasculptureDudessindanstouslessensAugmenterlevolumeUnearchitecturehabitéeAutodidactequisaitseconduireWrightl’Enchanteur

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Finie,lafigurationN’ymettrequelesformesKleepours’ouvriràl’abstractionC’estLégermaisçapèseÀchacunsondadaPlusieurscordesàsonArpDesaquarellesencarrésetrectanglesEnfincapitale:l’écoledeParisPremiersdelaclasseChagallritUnartistequitombeàpic:PicabiaArtmagiqueetmagiedel’art:lesurréalismeEntenuedeGala:DalíPrendrelacléDuchampNomd’unepipe:MagritteUnMiróquiadel’œilUnesculptured’étendueUnRaydelumièreBourgeoismaisartisteAuxmartyrsd’OradourJusteunbaiser:BrancusiMarchandsd’utopie:l’architecturemoderneDeshautsetdesbas:leBauhausLaCitéradieuse:LeCorbusier

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Fairechanterlapeinture:l’abstractionlyriqueAbstractiond’originecontrôléeRéuniond’informelsBandeàpart:quelquesartistesdanslesiècleLare-créationcommence:BalthusDesremarquesoriginales:AlechinskyEncorpstorturés:BaconSansformatlissé:RothkoL’espritdesynthèse:ZaoWou-kiLaconquêtedel’espace:l’architectureGrandensemble:MiesvanderRoheNatureetdécouverte:Aalto

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RaconterunpopartQuellessoupes!WarholAupopniveauAuxrebuts:lenouveauréalismeFautedefrappe:ArmanEnvoyezlasoudure:CésarCibleémouvante:NikideSaint-PhallePlutôtemballant:ChristoetJeanne-ClaudeÀlarecherchedelaperformanceDrôles de coups de pot : action painting et quelquesautresÉpouserlaperformanceaujourd’huiL’artcomptantpourrienL’artderien:BenKitschetchoc:KoonsetLavierEnpleindansledécor:l’arthorslesmursL’enviededécoucher:SophieCalleDrôledezèbre:BurenDebonnesinstallationsLemotdelafin?L’artàvenirNouvellestechnologiesLesbeaux-artsdenouveauàl’affiche?

Un nouveau monde à bâtir : l’architecturecontemporaineUnNobelquin’apasdeprix:TangeC’estProuvé!QuelNouvel?

-Soleillevant:l’architecturedelaChineetduJaponDéfensedefairelemurC’eststupafiantUnepeintureaurouleauPrésentezvospapiers!ViensvoirmesestampesjaponaisesMiseenterre…cuite:lasculptureDevraiesfossesJeuxdemainsSpécialistedel’universel:l’IndeHindoueendur:l’architectureDesmainsduBouddhaauxbrasdeGanesh:lasculptureDesminiaturesgrandeurnature:lapeinture

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CapauGrandNordTchoukes:àvossouhaits!L’artadoucitlesmorses:lesInuitsLesIndiensàlafile:l’AmériqueduNordEnattendantColomb:lesartsprécolombiensSetournerversl’OlmèqueÀvoirMayaspartirAztèquessaignantsIncasàpartRésultatsupérieur:HaïtiPetitpointàl’ordredujour:l’OcéanieLesyeuxdePâques

Rêvegénéral:l’Australieetlesaborigènes-

DesolidesfondationsArrêtetesbétyles!LamosquéedémasquéeHautementcalifés:lesOmeyyadesDamas,tonuniversimpitoyableUnparadissurlesmarécagesZiggouratspournepassetromperÀlaplaceducalife:lessuccesseursFatimidesmaissanscomplexeSeldjoukides,pourvousséduireUnartMaurebienvivant:l’EspagneRegardspersansLesOttomanssaventfairelavaisselleMamelouksd’enfer!

-LespremierssontlesderniersL’arttribal,unmotnouveau……pourunecivilisationancienneBaslesmasques!Touslesmodèles,ettouteslestaillesUnsymbolismemagiqueL’artafricainaujourd’hui

-Enverreetcontretous:leGrandLouvreEngare!Lemuséed’OrsayQuedechefs-d’œuvre!LaNationalGalleryLesAlteetNeuePinakothekdeMunichLeKunsthistorischesMuseumdeVienneLemuséeduPradoàMadridPourpapautés:lesmuséesduVaticanLeRijksmuseumd’Amsterdam

L’ErmitagedeSaint-PétersbourgUnMETdechoix:leMetropolitanMuseumdeNewYork

-Unpeud’humeurnoire:la«Mélancolie»Gardonslesourire:«LaJoconde»Uneréceptionmortelle:«LesAmbassadeurs»Àlanoce!«LesNocesdeCana»Décèsmystique:«LaMortdelaVierge»Conseildefamille:«LesMénines»Propagandeimpériale:«LeSacre»Un naufrage qui a fait couler beaucoup d’encre : « LeRadeaudelaMéduse»Arrivéedansl’étang:«LesNymphéas»Leshorreursdelaguerre:«Guernica»

-Frémin,deschâteauxenEspagneFalconet,àl’âgedePierreSaly,c’estdupropre!VallindeLaMothe:desmonumentsd’hiverL’Enfant,unplancapitalBartholdi,entouteLibertéCordier,toutmaisPachaLandowski,situvasàRio…LachaisesefaitlamalleTissot,àl’heureanglaise

Les statues grecques vous laissent de marbre ? Lavisite d’un musée vous arrache des bâillementsd’ennui?Lesgaleriesd’artvousdonnentdel’urticaireet vous ne comprenez pas pourquoi des personnesapparemment saines d’esprit sont prêtes às’empoignerdansunesalledeventespouracheteràprix d’or un tableau qui ressemble à un dessind’enfant?L’art,pensez-vous,c’estunpeucommelepoloouleséchecs:pours’yintéresser,ilfautêtreoutrèsricheoutrèsintelligent.

Ehbien,rienn’estmoinsvrai:faisantd’abordappelàla sensibilité, l’art n’est pas réservé à une poignéed’élus !Tout lemondepeutapprécier labeautéd’unobjetetleprofane,armédeconnaissancesmodestes,apprend vite à affiner son goût. Et si, devant uneœuvred’art,ilvousestarrivédepenser:«Jenevoispas ce que représente ce tableau et je n’encomprends pas le sens, mais pourtant je trouve çabeau », vous avez déjà franchi un grand pas, car leravissementetlesentimentd’étrangetéconstituentlabasemêmedujugementesthétique.

Pourapprécierl’art,ilfautdoncsedéfaireunebonnefoispourtoutesdedeuxpréjugéstenaces:

, il

estaccessibleàtous;

il a aussipourbutdedécrirelemonde«telqu’onnelevoitpas».

En unmot, pour apprécier l’art, il est nécessaire deréapprendreàvoir.C’estàcettesalutaire«éducationduregard»quenousespéronscontribuerici.

ÀproposdecelivreLe modeste objectif poursuivi par les auteurs de celivre est d’offrir une introduction à l’histoire de l’artafind’inciterlelecteuràallerplusloin,parlavisitedemuséesoulaconsultationd’ouvragespluspointus.Lerecoursàl’humouraicipourbutdedésacraliserl’ArtavecungrandA.Carnousnerépèteronsjamaisassezque ce dernier est accessible à toute personnecapabled’éprouverdessensations:accompagnezdesenfantsdansunmuséeetvousverrezbien!

Commeson titre l’indique,L’Histoirede l’artpour lesNuls retrace les principales étapes de la créationartistique de façon claire et accessible. Se tenant àl’écart des débats qui divisent les spécialistes, il sepropose d’évoquer la diversité des époques et desstylessanspréjugéd’aucunesorte.Deschâteauxdela Loire à lamuraille de Chine en passant par le TajMahaloul’îledePâques,ilnenégligerienetpeutseconcevoircommeleplusvastemuséedumonde.

Ceseraaussilemuséeleplusétendudansletemps,car il parcourt toutes les époques durant lesquellesl’arta fleuri,de lapréhistoireànos joursenpassantparl’Antiquité(sestemplesetsesstatuesdemarbre),le Moyen Âge (ses cathédrales et ses icônes), la

Renaissance (lorsque les artistes réinventaientl’Antiquité), l’époque classique (au goût baroque,précieuxetencyclopédique),leXIXesiècle(siricheeninnovations),leXXesiècle(déjàlesièclepassé!)sansoublierlesièclequis’ouvre:l’aventurecontinue.

Au cours de votre « visite », vous rencontrerez demultiples génies : Léonard de Vinci (ingénieur etbricoleurgénialquitrouvaitmodestementqu’ilsavaitpeindre comme tout le monde), le Caravage (unrénovateur de l’art qui dégainait sa rapière un peutrop vite, ce qui lui a valu quelques ennuis), PierreAuguste Renoir (qui, pour continuer à peindre alorsmême qu’il était perclus de rhumatismes, se faisaitattacher des pinceaux aux doigts) et bien d’autresencore!

Si les auteurs n’ont pas la prétention de toutexpliquer, certains éclairages seront toutefoiseffectués pour éviter au lecteur de naviguer à vue.Ainsi seront définis les termes techniques, lescourants esthétiques, etc. Des analyses et desinterprétations succinctes seront aussi parfois faites.Maisquelquesoit lepartipris,vousn’êtesenaucuncasobligéd’ysouscrire,car,contrairementàl’adage,lesgoûtsetlescouleurs,çasediscute!

Au terme de ce voyage passionnant, nous espéronsquevousaurezapprisdeschoses intéressantesenyprenantduplaisir.Carenartcommeentoutechose,commedit leproverbe, iln’yapasdemalàsefairedubien.

Lesconventionsutiliséesdanscelivre

Dans un souci de simplicité, nous avons utilisé uncertain nombre de conventions qui faciliteront votrelecture:

les titres d’œuvres sont indiqués en italiques(nous parlerons de la Vénus au miroir deVélasquez) à l’exception des noms de bâtiments,parties de bâtiments ou ensemble architecturaux(nous parlerons de la chapelle Sixtine, de lapyramide du Louvre et de la Plaza Mayor deMadrid); lorsqu’unmot techniqueou lenomd’uneécoleesthétiqueestmentionnépour lapremière fois, ilapparaît en italiques (nous expliquerons ainsi cequ’est l’ordre ionique, un transept ou ledadaïsme); c’est également le caspour lesmots étrangersnon traduits en français (par exemple le sfumatoitalienoul’azulejoespagnol); les noms de divinités, de personnalités ou devilles étrangères sont simplifiés, modernisés etfrancisés(onneditpas:«RaffaelloSanzioavécuàFirenze»,mais:«RaphaëlavécuàFlorence»); les siècles sont indiqués en caractères romains(leXIXesiècle),contrairementauxdates(Romefutfondévers-753,soit753ansavantJésus-Christ); enfin, les numéros de figures indiqués entreparenthèsesrenvoientauxillustrationsreproduitessurlesdeuxcahierscentrauxàl’intérieurdulivre(lafigure6renvoieainsiàlaVénusdeMilo).

CommentcelivreestorganiséAprès avoir hésité entre une présentation classique,cubiste oumême impressionniste, les auteurs de ce

livre ont finalement opté pour le bon vieil ordrechronologique!Enl’espacedevingt-huitchapitressedérouleainsilefildel’histoiredel’artoccidental,delapréhistoireànos jours.Maisattention,enchoisissantde classer ainsi lesœuvres, nous n’avons pas voulutracerunehiérarchiequiplaceraitlesœuvreslesplusrécentes au sommet de l’échelle des valeursartistiques et les plus anciennes en bas. Dans ledomainede l’artplusqu’entoutautre, iln’yaguèredeprogrès. Lebutpoursuivi ici n’est que celui de laclarté.

Par commodité, les arts non européens ont étéregroupés dans une partie unique. Là encore,attention au malentendu : s’ils proviennent d’autresculturesquelanôtreetfonticil’objetd’untraitementspécifique,ilfautsegarderdelesdévaloriser,carcesarts ont produit des chefs-d’œuvre de tout premierplan comme nous allons le voir dans les quatrechapitres qui leur sont consacrés. Les fidèles de lacollectionretrouverontenfin«Lapartiedesdix»quiclôt l’ouvragesurunenoteinsoliteavecleportaitdedix artistes français connus à l’étranger maisméconnusdansleurproprepays.

Premièrepartie:DescavernesauColisée:lapréhistoireetl’AntiquitéL’art,quiapparaîtdès lapréhistoire,revientde loin!Contrairement à l’opinion commune, il est alors déjàtrèsélaboré.Eneffet, lespeinturesrupestresnesontpas de simples « tags » faits au hasard dans lesgrottes : elles prennent en compte l’inclinaison desparois. Dans la foulée, si l’on peut dire, laMésopotamie invente l’Histoire et, avec elle, lesbeaux-arts, qui se déclineront tout au long de cet

ouvrageautourdetroisthèmesmajeurs:lapeinture,lasculptureetl’architecture.

Soucieux de laisser une trace ou de prolonger leurexistence dans l’au-delà, les Égyptiens ont laisséderrièreeuxdemagnifiquesmonumentsqu’unefouledetouristessepresseaujourd’huidevisiter,surplaceou dans les musées. Élaborant les règles del’harmonie, les Grecs inventent le Beau idéal. LesRomains qui les suivent sont enfin d’excellentsarchitectes, même si question peinture et sculpture,c’est zéro ! Ces conquérants font alors appel auxartistes étrangers, de gré ou de force, créant lespremièresimportationsd’œuvresd’art.

Deuxièmepartie:Dusouriredel’angeàceluidelaJoconde:leMoyenÂgeetlaRenaissanceGardez le sourire tout au long de cette partienotamment marquée par l’architecture ! Le MoyenÂge n’est pas une période si sombre que ça… Pourpreuve, lesarchitectesn’ontdecessede faireentrerla lumièredans les cathédrales. L’art romanaffronteleproblème : comment fairegrandet lumineux?Çane tient pas debout ! Il y a là un problème de tailleque l’artgothique résoutgrâceà lacroiséed’ogives.Enfin, jusqu’à un certain point : les habitants deBeauvais vous le diront. À cette époque, des gratte-cieldepierreetdeverresontélevésunpeupartoutenEuropeàlagloiredeDieu.MaislaRenaissanceseprofiledéjà,quipuiseauxsourcesplusanciennesdel’Antiquitégréco-romaine.

Troisièmepartie:Baroque,rocailleet

rococooulalégendeduroc:lestempsmodernes(XVIIe-XVIIIe siècles)

Lebaroque,néenItalieautournantdesXVIeetXVIIesiècles, y trouvera pendant cent cinquante ans unterrain privilégié. Si Florence est le berceau de laRenaissance, Rome est celui du baroque. Les papes,nostalgiques de la splendeur de la Rome impériale,encouragent ce nouveau style qui va bientôt gagnerlesprincipauxpaysd’Europe.Danscettepartie,vouscroiserez également quelques génies de l’artuniversel, comme l’Espagnol Vélasquez ou leHollandais Rembrandt, et entrerez dans les ateliersd’artistes.

Quatrièmepartie:Nunuches,nanarsetnénuphars:leXIXe siècle

LeXIXesiècle:quelleépoquericheencourantsd’art!Les artistes d’alors revendiquent pleinement leurappartenance à la modernité. Ainsi se succèdentnéoclassicisme, romantisme, réalisme, académisme,impressionnisme, symbolisme… Que de noms en«isme»,souventdonnésparunecritiquemoqueuse!L’histoire politique, également tumultueuse, alterneles régimes et entraîne les artistes à faireœuvre depropagande. La Révolution française, Napoléon ouLouis XVIII en ont bien besoin. Mais au vent del’histoire, certains artistes s’enrhument, en exilcomme David, ou disparaissent de nos mémoires.Cette partie a également pour ambition de faireredécouvrir Hébert, des pompiers trop longtempséteintsouencoreGustaveMoreau.

Cinquièmepartie:L’aventurecontinue:dudébutduXXe siècleànosjours

Pas de panique ! Vous entrez dans le XXe siècleparfaitement détendu, prêt à rencontrer tous lesbouleversements de l’art et à adopter devant tantd’innovationsunregardneutre–nousn’avonspasditéteint ! L’art contemporain démarre fort avec lefauvisme, l’expressionnisme et le cubisme : laissez-vousporterparlescourants,loindetoutcequevousavez vu jusqu’à maintenant. Une particularitécommunedecesmouvementsestlaredécouvertedel’artprimitif.Cetterencontren’estpasdueauhasard,tant les œuvres considérées comme « primitives »dégagent une force d’expression qui semblait avoirdéserté l’art occidental. Et encore, ce n’est qu’unetransition vers l’abstraction qui, si elle ne ressembleparfoisàrien,n’estpasànégligerdutout!

Sixièmepartie:Auxpaysdesmerveilles:lesartsnoneuropéensAu regard de l’Occidental habitué à la tradition desbeaux-arts,lesartsnoneuropéenspeuventapparaîtrebien grossiers… Ces œuvres d’abord baptisées« curiosités » ont longtempsété conservéespardescollectionneurs dans des cabinets où défilaient despersonnes prêtes à s’émerveiller devant un tapispersanouà frissonnerde craintedevantunmasqueafricain.Letoutavecbeaucoupdecondescendanceàl’égarddeces«bonssauvages»artisans.Cependant,les superbes réalisations présentes dans cette partieméritent toute votre attention : bienvenue aux paysdesmerveilles!

Septièmepartie:LapartiedesdixCerendez-voustraditionneldelacollection«PourlesNuls » commence par un hommage aux lieux deconservationetdeprésentationdesœuvresd’art:lesmusées. Dans ce mot, il ne faut pas oublier qu’onentend muser, comme s’amuser et musarder dansdeslieuxprestigieuxetpropicesàs’instruire.Commela peinture est certainement la discipline des beaux-arts la plus appréciée, des œuvres remarquables,comme l’incontournable Joconde, seront ensuiteprésentées en détail. La gloire est cependantcapricieuse, et parfois localisée géographiquement,comme vous le découvrirez enfin avec dix créateursfrançais oubliés dans leur pays et encensés àl’étranger.

LesicônesutiliséesdanscetouvrageDes icônes placées dans lamarge vous permettronttoutaulongdecelivrederepérerd’uncoupd’œilletyped’informationsproposéesselonlespassages,lesencadrés, les tableaux… Elles peuvent ainsi guidervotrelectureselonvosenvies.

Ce symbole signale un problème délicat, uneconfusionpossible.Soyezbienattentif.

Vous trouverez là l’explication d’un terme technique,latraductiond’unmotétrangeroul’origined’unnom.

Vous aimez épater la galerie ? Guettez cette icône,elle signale un fait insolite, une anecdoteméconnueouunchiffresurprenant.

Pourunelecturefacilitéeetenrichissante,cetteicônepointe lesélémentsàretenir.Vousaurezainsitouteslescartesenmainpourcomprendrelesévolutionsetlesrupturesqueconnaîtl’histoiredel’art.

L’art, c’est avant tout des hommes et des femmesvivants (parfoismême turbulents). Vous trouverez làdes éléments de biographie, des traits depersonnalité,desanecdotescroustillantesconcernantnoschersartistes.

Rien ne vaut parfois de rentrer dans le détail pourapprécieràsajustemesureuneœuvreouuncourantartistique.Cetteicônesignaleunpointtechnique,deschiffresoudesstatistiquessignificatifs.

ParoùcommencerNous l’avons dit, l’agencement de ce livre estessentiellement chronologique, mais qu’est-ce quivous empêche de commencer par dada ou l’artafricain?Absolumentrien.Considérezplutôtquevousêtes dans le plus grand musée du monde, quirassemble les principaux chefs-d’œuvre del’humanité. Vous pouvez suivre le parcours fléché etapprécierlesévolutionsdel’artaugrédespériodesetdescourantssuccessifs,maisvousavezégalementledroit de vagabonder d’une époque ou d’un pays àl’autre. Aucun gardien ne viendra vous dire d’un airsévère:«Non,pasparlà,veuillezsuivrelesensdelavisite.»Etmême,profitez-en,car ici,pasd’escaliersni de dédales de cloisons ! Le sommaire et l’indexvous permettent d’aller directement chercher

l’informationquivousmanque.Bonnevisite!

Danscettepartie…Prenezvotresouffleetretroussezvosmanches!Enl’espacedequelquesmilliersd’années,vousallezassisteràlanaissancede

l’art et participer à des constructions gigantesques. Destaureaux ailés de Khorsabad aux pyramides d’Égypte, enpassant par les trompe-l’œil grecs, les beaux-arts font ici uneapparitionremarquée…

Danscechapitre:DesanimauxfabuleuxDespeinturesenvoûtantesDesdolmensUnartpréhistoriquefortmoderne

C’est l’inventionde l’écriturequimarque ledébutdel’Histoire,etnonl’apparitiondel’art.Ainsil’histoiredel’art commence-t-elleavant l’Histoire…Car l’activitéartistique apparaît avec l’homme, ou tout du moinsavec ses proches cousins, balbutiant encore entre lesingeetl’Homosapienssapiensquenoussommes.Etsil’hommedesoriginespeineàtrouverlechemindel’évolution,notonsqu’ilestdéjàartiste.

L’artestlepropredel’hommePourparaphraserAristote,célèbrephilosophegrecdel’Antiquité, à l’instar du rire, l’art est le propre del’homme…etcelaconsisteàsesalir lesdoigts ! carl’artsouilleetpour levérifier,donnezdescouleursà

unenfant : il n’auradecessede lesmélangeretdelesétaler,aveclesmainsbiensûr!

Lesgrottesmiraculeuses

« Ce que l’art est tout d’abord, et ce qu’il demeureavant tout, un jeu », écrit Georges Bataille dansLascauxoulanaissancedel’art.Maisattention,lejeuest une activité sérieuse, par la fréquentation desdivinités de la chance et du hasard. L’activitéartistique est donc à cette époque à la jonction duplaisiretdusacré.

Quand l’homme apparaît-il ? D’après les estimationsdessavantsduSecondEmpire(1852-1870),en-4138avant J.-C. Les minutieux calculs de cette époquepermettaientégalementdedater ledélugeuniverselen-2482etunsavantecclésiastiqueenavaitconcluquelemondeavaitétécrééunlundiaprès-midi,sanstoutefoispréciseràquelleheure.Maisaujourd’hui,lesdernièresestimationsfontapparaîtrel’hommeilya5millionsd’années,cequinenousrajeunitpas.

LesfossilescrèventlesyeuxLorsqu’en1879unepetitefilledécouvredesanimauxpeints sur le plafond de la grotte d’Altamira dans laprovince de Santander en Espagne, on crie à lasupercherie et à l’imposture. Et les théoriesscientifiquesduSecondEmpireont laviedure,car ilfaut attendre le début du xxe siècle pour uneauthentification et 1985 pour un classement aupatrimoinemondialdel’Unesco.Maisdélaissonstoutepolémique et accompagnons Marcelino de Sautuola,unarchéologueamateurà l’Expositionuniversellede

Paris en 1878. Au milieu d’une foule dense qui sepresse, attirée par les nombreuses curiosités,arrêtons-nous avec lui dans la section des objetspréhistoriques. Impressionné, il se demande à sonretour s’il ne pourrait pas en trouver dans la grotted’Altamira.

Têteenl’airÀl’inversedel’astrologuedeLaFontainetombédansun puits à force de regarder le ciel, de Sautuolaregardelesoletnonleplafond.Lachancesouritauxrêveursetauxtêtesenl’air:safilledecinqansvoitde prodigieux animaux au plafond, impressionnantsdanslalueurvacillantedeslampes.

Àl’époque,personnen’ycroit.Quoi?Mêmes’ilssontcapablesdetaillerdespierresetdegraversurosousur ivoire, de là à reconnaître aux hommespréhistoriques des talents de peintres ! La peintureest un art majeur, Monsieur, hors de portée de cesêtres frustres, tout juste bons à allumer un feu ! lesdécouvertes se succèdent pourtant, en 1895 à LaMouthe, puis en 1901 à Combarelles et à Font-de-Gaume.À l’échellede l’histoirede l’art,1901,c’étaithier!

L’artmur

En 1902, le savant Émile Cartailhac publie sonMeaculpad’unsceptiquequifaitgrandbruit.l’artpariétalest enfin reconnu. Pariétal vient du latin pariessignifiant paroi ; littéralement l’art pariétal signifiel’art sur la paroi. Altamira est datée de - 18 000environ,«àquelquesjoursprès»diraitnotresavantecclésiastiqueférudeprécision.

Lesartistespréhistoriquesontparfaitementsuutiliserles reliefs des parois pour donner de la vie à leursimages : les chevaux semblent entraînés dans unecourse folle, les bisons mugir d’impatience, agacésdansleurpaisibleruminationparonnesaitquelintrusoulepressentimentdel’arrivéed’unchasseur.sil’onajouteàcela la lumièrevacillanted’une lampe,vousimaginez fort bien l’émotion ressentie par la petitefilledeMarcelinodeSautuola.

Ces chers enfants ! La vérité sort de leurbouche,ilsaccumulentlesdécouvertes:outrela découverte des dessins d’Altamira, on leurdoit également la plus célèbre des grottespeintes,celledeLascaux.Enseptembre1940,Robot,unpetitchienmaladroit,tombedansuntrou,immédiatementsuiviparquatregarçons.(ilsposerontplus tard,graveset fiers,devantlagrotte,avecRobotquisurvécutàtoutescesémotions.)Leurdécouverteestunévénementconsidérable à la fois pour l’histoire del’humanité et pour l’art. Dans le Périgord eneffet,iln’yapasquedesréjouissancespourlepalais,onenprendaussipleinlesyeux…L’affluxdevisiteursmenaçaitlesœuvrescarlegaz carbonique émis par les respirationsprovoquedesmoisissures.Onpeutaujourd’huivisiter une grotte réplique qui donne unebonne idée de l’échelle des peintures, avec

plus de 2000 figures d’animaux (voir). la plupart desœuvres pariétales connuesdatent de la même époque, ditemagdalénienne, du nom de la localité de laMadeleine qui, même si elle sollicite notremémoire,n’arienàvoiravecProust,l’écrivaind’Àlarecherchedutempsperdu.Altamira, Lascaux, c’est de la beautéretrouvée, échappée au temps. Une énigme :lesgrottesornéessont localiséesdans l’ouestde la France et le nord de l’Espagne. Est-ceune civilisation particulière ? Ou seraient-cedesparticularitésgéologiquesquiontassurélaconservationdecesgrottes?

EnavancesurleurtempsCertainesdécouvertessonttroublantesetretouchenten profondeur l’image que l’on a de nos lointainsancêtres…

EllenefaitpassonâgeLe premier visage humain conservé est celui de laDame de Brassempouy (voir ), découvertedans les Landes : 24000 ans pour cette petite :statuette et pas une ride ! Un détail caractéristiqueindique déjà une toilette élaborée : n’est-ce pas unfilet, une résille que l’ou voit sur la chevelure ? Onpeutêtrepréhistoriqueetdéjàélégante.Unmisogynedirait qu’ainsi la dame de Brassempouy protège sacoiffe des velléités masculines de la ramener à lamaison – pardon, à la grotte – par tous lesmoyens,maiscelaseraittiréparlescheveux...

Unvraitravaild’artisteUn simple andouiller de cerf peut aussi être uneœuvre d’art surprenante : un artiste, évidemmentanonyme,agravésurl’und’euxsaumonsetcervidés.Trouvé dans la caverne de Lorthet dans les Hautes-Pyrénées, il a quelque chose qui laisse pantois.L’artiste préhistorique a un œil quasimentphotographique : la gravure montre un cerf qui seretourne comme pour bramer dans un geste trèsvivant,etunautrequicourt.Cetteallureremarquableest digne de vues prises en photographieinstantanée ! il faut attendre l’invention de laphotographieet lepeintreAiméMorotauXIXe sièclepourretrouverceréalisme!

Anamorphoseenperspective

Mais l’artiste sait aussi que l’art est artifice : par unprocédé dit « en épargne », il interrompt son tracépourfaireapparaîtreenclairlaparoi.Lesvolumesdesmusclesressortentbienmieux.ÀLascaux,unevacheest déformée volontairement pour que le spectateurau niveau du sol la voit avec une forme plusnaturelle:c’estl’inventiondel’anamorphose.ÀFont-de-Gaume,onpeutmêmedirequ’ilyadéjàuneautreinvention : avec les cornes et les pattes du côtéopposé peintes en plus petit, tel bison est traité detellesorteque laperspectiveest là.Encoreune fois,l’art préhistorique est un art très élaboré. il y atoutefoisunaspectdecetartpréhistoriquequinouséchappe:lessignesabstraits,surlesquelsonnepeutqu’émettredessuppositions.

Chacunsatache

L’art préhistorique est surtout animalier, même s’ilexiste bien des représentations humaines commel’hommedéguiséencerfdelagrottedesTrois-FrèresdanslesPyrénéesoudesfiguresfémininescommelaVénusàlaCorne,l’ancêtredelaDameàlalicorne,àLaussel.

L’artisteutiliselapeinture,lagravureoulasculpture.On a vu dans cet art une volontémagico-religieuse,une sorte d’envoûtement : les chevaux peints de lagrottedePech-Merlesontaccompagnésdetracesdemains. ils portent aussi unemultitude de taches quisont peut-être des points d’impact. On sait que lesaborigènes australiens et les Bochimans tracent desfigures d’animaux qu’ils recouvrent de tachesreprésentantlesblessuresmortellesqueleschasseursvont infliger. il est tentant de comparer les signesmystérieux des grottes européennes aux symbolestracésparlesAustralienspourreprésenterlemana,laforcemagique.

Passéàconjuguerauconditionnel

Cependant, il n’est pas sûr que ce soit uniquementl’aspect«gibier»quiaitprésidéà la représentationde tel ou tel animal. Il faut rester très prudent dansl’interprétation de l’art préhistorique. Telle statuettede cygne peut être regardée sous plusieurs angles.Outre un exercice de virtuosité, il s’agit aussi sansdouted’unefaçondedirequelemondepeutsevoirsousdifférentsaspects.Pareillement,datéeentre-25000 et - 18 000, et taillée dans un morceau dedéfensedemammouth,lastatuettenomméelaVénusde Lespugue se présente de « face ». Mais si onregarde l’autrecôtéetqu’on laretourne,onvoitune

femmededosavecunelonguechevelure.

SansqueuenitêteIlfautnoterquel’artdescavernesestsingulièrementchaste, sans aucun accouplement représenté. Lafécondité aurait donc été évoquée de façonsymbolique. le préhistorien André Leroi-Gourhan asignalé que, dans un recoin de la grotte de Pech-Merle, les figures de bison se transforment petit àpetit en personnages féminins : la queue devientinsensiblementuncouetune tête, lespattesarrièrequittent le sol et peu à peu se métamorphosent enseins pendants, la bosse du garrot devient unpostérieur. On peut imaginer que chaque animal apeut-êtreunevaleurmasculineoufémininequenousnepouvonspastoujoursconnaître:icilebisonseraitàconnotationféminine.

Amateursdevacanceshorsducommun,àvospioches ! il est encore possible de découvrirdesgrottespréhistoriquesdenosjours!C’estencorearrivéprèsdecheznous,àChauvetenArdècheplusprécisément.«ilssontvenus!»s’écrie le 18 décembre 1994 l’un desdécouvreurs (on dit aussi inventeurs) de lagrotte Chauvet en découvrant sur une paroidespetitstraitsàl’ocrerouge.UnesemaineavantNoël,lestroisspéléologuesviennent de s’offrir un beau cadeau. lesdatations effectuées à partir d’échantillons

prélevéssurdesdessinsaucharbonontdonnédesdatesallantde-30.340à-32.410.onvaarrondir à 31 000 ans : en gros le double deLascaux !Afindeprotéger lesœuvres, lesitedeChauvetn’estpasouvertaupublic.

Toutlemondepeuts’estomperJusqu’à présent, en matière d’art pariétal, nousconnaissions surtout des représentationsdegibier. ÀChauvet, dernière grotte découverte en Ardèche en1994,cesontdesrhinocéros,deslions,desours,unepanthère. il yaaussi la seule représentation connuede mégaceros, un grand cerf de la préhistoire.L’intérêtartistiqueenestimmense:

parlatechniquedel’estompe;parlesrecherchesdeperspective; par l’utilisation des accidents des parois pour donner durelief.

L’art le plus ancien est paradoxalement le plusélaboré.Malheureusement,cetartpariétaln’apasdesuccesseur immédiat.Même si les filiations sontmalconnues, on ne peut que rêver sur deux piècescurieuses.L’uneestpréhistoriqueetsurunpropulseurà javelot montre un oiseau sur la croupe d’un faon,l’autre date de la protohistoire et montre aussi unoiseau sur la crouped’un cerf.Desmilliers d’annéespourtantlesséparent!

Dolmenréservé

ObélixestsansdoutelehérosdeBDquiagaceleplusleshistoriens, lespréhistorienset lesprotohistoriens,

c’est-à-dire ceux qui étudient l’époque entre lapréhistoire et la période historique et qui secaractérise surtout par l’invention de la métallurgie.Lesdolmenset lesmenhirsn’onteneffet rienàvoiravec les Celtes (donc avec les Gaulois) ! On peutconsidérer que les dolmens marquent le début del’architecture,l’artdeconstruiredesédifices.

TousenligneOn appelle mégalithes ces monuments de pierres,érigésvers -5000.LesplusconnussontStonehengeenGrande-Bretagneet,pournepasavoiràprendreletunnelsous laManche, lesalignementsdeCarnacetlesitedeGavrinisdansleMorbihan.

Àtable!Une petite révision : les menhirs, tout droits, queporteObélix,sedistinguentdesdolmensenformedetable.Mêmesiçanesevoitplusguère,cesderniersétaientrecouvertsdeterreetconstituaientl’armatured’untumulus.Lagrandedallesertdetoitàunesortede chambre avec un couloir qui ymène, cette alléecouverte ayant disparu la plupart du temps. Près deVannes, lesitedeGavrinis s’estbienconservéparceque le dolmen n’est pas recouvert de terremais depierres sèches constituant un grand tas qui a bienrésistéà l’érosion, l’usuredu tempsetdesélémentsnaturels.

Il porte les traces d’une activité artistique. « Ce quidistingue le monument de Gavrinis de tous lesdolmens que j’ai vus, c’est que presque toutes lespierres composant ses parois sont sculptées etcouvertes de dessins bizarres. ce sont des courbes,

des lignes droites, brisées, tracées et combinées decent manières différentes », écrit Prosper Mérimée,l’auteur de Carmen et d’une célèbre dictée,inspecteur des Monuments historiques le reste dutemps.

Danscechapitre: L’invention des beaux-arts : la sculpture, lapeintureetl’architectureLaréponseà«Patried’Abrahamen2lettres»JardineràBabyloneDebiencruelsAssyriens

Entourée par le Tigre et l’Euphrate, laMésopotamie(actuel Irak) signifie le pays d’entre les fleuves.Jusqu’auXIXe siècle, ellene subsisteplusqu’à l’étatde souvenir, dans la Bible. Son histoire prestigieuses’apparente alors aux contes et légendes racontéspour édifier les enfants. Mais lorsqu’elle estdécouverte par les archéologues, c’est toute uneconception de l’Histoire qui s’en trouve bouleversée.Cependant,siUruk,le«Sinhar»delaGenèse,aétéretrouvée en Sumer, Aggadé attend toujours d’êtredécouverte:avisauxamateurs!

ÀSumersadifférence

Le best-seller de l’historien Samuel Noah Kramer en1957 s’intitule à juste titre L’Histoire commence àSumer.D’abordparcequelepremiervillageconnudel’humanité date de - 5500 ans, quand les premièresvillesapparaissentvers-4000.Ensuite,parcequecepeuple crée l’écriture vers - 3300. Cette inventionmarquantsondébut, l’HistoireavecungrandHpeutalorscommencer!

Quellebarbe!Par les déductions des linguistes, on suppose qu’il adûexisterdanscetterégionunpeuplenonsémitique,c’est-à-dire qui ne parlait pas une langue dontl’hébreuou l’arabe sont les représentantsmodernes.Et les Sumériens sont décidément des inventeurspuisqu’ils offrent un style, le réalisme, avec lesstatuesderois-prêtresreconnaissablesàleurbandeauet à leur barbe. Ainsi à Nippur (aujourd’hui Nuffer)sont découverts un groupe de statues de gypse, la« pierre à plâtre », et 30 000 tablettes en écriturecunéiforme.

MieuxvautourquejamaisÀUr,bienconnuedescruciverbistes(lesamateursdemots croisés) comme « patrie d’Abraham en 2lettres », les tombes royales ont livré un trésor debijouxenoretenlapis-lazuli.

ÀGirsu,lastèledesVautours(vers-2450)estlaplusancienne représentation d’une scène historique deguerre,racontéecommeunrécit,dehautenbas.Lehautmontreleroi(patesi)Eanatoumàlatêtedesestroupes, devant les cadavres de ses ennemisentassés.Puis,aumilieu,uneinventionappeléeàungrandavenir,ledéfilédelavictoire,oùapparaîtpour

lapremièrefoisuncharàquatreroues.Enfinviennentles cérémonies funéraires et, en bas de la stèle, lerappeldelamortduroiennemi.

DesbriquesbiendépenséesEnarchitecture,lesSumériensutilisentlabriquecrue,c’est-à-dire séchée au soleil et non cuite au four.Commecematériaun’aimepasdutoutl’humidité,lacoucheextérieuredumurestfaitedebriquescuites.Lapierren’estpasutiliséepour la constructionmaispeut servir à certains détails comme le pivot de laporte.Labriquesertaussibienpourlesremparts(quel’on estime hauts de 8mètres et larges de 25 à 35mètres au sommet !) que pour les temples. Maiscommelabriquenerésistepasaupassagedutemps,l’Irak ne peut pas montrer de ruines aussispectaculaires que celles de Palmyre ou lespyramides. C’est la raison pour laquelle on a étéconduit à reconstituer sur le site une Babylone endécorhollywoodien.

Quandlafoidéplacelesmontagnes

Les Sumériens ont aussi inventé la ziggourat,l’ancêtre du gratte-ciel. Les historiens grecs del’Antiquitéavaienttrouvéuneexplicationingénieuseàcette invention : comme les dieux sont un peu dursd’oreilleetontune fâcheuse tendanceànepas tropécouter lesplaintesdeshumains, tropoccupésqu’ilssontà leurspropresaffaires, il fauttrouver lemoyendes’enrapprocher.D’habitude,pourcela,onescaladeune montagne. Dans un pays plat comme laMésopotamie,c’estmalheureusementimpossible!Leplussimple,sionpeutdire,estdebâtirunemontagneartificielle.

Etplusde5000ansaprès, il resteencoreassezdebriquespour fairedescollinesappelées tells.D’où lenomdeTellMuqayaràl’emplacementd’Ur,cettecitéd’où part Abraham, marquant l’origine desmonothéismes contemporains (les religions necomportant qu’un seul dieu) par opposition auxpolythéismes(religionsàplusieursdieuxcommechezlesÉgyptiens,lesGrecsetlesRomains).

L’écriture sumérienne est dite cunéiforme, cequiveutdireenformedecoin,l’empreintequefait dans l’argile molle un roseau taillé enbiseau.InventéeparlesSumériens,elleaservià transcrire plusieurs langues de la région :l’élamite,l’ourartéen,etc.Elledatede-4000.Cette écriture sert d’abord à faire desinventaires.On peut donc dire qu’écrire, c’est d’abordcompteravantdeconter.Audébut,undessinvaut un mot, c’est un pictogramme. Puis unsigne vaut un mot, c’est un idéogramme.Ensuite, cette écriture évolue : le mêmeidéogrammeestretenunonpourlesensmaispourleson.Onaboutitàunsystèmemi-idéographiquemi-phonétique,exactementcommedansunrébusoù « chapeau » peut être représenté par unchatetparunpot.

Lapeinturemiseauclou

La légende raconte que le grand héros GilgameshfondaUruk,uneautrecitésumérienneimportante.Samuraille de 10 kilomètres entoure des bâtimentsallant jusqu’à 70 mètres de long et abrite unepopulationestiméeà50000personnes!Lematériaudeconstructionutiliséestlàencoredelabriquecrue,parfoisàbasedegypse–cemélangeestl’ancêtreduparpaing. Sans faire insulte à quiconque, les«mosaïquesdecônes»sontunecuriositéartistique.Ces cônes sont enfoncés comme des clous dansl’argile humide des murs. Les bases (les têtes desclous) sont alors peintes de différentes couleurs etleurassemblageconstituedesmotifsgéométriques.

Larègledel’architecteGirsu est une ville du royaume sumérien de Lagashoù, en 1881, de Sarzec, le consul de France àBassorah, trouve les stèles et les statues des roisGudéa(vers-2120,voir )etUr-Ningirsu,sonfils. À l’époque les archéologues gardent leursdécouvertes, ce qui explique la présence au Louvredes statues de Gudéa devenues célèbres. Lesinscriptionsmettent plus en valeur les constructionsque lesexploitsguerriers. Le rôledebâtisseurdeceroi-prêtre se retrouve dans cette statue dite deL’Architecteà la règle, où le plande l’édifice est sursesgenoux.OnpossèdeaussiplusieursstatuesreprésentantleroiGudéadansuneattitudedeprièreou tout aumoinsdeméditation,tenantunvased’oùjaillitl’eausourcedevie.Commeautrecuriosité, leLouvreprésenteunvaseàlibationsquiportelenomduroietoùfigurentdesserpentsentrelacés : faut-ilyvoir letrès lointainancêtredescaducéesdenosmédecins?

Aunomdelaloi:BabyloneVilleantiquedeMésopotamiesituéesur l’Euphrateàenviron 160 kilomètres au sud-est de l’actuelleBagdad, Babylone a une longue histoire entachéed’éclipses,quivad’Hammourabi,célèbrepourlesloisqu’il a laissées (- 1793 à - 1750) à sa conquête parCyrus, en - 539. Le conquérant grec Alexandre leGrandsonged’ailleursuntempsàenfairelanouvellecapitaledesonempire,avantd’ymouriren-323.

Tourd’horizonàBabelPendant un millénaire, Babylone est une capitaleculturellequi rayonnesur lemondeantique.Suruneaussilonguepériode,elleconnaîtdifférentsmaîtresetdevient entre - 700 et - 600 la plus grande ville del’Orient.BabyloneestsivastequelesGrecsHérodoteetAristotedisentque,quandunennemiestentréparune porte, l’autre bout de la ville n’en est pasinformé!

LeroiàlabarbefriséeVers 1750, le roi babylonien Hammourabi unifie laMésopotamie.Ilnousresteplusieursexemplairesdelastèle où est gravé son recueil de lois dit coded’Hammurabi. Le roi est représenté en haut de lastèle,deprofil,faceaudieuMardouksursontrônequilui remet les insignes du pouvoir. Le relief qui lesurmonteestemblématiquedel’artbabylonien.Leroiportedeslonguesjupesetunebarbefrisée.Lesposessont encore figées mais, quand il ne s’agit pas defigurations officielles, les sculpteurs savent faire defort jolies choses comme cette statuette précieuse,délicateetvivanted’Astarté (ou Ishtar)enalbâtreetauxbijouxd’or.

CommentpassersoncodeLecodeestretrouvéenPersedanslesruinesdeSuseen1901-1902.Lastèlede2,25mètresdehauteuret4tonnes(tout lepoidsdela justice!)oùilestgravéfigurait comme trophée dans le butin de guerreemportéparleroid’Élam.Mêmesicetexten’estpasàproprementparlerlepremierrecueildeloisconnu,ilest tout de même le plus significatif et le plusimportant. Il indique une conception du droitradicalement différente de celle que nousconnaissons. Si à l’heure actuelle un codedonne lesprincipes généraux, le code mésopotamien dresseplutôtunelistedecasprécis.

Le père Vincent Scheil, dominicain,archéologue et savant de renomméeinternationale, donne une traduction du coded’Hammourabidès1904.Les lignes qui suivent donnent une idée dutexte.Lecodepourraitréglerradicalementleslitigestoujoursactuelssurletraficd’œuvresd’artouencore la façon d’aborder les problèmes deconstruction selon la loi du talion « œil pourœil,dentpourdent»et…mortpourmort!« 229 : Si un architecte a construit pour unautreunemaison,etn’apasrendusolidesonœuvre, si la maison construite s’est écrouléeetatuélemaîtredelamaison,cetarchitecte

estpassibledemort.«230:Sic’estl’enfantdumaîtredelamaisonqu’ilatué,ontueral’enfantdecetarchitecte.« 231 : Si c’est l’esclave du maître de lamaison qu’il a tué, il donnera esclave pouresclaveaumaîtredelamaison.»

LesjardinssuspendusBabyloneestentouréed’unedoubleenceinteetonypénètre par la porte d’Ishtar, haute d’environ 15mètres,décoréededragonsetdetaureaux.Cedécorenbriquesmouléesenreliefetémailléesaétéréaliséàl’époquedeNabuchodonosorII(morten-526).Sonnom, désormais associé au magnum de champagnede 15 litres, entre dans la légende avec la créationdes jardins suspendus pour son épouse Sémiramis,uneprincessemède,originairedusuddel’Iranactuel,qui regrettait les montagnes verdoyantes de sonenfance.Cesjardinssontl’unedesSeptMerveillesdumonde,mais il n’y en a nulle trace archéologique. Ilest plus certainqueNabuchodonosor II a restauré laziggouratquiainspirélemythebibliquedelatourdeBabel.

Pireempire

Revenons un peu en arrière : à partir de - 1000,l’Assyrieaétendusonempiredel’Irakactuel jusqu’àl’Égypte.Cetempireestrestédanslesmémoirespourson importance dans la Bible, comme l’un des pluspuissants de l’Antiquité, redouté pour la cruauté etl’efficacitédesestroupes.Ildisparaîtdel’Histoireen-612 quand les Babyloniens révoltés s’emparent de

Ninive, pour réapparaître de façon spectaculaire auXIXe siècle avec la découverte du palais deKhorsabad.

LesAssyriens,desgenssérieuxL’Assyrie impressionne tellement le public et lesarchéologues que les spécialistes de la civilisationmésopotamienne continuent à être appelésassyriologues.CommeSargon II (de -722à -705)àKhorsabad, les rois d’Assyrie se font bâtir des palaiscolossaux. Ces demeures sont décorées de plaquesd’albâtre ou de calcaire qui recouvrent le bas desmursenbrique.Ony lit lesconquêteset leschassesdessouverains,dans un art animalier qu’il faut apprécier : chevaux,chiens sont saisissants de vérité. Certainesreprésentationsassyriennesdefauvessontdeschefs-d’œuvred’observation,commelalionneblessée,dansla scène de la chasse d’Assurbanipal provenant deNinive.Si l’artmésopotamienest réaliste, saversionassyrienne est même brutale. Les bas-reliefs dédiésaux conquêtesmontrentdes scènesde carnageà lagloiredessouverains.

Lestaureauxailés

Quand à Ninive les ouvriers aux ordres du consulanglais Layardmettent au jour en 1845 une grandestatuebarbue,c’est lapanique!Chacuncroitque lemonstre, assimilé à l’une de ces idoles que Noé amauditesavantleDéluge,estvivant!Ils’agitenfaitdelafaced’undecesgrandstaureauxailésàvisaged’homme qui gardent le palais royal assyrien. LeLouvre en possède un de près de 150 tonnes ! Lastatueesttailléedanslamasseet lespattesnesontpasdégagéesdublocdepierre.Commel’artisteveut

quesontaureauprésentequatrepattesdeprofil,ilensculpte une supplémentaire pour le spectateur quivoitl’œuvredecôté.Vudetroisquarts,lechérubinenpossèdedonccinq!

Le nom de ces créatures est passé en hébreu decherubauplurielcherubim,pourdésignerlesgardiensde l’arche d’alliance, puis le christianisme en a faitune catégorie d’anges, devenus pour finir leschérubins,angelotsjoufflus:unefinplutôtvachepouruntaureau.

EnattendantleDélugeIlfautvoirladescendancedecetartréalistedansl’artperse des Achéménides (de - 550 à - 330). Ladécoration, les bas-reliefs, les frises en briquesémaillées, dérivent de l’art de laMésopotamie. Pourexemples, lessculpturesdePersépolisoulafrisedesArchers rapportée de Suse par Dieulafoy, le marid’une archéologue célèbre qui réussit à obtenir pourles femmes le droit de porter le pantalon. LaMésopotamie lègue aussi une invention comme lezodiaque. Certains des grands mythesmésopotamiens nous sont parvenus via la Bible, parexempleceluiduDéluge.

Des tablettes datées aux environs de - 1300racontent l’histoire de Gilgamesh, roi d’Uruk,qui aurait régné vers - 2600. Parti à larecherche de la plante d’immortalité,

GilgameshrencontreunvieillardappeléOuta-Napishtim. Ce dernier lui fait un curieux récitoù il raconte comment, lors de pluiestorrentielles,ilaconstruitungrandbateauetya fait monter des animaux. À l’arrêt del’inondation, il a lâché une colombe puis unehirondelle qui sont revenues sur l’arche, puisuncorbeauquin’estpasrevenu.Toutçavousrappellequelquechose?Lemythede l’archede Noé bien sûr ! L’homme du XXIe siècletrouve naturel que les textes bibliquess’inscrivent dans l’Histoire et puissent êtresoumis à sa critique. Ce n’était pas le casauparavant, le Livre saint échappait àl’Histoire.Ainsi faut-il concevoirque lorsqu’unassistant du British Museum fait en 1872 lacommunicationdelatabletteduDéluge,cettedécouvertefaitl’effetd’unevéritablebombe!

Danscechapitre:Touteslessolutionsimmobilièrepourl’au-delàUneécritureillisibleDesconventionsdifférentesenpeinture

L’art égyptien possède des caractéristiquesidentifiables dès le début de cette civilisation. Parexemple,déjàreprésentésuruncouteaudatantdelapréhistoire, le thème sympathique du pharaon entrain de massacrer ses ennemis se retrouve jusqu’àl’époque romaine. Les dieux à têtes d’animaux, lespeintures de profil et les momies sont aussicaractéristiquesdetoutelacivilisationégyptienne.

Tout le monde connaît des noms de pharaons :RamsèsII, interprétéparYulBrynnerdanslefilmLesDix Commandements, Akhenaton pour ceux quiaiment le rap,Toutankhamonpour leschercheursdetrésor…Pourlerestec’estlebrouillarddesdynasties,avec des dates qui se chevauchent, révélant uneÉgypteparfoisdivisée.Voustrouverezunaperçudelachronologie dans le tableau ci-après : « Les grandesdatesdel’Egypteantique».

EnpleindansleNil

LeNil,fleuvecélèbre,estlefilconducteurdel’histoirede l’Égypte.Comme lepaysn’est qu’une trèsmincebandeverdoyantequisedérouleentredeuxdéserts,chaquemètre carré de terre cultivable est précieux.De nos jours, le barrage d’Assouan empêche toutecrue, mais dans l’Égypte antique, la crue annuelledéposaitlelimonfertilequirégénéraitlaterre.Àcetteoccasion,touslesrepèresdisparaissentetilfallaitdenouveaurépartirlesterrainsaprèschaqueinondation.Cette nécessité est à l’origine de l’invention de lagéométrie.

Le Nil est aussi l’autoroute de l’époque : lehiéroglyphe du bateau signifie voyager. Même lesdivinités, comme le Soleil ou Isis, se déplacent decettefaçon!

DeConcordeàPyramidessanschangerdestation

Depuis toujours, l’Égypte antique exerce unefascinationsur lesautrescivilisationsqui lapillentetla copient. Par exemple, sousNapoléon Ier, la figured’Isis est placée sur la nef des armes de Paris, àl’origine d’une étymologie fantaisiste faisant venir lenomdelacapitaledeParisis,«semblableàIsis».Onabienledroitderêver,maisilestvraiqu’ilyeutun temple d’Isis à l’emplacement de l’actuelle rueSaint-Jacques.

Son style architectural caractéristique, son écrituremystérieuseetl’étrangetémacabredesmomies,toutconcordeàfairedel’Égypteunmodèle.Sescréationsarchitecturales exceptionnelles ont toujours étécopiées,commelespyramides,oupillées,commelesobélisques. Paris est une ville où l’égyptomaniaquepeut se laisseralleràunechasseauxsouvenirs, carl’Égypteestprésentepartoutpourquisait regarder :du cimetière du Père-Lachaise au passage du Caire,avec sa curieuse entrée surmontée de fauxhiéroglyphesetdereproductionsdeladéesseHathor.

Hathorouàraison,desdivinitésplutôtvachesL’Égypte, c’est aussi ces très caractéristiquescréaturesimaginairescommeleSphinxoucesdieuxàtête d’animaux. Les Égyptiens convertis auchristianisme, les Coptes, les ont mêmechristianisées:HorusdevientunsaintGeorgesàtêtede faucon. Elles ont aussi influencé desreprésentations étrangères, tel saint Christophereprésenté avec une tête de chien dans une icônegrecquedumuséed’Athènes,ensouvenird’Anubis.

Lecultedesdieuxanimauxapourlointaineorigineletotémisme, une croyance primitive selon laquellel’animal est protecteur. Par exemple, la populationégyptienne d’Éléphantine, qui adore un bélier,manifeste son mécontentement envers les soldatsétrangers quand ceux-ci sacrifient des agneaux àYahvé.

Chaquedivinitéégyptiennedevaitavoiràl’origineunculte bien localisé, puis peu à peu certaines ontfusionné comme Amon-Ré, devenu le roi des dieux,

constitué du dieu Amon adoré à Louxor et du dieusolaire Ré ou Râ. Mais la concurrence est rude : lepharaonAkhenatonparexemplearemplacéuntempsleculted’Amonparceluid’Aton.

Le panthéon égyptien est foisonnant.Impossible de citer ici tous les dieux quil’habitent. Voici donc quelques-unes desdivinitéségyptienneslesplusemblématiques: présideàlamomificationetconduitl’âmedesmorts.Onparledanscecasdedieupsychopompe (entendez un « conducteurd’âme»etnonun«psychologuenesoignantqueleschaussures»). est la déesse chatte, du genre pascommode, mais qui peut être aussi unedivinitébienveillante. estunedéesseàtêtedevache,maisnul n’est responsable de la tête qu’il a,seulementdelatêtequ’ilfait.Elleprésideàladanseetàlafête. , la grande divinité égyptienne sœur etépouse d’Osiris, protectrice des morts, est ladéessedelaMagie.Elleeutdestemplesdanstoutlemondeantique,jusqu’enGaule. ,lapremièremomieàavoirétécréée,estdécoupéenmorceauxparun frère jaloux.Vu la pénurie de maris acceptables dans lepanthéonégyptien –avec leurs têtes, ils sont

difficiles à présenter à une belle-famille – Isisse lanceà la recherchedesmorceauxdesonfeumarietlereconstitue. ,filsdesdeuxprécédents,estunvraidieuàtêtedefaucon. est la personnification de la Justice.Elle est souvent représentée sous la formed’une plume. Lors du jugement du mort, lecœur du défunt est mis sur un des plateauxd’unebalanceetsurl’autreestposéelaplumedeMâat.Silecœur,viergedetoutpéché,faitlemêmepoids,lemortadroitàl’immortalité,sinonc’estéchecetMâat.

Leshiéroglyphes:uneécritureindéchiffrable?

Attention, lesnomségyptiensretranscritsenfrançaislesontd’aprèslesversionsgrecques.Parexemple,lemotÉgyptelui-mêmevientdugrecAiguptos.Cenomdérive de hét-ku-ptah, « la demeure de Ptah », quidésignelacapitaleMemphis.

Tombédansl’oubliQuelque3800ansd’histoires’écoulententreNagadaIer et Cléopâtre, qui voit l’annexion de son royaumepar Rome en - 30. Après des siècles d’occupationromaineetarabe,lesensdel’écriturehiéroglyphiquetombédansl’oubliseparedesprestigesdelamagieet de l’occultisme. De nombreux chercheurs secassent lesdentsàtenterdestraductions, jusqu’à ladécouverteenaoût1799delapierredeRosette lorsdel’expéditiondeBonaparteenÉgypte.

CettestèledegranitenoirinstituelecultedupharaonPtoléméeVÉpiphaneen-196,dansuntexteàlafoisenhiéroglyphes,endémotique (l’écritureégyptiennecourante)etengrec.Enfinunecomparaisondevientpossible avec cette découverte, car les savantsconnaissent le grec. Ils tentent de traduire ledémotique,avantdes’attaquerauxhiéroglyphes.

DelaRosettepourChampollion?Comme il y a 54 lignes de grec et 32 lignes dedémotique, ce n’est pas du mot à mot. Lacomparaison des deux textes n’est pas évidente :c’estàpeuprèsaussifacilequedetraduireunmoded’emploid’aspirateurdujaponaisverslefrançaissansdictionnaire!Champollionytravaillede1810à1822etalegéniedetraduireunélémentpourensuitetirerle fil et trouver le sens des autres. Grâce à saconnaissanceducopte,ilparvientà«souleverlevoiled’Isis », expression favorite des découvreurs. LesCoptes(leschrétiensd’Égypte)gardenteneffetdansleurlanguereligieuseuneformetardivedel’égyptiencourant.

ChangerdecartoucheLesystèmehiéroglyphiquealaparticularitédemettrele nom des souverains dans un encadrement appelécartouche.Champollionendéduit lesensdecertainshiéroglyphesetprouvequ’ilspeuventavoirplusieursvaleurs.

La première fois que l’on voit ces hiéroglyphes, onpenseauxidéogrammesoùundessincorrespondàunmot entier, comme en chinois. Mais, comme sur lapierredeRosette,1419hiéroglyphes traduisent486mots grecs, Champollion a l’intuition géniale que leshiéroglyphes peuvent avoir aussi une valeurphonétique : undessinpeutdésignerun son.Seules

les consonnes sont notées comme dans l’arabeactuel. Évidemment, un travail énorme est alorsencore à faire, d’autant plus que les copiesd’inscriptions dont dispose Champollion ne sont pasfiables.Maislavoieestouvertepourdesgénérationsdechercheurs,enparticulierfrançais.

LaperpétuitésansconcessionPyramides, mastabas, hypogées, momies donnentl’impressiondesepromenerdansuncimetière!MaislesanciensÉgyptiensontlaisséautantdemonumentsfunéraires parce qu’ils aimaient la vie et qu’ilsvoulaientlaprolonger.Mêmesicelaparaîtparadoxal,l’omniprésencedelamortetdesesritesestchezeuxun hymne à la vie. Tous ces monuments ont pourfonction de protéger la momie ou une statue dudéfunt, car les Égyptiens étaient matérialistes etconsidéraient qu’il fallait avoir un support tangiblepourobtenirunevieéternelle.

Lapireamied’ÉgypteLa pyramide est la marque la plus identifiable del’Égypte.Lemotgrecquenousutilisonsprovientpeut-êtred’ungâteauquiportaitcenom.

Au château d’Oiron dans les Deux-Sèvres, on trouveune curieuse peinture où des monuments ondulentcommedes flammes.LesFrançaisde laRenaissanceimaginaient ainsi les pyramides. Ne connaissant pasl’Égypte,ilsétaienttrompésparleursnotionsdegrec,«pyr»désignantlefeu,commedanspyromane!

Touslestalents

L’ancêtredelapyramideestlemastaba(«banc»enarabe), tombeau en pierre ou en brique contenanttroischambres.

L’architecte Imhotep vit sous le règne du roi Djéser(vers - 2680-2650). Les Égyptiens ont divinisé cethommedouédetouslestalents,connaissanttoutsurtout:chaquefamilleenauncommeça(engénéral,c’est lebeau-père…). Imhoteppassedans l’Antiquitépour être l’inventeur de l’architecture de pierre, enayant l’idée de surélever le mastaba par l’ajout degradins. Plus le monument est haut, plus lepropriétaire est censé être puissant. La vie éternellepeut alors commencer, à condition que l’âme ait unsupportmatérielauquelseraccrocher,enl’occurrencelecadavreconservéparlesritesappropriés.

Le 26 novembre 1922, l’archéologue anglaisHowardCarteretsonmécèneLordCarnarvonpénètrent dans la tombe intacte d’un petitpharaonpeuconnu:Toutankhamon,quirégnavers -1353. Peu avant, un cobra, l’animalsymboledespharaons,aavalé leserinporte-bonheur de l’équipe. Mauvais présage ! Lalégendecommenceàcourir:«Lepharaonsevengera.»Lapressefaitallusionà laformulerituelle de malédiction présente sur les

tombeauxquin’apourtantjamaisfaitpeurauxpilleurs!La«malédictiondeToutankhamon»est donc à rejeter dans le chaudron auxfantasmes.D’ailleurs,EvelynCarnarvon,lafilledumilliardaire,et l’archéologueCallender,quiont également participé à l’ouverture de lasépulture, terminent paisiblement leurs jours,bien des années plus tard. Howard Cartermeurt quant à lui en 1939. Alors, la fameuseinscriptionquimenacedemortceuxquiosentdéranger la paix éternelle du pharaon ? Pureinvention!En1980,RichardAdamson, responsablede lasécurité du chantier de fouilles de Carter etdernier survivant de l’expédition de 1922,avouequelarumeurdelamalédictionestuneidéedutandemCarter-Carnarvon:ils’agissaitd’effrayer les candidats pilleurs. Adamson aainsidormidansletombeaupendantplusieursannéessansqu’aucunobjetnedisparaisse.

Lesmomies:quellecuisine!La momie est l’« exception culturelle » la plusmarquante de l’Égypte. Un cadavre embaumé peutparaître le comble du macabre, mais les momiessententbon.Lecorpsdontonaextraitlesviscèresestplongédansunbaindenatron(carbonatedesodiumquiabsorbe l’humiditédes tissus), remplid’aromatespuisointdeparfums.

Il n’en reste que très peu parce que, pendantlongtemps, les Occidentaux ont considéré la momiebroyée comme un puissant remède aux multiplesvertus.FrançoisIerpasseplutôtpouravoirpréféré lachair fraîche et bien vivante, mais il en portait

toujours sur lui un sachet comme médicament. Lespeintres, eux, s’en servaient comme liant pour leurstableaux. Lors de la Révolution française, quandl’approvisionnement en provenance d’Orient estinterrompu,certainsartistesn’hésitentpasàseservirdescœursmomifiésdelafamilleroyale.Unetraditionveut que ceux de Louis XIII et Louis XIV aient étéutilisés pour l’Intérieur d’une cuisine de MartinDrollingauLouvre.

Unesécuritéàl’œilLa protection de la momie était assurée par unetombe réputée inviolable. Le talisman souventreprésenté est l’œil, l’oudjat présent sur la portescellée des tombeaux. Selon la légende, Horus perdunœilencombattantSeth,l’assassind’Osiris.Ledieuà tête d’ibis Thot, inventeur de l’écriture, assimilé àl’HermèsdesGrecs,leretrouveetréaliseunegrandepremière médicale en réussissant la greffe. Si onconsidèrequ’àpeuprèstouteslestombesontreçulavisitedepilleurs,onpeutsedireque,pourl’efficacitédelaprotection,c’étaitsemettreledoigtdansl’œil!

ColonnesàlauneLe plan du premier temple bâti en pierre est censéavoir été donné aux hommes par les dieux. Il estl’imagedes cieuxprojetée sur terre.UnégyptologuecommeJeanYoyotteaparléàceproposde«centralenucléaire » où toutes les énergies divines sontconcentrées.

Les colonnes égyptiennes s’inspirent des formesvégétales : lotus, papyrus, parfois palmiers. Lechapiteaupeutêtredécoré,danslecasdelacolonnehathorique,parlevisagedeladéesseauxoreillesde

vache.Letemplesecomposedupronaos,lesaintdessaints, où loge la divinité et où nul ne peut entrer.Autour du temple lui-même, un certain nombre dechapelles permettent le culte d’autres divinitésannexes,cartoutdemanderaumêmedieurisqueeneffetdelesurcharger.Unecourentouréedeportiquesprécèdelebâtiment,dontlafaçadeestconstituéepardeux tours rectangulaires, appelées les pylônes.Unealléeencadréedesphinxymène.

On comprend bien le soin apporté à lademeureéternellequ’étaitlapyramide,àcôtédelaquelle lepalais leplussomptueuxn’étaitaprèstoutqu’unhôteldepassage.L’architectePei y a-t-il pensé en faisant sa pyramide duLouvre(voir )?Les plus célèbres pyramides sont celles deGizeh,ouGiza,bâtiesparlessouverainsdelaIVe dynastie Chéops, Khephren et Mykérinos.La pyramide de Chéops est certainement undesmonumentslesplusétonnantsdel’histoiredel’humanité.Sahauteurinitialeétaitde146mètres.Ellen’apasfonducommeuniceberg,c’est après avoir servi de carrière de pierrequ’elleestarrivéeà137mètres.Lescôtésdesa base qui ne sont pas tous égaux fontenviron 230 mètres. Au sommet de lapyramide de Khephren subsistent des tracesdurevêtementdepierrecalcairequirecouvrait

les troispyramides,pour lesprotégeretpourfaire joli.Laplusgrande,celledeChéops, faittoujours rêver.Régulièrement,des chercheursveulent retrouver une hypothétique chambrefunéraire.Déjàen820,lecalifeAl-Mamoun,unhommededécision,avaitcherchéunpassagesecretàcoupsd’explosifs.Non loin se dresse le célèbre sphinx au nezcassé. Taillé dans le rocher, cet animalfabuleuxestconstituéducorpsd’unlionetdela tête du pharaon coiffé dunémès, l’attributroyal. Rien à voir avec le Sphinx grecd’Œdipe !Sonvisageest sansdoute celuiduroiKhephren.Après les pyramides, les tombeaux royauxsont creusés dans le roc : en hypogées, àmultiplessallescommedanslaValléedesRoisàLouxor.

L’ensembledesbâtimentsestentourédemuraillesdebriquessèches.Un lacpour lesablutionsest l’imagede l’Océanprimordial.Lemêmemodèlearchitecturalse prolonge jusqu’à l’époque romaine, dont datentcertains des temples les plus connus commeDendérah,célèbrepoursonzodiaqueouPhilae.Ilestétonnant de voir quelles masses énormes lesÉgyptiens ont réussi à déplacer avec des moyenssommaires. Nous sommes renseignés grâce auxreprésentations de traîneaux figurant dans destombeaux, comme celui de la princesse Idut àSaqqarah. Dans celui de Djouit Hetep, à Dar elBerchah,letraîneauportantunelourdestatueesttirépar172hommessurquatrefilesparallèles.

Obélisquesàmarquerd’unastérisqueL’autre élément architectural typiquement égyptienest l’obélisque. À l’origine, l’obélisque a laparticularité,commelesciseaux,lesclaquesetLaureletHardy,d’allertoujourspardeux.

Pilierdressédevantletemple,cetteaiguilledepierresymboliselesrayonsdusoleil.Allantens’amincissant,son fût est surmonté d’une petite pyramide ditepyramidion, parfois recouvertdemétalbrillant. Taillédansunseulblocdepierre,l’obélisqueestcouvertdehiéroglyphes indiquant le nom et les titres dupharaon, le dieu auquel il est consacré et parfois lemotifquiapousséàsonérection.Des obélisques sont prélevés à diverses époques enÉgyptepardesconquérants.Romeenrécupèreainsiune vingtaine. Il en subsiste toujours, comme celuienlevéparl’empereurCaligulaetactuellementsurlaplaceSaint-Pierre.

L’obélisque de la place de la Concorde n’estpas une prise de guerre mais un cadeau duvice-roi d’Egypte Méhémet Ali à la France en1831.En échange, la France a offert une pendulevisibleauCaire(enpanned’ailleurs).Vieuxde3 300 ans, l’obélisque est en granit rose et

provientdutempled’AmonàLouxor.L’Égyptea aussi offert son piédestal où figurent dessingesàtêtedechien.Cesanimauxs’animentau lever du soleil et leurs grognements sontconsidérés par les Égyptiens de l’AntiquitécommeunsalutaudieusoleilRâ,unrôlejouéparlecoqdelabasse-courcheznous.Maislepiédestal ne fut pas installé sous l’obélisquedevenu parisien car les singes exhibent desattributs…plutôtvirilsetéloquents.

Dusur-mesurepourtouteslestailles

La sculpture égyptienne qui nous est parvenue estvariéeetabondante. Leclimatde l’Égypte, chaudetsec,abienpréservénombredepetitsobjetscourants.Onpossèdeainsidescuillèresà fardquiproviennentsurtout de la région de Memphis, datées du NouvelEmpire. La cuiller à la nageuse, une jeune fille nueparée d’un collier saisissant un canard, est un vraichef-d’œuvre.L’artisanpeutêtreunartiste!

Mais l’importance de cet art tient surtout à desraisonsreligieuses.Chaquetempleavaitbiensûrseseffigies divines, combinant des éléments animaux ethumains,commelessphinxàtêted’hommeetcorpsd’animal. Cependant, la sculpture égyptienne neconcerne pas que la statuaire : tombes et templesabondent aussi en bas-reliefs, stèles decommémoration politique, stèles funéraires etmagiques. Le tombeau doit aussi protéger le corps.Outrelemonument,àlafaçondespoupéesrusses,il

pouvait y avoir beaucoup de sarcophages pourprotéger lamomie!DucolosseduLouvreauxpetitschaouabtis,lastatuaireégyptiennefaitdusur-mesurepourtouteslestailles.

Jamaisàlaretraite:leschaouabtisDansunepenséemagique,àl’aidedequelquesritesadéquats, la représentation d’une chose est aussiréelleque lachose représentée.Lastatue,oumêmeledessin,d’unserviteurestleserviteurlui-mêmequipourraservirsonmaîtredansl’au-delà.

VotreéternelserviteurIl y a de vivantes représentations en terre cuite deserviteurs occupés à des activités de boulanger, defermier ou de brasseur car, parmi les grandesinventions égyptiennes pour consoler l’humanitésouffrante, ilya labière !Êtreauxordresdudéfuntdansl’au-delàestaussilerôleattribuéauxouchebtisou chaouabtis, ces petites figurines en forme demomies qui accompagnent le défunt. Cette fonctionde serviteur dans l’au-delà n’est pas bien difficile àdeviner:lechapitre6duLivredesmortségyptienquienparleestpresquetoujoursinscritdansletombeau.

Dans la conception magico-religieuse desÉgyptiens, l’homme est constitué de septéléments différents : le corps, le ba, le ka,l’akh, le cœur, le nom et l’ombre. Ici-bascomme dans l’au-delà, il faut que tous ces

éléments cohabitent, comme les pelures del’oignon, comparaison utilisée par les ancienseux-mêmes. Le ka, le « double », la forcevitale,pouvaittrouverunabridansunestatueà son effigie. Le ba correspond plus à l’âmedesreligionsoccidentales;c’estellequ’onvoitsurlesparoisdestombeaux,représentéesousla formed’unoiseauà têtehumainequi voledu tombeau au monde extérieur. Cettecroyanceexpliqueaussil’aspectconventionnelde la statuaire, car le défunt est là dans sademeure, où il règne en maître dans uneposition digne, assis ou debout. Tout au plusesquisse-t-ilunpasenavant:lajambegaucheavancée est une attitude conventionnelle quiestimmuable.

AvectoutleconfortrequisLa momie est enterrée avec tout ce qui pouvaitassurersonbien-être.QuandonvoitcequiestenterréavecunpharaonmineurcommeToutankhamon,onnepeutquerêveràcequiaccompagnaitundesroislesplus puissants comme Ramsès II ! Le troisièmesarcophage de Toutankhamon en or massif et enpierresprécieusespèse110kg!LamomieroyaledeToutankhamon porte un des plus extraordinaireschefs-d’œuvrede l’artantique, lemasqued’orde11kilos (voir ) à l’effigie du défunt orné dunémès, la coiffe en étoffe rayée. Le bleu et l’orrappellent lesoleilàson lever.Sur le frontsedresseunserpent,l’uraeus,symboledelaroyauté,et,autresymbole de puissance, sous le menton, une barbefactice que même les reines, comme Hatshepsout,portent!

Lemeilleuràl’écrit:lescribeaccroupiLa fonction du scribe, chargé de la tenue desécritures,étaitprestigieuseetaccessibleauxfemmes,car, dans certaines tombes, elles sont représentéesavec leur matériel d’écriture. L’instrument d’écritureestunroseauqueleshistoriensnommentcalame.

Le Louvre abrite une des meilleures réussites de lastatuaire égyptienne avec le Scribe accroupi. Lavraisemblance de cette statue est si extraordinairequelekadudéfuntpouvaits’ytromper!Accroupi,lescribetientunrouleaudepapyrussursesgenoux,surlequel il écrit avec le calame. Le visage n’est passtéréotypé,lesyeuxencristalderocheluidonnentunréalismefrappant,toutcommelesplisduventre(quiprouvent qu’à l’époque l’écriture nourrissait sonhomme). La couleur rouge est, par convention, cellede la peau des hommes. Un bel exemple depolychromieréussie.

Étudesdeprofil

L’artiste égyptien représente ce qu’il connaît et nonpas ce qu’il voit. En peinture, le parti pris est demontrerlecorpsdefaceetlevisageetlesjambesdeprofil.L’artisteveutdessinerparexempleunbœuf:lasilhouette est parfaitement saisie de profil par undessinautrait, laretranscriptionde l’animalestbienrendue par la représentation en longueur etl’épaisseurdel’animalesttransmiseparledessindespattesducôtéopposé.Maisçasecompliquequandils’agit dessiner une silhouette humaine ! Le profil duvisagehumainetlajambesontcaractéristiques,donc

ils peuvent être rendus de profil. Mais pour donnerl’impression de la profondeur du buste et ne pas leconfondre avec le bras, la seule convention possibleestdedessinerlebustedeface.

VussouscetangleLes cubistes tiendront le même genre deraisonnement en disant qu’il faut voir le sujet soustous les angles. D’ailleurs, dans quelques cas, nousvoyons que l’artiste égyptien pouvait aussi faire unportrait de face parmi des figures de profil commecertaine peinture représentant un groupe demusiciennes.

De toute façon, un artiste peut parfaitements’exprimeretréaliserunchef-d’œuvreenutilisantlesconventionsmisesaupointparsonépoque.Pours’enconvaincre, regardons certaines scènes dans letombeau d’Akhethétep (vers - 2400). L’homme quigave une oie est dessiné selon la conventionégyptienneduprofilpour levisageet les jambes,deface pour le torse. Cela n’empêche pas le dessind’être parfait et le mouvement rendu. La scènedomestique est vivante, à tel point qu’on se croiraitpresquedans leGersaujourd’huipour lapréparationdufoiegras!

Descouleurs,mêmedanslenoirdutombeauLapolychromie, l’utilisationdeplusieurscouleurs,estde mise : durant toute l’Antiquité, peintres etsculpteurssontassociéscar lesstatuessontpeintes.Les fouilleurs ont retrouvédes palettes debois avecunerainurepourposer lecalameetdescavitéspourdes pastilles d’encre sèche, noire et rouge le plussouvent.Unmortieretunpilonserventàécraser les

couleurs.LesÉgyptiensutilisentdesmélangesàbasedegélatined’os,deblancd’œuf,d’unliantcommelarésine et de différents pigments. Les couleurs de lapeau relèvent de conventions : brun-rouge pour leshommes, ocre pour les femmes. Les Nubiens sontnoirsetlesAsiatiquesjaunâtres.

BrouillonsdecultureLes brouillons d’artistes qui nous sont parvenus nemanquent pas d’intérêt. Ils sont sur calcaire, surplanchettes,audosdevieuxmanuscritsainsirecycléscar le papyrus coûte cher. Les artistes utilisent desroseaux au bout effiloché en forme de pinceau, quechacun peut reproduire en mâchouillant un bout deboisouuneallumette.Letraitpourtantestsoupleetle sens de l’observation se manifeste en quelquestraits, telle une danseuse faisant la pirouette. Cetamour de la vie s’accommode parfaitement avec uncertain sens de la caricature, comme on le constatesur le papyrus de Turin qui montre les talentsamoureux d’un prêtre et d’une chanteuse servanted’Amon d’un côté, et de l’autre des dessins où desanimaux à apparence humaine jouent et chantent,commedansundessinanimédeTexAvery.

ParordredetailleNous pouvons regretter de n’avoir pas plus de cesgraffites. En revanche, nous possédons denombreusesvignettesdansceslivresremisaudéfuntcomme guide de voyage vers l’au-delà, le Livre desmorts.Là,l’imaginationn’estpasaupouvoir,puisquelesmêmesmanuscritstypessontconservésdanstouslestemples.

Onremarquedanslespeinturesuneautreconventionconcernant la tailledespersonnages,proportionnelle

àl’ordrehiérarchique:d’abordlesdieux,puislesroisetenfin leursserviteurs.Lespropriétairesdéfuntsdutombeausont toujoursplusgrandsque lesmembresencorevivantsdelafamille.

SansperspectiveDans l’Égypte antique, la perspective n’existe pas.Pour donner l’impression de la profondeur, l’artisteégyptien utilise d’autres conventions que les nôtres.Prenons, par exemple, une rangée de chevaux :l’artiste ne figure que les profils, donnant ainsi unecurieuseimpressiond’imagemalrégléeavectouslessabotssurlamêmeligne.Ils’agitenfaitd’uneactionsimultanée de galops de chevaux et non d’uneavancéeenfileindiennecommeilpourraityparaître.En fait, le spectateurqui les regardede facedevraitleurcoulerunregardenbiais.Si une scène à représenter offre plusieurs actionssuccessives, l’ensemble est alors décomposé enplusieurs tableaux disposés les uns au-dessus desautres, même si tous les personnages ont la mêmetaille.Prenonsl’exempled’unpaysagevudumilieuduNil:

enbaslascènelaplusproche,desbateaux;aumilieu,desporteursd’eauetdespaysansautravail,scènecenséesepasserplusloin; au-dessus, des animaux du désert dans lelointain.

L’éloignement n’est pas donné par la perspectivemaisparlaplaceoccupéedansletableaureprésenté.

Si les conventions sont différentes, les astuces sont

les mêmes que de nos jours ! On enduit les paroisavantde lespeindreet lemodèledudessinexécutéen petit estmis au carreau (nous le savons grâce àl’observation de certaines parties inachevées). Lamiseaucarreauconsisteàquadriller ledessin initialetàlereportersurlemurgrâceàunquadrillageplusgrand. La copie du dessin s’en trouve infinimentsimplifiée.

Danscechapitre: Fondation de l’architecture occidentale en troisordresLeplusbeautempledumondeoccidentalDesdieuxvivantavecleshommes

LesEuropéenssontsouventsurprisdeconstaterqueles Japonais sont à la fois de confessionsbouddhisteet shintoïste et qu’ils utilisent deux systèmesdifférentspourleurschiffres,lechinoisetlejaponais.Les Orientaux sont eux surpris de la coexistence enEuropedeschiffresarabesetdeschiffresromains.EnvisitantVersailles,ilstrouventétrangelacroyanceenundieuuniqueetl’utilisationdelamythologiegréco-romaine.

LesHellènes, c’est-à-dire lesGrecsantiques, fondentnotre civilisation européenne, avec les chants del’Iliadeetdel’Odysséepouremblème.LabelleHélènede Troie est à l’origine d’une guerre qui fascineencore,aupointd’êtresanscesseportéeàl’écran.

Mycènesmiseenscène

L’artgrecproprementditapparaîtvers leVIIIesiècleavant J.-C. Auparavant, il s’agit des vestiges de lacivilisation mycénienne. L’art mycénien est un artmonumental. Très tôt, les Grecs ont oublié lesbâtisseursdecesmursetlesontattribuésauxTitans.Dans leurs esprits, seuls ces géants mythiquespouvaient avoir manipulé de tels blocs de pierre,constituantunemurailledeprèsde1kilomètreautourde l’acropoledeMycènes, avec sa célèbreportedesLions.

L’épopée,dit-on,est l’Histoireécoutéeauxportesdela légende. La guerre de Troie a-t-elle vraiment eulieu ? L’archéologue allemand Schliemann (1822-1890)veutlesavoiretfaitentreprendredesfouillesàMycènes.

L’erreurféconde

Filsd’unpasteurtrèspauvre,Schliemanntravailletrèsjeune dans divers commerces en Russie. Il s’installeensuiteenCalifornie,spéculeetprêtedel’argentauxchercheurs d’or. De retour en Russie, c’est la guerredeCriméequiluipermets’enmettrepleinlespoches.Eten1866,s’étantinscritàlaSorbonnepourétudierl’histoire de l’Antiquité et les langues orientales,Schliemann apprend le grec en six mois, tout encontinuant à gérer ses affaires. Un homme plein deressources ! Il cherche en réalité à réaliser un rêved’enfant, venu quand son père lui récitait Homère,l’aède, lepoètede l’Iliadeet l’Odyssée. Ilentreprend

alorsenGrèceetenTurquiedes fouillesdestinéesàprouverlavaleurhistoriquedesœuvreshomériques.

SchliemannembaucheWilhelmDörpfeld,archéologueémérite et directeur de la mission archéologiqueallemande en Grèce. Et il découvre Troie. Sapersonnalité est décriée, car ses découvertessensationnelles suscitent des jalousies et quelquesennuis avec les autorités turques. Peu importe : sonenthousiasme et son parti pris de tout ramener àHomère lui permettent des découvertes. Mais, c’estvraiaussi,leconduisentàsetromperdedatation…LaGrècemycéniennen’esteneffetpasvraimentencorecelle d’Homère. Ses méthodes de travail,s’apparentant davantage à celles du chercheur detrésors qu’à celles de l’archéologue, sont loin desexigences scientifiques de l’heure actuelle. MaisSchliemannal’énormemérited’avoirinventélaGrècemycénienneetd’êtreunpionnier.

Letempleyest,montrésorSchliemannestl’hommedel’erreurféconde,ilincarnel’art d’avoir raison en ayant tort. En 1874, ilcommenceàfouillerMycènesetmetàjourunpalais,unensemblearchitecturalcomposéd’unvestibuleetd’unegrandesallerectangulaireavecunfoyercentralcirculaire, au toit soutenu par quatre colonnes. Lestombes mycéniennes sont en forme de ruche. Ellessontbâtiesenrangéesdepierresserapprochantpeuà peu pour constituer une voûte, comparables auxbories ou capitelles en pierres sèches du sud de laFrance. Ces tombes, dites à tholos, sont recouvertesd’untumulusménageantdescouloirs.Laplusconnueest celle dite du Trésor d’Atrée près de la porte desLions.

Dans le cercledes tombesde l’acropoledeMycènesen 1876, Schliemann découvre huit masquesmortuaires en or à la merveilleuse beauté barbare.« J’ai vu le visage d’Agamemnon ! », s’écrie-t-il. Enréalité, le masque d’or découvert est celui d’unsouverain qui a régné vers - 1600, quatre cents ansavant la date généralement admise pour la prise deTroie,vers-1184.Cecidit,iln’estpasimpossiblequela figuredu roi légendaire chantéparHomèreait puretenirquelquestraitsdesplusanciensroisachéens.

Date Période Evénement

-1700à-1200

Périodemycénienne

-1200à-800

«MoyenÂge»grec

-800à-500

Périodearchaïque

FondationdecitésgrecquesautourdelaMéditerranée

-500à-400

Périodeclassique

Athènes,SparteetThèbesexercentleurinfluencesurlemondegrecconstituédecentainesde«polis»,citésindépendantes,uniesun

momentcontrelesPerses.

-400à100

Grècehellénistique

CivilisationbrillanteoùAthènesresteungrandcentredelavieintellectuelle.Périodedeséchangesentrel’OrientetlaGrèce.

Entrezdanslesordres:l’architecturegrecque

Àpartirde-800semettentenplacelesordresgrecs:dorique, ionique et corinthien, une véritable religionarchitecturale.Voicicommentilssedéclinent:

ledorique,ordred’architectureparexcellence,àl’originedesautres, se caractérise par la solidité de ses formes et descolonnescanneléessansbase; l’ionique se distingue par deux enroulements décoratifs dechaquecôtéduchapiteau; le corinthien se reconnaît à sa feuille d’acanthe, du nomd’uneplanteàfeuillestrèsdécoupées.

Une légende attribue l’invention de la feuille

d’acantheenarchitectureàCallimaquevers -400. Une mère a déposé une corbeille avecquelques offrandes devant le tombeau de safille et, pour les protéger, pose une tuiledessus. Une acanthe germe alors sous lacorbeille. Ses tiges et ses feuilles poussenttout autour et Callimaque apprécie l’effetobtenu.De l’artbrutavant l’heure!La feuilled’acantheest restée jusqu’ànos jours le typemême de l’ornementation. Il est d’ailleurstoujoursdrôledeconstaterquetoutlemondela reconnaît en pierre mais jamais dans lanature.

Appelez-la«polis»!

Lanotiond’ordrearchitectural recouvreunensembledeproportionsfondésurlediamètredelacolonne,àpartir duquel se calcule tout le reste de l’édifice.L’échellepourunGrecvaried’unordreàl’autre.Pourunemême hauteur, les colonnes doriques sont plusrapprochées et plus grosses que les colonnesioniques.Etilenestdemêmepourcesdernièresparrapportauxcorinthiennes.

Chaque polis (« cité » en grec) possède un, voireplusieurs temples. Ils sont donc innombrables etproposent plusieurs dispositions possibles : isoléscomme le temple de Poséidon au cap Sounion ougroupés au sein de vastes enceintes commel’Acropole d’Athènes, celle d’Olympie ou encore deDelphes,leshautslieuxdelaculturegrecque.

Bienvenuechezlesdieux

Entourée d’une enceinte (ou peribolos en grec) quidélimite leterritoiresacréet leboissacré(temenos),voilà la demeure du dieu (naos) dont la façade estgénéralement tournée vers l’est. Le plus souvent, letempleestunesalleenformederectangle,précédéepar le vestibule et les colonnades. Des marchesdevantlesoubassementmènentàl’édifice.Au-dessusse trouve le portique qui, dans les plus grandsédifices, entoure tout lemonument. De pierre ou demarbre,ouencoredepierreàrevêtementdemarbre,lescolonnessoutiennentl’entablement,lapartiejustesousletoit,demarbreoudebois.

DéformationsprofessionnellesToutelapartiehautedestemplesestalorsdécorée,ilfautimaginerdeschéneauxpeintsetsculptés.Surlesfrontons ornés sont installées des sculptures. LesGrecs se posent la question des déformations de laperspective et dès le VIe siècle, ils effectuent descorrectionspourl’optique:

le stylobate, dernier palier du soubassement, adopte unesurfacebombée;leslignesverticaless’inclinentlégèrementversl’intérieur;lesligneshorizontaless’infléchissentdoucement.

Lenaos,saintdessaintsÀ l’intérieur, le temple se divise en trois parties :l’opisthodome, qui renferme le trésor, lepronaos, ouvestibule,etlenaosàproprementparler,lesaintdessaints (appelé aussi cella en latin), où se trouve lastatuedeladivinitéàlaquelleletempleestconsacré.Dans les grands temples, la cella, éclairée parl’hypètre, une ouverture quadrangulaire au plafond,estfréquemmentdiviséeentroispardescolonnades.Desnefslatéralessupportentunétaged’où,commeàOlympie pour la statue de Zeus par Phidias, les

visiteurspeuventadmirer lechef-d’œuvredutemple.L’ensemble est relevé de couleurs vives, aujourd’huidisparues,grâceàdes fresques,des frises sculptéeset peintes, des ex-voto déposés par les fidèles. Letemplegrec ressembleàun templehindouiste,aussicoloréqu’unetoiledecirque!

AcropolepositionLe temple grec le plus célèbre est le Parthénon, le« temple de la Vierge ». Celui dont nous voyons lesruinesdatedePériclès,construitde-454à-438surl’Acropole d’Athènes. Ses architectes Ictinos etCallicratès restentmoins connus que Phidias, chargédessculpturesetdesuperviser lestravaux.Aucoursdessiècles, letempleconnutnombredevicissitudes,mais reste en assez bon état, même après quel’empereur byzantin Justinien eut rassemblé dans sanouvelle capitale, Constantinople, les chefs-d’œuvrede l’Antiquitérécupérésdanstoute laGrèce.En304,Démétrios Poliorcète, le « preneur de villes », s’yinstalleavecdescourtisanes.LesTurcsaussiyfontlabombemaisd’uneautremanière:ilsletransformeuntempsenpoudrière.

D’oretd’ivoireLeParthénonestuntempledoriquepériptère,c’est-à-dire entouréde tous ses côtés par une colonnade. IlestbâtienmarbreduPentélique,lemeilleur.Ilreposesur un soubassement à trois niveaux. La couverturedutoitestenmarbredeParos,debonnequalité.Deformerectangulaire,ilmesure69mètresdelong,30,5de largeet18dehaut.Le templecomporte les troispartieshabituelles.Lacellaestdécoréesurtroiscôtésd’un portique de colonnes doriques qui soutiennentl’étage. Au fond à l’ouest, haute de 12 mètres, la

grandestatuechryséléphantined’Athéna,c’est-à-direenoretenivoire.

MétopeniveauLes autres sculptures du temple ornentmétopes etfrontonsetsedéroulentaussisurunefriseintérieure.Lesmétopessontlessurfacesentrelescolonnesdelafrise enhaut du temple. Les frontons représentent àl’est lanaissancede ladéesseetà l’ouest ladisputed’Athéna et de Poséidon pour la possession del’Attique, la région d’Athènes. Les Athéniens doiventchoisir leur divinité favorite. Poséidon propose encadeau le cheval, symbole de combat. Athéna offrel’olivier, symbole de prospérité et donc de paix,conservénon loin,dans letemplede l’Érechthéion. Ilpasse pour avoir miraculeusement échappé àl’incendiedes lieuxpar lesPerses.Onmontreàcôtéla source d’eau salée que Poséidon a fait surgir enfrappantlerocherdesontrident.

CentauresetsansreprocheLesmétopesdel’estontpoursujetlaluttedesdieuxcontre les Géants révoltés, celles de l’ouest lescombats des Grecs contre les Amazones ; au sud,l’élémentlemieuxconservéreprésentelecombatdesCentauresetdesLapithes;aunordapparaîtlaguerrede Troie. La frise sculptée montre la procession desPanathénées (voir ), les grandes fêtes enl’honneurde ladéesse.En faceduParthénon, sur lacolline de l’Acropole, le petit temple Érechthéion estunchef-d’œuvred’élégance.Onyvoitcesstatuesquisupportent l’entablement sur leur tête, les fameusescariatides,appeléesàunelonguepostérité.Les temples sont les réalisations les plusspectaculaires de l’architecture grecque mais ilsubsiste aussi des portes monumentales comme lespropylées de l’Acropole, divers portiques comme à

l’agorad’Athènes,desstadesetdesthéâtres.

La frise représentant la procession desPanathénées(voir )partdelafaçadepostérieureetpasseparlescôtéssudetnordpourarriveràl’est,surlafaçadeantérieure.Laprocession peut être reconstituée à partir desculptures surtout conservées à Londres. Àl’ouest, ce sont les préparatifs et le départ :sur leurs chevaux de Thessalie, de jeunescavaliers vont rejoindre leurs amis. Sur lesdeuxfaceslatérales,auxanglesnord-ouestetsud-ouest, la cavalcade forme la queue de laprocession.Devanteux s’avancent les chars conduitspardes femmes. Un guerrier se tient deboutderrière la conductrice, sans doute une Niké(ce n’est pas ce qu’un espritmal intentionnépeutcroire:nikéveutdirevictoireengrec, lenom de la ville de Nice en provient). Devantles quadriges, un chœur d’hommes et desporteurs d’outres. Les victimaires conduisentles animaux au sacrifice. Sur le côté sud, ungroupedeporteursderameauxcorrespondauchœur des jeunes gens et des vieillards ducôté nord. À l’est, défilent des jeunes fillesathéniennesportant fiolesetvasesàvins, lesoenochoés, d’où « œnologue » en françaispour qualifier le spécialiste du vin. Devantelles, viennent les jeunes filles de l’Attique,précédées par les filles des métèques, lesétrangers à Athènes. Quatre magistrats sont

en tête de la procession qui apporte sanouvellerobeàladéesse.Toutçaestdoncunespectaculairelivraisonàdomicile!

Canonsetpoudreauxyeux:lasculpturegrecque

AudébutduXIXesiècle,uncertain lordElgin (1756-1841), ambassadeur en Turquie, a la mauvaisehabitudederapporterdessouvenirsdel’étranger.En1807,ilrevientàLondresavec,danssesbagages,lessculpturesduParthénon.Présentéesdans lacapitale,celles-cisuscitentuneviveémotionchezlesesthètes.Et le British Museum finit même par les acheter en1816.Selonl’usagedutemps,onveutlesrestaurereton propose au très réputé sculpteur néoclassiqueCanovade s’en charger.Heureusement, il refuse, aumotif que toucher à de tels chefs-d’œuvre, mêmeendommagés,relèvedusacrilège.

Dans l’Antiquité grecque, les sculptures décorent lestemplesavecabondance:bas-reliefs,hauts-reliefsoubienstatuesenronde-bosse, c’est-à-diredégagéedela masse du support et ayant un relief complet. Lehaut-relief, lui, donne cette illusion mais ne sedétache pas entièrement du fond. Il constitue undécortypiquementgrec.Cependant,cesontcertainessculptures en ronde-bosse qui sont parmi les pluscélèbres des œuvres d’art mondiales : la Vénus deMilo(voir )etlaVictoiredeSamothrace.

Bien avant l’avènement de l’art grec antiquetel que nous le connaissons, tout à fait auxorigines,lesCycladesoffrentunautretypedesculpture. On a retrouvé là des idoles enmarbre datant des IVe et IIIe millénaires.Certainesdecesœuvressont sansdoutedesreprésentations des dieux. D’autres doiventavoir un rôle funéraire et votif, puisqu’ellesreprésententdesfidèlesenprièreouapportantdes offrandes. Elles sont de toutes tailles, dequelques centimètres à 1,50 mètres, sinonplus, comme le laisse supposer une têteconservée au musée du Louvre. Ces statuessontlongtempsrestéesméconnuesetilafallules recherches et les conceptions artistiquesdu XXe siècle pour que justice soit rendue àleurbeautéabstraite.Comme plus tard dans l’art classique, ellesprésentent déjà le souci des proportions :quoique non figuratives, elles respectent descanons,desrèglesdanslafigurationducorps.Lahauteurtotaledelastatuepeutêtrediviséeenquatrepartieségales:unensembletêteetcou, le torse, une troisième partie constituéedu ventre et des cuisses, et enfin une autre

avec les mollets et les pieds. Autre rapportmathématique, la plus grande largeur auxépaulesfaitunquartdelahauteur.Par leur puissance d’évocation, les sculpturesfémininesrappellentcellesdelapréhistoire. Ilestplutôtséduisantdepenseràuncultedeladéesse mère qui irait ainsi jusqu’à l’Artémisd’Éphèse.Maislafiliationestévidemmentloind’être prouvée entre ces idoles dont laproduction s’arrête vers - 2100 et l’artmycénien. Entre ces deux périodes, on parledesièclesobscursoudeMoyenÂgegrec,dontilnesubsistequedesvases.

Offriraveclesourire:lekourosVers - 800 apparaissent des statuettes debronze oud’argileenronde-bosse.LesGrecsontaussilachancededisposerd’unmatériaucommelemarbre.Ondatede - 630 les premières grandes statues en marbre,ditesde styledédalique, comme laDamed’Auxerre,hauted’environ60centimètres.Puisapparaissentleskouroï (au singulierkouros).Nus, les bras le longducorps,lemouvementindiquéparlajambequiavance,ceskouroïontparfoisunefonctionvotived’offrandeàune divinité quand d’autres sont placés sur destombes.Dansletemps,leursdimensionssontdeplusen plus souvent celles d’un homme de grandeurnature et le sourire particulier des premiers visagesdevient moins figé. Le souci des proportions existedéjààcetteépoque,puisqueonconstatequelatêtedukourosestégaleàlalongueurdupiedetquecettelongueur multipliée par 7,5 donne la hauteur de lastatue.

LastatuediteleCavalierRampindateausside-550.Elledoitcetteappellationaunomdudonateurquil’aofferte au Louvre. Elle faisait partie d’un groupe decavaliers ; le buste et un fragment de cheval,actuellement conservés aumusée de l’Acropole, ontétéretrouvésultérieurement.Labarbeetlacheveluresont traitées de façon très élaborée et la rigidité dukouros a disparu : le visage se penche vers lespectateur situé en contrebas du cheval. Le trou ausommet de la tête est l’emplacement d’une tigemétallique, surmontée d’un disque, destinée enquelquesorteàservird’épouvantail (déjàà l’époqueontientàéloignerlespigeons!).

Onbronze,enGrèce

ÀpartirdumilieuduVesièclenaissentlesplusbeauxchefs-d’œuvre de la statuaire comme les marbresd’Olympie, les métopes, frises et frontons duParthénon ou les cariatides de l’Érechthéion. Lesfondeurs grecs atteignent le sommet de leur art.Malheureusement, aujourd’hui, les statues de métalsontplusraresquecellesdepierre,lemétalayantétéréutilisédepuis. Ilnenousrestepratiquementque leConducteur de char de Delphes, dit l’Aurige, ou lePoséidondumuséed’Athènes.

L’histoiredel’artretientpourtantdenombreuxnoms,tels Calamis,Myron, Pythagoras, Polyclète et surtoutPhidias, même si leurs travaux ne sont plus guèreconnus qu’au travers des copies d’époque romaine.MyronestréputépoursonDiscobole,athlète lanceurdedisquequimontreuneexcellenteconnaissancedel’anatomie.AucunedesœuvresmaîtressesdePhidias

ne subsiste, ni la statue chryséléphantine d’AthénaParthénos,nilastatuedeZeusàOlympie.

ZeusenformeolympiqueLaGrèceantiquedesjeuxOlympiquessubsisteencoredans tous les esprits. Avec l’oracle d’Apollon àDelphes,lesanctuaired’Olympieestlesymboled’unecivilisationcommune.

Le sculpteur Phidias se fait bâtir dans l’enceinte dutempleunatelierspécialauxdimensionsdelastatuecolossale de Zeus, haute de 12 mètres. Elle passepour être le chef-d’œuvre de la statuaire antique,l’une des Sept Merveilles du monde. Victime àAthènesde jalousies, l’artistegagne l’Olympieoù lestravauxdutemplebattentleurplein.BâtiparLibonde- 470 à - 457, le monument est dorique, avec lacolonnade habituelle. Ses dimensions sontimposantes:64mètressur24,6.Rappelez-vousqu’onn’apasencore inventé lesenginsde travauxpublicsetquelapotionmagiqueestréservéeauxGaulois!

Sonpesantd’or

Après ce travail gigantesque, Phidias rentre àAthènes.Sescompatriotesl’accusentd’avoirdétournéune partie de l’or destiné à la statue de l’AthénaParthénos. Chacun des éléments d’or pouvant sedétacher, cela nous renseigne sur la conception del’œuvre d’art et prouve aussi que le sculpteur sedoutait des manœuvres soupçonneuses de sesconcitoyens.Ilenexigelapeséeetpeutainsijustifierdesontravail.Mais lapersécutionnes’arrêtepas là,car il est ensuite accusé d’impiété pour s’êtrereprésenté en compagnie de Périclès, au milieu dubouclierdeladéesse.Ànotreépoque,cen’estpassi

grave : le cinéaste Alfred Hitchcock avait lui aussil’habituded’apparaîtredans sesœuvres,maisonneleluiajamaisreprochédefaçonaussiénergique!

LesvoilésdévoilésL’époquedite hellénistique commenceavec le règned’Alexandre le Grand et dure jusqu’au Ier siècle denotre ère. Vers - 400 travaillent Scopas, Lysippe,remarquable portraitiste, et Praxitèle. Ces deuxderniers sont considérés, avec Phidias, comme lesplus importants sculpteurs grecs. Les artistess’intéressent alors beaucoup au corps, qu’ilsn’hésitentpasàreprésenternu.

UnseuloriginalPraxitèle est passé à la postérité grâce à sonAphrodite de Cnide. L’érudit romain Pline écrit quel’on se renddans cetteville rienquepourvoir cetteœuvre. Pourtant, aller de Grèce en Asie Mineure nerelève pas de la croisière d’agrément. La route estlongueetpérilleuse,et il est conseilléà l’époquedelaisser quelque part ses dernières volontés avant dehisserlesvoiles!

L’artiste réalise deux statues, l’une nue et l’autrehabillée. Il laisse le choix à ses commanditaires, lesinsulaires de Cos, en précisant que chacune est aumême prix. Ils choisirent celle qui leur paraissait laplus convenableet laplus sérieuse.Était-cebien lesqualités à réclamer à la déesse de l’Amour,Aphrodite ? LeshabitantsdeCnide, eux, achètent laversion nue et gagnent le gros lot de la célébrité !Nouslaconnaissonsencoreaujourd’huiparlescopiesromainesquiensubsistent.

Autreœuvre majeure, l’Hermès, qu’on peut admireraumusée d’Olympie, est sans doute le seul originalconservé de Praxitèle. C’est aussi l’époque desmarbres de Xanthos, des bas-reliefs du Mausoléed’Halicarnasse,delaVictoiredeSamothraceetde laVénusdeMilo(voir ).

En bonne logique mythologique, on devraitappeler lacélèbreVénusdeMilo (voir)Aphrodite puisqu’elle est grecque. Trouvéedans l’île de Milo en 1820, elle fut la caused’une vive concurrence entre la France etl’Angleterre.L’undesacteursdutransportdelastatueversla France, le comte de Marcellus, fait cettecurieuse remarque : « Il fut démontré que lastatue chargée de vêtements, de colliers d’oret de pendants d’oreilles a représenté laPanagia (Sainte Vierge) dans la petite églisegrecquedontj’avaisvulesruinesàMilo.»Démontré,pastantqueça!L’existenced’unesainte Vénère est attestée dans la France duMoyenÂge.Datantde -100environ,doncdel’époquehellénistique,celle-ciestremarquablepar la beauté des traits qui évoquent lesgrandssculpteursclassiques.Maiscetexemplede la récupérationdesdieuxantiquesdans le

mondechrétienestuneexception.

UneVictoireàenperdrelatêteC’est pour commémorer une victoire d’un des roissurgisdudépècementdel’empired’Alexandrequefutsculptée la Victoire de Samothrace, celle dont lepeintre Cézanne dit : « Le sang qui fouette, circule,chantedanslesjambes,leshanches,toutlecorps,ilapassé en torrent dans le cerveau, il est monté aucœur, il est enmouvement, il est lemouvement detoutelafemme,detoutelastatue,detoutelaGrèce.Quand la tête s’est détachée, allez… le marbre asaigné».Lemarbreestdevenudechairetdesang.

LestyledecettestatueressembleàceluidePergame(vers-180),capitaleduroyaumedesAttalidesnéedupartage de l’empire d’Alexandre, dans l’actuelleTurquie.

Pergame-boyPergamedevientàpartirde-400unhautlieuculturelque ses souverains veulent transformer en nouvelleAthènes. Le mot français « parchemin » vientd’ailleursdepergaminacarta.LeGrandAuteldeZeusest considéré comme un chef-d’œuvre de l’arthellénistique. Une grande salle est consacrée à sarestitution au Pergamonmuseum de Berlin. La frisesculptéefait120mètresdelongetreprésentelaluttedesdieuxcontrelesGéantsàl’assautdel’Olympe,tell’ancêtred’unjeuvidéo.Onpeutvoiraussidanscettefrise des allusions aux victoires des souverains dePergamesurlesGalates.

Présents dans de nombreux récits, ces derniers, desCeltesfondateursd’Ankara,impressionnentbeaucoup

les peuples de l’Antiquité. Nous avons transposé lesrécits sur les Galates aux Gaulois d’Occident. Parexemple, tout le monde sait que ces derniers necraignentqu’unechose:quelecielleurtombesurlatête.Enfait,cesontlesambassadeursgalatesauprèsd’Alexandre le Grand qui évoquent cette chuteimpossible pour affirmer ironiquement qu’ils n’ontpeurderien.

Vers -300,unopusculedePhilondeByzancedésigne septmonuments qui font ou ont faitl’admiration du monde antique, Sur les SeptMerveilles du monde. Ce texte comporte sixfeuilletsconsacréschacunàunmonument.Leseptièmemanque,maisildevaitêtreconsacréau mausolée d’Halicarnasse évoqué dansl’introduction. D’autres auteurs de l’Antiquitéévoquent différentesmerveilles,mais c’est lalistedePhilonquiestcitéeà l’heureactuelle.Ellecontient: déjà uneantiquitéà l’époquedePhilon,etmalgré toutlaseulemerveilledelalistequisubsiste.

: ces jardins sont peut-êtremythiques.(- 456) : emporté par l’empereur romain

Justinien à Byzance, il n’en reste rienaujourd’hui. (vers - 300) : unestatue de bronze de 32 mètres de haut (àpeinemoinshautequelastatuedelaLiberté,de 15 mètres). Il fut détruit par untremblement de terre une soixantained’années après sa construction et l’oracle deDelphes en interdit la reconstruction. Huitsièclesaprès,un«ferrailleur»chargeaveclesmorceaux un millier de chameaux. Certainsplongeurs croient régulièrement retrouverdesblocsde lastatue,oubliantqu’ellen’étaitpasdepierre. : il futincendiéen356lanuitoùnaquitAlexandreleGrand.L’incendiaireveutquesonnompasseàla postérité pour avoir commis un crimeénorme.Uneloiinterditalorsdeprononcersonnom sous peine de mort. C’est raté : on sesouvient encore d’Érostrate. Il est rebâti parAlexandre le Grand, mais cette secondeconstruction est utilisée pendant des sièclescommecarrièredepierre. (vers-350):40mètres de haut comme l’Arc de triomphe.Pasmalpourunetombe!Lemarbreestpassédepuisdanslesfoursàchauxetleresteaétéutilisécommecarrièredepierre,enparticulierpour la construction du château fort deBodrum.LastatueduroiMausolese trouveàLondres. (- 290) : connugrâceàun textedeStrabon, il futdétruitparun tremblement de terre au XIVe siècle. Onpense que fort de Qaïtbay est bâti à sonemplacement, avec peut-être une partie de

sespierres.

L’originedumausoléeLeIVesiècleavantnotreèreestégalement l’époquedu tombeau de Mausole à Halicarnasse en Carie(actuelleTurquie),morten-353.Rarementsouverainamieuxmérité la réputationde tondreson troupeaud’aussiprès:ilfaitpayerdestaxessurtout,etmêmesurlachevelure!Maisaumoinsl’argentfait-ill’objetd’une utilisation intéressante : le tombeau estrenommépour labeautédesesdécorations,commele quadrige de marbre qui surmonte l’édifice ou lastatue du roi Mausole. Considéré dans l’Antiquitécommel’unedesSeptMerveillesdumonde,ilreposesurunsoubassementrectangulaireetreprendlepland’un temple classique. Ce ne sont pasmoins de 36colonnes qui supportent une pyramide à 24 degrés.De là dérive le mot mausolée pour désigner unmonumentfunéraireprestigieux.

LastatuedeMausoleaétéretrouvéeen1856pardesfouilleurs britanniques. Il est possible qu’elle ait étésur le quadrige pour figurer l’apothéose deMausole.L’architecte romain Vitruve (vers - 30) attribue ladécoration du mausolée à divers artistes, dontPraxitèle.

Mytheaulogis:lapeinturegrecque

Les Grecs connaissent la peinture murale ainsi quecelle de chevalet et ils décorent aussi leurscéramiques. Mais aujourd’hui, la peinture grecque

n’est plus guère représentée que par des fragmentsouquelquesfresquesmacédoniennes,pluscomplètes.Pour reconstituer cette peinture, il faut extrapoler àpartir des vases de céramique peints ou des copiesromaines. Les plus anciens peintres dont les nomsnous sont connus, Eumarées d’Athènes et Cimon deCléonées,sontactifsvers-600.

Les vases grecs ont longtemps été appelés àtort « étrusques » car trouvés dans lesnécropoles de Toscane. L’usage de déposerdes offrandes dans les tombes en a préservéun grand nombre. On les classe selon leursformes et leurs utilisations. Le banquet, ousumposion,estunélément fondamentalde lavie sociale, certes masculine. Laconsommation presque sacrée du vinnécessiteunevaisselleparticulière.Ilfautdesamphorespoursontransport,deshydriespourl’eau,descratèresàvastesouverturespourlemélangedesdeux,levinétantalorsunesortedesiropqu’ilfautdiluer.Ilyatoutessortesderécipientsàboire,commelesrhytonsenformede corne ou de tête d’animal, ou les coupes,de forme si appréciée des Grecs qu’ilsracontent que le potier, son inventeur, l’amouléesurleseindesabien-aimée.Tous ces objets sont décorés de scènesmythologiques,religieusesoumêmeérotiques.On peut imaginer que le décor au fond descoupescontribueauplaisirdelavider,comme

pour le saké servi dans les restaurantsasiatiques aujourd’hui. Parmi ces motifs, laGorgonedontl’œilpétrifie,restetrèspopulairetout au longde l’Antiquité grecque. Selon lesépoques,onparledevaisselleàfiguresnoiresou rouges. D’abord les personnages sontprésentésdeprofilavec l’œildessinédeface,leshommespeintsenrougeetlesfemmesenblanc. À partir de - 600, l’œil aussi est deprofil, les corps de trois quarts, les détailsdeviennent plus réalistes. Certains artistesinvententl’ombrepourdonnerdurelief.Le siècle suivant est considéré commel’apogée, le grand siècle, de la peinturegrecque, plus particulièrement en Attique.L’histoire retient les noms de Polygnote deThasos,Micon,Panaenos,PausonetApollodored’Athènes. Le grand bâtiment public deDelphes,laLesché,estdécorédefresquesparPolygnote. Elles sont célèbres durant toutel’Antiquité,par leur représentationde laprisedeTroieetdeladescented’UlysseauxEnfers.Ce que l’on connaît de la peinture grecquevientsurtoutd’éruditscommePlinel’AncienouPausanias,l’inventeurduguidedevoyage,quiracontentdesanecdotessurApelleetZeuxis,lespeintreslespluscélèbres.

EnpremierApelleApelle est le peintre le plus connu de l’Antiquité. Ilœuvresurtoutautourde-350.AlexandreleGrandnevoulait pas d’autre portraitiste que lui.Malheureusement,iln’estrienrestédesonœuvre.On

n’en connaît que certains titres comme VénusAnadyomène, Les Trois Grâces,Alexandre tenant unfoudre,AlexandreentreCastoretPollux,Artémisavecunchœurdejeunesfilles,Hercule.L’artisteestconnupour avoir inventé un genre : l’allégorie, une formepicturale où chaque élément peint développe uneidée.Parexemple,unoiseaudésignelaliberté.

Forcerletrait

On peutmême faire remonter jusqu’à lui, le peintreApelle, l’invention de la peinture abstraite. Lorsqu’ilrendvisiteaupeintreProtogène,dansl’îledeRhodes,ce dernier est absent. Comme une vieille esclaves’informedunomduvisiteur,Apellesaisitunpinceauettraceendiagonaleuntraitd’unegrandefinessesurun grand tableau encore non peint. À son retour,Protogènevoitcetraitetreconnaîtqu’uneseulemainest capable d’une telle prouesse. Il prend alors unpinceau,et tracesur le traitd’Apelleunautre,d’uneautre couleur, si fin que la couleur du dessousdébordedepartetd’autre.Puis ilsortendisantà lavieille femme que si l’étranger passe à nouveau,qu’elleluimontrecesecondtraitenluidisant:«Voilàceluiquevousêtesvenuvoir!»

Apellepasseànouveau.Toutdemêmesurprisdevoirce que Protogène a réussi, il reprend un pinceau ettraceuntroisièmetraitaumilieudesdeuxautres,nelaissant plus de place pour une autre tentative !Protogène s’avoue vaincu, reconnaît la virtuositéd’Apelle et court le chercher au port de Rhodes. Cetableau, digne de Mondrian 2000 ans avant, estquelque temps la propriété de Néron, avant dedisparaîtredansl’incendiedeRome.

SandaleetscandaleApelle a l’habitude d’exposer ses tableaux àl’extérieur, à la vue de tous. Dissimulé un peu àl’écart, il écoute les critiques du public. Dans un desestableaux, ilcommetlamaladressed’omettreunecourroieàl’intérieurd’unesandale.Passantparlà,uncordonnieren fait laremarque.Le lendemain l’erreurestréparée.Trèsfier,notrecordonniersemetalorsàcritiquer la façon dont Apelle peint la jambe. Pascontent du tout, l’artiste s’écrie : « Cordonnier, pasplushautquelachaussure»,c’est-à-dire«Netemêlequedecequetuconnais.»

Apellenesegênepasnonplusdedirecequ’ilpenseàAlexandreleGrand,pourtantsusceptible.Àl’origined’un décret interdisant à tout autre peintre de leportraiturer, le conquérant vient souvent voir sonartiste favori. Un beau jour qu’Alexandre le Grandparlebeaucoupdepeintureetmontresurtoutqu’iln’yconnaît pas grand-chose, Apelle lui signale qu’il faitbeaucoupriredeluilesjeunesgarçonsquipréparentlescouleurs.Legéniepermetbeaucoupd’audace…

Tiens,voilàduraisin!Vers-400naîtunautrepeintre,Zeuxis,quifutélèved’Apollodore et que les Anciens considèrent commel’inventeur de la perspective et du clair-obscur. Pourprouver sa supériorité sur sonmaître, Zeuxis fait untableaud’athlèteoùilmettoutsonartet,endessous,cette inscription : « On le critiquera plus facilementqu’on ne l’imitera. » Les artistes grecs ont déjà desexcentricitésbienprochesdecellesdecertainsdenoscontemporains…

ZeuxisaeneffetunpetitcôtéDalí(voirChapitre19).

À Olympie, il arbore sur son manteau des écussonsavecsonnombrodéenlettresd’or.Puis–etc’estunemégalomanieassezahurissante,ouunsensdaliendelapublicité–ildécidedeneplusmettreenventesesœuvres mais tout simplement de les donner. Car ilconsidèrequ’aucunprixn’estassezélevépourpayersontalent!

La légende rapporte qu’unmatin il peint des raisinsdansunecorbeilledefaçonsiréalistequelesoiseauxessaient de manger les fruits. On raconte qu’il faitensuiteunenfantportantdes raisins.Lesoiseauxseprécipitentànouveau,maisZeuxisestfurieux,carlesoiseauxauraientdûavoirpeurdugarçon…

Tant d’histoires courent sur des représentations siréalistesque lespectateurs’y laisseprendrequ’àunmoment il faut bien admettre tout simplement lalogique du trompe-l’œil poussée jusqu’au paradoxe.On devine en réalité dans cette histoire des raisinsuneplaisanteried’atelierquePlineauraitretranscritesérieusement.

Danscechapitre:Étrusques,stucsettrucsL’inventiondelavoûteDestogesmisesenplisDestrompe-l’œil

Dans l’Antiquité, il n’est pas rare que les villesgrecques fondent des colonies dans la partieoccidentaledelaMéditerranée.AinsiPhocéefonde-t-ilMarseille vers - 600. Quel amateur de football n’ajamaisentenduunprésentateurparlerdesPhocéenspourdésignerlesMarseillais?L’ItalieduSud,quantàelle, devient même la Grande Grèce vers - 700.Aujourd’hui sur les lieux de l’ancienne ville grecqueSybaris, sur le golfe de Tarente, la vie est sivoluptueuse que l’on nomme encore Sybarites lesveinards qui y sont en vacances toute l’année. LaGrèceantiqueestégalementenrelationdirecteavecl’Étrurie, qui correspond à peu près à l’actuelleToscane. Les Étrusques fondent à leur tour descolonies,dontlapluscélèbreestRome.

Retouràl’Étrurie

Les rites de fondation de Rome, vers - 753, et sespremiers princes sont étrusques. Un membre de lafamille royale de Corinthe, réfugié à Tarquinia, enÉtrurie méridionale, serait à l’origine de la dynastiedes Tarquins qui règna à Rome. La ville étrusque deCaere, elle, a bâti un temple où sont exposées lesoffrandes au dieu grec Apollon pythien. Ces deuxexemplesprouventbienque lesÉtrusquessontdanslasphèred’influencegrecque.C’estdoncpar lefiltreétrusquequel’artromainreçoitl’héritagedelaGrèce.Au final, la civilisation étrusque a fusionné avec lacivilisationromaine.

Noussavonslirelalangueétrusquemaisnousnelacomprenonspas.L’alphabet,quiaévoluéaucoursdestemps,estinspirédugrecancien.Nousdevinonslesensdesépitaphes«Ci-gît…âgéde…»carcen’estpasungenrelittérairetrès innovant, mais nous avons quelquestextes un peu longs dont le sens nouséchappe:uneborne,unlivresacrétransforméen bandelettes pour une momie égyptienne(ehoui!lerecyclagenedatepasd’hier).Onoubliecependanttropsouventquenombredemotsétrusquessontpassésaufrançaisparl’intermédiaire du latin, comme « fenêtre ».Même un mot latin commemundus, devenu

«monde»enfrançais,estunmotétrusque.ÀRome,ildésigneunpuitsàl’ouverturepuantecensé être une ouverture de l’enfer. Pour lesamateurs de mots savants, ça s’appelle unesynecdoque, c’est-à-dire qui prend la partiepour le tout. C’est dire par exemple « lemâts’avançait jusqu’au port » pour évoquerl’arrivée d’un navire. Et pour en revenir àmundus,considérerlemondeentiercommeuntrou puant conduisant à l’enfer est tout demêmeunesacréefiguredestyle!Notons que tout le vocabulaire de la religionprovient de l’étrusque. Le panthéon latin tiresesracinesdelapéninsuleetcen’estqueplustard qu’il est assimilé au panthéon grec. LedieuétrusqueAni devient ainsi JanusàRomeetdonnesonnomaumoisdejanvier.Dans le domaine de l’art, l’ami d’Auguste,Mécène, est étrusque. Son nom est devenusynonymedeprotecteurgénéreuxdesarts. Ilestaussiprobableque l’ÉnéidedeVirgiledoitcertains traits à l’origine toscane de sonauteur.Maro,sonnomdefamille,estd’origineétrusque, comme la plupart des noms despersonnagesduchantvirgilien.

Ilsn’ontpasinventélapoutre:l’architectureétrusqueLes plus anciennes constructions étrusques sont lesmuraillesdesvilles.Alorsqu’enGrècelespierressonttoujours vuesdans toute leur longueur, enÉtrurie ladisposition varie. Les blocs sont disposés selon les

rangéesdanslesensdelalongueuroudansceluidela largeur.De face,onvoitdoncsuccessivementdesblocsenrectanglesetdescarrés.

L’architecture, au fond, c’est tout simplement unehistoire de colonnes inspirées des troncs d’arbres etdematériauxdecouverture.Onpeutdireeneffetquejusqu’à l’époque romaine, l’architecture consiste endespoutresàplatetdescolonnes.

Les travaux de drainage et d’assainissement sont àl’origine de la voûte, plus exactement de la voûteappareillée. C’est-à-dire que le linteau à plat, unepoutre de pierre qui va d’une colonne à l’autre, estremplacé par des pierres taillées de telle façon que,placées les unes à côté des autres, elles demeurentsuspendues par l’effet de la pesanteur, décrivant unarc de cercle, le tout sans ciment ! La voûte, c’estcomme le célèbre dessert tiramisu : il suffitd’entasser. Il faut simplement faire dépasser le borddespierresqu’onempile.Celles-cisontdoncensaillieles unes par rapport aux autres et les parois serapprochent jusqu’à se toucher en haut. On peutensuiterognerleborddespierres.

La technique sert à lancer des ponts, à bâtir desportesdevilleouàconstruiredessouterrains.Leplusconnu des souterrains étrusco-romains reste… unégout, leCloacaMaxima, à Rome, où selon Pline onpeutfairepasserunchariotremplidefoin!

DansleplussimpleappareilL’architecture funéraire étrusque frappe égalementl’imagination. En Étrurie se retrouve lemême genre

de tombes qu’en Asie Mineure, où des façades detombeaux taillés dans la roche évoquent uneinfluenceorientale.

UnitédefaçadeÀNorchia,lesfaçadesdestombeauxsontinspiréesdel’architecture grecque. Les tombes sontabondamment décorées et légendées. La partiesouterraine, creusée dans le roc ou bien maçonnée,estconstituéed’uneoudeplusieurschambres.Celles-cisontsobres,avecunebanquettedepierrecourantle long des parois. La décoration est constituée depilastres,cescolonnesplatesàdemienfoncéesdansle mur, et de frises. Elles offrent des peinturesremarquables, certaines tirées des mythes ou desrécits homériques, quand d’autres sont plusprosaïques,commedesscènesdelaviecourante(lachasse, la table, les funérailles) d’un style pur etélégant.Uneautrefacettedugénieétrusqueestplussombre et montre un réalisme inconnu des Grecs,telleunescènedesacrificehumain.

Lavoiedesurnes

Les bâtiments étrusques construits dans desmatériauxpérissablesontdisparu,maisnousonttoutde même laissé de nombreuses antéfixes, ceséléments en terre cuite polychrome qui servent deprotectionetdecamouflageauborddesrangéesdestuiles convexes, celles que nous appelons«romaines».

Les urnes funéraires sont des modèles réduits destemples,probablementenbois,avecdescolonnesenpierre. Lesconséquences techniquesensontque lescolonnessontplusespacées,puisquelaportéed’une

poutre en bois est supérieure à la portée d’unearchitrave (poutre) de marbre. Comme la charpenten’aurait pu supporter des frontons de marbre, lesstatues sont donc en terre cuite, plus légère. Lesordres sont cependant ceux de la Grèce (dorique,ionique et corinthien), auquel s’en ajoute un autre,plussobre,appeléordretoscan.

Uncertainsenspratique:l’architectureromaine

Le côté pratique est un aspect fondamental de laculture romaine. Ainsi les Romains substituent-ils lavoûteauxpoutresdepierreoudebois.Ilsétendentàl’art ce procédé réservé à la voirie. Ils utilisentprincipalementtroistypesdevoûte:

enberceau,pourlescouloirsparexemple; en arête, c’est-à-dire deux voûtes qui se coupent à angledroit,quiserventàédifierdessallescarrées;enhémisphère,c’est-à-direendôme,pourdessallesrondes.

Cesvoûtessontconçuesàpartird’unarcquidessineundemi-cercleditarcenpleincintre.

L’horreurduvideLesRomainsbâtissentdanstouslespaysconquisdesthéâtres et des amphithéâtres, des thermes et desprétoires,deshippodromesetdesbasiliques.C’estsibon de se sentir chez soi, surtout à l’étranger !Comme dans les bains publics, les thermes, ouhammamsivouspréférez, l’architecteutilisetouslesespacesvidesetvraimentriennemanqued’unpoint

devuepratique:quelsensdufonctionnel!

Çamarchepourlaplate-bande!L’emploidelavoûteconduitàrenforcerlespiliersdecôté. Avec une poutre à plat, la poussée s’exerceverticalement et la colonne est clouée sur place. Laportée des poutres, toujours limitée, détermine lasuperficie du monument. Jusqu’alors, dès que l’onveut édifier un bâtiment important, il faut bâtir uneforêt de colonnes comme à Karnak, en Égypte.L’utilisation de la voûte permet à l’architecte romaind’échapperàcetteobligation.S’ilaunevastesurfaceà couvrir, il peut disposer des points d’appuijudicieusement répartis grâce à ses arcades. Lapoussée s’exerce alors sur les parois, dont lamassedoit être suffisante pour résister. Ainsi, par exemple,les murs du Panthéon à Rome ont 5 mètresd’épaisseur!Ensoutienintervientégalementlaplate-bande, lapoutrequireposesurdeuxcolonnes.Cetteutilisationn’autoriseenfinqu’uneformerectangulaire,commedanslestemplesgrecs.

Longtemps,onaconservéavecvénérationsurle Palatin une hutte ronde, la cabane deRomulus, le fondateurmythique de Rome. Laplusanciennedesdivinités italiques,Vesta, lavénérée et protectrice déesse de Rome, aaussi un temple de forme arrondie. Cetteprédilectionpourcetteformeseretrouvedanslesconstructionsarchitecturalesromaines.Ilyatoujoursaumoinsunepartiedubâtimentquiest arrondie, que ce soit dans les

amphithéâtres, le sanctuaire de Vesta, lemausolée de l’empereur Hadrien (que lesModernesnommentlechâteauSaint-Ange),lePanthéon,imposantetimpressionnantparsondôme.La civilisation romaine a laissé nombre demonuments : des temples comme la Maisoncarrée à Nîmes (voir ), des théâtrescomme celui d’Autun, des amphithéâtrescommeleColisée(voir ).Lesthéâtressontendemi-cercle,etlesamphithéâtressontronds, servant à montrer les combats degladiateurs.

OpéreràchauxUnedesparticularitésdel’architectureromaineestlecélèbremortier romainconstituédechauxmélangéeà du sable et des cendres volcaniques (ditespouzzolanes), des pierres ponces ou des briquespilées. Les particularités techniques de cematériau,apte à se consolider dans l’eau et bien adapté à laconstruction des citernes et des aqueducs, ontmaintenu certains monuments en état jusqu’à nosjours,commelepontduGard.LesParisienspeuvent,eux, visiter les thermes de l’empereur JulienincorporésdanslemuséedeClunyquiontrésistéauxsièclesetauxpotsd’échappement.

Quatrevariétésd’opus

On classe en quatre types principaux les appareilsarchitecturauxromains,selonlesaspectsdifférentsdeleurmaçonnerie.Defaçonchronologique:

l’opusincertum:lespierressontmisesdefaçonirrégulière;l’opusreticulatum:lespierressontrangéesenformedefilet,ceréticulequenosgrands-mèresportaientaubal; l’opus lateritium, utilisédurant l’Empire : lamaçonnerieestforméedebriquespluslongues,pluslargesetmoinsépaissesquelesbriquesactuelles.Àlafin,labriqueestdissimulée,lesmurs sont recouverts d’une couche de stuc (un enduitcomposédeplâtre,deblancd’œuf,decolleetdepoussièredemarbre),depeinturesoudeplaquesdemarbre.l’opusmixtumquimêlelitsdebriqueetdepierre.

L’architecturetriomphaleLesordresgrecsdoriqueet ioniqueont leurvarianteromaine. Le chapiteau corinthien reçoit quant à luiune décoration encore plus foisonnante, à tel pointque l’on parlera d’ordre composite. Rome veut-elleainsi se faire pardonner d’avoir rasé Corinthe ? Lanotion d’ordre architectural entendue de la façongrecque commeuneharmoniedeproportionsest enrevanche abandonnée. De plus, à Rome, la colonnen’estplusunsoutiennécessairecommeenGrèceouen Étrurie. Du fait de la voûte, elle devient en effetjusteunélémentdedécoration.

Dansl’histoiredel’architectureoccidentale,leColisée(voir ), en faisant se succéder sur troisniveaux les ordres classiques grecs, a une énormeinfluence sur toute l’architecture classique, jusqu’auXXesiècle.

LacolonnechangedestatutSelon ce modèle, les dimensions de tous les ordressont les mêmes. Au besoin, si l’architecte a besoind’unétagesupplémentaire,ilajoutedespilastres,ces

colonnes à demi insérées dans lemur. Les colonnesne sont donc plus qu’accessoires et décoratives. Cesont en effet les arcades du Colisée qui portent lebâtiment.

Les Romains détachent d’autres éléments del’architecture grecque pour les plaquer sur leurspropres constructions, sans que cela soit toujoursjudicieux il faut bien l’avouer. Au Panthéon, parexemple, on a copié unportiquegrec bien rectilignequ’on a accolé à un bâtiment romain bien rond. Lerésultat est surprenant… Et comment faire oublier,par ailleurs, l’évidente inutilité de la colonne qui neporte plus rien ? En imaginant tout demême de luifaire porter quelque chose ! L’architecte romaininventeleressaut,unepierreensailliesurlaquelleonplaceunestatue.

BataillenavaleLacolonnetrouveégalementunnouvelusageentantque monument commémoratif. La plus ancienne àRome rappelle la victoire navale remportée sur lesCarthaginoisen-260.Elleestornéedesrostresprisàl’ennemi, c’est-à-diredeséperonsdesnaviresqui setrouvent à la proue. La ville de Saint-Pétersbourgarboredeuxcolonnesquiensontdesreconstitutions.ÀParis,leslampadairesdelaplacedelaConcordeensont également un rappel. La colonne Vendôme est,elle, inspirée de la colonne Trajane, toujours debout,érigée pour célébrer la victoire de l’empereur Trajansur les Daces, peuple de l’actuelle Roumanie.Composée de 34 tambours de marbre blanc évidés,elles’élèveà40mètresdehauteur.

PorterentriompheComme les Romains sont un peuple conquérant etguerrier, ilsdéveloppentunearchitecturetriomphale,

c’est-à-dire qu’ils érigent des monuments pourcommémorer lesgrandesvictoires.Outre la colonne,ce sont des trophées comme à La Turbie dans lesAlpes, ou des arcs de triomphe comme celui del’empereurConstantinàRome.

Dans un premier temps, sous la République, lesdécorationsquiaccueillent legénéralvainqueur sontéphémères.Àpartird’Auguste,cesarcades,que l’onflanque peu à peu de deux autres plus petites, sontconstruites en dur et se répandent dans toutl’Empire:c’estl’arcdetriomphe.

EnbonsthermesLa civilisation romaine est aussi celle de l’eau : lesthermes, ou bains publics, sont un élémentindispensable de la vie de la cité romaine. Pour yconduire l’eau, les ingénieurs réalisent des exploitstechniques, comme lepontduGard,et invententdesavantssystèmesdesiphons.

Autrebâtimentdontlerôleestimportant,labasiliquetient lieu de bourse, de palais de justice et depromenade couverte. C’est un grand bâtimentrectangulaire,entourédemurs.Letribunalsiègedansl’abside,l’extrémitéendemi-cercledubâtiment.C’estle plan que les chrétiens duMoyen Âge reprendrontpourleurslieuxdeculte.

Prendrelepli:lasculptureétrusqueetromaine

L’ApollondeVéies,élégant,soupleetmajestueux,ausourire joyeux, est une des œuvres les plusintéressantes de l’Antiquité. Elle prouve que les

ÉtrusquesnesontpasseulementlesélèvesdesGrecset qu’ils sont eux aussi des maîtres. Les œuvresétrusques peuvent être d’une étonnante modernité,comme cette Aphrodite longiligne du LouvreannonçantlesculpteurduXXesiècleGiacometti.

Lecouvercledusarcophagedesépoux(voir )provenant de Caere présentant deux personnagesallongés comme à un banquet nous indique que lafemme étrusque avait un statut privilégié dans lemondeantiquetrèsmasculin.Cesontdesœuvresenterrecuite,maislesÉtrusquesontaussilaréputationd’être les meilleurs fondeurs de bronze du monde.Leurartnesubsistepourtantplusguèrequ’autraversd’ustensiles domestiques comme des objets detoilette ou desmiroirs. Cependant, comme réussitesparticulièresquinoussontparvenues, il fautnoter lastatuegrandeurnatureditedel’Orateur(Iersiècle),laChimère d’Arezzo (Ve-VIe siècles avant J.-C.) et lacélèbreLouveduCapitole(vers-500),symboledelafondation de Rome, avec ses jumeaux Romulus etRemusajoutésàlaRenaissance.

Lemeilleurdel’ÉpireLa sculpture est d’abord un complément del’architecture:c’estunehabitudequedecharger lesmonuments de bas-reliefs historiés. Ainsi, les 114scènesde lacolonneTrajanesedéroulentenspirale.Les scènes représentées sont souvent éloignées dupremier plan. En effet, les Romains utilisent uneconventionsimple:lespersonnageséloignéssontunpeu plus petits que ceux du premier plan et placésdanslapartiesupérieureducadre.

L’inconnuestaucoindelarue

DuIVeauIIesiècleavant J.-C., lesRomainsprennentl’habitude de dresser des statues de pierrehonorifiques. Comme pour les rues de nos grandesvilles,onsedemandeparfoisquisontcesinconnus!Caton se moque de cette habitude et refuse cethonneur. Ces statues sont d’abord l’œuvre desculpteurs grecs. On peut penser que les artistesgrecsquiallaientdansuncoinperducommeRome(àl’époque, Rome n’est en effet que cela) ne devaientpasêtre lesmeilleurs.Toutchangeaprès lesguerrescontre la Grande Grèce et la Macédoine. Après lacampagned’Épire(danslenorddelaGrèce)en-187,FulviusNobiliorfaitfigureràsontriomphe285statuesde bronze et 230 statues de marbre, pas moins !Devantl’affluxdescommandes,Romedevientalorslecentred’activitédessculpteursgrecs.

Unsportexport

La belle sculpture romaine est en effet… grecque.MaiscommelesœuvressontfaitesàRomepourdesRomains, elles reçoivent un intitulé romain, parexempleleGladiateurcombattantqu’onpeutvoirauLouvre. D’ailleurs, ce n’est pas un gladiateur maisplutôtunathlètepratiquantla«coursearmée»,unecourse avec un lourd bouclier. C’est une copie d’unoriginalenbronze,commelemontre letroncd’arbrequi sertd’appuià la jambede l’homme. Inutiledansune sculpture de marbre, ce tronc est un supportimportantpouruneœuvreenbronze.

Deuxautreschefs-d’œuvregrecssont faitsàRome :leTorseduBelvédère, représentantHercule et signé

«Apollonios,filsdeNestorAthénien»etlaVénusdeMédicis, œuvre de Cléoménès à l’époque del’empereurAuguste.

Sepayersatête:l’inventionduportraitResté secondaire chez les Grecs, le portrait est lasculpture romaine par excellence. L’origine de cephénomène tient à cette coutume qu’ont les richesfamilles de faire paraître aux funérailles un acteurrevêtudeshabitsdudéfuntetportantunmasquedecireàsaressemblance,parfoisunmasquemortuaire.Lavanitédesfamillesaidant,cesmasquesdeviennentpermanents, en pierre. Puis ce sont carrément desstatuesenpiedqui,àl’époquedeCésar,pullulentsurleForum,lagrandeplacedeRome,centreintellectuelet politique. Sous l’Empire, chaque fois qu’il y a unnouvelempereur,touteslesvillesveulentsonportraitet celui de toute sa famille. Comme le marché estimmense, les ateliers pratiquent alors même lepréfabriqué : les corps sont faits à l’avance, il suffitjustederajouterunetête.

C’esttrèsCommodeOnpeutdistinguerdeux catégoriesdeportraits : lesportraits idéaliséset lesportraitsordinaires.Danslesidéalisés, il peut y avoir des statues en pied ou enbuste. Le personnage garde ses traits,mais se tientdans la posture d’un héros nu, comme Achille parexemple.Danscettecatégorie,on trouve lesstatuesd’empereursoud’impératrices,avecdesattributsdedieux,ouencorelestrèsbeauxportraitsd’Antinoüs,lefavori d’Hadrien, représenté en Bacchus, en Apollonet, pour qu’il n’y ait aucun doute, en Ganymède,l’échansondesdieuxdontJupiterestamoureux.Parmilesbustesidéalisés,ilfautretenirégalementceluide

l’empereur Commode, le méchant du filmGladiator,représenté en Hercule avec la peau d’un lion sur latête.

Jevousenpli!Lesportraitsordinaires,eux,montrentl’individudanssavieoudansl’exercicedesesfonctions,entogeouen armure. Lesmeilleurs datent des premiers tempsde l’Empire où, la mode n’étant pas à la barbe, lesartistes donnent le meilleur de leur talent dansl’expression.Certainesstatuessontréaliséesdansdesmarbres de couleurs différentes donnant unepolychromie naturelle. Les sculpteurs romains sesurpassent dans le rendu des drapés. Pourcomprendre ce goût, il faut se souvenir del’importance que la mode accordait au jeu des plisdans levêtement.L’écrivainromainMacroberacontemême que l’orateur Hortensius aurait voulu intenterun procès à quelqu’un qui avait défait les plis de satoge maintenus par des nœuds cachés, en lebousculantparmégarde.

Lapeinture…entrompe-l’œil!

Expression typiquement romaine, la mosaïque estutilisée sur les revêtements comme sur lespavements.Elleestconstituéedepetitscarreauxqui,par leur assemblage, produisent des œuvres demultiples dimensions, proches de la sculpture etsemblablesàlapeinture.

Cependant, après lesguerrespuniques (de - 264à -146),Romeétendsesconquêtesmilitairesaumondegrec. Les triomphes romains amènent àRomeet les

œuvresetlesartistes,commeprisesdeguerre.Dansl’esprit romain, il y a un petit côté « parvenu »,«collectionneurnouveauriche»plusintéresséparlesplacements que par la beauté intrinsèque d’uneœuvre.

AucoursduIIesiècleavantnotreère,laGrèceet la Macédoine croient Rome trop occupéeavecCarthagepourcontinuerdelestenirsoussonjougetdécidentdeserévolteràleurtour.QuandMummiuslesvaincen-146,beaucoupd’œuvresaffluentàRome,enparticulieraprèsle pillage et la destruction de Corinthe. Pourvendresonbutin,ilfaitdeslotsetleroiAttalede Pergame donne 600000 sesterces d’untableaud’AristidereprésentantBacchus.Effarédel’importancedelasomme,leRomainsoupçonne qu’il y a dans ce tableau quelquechosequiluiéchappe.Ducoup,malgrétoutesles plaintes d’Attale, selon le principe « si onm’en propose autant, c’est que ça vaut bienplus»,il legardeetledéposedansletemplede Cérès. C’est le premier tableau étrangerrendu public à Rome. « La Grèce vaincue avaincu son fier vainqueur », dira le poèteHoraceàproposdecetteanecdote.

UntalentquisemonnayeNoussavonspar la littératurelatinequelespremierspeintresayantexercéàRomesontdesartistesgrecs.Quandilsnesontpasprisonniers,ilsysontattirésparl’argent. Etmême si lamonnaie romaine se nomme«talent»,nevoyezpaslàl’originedel’utilisationdumottalentpourdésignerlesqualitésd’unartiste!

Lepremierpeintreromainconnus’appelleFabius,ditPictor(peintreenlatin).Iladécoréen-304letempledu Salut, rasé depuis. Remarquons que plusieurspeintres romains réputés sont d’extraction illustre,comme Turpilius qui est de la classe équestre, lahaute société plutôt à cheval sur les principes. OnpeutpenserquelamodeétantàlaGrèce,ilssesontmis à cet art grec comme ils parlaient grec, enintégrant des thématiques comme laguerredeTroieparexemple.

Reportagesdeguerre

La peinture qui a le plus de succès auprès desRomains est celle qui chatouille agréablement leurvanitédeconquérantsdumonde.On l’appelleraplustardlapeintured’Histoireetelleseralegenreleplusnoble.MarcusValeriusMaximusbaten265enSicileles Carthaginois. Il montre au peuple romain untableau qui représente sa victoire. De la peinturecommereportagedeguerre!

PremierRomainàavoirpénétrédansCarthagelorsdel’assaut final, Mancinus exhibe sur le Forum untableau représentant la chute de la ville. Lescommentairesplusieursfoisrépétésqu’ilfaitlorsdelaprésentationluivaudrontetlafaveurdesélecteursetle poste de consul. Déjà de la peinture de

propagande!

ÉrosàvendreVers - 100, aux jeuxdonnésparClaudius Pulcher, lepublic peut admirer un décor peint. Pline, selon cetamourdesAncienspourlapeinturecriantedevérité,raconte que les corbeaux sont trompés par la partiequireprésentedestuilesetveulents’yposer.

Sous Auguste, le décor se perfectionne, avec cesperspectives que l’on connaît bien grâce auxpeintures de Pompéi et d’Herculanum. Entre descolonnades d’ordres divers, l’œil aperçoit desarchitectures urbaines, des paysages à la fraîcheurbucolique. C’est le règne de la peinture de genre :nousvoyonsdesAmoursgambaderpartout.Nonsanshumour, une scène montre une marchande vendantdesÉrosmisencagecommedesoiseauxchanteurs,thèmequiauradusuccèsdanslessièclesfuturs.

Unepeinturedélavée

GrâceauVésuvequiaensevelicertainesvilles,nousavons une idée précise de la peinture de chevaletromaine. La lave du volcan a en effet préservé lesœuvres jusqu’aux fouilles archéologiques du XVIIIesiècle. Leur redécouverte donna naissance à lapeinture moderne à travers le courant néoclassique(voirChapitre13).

LesMystèresrévélésCertainesdespeinturesmuraless’inspirentdeschefs-d’œuvre des maîtres grecs. D’autres adoptent unevision plus personnelle : le portrait donne lieu à de

bellesréussites,commeceluidecettejoliearistocrateromaine cultivée, toute rêveuse à la recherche d’unvers,tenantsoncalamedevantseslèvres,ditPortraitdeSappho.Cesportraitspeuventaussiêtrepeintsenfrontispice aux livres-rouleaux. Un recueil d’imagespubliéparVarronenmontre700d’hommesillustres.ÀPompéi, la conservation de ses peintures fait de lacélèbrevilladesMystèresun symbolede l’Antiquité,aussiimportantpourlesspécialistesdel’artquepourleshistoriensdelareligion.Sansnousétendresurlesdifférents styles pompéiens, évoquons les trompe-l’œil,lescolonnadesdécoréesdeguirlandesetdiversportraits.

Rited’initiationDansl’unedespiècesdecettevilladesMystères,unspectacle surprenant pour la civilisation romaine, lemoins religieux des peuples dit-on souvent : nousassistons à un rite d’initiation dionysiaque dans unefrisede3mètresdehautsur17mètresdelongueur!Onsupposequelamatronereprésentéeàl’entréeestla grande prêtresse qui a commandé ces peintures.Lespersonnagesdelascèneontdestraitsprissurlevifetsontvraisemblablementdesportraits.

Pline plaisante à propos d’un peintre de la mêmeépoque nommé Arellius. Cet artiste donne auxdéessesqu’ilpeint lesvisagesdesesmaîtresses,desorte que ses tableaux sont plutôt la liste de sesrendez-vous. Ce qui fait que, là encore, les scènesreligieuses sont l’occasion de portraits bienressemblants.

Les Romains ont assimilé leurs principalesdivinitésauxdieuxgrecs.Cetableausimplifieet donne les fonctions généralement admiseset utiles pour comprendre la cultureeuropéenne à partir de la Renaissance. Lepremiernomestgrec,lesecondromain: :déessedel’Amour.Sonanimalfavoriestlacolombe. : dieu de la Musique etdes Arts, du Soleil, de la Vérité et de laMédecine. :dieudelaGuerre. :déessedelaChasseetdelaLune. : déesse guerrière maisaussi de la Sagesse. Son animal est lachouette, parce qu’elle prend son envol danslesténèbres. : déesse des Moissons etde la Fécondité. Elle préside aux mystèresd’Éleusis. Sa fille, Perséphone ou Proserpine,estenlevéeparlesuivant. :dieudesEnfers. : dieu du Feu et desMétaux. De son nom latin vient le mot«volcan» : épouse de Zeus, déesse duMariage et protectrice des épouses légitimes.Onlamontretoujoursentraindepourchasserlesmaîtressesdesonmariinfidèle.Sonanimalestlepaon. :divinitécomplexe,dieu

du Commerce et des Voleurs (y aurait-il unrapport ?), inventeur de la musique, del’écritureetdelamagie,tousdomainesardus,dieu conducteur des âmes vers les Enfers etmessager des dieux, protecteur desintersections. Protecteur des bergers, il estsouvent représenté avec un agneau surl’épaule(cequirappelleuneautrereligion). :déesseduFoyer.Unclergéparticulier lui était consacré à Rome, lesvestales, choisies parmi les filles desmeilleures familles de la ville. Elles devaiententretenir à Rome un feu sacré qu’elles nedevaient jamais laisser s’éteindre, sous peinedemort. : dieu de la Mer.L’animalquiluiestconsacréestlecheval. : leplusgranddesdieux.Engrecle«th»seprononce«Z».SouslaformeTheos, son nom est passé en français pourcréer lesmots de la famille de « théologie »,l’étudedeDieu.

Danscettepartie…Les barbares ont-ils tout emporté sur leur passage ?Heureusement, non ! Dans l’Occident médiéval subsistent

encore quelques îlots où l’héritage de l’Antiquité estsoigneusementpréservé.Cocorico!Lesreligieuxfrançaissontàl’origine des deux arts médiévaux, le roman et le gothique,traduits essentiellement dans les églises et cathédrales quisurgissentalorsunpeupartoutenEurope.MaislaRenaissancese profile déjà à l’horizon, qui veut faire table rase duMoyenÂge pour retrouver toute la splendeur de l’Antiquité gréco-romaine.

Danscechapitre:DesarcsetdesflèchesLeromanétrangerToutpourréaliserunefresque

En313,l’empereurromainConstantinIergarantitauxchrétiens la liberté de culte par les édits de Milanavant que Théodose Ier ne fassedu christianisme lareligion d’État en 380. Cette date charnièrecorrespond à l’essor de l’imagerie chrétienne quis’affranchit progressivement des modèles antiquesdurant leMoyenÂgepourdonnernaissanceàunartspécifique qui se développe en France et en EuropeentrelesIXeetXIIesiècles:l’artroman.

Unromanpassionnant:l’architectureDansunecertainemesure, l’art romanest ledernierjalondelatraditionantique:

ilemprunteauxRomainsl’usagedelacolonneàchapiteauetdel’arcenpleincintre;leplandesédificess’inscritdanslatraditiondesbasiliques paléochrétiennes (c’est-à-dire despremierschrétiens)d’ItalieetdeRome.

S’ils en conservent certaines caractéristiques, lessanctuaires romans se distinguent néanmoins àmaintségardsdeleursprédécesseurs.Ainsileplafondenboisquicouvraitlanefdesédificespaléochrétiensest-il remplacé par une voûte de pierre. Construitetout en longueur et soutenue par des piliers, la nefprincipale est coupée perpendiculairement par unenef plus petite, appelée le transept. Cette neftransversaledonneà l’édificeune formedecroixquirappellelacrucifixionduChrist.

Né,commesonnoml’indique,àByzance,l’artbyzantin s’étale sur une période qui dure de330à1204(datedelaprisedeConstantinoplepar les croisés). Caractérisé, en architecture,par la suppressionde l’entablement (lapartiesituéeau-dessusdescolonnes), l’élévationdecoupoles et la décoration des chapiteaux pardes ornements linéaires, il exerce uneprofonde influence sur l’art médiévaloccidental.C’est en 330 que Byzance, rebaptiséeConstantinople en hommage à l’empereur

Constantin, devient la capitale de l’Empireromain. En 476, le chef germain Odoacredépose le dernier empereur d’Occident,Romulus Augustule, qui, par ironie du sort,portait le nom du fondateur de Rome, etenvoie les insignes impériaux à Zénon,empereurd’Orient.Le rayonnement artistique de la nouvellecapitale culmine avec le règne de l’empereurJustinien (527-565). Emblématique de cettepériode, la mosaïque de l’empereur et del’impératrice Théodora, à Ravenne, en Italie,figure des personnages impériaux figés,alignés au premier plan, sans parti pris deréalisme. En architecture, le plus célèbremonument de l’art byzantin est la basiliqueSainte-Sophie (532-537), bâtie sous le règnede Justinien. Construite sur une base carrée,ellecomporteunecoupoleimpressionnantede33 mètres de diamètre et de 50 mètres dehaut. Mais l’âge d’or de la culture byzantines’achèveen1453aveclaprisedeByzanceparles Turcs qui, pour les historiens, marqueégalementlafinduMoyenÂge.

Envoûté,c’estpassorcier

C’est avec les bénédictins, principaux héritiers de laculture antique, que s’établit le plan traditionnel desabbayesromanes:autourd’uncloîtrebâtiauflancdel’égliseetfigurantlecentredelaviemonastiquesontconstruits les autres bâtiments administrés par lesmoines (ateliers, écoles, maison de l’abbé et des

hôtes,potager,cimetière,etc.).SituéeàSaint-Gall,enSuisse alémanique, la première abbaye de ce typeconnueremonteauxCarolingiens(VIIIe-Xesiècles).

À l’abri derrière leurs épaissesmurailles, lesmoinesconservent pieusement le patrimoine artistique del’Antiquité rescapé des invasions barbares. L’artromandoitainsisadiffusionenFranceetenEuropeàdeuxordresmajeursd’originebourguignonne:l’ordredeCluny,fondéen910,etceluideCîteaux,fondéen1098.

SuivezlesordresLeprestigespiritueletintellectueldel’ordredeClunyl’amène à édifier la plus vaste abbatiale d’Europe :l’abbaye de Cluny qui rivalise en superficie avec labasiliquepapaledeSaint-PierredeRome.RéforméauXIIe siècle par l’austère saint Bernard, l’ordrecistercien n’admet en revanche aucun ornement,sculpture ou vitrail coloré. Ce souci de rigueur estpoussé jusque dans la forme des églises qui necomportentpasd’abside,maissontconstruitessurunplanditencroixlatine,strictementquadrangulaire.

Mais, au-delà de leurs différences, ces religieuxs’accordent sur un point : il serait dangereux pourl’équilibre d’un édifice de jeter sur la nef une largevoûteenpleincintre.Lepoidsrisqueraitdeprovoquerl’écroulementdel’édifice.Lasolutionconsisteplutôtàrépartirlesforceslemieuxpossible.Onréduitalorslalargeurdelanefetonépaissitlesmursenlimitantlesouvertures.Ceciexplique lasemi-obscuritéqui règnesouventdanslesédificesromans.

VerslalumièreLe mur supportant la voûte du sanctuaire roman

repose sur des arcades soutenues par des colonnesadossées à des piliers, la voûte elle-même étantrenforcée au niveau des piliers par des arcs ditsdoubleaux. Afin de d’accroître le volume intérieur etde faire entrer davantage de lumière, les religieuxremplacent le mur sur arcades par des tribunessituéesau-dessusdescollatéraux(lesbas-côtésdelanef). L’éclairage s’effectue par une série de baiespercéesdanslemurà intervallesréguliers,commeàSaint-RémideReims.

À l’extérieur, lesmursde l’églisesontconsolidéspardes contreforts qui neutralisent la poussée de lavoûte. Il arrive aussi que les religieux, toujourspréoccupésparlasoliditédel’édifice,fassentlavoûtedesbas-côtéspresqueaussihautequecelledelanef,commeàNotre-Dame-la-GrandedePoitiers.

Vers la finduXIesiècle,certainsarchitectespassentdupleincintreà l’arcbrisé, nouvelle forme importéed’Orient et annonciatrice du gothique au sièclesuivant,toujoursafindelimiterlapousséesurlesbas-côtés–l’abbayedeClunyestlapremièreàl’employeren France. La nef centrale et les deux bas-côtésprésentent alors trois portes en façade, celle-ci setrouvantflanquéededeuxtours.Pourfaire«riche»,on ajoute deux autres tours au niveau du transept,comme à Cluny ou à Saint-Germain-des-Prés.L’intersectionde lanefetdu transeptestcouronnéed’une tour terminée d’une flèche qui fait office declocher – de forme carrée comme à Cluny oupolygonalecommeàSaint-SernindeToulouse.

Les caractéristiques de l’architecture romane varientaussisuivant lesrégions.Leséglisesbourguignonnesde Cluny et de Vézelay se distinguent ainsi parl’ampleur de leurs proportions. Tandis qu’à Saint-

Martin de Tours, détruite à la Révolution commeCluny, on notera par exemple la présence d’undéambulatoireetdechapellesrayonnantesautourduchœur.

Querellesdeclochersàl’étrangerUnweek-endenNormandie?Dans le sillage de Guillaume le Conquérant, lesconcepteurs des abbayes romanes étendent leurinfluence jusqu’en Angleterre. Les abbayesnormandes s’inspirent ainsi du plan bénédictinordinaireàabsidesdécroissantesdepartetd’autredel’abside principale. Mais les Normands privilégientplutôt la grandeur architecturale au détriment dudécor sculpté. Aussi les façades des églisesnormandes sont-elles souvent sobres et surmontéesd’immensesclochers latéraux,commeà JumiègesouàSaint-ÉtiennedeCaen.

Outrel’ampleurdesproportions,labeautédeséglisesnormandes résideaussi dans la présentationdumurdiviséenplusieursniveauxettravéesoùlessupportsse compliquent à plaisir.Difficile toutefois de couvrirde telsédifices !Onn’yparvientqu’avec la créationd’un nouveau type de voûte : la voûte à croiséesd’ogivesquiconduiraaugothique.

VoyageenItalieL’Italie du début du Moyen Âge affiche plusieursvisagesd’architecture:

byzantine à Venise, au nord et dans leBasilicate;arabeausud,enCampanie,CalabreetSicile;paléochrétienneàRomeetdansleLatium;

romanepartoutailleurs,maissurtoutenToscaneetenLombardie,avecdesparticularitéslocales.

C’estainsiqu’enToscane,ondissimulelastructuredebriques des édifices sous des marbres éclatantscomme dans l’Antiquité (à San Miniato de Florencepar exemple) et que l’on remplace le clocher par uncampaniledisposéàcôtédel’église.

À cet égard, avec sa cathédrale (Duomo), sonbaptistère, son campanile (Tour penchée) et soncimetière (Camposanto) séparés les uns des autres,Piseestassurémentlehautlieuduromanitalien.Lesarcadessuperposéesdelafaçadedelacathédraleetson superbe décor de marbre ont exercé leurinfluence jusqu’ausuddupays.LesbelleséglisesdeLombardie àMilan, Come, Pavie etModène assurentainsi à leur époque la réputation des architectesitaliensenEurope.

Lespèlerinsont-ilslebourdon?Lenord de l’Espagne, resté auxmains des chrétiensaprès la conquête arabe du VIIIe siècle, se partageentrel’artmozarabe (c’est-à-diredeschrétiensayantreçu des influences arabes) et la tradition romanevenuedeFranceetd’Italie.LemonastèreclunisiendeSanJuandelaPena,enAragon,estleplusanciendugenredanslapéninsule(IXe-Xesiècles).LacathédraledeCompostelle (Galice) reproduitaussi fidèlement leplan et l’élévation des églises françaises : transepttrèsmarqué,déambulatoireetchapellesrayonnantes,portailsornementés.

Labeautédesédifices romans résidesouventdans lafinesseet larichessede ladécorationde leurs chapiteaux et de leurs portailssculptés et peints. Notre-Dame-la-Grande dePoitiers (Poitou) possède ainsi une façade quiconstitue un véritable chef-d’œuvre de lasculpture romane.Pour la réaliser, lesmoinesartistessesontinspirésdel’Antiquitéromainedont les bas-reliefs sont encore nombreux enFranceàcetteépoque.Ledécordecolonnesetdepilastresentre lesgrandes figures d’apôtres des églises Saint-GillesetSaint-Trophimed’Arlesfaitpenserauxfrisesdesportiquesd’un forumouàdesarcsde triomphe romains. Loin de singerl’Antiquité, l’artisteromans’estpluàcréerunmonde fantastique et mystérieux, peuplé demonstres à deux têtes, de sirènes, decentaures,degriffons,dedémons,de lionsetautres motifs oniriques, qu’il répand à plaisirdanslesfrisesetleschapiteaux.Àl’étrangetédecesmotifs répond legrandiosedesscènesreligieuses sculptées sur les tympans desportails.Un Christ glorieux – celui de l’Apocalypse –occupe le plus souvent le centre de lacomposition, afin de rappeler le fidèle à ses

devoirschrétiensen lui inspirant lacrainteduJugement dernier. Une vierge consolatricevient parfois contrebalancer cette imagerieeffrayante. Elle connaîtra un grand succèsdurant la période gothique. Autour, surdifférents niveaux, une multitude de figureshumaineset animalières condamne le vice etexaltelavertu.Les ensembles sculptés sont d’autant plusintéressants que la sculpturemonumentale adisparu d’Occident depuis les Mérovingiens.Celle-ci tentederenaîtreautourde l’an1000,commeentémoignentleschapiteauxdeSaint-BénignedeDijon.Plutôt que le relief en arrondi ou ronde-bossedes Anciens, le sculpteur roman préfère unreliefaplati.Ilconserveenrevanchelesfiguresde face ou de trois quarts et le goût desdrapés. Le tympan de l’abbatiale de Moissacprès de Toulouse, achevé vers 1115, estconsidéré comme le chef-d’œuvre de l’artromanduLanguedocetcommel’unedesplusbelles réalisations religieuses de tous lestemps. Il s’inspire des miniatures desmanuscrits, en l’occurrence de celles del’Apocalypse, enluminées dans le monastèrede Saint-Sever en Gascogne. Assis sur untrône, la couronne impériale sur le front,entouré de la silhouette farouche de quatreanimauxsymboliquesetaccompagnépardeuxanges démesurés, le Christ rayonne d’unemajestésurnaturelle. Il rappelle leChrist tout-puissant (pantocrator) de la traditionbyzantine. Au-dessous et tout autour, lesvingt-quatre vieillards de l’Apocalypse lèvent

vers lui la tête, attirés et éblouis par sasplendeur.Lasculptureromanes’exprimeaussidansunemultitude de représentations de la Vierge enmajesté, assise sur un trône avec l’EnfantJésussursesgenoux,desaintsetdeChristencroix,tousenboispolychrome.

Cheminant avec les pèlerins, le modèle français serépandmêmejusqu’auPortugal,commeenattestelacathédraledeCoimbra,puisilfranchitlaMéditerranéeavec lescroisésqui l’implantentenTerresainte (voirle Saint-Sépulcre de Jérusalem), ainsi qu’en Europecentraleetorientale.

Fresquepareille:lapeinture

La peinture romane s’illustre principalement dansdeux domaines : la décoration des églises et lesenluminures des manuscrits – ces dernières luiassurantunediffusionbienplus importantequecellede la sculpture. En effet, les figures romanes sontrarementlefaitd’unseulartiste,maisplutôtd’ateliersambulantssedéplaçantdanstoutel’Europeetrestésanonymes.Lapeintureromanepratiqueenoutredeuxtechniquesparfoismixtes:lapeintureàfresqueet latechniqueàsec.

Détrempe-toi!

Si la technique de la fresque (a fresco) permet depeindresur lemurfrais, latechniquede ladétrempe(tempera) consiste, elle, à peindre sur un mur secavec des pigments mélangés à un liant (œuf, cire,huile, etc.). Les deux techniques nécessitent deuxcouches d’enduit : la première égalise la surface, laseconde reçoit la peinture. La fresque se conservemieux, car, en séchant, la chaux de l’enduitemprisonne les pigments. On a parfois tenté uncompromisentrelesdeuxprocédésquel’onappelleasemifresco.

Plusieurs techniques ont été utilisées en diversendroits de l’église Saint-Savin-sur-Gartempe enPoitou,surnomméelachapelleSixtinedel’artroman.Sa nef de 460 mètres carrés (tout de même !) estcouverte de peintures représentant des scènesbibliques et des figures de saints. Les couleurs sontlimitées(ocrejaune,ocrerouge,blanc,vert)maisleurrépartition donne un résultat impressionnant. Desmarques en creux de contours indiquent l’utilisationde silhouettes découpées ou au pochoir. Cependant,laplupartdesfiguresontétéfaitessanspréparation,rapidement,doncsanspossibilitéd’erreur!

Lesteintesappliquéessurl’enduitperdantdel’éclatàmesureque lachauxs’imbibe, il fauteneffetpassertoutdesuiteplusieurscouchessil’onveutaugmenterlavaleurdesteintes.Onpeutnéanmoinsretoucheràsec en ajoutant des hachures qui donnent alors uneimpressionderelief.

Dans les fresques de l’église Saint-Savin-sur-Gartempe(Poitou),undétailcurieuxattirel’œildu visiteur : Ève est barbue ! Il y a bien euquelques saintes barbues, comme sainteWilgeforte dont le culte sous différents nomsest attesté de la France à la Cappadoce, enTurquie, mais, dans ce cas précis, commentexpliquercettecuriosité?On a supposé que, en 1841, le restaurateurindélicat des fresques n’avait pas compris lesensdesscènes représentéesetavaitaffubléÈve d’une barbe. D’autres avancentl’explication suivante : l’artiste, songeant à laGenèse,auraitmalinterprétéleverset:«Dieucréa l’homme et la femme », qu’il auraitcompris ainsi : « Dieu le créa homme etfemme. » Alors, l’Adam primordial était-ilandrogyne, c’est-à-dire des deux sexes à lafois ? Hum, c’est une question plutôt rasoir,quenousnousgarderonsbiendetrancherici…

ComplètementenluminésLes enluminures, c’est-à-dire les illustrations encouleur destinées à décorer les anciens parchemins,sont l’apanage desmoines – commedans le film LeNom de la rose tiré du roman d’Umberto Eco.Associant des miniatures et des lettres peintes auxcouleurs vives, elles bénéficient, la circulation deslivresaidant,d’unelargediffusionàtraversl’Europe.

LeMoyenÂgevoitégalement fleurirdesproductionsluxueusescomme la tenturede laDameà la licorne(voir ) que l’on peut apprécier comme devéritablespeintures.Derniervestigedecetteépoque,lacélèbretapisseriedeBayeux,longuede70mètres,relate la conquête de l’Angleterre par Guillaume leConquérant.

Enfin, la décoration des églises romanes estcomplétée par de somptueux vitraux colorés dont lecaractère translucide se veut l’expression de laprésence deDieu sur Terre. Destinés aux fidèles quinesaventpaslire(soitl’immensemajoritédesgensàcetteépoque),lesvitrauxretracentlesrécitsbibliquespar l’image, commede véritables bandes dessinées.Lessolssontsouventpavésdetrèsbellesmosaïqueset,outrecesornements, leséglisesromanesabritentaussidefabuleuxtrésorstelsquedeschâssesetdesreliquairesenorouémailléscontenantlesreliquesdesaints,desévangéliairesaux reliuresd’ivoireoud’orrelevés de pierres précieuses, ou des objetsliturgiques(ciboire,calice,crosse)enorouenargent.

Danscechapitre:DescathédralesperduesdanslesnuagesLesourireauxangesLepremierportraitindividualisé

LetermedegothiqueapparaîtàlaRenaissancepourdésigner avec mépris l’art « barbare » qui l’aprécédée. Les Goths font en effet partie de cespeuplades germaniques qui ont ravagé l’Empireromain au Ve siècle. À l’époque, il désigne tout leMoyenÂge,carladistinctionavecl’artromannedateque du XIXe siècle. Le gothique domine l’Europe duXIIIeauXVe siècle, à travers sesmonumentspharesquesontéglisesetcathédrales.Son«manifeste»estl’égliseabbatialedeSaint-Denis.

Unelanguedepierre:l’architecture

Comme le roman, le gothique est un art

essentiellement religieux, dominé par la hautespiritualitéduMoyenÂge.Toutefois,etcontrairementà lui, il n’est plus le fait d’architectes religieuxmaislaïques. C’est en Normandie, connue à l’époqueromanepoursesconstructionsaudacieuses,que l’onsitue la présence d’une nouveauté qui va toutchanger:lacroiséed’ogives.

Destêteschercheusescréentl’ogiveLa croisée d’ogives dans les voûtes répond au soucid’édifier des monuments toujours plus vastes à lagloire de Dieu. Pour mieux repartir les charges, legothique trouve le moyen de consolider les arêtesromanes par des ogives, c’est-à-dire des arcs secoupantencroix.

Sur cette ossature de pierre sont construits lescompartimentsdelavoûte,quisetrouveainsidiviséeen quatre parties indépendantes. Si l’une d’ellefléchit, les autres peuvent rester intactes. Lespousséesdelavoûtesonteneffetcanaliséespar lesogives vers les points d’appui que sont colonnes etpiliers. Les poussées exercées sur ces derniers sontcontrebalancées à l’extérieur par des arcs-boutants,arcsenquartdecerclequis’appuientsurdepuissantscontreforts. L’équilibre des édifices gothiques naîtainsi d’une lutte des forces que l’on cherche àneutraliserentreelles : l’unionde lacroiséed’ogiveset de l’arc-boutant permet d’élever des cathédralestoujoursplushaut,enmultipliantlespointsd’appui.

L’abbéattitudeComme dans ce procédé de construction il est très

difficilededissimulerlesarcs-boutants,l’artgothiqueva faire d’un élément technique un élémentesthétique. Du Beaubourg avant l’heure, en quelquesorte!Auxarcsdoubleauxdel’artroman,legothiqueajouteunarcnouveaudechaquecôtésur lemur, leformeret, quiprend sur lui unepartiedupoidsde lavoûte.

LapremièrecathédralegothiquenaîtenÎle-de-France,à Saint-Denis. Elle devient le prototype de toutescellesquisuivront.Élevéeàpartirde1140parl’abbéSuger, elle se veut grandiose par son architecture,maisaussiparlamagnificencedesasculpture,desesvitraux et de son orfèvrerie. Bref, un chef-d’œuvretotal ! L’abbé considère en effet que la beauté estnécessaire à l’homme, dont l’esprit est trop faiblepour contempler la Vérité nue. Aussi lui faut-il desformesetdescouleurspours’éleveraudivin.

Opérationàchœurouvert

Dans cette nouvelle conception de l’architecturereligieuse,l’organisationduchœuretdelafaçadeestnovatrice.Danslechœur,ledéambulatoire(couloirdepromenade) à chapelles rayonnantes du roman estdédoublé et bâti sur une crypte qui sert desoubassement. C’est aussi à Saint-Denisqu’apparaissent ces faisceaux de colonnettes autourdupiliersicaractéristiquesdescathédralesgothiques.Pour la première fois, la façade est organisée selontrois niveaux et travées, en référence à la sainteTrinité:

leportailgothiquehistoriéavecsesstatues; les colonnes sur les côtés qui se prolongent dans les

voussures(c’est-à-diredanslespartiescourbesaudessusdesportes); le tympan en relief, peint de vives couleurs aujourd’huidisparues.

Desidéeslumineuses

L’innovation majeure de l’art gothique réside dansl’importancedonnéeà la lumière.L’allégementde lastructure grâce aux croisées d’ogives permet lamultiplication des ouvertures ornées de vitrauxcolorés. À l’instar de l’alliance du verre et du bétondans les toursdeManhattanoudeLaDéfense ilyaquelquesannées,onimaginelasensationqueprocureauxspectateursdel’époquecetteallianceprodigieuseduverreetdelapierre!Danscesvitrauxsedéploientdesépisodesde l’AncienetduNouveauTestaments,de la vie du Christ, de la Vierge et des saints, ainsique des allusions à l’histoire ancienne oucontemporaine. Ils constituent de vastes bandesdessinées,destinéesàl’éducationd’unepopulationleplussouventanalphabète.

ÀSensuniqueAprès Saint-Denis, les autres cathédrales de Franceontcherchéà faire toujoursplusbeau,plusgrandetplus haut. Ainsi, pour la cathédrale de Sens,commencée vers 1140 et donc contemporaine decelledeSaint-Denis,onsurélèvelesbas-côtésafindefaire entrer plus de lumière. Les voûtes sont en sixparties,àcausedel’alternancedepilesfortes,piliersavec colonnes et colonnettes, et de piles faibles,

simples colonnes. À Noyon (1150-1225) et à Laon(achevée en 1215), on crée une architecture encoreplusaérienneetlumineuse.L’impressiondepuissancedubâtiments’accroîtàl’extérieurparlaprésencedesept tours, restées inachevées. En façade, la rosaceest augmentée afin d’occuper le centre du secondniveau.

EnattendantHugoNotre-DamedeParis,commencéeen1163,développedes conceptions proches de la cathédrale de Laon.Ellesedistingueduplandecelle-cipar ladisparitionde l’avant-nef, chère aux édifices romans et encoreprésente à Saint-Denis. Autre nouveauté : un doubledéambulatoirequirépondauxdoublesbas-côtésdelanef. Comme ceux-ci ont toutefois l’inconvénientd’éloignerlasourcedelumière,pourremédieràcela,les ouvertures de la nef s’allongent et d’immensesrosaces sont percées dans le transept. Celles deNotre-DamesontlesplusvastesdeFrance!Lafaçadeest un véritable chef-d’œuvre de régularité et desymétrie, un fait plutôt rare dans les cathédralesgothiques. Une galerie aérienne relie en façade lesdeuxtoursau-dessus,suivantunmotifvuàNoyon.

Au XIXe siècle, l’écrivain Victor Hugo immortaliseNotre-Dame et Quasimodo, son célèbre bossu.L’architecteViollet-le-Ducrestaurealorslacathédraleet,fierdesonœuvre,yinstallesaproprestatue,danslagaleriedesroisduportail!

SourireauxangesCommencée vers 1194, la cathédrale de Chartres

(voir ) est lepointdedépartdugrandartdu XIIIe siècle. Avec elle disparaît la voûte en sixpartiesetlestribunes,cecipermettantdesuréleverlahauteur des bas-côtés. Leurs ouvertures devenuesplus hautes accueillent plus de lumière et facilitentl’agrandissement de celles de la nef. L’ensemble estretenu à l’extérieur par de puissants arcs-boutantssuperposés.Lahauteurestportéeà37mètrescontre30àNotreDame!

Reims reprend les nouveautés de Chartres, maisramène l’intérieur à de plus justes proportions. Lavoûte, aussi portée à 37mètres, semble plus hautegrâce à un artifice : la nef a été rétrécie. Reimsmarque surtout un progrès dans la conquête de lalumière,avecnotammentenfaçadelestroisrosesquiremplacent les tympans aveugles, illuminant ainsitoutlebasdelacathédrale.

La tradition de décoration des vitraux se poursuitjusqu’au XXe siècle avec le peintre Chagall. Reimsprésente le type parfait de la baie gothique, diviséepar une fine colonnette dénomméemeneau, qui estsurmontéeducercle légerd’une rose.Cemotif,déjàconnu à Chartres, a gagné ici en souplesse et enraffinement. À l’extérieur, Reims charme à nouveaupar son élégance. Tout est fait pour donner plus degrâce, de légèreté et de finesse à l’ensemble. Lasculpture se fait chaque foisplusprésente : les troisporches de la façade ont été amplifiés et peuplésd’anges,desaintsetdevisionsdivines.Desortequel’on a surnomméReims « la cathédrale des anges »(voir ).

Bâtieàl’emplacementdubaptêmedeClovis,premierroi franc chrétien, elle sera le lieu de couronnement

desroisdeFrancejusqu’àCharlesX.

Touts’écrouleAmiens marque l’apogée de l’art des cathédrales.AussilargequecelledeReims,lanefestportéeà43mètres de haut ! La lumière rentre pleinement dansl’édifice par de vastes ouvertures. Consacrée à laVierge,lachapelleaxiale,pluslonguequetouteautre,a pu servir demodèle à la Sainte-Chapelle de Paris.OnretrouveenfaçadelesporchesdeLaon,lagaleriedes Rois de Notre-Dame de Paris et la richessedécorativedeReims.

La course à la verticalité et à la lumière descathédralesgothiquestrouvecependantseslimitesàBeauvais.Ondécidedeporterlahauteurdelavoûteà 47 mètres ! Mais elle s’écroule. Reconstruite enrenforçant les arcs-boutants et en augmentant lenombre de piliers, Beauvais s’arrête finalement auniveaudu chœur et du transept. La cathédrale subitune dernière tentative par l’installation, au XVIesiècle, d’une tour lanterne de 153 mètres, la plushaute dumonde chrétien…qui s’écroule à son tour,marquant symboliquement la fin des prétentionsgothiques.

Comme pour l’art roman, la peinture del’époque gothique est d’abord et encore

l’enluminure, dont unexemple réputéestLesTrèsRichesHeuresduducJeandeBerry(vers1409).Étoffe de soie blanche destinée à êtresuspendue derrière un autel, le Parement deNarbonne fait la transition entre l’enluminureetletableau.CharlesV,roideFrancede1364à1380,etsa femmeysontreprésentés,déjàpeints comme de vrais portraits individuels.L’initiale K pour Karolus, soit Charles, estrépétéetoutlelongdelabroderie.Le premier portrait à être traitéindividuellement est celui de Jean le Bon, quirégna de 1350 à 1364. C’est aussi l’une desraresœuvresfrançaisessurboisduXIVesiècleencoreconservée.Legenreduportraitofficielestalorslancé.Unautreportraitroyal,celuideCharlesVII(1403-1461)montrelesqualitésdeportraitistedupremiergrandpeintre français,Jean Fouquet (vers 1420-1480). Pour lapremièrefois,leroin’estprésenténienprière,niendonateur.Silevisageestdetroisquarts,lecorpsestdeface.Deuxrideauxencadrentlepersonnage et forment un losange avec sesbras. Cette composition géométriquerencontre du succès puisqu’elle sera encoreutilisée au XVIe siècle pour le portrait deFrançois Ier.Denos jours, leportraitpolitiqueremplittoujourssafonction:leprésidentdelaRépublique a sa photo présente dans touteslesmairiesdeFrance.

Lepleindessens:«LaDameàlalicorne»Les tapisseriesdeLaDameà la licorne (voir) sont redécouvertesauchâteaudeBoussacdans

laCreuse,en1841,parProsperMérimée.TisséesauXVe siècle, cinq tapisseries illustrent les cinq sens.Une sixième intitulée À mon seul désir est plusmystérieuse. Le commanditaire en serait Jean LeViste, proche du roi Charles VII. En 1882, lecollectionneur Edmond du Sommerard les achète eten fait don à l’État, enmême tempsque l’hôtel desabbésdeCluny(actuelmuséedeCluny).

Les couleurs sont peu nombreuses mais suffisent,dans l’élégance du décor, à créer des scènes quibaignent dans un merveilleux poétique. La légendeattribua leur confection à un prince sarrasin encaptivité,sansdouteàcausedescroissants.

Danscechapitre:L’architecturemoderneÊtreprisonnierdelamatièreLapeintureenrelief

LaRenaissanceest l’importante rénovationculturelleet artistique qui a lieu en Europe aux XVe et XVIesiècles.Ellepartd’Italieet lavilledeFlorencey joueunrôleprépondérant.DesmécènesgénéreuxcommelesMédicisattirentdesartistesqui renouvellent l’artoccidental,etcepourplusieurssiècles.

Dans les troisarts (architecture, sculpture,peinture),la Renaissance rompt avec le Moyen Âge surtoutgrâce à l’invention de la perspective, nouvellereprésentation de l’espace. Les Florentins créent àcette époque ce qu’on a appelé le naturalismescientifique, c’est-à-dire une observation minutieusede la nature et la recherche des raisons desapparences,toutenretrouvantlesmodèlesantiques.

Lespeintres fondent leurart sur leursconnaissancesaussi bien en anatomie qu’en perspective, définiemathématiquement comme linéaire ou conique. Onétablitquelaligned’horizonestleplanquipasseparl’œil du spectateur et que les différentes lignesperpendiculaires se regroupent vers un même pointsurcetteligne,lepointdefuite.

Enfinlaviedechâteau:l’architectureLa Renaissance en architecture apparaît d’abord enItalie, au quattrocento, qui correspond à notre XVesiècle. La façon de dire peut intriguer car quattrocorrespond à quatre ! L’expression française serait« les années 1400 ». L’architecte Brunelleschi endemeurelafiguremarquante.

Remettreunpeud’ordre:l’Italie

Grâce à ses grandes connaissances architecturales,aussi bien des monuments antiques que gothiques,FilippoBrunelleschi (1377-1446) révolutionne son artpourtouslessièclesàvenir!Ilrelèveavecsuccèsledéfi de la construction du dôme de la cathédralegothique de Florence par une astucieuse adaptationdel’architectureantiqueintégréeaugothique.Ilestlevéritable créateur de toute l’architecture moderne,qu’il s’agisse des bâtiments prestigieux ou dessimplesmaisonsd’habitation,enposantdenouveauxprincipesdeconstruction.

L’artiste invente également la perspectivemathématique ou linéaire qui permet, par le calcul

des proportions, de donner désormais à la peintureuneapparencedeprofondeuretderelief.

Unbouillonnementd’idéesEn reprenant les inventions de Brunelleschi,l’architecte Leon Battista Alberti (1404-1472) réussitfacilement à transformer les châteaux forts urbainsflorentins en palais. L’artiste applique sur leursfaçades une superposition de pilastres quicorrespondentàchaqueétageàunordregrec,surlemodèle du Colisée de Rome. Chaque architecte adésormais une plus grande liberté dans le choix del’ornementation et des détails. Imitée de la Grèceantique, une corniche très saillante remplace lesanciens créneaux etmâchicoulis, ces trous sous lesremparts qui permettaient de faire couler surd’éventuels agresseurs de l’eau bouillante ou de lapoix (etnonpas l’huile,commeon l’entendsouvent,alorsbeaucouptropchère).

La basilique Saint-Pierre de Rome est l’églisecentrale de la chrétienté. Sa coupole estl’œuvre de Michel-Ange et sa façade, deMaderna. Construit entre 1506 et 1614, lebâtiment inaugure et consacre l’ordrecolossall, qui consiste à ériger une colonnadeuniquede labaseau sommetde l’édifice, aulieu de superposer des ordres pour chaqueétagedel’édifice.DonatodiAngeloBramante(1444-1514),quiconçoit leplanoriginelde labasilique,ditqu’ilveutfaire«porterlacoupoledu Panthéon d’Agrippa par les voûtes de la

basilique de Constantin », un programme quimarque bien la référence aumodèle antique.Cependant, Bramante meurt avant que sonœuvrenevoielejour.

MaureàVeniseQuelleplusbelleavenuequecelleduGrandCanalàVenise?Lepalaisvénitienestconstruitsur lemêmeplan carré à cour intérieure que le palais florentin,mais comme il n’est pas une forteresse – la seulemuraille de Venise est sa flotte (c’est-à-dire sesbateaux,pasl’eau)–lepalaisprivilégieladécorationde sa façade sur le canal. Comme en peinture, lesinfluences orientales et européennes donnent àl’architecturevénitiennesoncharmeparticulier,avecses arcs surbaissés, ses fioritures du gothiqueflamboyantetsesgaleriesàcolonnettes.L’architecteAndreadiPietro,ditPalladio(1508-1580),adapteauxfaçades vénitiennes les ordres antiques et crée àVicence et dans sa région des villas à colonnadesimitéesdel’antique,commecellesquel’onvoitdanslefilmAutantenemportelevent.

Unbeaupalais:laFrance

La Renaissance architecturale s’illustre surtout enFrance. Jusqu’à la fin du XVe siècle, l’architectureféodalemilitaire s’améliore sans cesse. En raison duperfectionnementdel’artillerie, lesrempartsépaisetles hautes murailles perdent de leur importancepratique. Des fenêtres peuvent alors être percéesdans les murailles, celles-ci devenant parfois mêmeinutiles.Parexemple,àChaumont, touteuneailede

l’enceinte est supprimée pour dégager la vue sur laLoire.Lechâteaufortsetransformeenpalais.

À la mort d’Henri II, Catherine de Médicisachète le château de Chaumont. Aux sièclessuivants, des financiers le transforment enrésidence luxueuse, pour hôtes prestigieux,comme les écrivains Mme de Staël ouBenjaminConstant.En 1875, un certain Amédée de Broglie, prisd’unsérieuxbéguin,épouseMarieSay,lafilledu roi du sucre et, qualité indéniable, la plusriche héritière de France. Marie Say et sonépouxtransformentChaumontendemeurederêveavectoutleconfortmoderne.En1903,lechâteau est éclairé grâce à une centraleélectriqueprivée!Laviesedérouleenfêtesetenspectacles,grâceaumariquisaitgérersesdomaines.Leschâtelainsn’hésitentpasàfairevenirspécialementlesacteursdelaComédie-Française!MarieSay,quiabeaucoupvoyagé,qui est fort cultivée et pleine d’esprit, animeces lieux comme une de ces grandes damesde la Renaissance. C’est un défilé permanentd’hôtes de marque, jusqu’au maharadjah deKapurthala,qui luioffre,pour laremercier,unéléphant auquel on est obligé de construire

uneécuriesurmesure!

ChâteauforttoutconfortConstruit en 1467 par Jean Bourré, le ministre desFinancesdeLouisXI,LePlessis-Bourré(Maine-et-Loire)mélangelesstylescommeàChaumont.Sesdouvesetson donjon lui conservent un aspect de forteresse,vite démenti par les élégantes ouvertures dans lesmurailles. La décoration intérieure est celle d’unedemeure confortable de la Renaissance, avec debellespeintures inattendues.Certainesévoquentdesproverbes, des récits traditionnels, d’autres sontalchimiqueset l’unemontreuncurieuxvéhiculeà lafoisl’ancêtreducharàvoileetduskate-board.

UnevueimprenableLe château d’Amboise est encore un mélange duvieuxstyleféodaletdunouveaustyle,parsondonjonconservédel’ancienneforteresse.Àcetteépoque,onne rase pas tout. On ajoute une agréable galerie àpartirdecettetouravecunebelleterrassequidominelaLoire.Dans lemêmeesprit, lesvilles transformentleurs remparts en promenades, participant à lanaissanceduboulevard,motquivientdunéerlandaisbolwercdésignantlecheminderonde.

LestyleRenaissanceenarchitecturen’estpas

uniforme comme le prouvent les deuxexemplesfortdifférentsdupalaisdejusticedeRouen et du Louvre à quelques annéesd’intervalle.On reconnaît bien au palais de justice deRouen (1499-1550) les arêtes montantes dustylegothique,quisavents’adapterauxligneshorizontales des étages superposés. Ladécoration est ici la plus exubérante qui soit,justeà lafindustyleflamboyant,où lapierreestdevenuedeladentelle.À partir de 1546, François 1er confie àl’architecte Pierre Lescot (1515-1578) lareconstruction du Louvre à l’emplacement duchâteau fortentièrement rasé.Sonaile sur lacourCarréerassembleenfaçade(voir) les traits principaux qui feront lamarque

et le succès de l’architecture françaiseclassique au XVIIe siècle. Nettement marquépar des corniches saillantes, chaque étagereprend un ordre antique, comme au Coliséede Rome, et les pilastres portent unentablement comme le feraientdes colonnes.Pour rompre la monotonie de la façade,l’artisteconçoitdespavillonsensaillieavecunfronton.Danslesintervallesentrelespilastresde ces pavillons prennent place des statues.Les bas-reliefs de l’attique, c’est-à-dire del’étageduhaut,sontdusculpteurJeanGoujon.

L’espritd’escalierConstruitpourFrançoisIer,avecencoredesélémentsdu château féodal comme les quatre tours et les

chemins de ronde, le château de Chambord estl’exemple d’un style nouveau d’origine italienne. Saréalisationnécessiteprèsde2000ouvriersetartisanspendantprèsdetrenteans!

À l’intérieur, l’escalier circulaire central à doublerévolution est une invention géniale de Léonard deVinci, permettant à deux personnes de monter oudescendre sans se rencontrer ! À la différence deChambord, bâti sur un plan régulier, Blois seraconstituédebâtimentsdifférents.

UnchâteaudelaLoireenÎle-de-FranceL’architecteJeanBullant(1515-1578)travaillepourleconnétable Anne (prénom aussi masculin oublie-t-onsouvent) de Montmorency à Chantilly, et surtout àÉcouenoùilélèvevers1553l’ailenordduchâteau.Ils’agitd’unbâtimentcarréàpavillonssaillantssuivantla tradition décorative française. L’artiste marie lesens du monumental et les effets plastiques enélevantsurl’ailesudunavant-corpsàordrecolossal,c’est-à-dire des colonnes qui s’élèvent sur toute lafaçadedubâtiment.DanslesvidesentrecescolonnessontexposéslesEsclavesdeMichel-Ange,achetésparleconnétable,avantqu’ilsnerejoignentleLouvre.Sadécoration en fait un des hauts lieux de laRenaissance françaisedumilieuduXVIe siècle, avecdouze superbes cheminées peintes et les dixtapisseries qui relatent l’histoire de David etBethsabée.

L’artetlamatière:lasculpture

La véritable rupture avec la statuaire gothique est

l’œuvre de Donatello (1386-1466). Pas évidentd’affronterundragon!SonSaintGeorges(1415),biencampé sur ses pieds, révèle par sa posture sadéterminationetlesplisdesonfrontconfirmenttoutel’énergiequ’ildégage.Noussommesloindesstatueslisses et sereines du gothique, comme l’Ange deReims (voir ) ! Ainsi, la recherche desdétails montre qu’en sculpture aussi prévaut lenaturalismescientifique.

La Renaissance se caractérise également parl’émergence d’artistes compétents dans tous lesdomaines des beaux-arts, comme Michel-Ange, sansdouteleplusprestigieux.Sesréussitesenpeintureetensculptureenfontungénieuniversel.

D’unseulbloc:Michel-AngeLe clergé de Santa Maria dei Fiori possède depuislongtemps un énorme bloc de marbre de Carrare.Plusieurs sculpteurs ont tenté de l’exploiter sanssuccès. Michelangelo Buonarroti (1475-1564), ditMichel-Ange, arrive et assure pouvoir en tirer unefigure d’un seul tenant sans aucune pièce de rajout.SurgitlecolossalDavid(1501-1504)destinéàl’entréeduPalazzoVecchio.Ils’agitdupremiernuintégraldela sculpture moderne exposé à la vue de tous et ilévoque clairement la statuaire grecque par sonénergiqueélégance.

LessculptureslespluscélèbresdeMichel-Angesont:

lereliefdelaViergeàl’escalier(1491)danslaquelleilromptaveclatraditionenmontrantMariedeprofiletJésusdedos;leBacchusquitémoignedesongoûtpourl’antique; laPieta de Saint-Pierre deRome (1498-99), où le contrasteentre le cadavre du Christ, nu et horizontal, et la figure

accabléede laVierge, de ses vêtements auxplis drapés, estsaisissantdevirtuosité.

Admirateur de l’Antiquité, le sculpteur JeanGoujon (1510-1566) décore de bas-reliefs lafontaine élevée par Pierre Lescot près ducimetière des Innocents. Comme il fautdécorer l’intervalle entre les pilastres d’unsujet en rapport avec une fontaine, lesculpteur réalise des nymphes qui sont unchef-d’œuvre du bas-relief, parfaitintermédiaireentrelasculptureetlapeinture.Danslescorpsallongésdesjeunesfemmesestvisible l’influencedespeintres italiensquiontintroduitàFontainebleaucegenredebeauté.LaRenaissanceréussitàintroduirecettegrâcemêmedansl’artfunéraire:c’estlecasdanslemonument dit Les Trois Vertus ou les TroisGrâces. Trois gracieuses jeunes femmesportent l’urnecontenant lescœursdeHenri IIet de Catherine deMédicis. Leur élégance etleurcharmeenfontunsommetdelasculptureRenaissance.Germain Pilon (1537-1590), lui, incorpore àl’art renaissant le réalismepathétiquede l’artgothique. À Saint-Denis, cela aboutit autombeau desmêmesHenri II et Catherine deMédicis,oùlegisantduMoyenÂgeestdevenule transii, le cadavre saisi dans les tourmentsdelamort(voir ).

PrisonnierdelamatièreLe talent de Michel-Ange lui vaut d’être appelé en1505parlepapeJulesIIquiluiconfielaréalisationdeson tombeau et la décoration de la chapelle Sixtine.Lepremierprojets’égaredansdesvoiesmultiplesetfinitbienloindesambitionsd’origine.L’artisteréaliseàceteffetsoncélèbreMoïse (voir ) censémontrer la grandeur terrible du prophète et deuxesclavesqu’ilnepeut replacerdans leprojet finaletquipartentenFrance.

Cesfiguressontaucœurdesconceptionsesthétiquesde Michel-Ange en sculpture : l’œuvre doit êtreinscrite dans la matière et la tâche de l’artisteconsiste à l’en dégager, un peu à la manière d’unaccouchement. Le caractère non fini de sessculptures, le non finito, n’est pas dû à un artistesubmergé par les projets, mais à une volonté de lelaisserainsi,prisonnierdelaganguedepierrecommel’hommel’estdelamatière.

La spectaculaire statue de Michel-Ange (voir)pourletombeaudupapeJulesIIa

étonné des générations de touristes. Dans latraditioniconographiquechrétienne,Moïseestreprésenté avec des cornes, qui deviennentdes branchages dans un curieux dessin dumusée Magnin de Dijon. Des spécialistes ont

mêmeavancélathéoried’uneconfusionavecle dieu égyptien Amon porteur de superbescornes de bélier. En fait, la raison de laprésencedescornessurlatêtedeMoïseestàchercherdanslesÉcrituressaintes.Au IVe siècle, saint Jérôme entreprend dedonner une version en latin de la Bible, cellequiestnomméelaVulgate,avecpourambitionde la rendre plus conforme au texte originalhébreu. Bien plus tard, le concile de Trente,désireuxdeseréféreràuntextecommode,ladéclare«authentique»,maissanspourautantvouloirdireencelaquetouslesdétailsensontexacts. En effet (et nous en revenons à noscornes) au chapitre XXXIV verset 29 del’Exode,MoïsereçoitlesTablesdelaLoisurleSinaï (quand on en a fait l’escalade, on saitqu’il a eu du mérite). Le texte hébreu de laBible dit : « Or il arriva que lorsque Moïsedescendait du Sinaï, tenant en sa main lesdeux tables du témoignage, or dis-je, qu’ildescendait de la montagne, il ne s’aperçutpointquelapeaudesonvisageétaitdevenueresplendissante pendant qu’il parlait avecDieu. » Or, le texte de la Vulgate utilisecornuta,quisignifie«cornue».Ilestpossibleque le contresens ait eu lieu sur la racinehébraïque«KRN»ayantlessensdecorneourayon,commeilesttoutaussipossiblequ’ilyait là une erreur de copiste où coronuta,«couronnée»,aitétélucornuta!

Enfinunpeudeprofondeur:lapeinture

LefoyerprincipaldelapeinturedelaRenaissancesesitueà Florence, en Italie, où se succèdentplusieurspeintresdegénie:

les derniers artistes de technique et d’inspirationmédiévales : durant la premièremoitié du XVe siècle vit FraAngelicodeFiesolequicouvrelesmursdesoncouventtoscandepeinturessuaves; les grands naturalistes comme Masaccio (1401-1428) etUccello(1397-1475):lapremièreapplicationdelaperspectivemathématique en peinture est le fait de Masaccio dans saSainte Trinité (vers 1425-28) à l’église Santa Maria Novella,véritablepeintured’architecturetantelleprésentederelief;lesmaîtrespleinsderaffinementcommeBotticelli.

Pour lespeintresde laRenaissance, lesdieuxdelaGrèceconstituentuneimportantesourced’inspiration. Botticelli (1447-1510), de sonvrai nomSandro Filipeli, peint par exemple laNaissance de Vénus. Peintre, sculpteur,graveur : comme souvent à l’époque, sontalentademultiplesfacettes.Onvoittoujoursà Florence, au musée des Offices, soninterprétation,d’aprèsletextedel’écrivaindel’Antiquité Lucien, de la Calomnie du peintreApelle. L’artisteadonnésespropres traitsaupeintre grec terrassé par la médisance. CetApelle-là, contrairement à ce que l’on a pucroire,n’estpaslepluscélèbrepeintregrecdel’Antiquité,maisunhomonyme.Àcettesourced’inspiration qu’est l’Antiquité idéale, s’ajoute

l’inspiration religieuse : Botticelli peint denombreuses madones au charme délicieux.L’artiste sait aussi renouveler l’inspirationantique de façon originale avec le Printemps.Au XIXe siècle encore, il inspire lespréraphaélites anglais et les symbolistesfrançais(voirChapitre17).

DequoifaireuneCène:LéonarddeVinciLaseulenoblessedeLéonarddeVinci(1452-1519)estcelledutalent,carle«de»indiqueuniquementsonlieu de naissance, Vinci donc, près de Florence.Ginevra de Benci, son premier portrait connu, estpeint vers 1474. Son Annonciation confirme sonpouvoirdecréerdesformesparfaites,lumineuses,etdelesplacerdansuncadrenatureletensorcelant.

CèneoccupationEnvoyéàMilanparLudovic leMore,Léonarddéploiepour lui toussestalents. Iln’estpasalors levieillardbarbu que l’on connaît, mais un homme beau quipratiquetouslesartsducorpsetdel’esprit.Pendantcinq ans, le maître travaille à la statue équestre deFrancesco Sforza, qui ne fut pourtant jamais fondue.Desdix-huitannéespasséesàMilan,onn’aconservédesapeinturequequelquesportraitscommelaDameà l’Hermine et ses premiers chefs-d’œuvre : lapremièreversionde laViergeauxRochers et, sur lemurduréfectoireaucouventSantaMariadelleGrazieà Milan, la Cène peinte de 1495 à 1497, en trèsmauvaisétataujourd’hui.

Voici un extrait d’une lettre de Léonard deVinci au duc de Milan Ludovic Sforza, dit leMore,en1482,quimontre l’espritdugénieàl’œuvre dans un tout autre domaine que lesbeaux-arts. On n’a pas lu depuis lettre demotivationplusconvaincante.«TrèsIllustreSeigneur,« J’aimaintenantvuetbienexaminécedontsont capables ceux qui se donnent pourspécialistes des machines de guerre ; leprincipe et le fonctionnement de celles-ci nediffèrent en rien de l’usage courant. Aussitenterai-je, sans porter tort à personne, dem’adresser à Votre Excellence pour luidécouvrir mes secrets et lui proposer deréaliser, au moment qu’il lui plaira le mieux,tout ce qui va être brièvement énuméré ci-dessous:«Jeconnaisunmodèledepontstrèslégersetsolides,facilesàtransporter.[…]« Si la bataille avait lieu surmer, je possèdedes modèles de nombreuses machinesparfaitement adaptées à l’attaque et à ladéfense,etdesvaisseauxquirésisterontautirdesplusgroscanons,àpoudreetàfumée.[…]« Je fabriquerai des chars couverts, sûrs etinattaquables, qui entreront dans les lignesennemies avec leur artillerie et enfonceront

touteformationdetroupes,sinombreusesoit-elle. L’infanterie pourra suivre, sanspertes etsansobstacles.[…]« En temps de paix, je crois pouvoir donnertoute satisfaction, à l’égal de quiconque, enarchitecture,enconstructiond’édificespublicsetprivés,enadductionsd’eau.Enpeinture,jepuis faire ce que ferait un autre, quel qu’ilpuisseêtre.[…]«Enoutre,pourraêtreentrepris le chevaldebronzequiseralagloireimmortelleetl’éternelhonneur du prince votre père, d’heureusemémoire,etdel’illustremaisondesSforza.Etsi l’un des points du programme énuméréparaissaitàd’aucunsimpossibleetirréalisable,jemedéclareprêtàenfairel’essaidansvotreparc ou en tout lieu qu’il plaira à VotreExcellenceàqui jeme recommandeen toutehumilité.

«LéonarddeVinci»

DouceFrance

LasecondepériodeflorentinedeLéonard(1502-1506)voit aussi sa confrontation avec le jeune et puissantMichel-Ange pour la décoration de la salle du consulduPalazzoVecchio.SaBatailled’Anghiaridevaitfaireface à la Bataille de Cascina de son cadet mais lesdeuxœuvresrestentinachevées.DeretouràMilanen1507, il peint les Saint Jean et Bacchus du Louvre.Dépassé par les créations de Raphaël lors d’unpénible séjour romain (1515-1517), l’artiste acceptel’invitationduroideFrance.Ilapportesesœuvresles

plusillustresàFrançoisIer,d’oùlaprésencedeSainteAnne, laViergeet l’Enfant Jésus (1501)auLouvreetsurtoutduportrait deMonaLisa, la célèbre – lemotn’estpastropfort– Joconde(1505-1506,voir). Outre le sfumato (effet vaporeux de flou

artistique) et ces paysages énigmatiques à l’arrière-plan,Léonardcréelàunnouveaustyledefigure,plussoupleetplusnoblequelesprécédents.

L’espritdechapelle

MichelangeloBuonarroti(1475-1564),ditMichel-Ange,est à la fois peintre, sculpteur et architecte. Pour ladécoration de la chapelle Sixtine, le pape Jules II luiconfie lavoûte,puisPaul III lemurdu fond.C’estunchef-d’œuvre absolu de la peinture tant par lacomplexité de l’œuvre, la difficulté de sa réalisationque la force impressionnante qui s’en dégage. Lavoûte est d’une conception révolutionnaire, car pourlapremièrefoisapparaîtunearchitecturepeintedanslaquelle prennent place les figures, ainsi quedifférentes scènes tirées de l’Ancien Testament aucentre.Cetypededécorconnutparlasuiteunsuccèsprodigieux. Sur le mur, c’est le thème du Jugementdernier,oùl’onvoitunehumanitésansdéfensedanssanudité,tandisqu’unbeauChristmusculeuxfaitaucentrelaséparationentrelesbonsetlesméchants.

L’èred’unange:RaphaëlRaffaello Santi, dit Raphaël (1483-1520), est à lapeinture ce que Mozart sera à la musique. Il naît àUrbino, dans les délicieux paysages d’Ombrie. Sesdonséblouissantsluipermettentdes’établirdèsl’âgede 17 ans. De 1504 à 1508, Raphaël demeure à

Florence où il assimile avec la promptitudedugénietout ce que les créations de Léonard peuvent luiapporter.

ChambresàpartAinsi, Raphaël décline les paysages mystérieux, lesfumato,lacombinaisondesfiguresetlanoblessedesformes dans ses Vierge dans la prairie (1506) etVierge au chardonneret (1506), ainsi que dans LaBelleJardinière(1507,voir ).

En 1508, il s’installe à Rome pour la décoration del’appartementdeJulesIIauVatican.Ils’agitdequatresalles oùRaphaël doit déployer ses talents àgrandeéchelle, et ceci pas seulement à cause de leursproportions!LaChambredelaSignature(1508-1511)estconnuepoursesfresquesdeLaDispute,deL’Écoled’AthènesetcelleduParnasse.Lemaîtredécoreaussila Chambre d’Héliodore (1511-1514), celle dite del’Incendie du Borgo (1514-1517) et la salle deConstantin (1520-1524), qui sera achevée par sesélèves.

DeuxangelotsdiablotinsRaphaëlestdanslemêmetempsl’auteurdetableauxcélèbres comme le portrait de Baldassar Castiglione(1515).LaMadonedellaSeggiolaaunformatronddittondo. La Madone Sixtine, conservée aujourd’hui àDresde,est trèsconnuepour lesdeuxangelotsdansle bas du tableau. Leur poster fait fureur. Peints entrompe-l’œil, ils ont l’allure de deux garnements quisongentàfaireunebêtise.

L’idéal de l’humaniste de la Renaissance est parailleurs de comprendre toute la culture de sonépoque.Raphaëlexercel’architecturesousl’influencedeBramantequ’il remplaceaprèssamortauprèsdu

pape. Son œuvre la plus importante, quoiqueinachevée, est la villa Madama, villa à l’antiqueorganiséeautourd’unevastecourcirculaire.

Hauteencouleur l’écolevénitienne

Autre lieu prestigieux de la Renaissance, Venise voitnaîtreuneécoledepeintresqui se caractériserapardestoilesdécorativesauxvastesdimensionsoù,pourconserverleréalismedelareprésentation,lesartistesrendent aux couleurs et à la lumière toute leurintensité.

Le premier de ces peintres, Giorgio Barbarelli, ditGiorgione (1477-1510), laisse une œuvre encoredifficileàcerner.Ilrestedeluiunevingtained’œuvressûres, dont la Tempête, dite aussi La Famille dupeintre,où,dansunpaysaged’orage,unefemmenueallaitesonenfant.

Les ateliers ambulants duMoyenÂgeavaientcontribué à favoriser les échanges entreartistes et une diffusion internationale dugothique. Avec le développement des villes àla Renaissance, les artistes, après avoirdémontré leur savoir-faire, s’y installent etcréent leurs guildes ou corporations, seules

habilitées à recevoir des commandes. Lescorporations veillent aux intérêts de leursmembreset limitent la concurrencedans leurville aux seulsmaîtres prestigieux invités pardes mécènes riches et puissants. Commel’artiste qui dirige une corporation peutrecevoir des apprentis, on assiste à lanaissancedesécolesdepeinture.Celles-ci sont néanmoins très éloignées desécolesdesbeaux-artsquiapparaîtrontauXIXesiècle. L’apprenti effectue en effet de menustravaux, comme l’entretien du feu ou lapréparationdescouleursdans l’atelier,qui luipermettent d’observer le peintre dans sontravail. Avec le temps, il peut participerpartiellement à une œuvre, jusqu’à se voirconfier son entière réalisation, sous l’œilvigilant du maître qui a décidé de lacomposition.Ainsi souvent lespeintures sont-elles des œuvres collectives nées des écolesquifleurissentunpeupartoutenEurope.

Adosséeaumur

LederniertableaudeGiorgioneestlaVénusendormiede Dresde, dont certaines parties sont d’un de sesapprentis, nommé… Titien. Deux maîtres pour uneseuletoile!TizianoVecellio,ditTitien(1485-1576),ale premier en Italie donné à la peinture à l’huile lesvastes dimensions de la peinture murale. Elles sontensuite marouflées, c’est-à-dire collées au mur. Unbon exemple est la Présentation de la Vierge auTemple, où Marie a les traits de Lavinia, la fille dupeintre.C’est l’aspectdécorateuretpeintre religieux

duTitien.

UnedouceViolante

Titienaaussiuneinspirationpaïenne,quel’ontrouvedans des tableaux comme Bacchanale ou Amoursacré et amour profane où Vénus, assise sur lesarcophage d’Adonis, plaide la cause du peintreauprès la très belle Violante, qu’il aimait. La toilebaigne dans l’atmosphère du Songe de Poliphile deFrancesco Colonna, roman initiatique fort prisé à laRenaissance.EllepermetdevoirqueTitienestundesmeilleurs portraitistes de toute la peinture et saitinsuffler à ses œuvres une vie profonde. Comme lepeintre est devenu l’intime des grands hommes deson époque, ses toiles présentent aussi unconsidérable intérêtdocumentaireennous restituantlestraitsdespuissantsdel’époque.

Depuis le Moyen Âge, la différence estclairement établie entre les arts nobles ditslibéraux, comme la littérature, opposés auxartsserviles,relevantd’unepratiquemanuelle.À la Renaissance, le peintre-artisan souhaiteêtre reconnu et traité à l’égal du poète, etcommence à y parvenir comme le montrel’anecdotesuivante.TitienestlepeintrefavorideCharlesQuint,quia pourtant déjà à sa disposition le génial

Vélasquez.Lepeintreareprésenté l’empereurassisdansunepositionméditativeouentenuedeguerre,àchevaletenarmureà labataillede Mühlberg où il bat les protestantsallemands.AndréFélibien(1619-1695),undespremiershistoriensdel’art,rapportequeTitienestoccupéàfaire leportraitdeCharlesQuintquand,parmégarde,illaissetomberundesespinceaux. L’empereur le ramasse. Titien estvivementémuparcegrandhonneurets’écriequ’il n’est pas digne d’avoir un tel serviteur.CharlesQuintrépond:«LeTitienmérited’êtreservi par des Césars. » Dans les Lettres del’Arétin, le même Charles Quint fait souleverune table par ses courtisans. Titien s’y tientdeboutetpeutainsiplusfacilementretoucherun tableau. Ces anecdotes soulignent le faitque l’artiste estmaintenant respecté par sonmécèneetquasimenttraitécommeunégal.

Peindrelespiedsdansl’eau

L’école vénitienne ne fut pas composée uniquementdeVénitiens:

Corrège (1489-1534) vit à Parme, où il peint des scènesmythologiques et des fresques comme sonAssomption de laVierge(1526-1530)audômedeParme.Ildoitaussibeaucoupà Léonard de Vinci dans sonMariage de sainte Catherine oùJésuspasseunanneauaudoigtdelasainte. Véronèse (1528-1588), comme son nom l’indique, vient deVérone.SontravailplaîttantauTitienqu’il ledésignecommesoncontinuateur.Peintredefresquespuisdegrandstableaux,il sait intégrer dans sa peinture à l’huile les grandescompositions architecturales. Le grand tableau de l’Académiedesbeaux-artsdeVenisemontrantunbanquetavec leChrist

luivautquelquessoucisavecl’Inquisition.C’estlemêmesujetquelesNocesdeCanaduLouvre(voir ).TintoretestluideVeniseetd’ailleurssonœuvreabondanteyest presque totalement restée. C’est une peinture vivante etmouvementée, combinant le dessin de Michel Ange et lacouleurduTitien.

Unpeudepigmentdanslavie:lespaysduNord

Les pays du Nord apportent également leurcontribution à la Renaissance, notamment parl’invention de la peinture à l’huile et celle de lagravure. Ils donnent également le jour à de grandsartistes comme Dürer et Holbein en Allemagne ouencoreBoschetVanEyckchezlesFlamands.

C’estpolyptyque!LesFlamandsLes frères Van Eyck, Jan et Hubert (mort en 1426),sont les réalistes parfaits de l’école flamande. IlstravaillentsuccessivementauPolyptyquedel’Agneaumystique à Gand, un tableau à plusieurs volets.Œuvre mêlant réalisme et symbolisme, elle est lepoint de départ de toute la peinture du Nord del’Europe.

Boschrenouvellelesthèmesreligieuxendéveloppanttouteuneimagerieoriginaledemonstres.

Prisàtémoin:VanEyck

À une époque où chaque atelier fabrique sespigments, on attribue à Jan Van Eyck (1390-1441)l’inventiondelapeintureàl’huile.Jusqu’àlui, leliantutiliséest leblancd’œufquisècherapidementetnepermet pas de retouche sur une peinture dite endétrempe. En séchant moins vite, l’huile permet leprogrès considérable de pouvoir faire plusieurscouchesetsurtoutdesretouches.

Outre laVierge du chancelier Rolin (voir )deVanEyck,lesobremaisintrigantletableauditdesÉpoux Arnolfini (titre sujet à caution) présente aucentre un miroir rond, surmonté de la signature dupeintre«JanVanEyckétaitici».L’artistesepose-t-ilcommetémoindel’engagementdesépoux?Àmieuxy regarder,une image inverséede la scèneapparaîtdanslemiroir,aveclepeintredefaceenpleintravail.Déjàunemiseenabîme,untableaudansletableau!

Renvoyéaubestiaire:BoschUngroupederockpolonaisayanten2006décorésapochettededisquedelareprésentationd’uneœuvredeBoschs’est faitaccuserdepornographie !Preuveen est que la puissance évocatrice de JérômeBosch(1453-1516) est intacte cinq cents ans après ! Sonœuvresecaractériseparlemélangedepersonnagesfantastiquesetimaginairesàdesfigurescaricaturalesmais réalistes. Sesmonstres sont animés, car il y achez l’artiste un souci assez extraordinaire de lavraisemblanceanatomique.Parexemple,sespoissonsontdesjambestrèsréalistes!

TroisenunLemeilleurexempledesonœuvreestletriptyqueditdu Jardin des délices. Comme son nom l’indique, le

tableau est composé de trois parties mobiles. Lespanneauxfermésreprésentent lacréationdumonde.Unefoisouvert,onvoit,entreleparadisetl’enfer,lejardin des délices. La vision n’est pourtant pas celletraditionnelle du jardin d’Éden d’Adam et Ève. Dansun paysage lumineux vivent non pas deuxpersonnages,maisdenombreusesnuditésradieuses,enfermées dans des bulles transparentes.L’interprétation symbolique est encore source dediscussions, entre alchimie et psychanalyse. En toutcas, l’œuvrenelaissejamais indifférent,Boschayantvouluillustrerlaluttedubienetdumal.

PierreleDrôlePieterBruegelditleVieuxoul’Ancien(1525-1569)eutaussi, selon la tradition, le surnomdePierre leDrôle(plaçons-nous sous sa protection) parce qu’il fitsourire au moins une fois chacun de sescontemporains.Unedrôleriequinevacependantpassans quelque amertume dans la Parabole desaveugles.Peintrede laviepaysanneavecsesNocesvillageoisesousaDansedespaysans,lemaîtredonneégalementdespaysages,Chasseursdanslaneigeparexemple,danslesquelsilglisseparfoisdesanecdoteshumaines,commedansLaJournéesombre.D’ailleurs,ses tableaux ont toujours une large vision, avec unemultitude grouillante de détails. Ce foisonnementapparaîtbiendansLaChutedesangesrebellesoùlesdémonsmonstrueuxévoquentBosch.

Çabaignedansl’huile:l’AllemagneL’Allemagneaussicomptesesimportantsartistes.En1505,àVenise,leComptoirdesAllemandsestdécorépardesfresquesdeTitienetdeGiorgionemaisaussipar la Fête du Rosaire de Dürer. On voit bien le

prestigequ’aacquisàcetteépoquel’artisteallemandqui voyage dans toute l’Europe, de l’Italie auDanemark, comme le fera aussi son compatrioteHolbein.

L’hommede laRenaissancen’avaitpas toutà fait lamême conception des frontières que l’hommemoderne ; il avait en outre à sa disposition le latin,une langue de culture connue de toute l’éliteintellectuelle européenne. De telles dispositionsfavorisent les déplacements et les contacts entreartistesdenationalitésdiverses,ainsiqueladiffusiondesimagesparl’imprimerie.

Au milieu du XVe siècle, en Allemagne,apparaît l’imprimerie, avec des conséquencesimportantes dans le domaine de l’histoire del’art. Cette invention favorise en effet lanaissance de la gravure, toute proportiongardéel’ancêtredelacartepostaleactuelle,etdonc de la diffusion des images dans toutel’Europe.D’abordréaliséeàpartirdeplanchesde bois dont les parties devant apparaître enblancsontcreusées,cettepremièretechniquedisparaîtpeuaprès lacréationdescaractèresmobiles d’imprimerie par Gutenberg. Uneseconde technique voit le jour, avec desplaques de cuivre creusées au burin, quipermet plus de précision dans le relief et le

rendudesdétails. Lesgraveursallemands lesplus célèbres sont Martin Schongauer (vers1453-1491)etDürer.

Del’importancedeDürerProtégé de Charles Quint, le peintre et graveurAlbrecht Dürer (1471-1528) est souvent considérécommeleplusgrandpeintreallemand.Iln’aexécutéqu’unassezpetitnombredetableaux,dontplusieursautoportraits,maisc’estundessinateurdegéniedontlarichessed’imaginationestprodigieuse.Cettemêmequalité se retrouve dans ses gravures, art quinécessite aussi une virtuosité technique sans failles,comme le démontreLaMélancolie (voir ),l’une des œuvres les plus connues de la cultureoccidentale. Également sculpteur de petits ouvragesenmédaillons,lemaîtrecomplètesapanoplieparsestravaux d’architecte, des dessins et des traitéscomme son Traité des fortifications (1517) et sonInstruction pour mesurer au compas et à la règle(1525).

Holbeinçaalors!Avec Dürer, Holbein le jeune (1497-1543) estconsidéré comme le plus grand peintre allemand. Ilest l’ami de l’humaniste Érasme, qui l’adresse àThomasMore,l’auteurdeL’Utopie,chezquiilvittroisans.Lepeintrefaitleportraitdecesdeuxhumanistes,qui, pour ces deux grands amis, aura le rôle de laphoto-souvenir d’aujourd’hui. Le portrait d’Érasmemontre bien le caractère méditatif du philosophe ;celuideMorel’intelligencerêveusedupenseur.

Holbein visite ainsi la Suisse, la France, l’Angleterre,où il exécute diverses commandes, dont son pluscélèbretableau,LesAmbassadeurs (voir ),

peint pour un château français et désormais àLondres.Cetteœuvremontrebiensonsavoir-faireduportraittoutcommesaViergeaubourgmestreMeyerqui est, de plus, un bon exemple de son inspirationreligieuseauxattitudessimplesetbelles.

Danscettepartie…

Halte à la Réforme ! Pour contrer le protestantisme né enréactiondesdépenses fastueusesde l’Égliseà laRenaissance,les papes catholiques des XVIIe et XVIIIe siécles dépensentencoreplus…Ainsinaît lebaroque,promudanstoute l’Europeavecforcemoyens– ils’agittoutdemêmederamenertoutesles brebis égarées au bercail ! Ce style va se développer àtravers tout le continent, y compris dans les pays… deconfessionprotestante.Tourd’horizon.

barroco:

Danscechapitre:UnepromenadedansRomeUnCavalierBerninetunCaravagetrèscavalierL’inventionduclair-obscuretdelanaturemorte

Baroqueprovientduportugaisbarrocoquidésigneenjoaillerieuneperledeformeirrégulière.Ilestemployéaux XVIIe et XVIIIe siècles comme synonymed’étrange, de bizarre, dans un sens parfois encoreutilisédenosjours.

Né à Rome à la fin du XVIe siècle de la Contre-Réforme (ou Réforme catholique), c’est-à-dire enréactionàlaRéformeprotestante,l’artbaroquerègnesur l’Europe auXVIIeetXVIIIe siècles. Il privilégie lasensibilitésurleraisonnement:

en peinture, le goût est au trompe-l’œil, aux jeux deperspectiveetàl’agitationdesdraperies; en sculpture, priorité aux courbes voluptueuses jusque surles tombeauxetauxdrapéss’envolant : lesstatuessemblentgesticulerdanslesfontaines;

enarchitecture règne l’ordre colossal, avec les courbesdescolonnestorses.

AuXVIIIesiècle, l’outrancedecescaractèresfinitpardonnerlerococo,appellationironiquetrouvéepardeshistoriens d’art allemands du XIXe siècle pourdésignerl’arteuropéendecettepériode.

Dans les différentes appellations, tout secompliquelorsque,auXVIIIesiècle,apparaîtlerocaille, un art purement français. Ce termeinventé désigne l’art frivole et exubérantoriginairedessalonsdeVersaillesetdeParis,àla charnière des XVIIe et XVIIIe siècles. Il estcrééparanalogieavecl’artdesrocailleursquidécorent les grottes et les fontaines desjardinsavecdescaillouxdetouteslescouleursetdescoquillages.Cestyleestnédesboiseriesetdescornichesfaits par les ornemanistes, les dessinateursd’ornements, et se répand des châteaux auxcouvents. Le rocaille se caractérise par uneprédilection pour les courbes, l’asymétrie, laprofusion des ornements, tels feuillages,animaux, personnages et puttii, les petitsangestoutjoufflus.

Ilétaitunefoi:l’architecture

Le concile de Trente (1545-1563) réaffirmel’importancedel’imageriereligieusedansl’instructiondes fidèles. Le renouveau spirituel conduit à lacréation d’ordres religieux dont le plus influent estceluides jésuites. Il joueunrôlesi importantdans ladiffusiondubaroquequecedernierestbiensouventappelé « style jésuite ». Beaucoup d’églises sontbâtiessurlemodèledeleurmaisonmère,l’égliseduGesùdeRome.

Le triomphe de la Rome catholique s’exprime enpremier lieu dans l’architecture. Les papes veulentrenouereuxaussiaveclagrandeuretlabeautédelaRome antique. De Sixte Quint (1585-1590) àAlexandre VII (1655-1676), ils veulent célébrer lagloire de Dieu et de la papauté en édifiant desmonuments somptueux, églises, palais, villas oucouvents,enréactionauprotestantisme.

LeBernin:lafontainedel’InnocentHormis l’intermède du pape Innocent X (1644-1655)quiluipréfèrelesculpteurFrancescoBorromini(1599-1667),GianLorenzoBernini,ditleBernin(1598-1680)est le chef incontesté du baroque romain au XVIIesiècle.

Les Français, qui se piquent de parler les languesétrangères sans les comprendre, n’ont pas traduit leterme « Cavalieri » par « Chevalier » mais par«Cavalier ». Ainsi, Gian LorenzoBernini est souventappelé le Cavalier Bernin. Il est considéré comme le

maître indiscutable du baroque romain, tant enarchitecturequ’ensculpture,aupointd’êtreàlaRomeduXVIIesièclecequeMichel-AngeétaitàcelledelaRenaissance ! Son œuvre se caractérise par uneinspirationpermanente,unemaîtrisedelagéométrieetdelaperspectivealliéesàunsensdugrandioseetduthéâtral.

Le Bernin sculpte la fontaine du Triton de la placeBarberini (1640) et surtout celle desQuatre Fleuvesde la place Navone (1647-1651). Comme les papesont lamaniederécupérer lesobélisquesantiquesdeRome,InnocentXenveutunaumilieudelaplaceoùsafamilleasonpalais.LeBerninconçoitleprojetfouet original de le suspendre dans le vide, posé sur lerocher creusé d’une grotte. Il installe aux angles decelle-ci les figures des quatre grands fleuves alorsconnus (le Danube, le Gange, le Nil et le Rio de laPlata) pour exprimer l’universalité de l’Église,« catholique » signifiant en effet « universel ». LevisageduNilestdissimuléparunvoilecaronignoresasource.Onpersiflesur lesbras levésdedeuxdesfleuvesensedemandants’ilscraignentquelafaçadedel’églised’enfaces’écroule.

La fontaine de Trevi est due au sculpteurNicoloSalvi(1697-1751).Elleestcélèbrechezles cinéphiles pour la scène du film La DolceVitadeFellini.AnitaEkbergenrome…pardon,

enrobedusoiryprendunbaindepieds,sousles yeux enamourés du grand MarcelloMastroianni.La disproportion entre la dimension de lafontaine et l’étroitesse de la place peutsurprendre.Lafontaineestaccoléeàunpalais,ce qui explique sa hauteur. Bâtie de 1732 à1762,elleopposeleclassicismedesafaçade,marquéparunarcde triompheà la romaine,et la scénographie baroque de ses groupessculptés. Neptune est au centre, debout surson char en forme de coquille, tiré par deschevauxmenés par des tritons aumilieu desrochers. Le tout dans un jaillissement demarbreetd’eau.

BarbareBarberiniParmi la multitude des palais édifiés à Rome à lapériode baroque, il convient de distinguer le palaisBarberini (1628-1633) du pape Urbain VIII. Tous lesgrands artistes italiens de l’époque y œuvrent :Maderno,Bernin,BorrominietPierredeCortonepourla décoration intérieure. Ce palais tient plutôt de lavilla,carlesbaiesdutroisièmeniveauprésententdesencadrementsenperspectivefeinte,biendansl’espritd’artificedubaroque.Nonmoinsintéressantestl’effetde rétrécissement du portique au rez-de-chausséepoursavirtuositétechnique.

C’est à Saint-Pierre au Vatican que Bernin peut lemieux mettre à profit ses talents. En 1624, lesculpteurcréelesplendidebaldaquindumaître-autelde la basilique. Sur ses fameuses colonnes torses,

colonnes tordues emblématiques de l’art baroque, ildisposeundaisdebronze.Cenoblematériauprovientdes plaques de métal qui décoraient encore leportique du Panthéon, grandiose monument de laRomeantique.CevandalismescandaliselesRomainsquiironisentsurlenomdupapeUrbainVIIIBarberini:« Ce que les Barbares ne firent pas, les Barberini lefirent. » Bernin y exécute aussi en 1657 la fameusetribunecenséecontenirlachairedesaintPierre,c’est-à-direlesiègequ’occupel’évêque.Lemeubledeboisetd’ivoiredansLaGloireduBerninn’estenfaitqu’untrônecarolingien!

Placeàlabénédiction

Bernin se voit ensuite confier par le pape AlexandreVII l’élaboration de la place devant la basilique, lacélèbre place Saint-Pierre (1656-1665). L’architecteessaielacombinaisonsuivante:

unparvisenformedetrapèzes’élevantdoucementdepuislaplaceverslabasilique; une place elliptique, en forme d’ovale, ordonnée autour del’obélisquesituéaucentre.

Une forêtde colonnesentoure l’ensemble.Elles sontdisposées ingénieusement sur quatre rangées, detelle sorte qu’elles restent alignées depuis le centredelaplace.Ellescontribuentauxeffetsd’ombreetdelumière qui font sa beauté et sa théâtralité. Le toutentend former lesdeuxbrasmatérielsentre lesquelsl’Églisesouhaiterassemblertoussesfidèles,telleslesbrebis égarées par la Réforme protestante. Avec laplaceduCapitoledeMichel-Ange, il s’agitde laplusgrande réalisation urbaine de Rome. Pendant qu’ilparachève cette place, l’artiste travaille à la

réalisation de plusieurs églises et de l’escalierd’honneurdupalaispontifical,laScalaRegia(escalierroyal) du Vatican (1663-1666). Le goût de laperspective et du théâtre est encore présent danscettecombinaisondecolonnesqui,enserétrécissantverslefond,entendprolongerl’effetdeprofondeurdel’escalier.

Explosif:uneplastiquedynamiqueLa sculpture romaine du XVIIe siècle est partagéeentre les tenants du calme et de la sagesse, en unmot du classicisme, et ceux du dynamisme et de lathéâtralitédubaroque.Lespremierssontreprésentéspar Stefano Maderno, François Duquesnoy etAlessandro Algardi dit l’Algarde, les seconds par leBernin. À l’intersection de la sculpture et del’architecture,Berninjouelàencoreunrôlemajeur.

Vœuxd’artificeCommeMichel-Ange,Berninestaussiunsculpteurdegénie, toutefois dans un style opposé. Son Davidrenouvelle le thème, le visage crispé, en pleinmouvement pour armer sa fronde. La virtuosité del’artiste est stupéfiante dans les groupes d’Énée etAnchise, de l’EnlèvementdeProserpine, d’Apollon etDaphné. Avec Bernin, tout est mouvement, brio etthéâtralité. Quand Pluton, le dieu des Enfers, enlèveProserpine, lemarbredevientvraimentchair : il fautvoir comment ses doigts s’enfoncent dans la peau,comment Proserpine se défend et repousse le dieudontlevisagesedéformesouslapressiondelamain.À l’égliseSainte-Marie-de-la-Victoire, lemaîtreatteintle summum de son art avec la très extraordinaire

chapelle de l’Extase de sainte Thérèse dans unmélangesavantdebronze,destucetdemarbre.

BerninbernéBerninabordetous lesthèmesde lasculpture.Qu’ilssoient d’apparat ou plus réalistes, ses bustes ducardinalBorghèse(1632),deCharles Ierd’Angleterre(1636,détruit) luivalentdefaireceluideLouisXIVàVersailles,oùilpassecinqmoisen1665.CommesonprojetdefaçadeduLouvrerestedanslescartons,onlui commandeunestatueéquestredu roi. L’artisteadéjà brillamment réalisé pour le Vatican celle del’empereur Constantin, avec la formule – inéditejusqu’àlui–duchevalcabré.

Inutiledesecabrer!Mais la nouveauté ne plaît pas à Louis XIV, qui faittransformer la statue (voir ) en MarcusCurtius,un jeunehéros romain,parGirardon, leplusfameux sculpteur français du moment, et l’exile aubout de la pièce d’eau des Suisses de Versailles.Remplacé par une copie, l’original est désormais àl’abridansl’OrangerieduchâteaudeVersailles.

L’œuvreconnaîtplusdesuccèsauXXesiècle,puisquel’architectePei lachoisitpourêtreexposéedevant lapyramideduLouvre.Cettecopieestfondueenplomb,matériauignobleetinimaginablepourunsculpteurdela dimension et de la classe de Bernin ! Seul lemarbre,surtoutblanc,celuideCarrare,trouvaitgrâceàsesyeux.

Maderno:pointd’orgueMaderno (1576-1636) est surtout connu pour sa

statue couchée de Sainte Cécile face contre terre(1600).Leplussouvent,lapatronnedesmusiciensestreprésentée avec un orgue portatif à cause d’unemauvaise lecture des « Actes de sainte Cécile » : lemot latinorganis peut être traduit par orgue ou parorgane. On lui a ainsi attribué à tort l’invention del’orgue,quandsonorgane,savoix,étaitglorifié!

Ici,lestroisdoigtsouvertsàlamaindroiteetledoigtouvertàlamaingauchemontrentlafoidelamartyreen La Trinité et en son unicité. Cependant, rien despectaculaire dans cette œuvre qui frappe par sasobriété dans l’attitude, le drapé du vêtement et lacoiffure, si ce n’est qu’elle influence les statues desaintsquisuivent.

Duquesnoy:taillemannequinFrançoisDuquesnoy(1594-1643)doitsaréputationàson Saint André, de 4,68 mètres, l’une des quatrestatuescolossalesde lacroiséede labasiliqueSaint-Pierre de Rome. À Sainte-Marie-de-Lorette, sa SainteSuzanne, plus petite, si on peut dire, de 2 mètres,témoigne également d’un goût pour les drapés.L’artiste est à la sculpture classique ce que son amiNicolasPoussinestàlapeinture.Unetraditionenfaitle fils du sculpteur du Manneken Pis de Bruxelles(œuvre de Jérôme Duquesnoy). Évidemment père etfilsnefaisaientpasdanslemêmeformat…

Fréquentant Poussin et Duquesnoy, L’Algarde (1594-1643) est à l’intersection des deux tendances de lasculpture romaine. Le classicisme flagrant de sesbustestientàsontravailsurlastatuaireantique.Iladesonvivantune réputationégaleàcelledeBerninau point de prendre sa place sous le pontificat

d’Innocent X. Originaire de Bologne, il subit aussil’influencedespeintresCarrache.

Quelsmiracles!LapeintureRomevoitsurgiràlafinduXVIesiècledeuxmiraclesbien opposés : celui des Carrache et celui duCaravage.

UnevoiedeCarrache?Les Carrache sont originaires de Bologne et font deleurville lagrandeécolepicturalede l’ItalieauXVIIesiècle. Ils donnent en effet naissance à une série depeintresprestigieuxquiontpournoms:GuidoReniditleGuide,l’Albane,leDominiquin,leGuerchin.

La famille Carrache se compose des frères Augustin(1557-1602)etAnnibal(1560-1609)etdeleurcousinLudovic (1555-1619). Elle révolutionne l’art depeindre, tantdans ledomaineduchevaletquede lapeinturedécorative.CommeRomeconstituelecentrenévralgique de la peinture baroque, les Carrache ytravaillent à la décoration du palais Farnèse dont lagalerie en trompe-l’œil influence toutes celles despalais européens. On doit aussi à Annibal lerenouvellementde lapeinturedepaysage.À traversun thème mythologique ou religieux, il offre unprétexte à une vaste représentation poétique etidéaliséede la nature, par exemple en1604dans laFuiteenÉgypte.UnFrançaiscommePoussinenseraparticulièrementmarqué.

Leçondeténèbres:leCaravageMichelangelo Merisi (1573-1610) doit son surnom àson lieu de naissance, Caravaggio en Lombardie. LeCaravage fait l’autre révolution de la peintureitalienne, celle du clair-obscur, c’est-à-dire des jeuxd’ombre et de lumière, dans une vision sansconcession de la réalité. La force de sa peintureconnaît un succès prodigieux en Italie, mais aussipartoutenEurope:despeintresaussifameuxqueleFrançais Vouet ou l’Espagnol Vélasquez ont unepériode caravagesque à leurs débuts. Arrivé àRomeavantlesCarrache,en1592,enl’espacededeuxansà peine, son génie le propulse au sommet de lapeintureromaine.

En 1607, le Caravage fuit Rome suite à unerixe qui se termine par un meurtre dont onl’accuse… Mais si son caractère n’est pasfacile,sapeintureestoriginale!L’artistecréeun nouveau genre pictural. Sa célèbreCorbeille de fruits est en effet la premièrenaturemortedel’Histoire.Lacorbeille,commeles fruits et les feuillages, sont si réalistesqu’onpeut presque les sentir ! Il prolonge cegoût dans des tableaux avec personnagesGarçon à la corbeille de fruits, Bacchus,Garçon mordu par un lézard, et Bacchus

malade,unautoportrait sansbarbe.Danscesœuvresapparaissentdéjàlecadrageserré,lestypes populaires qui feront son succès. S’iln’est pas encore question de clair-obscur,l’ombre commence à apparaître dans le fondduBacchus.On doit aussi au Caravage le thème célèbrerépandu au XVIIe siècle des personnagesassemblés pour un concert ou un jeu decartes, voire pour se faire dire la bonneaventure. Comme la Corbeille de fruits, LaDiseuse de bonne aventure du Louvre estfiguréesurfondneutre.L’artisteinnoveencoredans la peinture religieuse avec Le Repasd’Emmaüs, où Jésus rompt le pain avec lespèlerins qui l’ont accompagné, œuvre quidevientunescènedetaverneaveclaservanteridée et le patron bien enveloppé à l’arrière-plan.

LesadolescentssontdesangesLeCaravageestaussietsurtoutunpeintrereligieux,initiantdesthèmesquiconnaîtrontdegrandssuccès,telsque laMadeleinepénitente, laMortde laVierge(voir ) ou la saisissante Judith décapitantHolopherne. Il se voit confier de grands cyclesdécoratifs dont les plus fameux sont ceux deschapelles Contarelli à Saint-Louis-des-Français (1599-1600)etCerisiàSanta-MariadelPopolo(1600-1601).Ilsmarquentl’évolutionténébristeduCaravageoù,àpartirdeLaVocationdesaintMatthieu,lascènen’estpluséclairéequeparuneseulesourcedelumière.Lecaractère non conventionnel du Caravage apparaîtencoredansLesSeptœuvresdemiséricordeavecles

anges figurés non plus par des enfants joufflus etpotelés, mais par des adolescents dotés d’ailesimpressionnantes.

LeplusbeautableaudusiècleAccusé de meurtre à Rome, le Caravage s’enfuit àNaples,puisàMalteoùilassombritencoresestoiles.Parexemple,LaDécollationdesaintJean-BaptistedelacathédraledeLaVallette(1608).Danslapénombreducachot,lesaintvientdemourir.Dusangquicoulede sa gorge Caravage peint sa signature. Par ladisposition des personnages, les jeux d’ombre et delumière, on y a vu un des plus beaux tableaux dusiècle, sinon le plus beau. Mais Caravage s’attire ànouveau des ennuis avec les chevaliers de Malte etveutrentreràRome.Ils’arrêteàMonteArgentario,enToscane,quidépendduroyaumedeNaples.L’artisteveutêtreunpeuà l’écartdesÉtatspontificauxcar iln’apasreçuleurgrâce.Manquedechance,ilestjetéenprison.Sansdouteparerreur,carilestlibérétrèsvite. Peu après, son cadavre est pourtant découvertsuruneplage.

Artemisia Gentileschi (1593-1652) est uneartisteprécoce.Àseulement17ans,ellesigneSuzanneet lesAnciens. Sonpère lui donneà19 ans un professeur particulier nomméAgostinoTassi qui la viole. S’ensuit unprocèshumiliant puisque les juges décident desoumettre l’accusatrice à la question pour

savoir si elle dit la vérité. Le paradoxe esteffrayant : torturée pour avoir voulu obtenirjustice ! Elle maintient malgré tout sesaccusationsetsonprofesseurestcondamnéàunandeprison,puisàl’exil.Malgrésesdoigtsécrasés dans les séances de torture, elledevient un des meilleurs peintres de sonépoque.Uneparfaiteutilisationduclair-obscurcaravagesque donne une atmosphèreparticulière à son œuvre. Elle est aussi lapremière femme à entrer à l’Académie desbeaux-artsdeFlorence.Unéchodecetépisodedramatiquedesaviesubsistedans sonchef-d’œuvre conservéà lagalerie des Offices à Florence, Judith etHolopherne (Holopherne est un généralassyrien que Judith tue pour sauver sonpeuple). La tradition veut qu’elle donne lestraits de son agresseur Tassi àHolopherne etles siens à Judith dans une éclatantevengeanceposthume.Savieestretracéedansunfilm,Artemisia.

Danscechapitre:Del’exubéranceetduclassiqueLeprixdeRomeLecombledel’architecteLafêteàVersailles

Au XIXe siècle, les premiers historiens de l’artqualifientdebaroque l’artdesXVIIeetXVIIIesiècles,en raison de ce qu’on lui trouve d’excessif,d’exubérantoud’artificiel.Onopposealorscetermeàceluideclassique,synonymedeclartéetderigueur.Le classique s’inspire en effet de l’esthétique del’Antiquité et de la Renaissance, avec ses lignesrégulièresetsonsensdelamesure.

Pourtant,lesdeuxcourantsnes’opposentpas.Ilssontcomplémentaires.CommelechâteaudeVersailles,unbâtimentpeutêtreclassiqueàl’extérieuretbaroqueàl’intérieur.Demême,àl’imagedupeintrePoussin,unartiste peut être tenté un moment par la voie del’exubérancepourfinalementrentrerdanslerangdes

règles classiques. Il peut même être baroque ensculptureetclassiqueenarchitecture,commeBerninàRome.

Peinturefraîche!Le retour de Rome du peintre Simon Vouet (1590-1649)marque le renouveaude lapeinture française.DemeurédanslaVilleéternellede1613à1627,Vouetestd’abordmarquéparlecourantcaravagesque,pourévoluer ensuite vers les formules baroques qu’il nedevaitplusabandonner.

VouetaunebellecarrièreConsidérécommelepremiergrandpeintrefrançaisduXVIIe siècle,Vouet est le seul baroqueàproprementparler.SaPrésentationauTemplepourlemaître-auteldes jésuitesde l’égliseSaint-Paul-Saint-LouisdeParis(1641) en est un exemple évocateur par lemouvement des figures et la vivacité des couleurs.Premier peintre de LouisXIII, l’artiste est l’auteur denombreux décors de palais et d’hôtels particuliers,hélas disparus. Il amorce ces décors composés depanneaux peints encadrés de motifs sculptés, telsqu’onpeutlesvoirdanslesGrandsAppartementsdeVersailles.L’intérêtdecetteinventionestquel’artistepeut travailler au sol et non plus sur deséchafaudages. Vouet a même tenté d’introduire ledécor illusionniste romain en paysages etarchitecturesfeintes.

DuChampaignenonpétillant

Le peintre Philippe de Champaigne (1623-1674),Bruxellois d’origine, s’établit à Paris dès 1621 etdevientleportraitistedeLouisXIIIetdeRichelieu.Lespeintures sont celles reproduites dans nos livresd’histoire et dont les visages frappent par leurréalisme. Outre le portrait, l’artiste s’illustre dans lapeinturereligieuse.SesliensaveclemilieujansénistedePort-RoyaldesChampsnefontquerenforcercetteinspiration religieuse, comme en témoignent lesfiguresassisesetagenouilléesdelamèreAgnèsetdela fille du peintre dans un ex-voto de 1662. Artistebaroque,Champaigneaffectionnecommelespeintresdu Nord le sens du détail et les compositionsélégantes dans lesquelles les belles architecturesprennenttouteleurplace.Ilpratiquevolontiersunartaristocratique non dénué de psychologie ou despiritualité.

L’éclosiond’unPoussinLe courant baroque et le courant classique peuventparfois se recouperchez lemêmeartiste.C’estainsique les peintres Laurent de La Hyre (1606-1656),EustacheLeSueuretSébastienBourdon(1616-1671),maîtres de l’école classique parisienne, sont d’abordséduits par le baroque de Vouet et se rapprochentensuite du classicisme de Poussin. La nouvellegénérationdepeintres,LeLorrain,LeBrunetMignardpar exemple, continue la tradition initiée parNicolasPoussin (1594-1665), l’autre grand maître de lapeinturefrançaiseduXVIIesiècle.

ConnaîtresesclassiquesAlors que Vouet fait carrière à Paris, Nicolas Poussin(1594-1665) fait la sienne à Rome. Ce méditatif nepeut vivre qu’au contact des antiquités et du climat

romain. On tente de l’opposer à Vouet lors de sonséjour à Paris en 1640-1642, mais l’agitation et lesintrigues de la cour de Louis XIII n’étaient pas pourPoussin.

Sous l’Ancien Régime, l’Académie royale depeintureetdesculptureorganisedenombreuxprix dont le plus prestigieux est le prix deRome.Crééen1663, il choisitet récompenselesétudiantsparunséjourdetroisàcinqansà l’Académie de France à Rome, à la villaMédicis,voyageetfraisdepensionàlachargede l’État. Il concerne plusieurs catégories :sculpture, architecture, estampe, compositionmusicale et peinture, dans son genre le plusnoble,lapeintured’histoire.ObtenirleprixdeRome dans cette catégorie est considérécomme la porte ouverte vers la gloire. Maiscelle-ciestcapricieuse,carnombredelauréatsont disparu des mémoires. Sans médisanceaucune,LéonComerre,parexemple,ne resteplusconnuquedesemployésde lamairieduVIe arrondissement de Paris, et encore, parcequ’iladécorécebâtiment.La renomméede ce prix était aussi grandeàl’étranger qu’en France. Tout au longduXIXesiècle, les Salons de peinture et la remise duprix de Rome étaient des événements

comparables au Festival de Cannes ou à lacérémonie des Oscars. Mais il disparaît en1968.Ilnes’ouvreauxfemmesqueforttard:lapremière–etladernière–femmeàobtenirle prix de Rome est OdetteMarie Pauvert en1925. Inutilededireque l’onpeuts’amuseràregarder la liste des écrivains refusés àl’Académie et celle des peintres importantsrecalésauprixdeRome,parexempleGustaveMoreau, Degas et même Delacroix. David,recaléquatrefois,envisagemêmelesuicide.

MarquéàsesdébutsparlemouvementbaroquedansLeMartyre d’Érasme (1628-29) ou L’Empire de Flore(1631), son style évolue vers un classicisme de plusenplusrigoureuxoùsemanifesteunsensaigudelacomposition.Avantdepeindre,l’artisten’hésitepasàmettreenscènesestableauxàl’aidedepersonnagesde cire qu’il habille comme des poupées.Profondément marqué par les reliefs antiques, il seplaît aussi à représenter les figures de profil ou detroisquarts,alignéesenfrise.

DessinàdesseinPoussin avoue un goût prononcé pour le dessin quil’amèneàprivilégiercelui-ciauxdépensdelacouleursichèreauxbaroques.Ilpratiqueuneidéalisationdesformesetmontreunintérêtprofondpourlagestuelleetl’expressionfacialedesfigures.Lepeintrefaitappelà des thèmes complexes et érudits tirés de l’AncienTestament, de l’histoire romaine antique ou de lamythologie. Ainsi, l’art de Poussin parle plus àl’intellectqu’aucœuretpeutrebuterdeprimeabord.Mais une fois les mérites de sa peinture intégrés, iléblouit.SesœuvreslesplusillustressontL’Inspirationdu poète (vers 1630), Les Bergers d’Arcadie (vers

1650,voir ),LaMadoneàl’escalier(1648),ou Apollon et Daphné, sa dernière œuvre restéeinachevée.

Jusqu’à Claude Gellée dit Le Lorrain (1660-1682), le paysage n’est traité que comme unarrière-fondnécessaire,avectoutdemêmedebelles réussites chezDürer avec leVald’ArcoouLaJocondedeLéonard.C’estcependantLeLorrain qui donne au paysage ses lettres denoblesse en créant véritablement ce genrepictural. Le peintre y développe le sensclassiquedePoussinetportecegenreréputéàun très haut degré de perfection. Fasciné parles paysages de ruines et la campagneromaine, l’artisteexprimesaquêteduparadisperdu, d’un âge d’or assimilé au tempsidylliquede l’Antiquité. Ses couchers de soleilcomme Le Port (1641) sont stupéfiants debeauté. Le Lorrain va influencerconsidérablement l’artdupaysagedans toutel’Europe, de l’école de Barbizon auximpressionnistes.

UnbeauLeBrunpasténébreux

La grande peinture académique pratiquée dans la

secondemoitié du XVIIe siècle pour Louis XIV et sacourapourmaîtreincontestéCharlesLeBrun(1619-1690). Son œuvre est immense, car il n’est passeulementpeintredechevaletmaisaussidécorateuretdessinateurde tapisseriesetdemeublespour lesmanufacturesroyales.SontableauLaTentedeDarius(1661,voir ) fait datedans l’histoirede lapeinture française.C’estàpartirdecetteœuvrequeles contemporains de Louis XIV se disent : « NousavonsatteintleniveaudesItaliens.»Pourpreuve,onl’avait mise à Versailles en face des Pèlerinsd’Emmaüsde…Véronèse(etnondel’abbéPierre).

LeBrunest aussi unpeintre religieux. Il a beauêtreclassique, sonpinceaudevient facilementexubérant.Lebaroqueeneffetestbienapparentpar lesensdumouvement et des couleurs vives dans l’Adorationdesbergers (1685) ou dans le portrait du chancelierSéguierauLouvre, sansparlerdeson travailpour lagalerie des Glaces du château de Versailles, dont larestaurations’achèveraen2007.

CettepeintureauxcouleursvivesapparaîtaussichezlespeintresNicolasdeLargillière(1656-1676),quisecaractérise par son réalisme, et Hyacinthe Rigaud(1659-1743), qui incarne le portrait officiel à lui toutseul.Cederniermetaupointlaformuledeladraperieet du décor d’architecture à l’arrière-plan dupersonnage, élément qui perdurera jusqu’au XIXesiècle.

LaTentedeDarius(voir ), premièrecommanderoyaledeLeBrun,synthétiseàelleseulesonidéaletceluidel’Académieroyale:unepeintureàsujetantiqueréputénoble; la reprise de la règle des trois unités de latragédieclassique :«enun jour,un lieu,uneactionaccomplie»; la bienséance des attitudes et l’expressiondesfigurescenséestraduireleurpsychologie;l’importancedonnéeaudessin.Letableaudevient lemanifestedelapeinturefrançaise,à telpointquePierreMignard, rivalde Le Brun et son successeur à la charge depremierpeintredu roi, tenterade fairemieuxsurlemêmesujeten1689.Commedunomdecepeintreonatiré«mignardise»,cespetitespâtisseriesdontonnefaitqu’unebouchée,onlaissera le goût des visiteurs de l’Ermitagedécidersilepariestgagné…

DansleflotmaishorscourantDifficilederattacherlespeintresquivontsuivreàunstyle précis, tant ils ont leurs propres qualités ! EnFrance, la nature morte est alors un genre mineur,voire décrié, tandis qu’elle est traitée avec respectauxPays-Bas,parexemple.Chardinva laporter trèshaut. Disciple du Caravage, La Tour se joue del’obscurité dans ses toiles quand Watteau met en

scènelaviegalante.

LaTour,unpharedansleclair-obscur

À l’écart des deux courants, classique et baroque,Georges de La Tour (1593-1652) est le plus grandpeintrecaravagesquefrançais.Onparlemêmeparfoisde luminisme à son propos. Il est l’auteur denombreuses Nativités et de scènes religieuseséclairéesà la lueurd’unebougie, commedansSaintJosephcharpentier(1645),SaintSébastiensoignéparsainteIrène (1649)ou laMadeleinepénitente (1642-44). La Tour adopte un style tantôt descriptif, danslequel il s’emploie à détailler les rides du visage, ettantôt stylisé, aux formes géométriques.Contrairement au Caravage, son œuvre n’a rien detourmenté ou de sanguinolent, tout est calme etsagesse.

Watteau,unlibertinenpèlerinageQuandonregardelesdatesdeWatteau(1684-1721),onserendcomptequ’ilasurtoutvécusousLouisXIVmorten1715. Ilévoquepourtantà lui seul leclimatlibertindelaRégencequis’ensuit.

Le mot « libertin » n’a pas alors le sens érotiqueactuel, il désigne celui qui a l’indépendance del’esprit, de la plume et, parfois aussi c’est vrai, desmœurs. Le peintre est le créateur de la fête galanteavec son Pèlerinage à l’île de Cythère (1717, voir

), peuplé de couples aimables au milieud’un paysage idyllique scandé d’arbres à hautes

frondaisonsetbaignantdanscettebrumequirappellele sfumato de Léonard de Vinci. Il peint aussi dessujetsdethéâtreetdecommediadell’artecommeleGilles (1718) ou des thèmes réalistes commeL’Enseigne de Gersaint, destinée à la boutique d’unmarchand de tableaux réputé qui l’héberge. Cetteinspiration libertineetpoétiqueouvre la voieàdeuxautres maîtres de la peinture rocaille : FrançoisBoucher(1703-1770,voir )et JeanHonoréFragonard(1732-1806).

ChardindesdélicesJean Siméon Chardin (1699-1779) est un peintreprolifique – onestimeàplusde1000 lenombredesestoiles. Ils’illustred’aborddanslascènedegenreau XVIIIe siècle, où alternent les thèmes de la viebourgeoise,del’enfance,avecL’Enfantautoton(c’estun jouet),etde ladomesticité,LeBénédicité (1740).L’artisteestsurtout lemaître incontestéde lanaturemorte, dite aussi la « vie silencieuse », ainsi que cegenreestappeléenanglais(still life)ouenallemand(Still-Leben). La fraîcheur des fruits et des légumesreprésentés prouve qu’ils sont bien du Chardin !Douceuretpoésiepeuventsedégagerdesonœuvremais aussi un réalisme parfois jugé brutal commedansLaRaieouverte(voir ).

Unegrâcemâtinéed’antique:lasculptureclassiqueetbaroque

Typemêmedusculpteurclassique,FrançoisGirardon(1628-1715)secaractériseparl’artsavantdumodelé,l’emploi de larges draperies à l’antique, la simplicité

de la présentation et la retenue émotionnelle desfigures, comme dans le tombeau de Richelieu à laSorbonne.

LamollevoluptédeschairsLesœuvres les plus célèbres de Girardon sont dansles jardins de Versailles : Apollon servi par lesNymphes (1666) ou L’Hiver (1675). On lui doit aussilesdécorsetplafondsdeVaux-le-Vicomteetceuxdelagaleried’ApollonauLouvre,ainsiquedesbustesetdesreliefsdontleBaindesNymphes(1668-1670)deVersaillesquelepeintreRenoircontemplelonguementen 1885, admirant la molle volupté des chairs.Comme preuve de confiance, Louis XIV lui confie lamodification de sa statue équestre exécutée parBernin(voir ).

LesalondelaGuerreàVersaillesAntoine Coysevox (1640-1720) est lui aussi trèsappréciédeLouisXIV.L’artistefaitlereliefdusalondela Guerre à Versailles. Ses effets baroques sontsensiblesdansleschevauxailésdeMercureetdeLaRenommée,autrefoisplacésauxabreuvoirsdeMarlyet aujourd’hui à l’entrée des Tuileries. Ces effets semanifestentaussidanslesfiguresduchœurdeNotre-DamedeParisavecunePieta,unLouisXIII,unLouisXIV,qu’il réaliseavecsesneveux les frèresCoustou.Coysevox conçoit aussi les opulentes draperies dutombeauducardinaldeMazarinàl’InstitutetceluideColbert à Saint-Eustache, plus facile à visiter carl’entréeestlibre!

LescommandantsCoustou

Les frèresNicolas (1658-1733) etGuillaumeCoustou(1677-1746)ouvrentlamarched’unXVIIIesièclericheen grands sculpteurs et, victimes de leur succès,doiventhonorerdenombreusescommandes.

GuillaumeCoustouestl’auteurdesChevauxdeMarly(1743-1745, voir ), qui ont remplacé ceuxdeCoysevoxàMarly.PlacésàlaRévolutionàl’entréedesChamps-Élysées, ilsyontété remplacéspardescopies et les originaux sont au Louvre. Son fils,Guillaume II Coustou (1716-1777), travaille pour lamarquisedePompadour,protectricedeslettresetdesarts et femme de goût. Sa réputation va jusqu’à lacour de Prusse, où Frédéric II lui commande lesstatuesdeMarsetVénus(1764).

AthlètesatlantesD’abord décorateur de navires, le Marseillais PierrePuget (1620-1694) se fait connaître en sculptant lesatlantesàl’hôteldevilledeToulon.Lesatlantessontlaversionmasculinedescariatidesquisupportentdeséléments architecturaux. Fouquet le prend à sonserviceet,lorsdeladisgrâcedusurintendant,l’artisteestenItalieentraindesélectionnerdesmarbres.Parprudence, il y reste sept ans, s’y fait la main et leciseau et, en rentrant à Marseille, y applique sestalents d’architecte et d’urbaniste. Le sculpteurs’affirme également comme l’héritier baroque deMichel-Ange en donnant ses Milon de Crotone ouPerséedélivrantAndromède.

Lesculpteur Jean-BaptistePigalle (1714-1785)est à bonne école avec Robert Le Lorrain(1666-1743), célèbre pour Les Chevaux dusoleil, visibles à l’hôtel de Rohan, c’est-à-direaux Archives nationales. Ayant échoué auconcoursduprixdeRome, ilpartàpiedpourl’Italie ! Il s’y lie d’amitié avec Guillaume IICoustou.La première œuvre de Pigalle est la Joueused’osselets.En1744,sonmorceauderéceptionà l’Académie est Mercure rattachant sestalonnières, dont le pendant est une Vénus,commandée par Louis XV. Madame dePompadour, protectrice des artistes et deslittérateurs, le prend alors sous son aile et lesculpteurdonne les traits de sabienfaitrice àsastatuedeL’Amitié.Pigalles’adonneaussiàla sculpture monumentale et réalise lemausoléedeMauricedeSaxeàStrasbourgetlesaisissantTombeaudumaréchald’HarcourtàNotre-Dame,oùledéfuntsortàmoitiédelatombeetfaitsigneàsafemmedelerejoindre.Sa statue de Voltaire étonne, car le vieuxphilosophe est nu, en référence à la statueantique de Sénèque. Il fallait oser ! Cetteœuvreannoncedéjàlenéoclassicisme.

Letempsdel’Îleenchantée:l’architecture

Oscillant entre baroque et classicisme, l’architecturedelapremièremoitiéduXVIIesiècleestmarquéeparletrèsclassiqueFrançoisMansart(1598-1666)qualifié

en son temps de génie de l’architecture. On lui doitnotamment le château deMaisons-Laffitte, son chef-d’œuvre, et le Val-de-Grâce à Paris. Il asuccessivement pour rivaux les deux premiersarchitectesduroi : JacquesLemercier (1585-1654),àquil’ondoitlachapelledelaSorbonne,lechâteauetlavilledeRichelieuenPoitou,etLouisLeVau(1612-1670), qui réalisa les châteaux de Vaux-le-Vicomte(résidencedeNicolasFouquet)etdeVersailles.

Fouquet, mélange de banquier et de ministre desFinances, se retrouve en prison en 1661 escorté pard’Artagnan, pas celui du roman, celui de l’histoire.L’animal de ses armoiries est l’écureuil, ce qui nel’empêche pas de faire deux mauvais placements :l’unestd’offrirunetropbellefêteauroi,l’autreestdevendresachargedeprocureurgénéralduroi,qui luiaurait permis de bloquer les poursuites. Oui,l’immunitéparlementaireexistaitdéjà!LouisXIV,unrien jaloux, veut fairemieux queVaux-le-Vicomte, lademeuredudisgracié,etceseraVersailles.

UnchâteaufortbeauAu mois de mai 1664, pour montrer son désir de«lancer»Versailles,LouisXIVydonneunepremièregrande fête, « Les Plaisirs de l’isle enchantée ». Lethème est tiré de La Jérusalem délivrée (1580) duTasse. Le sujet en est la prise de Jérusalem par lescroiséset l’établissementd’unnouveau royaumesurTerreavecl’autoritéfermedeGodefroydeBouillonetlafindesinfidèles.Toutunprogrammeséduisant.

Leroiarchitecte

Sur Versailles devenue capitale administrative duroyaumeen1682sefocalisel’essentieldelacréationarchitecturale de la France, qu’il s’agisse desbâtiments,desjardins,desdécors,dumobilieroudel’urbanisme. Autour de Louis XIV se multiplient lesrésidences, Marly pour lui et ses intimes, le grandTrianon pour sa famille, la ménagerie pour sesanimaux.

La partie centrale actuelle du château enveloppel’édifice de Louis XIII. Les travaux commencent en1661sousladirectiondeLeVau,quimeurten1670.Si Hardouin-Mansart lui succède, le véritablearchitecteestLouisXIVlui-même,caraucundétailnepeutêtreadoptésanssonapprobation. IldirigeainsilesopérationsduGrandTrianon(1687-1688).

LaculturedesjardinsOnnepeutpasparlerduchâteaudeVersailles sansévoquer le parc d’André LeNôtre (1613-1700), chef-d’œuvredel’artdesjardinsàlafrançaise.Ladécliviténaturelle fournit déjà une belle perspective. Deuxgrands parterres s’étendent devant le château et,dans l’axede la façade,unealléegrandioses’ouvre,oùsesuiventbassinsetparterres(leparterred’eauetlebassindeLatone),pouraboutir àunevastepièced’eau en forme de croix appelée le canal. Lelabyrinthe végétal d’origine a disparu, mais larestaurationdesautres a toujours lieu. Les fontainessont alimentées par un réseau d’aqueducs et unsavantjeudecanalisations.

Quel est le comble de l’architecte ? C’est lecomble mansardé, ou mansarde, qui,contrairement à ce que son nom pourraitlaisser entendre, ne doit rien aux Mansart.François ou Jules-Hardouin en sont juste lespropagateurs. Il s’agit d’un comble bas aveclucarnes recoupépar lehaut,d’oùcetaspectdepentedouble.Disonsquel’onadécidéàunmomentdelimiterlahauteurdesgrandstoitsà la française en inclinant leur partiesupérieure. À la place des greniers, on aaménagédesespacesd’habitation,plusfacilesà chauffer, en ouvrant des lucarnes dans cestoits auparavant aveugles. La premièreapparitiondescomblesmansardésalieudansles hôtels particuliers parisiens au début duXVIIesiècle.

LesInvalides:unesacréepensionÀParis,LouisXIVveutmarquersagloireparunesériede monuments. Les portes Saint-Denis (1672) deFrançois Blondel (1618-1686) et Saint-Martin (1674)dePierreBullet(1639-1716)sontconçuescommedevéritablesarcsdetriompheromains,symbolesdesesvictoiresrécentes.

Louis XIV fait aussi bâtir l’hôtel des Invalides (1677-1706),unvasteensembleendamier,hôpitaldestinéàsesvieuxsoldats.

LedômedeJulesHardouin-Mansartestunmélangede

classique et de baroque, érigé derrière un bâtimentinfluencé par l’Escurial et dû à l’architecte LibéralBruant. Louis XIV veut aussi avoir sa place royale àParisavecstatueéquestre,ceseralaplaceVendôme(1685-1699), conçue à sa mesure par Hardouin-Mansart.LacolonnedeNapoléonesteneffetsituéeàl’emplacement de la statue en bronze du roi parGirardon. La place offre une forme originaleoctogonale.Commepour laplacedesVosges,seuleslesfaçadessontérigées,leroilaissantauxparticuliersle soin de bâtir leurs hôtels par-derrière. Place desVictoires(1685-1690),c’estunparticulier,lemaréchalduc de La Feuillade, qui fait bâtir par Hardouin-Mansart.

Après FrançoisMansart (1598-1666), le géniede la dynastie, et Jules Hardouin-Mansart(1646-1708), legrandarchitectedeLouisXIV,Jacques Hardouin-Mansart de Sagonne (1711-1778), le petit-fils de Jules, perpétue latraditionfamiliale.Ilestl’auteur: de la cathédrale Saint-Louis de Versailles(1742-1754), premier grand chantier religieuxdurègnedeLouisXV; dumonastère royal de Prouille (1746-1787,détruit),berceaudel’ordredesdominicains; de l’impressionnant Hôtel-Dieu de Marseille(1753, inachevé) qu’il veut aussi vaste queceluideLyon;

de deux projets de places royales (Paris etMarseille);d’unprojetdepalaisroyalàLisbonne(1756,perdu); d’un château en Allemagne (Jagersburg,1752-1756,détruit); de plusieurs maisons et hôtels à Paris etVersailles; de châteaux en Île-de-France (Asnières,Jossigny).Cet architecte a le tort de naître adultérin enun siècle où l’on ne transige pas sur lanaissance,etdetravaillerdanslerocaille,quelespartisansdunéoclassicismedétestent.Uneconspirationdusilences’amorcedèsl’arrêtdeson activité, située entre 1733 et 1756environ, pourmieux conserver le souvenir desesaînés.Jalousie,quandtunoustiens!

Danscechapitre:Pleinsfeuxsurleclair-obscurUnpapetoutrougeLasouffranceexaltéeensculptureLesillusionsdel’architecture

LeSiglodeOro, leSiècled’or,de lapuissanceetdel’art espagnols vade la fin duXVIe jusqu’à la finduXVIIesiècle. Ilestaussiceluidesondéclinpolitique,économiqueetdiplomatiqueenEuropeauprofitdelaFrancedeLouisXIV.

Avoirlavocation:lapeinture

Lapeinturebaroqueespagnoleaffectionnelesthèmesreligieux,maisellesaitaussiexploreretfairesienneslanaturemorteetlapeinturedegenre.Cettedernièredégage une atmosphère particulière en mettant enscènelaviequotidiennedesgensdupeuple,paysans,

mendiants,enfantsdes rues. Lavérité, l’âpretéet laforce expressive de la peinture espagnole,éminemmentmoderneensontemps,expliquequ’elleresteincompriseetisoléedurestedel’Europe.Ilfautattendre le XIXe siècle et les razzias des troupesnapoléoniennes en Espagne pour qu’elle soit enfinconnueetappréciée.LeroiLouis-PhilippeseconstituaunegaleriedetoilesespagnolesauLouvre,disperséeen 1848. Puis, le génie de Vélasquez fascina unpeintrecommeManet.

LespremierspasavecRibaltaetRibera

Le peintre Francisco Ribalta (1565-1628) introduit leclair-obscurcaravagesqueenEspagneaprèsunséjourenItalievers1610.Ilestl’auteurd’unsublimeChristprenant dans ses bras saint Bernard où les corpspuissants duChrist et du saint, violemment éclairés,émergent de l’obscurité dans une vision resserrée,touslesdétailsaccessoiresétantéliminés.

RecetteàlanapolitaineMême si José de Ribera (1591-1652) vitessentiellementàNaplesenItalieàpartirde1615,ilrestefidèleàlamanièreespagnole.Undestrèsrarespeintres espagnols à être appréciés en Europe, cemaître de l’école napolitaine adopte en effet leténébrisme caravagesquedeRibalta, sonprofesseur.L’artisteévolueensuitevers lescouleurschaudesdeVenise, sans pour autant se départir de sa visionbrutaleetsansconcessiondesêtresetdeschoses,aupointquel’écrivainThéophileGautierforgeradeluiauXIXesièclel’imaged’un«peintred’abattoir»!

DebeauxmonstresRibera représente en effet des scènes plutôtsanglantescommeleMartyredesaintPhilippe(1630-1639). De ses apôtres ou philosophes exposés dansleur brutalité physique, il détaille sans complaisanceles rides des visages et des corps vieillissants. Entémoignent aussi ses nombreuses figures de saintJérôme,d’êtresdifformesoumaltraitéspar la naturecommesaFemmeàbarbe(1631)etsonMendiantaupiedbot (1652),toilessaisissantesderéalisme. Ilestaussi l’auteur,hormisuncurieuxduelentre femmes,descènesreligieusesoriginales,tellesonAssomptiondeMarie-Madeleine(1636)qu’ilfigurecommecelledelaVierge.Riberaest,avecVélasquezetGoya,legrandmaîtredelapeintureespagnole.

Nefaitespasl’infant:Vélasquez

ÀSéville,savillenatale,DiegoVélasquez(1599-1660)réalise les chefs-d’œuvre qui en font le maître duréalisme baroque espagnol. Marqué lui aussi à sesdébuts par le Caravage, il exploite les sujetspopulaires et religieuxavecune forced’évocationetunevigueurduclair-obscur rares, loinde labrutalitéde Ribera comme le prouvent ses tableaux de laVieillefaisantfriredesœufs(1618),duVendeurd’eaude Séville (1620) qui n’a manifestement pas pourclientslesBuveurs(1628).

Miroir,miroir,quiestlaplusbelle?À son arrivée àMadrid, Vélasquez devient le peintreattitréde laCour.Cela luipermetd’aborderentouteliberté des thèmes rares dans la peinture espagnolecomme le nu et les sujets mythologiques avec lesfameusesFileuses(1644-1648)ouLaForgedeVulcain

(1630).Déjàimpressionnisteparlatouche,letableaudesFileuses reprend le thème des Parques, les troissœursquiveillentàladestinéedeshommes.Maislemaître l’utilisepourdépeindreunescèned’atelierdetapisseriesouslerègnedePhilippeIV.Onyvoitbienl’influence des œuvres de Titien et de Tintoretconservées dans les collections royales espagnoles,comme dans le nu de la sublime Vénus au miroir(1644-1648).

LeroidespeintresetlepeintredesroisVéritable génie de la peinture universelle, VélasquezestconsidéréparManetcomme« lepeintredes roisetleroidespeintres».Savisionintimisteetoriginaledessouverainsespagnolspeutétonner:leroiPhilippeIV pose en simple chasseur, dépourvu de toutemajesté royale, quand les célèbres Ménines (1656,voir ) montrent l’envers du décor aumomentdesséancesdeposedelaprincesse.Unfaittypiquement espagnol est de voir figurer dans touteleur simplicité physique et morale les personnages,comme le Bouffon Calabazas et le Nain FrancisoLezcano, dit l’enfant de Vallecas, les philosophesMénippe et Ésope (vers 1640) présentés dans leuraspect le plus misérable. Que dire encore desémouvants portraits des infantes Marie-Thérèse etMarie-Margueritedansleursrobesà lamodedujour,etdontVélasquezafixél’imagepourl’éternité?C’estl’imagedecesinfantesquimarqueraleplusManet.

Del’artistevuparlui-même

Vélasquez aborde d’autres thèmes inédits ou raresdanslapeintureespagnole.L’artistepeintlascènedelabatailledelaRedditiondeBreda(1634-1635)avecsafausseforêtdelancessurlecôtédroit.Lesregards

sedétournentdelascènepourobserverlespectateur.Lepeintres’estreprésentédanssonœuvre:onlevoittoutàdroite.

Le maître aborde aussi le paysage dans les deuxgrandiosesvuesde lavillaMédicisàRome, réaliséesaucoursdesesséjoursdanslaVilleéternelleen1630et1650,préfigurant l’artdeCorotetdePissarro.Lesimpressionnistes sont fascinés parMercure et Argus(1659), l’une des dernières œuvres du peintre. Lavigueurde latouche, lacouleur jetéesur latoile, lesempâtements,toutpréfigure,deuxsièclesavant,leurdémarcheavant-gardiste.

LepapevoitrougeVélasquezapparaîtd’autantpluscommeunartisteàpart dans la production picturale espagnole que lesthèmesreligieuxsontpeufréquentsdanssonœuvre:unChrist en Croix (1632), au clair-obscur saisissantentre fond sombre et corps en pleine lumière, et unCouronnement de la Vierge (1640-1650), seulecompositionvéritablementbaroqueparlemouvementtourbillonnantdesnuéesetdesangelots.Onnoteralaprédilection de Vélasquez pour le rouge, bien visibledans le magnifique portrait du pape Innocent X(1650). Saisi par le réalisme de la toile, le pape seserait écrié « Troppo vero ! », « C’est trop vrai »commeonditcheznous.

Lepeintredusilence:ZurbaránNélamêmeannéequeVélasquez,FranciscoZurbarán(1599-1664)faitlaplusgrandepartiedesacarrièreàSéville car, venu à Madrid pour procéder à ladécorationdupalaisduBuenRetirosurlethèmedestravaux d’Hercule, il n’y a pas rencontré le succès

escompté.

Zurbarán est longtemps rejeté pour le caractèrestatique de ses figures qualifiées de gothiques, laraideurde ses formesprisepourunemaladresseet,en résumé, le caractère froidetpeuséduisantdesapeinture.Maisdepuis–Cézanneetsapeintureétantpassés par là – on comprend ses recherches sur lesformeseton le considère, avecVélasquezetRibera,comme un autre grand maître de la peintureespagnoledusiècle.Artistemodèlepourlarigueurdesa géométrie, il sait rendre le volume comme peud’autres. Le ton est donnéavec sonmagistralChristencroix.

ZurbaránestaussiconnupoursesnaturesmortesetsesportraitsdesaintesvêtuesàlamodesévillaneduXVIIe siècle, dont certaines portent l’objet de leursupplice,commecettesainteAgatheportantsesseinssur un plateau, admirée par le poète Paul Valéry aumuséeFabredeMontpellier.

Lecaravagismevouéauxténèbresparlanouvellegénération

Le milieu du XVIIe siècle marque pour Zurbarán ledéclin de son art, le ténébrisme caravagesque étantpassé de mode. Une nouvelle génération d’artistesarrivesurlaplacesévillane.

Murillo,aimableetmodesteFormé dans le courant caravagesque, BartoloméEstebanMurillo (1617-1682)évolue trèsvitevers lesnouvelles formules italiennes. Il subit également les

influences flamandes de Rubens et de Van Dyck.Peintredelaviereligieuseetdecelledespauvresetdes enfants, il met au point un style caractéristiquequi luivautun immensesuccès jusqu’auXIXe siècle.Sonœuvresecaractériseparunetouchetransparenteet des couleurs vaporeuses, reflets de son caractèreaimable et humble. La suavité de ses compositionssurdesthèmespopulairestelsqueleJeuneMendiant(1645), lesMangeurs de raisins et pastèques (1650)ou lesEnfants jouant aux dés (1650) lui vaut d’êtresouventreprésentésurlesboîtesdechocolats!Danscesscènes,l’aspectmisérabledesenfantsenhaillonstrancheavecleurjoiedevivre.

DenouveauxcyclesMurillo travailleaussiàd’importantscycles religieux,telsceuxdeSantaMarialaBlanca(1662),ducouventdes capucins (1665) ou de l’hôpital de la Charité(1670-1671)prenantlàlerelaisdeZurbarán.Ilestlepeintredetableauxdedévotion,surtoutdelaVierge.Le plus fameux est celui de L’Immaculée Conception(1678) dite Immaculée Soult parce que emportéed’Espagne par le maréchal Soult qui le conservejusqu’à sa mort en 1852, date à laquelle le Louvrel’achète. Madrid le récupérera en 1940. Le peintrelaisseuneimagetouchanteduChristenfantdanssonBonPasteurduPrado.

FairedesvanitéssansvanitéÀl’inversedelasensibleriesereinedeMurillo,JuandeValdés Leal (1622-1690) déploie une peinturemouvementéeetpassionnée,marquéeparlaviolenceet la spontanéité de sa touche. Sesœuvres les pluscélèbressont lesdeux toilesexécutéespour l’hôpitalde laCharitédeSévilleen1672.Cesœuvrespharesdubaroqueespagnol valent àValdés Leal le surnomde«peintredelamort»!Pasfranchementoptimiste

pour un hôpital ! Dans l’une, intitulée In ictu oculi,c’est-à-dire « en un clin d’œil », la mort, sousl’apparence d’un squelette, se tient victorieuse au-dessusdetouteslesvanités,amasderichessesetdesymbolesdepouvoir.Dansl’autre,Finisgloriaemundi,les cadavres d’un évêque et d’un gentilhomme,rongés par les vers,montrent que lamort réduit lesêtresà lamêmecondition.«Vanitédesvanités,toutn’estquevanité»dit l’Ecclésiaste,c’estpourquoionparledevanitésàproposdecegenredepeintures.

Deshorreursdetoutebeauté:Goya

Comme Valdés Leal est le « peintre de la mort »,Fransisco de Goya (1746-1828) est le « peintre desténèbres ». Un des artistes emblématiques del’Espagne, de formation baroque, Goya innove,notamment dans la gravure, et annonce l’artmoderne.AprèssesannéesdeformationàSaragosseetàMadrid,ilserendàRomeen1771.

Enmai,peinscequ’ilteplaîtDeretouràMadrid,Goyamèneuneexistenceagitée–on le retrouvemêmeunsoiravecuncouteauplantéentrelesépaules–etsefaitpasmalderelations,dutoreroàlacomtessedeBenevente,toutentravaillantde façon acharnée. En 1780, l’artiste est enfin reçumembre de l’Académie de peinture et jouit de lafaveurdesroisd’Espagne.Ilabordetouslesgenres:

lessujetsreligieuxpourlacathédraledeSaragosse;leportraitavecceuxdelafamilleroyale; les scènes de genre avec une Course de taureaux, uneProcessionduvendredisaint,unAutodafé.

L’invasion de l’Espagne par la France en 1808 lui

inspiredeux toiles,Dosdemayo et leTresdemayoqui dénoncent la guerre. Elles illustrent bien le styledeGoya:magiedelacouleuretpeinturepartouchesépaisses, originalité des sujets et des personnages,hardiessedelacomposition.

Ducourtisanàlacourtisane

AveclaMajanue,quiapourpendantlaMajavêtue(lamajaétantunefemmeentretenue),Goyadonnelenule plus connu de la peinture espagnole qui neconnaissaitguèrequeceluide laVénusaumiroir deVélasquez.Onnesaitpasquisertdemodèle,maissionregardeattentivementletableau,onal’impressionquelachairsuittroplescontoursduvêtement,quelenu est trop rigide. On devine que cette peinture n’apas eu de modèle déshabillé, mais a surgi del’imaginationdupeintreàpartirdelaversionhabillée.

LesgravuresdeGoyarestentlapartielaplusconnuedesonœuvre:lesCaprices,lesCoursesdetaureaux,les Désastres de la guerre. Pacifiste, Goya dénonceguérilleros et militaires ; libéral, il travaille pour laCouronne. À chaque fois, il a le don de se faire desennemis dans tous les camps. Il doit s’installer àBordeaux avec sa famille, où il meurt en 1828. Cen’est que soixante ans plus tard que sa dépouillemortelleestrapatriée.

Réalisée entre 1793 et 1798, la série desCaprices est éditée pour la première fois en

1799. En 80 planches, Goya développe uneviolente satire humaine et sociale, à traverslaquelle il entend dénoncer les travers et lesvicescommunsàtous leshommes.Véritablesmiroirs des profondeurs de l’inconscient, denombreuses planches laissent entrevoir lesabîmes de l’âme qui dépassent de loin lesconventionshabituellesdelasatiresociale.Lavie, lamort, l’amour, la sexualité, la cupidité,lavanité,lasottiseetlacruautéprennentdansles Caprices une dimension de violenceextrême.Dansl’introductionaurecueiletdansleslégendesdesesimages,l’auteurs’évertueàmettreenévidenceleurportéemoralisatrice,comme « Le sommeil de la raison engendredesmonstres.»GoyafaitretirerlesCapricesdelaventeaprèsquelques jours. Pour éviter les foudres del’Inquisition, l’artiste offre les planches et lesexemplairesrestantsàlachalcographieroyale.

Unciseaubaroque:lasculptureJusqu’à l’arrivée des Bourbons au XVIIIe siècle, lasculpture baroque espagnole est uniquementreligieuse. Réputés pour leur piété extrême, lessouverainsespagnolscontribuentà fixer l’image trèscatholiquedupays.Lafois’exprimenotammentdansl’art du retable qui concilie à merveille sculpture etarchitecture.

Douleurencouleur

Traditionpropreà l’Espagne, les charsdeprocessiondessemainessaintes,dénomméespasos,mettentenscèneunépisodedelaPassionduChrist,desimagesdeMarie en tant que Vierge de douleur oumère duSauveur,oudessaintsmartyrs.Cesstatuesexaltentla souffrance. L’émotion s’exprime par un renduminutieuxdesexpressionsdespartiesducorpsetdeses blessures, renforcé par l’usage de la couleur oupolychromie.Lesvêtements,lesvisages,lecorpsetlesang sont peints afin d’impressionner davantage lespectateur que ne l’aurait fait une statue enmarbreou en bronze. Car, au contraire des autres paysd’Europe, la sculpture baroque espagnole estessentiellement en bois sculpté doré et polychrome,selonunusageremontantàl’époqueromane.

UnréalismepathétiqueLes deux grands foyers de la sculpture baroqueespagnole du XVIIe siècle sont la Castille avecFernández et surtout l’Andalousie avec le grandMartinez Montanez à Séville. Installé à Valladolid,Gregorio Fernández (1576-1636) soigne laressemblancedesvisages,surtoutdansletraitementminutieux de la chevelure. Ses œuvres, comme leChrist gisant du couvent des Capucins du Prado(1614) ou de la Piedad (1616), figure de paso,témoignent du réalisme pathétique de ses sujetsreligieux. On le considère comme un des premierssculpteurseuropéensdesontemps.

EnviedeplisséAu même moment, Juan Martínez Montañés (1568-

1649) faitpreuvede lamêmevirtuositéetdumêmepathétismedans lesœuvresqu’ildestineauxéglisesetcouventsdeSéville.QuandFernándezusedans lecorpsduChristoudessaintsducanon lisseetétiré,Montañés s’emploie, à l’instar de Michel-Ange, àrendre la musculature et le plissé des chairs. Leréalismeestànouveauaccentuéparunepolychromieintense.Sesœuvres lesplus connues sont les saintsJérôme et Dominique pénitents, l’un en haut-relief(1609-1613),l’autreenrondebosse(1605),sonChristde la clémence et surtout la Vierge de la Macarenaque l’on habille comme une poupée lors desprocessionsdelasemainesainte.

Mêmesansavoireuunequinteflushenmain,chacun peut imaginer que « quint » signifiecinq. Alors le désordre régnait-il et régnait-ondansledésordreenEspagne?Enfait,CharlesQuintpratiquaitlecumuldesmandats:ilétaitroi d’Espagne et empereur du Saint Empireromain germanique (qui d’ailleurs n’était niempire, ni saint, ni romain). Comme roid’Espagne, il était Charles Ier, et commeempereur, il était le cinquième à s’appelerCharles.C’estsouscetitrequ’ilestpasséàlapostérité.

Lagrandeillusion l’architectureSévillepuisMadridsont lesdeux lieuxmajeursde lacréation artistique du Siècle d’or. L’architecture estdavantage religieuse que civile, car l’Église, quiperçoit ses revenus en nature, a moins souffert desdifficultéséconomiquesdupaysquelamonarchie.LecommerceaveclesIndesetlesrentréesd’oretautresmétaux précieux des colonies des Amériquesaccusenteneffetsous lerègnedePhilippeIV(1621-1665)unefortechute.

Unearchitectureàdoubleface

Jusque vers 1640, l’architecture espagnole estpartagéeentreunetendanceaustère,rigidedanssesformeset assez pauvre en ornements aunord et aucentre,etuneplusmouvanteetdécorativeausudetà l’est.EnCastille, lepalaismonastèredePhilippeII,l’Escorial (ouEscurial,1563-1584),œuvrede JuandeHerrera (1530-1597), est aussi austère qu’unecaserne. Le plan en gril influencera les Invalides deLouis XIV (qui était espagnol par sa mère, c’estl’occasion de le rappeler). La chapelle du Panthéondes rois d’Espagne de l’église du palais et celle del’églisedesBernardasd’AlcaladeHenaresmettentenvaleurl’architecteroyalJuanGómezdeMora.

Dans la première église, le contraste est saisissantentre la rigueur classique des extérieurs et lasplendeurbaroquedel’intérieuravecsessurfacesdematériauxprécieuxetsesbronzesdorés.Lebâtimentillustrebienladoublefacedel’architectureespagnoleauSiècled’or.Pourl’architecturecivile,ondoitàMoralaPlazaMayordeMadrid(1617-1619).

La seconde église, celle de Bernardas, commencéevers1618,montreavecsanefetseschapellesovalesinscrites dans un carré que la tradition italienne deVignole n’est pas oubliée. Il est intéressant de voircommentlarotondeetlacoupoleovalesdisparaissentsous d’austères façades coiffées d’un lanternon,comme s’il fallait dissimuler sous la rigueur del’extérieurlasplendeurbaroquedel’intérieur.

C’estassurémentà l’intérieurdeséglisesques’exerça le mieux le baroque espagnol, nonseulementparlaproliférationdesornementsàlasurfacedesbâtimentsetdesretables,maisaussi dans la préciosité des matériauxemployés:oretcouleursàprofusion,pendantque le stuc et parfois lemarbremasquent lamédiocrité du bâtiment en brique ou entorchis. Le stuc est un mélange de blancd’œuf,dechaux,deplâtreetdepoussièredemarbre. En Espagne, les motifs de stuc sontdénommés yeserias de l’espagnol yeso, leplâtre. En plus du retable, le baroque voit letriomphededeuxautresélémentsmajeursdudécor religieux espagnol : le sagrario et lecamarin. Le premier était destiné à laconservation et à l’adoration du saintsacrement dans un grand tabernacle, letransparente. Le deuxième servait à lavénération d’une relique ou d’une imagesainte. Ils pouvaient atteindre tous deux desdimensionstrèsimportantes.

DifficiledegarderlaligneLa cathédrale de Valladolid de l’architecte Juan deHerrera, commencée en 1580, poursuivie ensuite duXVIIeauXIXesiècle,reflèteunespritdeplusenplusbaroque,s’éloignantprogressivementdelapuretédelignes souhaitée par son auteur. En Andalousie,l’architecture civile ne présente pas de monumentnotable, tant l’architecture religieuse domine cettepartiedel’Espagne.

Unpetitcoind’ItalieenEspagneÀpartirde1650,lebaroquemonteenpuissanceavecl’arrivée d’artistes italiens et par l’envoi de projetsd’Italie. Un desmeilleurs exemples d’importation estle collegium regium de Loyola au pays basque en1681, ensemble architectural bâti pour rendrehommage au père fondateur de l’ordre des jésuites,saint Ignace. L’un des plus impressionnants édificesdecettepériodeestsansdoutelanouvellecathédraledelaville,diteduPilar,c’est-à-diredupilier,puisquecensée être bâtie sur le pilier où la Vierge étaitapparueà l’apôtre Jacques leMajeur, le saint patrondel’Espagne.FelipeSánchezvers1675faitunevastenef rectangulaire entourée de chapelles avec quatretours aux angles et une coupole au centre. Àl’extérieur, l’édifice adopte la tradition des édificessévèreshéritéedeHerrera.

L’éclatdeGrenadeCes projets monumentaux se retrouvent en Galice,avec l’enveloppe baroque de la très gothiquecathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle entre1649 et 1680, et la façade de la cathédrale deGrenade érigée à partir de 1667. Là aussi, la puretédes lignes des vastes arcades se combine à la

décorationbaroque.Laproliférationdel’ornementestpoussée à l’intérieur à un degré tel qu’elle vient àmasquer la structure du bâtiment comme à SantaMarialaBlanca(1659)deSéville,anciennesynagoguetransforméeenégliseetcélèbrepoursespeinturesdeMurillo.

Les retables adoptent des effets de plus en plusscénographiques.Celuidumaître-auteldelachapellede la Charité de Séville (1670) par Simón de Pineda(1638-1691) est proprement délirant, car nonseulementlastructureestenvahieentrelescolonnestorses par l’ornementation mais l’on voit au centreunegrandiloquentemiseautombeauduChristparlesculpteursévillanPedroRoldán(1624-1700).

Laboucleestbouclée:baroquecontrerocaille

La fin du XVIIe et le début du XVIIIe siècle voienttriompher le style churrigueresque. Il se caractérisepar sa richesse ornementale et celle de sesmatériaux, son mouvement, son aspect théâtral etsurtoutsesmotifsdéchiquetés.

CestyledoitsonnomauxfrèresChurriguera, famillemadrilène d’origine catalane : José Benito (1665-1725),l’aînéetlepluscélèbre,Joaquín(1674-1824)etAlberto(1676-1750)L’aînétravailleessentiellementàMadrid et à Salamanque, dont le maître-autel del’église de San Esteban (1693) est le plus grand del’époque et un des plus impressionnants par sadécoration. On doit à Alberto la place la plusambitieuse et la plus harmonieuse du pays, la PlazaMayordeSalamanque(1728-1758).

Rejetant l’art baroque pratiqué dans le pays, le roiPhilippeV,petit-filsdeLouisXIV, souhaitediffuser legrand artmonarchique de Versailles. Le palais de laGranja, près de Ségovie, illustre merveilleusementl’artfrançaisduXVIIIesiècleenEspagne.Lesjardins,avecleursvases,statues,bassins,bosquetsetalléesplantéesenperspective,sont inspirésdeMarlyetdeVersailles.Lemaîtred’œuvresenommeRenéFrémin(1672-1744). Dans ce palais, Charles III crée uncabinet de porcelaine à sujets chinois et à motifsrococosqui,sousuneautreforme,témoignedecettehorreurduvideexpriméeparlebaroqueespagnol.Cedécor tranche avec la sobriété des lignes et del’ornementation des extérieurs demeurés dans latradition des façades en brique des Habsbourg duXVIIesiècledontestissuCharlesQuint.

Avec l’arrivée sur le trône de Charles III en 1759, lebaroque laisse définitivement place aunéoclassicisme,commeentémoignelaported’Alcala(1746-1778), traitée en arc de triomphe. La rigueurestànouveaudemisedansl’architectureespagnole:laboucleestbouclée!

Le mot vient de l’espagnol azull, bleu. Lefrançais dit parfois aussi zellige, de l’arabezallidj, mais l’utilise plutôt pour désigner lespetits éléments de la décoration arabe,assemblages de carreaux de faïence àdominantebleue.Bienqu’issuedelatraditionespagnole, le décor d’azulejos est

caractéristique du baroque portugais. Auxdécors géométriques multicolores de cescarreaux de céramique de la tradition arabe,les Portugais préfèrent des compositionsbaroques peintes et cuites au four à hautetempérature dans l’esprit des faïences deDelft, ou des porcelaines chinoises. On lesretrouveaussibienauxfaçadesqu’àl’intérieurdes églises ou des cloîtres des couvents quedans les salons, les cours et les jardins despalais. On est fasciné par la virtuosité desartistes créateurs de ces ensembles bleu etblancconstituéstelunpuzzlepardemultiplescarreaux.Ladoubletraditiondelatalha,décorportugaisdeboisdeBrésildoréetsculpté,etcelle de l’azulejo espagnol ont donné l’églisede l’ancien couvent de Jésus d’Aveiro(Portugal) dans le premier quart du XVIIIesiècle.

Danscechapitre:DesFlamandsrossesDesnaturesmortesetdesbonsvivantsLaJocondeduNordLetravailenatelier

Artcatholiqueparexcellence,puisquenédansetauservice de la Rome papale, le baroque provoquetantôt l’enthousiasme, tantôt la méfiance. Il connaîtunbelépanouissementdanslespaysàfortetraditiondécorative comme la Belgique ou l’Allemagne. Danslespaysde traditionprotestante, ilestpluscivilquereligieux.

Sansmêlerlespinceaux:lesPays-BasQuoiqueprotestante,laHollandecultivelestulipesetl’esprit de tolérance, puisqu’elle admet lescatholiques, comme le peintre Vermeer qui demeure

danslepays.Lebaroquehollandaisestaussiservipardes artistes protestants venus de France après larévocationde l’éditdeNantes (1685)etdont leplusconnu est le graveur et architecte français DanielMarot.

La Mauritshuis (ou maison de Maurice) à LaHaye, construite pour le prince Maurice deNassau, montre le goût de l’aristocratiemarchande pour les résidences dans le styleclassique italien de l’architecte Palladio,comme en Angleterre. L’élégance discrète dece style convient fort bien à cette classepuritaine, soucieuse de ne pas montrer saréussite. Dans le domaine religieux, leprotestantisme refuse également toutefigurationet touteostentation. Lebaroquenetransparaît donc que dans la conception duplan. LaNieuweKerke (laNouvelle Église) deHaarlem(1649)présentelafusionoriginalededeux croix grecques. Le baroque s’imposenotablement dans l’architecture civile de lasecondemoitiéduXVIIe siècle sous l’effetdurayonnement de l’art français de Versailles.Principale figure, l’architecte Daniel Marot(1663-1752) s’illustre dans les jardins de HetLoo, ancien palais royal de Hollande, conçuspour Guillaume III d’Orange et dignes de LeNôtre.

Mineursetpourtantmajeurs

Le XVIIe siècle est le siècle d’or de la peinturehollandaise. Le phénomène est d’autant plussurprenant si l’on considère les conceptionsiconoclastesduprotestantisme.Outre le faitqu’ilestl’une des injures préférées du capitaine Haddock, lemot iconoclasme signifie l’interdiction de toutereproductiondelacréationdivine.C’estpourcelaquela peinture hollandaise, sauf avec Rembrandt, secontentedesgenresditsmineurs comme leportrait,le paysage, la peinture de genre et la naturemorte,dans une prodigieuse abondance de talents. Ellepermetdedonnerlibrecoursàunsensdelacouleuret du réel quasi photographique, avec un souciméticuleuxdudétail.

Hals,peintredumouvementFranz Hals (vers 1580-1666), quoique natif d’Anversen Belgique comme beaucoup d’artistes hollandais,passe toute sa vie à Haarlem. Il s’illustre dans leportrait, et surtout le portrait collectif, un genre trèsapprécié au XVIIe siècle. Il innove en présentant lespersonnagesdansdesattitudesnonplus figéesmaisanimées. Hals est avant tout le peintre dumouvement,delavie,delaspontanéité.Sesportraitssonttraitésd’unetoucherapide,touràtourfluideetépaisse,habilementrépartie,qui fera l’admirationdeCourbet.

La vigueur de ses œuvres s’exprime par deséclairagespuissantsetunegammedecouleursvives,commedansLeCavaliersouriant (1624),LeBanquetdesofficiersducorpsdeSaint-Georges (1627)ouLeJoyeux Buveur (vers 1620). Seules exceptions à la

règle, lePortraitdemariaged’IsaacMassaetBeatrixvander Laen (1621) à la touche lisse et aux teintesmonochromesdenoiroudebrun,etlesRégentesdel’hospice des vieillards (1664), gaies comme desportesd’hôpital.

Lesmoulins,c’étaitmieuxavantLe peintre de paysage hollandais par excellence estassurément Jacob Van Ruisdael (1628-1682). Le cieltourmentéoccupesouventunelargepartdelatoileetlepaysageproprementdit,souventavecdesmoulins,se réduit au quart existant. Réaliste, doté d’un senscertain de la composition, l’artiste sait peindre unenatureexpressiveettouchanteavecuneremarquabletransparence de l’air et de l’eau. Cette peinture depaysage est composée aussi de marines etd’architectures. Les premières ont pour maîtres lesVandeVeldepère et fils et les autres Emmanuel deWitte(vers1615-1692).

Rembrandt,unepreuved’exigenceL’Espagne a Vélasquez, la Hollande a RembrandtHarmenszoon Van Rijn (1606-1669) que l’on préfèreappelertoutsimplementparsonprénom.NéàLeyde,il passe l’essentiel de sa carrière à Amsterdam, ens’illustrant dans presque tous les genres, y comprisles scènes bibliques et mythologiques. Sa manièreévolueaugrédesbonheursetdesmalheursdesavie.Àsesdébuts l’artistemontredéjàuneexceptionnellevirtuosité technique et un anticonformisme qui setraduit par un réalisme expressionniste caractérisépar ce goût des tonalités brunes et blondes qui faitsonsuccès.Lesœuvressontbrutalesetprovocantes,avecpourchefs-d’œuvredecettepériodeLesPèlerinsd’Emmaüs(1628)ouleJérémiepleurant(1630).

LapaletteassurelagaletteÀ partir de 1631 débute la seconde période, cellebaroque des jours heureux,marquée par le passagede l’artiste de Leyde à Amsterdam et la rencontreavecsapremièrefemme,Saskia.L’artisteéclaircitsapalette,selaisseséduireparlebaroquedeRubensetatteintsonapogée,richeetcélèbre.Sonpremierchef-d’œuvreestlaLeçond’anatomie(1632).C’estaussiletemps des nombreux portraits de son épousecostuméeenFlore,endormie,aveclesenfants…Iln’ya pas pénurie de modèles mais le peintre estamoureuxfou!

Influencépar celledeRubensàAnvers, saDescentede croix, exécutée pour le prince d’Orange (1633),prouve qu’il n’a pas abandonné la manière de sesdébuts.LeFestindeSamson (vers1630)montredestonalités chaudes d’esprit vénitien et une animationbaroquedesfigures.

LarondedesjoursLes années 1640 voient une suite de drames : safemmemeurt,ainsiquetroisdesesquatreenfants,etdesdéboiresfinancierssurviennent.Sescompositionsse simplifient alors. Les chefs-d’œuvre de cetteépoquesontlacélèbreRondedenuit(1642)quinesedéroule d’ailleurs pas de nuit, une nouvelle versiondesPèlerinsd’Emmaüs(1648)etL’Hommeaucasqued’or(1648-1650).Àpartirde1650,lorsdeladernièrephase de son art, le peintre semble libéré de touteconvention.Latoucheestplusspontanéeetlecoloristoujoursaussisobreetcontrasté.DenouveauxdécèsfrappentRembrandt,maisc’estpourtantlapériodedeses plus grands chefs-d’œuvre, comme un feud’artifice avant la fin, avec la Bethsabée du Louvre,(1654),LeBœufécorché (1655), leSaintMatthieuet

l’Ange(1661)etLeSyndicdesdrapiers(1662).

De son véritable titre La Compagnie ducapitaine Frans Banning Cocq, cette toile degrand format (3,59×4,38mètres),peinteen1642, est conservée aujourd’hui auRijksmuseumd’Amsterdam.Ellefaitpartiedeschefs-d’œuvre de la peinture européenne. Letitre La Ronde de nuit est on ne peut plustrompeur, car c’est une scène de jour ! Levernis du tableau est à ce point assombri auXIXe siècle que l’œuvre est ainsi baptisée.Comme Les Méniness de Vélasquez, il s’agitd’une scène anecdotique. Le tableaureprésente la garde municipale d’AmsterdamducapitaineFransBanningCocq,dansunedeses rondes dans la ville. Il s’inscrit dans latradition du tableau de garde municipale,fréquentdanslapeinturehollandaiseduXVIIesiècle, et présente une variante des portraitsdegroupequ’elleaffectionne,unpeucommel’actuellephotodeclasse.L’originalité de l’œuvre réside dans sonanimation des figures. Là où le genre duportrait collectif préfère des personnagesimmobilesautourd’unetable,Rembrandtlesaplacés ici en situation. Tout dans lacomposition converge vers les deux figures

centrales.L’unitéestobtenueparlarépartitiondelalumièrevenantd’enhautàgaucheetlesmasses colorées. Les couleurs vont du blancaunoirenpassantpardestouchesbrunespuisocre jaune et ocre rouge chères au peintre.L’anecdote veut que certains gardesmunicipauxpayèrentl’artistepourfigurerdansle tableau : la somme était plus ou moinsimportante selon la place qu’ils occupaientdanslacomposition.

MoiparmoiOn ne peut pas parler de Rembrandt sans parler deses portraits, où il porte fort loin l’exploration dugenre.Auxportraits collectifs et individuels, il ajoutelapratiquedel’autoportrait(voir ): jamaispeintrene sepeignit autantque lui ! Lephénomèneest unique à cette époque mais aussi dans toutel’histoiredel’art.Onlevoitàtouslesâgesdelavie,dans toutes les expressions, sous toutes lesexpositions, claires ou sombres, et dans tous lescostumes, commedansL’Autoportrait avec colleretteet toque (1629). Rembrandt est un artisteantiacadémiquequisaitrendreavecgéniel’humanitédesespersonnages,sapoésieetsavisionparticulièredes choses de la vie. Sa manière est unique,empreinte d’une spiritualité et d’un intimisme qui ledistinguentdesautrespeintreshollandais.

Lesilenceestdemise:VermeerSilence!AvecJohannesVermeer(1632-1675),c’estlapeintureseulequis’exprime.ÀlamanièreabruptedeRembrandt, l’artiste oppose une techniqueimpeccable,quasiphotographique,quiestcelledela

tradition nordique depuis Van Eyck. Son œuvre estadmirabled’équilibre,demystèreetdepoésie.NéàDelft, Vermeer apparaît d’autant plus commel’antithèse de Rembrandt qu’il est totalement oubliéjusqu’auXIXesiècle.Onsaitpeudechosessur luietson œuvre se limite à une quarantaine de toilesenviron.

La redécouverte tardive de Vermeer etl’absenced’œuvresconnuessontàl’originedenombreuses controverses sur leur attribution,ce qui facilite la mise en circulation de fauxtableaux.Unedesdeuxplusgrosses fortunesd’Europe,unarmateurdeRotterdam,achèteen1941laCène deVermeer. Pour réunir la sommede1600 000 fl orins de l’époque (environ 10millionsd’euros), ilvendunGoya,unTintoretetunWatteau.À laLibération,uncertainVanMeegerenestaccuséd’avoirtrahisapatrieenayantvenduunVermeeràGoering.Plutôtêtrefaussaire que traître, on a sa dignité ! VanMeegeren affirme avoir vendu un faux qu’il alui-mêmeconfectionnéet,pendantqu’ilyest,avoueenavoirpeintd’autresdontlafameuseCène.Mais,ironiedusort,personnenelecroit.

Traître et mégalomane en plus ! Il est doncobligé,pourappuyer sesdires,depeindreunfauxVermeerenprison.SionpeutcomprendrequeGoering,quinebrillaitpasparlegoût,sesoit laissé duper, c’est tout de même plussurprenantdelapartdesexperts.LaCèneestfranchement hideuse. En 1995, elle a étévendueauxenchèresaumuséedeRotterdampourlasommede54000euros,cequilarendplus abordable même si elle reste toujoursaussilaide.

LalaitièreadupotPeintre des scènes d’intérieur, Vermeer se plaît àreprésenterlafemme,qu’ellesoitpaysanne,ouvrièreou bourgeoise. Sont célèbres La Laitière (1660),reprise depuis dans une célèbre publicité, LaDentellière (1665-1670, voir ) ouLa JeuneFille au verre de vin (1660). Des pièces mises enperspective par le sol, par les murs ou une tablebaignent dans une lumière douce venant d’unefenêtre figurée ou suggérée. La particularité desvolets hollandais composés de quatre panneauxpermet au peintre de moduler la lumière encombinant leur ouverture. L’artiste affectionne lacomposition géométrique, soulignée par le carrelagedusoletlesmursblancs,parlaprésenced’unmiroir,d’une table, d’une fenêtre ou de tout autre élémentdedécor.

LaJocondeduNord

À propos d’une femme-fleur, il convient de rappelerque le même mot tülbend a donné « turban » et« tulipe ». Ces jeunes femmes sont parfois peintes

pour elles-mêmes, indépendamment de tout décor,dont La Jeune Fille à la perle (1660) est la pluscélèbre. Ce tableau est considéré comme la JocondeduNordenraisonsagrandebeauté.EtcommepourMonna Lisa, on a également longtemps spéculé surl’identité de cette jeune fille. Elle fait partie desportraits de fantaisie appréciés enHollande auXVIIesiècle.Sonturbanestundéguisementaumêmetitrequeceuxqu’affectionneRembrandt.

Vermeer est aussi le peintre de natures mortescomme l’Allégorie de la peinture (vers 1665) et depaysages dont l’exceptionnel paysage urbain de LaVenelle(1658).Lesilenceestencoreicidemise.

La sculpture évolue vers le baroque avecHendrickdeKeyser (1565-1621)qui est aussiarchitecte. Il fait l’essentiel de sa carrière àAmsterdam et on lui doit le prodigieuxmausolée de Guillaume Ier le Taciturne à laNieuwe Kerk de Delft (1614-1623). En pierrenoire,marbreetbronze,cemausoléesubit luiaussi l’influence française en s’inspirant dutombeaudeHenriIIàSaint-Denis.Artus Quellin I dit le Vieux (1609-1668)originaire d’Anvers est considéré comme lesculpteurleplusinfluentdubaroqueflamand.Sadécorationde l’hôteldevilled’Amsterdamlui vaut la commande des bustes de presque

touslesnotablesdelaville.

Naturesmortesetbonsvivants:laBelgique

LeXVIIe siècleest l’undesplus fécondsde l’histoirede cette partie de l’Europe. L’architecture et lasculpture s’y manifestent avec une force et uneoriginalitéquirappellel’Italie.

Comme Rome ou Paris, Anvers est l’un descentres majeurs de la création baroqueeuropéenne. La maison de Rubens à Anversest très emblématique des ambitions dubaroqueflamand.Outrequ’elleabritel’atelier,lesœuvresetlescollectionsdugénialpeintre,elle est bâtie dans l’esprit des palais italiensque Rubens visite à Gênes, d’où le splendideportiquequiclôturelacour.Surleplanreligieux,lesédificesflamandssontsouvent de structure gothique mais le décorest baroque, tant en façade qu’à l’intérieur,commeceluidélirantdel’égliseSaint-Charles-Borromée à Anvers (1613-1625) qui s’inscritdans un plan inspiré duGesù des jésuites deRome.Àl’époque,lacélébritédel’édificetientaudécorduplafond,malheureusementdétruiten 1718, et des toiles des retables, ces

constructions verticales placées sur un autelou en retrait et portant un tableau ou unesculpture.La sculpture baroque de Belgique est aussiessentiellement religieuse, comme celle del’Espagne. La famille Quellin resteindiscutablement legrandnomdecestyle.SiArtus I est parti de Hollande, Artus II son filsfaitcarrièreàAnversetdanslerestedupays,à Bruges et à Bruxelles, en donnant denombreuxensemblesdegoûttrèsthéâtral.Onretiendra surtout du sculpteur sa figure deDieulepèreàSaint-SauveurdeBruges(1682).C’est dans les monuments funéraires et lemobilier religieux, comme les chaires deSainte-Gudule de Bruxelles (1699) et de lacathédrale de Malines (1673) que Artus IImanifesteleplussontalent.

Unepalettedetalents:Rubens

Figureemblématiquede lapeintureflamande,Pierre-Paul Rubens (1577-1640) est, après Vélasquez etRembrandt, l’autre génie de la peinture européenneduXVIIe siècle. Lamême fougueet lamêmevitalitéanimenteneffetcestroiscréateursinépuisables.

L’artetlepolitiquePeintre, Rubens est aussi architecte, graveur etdiplomate.SesséjoursàRome,MadridetLondresnesont pas seulement artistiquesmais aussi politiques.L’art une fois encore se met au service du pouvoir.

AprèshuitannéespasséesenItalie, lemaîtrerevientse fixer à Anvers. Comme tous les génies, Rubensprendalorslecontre-pieddestendancesdumoment:

à la peinture méticuleuse et plutôt sage de la traditionflamande,ilopposedevastescompositionspleinesdefougueetdemagnificence;auclair-obscuretaumaniérismeduXVIIesiècle,ilrépondpardescompositionsrythméesparlacouleur.

Filsdefers’abstenirTravailleur infatigable, Rubens est un bon vivant etaime les femmes. Il figure les formes les plusplantureuses. L’art du peintre est une symphonie decouleurs et de formes, un hymne à la joie de vivre.Tous les souverains, princes et aristocrates del’Europesereconnaissentdanssapeinturebrillanteetemphatique. Maître des grands projets décoratifs, ilréalise la vie de Marie de Médicis pour le palais duLuxembourg (1621-1625, voir ), une sériedésormais mise en valeur au Louvre depuisl’ouverturedel’aileRichelieu(1993).

AtelierdeconfectionPoursatisfairetoutes lescommandes, ildisposed’unimportant atelier où ses élèves pratiquent à samanière,Rubensapportantlatouchefinale.Biensûr,ilyatoutletravaildecompositiondumaître.L’artisten’estpasleseulàpratiquerdelasortemaissoncasest leplusconnu.Onsedemandeeneffetcommentun peintre aurait pu à lui seul assurer toutes cescommandes d’œuvres aussi vastes et ambitieuses.Unevien’auraitpassuffi!

Femmejoyeuseetveuvepudique

Rubensabordebrillammenttouslessujetsettousles

genres: la peinture religieuse avec notamment une admirableDescente de croix à la cathédrale d’Anvers ou sonAdorationdesMages(1625); la peinture mythologique avec L’Enlèvement des filles deLeucippe,uneallégoriedel’élévationdel’âmeversladivinité; le portrait, avec ceux de deux de ses épouses, Isabelle deBrandtetHélèneFourment(cettedernièreposasouventpoursonépoux,mais,devenueuneveuve respectable, fitdétruiresesnombreuxnus,dontilnesubsistequeLaPetitePelisse);lascènedegenreaveclaKermesse;lepaysageavecLeParcdeSteen.

Avec Le Jardin d’amour, où le couple en train dedanser représente le peintre avec sa deuxièmefemme,RubensannonceWatteau.

Satyresdanstouslescoins

Les maîtres ne manquent pas en Belgique à cetteépoque.Évoquonsaumoinslespécialistedelanaturemortequ’estBruegelditdeVelours(1568-1625).Sonœuvreestremarquableparsonsensdudétailpousséfort loin. La dynastie familiale des Teniers, elle,s’illustre dans les scènes de genre. Le plus connud’entreeuxestDavidIIditleJeune(1610-1690).OnleditmaîtredugenreaprèsBrouwer.Enfin,onretiendratrois autres grands maîtres de la peinture flamandedont Rubens fut le maître : Van Dyck, Jordaens etSnyders.

Rubens a 53 ans quand il épouse HélèneFourment, une jeune fille de 16 ans. L’artistedemande dans ses dernières volontés qu’àcôtédesasépulturesoitplacésontableauLaMadoneauxsaints,unehuile surpanneaude2,11×1,95mètres.LorsqueRubensmeurtdixansplustard,laveuvefaitéleveruntombeaudans une chapelle de l’église Saint-Jacquesd’Anvers et y installe ce tableau. La traditionveut, sans qu’il n’y ait aucune raison de lamettreendoute,quel’artisteaitreproduit lestraitsdesafamille.Ilyacôteàcôtesesdeuxfemmes, dont la belle Hélène figurée nuejusqu’àlaceinture.Ilyaaussisafille,saniècequiadéjàposépourlePortraitauchapeaudepaille, son père, son grand-père, sans oublierson plus jeune fils sous les traits d’un angeravissant.Rubens lui-mêmes’ypeinten saintGeorges terrassant le dragon, superbe, enarmure et triomphant même de la mort parsongénie.

SibeauSilèneAntoon Van Dyck (1599-1641) est le plus dignecontinuateur de Rubens, quoique s’illustrantprincipalement dans l’art du portrait. Il a réalisécomme Holbein une bonne partie de sa carrière enAngleterre, même s’il fut oublié de l’art anglais. Lepeintrepratiqueunartraffinéetfastueux,endonnantunebelle interprétationmythologiquedusatyreavecSilène ivre soutenu par un faune et une bacchante.Artiste brillant – il a déjà son atelier d’artisteindépendantà18ans–ilmontretrèstôtunehabileté

techniqueetunesûretéde touche.Saproductiondeportraits est considérable, près de400pour la seulepériodeanglaisesansquelaqualitén’ensouffre!Leplusfameux,représentantCharlesIer,estauLouvre.

Àlavôtre!JacobJordaens(1593-1678)naîtetœuvretoutesavieàAnvers. IlcollaboreavecRubenspendantvingtansmais sa peinture est moins ambitieuse et sensuellequecelledumaître.Lepeintreseplaîtàopposerdansses compositions maigres et gros, jeunes et vieux,tristes et joyeux, avec une prédilection pour lesmêmesthèmessi l’onencroit lescinqversionspourLeSatyreetlePaysanetLeroiboit.Ilreprésentesousles traits du roi de la beuverie son beau-père AdamVan Noort, le professeur de Rubens ! Ces tableauxillustrent parfaitement sa peinturemouvementée, satruculence joviale voire triviale, dans une vastegamme colorée et sous une lumière fortementcontrastée.Jordaenssaits’émanciperdelatutelledeRubens pour se forger un style propre comme entémoignent ses magnifiques Quatre Évangélistes(1622).

UnœildeveloursPeintreanimalieretdenaturesmortes,FranzSnyders(1578-1657) est sans doute le plus grand peintreflamandde ces deux genres. Il confère en effet à lanature morte du rythme et du mouvement, enélargissant l’espaceetendisposantdesmotifs selondes lignes de composition savamment calculées. Onretiendra surtout le splendideMarchanddegibier dumusée d’Oslo. Les animaux reposent sur un étal ausoubassementsculptéetlespattesdulièvreoulecoudu canard qui pendent par-dessus donnent unesaisissanteimpressionderelief,dignedutrompe-l’œil.

Unepeintured’importation:l’Angleterre

Si le XVIIe siècle est en Hollande le siècle de lapeinture, il est en Angleterre celui de l’architecture.Les plus grands maîtres de l’architecture anglaisetravaillent en effet à cette époque. La peintureanglaiseduXVIIesièclenedoitsonsalutqu’àl’arrivéed’artistes étrangers, italiens, hollandais, flamands,tantcetartétaitétrangeraupays.LepremierquiserendàLondres,en1629,etquiyvitjusqu’àsamort,en 1639, est Orazio Gentileschi avec sa célèbre filleArtemisia.

Pèreduclassicismeanglais,InigoJones(1573-1652)estlepremiergrandartisteanglais,tousgenresconfondus,às’êtrerenduenItalieetàavoirpuétudierconcrètement l’artantiqueetcelui de Palladio qu’il vénérait. Devenuinspecteur des bâtiments du roi en 1615,l’architecteréaliselesplusgrandsmonumentsde la monarchie dans la première moitié dusiècle, parmi lesquels laMaison de la reine àGreenwich (1616-1635). Il ouvre la voie àChristopher Wren (1632-1723), un des plusgrandsarchitectesanglais,tantparlarichessedesapersonnalitéqueparl’excellencedesonœuvre. Non seulement architecte etambassadeur, l’artiste est aussi un des plus

grands savants de son temps au même titrequeNewtonouPascal.Ilpeutainsiappliqueràl’architecture ses connaissances scientifiques,dans une inspiration aussi bien italienne quefrançaise. À la suite du terrible incendie deLondres en 1666, Wren est chargé de lareconstruction. L’architecte est l’auteur deplusieurs églises de Londres dont la pluscélèbre demeure la cathédrale Saint-Paul, laplus grande d’Europe après Saint-Pierre deRome.Si l’on ne doit retenir qu’un nom dans lasculpture anglaise des XVIIe et XVIIIe siècles,c’est celui du Français originaire de Lyon,Louis-FrançoisRoubillac(1695-1762). Ildiffuseen Angleterre les tombeaux à scénographiebaroque pratiqués en France, avec ceux duduc John d’Argyll et de lady Nightingale àl’abbayedeWestminster.

IlfautattendreleXVIIIesièclepourvoirapparaîtrelespremiers grands peintres anglais dignes de ce nom.Enpremier,Hogarth,à la foispeintreetgraveur,quiinnovedansletondonnéàsesœuvres.Puis,marquépar l’arthollandaisdupaysageet lestyle rocailleduportrait français, Gainsborough concilie comme VanDyck les deux formules dans ses portraitsaristocratiques.

Hogarth,lepeintredescarrièresWilliamHogarth (1657-1764)s’illustreenpeignanteten gravant des séries de sujets moraux sur un ton

satirique, une forme de peinture inédite en Europejusqu’ici.L’artisteydénonceavechumourlestraversde l’Angleterre de son temps. Ses séries les pluscélèbres, composées comme des romans, sont LaCarrière d’une prostituée (1732) et La Carrière d’unroué (1735), où il fait enhuit planches labiographiede Tom Rakewell. Un roué, c’est quelqu’un digne demourir du supplice de la roue. Igor Stravinsky s’estinspiré de l’œuvre de Hogarth pour son opéra TheRake’sProgress(1951),enfrançaisLeLibertin.

En 1732, l’année de La Carrière d’uneprostituée, Hogarth entre à l’Académie dedessin fondée par James Turnhill. Celui-ci, enregardantcetteœuvredesongendre,déclarequ’unartistequisaitfaireunetelleœuvrepeutentretenirunefemme.Maisenhommeavisé,ilprécisebien…«sansdot».C’estflatteurpourHogarth mais surtout économique pour lebeau-père!Le peintre retarde très volontairement laparution de son autre série, La Carrière d’unroué, pour une raison surprenante maiscompréhensible : il attend une loi sur lapropriété intellectuelle, d’ailleurs encoreconnue en Angleterre sous le nom de loiHogarth;enFrance,c’estBeaumarchaisquise

battrapourcela.

ThomasGainsborough,sobritishThomasGainsborough(1727-1788)sespécialisedansles portraits. On y retrouve l’élégance simple de laposedumodèle,lecaractèrenobledelacomposition,ladélicatessedescouleurs,dansunetouchesilibreetsi légère, que l’on a l’impression que le pinceaucaresse la toile. Les personnages baignent dans unebrumeàl’anglaise,inspiréedusfumatoitalienquileurconfèreunaspectpréromantique.Sesœuvreslesplusconnues sont ses Filles portant un chat et RobertAndrews et sa femme (1748), portrait d’un jeunecouple de la noblesse terrienne, issue parfoisd’artisansetnerépugnantpasaunégoce.

Le portrait peint par Gainsborough a, comme toutchef-d’œuvre, plusieurs niveaux d’interprétationpossibles:

Historique,avecuneallusionaumouvementdesenclosures(privatisation des terres communales) dans l’Angleterre duXVIIIesièclequiprivelespaysanspauvresdeleursterres;Symbolique,sil’onvoitdanslesblésmûrsunepromessedeféconditédumariage.

L’artbaroquenes’estpasarrêtéauxportesde

l’Europe occidentale. L’Autriche fait parexempledeVienneunecapitalebaroque.Onyremarque la délirante colonne de la Peste(1682-1694) qui n’a de colonne que le nom,carils’agitd’unegrandepiècemontéeoùlesfigures s’agitent et se superposent au milieudes nuées. Elle est érigée en mémoire desvictimesdelapestede1679.C’estsansdoutel’undesmonumentspublicslesplusthéâtrauxd’Europe!Onsedoitégalementd’évoquerPragueoùlesItaliens dominent la création architecturalejusque dans la deuxième moitié du XVIIesiècle, période à laquelle Allemands etTchèques leur succèdent. Le pont Charles,construit au XIVe siècle, est orné à partir de1683d’unesériedestatuesbaroquesquifontpenser au pont Saint-Ange de Rome parBernin. Cette décoration a pour originel’érection(honnisoitquimalypense, ils’agitde la construction) de la statue enbronzedesaint Jean Népomucène, saint patron de laBohême. Cet exemple sera utilisé pour denombreuxpontsdanstoutel’Europecentrale.

Danscettepartie…Nous allons parcourir un peu plus d’un siècle, en fait près decent cinquante ans, de l’histoire de l’art. Cette période

particulièrement bien remplie vous semblera certainementfamilière, car nous aborderons les styles les plus célèbres.Attention aux réactions en chaîne : chaque courant s’inscritcontre celui (ou ceux)qui leprécède (nt). Jamais le sentimentd’appartenanceàunstylen’aétéaussifort!Revuededétail.

Danscechapitre: Vivre un retour à l’Antiquité sans changer dechapitreFairelaRévolutionavecDavid Visiter l’Arc de triomphe sans retenir sonChalgrin

Lassé des courbes et contre-courbes du rocaille, lemilieuduXVIIIesièclevoitnaîtreuneaspirationàplusde sobriété et de rigueur. Plusieurs événementsremettent alors l’Antiquité au goût du jour etnotamment:

la découverte des ruines de Pompéi et d’Herculanum en1748; la publicationdespremiers recueils degravures de l’ItalienPiranèsesurlesantiquitésromainesen1748,puisen1751.

Ainsi s’ouvre l’ère du néoclassicisme, c’est-à-dire unnouveau classicisme, différent de celui de laRenaissance et du XVIIe siècle, qui s’étend jusqu’au

milieu du XIXe et dont l’Allemand Winckelmann,auteur en 1755 de Réflexions sur l’imitation desœvresgrecquesenpeintureetensculpture,définitlefondement par la redécouverte de l’Antiquité érigéeenmodèleidéalpourl’art.

LestoilesdeDavidLe peintre David est la figure emblématique dumouvementnéoclassique,refletdesonépoqueetdesbouleversements de la société française. Né sousLouis XV à Paris en 1748, il traverse la RévolutionfrançaiseetlePremierEmpireavantdemourirenexilàBruxellesen1825,sousCharlesX.

UnpeintresoussermentSongrand-oncle,lepeintreBoucher,leprendcommeélèveetleconfieen1766àVien(1716-1809).Avecsacélèbre Marchande d’amours (1763), Vien estconsidérécommelepremierpeintrenéoclassique.Cedélicieux tableau s’inspire d’une fresqued’Herculanum découverte en 1759. Une marchandepropose à des jeunes femmes de petits Éros aussiappétissants que de jolis petits poulets grassouillets.Le décor est une reconstitution archéologique d’unintérieur romain, établie à partir de vestigesretrouvés. Vien fait aussi des essais de recettesanciennes, peintures à l’encaustique et à la cire,comme des cuisiniers s’essaient de nos jours à lacuisinemédiévale. Quand il est nommé directeur del’Académie de France à Rome, il emmène son élèveDavid dans la ville musée, à la découverte de l’artantique.

Trois frères romains, les Horaces, doiventcombattre trois frères albains, les Curiaces,pour savoir qui de Rome ou d’Albe aural’hégémonie. Au cours du combat, deuxHoraces sont tués et trois Curiaces, plutôtcoriaces, blessés. LedernierHorace faitminedes’enfuir, isoleainsichaqueCuriace lancéàsa poursuite et les tue un par un. David achoisi le moment où, avant le combat, lesHoraces jurent de vaincre ou demourir pourRome.Lacompositiondutableausedistinguepar:unereconstitutionméticuleusedesobjetsetameublement d’après des gravures de livresd’archéologie; une construction fondée non plus sur lacourbecommedans l’art rococomaissurdesdroites : colonnes et postures raidies despersonnagesdonnentune forte impressiondeverticalité, renforcée par la position affaisséedugroupedesfemmes; une disposition en frise, inspirée des bas-reliefsantiques,appeléeàungrandsuccès; un éclairage mettant bien en relief lespersonnagesaupremierplan,commesurunescènedethéâtre.Le serment sur les épées évoque les

cérémonies initiatiques de sociétés secrètessouvent fantasmées, comme la franc-maçonnerie– lebest-sellerdusiècleestalorsSethosde l’abbéTerrasson,sur fondd’Égypteetd’initiations imaginaires,adaptéparMozartdansLaFlûteenchantée.LesœuvressuivantesdeDavidnedémentirontpassanotoriété.AuSalonde1787LaMortdeSocrate, en 1789 Les Amours de Pâris etd’Hélène,LesLicteurs rapportantàBrutus lescorps de ses fils illustrent tous le stylenéoclassique où les personnages sontprésentés dans le cadre d’une Antiquitérenouvelée.

Untalentquicrèvelesyeux

En 1780, David revient à Paris pour être agréé àl’Académie royale de peinture avec sa toile deBélisaire,ungénéralbyzantinvictimedel’ingratitudedes puissants – l’empereur Justinien lui fit crever lesyeux, ce qui, pour lesmauvaises langues, aurait putransformer ce militaire en critique d’art ! En 1783,l’artiste reçoit la commande d’un tableau quireprésenteLeSermentdesHoraces(voir ),exposé au Salon de 1785. David adopte alors le«grandstyle»delapeintured’histoireetfaitsiennesles théories de Winckelmann. Dans son ouvrage, cedernier explique que la principale caractéristique del’art grec est une « une noble simplicité et unegrandeur sereine, tant dans la position que dansl’expression ». Comme en art il estmanifeste qu’onadore les manifestes, la toile devient celui dunéoclassicisme.

ConventionnelseulementenpolitiqueLa Révolution française, qui survient peu après,enthousiasmelepeintre.En1789,DavidfaitundessinàlaplumereprésentantleSermentduJeudepaume,transcritsurunetoilede10mètressur6,65mètres,restéeà l’étatd’ébauche. Lesévénementspolitiquesne lui laissent pas le temps de l’achever, car leprincipalpersonnage,Mirabeau,disparaîtdel’Histoire.DevenumembredelaConvention,Davidfaitvoterlasuppression de l’Académie de Rome, peut-être parespritderevancheétantdonnéqu’ilaéchouéquatrefoisavantdegagnerleconcours!IlvoteparlasuitelamortdeLouisXVI.

IlfautêtreréalisteÉgalementàcetteépoque,DavidpeintLaMortdeLePelletier de Saint-Fargeau, révolutionnaire assassiné.Latoileannoncedéjà leréalismeettrancheavec lesthéoriesdunéoclassicisme.Lechef-d’œuvredecetteveineréalisteestMaratassassinéde1793,dontunedes copies de ses élèves est au Louvre. David sedétourne alors du modèle antique pour se fairepeintre de l’actualité. Son rôle politique s’accroît : ilorganise plusieurs fêtes nationales, devient membredes comités d’instruction publique et de sûretégénérale, et il préside même la Convention. Arrêtéquelque temps après la chute de Robespierre, ilentreprend ensuite son œuvre L’Enlèvement desSabines(1798),marquantunretouraunéoclassicismeetàl’Antiquité,avecdessujetsmoinsrisqués.

Le XIXe siècle est aussi le siècle marchand,celui de la bourgeoisie triomphante. Laréussite sociale appartient à celui qui oseinvestir. Le Père Goriot, roman de Balzac,illustre parfaitement cette tendance. Lesmarchandsremplacentlesmécènes.Le statut de l’artiste change : il se veutdésormais libre et indépendantfinancièrement.À l’oréedes tempsnouveaux,Davidatoutcompris:en1799,ilfaitpayerundroitd’entréeaupublicpourvoirL’Enlèvementdes Sabines. L’atelier d’artiste devient unepetiteentreprise.Davids’enexpliquedansunfascicule fourni à l’entrée : il est en quelquesorte l’inventeur du Petit Journal des grandesexpositions.Ildéclarequelepeintrea«droitàl’existenceéconomiqueetàl’échange».Ilestpresque impossible de comparer les prix del’époque avec la monnaie actuelle, car selonl’étalonchoisi,leprixdupainoulajournéedetravail, les écarts peuvent être considérables.Mais si on estime raisonnablement à 0,50eurosleprixd’entrée,commecetteexpositionparticulière dure cinq ans, L’Enlèvement desSabines a fait rentrer dans sa bourse plusd’argent que ne lui en aurait rapporté unecommande!

David,unfrondeur

L’actualité finit cependant par rattraper l’artiste. En1797, David rencontre Bonaparte et commence unportrait, jamais achevé, mais passant pour l’un desplus ressemblants. En 1801, son Premier Consulfranchissant les Alpes au col duGrand-Saint-BernardmarquelavictoiredeMarengo.Sicenomrappelleauxgastronomes la recette du veau et du poulet, ilévoque plutôt le cheval pour les amateurs depeinture : avec cette toile, David offre en effet unportrait équestre idéalisé de Napoléon. Vision plushistorique,leBonapartefranchissantlesAlpesdePaulDelaroche représente le futur Empereur frissonnant,juché sur… un mulet : toute la différence entre lapropagandeetlaréalité!

Unsacrétableau

Devenu Empereur, Napoléon veut un peintre officiel,comme les rois avant lui. Il choisit David et luicommande quatre grandes compositions destinées àorner la salleduTrône,dontdeuxseulementverrontlejour:LeCouronnementetLaDistributiondesAigles(1810). Le premier devint Le Sacre de l’empereurNapoléon Ier et le couronnement de l’impératriceJoséphinedanslacathédraleNotre-DamedeParisle2décembre 1804, plus connu sous le nom de Sacre(1805-1810).

Tropd’hommageLorsdelapremièreRestauration(1814-1815),l’ancienrégicide David juge prudent de se faire oublier. Ilréapparaîtdurant lesCent-Joursoù il signe lesActesadditionnels. Après la Seconde Restauration (1815-1830), il est condamné à l’exil. Il s’installe alors àBruxelles où il peint Amour et Psyché (1818),Télémaque et Eucharis, La Colère d’Achille, Mars

désarmé par Vénus et les Grâces (1824), et uneréplique duSacre pour Versailles (1821, voir).

ÀsamortàBruxellesen1825,laroyauté,rancunière,refusequesoncercueilpasse la frontière.Ses restessont alors inhumés à Sainte-Gudule de Bruxelles.Après sa disparition, l’aura artistique de David neperdra rien de sa vigueur, inspirant pendant trenteans des peintres aussi divers que Jean GermainDrouais, Anne LouisGirodet-Trioson, FrançoisGérard,AntoineGrosouJeanAugusteDominiqueIngres.

Ingresattitude

Élève de David, Ingres (1780-1867) est pour sescontemporains le chef de file du néoclassicisme, paropposition à Delacroix et au romantisme – c’esttoutefois un jugement un peu réducteur, commedisent les Jivaros. Si la persistance du goût pourl’Antique,lacompositiontrèsétudiée,l’importancedudessin témoignent chez l’artiste de la veinenéoclassique, le jeu sur les lignes ondulantes,l’allongementdesformesluidonnentsonproprestyle.LaGrandeOdalisque,dont lescritiquesseplaisentàsoulignerlestroisvertèbresexcédentairesetlesbrastroplongs,enestunbonexemple.

L’artoséÀ la mort de Raphaël, dont Ingres était un ferventadmirateur, on trouvadans les affaires dupeintre leportraitd’unebellejeunefemme,uneautreJoconde:

laFornarina.

ÉpuiséaudéduitVasari, le biographe des peintres de la Renaissance,racontequ’ellecausalamortdeRaphaëlenl’épuisantau « déduit » (c’est-à-dire aux jeux amoureux, pourceuxquin’ontjamaisécoutéBrassens).S’inspirantdecette anecdote, Ingres peintRaphaël et la FornarinalorsdesesséjoursàRomeentre1806et1820.Dansce tableau, le modèle est assis sur les genoux del’artiste.Raphaëlseretourneetregardel’œuvrequ’ilestentraindefaire.Cettescèned’atelierestàlafoisunhommageàl’œuvreetàlaviedupeintre.

ŒdipesanscomplexeLamythologieestégalementunesourced’inspirationet de réflexion pour Ingres, avec par exemple sonŒdipeetleSphinx.Œdipe,engrec,signifiepiedbot,leboiteux.Dans l’angledroitdu tableau,onaperçoitbienunpied–unpiedbeau?MaisleSphinxlèveunegriffequiattire l’œilduspectateursur lepieddu filsde Jocaste, posé sur le rocher, qui constitue levéritablecentredutableau.

Ingres reprend la position adoptée par le berger dePoussinpourdéchiffreruneautreénigmeEtinArcadiaego(voir ).TousdeuxparlentaveclaMort.Chez Poussin, celle-ci est représentée par une figureféminineetchez Ingres,par leSphinx.Lenomdecedernier vient du grec sphingein, étreindre. Pour lesGrecs,lesdieuxÉrosetThanatos,l’AmouretlaMort,sontfrèresjumeaux.

L’imaginaire occidental du XIXe sièclefantasme unOrient érotique. À tel point qu’iln’estpasexagérédedirequelevoyageurestunvoyeuretl’orientalisme,laformeartistiquedu voyeurisme. S’inscrivant dans cette veine,ladernièregrandeœuvred’Ingresest leBainturc (1863).Dansce tableau, lescourbesdescorpsfémininscréentunesensationderéalitédécalée–unpeu,sil’onveut,commedansLeFabuleux Destin d’Amélie Poulain ! Lespersonnages sont entre la vie et le conte.Autre détail surprenant dans ce harem, unebaigneuse a le visage de l’ange du Vœu deLouis XIII. Érotisme sublimé ou croyance auseptièmeciel?

Complètementd’Ingres!En1811,1812et1819, IngresenvoiesonŒdipe,LaGrandeOdalisqueetThétissuppliantJupiterauSalondeParisoùlesœuvressontaccueilliesaveclemêmeverdict insultant : de la peinture « gothique etbyzantine»!Nuln’étantprophèteensonpays,Ingresrejointalorsl’Italie.

RougeSenonnesLa période romaine du peintre est l’occasion desuperbes portraits, comme celui de Madame deSenonnes (1814-1816, voir ), un des plusbeauxtableauxjamaisexécutés.Direquecettetoilea

été récupérée chez un brocanteur ! Elle influençaaussibienPicassoqueMatisse.Unevéritable tarteàla crème pour l’histoire de l’art : Ingres est classédessinateuretnoncoloriste!Pourtant,lerougedelarobeprésentetoutessesnuances.Deplus,unmiroirpermetdevoirlemodèlededos,génialeidéedemiseen perspective développée à plusieurs reprises chezIngres.Lalégendeveutqu’avantlui,unpeintreitaliendelaRenaissanceavaitpariédeprouverlasupérioritéde la peinture sur la sculpture enpeignant lemêmemodèlesoustouslesangles,ycomprisenjouantdesrefletsdansl’eau,permettantauspectateurdevoirlesujetentièrementsanssedéplacer.

UnvœupieuxDe1820à1824, Ingres s’installeà Florence. Il peintune variante de la Chapelle Sixtine, et Le Vœu deLouisXIII (1820-1824) par lequel le roi consacre sonroyaume à la Vierge. Le succès au Salon de 1824amène le maître à revenir à Paris. Il donne lesportraitsdeCharlesXetdeM.Bertin,créant,commelesouligneBaudelaire, l’impressionqu’Ingresa toutesaplaceparmi les réalistes ! En fait, l’artisten’aimepas beaucoup peindre des portraits de commande,qu’ilconsidèrecommedestravauxalimentaires.Maisde la belle et timideMademoiselle Rivière (1805) àMadameSenonnes,lafaimjustifielesmoyens!

EnapothéoseIngres peint aussi L’Apothéose d’Homère (1827)initialementprévupourdécorerunplafondduLouvre.Le Martyre de saint Symphorien, actuellement à lacathédrale d’Autun, est un échec au Salon de 1834.La critique reproche au peintre de n’avoir composéson ensemble que comme une juxtaposition descènes. Il repart alors pour Rome, mais commedirecteurdel’AcadémiedeFrance.RevenuenFrance

en 1841, le maître crée des vitraux pour la familled’Orléans,avantdeserallierauSecondEmpirequiluicommandeen1853uneApothéosedeNapoléon Ier,pourunplafonddel’HôteldeVilledeParisdétruiten1871, dont une esquisse subsiste au muséeCarnavalet.

Laphotographie surréaliste laplus connue, leportraitdeKikideMontparnasseparManRay,estinspiréedelaBaigneuseditedeValpinçonou de la joueuse de luth du Bain turc. C’estune femme nue de dos, coiffée d’un turban.Son corps évoque un instrument de musiqueet la photographie s’intitule justement LeViolond’Ingres.Le père musicien d’Ingres lui avait en effetdonné le goût de lamusique. Pour payer sesétudes à l’École des beaux-arts de Toulouse,l’artiste joue pendant deux années àl’Orchestre du capitole comme deuxièmeviolon. On prétend que s’il accepte bien lescritiques sur sa peinture, il supporte enrevanchetrèsmal les remarquessursa façondejouer.Depuis,l’expression«avoirunviolond’Ingres »désigneunpasse-temps, unhobbyauquel on aime consacrer ses loisirs. À la finde votre lecture, nul doute que vous direz :« L’histoire de l’art, c’est mon violond’Ingres!»

Copierl’inimitable:lasculpturenéoclassique

Lemaître à penser dunéoclassicisme,Winckelmann,veut que l’artiste imite l’art grec pour « êtreinimitable », paradoxequi résume le tour de force àréaliser.Jusqu’àlafinduXIXesiècle,onconsidèrel’artgrec comme le plus parfait de tous les temps. Enopposition à Bernin, les sculpteurs étudient lesœuvresretrouvéesàPompéietHerculanum,souslescendresetlalaveduVésuve,surgiesdeterrecommed’une civilisation extraterrestre. Ce style commenceen sculpture vers 1750. Lesmouvements artistiquesneprogressentpasdelamêmefaçondanstouteslesdisciplines et ne suivent pas obligatoirement lesmêmesdivisionsducalendrier.

OùdoncestHoudon?Jean-AntoineHoudon(1741-1828),élèvedusculpteurPigalle,obtientleprixdeRomeen1761.Enréférenceàl’Antiquité,ilreprésentesonVoltairedrapédansunetoge – ce qui, convenons-en, est plus respectueuxpour un vénérable philosophe que d’être représentéavecdesbigoudis!

UnécorchéplutôtvifHoudon sculpte un célèbre Saint Bruno pour l’égliseSainte-Marie-des-Anges, à Rome, qui tranche par sasérénitéavecleseffetsbaroquesprécédents.Toujoursdanslaveineantique,Houdonexposeavecsuccèsau

Salonde1771unMorphée,dieudusommeil célèbrepour ses bras où l’on tombe toutes les nuits. Lessouvenirs de l’Antiquité fournissent aussi à soninspirationuneVestaleetuneMinervequi lerendentcélèbre, tout comme son Écorché aux multiplesreproductions en réduction, très remarqué. SaDianese retrouveencore chez tous les antiquaires et danstoutes les brocantes du dimanche. En 1777,Houdonentreàl’Académieet,peudetempsaprès,estchoisipourfairelebustedeWashington.

Entournéeaméricaine

Le sculpteur part alors à Philadelphie avecBenjaminFranklin, l’Américain si populaireenFrance.Véritableicône nationale en Amérique, sa statue de GeorgesWashington se trouve toujours dans la rotonde ducapitole de Richmond. D’autres commandess’ensuivent : bustes de Catherine II, de Diderot, ded’Alembert,deTurgot, lastatuedeTourville.Nombredecélébritéspolitiquesposentaussipourlui,deLouisXVI à Napoléon Ier en passant par La Fayette etMirabeau,certainsétantparmilesmeilleursbustesdela sculpture française. En les voyant, on comprendqu’on peut vraiment rendre le caractère intime d’unmodèle.

Canova:lesensdel’amour

Dans le même esprit que le Voltaire de Houdon,AntonioCanova(1757-1822),lemeilleurreprésentantdu style néoclassique, sculpte Napoléon nu. Ill’idéalise en héros antique, mais la statue déplaît àl’Empereur.Elleestalorsacquiseparsonpireennemi,

l’anglais Wellington, dans la maison duquel elle esttoujoursexposée,àLondres!

À la différence de celle de son frère Napoléon, lasculpturedePaulineBonaparte,représentéeenVénuscouchée, est vivement appréciée. Pour une fois, lesflatteursn’ontpastortdejugerlemodèleplusjoliqueladéesse.Canovaose,auméprisdesreproches,dansune Psyché jouant avec un papillon, inclure desaccessoires réels, coupe et aiguière en bronze, etenduire la statue d’une peinture imitant la chair. Ilinsuffle dans le marbre un peu de ce charmevoluptueuxissuduXVIIIesiècle.Sagloireeuropéenneluiapportel’admirationdesprinces–c’estassezfacile– et celle des artistes contemporains – et ça, c’estd’ordinaire quasiment impossible. De son œuvreabondante, on retient encore le groupe L’Amour etPsyché,actuellementauLouvre,poursapoésiedouceetsensible.

Phryné remettant ses voiles de James Pradier(1792-1852) perpétue le courant antiquisant.Très symboliquement, ses deux premièresstatuesacquisesparl’Étatsontsculptéesdansune colonne de marbre antique trouvée àVéies. L’artiste sait en effet tirer parti de lamythologie antique pour donner une œuvrepersonnelle. Il se laisse parfois aller à lafacilité,commeavecsesversionshabilléesounuesde lamêmesculpture. Il jouemêmesur

la longueurdesvoilespourcertainesPandorequi sont pudiques ou impudiques, selon lemodèle et l’endroit où le spectateur se tient.Les critiques jugent ainsi équivoque sa jeunefille mordue par un serpent ou sa bacchantedanslesbrasdusatyre.En revanche, ses sculptures monumentalessont prestigieuses : les douze Victoiresentourant le tombeau de Napoléon auxInvalides, sur la place de la Concorde lesstatues représentant les villes de Lille et deStrasbourg. Cette dernière a les traits deJuliette Drouet, actrice et compagne dePradier, qui devient ensuite l’égérie del’écrivain Victor Hugo. Cette statue estconsidérée comme hautement symbolique etpatriotique. De 1871 à 1918, elle estcertainement la statue la plus célèbre deFrance, car elle porte un deuil permanent enmémoire de l’Alsace-Lorraine annexée parl’Allemagne.

L’internationaledustyle:l’architecturenéoclassique

En architecture, le néoclassicisme couvre la période1750-1830.C’est lapremière foisenEurope,etdanslemondequ’unstylearchitecturalsedéveloppeavecune aussi belle unité. Caractérisée par son goût desdroitesetdescolonnes,paroppositionauxcourbesdubaroque, l’architecture néoclassique a voulu renouer

avec l’Antiquité en commençant par les formesclassiques des XVIe et XVIIe siècles qui avaient faitsonsuccès,dontetsurtoutcellesdePalladio.

AduléeenAngleterreetauxÉtats-Unis,celle-ciaservide modèle à Thomas Jefferson (1743-1826),ambassadeur en Franceet futur présidentdesÉtats-Unis, passionné d’architecture, pour sa maison deMonticello.L’architecturenéoclassiqueauxÉtats-Uniss’illustre surtout au Capitole et à la Maison Blancheelle-même!Autresexemplesfameuxdurayonnementmondialdustyle:lagrandecathédraleSaint-IsaacdeSaint-PétersbourgetlaportedeBrandebourgàBerlin.

UnAngepasseEnFrance,AngeJacquesGabriel(1698-1782),premierarchitecteduroi,estauréoléd’unesolideréputation–normal, quand on se prénomme Ange ! Cultivant lemélangedelagrandetraditionclassiquefrançaisedesXVIeetXVIIesièclesetdel’Antiquité,ilréalisel’Écolemilitaire(1751-1787)etlespavillonsdelaplaceLouisXV (1755-1775), actuelle place de la Concorde.L’architecte s’inspire de l’aile Lescot et de lacolonnade de Perrault du Louvre (voir ),référenceabsoluedustyleclassiquefrançais.Bâtiàlademande de la marquise de Pompadour, le PetitTrianondeVersaillesestàlafoissonchef-d’œuvreetceluidel’architecturenéoclassiquefrançaise.

Ledoux,unvraidurTémoindelamaturitédustyle,ClaudeNicolasLedoux(1736-1806) accomplit un retour à l’Antiquité gréco-latineenremettantaugoûtdujourlacolonnedorique

sans base, jugée plus « virile », et celle alternantcubeset cylindres, crééeparPalladioauXVIe siècle,commeàlasalineroyaled’Arc-et-SenansenFranche-Comté, projet tout à la fois de manufacture et denouvelle utopie avorté. Architecte de la fermegénérale chargé de collecter l’impôt pour le roi,Ledouxédifielabarrièredel’octroi.Destinéeàéviterlesfraudes,elleservaitauprélèvementdestaxessurtoute marchandise rentrant dans Paris. Ce « murmurant Paris qui rend Paris murmurant », commel’appellent les Parisiens, a disparu. Il en reste desvestiges intéressants : les deux grands pavillons àl’entrée du cours de Vincennes, ceux de la placeDenfert-Rochereau et la belle Rotonde à la stationStalingrad.

Soufflotn’estpasjouer

Àpartirde1758,LouisXV faitédifier l’égliseSainte-Geneviève, devenue le Panthéon, par l’architecteJacques-Germain Soufflot (1713-1780). Parmi lespremiers monuments caractéristiques dunéoclassicisme, sa façade à colonnes rappelle lesportiques des temples antiques. On retrouve cescolonnes autour du dôme mais aussi et surtout àl’intérieur, à la place des piliers traditionnels deséglises,élevéesdansunsoucidetransparenceetdelégèreté.Cequin’estpassansposer,encoredenosjours, des problèmes de stabilité ! Le goût descolonnes gagne également les théâtres commel’OdéonetsurtoutleGrandThéâtredeBordeaux,l’undesplusbeauxd’Europe.

TropdeChalgrin

Jean-FrançoisChalgrin (1739-1811)estpassionné, luiaussi, par l’architecture gréco-romaine. On lui doitnotammentl’égliseSaint-Philippe-du-Roule,leCollègede France et le très bel hôtel du consulat des États-UnisàParis.En1806,ilestchargédelaconstructionde l’Arc de triomphe de l’Étoile mais ne peut leterminer. Œuvre de l’architecte Alexandre-PierreVignon (1763-1828), la Madeleine est le premierédifice religieux à ressembler à un véritable templeantique. Sa conception intérieure répond au planbasilical traditionnel des monuments paléochrétienset imite les thermes antiques par son éclairage àcoupoles.

UneBoursedevaleurAussi appelée palais Brongniart, du nom de sonarchitecte Alexandre Théodore Brongniart (1739-1813), la Bourse de Paris est l’un des grandsmonuments néoclassiques du début du XIXe siècle.L’artiste fut également chargé de dessiner lecimetière du Père-Lachaise, en application desthéorieshygiénistesdel’époque.

Justeenfacedumuséed’Orsay,côtéSeine,l’hôteldeSalm (1783), actuel musée de la Légion d’honneur,exploite également une idée caractéristique deshôtels particuliers du nouveau style au XVIIIe :l’ouverture des cours privées sur la rue par descolonnesferméesdegrilles.Désormaisplusbesoindedissimuler sa vie privée derrière de hauts murs !L’entréeadoptelaformed’unarcdetriompheromainetlegrandsalonsurlequai,surmontédestatues,alaforme d’un temple grec. On n’oubliera pas l’arc duCarrousel,version réduitede l’arcdeTibèreàRome,dans la cour d’honneur du Louvre, par les célèbres

Charles Percier (1764-1838) et Léonard Fontaine(1762-1853),architectesfavorisdeNapoléonqui leurconfialaréalisationdelaruedeRivoli.

Danscechapitre:Delapassion,dubruitetdelafureurSuivrelaLibertédeDelacroixSerongerlessangsavecCarpeauxLarenaissancedustylegothique

Au début du XIXe siècle, la querelle des Anciens etdes Modernes recommence ! L’Ancien, lenéoclassique, prend ses sujets dans la civilisationantique revisitée par le bon goût. Le Moderne, leromantique, se flatte de rejeter le conventionnel, demettreenvaleurlecaractèredespersonnagesetleurexpression. Avec pour maîtres mots passion etcouleur,cesjeunesnouveauxtalentsprétendentjeterl’Antiquitégréco-romaineauxoubliettes!

Lespeintresdel’ailleursEn littérature, le romantisme commence avant laRévolutionfrançaise,autourdeGoethe,aveclecercled’Iéna ; en art, il se développe en Europe durant la

première moitié du XIXe siècle. Une des meilleuresfaçonsdedéfinir cemouvementestdedécrire cetteperpétuelle soif d’aller voir ailleurs. C’est ainsi quedans le domaine artistique, à Paris, les peintresromantiques font scandale aux Salons annuels enbouleversantlahiérarchisationdesgenres:

la peinture d’histoire s’ouvre aux sujetscontemporains;lesscènesdegenresontpeintesdansleformatnobledecettepeintured’histoire; les légendes nordiques ou les sujets orientauxremplacentlamythologiegréco-romaine.

UnGrosquisuitplusieursrégimesLepeintreAntoineGros(1771-1835),commesouvent,est un novateur sans le savoir, et un romantiquemalgré lui. Quelle surprise de voir tous ces jeunesgens se réclamer de lui ! Les Pestiférés de Jaffadéclenchentunenthousiasmegénéral!Enfinunhéroscontemporain : Bonaparte, à l’attitude messianique,rappelle le rôle magique du roi guérissant lesécrouelles par l’imposition des mains. Le mythe deNapoléon annonciateur providentiel d’un NouveauMondeestné.

Tousego

LesgrandesmachineshistoriquescommeLaBatailled’Aboukir (1806), La Bataille d’Eylau, celles desPyramides ou de Wagram apparaissent pleines debruit et de fureur, romantiques en somme.

L’expédition en Égypte de Napoléon a ouvert lesportesdel’imaginaireorientaliste,àl’affûtdepuislesMille et Une nuits de Galland. Elle inspire à Gros LeCombatdeNazarethavecpourhéroslegénéralJunot.Bonaparte fait réduire de moitié les dimensions dutableau – ce qui prouve qu’on peut être un grandhomme pour les historiens et avoir quandmême depetites faiblesses de jalousie… ou un egosurdimensionné ! Vers 1812, l’Empereur charge eneffetGrosdereprésenterdanslacoupoleduPanthéonplusieurs grands monarques : Clovis, Charlemagne,Saint-Louiset…Napoléonbiensûr!

Quartiersdenoblesse

À laRestauration,Gros reçoit l’ordredesubstituer leportrait de Louis XVIII à celui de Napoléon auPanthéon.S’adapteràlapolitiqueestaussiunart,etpas seulement à cause de la différence de tour detaille entre les deux ! En récompense du bonachèvement de ces peintures en 1825, Gros est faitbaron.

Tous ces jeunes gens romantiques, qui l’admirent etseréclamentdelui,l’effraient.Ileffectuedesportraitsintéressants de personnalités comme l’impératriceJoséphine ou encore Louis XVIII, ainsi que devéritablesportraitsindividualisésdechevaux,commeLeCheval arabe dumuséedeValenciennes, toile degenre orientaliste. L’exotisme, là encore, séduitGéricaultetlajeunegénération.

En 1835, l’artiste est retrouvé noyé à Meudon, sansdoute suicidé. À unmoment de l’histoire de l’art oùtout était antique et où, en dehors du nu, on neconcevaitpasdepeintured’histoire,ilfutmoderneet

français–untourdeforce!

Géricault,lestempêtesdelarenomméeParmi les admirateurs de Gros, Théodore Géricault(1791-1824) est vite surnommé, ironiquement, « lepâtissier de Rubens », à cause de sa manière detravaillerlamatièrepicturale.Mortenpleineforcedel’âge à seulement 31 ans, il est la figure de l’artistemaudit,frappéparlafatalitéetempêchéparledestind’exprimertoutsongénie.

C’estpasmal,l’arméeQuanden1812,GéricaultexposesonChasseurdelaGarde, la fouguedumodèleet l’éclatducoloris fontscandale,toutcommesonCuirassierblesséen1814.Même si cela semble extraordinaire, il est alorsrévolutionnairedepeindredesmilitaires!

Un petit séjour en Italie lui permet de faire denombreux croquis d’après les maîtres de laRenaissance.EnvoyantlesœuvresdeMichel-Ange,lepeintreseditqu’ilaraisondesuivrecettevoiedelacouleur éclatante. De retour à Paris en 1819, il selancedans lacréationduRadeaude laMéduse (voir

). Afin de pouvoir s’astreindre au travailsans être tenté par les plaisirs, l’artiste se rase lamoitiédelatête,s’interdisantainsidesortirenpublic.Iltravailled’arrache-pied(lecomble,pourunmanuel).La toile suscite de vives critiques et défraie lachronique.

Ary Scheffer (1795-1858) peint La Mort deGéricault,l’hommagedetouteunegénérationà son maître. Son tableau Les ombres deFrancesca da Rimini et de Paolo MalatestaapparaissentàDanteetàVirgileutilisejusqu’àl’absurdel’ondulationsichèreauromantisme.Commequoi,mêmelesœuvresmineuressontparfoisenrichissantes,car lescaractéristiquesd’une époque y sont poussées jusqu’à lacaricature.L’hôtel particulier du peintre dans le 9earrondissementdeParisestdevenu lemuséede la Vie romantique. On peut y rêver deGeorgeSandetdesmusiciensChopinetLiszt,des écrivains Lamartine et Tourgueniev, despeintresDelacroixouDelaroche:ArySchefferlesreçoitdanssonatelierde1830àsamort.C’est un de ces lieux attachants de Paris oùl’histoireestvivante.

UnechutefataleNe trouvant pas d’acquéreur, Géricault emporte letableauenAngleterreoùilrencontreunvifsuccès. Ilen rapporte sa toile de course de chevauxLe Derbyde1821àEpsom.Laparfaitefluiditédumouvement,mêmeauméprisdu réalisme,en fait son tableaudechevalet le plus achevé. L’artiste y ouvre les pistesd’un travail sur la lumière qui rappelle le peintreanglaisConstable.

Géricault est aussi sculpteur. Son cheval écorchéest

un véritable chef-d’œuvre d’anatomie. Égalementcavalierpassionné,ilmeurtdessuitesd’unechutedecheval. Le nœud de sa chemise, hâtivement nouéedans le dos, lui endommage la colonne vertébrale,détailidiotauxconséquencestragiques.

DelacroixetlabannièreAprèsGéricaultetLeRadeaudelaMéduse,Delacroix(1798-1863) sème à son tour l’inquiétude chez lespartisansdesAnciens,trèschagrinsdevantLaBarquede Dante (1822). Deux ans plus tard, c’est lastupéfaction épouvantée pour ces classiques (« dontlaperruquefrémissait»,s’amuseGautier)devant lesScènesdesmassacresdeScio :aunomde la libertédes peuples, les romantiques s’enthousiasment pourlaluttedelaGrècemodernepoursonindépendance.Les Scènes au Louvre et La Grèce sur les ruines deMissolonghi sont au XIXe siècle l’équivalent duGuernica (voir ) de Picasso pour la guerred’Espagne au siècle suivant. Violence, exotisme,sentiments généreux : tous les ingrédients sontprésents sans que Delacroix ne tombe dansl’outrance.

Portraitdel’artisteeninsurgéAu Salon de 1827, Delacroix présente La Mort deSardanapale et Louis Boulanger un Mazeppa, motifromantiqueplusieursfoistraitédel’insurgécondamnéàerrer dans la steppe, attachénu sur un cheval. Lamêmeannée, Ingres,avecsonApothéosed’Homère,leuropposesaprofessiondefoiclassique.

Àpeinesurvient la révolutionde1830queDelacroixfaitLaBarricade,plusconnueactuellementcommeLa

Liberté guidant le peuple (1831, voir ),rassemblant sous sabannière tous lesGavrochesdupays.Onvoitsouventdansl’insurgébarbuquibranditun fusil un autoportrait du peintre. La Liberté alongtempsornélesdéfuntsbilletsde100francs.

Lalibertéprendl’airEn1999,malgrélescraintesexpriméessurlafragilitédel’œuvre,LaLibertéestenvoyéeauJapon.Exposéelors d’une escale dans le Golfe, la poitrine de lafemme personnifiant la République est dissimuléesousunvoile, afindenepas choquer. Le rôledunun’est en effet pas le même sous tous les cieux.Cependant,même si cette liberté, à la poitrine nue,généreuseetnourricière,arborelebonnetrépublicain,une nouvelle royauté va sortir des Trois Glorieuses,celledeLouis-Philippe, le«roi-bourgeois».Delacroixet ces jeunesartistes romantiques sontdes rebelles,nondesrévolutionnaires:aprèsl’insurrectionouvrièrede 1848, le peintre passe pour avoir participé auxbarrages dressés par quelques propriétaires bien-pensants et destinés à arrêter les insurgés vaincusfuyantParis.

Certainsdesreprésentantslespluscélèbresdel’orientalisme sont des romantiques, commeDelacroix, avec ses carnets dessinés aumoment de son voyage au Maroc en 1832.

MaisIngres,lenéoclassique,peintluiaussiunBain turc. Les réalistes, avec unereprésentation quasi-photographique del’Orient,setransformentparfoisenpeintresdereportages. L’Orient est donc un sujet quiséduit les tenants de toutes les écoles. Lacampagned’Égyptel’amisaugoûtdujour,etlaguerred’indépendancedelaGrèceprolongecetintérêt.Ils’agitbienentendud’unOrientfantasmé,oùles scènes de harem sont le prétexte à unérotisme trouble, d’un académisme biensouvent figé. Mais il y a aussi de brillantesréussitescommecellesd’unAlphonseÉtienneNasreddine Dinet (1861-1929). Cet artisteobtientuneboursedevoyageen1884etparten Algérie. Séduit, il y revient chaque annéeavantdes’yinstallerdéfinitivementen1904.Ilse convertit ensuiteà l’islam,prenant lenomdeNasreddine.Sestableauxprésententtouslesaspectsdelaviequotidienneavecunescienceremarquablede lacouleuretuneprédilectionpour la tribude Ouled Naïl (les « alouettes naïves » duromanéponymed’AssiaDjebbar).L’orientalisme continue à rencontrer de nosjours un vif succès, avec des expositions surles voyages de Delacroix et de Matisse auMaroc. La vogue a existé partout : enAllemagne, en Italie, en Belgique ou enAmérique.Ontrouveundécororientalchezlesécrivainségalement,commeDumasdansson« château de Monte-Cristo » à Marly-le-Roi.L’orientalisme perdure au XXe siècle avec

l’œuvre de Jacques Majorelle (1886-1962), lefils de Louis Majorelle, célèbre ébéniste del’école de Nancy. À partir des années 1930,l’artiste multiplie ses expériences sur lacouleur et effectue des recherches sur lesapplications de poudres d’or et d’argent.L’orientalisme continue ainsi de transcenderlesclivagesentretouteslesécolesartistiques.

Unesculpturedecompromis

Contrairement à cequi se passepour la peinture, larupture en sculpture est nettement moins radicale.Les genres se mélangent progressivement : deformation classique, les sculpteurs intègrent le désirromantique d’expression des sentiments et dumouvement.FrançoisRude(1784-1855)adopte lenuhéroïquedelastatuaireantiquedanssasculpturedel’Arcdetriomphe,LeDépartdesvolontairesen1792dite La Marseillaise (1833-1836). Le Tombeau dugénéral Bonchamp (1822-1823), chef-d’œuvre deDavid d’Angers, est la parfaite illustration ducompromis des styles : il concilie le nu et le drapéantique au sentimentalisme romantique du geste depitiéexpriméparlamaindroite.Unbeaumorceaudebravoure:l’expressionestidéalepourungénéral!

Attentiond’AngersQuestionfacile:oùestné,en1788,PierreJeanDavid,dit David d’Angers ? Il obtient le prix de Rome desculpture en 1811 avec La Mort d’Épaminondas, un

généraldontledécèsmarquelafindelapuissancedeThèbes.

Sonœuvreestd’unstylesouventqualifiéd’«élégantet correct », adjectifs qualificatifs puisés dans lescomptes-rendus de Salons, vieillots mais plutôt bientrouvés.IlobtientlagloireavecsastatueduGénéralFoy au Père-Lachaise et sa Jeune Grecque sur letombeau de Marco Botzaris à Athènes, conçue dansl’enthousiasmeromantiquepourlehérosdelaguerred’indépendancegrecque.

À partir de 1830, sa fécondité étonne : en dix-huitannéesdeproduction«40statues,75bas-reliefs,120bustes, 38 statuettes, 30 médaillons de proportionscolossales et 500 portraits modelés dans desmédaillons de moyenne grandeur ». Les statues duscientifiqueCuvier,dumarinJeanBart,lesbustesdesécrivains Hugo, Goethe ou Lamartine témoignent desacompréhensionetdeson intérêtpourses illustrescontemporains.Sesmédaillonscontribuentaussiàluiassurer une place dans l’art français : une véritablegalerie des célébrités, comme Bonaparte, Ney, lepeintre David, Auber… Pour son activité politique, ilestcondamnéàl’exilparleSecondEmpire.

Quandl’éléphantBaryeD’abord attiré par l’orfèvrerie, le sculpteur AntoineLouis Barye (1795-1875) se passionne ensuite pourl’observationdesanimauxduJardindesPlantes.

Hippogriffe,platanisteetgavialBaryes’inspired’une légendechèreauxromantiquespour sculpter son Angélique et Roger montés surl’hippogriffe (1824).La réussitede l’hippogriffeetdu

monstre, qui évoque plutôt un dauphin du Gangeappeléplataniste,auguredutalentdufutursculpteuranimalier. En 1830, il frappe les esprits par unesculpture empreinte de fougue romantiquereprésentant un Tigre dévorant un gavial puis, en1832, par Le Lion et le Serpent. Le recours à lamythologie lui permet de créer des groupes oùl’homme et l’animal s’affrontent mais aussifusionnent.Lehéros luttecontreunecréaturequi luirévèlesapartdesauvagerie.

Barye a de nombreuses commandes publiques :quatregroupespourladécorationduLouvre,lescoqset le lion (1834) en relief figurant au pied de lacolonnedeJuillet,placedelaBastille.

Un«fabricantdepresse-papiers»

Popularisée par les tirages en nombre important dufondeur Barbedienne, son œuvre connaît uneimmensediffusion.Sapopularitéapulefairequalifierde« fabricantdepresse-papiers»pardes jaloux !Ycompris dans ses créations de format réduit, sontalentresteexpressifetintact:mêmequandilcueilleune pâquerette, Hercule reste un héros. C’estégalement un des meilleurs sculpteurs animaliersfrançais. À la pointe de l’île Saint-Louis à Paris, sastatue,disparuedurant laSecondeGuerremondiale,n’a toujours pas été remplacée. Pour un sculpteur,c’estuncomble!

Carpeauxserongelessangs

Âmessensibless’abstenir!Contrairementàcequ’on

croit trop souvent, romantique n’a jamais rimé avecfleurbleueailleursquedanscertaineschansons.Pourpreuve, le roman Frankenstein de Mary Shelley estuneœuvreromantique!

EmmurésvivantsPar l’horreur même du sujet, Ugolin et ses enfants(1860) pousse à l’extrême les sentiments duspectateur.Lesujetestprisdansl’EnferdeDante.En1288, Ugolin de Gherardesca, tyran de Pise, estenfermédanslatourdeGualandiavecsesdeuxfilsetsesdeuxpetits-fils.L’archevêquedePisejettelesclésdans le fleuve Arno. Les prisonniers sont donccondamnés à mourir de faim ! Ugolin pour survivreauraitdévorélescadavresdesaprogéniture.Dantelemontreauxenfersrongeantuncrâneets’essuyantlaboucheavec lescheveux.La tourdePiseaaussiunpenchant…pourlegore!

Mais, les sculpteurs passant souvent d’un genre àl’autrepourcréerleurstylepropre,CarpeauxfaitparailleursunreliefdeFlorepourdécorerleLouvrequiauncharmantcôtéXVIIIesiècle.

Ungéniequifaitcoulerbeaucoupd’encreSonœuvre lapluscélèbreest legroupede laDanse(voir ) pour la façade de l’Opéra de Paris.Elle fait couler beaucoup d’encre sous le SecondEmpireentre1866et1869.Ausensproprecommeaufiguré,carungrincheuxàlamainpudibondejetteunencrier sur la sculpture ! L’œuvre a aussi sonimportancedans l’histoiredudroitartistiquepuisqueCarpeauxpoursuitavecsuccèsdesphotographesquifont commerce de reproductions de la sculpturesouillée,autitredu«droitmoralde l’auteur»àvoirsonœuvreprésentéeaupublictellequ’illavoulaitetnondégradée.

L’originalestdepuis1964préservéedelapollutionàOrsay.Lacopiesurlafaçadedel’Opéraestl’œuvredePaul Belmondo : le nom vous dit quelque chose ?Normal,c’estlepèredeJean-Paul!

La femmequidonneses traitsaugéniede laDanse se nomme Hélène van Donning. Voilàune personnalité hors du commun. Elle faitd’abord chavirer bien des cœurs et tournerbeaucoup de têtes avant de convoler avec leprince Yanco de Racocwitz. En même temps,elle est l’égérie de Ferdinand Lassalle, lecélèbre socialiste allemand surnommé ledandy rouge, théoricien et homme d’action.Par amour, celui-ci se bat en duel jusqu’à lamortavecYanco.Cederniermeurtpeuaprèsde tuberculose. Après ces deux drames,Hélène fait du théâtre, épouse un de sescamarades dont elle se sépare, devient lemodèle préféré du peintre autrichien HansMakartetépouseleRusseSergedeSchevitch.En 1867, elle rencontre Carpeaux à Paris. Lesculpteur reconnaît immédiatement le sourirede la danse. En 1911 (elle a alors 70 ans,mêmesionditqu’elleenatoujours20),aprèslamortdesonmari,ellesesuicideàMunich.Autrefiguredecegroupe,AnneFoucart,lafille

dumairedeValenciennes,aposépourlebustede laRieuse. Lapetitehistoireaaussi retenulenomdeMademoiselleMiette, le jolimodèled’atelier devenue actrice qui pose pour lafiguredegauche(àladroitedugénie).

Championd’éclectisme:l’architectureromantique

L’épuisementdunéoclassicismeconduitl’architectureduXIXesiècleàsetournerànouveauverslepasséetà mélanger les styles, dans ce qu’on appellel’éclectisme. Lorsque,devant lamaquettede l’Opérade Paris, l’impératrice Eugénie demande à CharlesGarnier (1825-1898) dans quel style est l’édifice, ilinvente,agacé:«C’estduNapoléonIII!»

Pour cet édifice commencé en 1862 et inauguré en1875, le génial architecte n’hésite pas à mêler lespavillons de Lescot et la colonnade de Perrault duLouvre (voir ) aux façades de la place duCapitoledeMichel-AngeàRome!Afindeleprotégerde l’incendie, il l’édifie sur un lac immense. L’artistemultiplie à plaisir la richesse des ornements et desmatériaux dans une espèce de vertige qui fascineencoreaujourd’hui.Lemêmevertigedecolonnes,depilastres et d’ornements se retrouve au Palais dejusticedeBruxelles (1866-1883)par JosephPoelaert,preuve une fois encore que l’architecture parle unlangage international. On croirait ce bâtiment sortitoutdroitd’unfilmfantastique.

Nostalgiegothique

Comme l’Opéra de Paris, le Louvre de l’architecteHector Lefuel (1853-1875) cultive le goût del’ornementdontc’esticienquelquesortelechantducygne : le reflux s’amorce peu à peu pour aboutir àl’architecturebanaleenbétonduXXesiècle.

Parallèlement à l’éclectisme de l’architectureclassique,leXIXesièclevoit fleurir lenéogothiqueetlenéorenaissant,voirelenéoroman.Lepremiers’estmanifestédèslafinduXVIIIesiècle,maisilneprendréellement sonessorquesous l’effetdumouvementromantique.CestylecorrespondàlanostalgiepourleMoyen Âge esquissée par les écrivains et l’imageriefantastiquequ’ilvéhicule,commeChateaubrianddansleGénieduchristianisme(1802)ouVictorHugoavecNotre-DamedeParis(1821).

Viollet-le-Duc,princedesarchitectesOn prend à ce point conscience de la valeur dupatrimoinemédiévalqu’en1873,ProsperMérimée,unromantique lui aussi, décide la création d’uneCommissiondesmonumentshistoriqueschargéedeleprotéger et de le restaurer. Ce travail revientnotammentaucélèbreViollet-le-Duc(1814-1879),quise livre à une étude scrupuleuse de l’architecturefrançaise du XIe au XVIe siècle, dont il fait unDictionnaire.Tous lesornementsetstatuesdeNotre-DamedeParisquel’onvoitaujourd’huisontdelui.Onlui doit aussi la restauration d’un grand nombre demonumentsdecettepériode:labasiliqueromanedeVézelayouencorelesrempartsdeCarcassonne.

Unpastiche?SaconnaissanceduMoyenÂgeconduitNapoléonIIIàconfieràViollet-le-Duc la restaurationduchâteaude

Pierrefonds (1857-1884) dont il fait un étonnantpastiche médiéval. Ce retour au gothique entendsatisfaireunsentimentnationalquel’onretrouveplusamplement en Angleterre et en Allemagne, quoiquece style demeure français.Œuvre de Théodore Ballu(1817-1855), l’église Sainte-Clotilde de Paris (1846-1857) est le parfait exemple d’une église gothiquerevue et corrigée par le XIXe romantique. Le romann’est pas oublié avec l’église Saint-Paul de Nîmes(1838-50) et surtout la basilique du Sacré-Cœur deMontmartre (1877-1923) par Paul Abadie (1812-84)qui,suivantleclimatéclectiquedesontemps,amêléce style au style byzantin. Ils sont fous cesarchitectes!

Fallaitlefer!

Lestylenéorenaissant, illustrépar l’Écoledesbeaux-artsdeParis(1832-1858)deFélixDuban(1797-1872),estunesortederetourauxsourcesdubongoûtdelaRenaissance italienne faceauxdélireséclectiquesdutemps. Henri Labrouste (1801-1875) entreprend labibliothèque Sainte-Geneviève (1844-1850) et laBibliothèquenationale (1855-75) à Paris. L’architecteassocie une façade néorenaissante en pierre sansordresàunearchitecturenouvellepour les sallesdelecture,fondéesurl’emploid’unmatériaunouveauluiaussi : le fer. Les fines colonnes qui soutiennent lesvoûtes de ces salles rappellent l’élan et la virtuositétechniquede l’art gothique. Elles servent à la fois lafonctionnalitéetlabeautédubâtiment.

Comme le béton au XXe siècle, le fer, associé auverre,est,avecledéveloppementdelasidérurgie,le

matériauphareduXIXesiècle.LepremiermonumentdugenreestlefameuxCrystalPalacedeLondres,bâtipour l’Exposition universelle de 1851 par JosephPaxtonetdétruiten1936.IlinspireleGrandPalaisdeParis, construit pour l’Exposition de 1900, derniertémoindecegenred’édificeenEurope.

Leferestégalementemployépourdesédificescivilsoù l’on a besoin d’espace comme les gares Saint-LazareouduNord,et surtout lesHalles (1851-1974)deVictorBaltard(1805-1874),tristementdétruitesen1971.Leferentreaussienreligion,commeàl’égliseSaint-Augustin (1860-71) à Paris, de Baltard encore,oùl’armaturemétalliqueareçuunhabillagedepierre,deferoudeverre.L’architecturen’arrêtedécidémentpasleprogrès!

Danscechapitre:TenterdepeindrevraiaveclesréalistesDescoursdepaysageenpleinenatureàl’écoledeBarbizonHébert,unpeintreàredécouvrirDespompierssouslefeudelacritique

LeXIXesiècleestdécidément lesiècleauxmultiplescourants. À peine le romantisme triomphe-t-ilqu’apparaît déjà le réalisme, qui se veut le reflet desontemps:adieuscènesexotiques,bataillesépiqueset grande littérature, bonjour paysans bien de cheznous ! À partir de 1848 se pose la question duréalisme avec les peintres Millet dans ses tableauxrustiques,Courbet,etDaumierquicaricaturelaclassepolitique. Le rejet de l’idéalisation et la volonté derendrelaréalitécontemporainetellequelepeintrelavoit sont bien sûr vivement critiqués. Les peintrespompiers poursuivent, quant à eux, la manièreacadémique longtemps apparue comme facilité etparesse.Lepouvoirestainsi rassuréet leursœuvresrencontrentungrandsuccèssousleSecondEmpire…

et chez les marchands de chocolats qui lesreproduisentàloisirsurleursboîtes!

Leréalisme:uncourantcontinu

Le terme, alors péjoratif, de « réaliste » apparaît en1855.Cependant,dansl’art,rienn’estjamaistranché,carlepeintrenéoclassiqueDavidestunremarquableréalistedanssesportraits.Onreconnaîtaussidanscemouvementcertainesdesaspirationsromantiques.Sielles’inscritplusdistinctementdanslasecondemoitiédu XIXe siècle, la manière réaliste peut donc seretrouver à toutes les époques. Le peintre GustaveCourbet (1819-1877) résume le danger desappellationsrarementcontrôléesdanslecataloguedesonexpositionde1859:«Letitrederéalistem’aétéimposécommeonaimposéauxhommesde1830letitrede romantique. Les titres enaucun tempsn’ontdonné une idée juste des choses ; s’il en étaitautrement,lesœuvresseraientsuperflues.»

Courbet,unpeintredroitFiguremajeureduréalisme,CourbetnaîtàOrnansen1819. Après quelques exercices issus de souvenirslittéraires,commeuneOdalisqueinspiréedel’écrivainVictor Hugo, il donne en 1844 un autoportrait avecsonchien,ditL’Hommeàlapipe,appeléaussiPortraitdel’artisteCourbetauchiennoir.

Unenterrementengrandepompe

LaveineréalisteassurelaréputationdeCourbet:en1849,c’estl’Après-dîneràOrnans.LeSalonde1850-1851estuntriompheavecUnenterrementàOrnans,Les Casseurs de pierre, Les Paysans de Flagey. Unenterrement à Ornans (1849-1850, voir )fait scandale par son sujet et ses proportions. Seulsles Ornanais sont satisfaits. Ils ont posé chacun leurtour pour le peintre, avec fierté. L’artiste en effetchoisit le genre le plus noble, la peinture d’histoire,pour représenterune scènede laviequotidiennedesapetitevillenatale.L’enterrementd’un inconnu,enprésence d’une petite foule qui l’est tout autant,rivaliseavecLeSacredeNapoléonouLeRadeaudelaMéduse. Glorification de la petite histoire etdésacralisationdesgenrespicturaux:Courbetsecouel’édificeofficiel.

Salutl’artiste!La Rencontre ou Bonjour monsieur Courbet (1854)montre comment une scène réaliste peut devenirl’allégorie de l’art, quand le commanditaire s’inclinedevant l’artiste.Courbetavaitd’aborddonnécommetitreLaFortunesaluantlegénie.Excusezdupeu!

L’atelier du peintre, allégorie réelle déterminant unephase de sept années de ma vie artistique est uneœuvre nettementmoins réaliste. « Allégorie réelle »estdéjàunoxymoron.Cette figurede style littérairerapproche deux termes opposés pour créer un effetsaisissant,comme«avaregénéreux»ou«ordinateursans bogue ». Véritable démonstration des talentsmultiplesdupeintre, le tableaumêle tous lesgenres(paysage, nature morte, nu et portrait). Il présenteaussi lasociétéà lamanièredes jugementsderniersdu Moyen Âge, avec les mauvais à la gauche du

peintreet lesbonsà sadroite.Certainsde sesamissont reconnaissables comme le poète Baudelaire, lemécèneBruyas, lephilosophesocialisteProudhon,etChampfleury.

L’originedumondeChampfleury(1821-1899)estleprincipalanimateuretthéoriciendumouvement réaliste. Il fait le lienentrepeinture et littérature. Le roman le plus célèbre, etcertainement le plus étudié à l’école, resteMadameBovary (1857)de Flaubert.Un« roman sur le rien»selon la confession de son auteur, condamné pouroutrage aux bonnes mœurs. Courbet n’est pas enrestedanscedomaine.L’Originedumondeexhibeunsexe féminin en gros plan au format portrait. Acquisrécemmentparlemuséed’Orsay,ilfaitencorefrémircertains visiteurs. En 1994, sa reproduction encouverture du roman Adorations perpétuelles deJacques Henric aboutit à la visite de la police chezplusieurs libraires pour faire retirer les volumes desvitrines!

Engagé politiquement sous la Commune, aprèsl’échecdecelle-ci,Courbetpréfères’exilerenSuisse.Ilymeurtdanslamisère,prèsdeVeveyen1877.

Ilssèmentàlafolie:delacaricatureauxpaysansLe réalisme s’est également illustré dans lescaricatures d’un Daumier, et dans les scènespaysannesdeMillet.

Encetteère industrielleetd’exodevers lesvilles, lanostalgiedelavieàlacampagnepermetauxpaysansdetrouverleurplacedansl’art.

DaumiertrèsHonoré

En 1832, la collaboration d’Honoré Daumier (1808-1879) au journal La Caricature marque le début desonengagementpolitique. IlydessineunGargantuaqui représente le roi Louis-Philippe avalant de grosbudgets.Celaluivautsixmoisferme!

La réputation toujours actuelle de l’artiste en fait lepère de la caricature politique et le grand-père desGuignolsdel’info.Sonpluscélèbredessintransformela tête de Louis-Philippe en une superbe poire.Daumiercaricaturetouslestraversdelasociétélouis-philipparde,puisdecelledeNapoléonIII,ditlePetit:Les Assassins de la rue de Vaugirard, Les Juges desaccusésd’avril,La Pêche aux actionnaires, Les BonsBourgeois.

Unsupplémentd’âneAprès la révolutionde1848,Daumierpensequelquetemps abandonner la caricature. Il démontre alorsqu’ilestaussiunpeintreetunpaysagistedepremierordre.CommeCourbet,l’artistereprésentelesscènesde la vie quotidienne dans les grands formats de lapeinture d’histoire, comme son Convoi funèbre auPère-Lachaise. En 1849, le peintre présente auconcourspublicunefiguresymboliqueLaRépubliquenourrit ses enfants et les instruit, et une œuvrelibrement inspirée des fables de La Fontaine LeMeunier, son fils et l’âne au Salon. À noter aussi untableaupleindeforce,aujourd’huiaumuséed’Orsay,Les Voleurs et l’âne (1858). En définitive, Daumierdonneàcetteépoquedeuxdesesmeilleurs recueilsde dessins Les Idylles parlementaires et LesReprésentantsreprésentés.

Devenu aveugle en 1875, il meurt misérable quatreans plus tard. Sa postérité concerne les peintresDegas, Toulouse-Lautrec, Rouault etl’expressionnisme.

Millet:dugrainàmoudre

Jean-François Millet (1814-1875) mène la vie d’unjeune paysan normand, comme berger dans sonenfance, puis laboureur. Son obstination et lacertitudedesavocationleconduisentverslepeintreacadémiqueDelarocheen1838.Seulementdeuxansplus tard, l’artiste est accepté au Salon, même siplusieursannéesdemisèrelecontraignentàfairedesportraitsàbasprixoudesenseignesdemagasin.Cen’estqu’en1848quesasituations’amélioreenfin.Lepeintre expose au SalonUnVanneur. D’accord, à cemomentMilletest fatiguédesvannesetdesavaniesde la vie, mais il s’agit seulement du portrait d’unpaysan tamisant son grain. La toile d’origine estmalheureusement détruite mais des variantessubsistent. Elle marque le point de départ de samanièreréaliste.

L’heuredel’angélusMillet se retire alors à Barbizon, village qui devientcélèbrepour sonécole, non pas le bâtiment en facedelamairie,maislecourantdepeintresdepaysage.Sestableauxdumondepaysanassurentsacélébrité,dans la tradition des frères Le Nain, peintresredécouverts grâceaux travauxdeChampfleury.LesGlaneuses, peintes en 1852, entrent au Louvre en1892.L’Angélus (1858-59)estunedes toiles lespluspopulairesdu siècledont la reproduction figuredanstoutes les chaumières. Les dessins et les admirables

pastels de Millet feront l’admiration de peintrescommeVanGogh,PissarroetSeurat.

Unbonbold’air:paysagesetpetitsmaîtres

Leréalismeseconjugueencoredansl’artdupaysage,redécouvertà travers lespeintresCorotet l’écoledeBarbizon.Lanouveautéconsisteàsuivrel’exempledupeintreanglaisJohnConstablequi,dès1800,emporteavec lui son chevalet pour peindre en pleine nature.Au-delàdesgrandsmaîtresducourant,RosaBonheuretFriantméritentd’êtreredécouverts.

Corot:lacontrefaçonsansfaçonCamille Corot (1796-1875), surnommé « bonhommeCorot»,échappede justesseaupire«Corotpieds»avec sa fâcheuse tendance à se laisser parfoismarcher sur les extrémités inférieures. Il reçoit uneformationartistiqueclassiquelorsdeplusieursséjoursen Italie d’où naissent quelques vues avec ruinesantiques. L’artiste passe cependant la plupart de savie à Fontainebleau ou à Ville-d’Avray, à saisir lacampagnedansdestoilesaucharmepénétrantetauxcielssereins(onneditpascieuxpourlestableaux).Ày regarder de plus près, ses paysages se peuplentsouvent de figures mythologiques. Plaisirs du soir,exposéeauSalonde1875àtitreposthumeavecLesBûcheronnesetBiblis,esttoujoursconsidéréecommel’unede sesmeilleures toiles. La belleClairière (voir

)estsignificativedesonœuvre.

IlyabienplusdetableauxsignésCorotsurlemarchédel’artquel’artisten’enajamaispeint!Sasignatureenmajuscule,«COROT»,estvolontairementfacileàreproduire.Ainsiest-ildifficiledetrouverenFranceunmusée des Beaux-Arts qui n’expose pas une de sestoiles.Sestableauxsontfortrecherchésàlafindesavie.Pouraiderquelquespeintresdanslamisère,Corotn’hésitepasàsignerleurstoilesouàreconnaîtrepourvraies les croûtes qu’ils avaient réussies à placer !C’est un cas unique de désintéressement, avec unsensaigudel’humouretunefaçonironiquedenepasseprendreausérieux.

Contrairement aux Pays-Bas et à la Belgiqueoù il occupe une place à part entière, lepaysageestungenremineurenFrance,à telpoint qu’il disparaît au tournant du XVIIIesiècle. Le paysage renaît en Allemagne avecCaspar Friedrich, en Angleterre avec WilliamTurner ou John Constable, et en France avecdes peintres qui font école. Barbizon est unhameau de Seine-et-Marne, sur la communede Chailly-en-Bière. Un tel nom ne peut quedonnersoif,etdèsledébutduXIXesiècle,despeintres, venus chercher inspiration, détenteetgrandair,s’yinstallent.

Théodore Rousseau en 1846 est rejoint parNarcisseDiaz, Jean-FrançoisMilletetConstantTroyon. Corot y plante son chevalet et s’yimpose comme un maître. Cette nouvellegénération renouvelle la vision du paysagefrançais,quittantsesatelierspourobserver lanature sur le vif. Elle est aussi à l’origine dumouvement le plus célèbre du siècle, etprobablement de toute l’histoire de l’art :l’impressionnisme. L’auberge Ganne,actuellement transformée en musée, devientundeshautslieuxdelapeinture.

Rienquedubonheur

Rarement le terme « réaliste » n’aura été aussimérité:MarieRosalie,diteRosaBonheur(1822-1899)n’hésite pas à fréquenter les abattoirs pourperfectionner ses connaissances en anatomie. Pourdes raisons pratiques, elle souhaite porter despantalons. Les femmes doivent alors demander uneautorisation préfectorale pour enfiler ce vêtementexclusivementmasculin ! Il faut attendre l’action del’archéologue Jeanne Dieulafoy en 1908 pour que leport du pantalon soit autorisé aux femmes, àconditiondetenirunchevalouunguidondevéloàlamain. En attendant, c’est un pinceau que tient RosaBonheur, avec talent : veaux, vaches, cochon…criantsdevérité.

Elle se spécialise en effet dans les scènescampagnardes et animalières. Formée par son père,lui-même peintre, elle voit à 18 ans son premiertableauacceptéauSalon!Cinqansplustard,l’artiste

obtient une récompense. En 1848, une premièremédaille annonce son triomphe à l’exposition de1855.Deuxdesesœuvressontcélèbresàjustetitre:le Marché aux chevaux (Salon de 1853) et leLabourage nivernais (Salon de 1849). Ce dernierprésenteunecompositionoriginaleendiagonale.Sonsuccès, jusqu’aux États-Unis, est considérable. Lepeintre est décoré de la Légion d’honneur parl’impératrice Eugénie à une époque où cettedistinction était quasiment masculine. Peintre degrossesbêtes,maispasgrosse têtedu tout, elleestlongtemps directrice d’une école gratuite de dessinpourjeunesfilles.

FriantdepeintureÉmile Friant (1863-1932) obtient le second prix deRome à 20 ans, avec une bourse pour voyager enItalieetenTunisie.Pourtant,lediscréditdelapeintureacadémiquelefrappeencore.Cetteinjusticesefondesur ses portraits, rappelant le peintre AlexandreCabanel, et sur ses allégories. Cependant, Friant estaussi un réaliste saisissant. Il démontre bienque lesétiquettesnesontjamaisévidentesailleursquedansun catalogue de mode vestimentaire. Depuis larénovationdumuséedeNancy,ilconnaîtunregaindefaveur sous couvert de régionalisme. Les amateursl’englobentdanslanotoriétédel’écoledeNancyetlegoût croissant du public pour les œuvres d’art enverredeDaumetGallérejaillitsurlui.

Sa façondesaisirdesvagabonds,des lutteursousapropremèreépluchantunnavet sale est pleinementréaliste. Le public des visiteurs du musée de Nancyaccorde toujours son attention à son Idylle sur lapasserelle,etsedemandesilajeunefillecroitceque

son amoureux lui raconte. La Toussaint lui vaut leshonneursduSalonde1889.Sur ladroitedutableau,une famille en deuil s’avance dans un bloc compactd’habits noirs, sur fond de neige. À gauche, unmendiant aveugle dans le froid serre sa sébile. Aucentre,lafillettevadonneruneoboleauvieilhomme,reliantencorelemondedesvivantsàceluidupresquemort.

Unhymneauxouvriers:lasculptureréaliste

Plus tardive que la peinture, la sculpture réaliste nerencontre que peu d’adeptes. L’artiste Daumierapplique également à la sculpture son talent decaricaturiste. Le musée d’Orsay possède une sériecomplète de terres crues colorées représentanthommes politiques, magistrats et littérateurs, quiparfois sont les trois ensemble. Cependant, lessculpteurs Dalou et Meunier savent apporter leurcontribution à la veine réaliste, notamment parl’introductionduthèmede l’ouvrierdans l’histoiredel’art.

Dalou:onretrousselesmanches

Jules Dalou (1838-1902) est élève de l’École desbeaux-arts et de maîtres comme le sculpteurCarpeaux. Au Salon de 1870, il présente uneBrodeuse, statue grandeur nature en vêtementcontemporain.L’artisteexécuteaucimetièreduPère-Lachaise en 1891 la statue de Victor Noir (1848-1870),unjournalisteassassinéà22ansparuncousin

del’Empereur.Dalousculpteungisantimpressionnantde réalisme qui donne lieu à un culte moderne defécondité : les femmes désirant un enfant viennentencore frotter legisantàunendroitprécisque«mamère m’a défendu de nommer ici », comme ditBrassens.DanssonmonumentàDelacroix,l’allégoriede l’art ne dépare pas le remarquable buste. Lesculpteurfaitd’autresbustessimplesmaisfortbeaux,comme cette tête d’enfant endormi à la NationalGallerydeWashington.

Les amateurs demanifestations parisiennes peuventadmireràlaNationlemonumentintituléLeTriomphede laRépublique, uneallégoriequi adu souffle. Soninaugurationen1899estl’occasiond’uneimportantemanifestation ouvrière, en quelque sorte enremerciementàl’auteurduMonumentauxouvriers.Àpartir de 1889, Dalou va sur le terrain pour réaliserdes croquis dans tous les endroits où l’on travaille,maisleprojetneverrajamaislejour.Il devaitmesurer plus de 30mètres de haut et êtresurmontéd’unpaysanretroussantsesmanches.Seulcelui-ci sera terminé et exposé après la mort dusculpteur,créantuneforteimpression.

MeuniervaaucharbonLe peintre et sculpteur Constantin Meunier (1831-1905) se préoccupe également du monde ouvrier.Comme il habite en Belgique, une région propice,Meunier va au charbon. La vie des mineurs devientsurletardsasourced’inspiration.Sesfondeursetsespuddleurs,ouvriersmétallurgistes,sortentdelamine,blêmes et musclés. Ils animent ces bas-reliefs sansmisérabilismeets’imposentensculpturessiréalistesque l’on parle même de « naturalisme ». D’ailleurs,

Paris lui commande une statue du père de cettedoctrinelittéraire,ÉmileZola,quiornesonboulevard.Aux Expositions universelles de 1889 et de 1900, ilobtientleGrandPrix.LeGrisou(1888),oùunevieillefemmesepenchesurlecadavred’unmineurtuéparce gaz explosif, danger mortel permanent, évoqueavecraisonunepietàlaïque:Meunieradaptelafiguretraditionnellede lamèreduChristà lamodernitéduthèmedel’ouvrier.

Lespeintrespompiers:paixàleurscendres

Décidément,lacritiquesemoquebeaucoup.C’estellequiqualifielespeintresdontlespersonnagesromainssont sévèrement casqués de pompiers, et le termefait fortune. Avec Les Romains de la décadence(1848), tableau aux proportions imposantes, ThomasCouturerétablit lahiérarchiedesgenrespicturauxetlaconceptiondelapeintureàvocationmorale.

Enhautdel’échelle

L’ouverture en 1986 dumusée d’Orsay a permis desortir de l’oubli des réserves ces peintres longtempsméprisés. Par exemple, plus personne ne savait oùétaitrangée lagrandetoilede4mètressur7peintepar Fernand Cormon inspirée de la Légende dessièclesd’HugoetintituléeCaïn,figurantunecaravaned’hommes vêtus de peaux de bêtes. Cependant,aucun des noms qui vont suivre ne figure dansl’éditiondepocheduDictionnairedesgrandspeintresparu chez Larousse en 1988. Le paradoxe des

pompiersrésidedanslefaitqu’ilssontautantdécriésenFrancequ’appréciésdesconnaisseursétrangers.

« Une âme de prix de Rome avec un œil dephotographe»Lacitationestdel’écrivainOctaveMirbeau,sanspitiépourAlexandreCabanel(1823-1889)quisuitlecursushabituel des honneurs : prix de Rome en 1845,professeur à l’École des beaux-arts et membre del’Académiedesbeaux-artsàpartirde1863.

L’artistesaitpourtantgagnerlesfaveursdupublicetdescritiquespardespeinturesreligieusescommeLaMortdeMoïseouAglaéetBoniface,tableauinspirédupeintre Ary Scheffer. Sa Naissance de Vénus, « unesortedepâted’amanderoseetblanche»commeensalive Zola, présentée au Salon de 1863, estimmédiatement acquise par Napoléon III. Sans êtregagedetalent, lapublicitéd’unprestigieuxacheteurcontribue au succès. Cabanel est par ailleurs unremarquable dessinateur, utilisant une palette decouleurssubtile.Portraitistehorspair,ilpeinttoutelabonne société de son siècle en dépassant ce genreconventionnel. Le portrait de la comtesse Keller(1873), exposé au musée d’Orsay, vaut ledéplacement.

LepageàlacourdesgrandsJulesBastienLepage(1848-1884)suitl’enseignementdeCabanel. Il est l’auteurde fortbeauxportraitsdequelques fort belles personnes. En 1874, le peintreexpose La Chanson du printemps et le Portrait dugrand-père, inspirés de sa Meuse natale. Il donneencore en 1877 Les Foins, une des meilleurespeinturesnaturalistes.

Admirateur de Millet et des primitifs autant que deCourbetetdeManet,l’artisteestaussiconnupourlalucrativespécialitédesportraitsdecélébritéscommel’actriceSarahBernhardt.LepageestmêmeinvitéparleprincedeGalles.Ayantperdusasantépendant laguerrede1870,ilmeurtàl’âgede36ans,laissantlesentimentqu’iln’avaitpasatteinttoutesamesure.

La mesure n’est pas le fort de l’artiste AiméMorot (1850-1913). Il exhibe deux lionsapprivoisésdanssonatelierdepeintre,cequine manque pas de chien. Issu d’un milieumodeste, il réussit une carrière de peintre depersonnalités:sonportraitdeGustaveEiffelafait letourdeséditeurs. Ilaépousélafilledupeintre Jean-Léon Gérôme, célébritéspécialisée dans l’érotisme orientalisant et lepéplumdéshabillé.SaBatailledeReichshoffenlui assure une grande réputation. L’artistedébuteauSalonde1873et gagne leprix deRome la même année. Devenu membre del’Institut en 1898, il enseigne à l’École desbeaux-arts et reçoit le grand prix del’Expositionuniversellede1900.Ses fréquentsvoyagesenOrientetsonespritcurieux lui font adapter de nouvellestechniques à la représentation du cheval en

mouvement. Depuis la domestication del’animal, soit depuis cinq mille ans, jamaispersonne n’avait pu dessiner ou peindre unchevalaugalopressemblantàlaréalité.Ilfautimaginer sur toute la planète, à toutes lesépoques,lenombreincalculablededessins,degouaches, d’aquarelles, de gravures et degribouillis ayant le galop pour sujet. Il a falluattendre Morot et ses charges de cavaleriepourenfinparveniràunrésultatprobant!

L’important,c’estl’artrose

AdolpheWilliamBouguereau (1825-1905)est le typemême du peintre académique et pompier honnidurant tout le XXe siècle. Maître du léché dans sescompositionsallégoriquesetmythologiques, il réalisedespeinturesdécoratives transparentesqui assurentsagloire,dont laNaissancedeVénusest lesommet.SaViergeauxangesévoqueenrevancheunamasdecotonhydrophile!En1865,suiteàuncontratexclusif,Bouguereauinondelemarchéanglo-saxond’érotismeimberbeetdemièvreriesentimentale jusqu’en1887,soit environ 200 toiles ! Il donne tout de même unensemble de peintures religieuses intéressantes : laVierge de consolation pour la mort de son fils, lesgrandes décorations d’églises parisiennes, le plafondduthéâtredeBordeaux,oùserévèlentsestalentsdedessinateur. Adversaire farouche du mouvementimpressionniste,ilestunpartisantoutaussirésoludel’admission des femmes dans les institutionsartistiques.

Hébert,unpestiféré?

« Ce jeune homme […] a peut-être une âme. » Lecomplimentn’estpasmincequandonsaitqu’ilvientdel’écrivainStendhal(1783-1842)lui-même!AntoineAuguste Ernest Hébert (1817-1869) fait partie desartistes académiques et officiels qui sont excellentssans être pompeux. À Paris, en 1835, il entre dansl’atelier de David d’Angers qui lui conseille deprépareravecDelarocheleprixdeRome,qu’ilobtienten1839.LepeintreexposeensuiteauSalondestoilesinspirées de son séjour italien, d’autres orientalistes,d’autres encore de peinture d’histoire, Le Tasse enprison visité par Expilly, gentilhomme dauphinois ouréalistes, comme sa Paysanne de Guérande battantsonbeurre.

LemauvaisairExposéeen1850,LaMal’ariaprovoqueuneprofondesensation.AumuséeduLuxembourg, lemuséed’Artmoderne de l’époque, la notice précise : « Dans cetableau d’une tristesse pénétrante, Hébert nousmontreunefamilleitaliennedelacampagnedeRomefuyantlamortellecontagion.C’estunedesmeilleurestoiles de l’artiste. Une barque glisse sur les eauxdormantesdesmaraisPontins,entredesrivesplates,sous un ciel embrumé de vapeurs pestilentielles, etportantunepauvrefamilleplusoumoinsatteinteparl’influence délétère ; à l’avant, un homme robuste,jambes et bras nus, dirige la barque à l’aide d’unelongueperche.».LaMal’arias’écritmaintenantsansl’apostrophe–commeentracted’ailleurs–etsignifieenitalienlemauvaisair.

PortraitsàredécouvrirSouventpeintssurfondvertunpeuàlamanièredesvieux maîtres français, les nombreux portraitsd’Hébert sontparmi lesmeilleursdu siècle,pourtantfécond en ce domaine. Son type féminin, aux yeux

alanguis et cernés, se ramène presque toujours àl’Italienneatteintede lamalaria.Mêmes’il n’apeut-être pas suffisamment varié ses sujets, le peintreannoncelesymbolismeavecsonOphélierêveuse, etl’artmoderneavecsonportraitdemadameRostand.

L’artiste exécute aussi lemodèle de lamosaïque duPanthéon. Son premier biographe, Joséphin Péladan,raconteavoirlui-mêmeservidemodèle.Deuxmuséeslui sont consacrés : l’un à La Tronche en Isère etl’autre à Paris. Il ne reste plus qu’à espérer que larenomméequ’Hébertavaitdesonvivantretrouvedeson éclat, et que la visite de ce musée y auracontribué.

DeslissesléchésEntre succès auprès de leurs contemporains, timidereconnaissance aujourd’hui ou au contraireconsternation, d’autres peintres laissent une tracemitigéedansl’histoiredel’art.

Mapalette!Onm’avolémapalette!IlyatroisfrèresFlandrin:Auguste,néetmortàLyon(1804-1843), l’aîné, professeur à l’École des beaux-artsdesavillenatale.Peintredepaysages, lecadet,Jean-Paul (1811-1902), accompagne Ingres et sonfrèreHippolyte(1809-1864)àRome.Cedernierestleplusconnu.Élèved’Ingres, ilobtient leprixdeRomeen1832pourunsujetmythologique,Théséereconnuparsonpèredansunfestin.

Dès ses premières peintures, Hippolyte Flandrinmontre son goût pour des sujets d’inspirationreligieuse:SaintClairguérissantdesaveugles, Jésusappelant à lui les petits enfants, Mater dolorosa. Il

décore plusieurs édifices religieux dans la traditiondesprimitifsitaliens:chapelleSaint-Jean,égliseSaint-Séverin, cartons pour les vitraux de Saint-Germain-des-Prés. À Saint-Vincent-de-Paul, les critiques del’époquecomplimententsontravailqu’ilsqualifientde«panathénéeschrétiennes».Lepeintrefaitaussidenombreuxportraits,plutôtconventionnels,qualificatifadaptéàl’ensembledesonœuvre.SonJeunehommenuassisauborddelamer(1836),qu’onpeutvoirauLouvre, prouve un sens de ce que les sculpteursappellentlemodelé.

Pour faire une différence entre les peintrespompiersdécriésàtortcommeBastienLepageou Alexandre Cabanel et les mauvaispompiers, prenons l’exemple de Paul Baudry(1828-1886). En1850, cepeintre remporte leprix de Rome sur un sujet beau commel’antique : Zénobie trouvée sur les bords del’Araxe. Le peintre a très tôt les honneursofficiels.SonenvoidedernièreannéeàRomeestconstituédedeuxtoiles:LeSuppliced’unevestaleetLaFortuneet le JeuneEnfant.CelaprouvequeBaudry,s’iln’aguèrede talent,aaumoinsdeslectures.Ilveutunefoissortirdel’ornière de la peinture douceâtre et commetpour le Salon de 1861 Charlotte Corday quivient d’assassiner Marat, dont le seul mérite

est de prouver que les baignoires sontdangereuses pour Marat, Claude François etles peintres sans inspiration. Baudry faitencorequelquesportraits qui sont lemeilleurde son œuvre et la décoration de plusieursendroits où généralement on évite d’aller,commel’OpéraetlaCourdecassation.

Destempsdésargentés lui inspirentunegrandepeurdes dépenses inutiles. Quand, en 1848, l’artistetravaille aux peintures murales de Saint-Paul deNîmes,undesesélèves tombede l’échafaudage.LepremiercrideFlandrinest:«Ah!Mapalette!»Sonobsessiondel’argentlerendtoutefoislucide:«Dansl’industrie et le commerce, l’argent, le gain est lesouverainbut;danslesarts,iln’estqu’unmoyen.»

Despeintressanshistoire

Ernest Meissonier (1815-1891) passe pour unillustrateur de livres d’histoire, voire un peintre defigurines en plomb. Son succès commence avec desscènes populaires de la vie quotidienne, à peinedéguisées d’un vernis historique comme La Rixe(1865).Lacampagned’Italie,aucoursde laquelle lepeintre suit l’état-major de Napoléon III, lui donnel’idéed’unenouvelleépopéenapoléonienne.Ilsecréeunmuséed’armesetd’armuresdetouteslesépoquesqui lui servent à garnir toute une série de toilesmilitaires, avec une véritable obsession du rendu dudétail.

Les scènes de genre comme Dolce farnienteassurèrentaupeintreFranzXavierWinterhalter(1806-1873)lesuccès.Ildevientlepeintreattitrédescours

royales et impériales de toute l’Europe de 1834 à1870. Même lemaharadjah Duleep Singh pose pourlui. L’artiste réussit des portraits de personnalitéscomme celui de madame Rimsky-Korsakoff. L’Impératrice Eugénie entourée de ses damesd’honneur (1855) est certainement sa toile la plusconnue.

Jean-Léon Gérôme (1824-1904) est à la foispeintreetsculpteuretproposeun intéressantva-et-viententrelesdeux.Surtoutconnupoursonœuvreorientalisteoùildépassel’érotismeconventionnel, l’artiste crée un remarquablejeu de miroirs entre des œuvres qui serépondentetserappellent.Ceprocédé,appelémise en abîme, sera beaucoup repris par lasuite.GérômeprésenteauSalonde1890 lemarbrepolychromed’unefemmequisymboliselacitéde Tanagra, où des archéologues ontdécouvert des centaines de statuettesféminines. Elle tient dans sa main unestatuette dite « danseuse au cerceau ». Unautoportrait lereprésenteentraindesculpterce marbre. La statuette de la danseuse estensuite reprise dans une toile intituléeSculpturaevitaminsufflatpictura(Lapeinture

insuffle la vie à la sculpture) où une jeuneGrecquedeTanagracoloriedesstatuettes.Lejeu sur les rapports entre le sculpteur et lepeintre met en abîme la représentation del’œuvreetl’œuvreelle-même.L’artiste soutient aussi l’innocence ducapitaineDreyfusetpeintentre1895et1899une série sur laVérité.Hélas !La Vérité nue,qui sort du puits du musée de Cluny unmartinetàlamain,nefrôlepasleridicule,elleestenpleindedans.MêmesiÉmileZolas’estmoqué de l’œuvre du peintre, pas rancunier,Gérôme, en 1902, est un des premierssouscripteurs pour le monument à l’écrivaindéfenseurdeDreyfus.

Lasculptureacadémique

Plus tardive que la peinture du même courant, lasculpture académique se fait pourtant une place àpart entière en fin de siècle. Pour la désigner, onutilise parfois l’expression « style Falguière ». LaRépublique proclamée en 1870 passe forcecommandes publiques et la sculpture envahit lesédificesetlesrues.

Falguière,unstylediplomatiqueDans ce contexte, Alexandre Falguière (1831-1900)réalise L’Asie (1878), visible sur le perron dumuséed’Orsay, les monuments à Saint-Vincent-de-Paul

(1879),àPasteur(1900),aucardinalLavigerie(1898),l’hommeduralliementàlaRépublique.Cessculpturesmontrentunsolidemétier.IlfaitdesstatuesélégantescommesaDanseuse de 1896, qui représente nue lacélèbredemi-mondaineCléodeMérode,etsonPoètemontésurPégased’unegrâceparticulière.Certainesde ses œuvres sont fort classiques comme sonTarcisius, martyr chrétien. L’artiste a un succèsimmense dû à son métier, et à son art de ne pasheurter.

Frémiet,pèredeKingKong?Neveu de François Rude, Emmanuel Frémiet (1824-1910) naît dans une famille ouverte aux arts. Élèvesurdoué,ilentreà13ansàl’Écoledesartsdécoratifs.Ilseformeàl’observationdesanimauxauJardindesPlantes, commeBaryeavant lui. Employépar l’Écolede médecine, le sculpteur effectue le moulage despiècesquientrentaumuséeanatomiqueOrfila.Pourse faire la main, il faut parfois avoir l’estomac bienaccroché ! L’artiste donne diverses sculpturesanimalières qu’il transpose curieusement dans soncélèbre Gorille enlevant une femme, médailled’honneur au Salon de 1888. Il n’est pas impossibleque Merian C. Cooper et Ernest B. Schoedsack, lesréalisateursdeKingKong(1933),aientpuenvoirunedesreproductionstrèsrépandues.

Frémietestaussiconnupourdeuxœuvrescélèbres :l’archange qui domine le mont Saint-Michel et lastatueéquestredeJeanned’Arc,ruedeRivoliàParis.

Clésinger,unprovocateur

Fatigué de courir après la gloire, le sculpteur Jean-BaptisteAugusteStelloClésinger(1814-1883)décidedefairescandaleauSalonde1847.IlyprésentedeuxbustesetdeuxstatuesdontlaFemmepiquéeparunserpent. La morsure de celui-ci est un alibi pourmontrer un orgasme féminin spectaculaire. Pire,l’artistemontreunmoulageetnonunesculpture.Laprovocation paie et assure sa célébrité. Clésingerrecommence l’année suivante, mais cette fois avecune véritable sculpture, une Bacchante couchée. Lepublicest ravidese réjouir lesyeux,et lescritiqueshurlentà l’impudeur!GendredeGeorgeSand, il faitsonbusteen1847.

À la fin de sa vie, le sculpteur a pour compagne, etpour modèle, Berthe de Courrière, personnage hauten taille et en couleur. Clésinger donne ses traits àl’effigie de Marianne. Elle devient par la suite lacompagne de l’écrivain Remy de Gourmont. LeursépultureauPère-Lachaiseoùilsreposent,enménageà trois post mortem, inspirerait toujours quelquessorciersamateurs.

Danscechapitre:Déjeunersurl’herbeavecManetPeindreensériecommeMonet Des points en suspension pour le néo-impressionnismePrêterl’oreilleauxmauxdeVanGogh

En1874,lapremièreexpositionimpressionnisteréunit29 participants et 165 toiles. Devant le tableau deMonet Impression, soleil levant, Leroy, journaliste auCharivari,ironise:«Impression,jemedisaisbienqu’ily avait de l’impression là-dedans. » Au mot«peinture»,lesdictionnairesdel’époquedonnenteneffet cette définition : « Peinture d’impression :dénomination un peu solennelle mais fréquemmentemployée cependant, pour désigner la vulgairepeintureenbâtiment.»Dès1877,letermeestreprispar les intéressés eux-mêmes, au fond pasmécontents de l’appellation. Noter l’inconstance deschoses, la nature éphémère des sensations est unetendanceconstanteenart.Lapeintureseprêtebienà

celaparl’étudedelalumière.

DuSalondesrefusésàl’impressionnisme

Enart commeenscience, iln’yapasdegénérationspontanée. On peut parler de préimpressionnismepour certains peintres comme Adolphe Monticelli(1824-1886)ouJohanBarthold Jongkind(1819-1891),àproposdequiMonetavoue:«C’estàluiquejedoisl’éducationdemonœil.»LouisHilaireCarrand(1821-1899) est aussi un remarquable précurseur. Enpeignant des paysages lumineux en pleine pâte, leLyonnais annonce la nouvelle peinture, même s’ilmeurt oublié de tous. À l’opposé, Félix Ziem (1821-1911), unTurner franco-polonais, ade sonvivantunvif succès. Ses toiles impressionnistes avant l’heureont alors une cote comparable à celles de Picassoaujourd’hui ! Contrairement à ce que l’on croit tropsouvent,l’impressionnismeadéjàunpublic.

DurantleXIXesiècle, larecherche industriellepermetdesprogrèsenchimie.Lefrancinventeen 1850 le tube de zinc – toujours cher auxécoliers–quiremplace lavessiedeporcpourla conservation de la peinture. Emporter ses

couleurshorsdel’atelierdevientalorspossibleet le chevalet, plus léger, est facilementtransportable.Jusqu’ici,lepeintredemandaitàsesapprentisd’enduire la toileavecdublancdecraie,oudeplâtremêléàdelacolle,pourfaire le fond.Maintenant le tableauestvendutout apprêté. L’artiste peut donc désormaisaller peindre directement « sur le motif »,c’est-à-diresurleterrain,enpleinair.L’AnglaisConstable(1776-1837)avaitmontrélechemindès les années 1800. Par ailleurs, deslittérateurscommeGoetheetdesscientifiquescomme Chevreul étudient les couleurs. Lespeintress’emparentdeleursremarques.

DéjàdanslebainavecManetCertains artistes vont se retrouver rattachés aumouvement des Indépendants comme le peintreÉdouardManet(1832-1883).Le1ermai1863s’ouvreun « Salon des refusés » au Palais de l’industrie, enparallèle au Salon dit officiel, à l’emplacement duGrand Palais actuel.Mais les refusés ne sont pas dedangereux subversifs, car Napoléon III en personnel’inaugure.La traditionveutqu’ilait faitsemblantdenepasvoirlatoiledeManetintituléeLeBain,connueà l’heure actuelle sous l’appellation duDéjeuner surl’herbe(voir ).

TomberdesnusDans un pique-nique, il y a toujours quelqu’un quioublie quelque chose : sur un fond vert foncé, unefemmequi aoublié sesvêtementsestassiseauprèsde deux hommes habillés. Le spectateur classiqueconnaît la nudité mythologique comme une vision

idéale du beau.Or, la naturemorte du premier planduDéjeunertirecettefemmeversleseuldéshabillé:le nu blafard n’est ainsi qu’un prétexte de couleurpourattirerl’œil.

Il s’agit d’une adaptation moderne du ConcertpastoraldeTitien,attribuéàl’époqueàGiorgione.LevisagedeVictorineMeurentetlecorpsdeSuzanne,lafemme de Manet, ont servi de modèles d’ateliertransposésdansunpaysage.

Le célèbre auteur du cycle romanesque desRougon-Macquart est également un amateurde beaux-arts. Outre son amitié d’enfanceavec Cézanne, Zola se lie avec de nombreuxpeintresauxquelsilapportesonsoutien,parlebiais d’articles de presse notamment. Il n’estdonc pas étonnant de trouver desreproductions de leurs œuvres en couverturedes éditions de poche de ses romans. Il semurmure pourtant que l’écrivain est plusapprécié pour sa réputation que pour lajustessedesongoût.Cependant,sonanalyseduDéjeunerdeManetestlucide:«LafemmenueduDéjeunersurl’herben’est làquepourfourniràl’artistel’occasiondepeindreunpeudechair.Cequ’il fautvoirdans le tableau,cen’est pas un déjeuner sur l’herbe, c’est lepaysage entier, avec ses vigueurs et sesfinesses, avec sespremiersplans si larges, si

solides, et ses fonds d’une délicatesse silégère ; c’est cette chair ferme modelée àgrandspansdelumière,cesétoffessouplesetfortes,etsurtoutcettedélicieusesilhouettedefemme en chemise qui fait dans le fond, uneadorable tache blanche aumilieu des feuillesvertes, c’est enfin cet ensemble vaste, pleind’air, ce coin de la nature rendu avec unesimplicitési juste, toutecettepageadmirabledans laquelle un artiste a mis tous leséléments particuliers et rares qui étaient enlui.»(ÉdouardManet,1867)

DuBrésilàl’EspagneManet forme son œil en allant voir dans leur paysd’originelesvieuxmaîtreshollandaisetitaliens,avantde découvrir l’art japonais. Élève du peintre ThomasCouture (1815-1879), il réagit contre la manie dudétaildespompiersetleurpréfèrel’écoleréaliste.

LeSalonaccepteen1865Olympia,ausujetclassiquede l’odalisque à l’esclave. Là encore, il n’y a pas leprétexte d’une scène orientaliste, mais le réalismed’une femme nue. L’apport de Manet à la peinturemoderne tient dans cette suppression des ombresopaques par la juxtaposition de tons tranchés etl’exaltation de la lumière. La palette du peintren’utilise que peu de couleurs, dont le noirparadoxalement,pourtraduirecettelumière.

La peinture espagnole exerce sur son œuvre uneréelle influence. C’est surtout le cas de Vélasquez,commeLeFifre, peint sur un fond uni, le démontre.Goyainspireàl’artisteLeBalconmettantenscènesabelle-sœur,BertheMorisot,peintreelle-même.

La dame du Balcon, Berthe Morisot (1841-1895), épouse Eugène Manet, le frère dupeintre. C’est la seule femme de la premièreexpositionimpressionniste.Sesœuvresontuncharme joyeux, car l’artiste sait peindre lesbons moments de l’existence, les petitsbonheurs simples. Récemment, l’enchèrerecordpourunedesestoilesaatteintplusde5millionsd’euros,cequimettoutdemêmelepetit moment de bonheur quotidien à unesomme rondelette. Elle assure aussi le lienentreManetetMonet.Mary Cassatt (1844-1926) est américaine ets’installe en France en 1870. Elle contribue àfaire connaître lemouvement impressionnistedanssonpaysnatal.Elleparticipeàquelques-unes des expositions impressionnistes, maisestgénéralementprésentéecommeunpeuenmargedumouvement en raisonde son soucides formes précises, qui la rapproche deDegas.Dessinatricehorspair, elle réalisedesportraits féminins qui séduisent et sesnombreusesScènesdematernitéassurentsonsuccès.

DegascollatéralEdgar Degas (1834-1917) participe à la fameusepremière exposition de 1874 surtout par amitié. Iln’estpaseneffettechniquementun impressionniste,ilendemeureàlamarge.Sapeintureleclasseplutôtdu côté du pur réalisme, comme avec leBureau decotonàlaNouvelle-Orléans,oudunaturalismecheràZolaavecL’Absinthe(1876).

DestoilesbiencadréesÀ la recherche de nouvelles formules, la découvertede l’art japonais révèle à Degas une nouvelleconceptiondel’espace.Passionnédephotographie,ils’interroge sur la représentation objective dumondeenintégrantcettenouvelletechniquedanslechoixducadrage des scènes représentées. Dans cet étatd’esprit, il peint jockeys et chevaux, intérieurs dethéâtre, ateliers de danse et blanchisseuses. Sesétudesdeballerinessontmagistrales.

Il pratique la délicate technique desmonotypes, destirages uniques de peintures sur plaque métallique,quiforcerontl’admirationdePicasso.Artistecomplet,il sait aussi avoir recours aux différents procédés degravure,commel’eau-forteetlapointesèche.

Letubdel’étéLepastelconvientaussiàmerveilleàDegasquiaimetravailler vite. Ce moyen particulièrement adaptépermetderetouchersanslaisserderepentirsvisibles,c’est-à-diredetracesdesessaisantérieurs.Àpartirde1880,ildonnesespastelsdefemmesàlatoilette.LeTub (1886) représente trop souvent, pour beaucoup,toutDegas,àtort!Iln’hésitejamaisàseremettreenquestion,s’acheminantcommedansLeJockeyblesséà une vision du monde résumé en un dérisoire

manègedechevauxdebois.

L’artistes’adonneaussiàlasculpture.Desonvivant,iln’yeutquesaPetiteDanseuse(voir )quifutexposée.Cetteœuvreestalorsrévolutionnairecarelle est habillée commeunepoupée !À samort, ontrouvaprèsde150figuresenciredanssonatelier.

AvéCézanne

L’accentduSudrésonnefortdans lacourducollègeBourbon à Aix-en-Provence. Un grand prend ladéfense d’un petit. Naît à cemoment-là une grandeamitiéentrelesdeuxgarçons.Etc’estbienainsiquedeux figuresduXIXe siècle, le petit Émile Zola et legrand Paul Cézanne, se sont rencontrés, dans unecourderécréation.

LamontagneSainte-VictoireL’aisancedesa familleassuréeparunpèrebanquierapporteàCézanne(1839-1906)sonindépendance.En1872, l’artiste peint avec Pissarro à Auvers-sur-Oiseoù, bien sûr, il rencontre Van Gogh. Ses amitiésl’incitent à participer à la première expositionimpressionniste. Cependant, commeDegas, Cézannesuitsonpropreitinéraireenabandonnantl’esthétiqueimpressionniste car, plus que vers la vibration de lalumière, il veut aller à la « structure des choses » :l’agencement des formes et des volumes, lagéométrie dans l’espace. De son acharnement naîtuneœuvreemblématique,aussivasteethautequelamontagneSainte-Victoire(voir )quil’atantinspiré.

5%d’inspirationet95%detranspirationCézanne est considéré comme l’un des grandsprécurseurs de la modernité, annonçant le cubismedans ses natures mortes. À ce sujet, le maîtreconseille dans une lettre adressée au peintre ÉmileBernard:«Traitezlanatureparlecylindre,lasphère,le cône, le tout en perspective… » Picasso lui rendainsihommage:«IlestnotrePèreàtous.»

Dans ses dernières années, l’artiste peint au moinstrois versionsdesBaigneuses en grand format. Sanspourtant jamaisfaireposerdemodèlesnusdanssonatelier, il a une vision charnelle de la nature. Ladispositionenpyramidemarie lescorpsdes femmesaux arbres. Génie laborieux, Cézanne se tourmente.Jamais une œuvre ne lui semble achevée. Avant demourir, il confie enfin son sentiment d’avoir fait desprogrès…

TimeisMonetEn 1874, le célèbre photographe Nadar (de son vrainom Félix Tournachon) prête ses locaux pour uneexposition.Quelques artistes jeunes etmoins jeunescréent « une société anonyme coopérative d’artistespeintres, sculpteurs, graveurs, à capital et personnelvariable », afin de proposer « des expositions libres,sansjuryetsansrécompensehonorifique».

L’impressionnisme,quiveutpeindre«cequ’ilvoit»,estunaboutissementduréalisme,avec lareprisedesujets contemporains, comme la thématique desloisirsenborddefleuve,et ladisparitionprogressivedusujetprétexte.Cecourantsedéfinitégalementparses procédés picturaux : ses empâtements, ses

couleurs mises pures, avec des oppositions decouleursprimairesetcomplémentaires.Beaucoupdepeintres importants ont eu une périodeimpressionniste mais, au sens strict, les seuls vraissontMonet,SisleyetPissarro.

PasdenoirpourMonet!«PasdenoirpourMonet!»s’écrieeneffetsonamiintimeGeorgesClemenceauvenu leveilleràGivernyen 1926. Il enlève le drap funèbre, prend un rideauauxcouleurséclatantesetlejettesurlecercueil.

Algersoleild’Orient

Toutesavie,ClaudeMonet(1840-1926)redécouvrelacouleur.AuHavre,ilcommencepardessinerquelquesportraitscharges,descaricatures.L’artisteselievers1860 avec un certain nombre de jeunes peintres :Pissarro,Bazille,Renoir,Sisley,lafinefleurdesfutursimpressionnistes.IldécouvrealorslestoilesdeManetet pratique la peinture de plein air dans la forêt deFontainebleau. La révélation se produit lors de sonservice militaire en Algérie : « Les impressions delumièreetdecouleurquejereçuslà-basnedevaientque plus tard se classer : mais le germe de mesrecherches futures y était », avoue-t-il dansl’autobiographiequ’ildonneauJournalLeTemps.

Etlalumièrefut

Monet peint sa propre version d’un Déjeuner surl’herbeet,en1866,obtientauSalonungrandsuccèsavecLaDameàlarobeverte.Ilestàl’originedupluscélèbre mouvement pictural et de son appellation :

« J’avais envoyé [à l’exposition de 1874] une chosefaiteauHavre,demafenêtre,dusoleildans labuéeet au premier plan quelques mâts de navirespointant…Onmedemandeletitrepourlecatalogue,ça ne pouvait vraiment pas passer pour une vue duHavre ; je répondis : “Mettez Impression”. On en fitimpressionnismeet les plaisanteries s’épanouirent. »Ainsi,leportnormanddevientunprétexteoùlaformedisparaîtdansleseffetsdelumière.

SerialpainterEn 1883, Monet emménage définitivement dans samaisondeGiverny,dansl’Eure,qu’ilachètetroisansplustard.Lepeintrepeutalorsfairecreuserlebassinaux nymphéas. La maison est à l’heure actuelle unmusée qui lui est consacré, où l’on peut encoreadmirerlesuperbejardin.Monettravailleparséries:

25meules,entre1888et1891;24peupliers;lacathédraledeRouenen1892;lesmatinéessurlaSeineetlespontsjaponaisjusqu’en1898.

LesNymphéas

Monet étudie ainsi la variation de la lumière et leschangements de couleur selon le moment de lajournée.IlpeintdemêmedesvuesdelaTamiseetseconsacre à la série la plus connue de tableaux del’histoire de la peinture : lesNymphéas (voir). Ses études sur les nymphéas cherchent à

capturer l’instant. Les œuvres se multiplient : 48versionsentre1904et1906!En1913, lemaîtrefaitconstruire son atelier dans son jardin, juste face aubassin. Le ciel disparaît de la toile et les motifsannoncent l’abstraction. De 1916 à 1926, il seconsacre aux 12 panneaux présentés au musée del’Orangerie, réouvert en 2006. Pourtant souffrant

d’une cataracte qui l’affecte profondément, Monetpeintjusqu’àsonderniersouffle.

DespaysagesbienSisleyAnglaisdeFrance,lepeintreAlfredSisley(1839-1899)constitueenquelquesortelechaînonmanquantentrelespeintresanglaisdepaysage,commeConstableouTurner,etlesimpressionnistes.

Vers 1864-1865, beaucoup d’artistes se rencontrentdans la forêt de Fontainebleau. Pour être vendu, unpaysage se doit en effet d’en provenir. On voit ainsicertains marchands, sans scrupules et sansconnaissance particulière en botanique, intituler« Paysage de Barbizon » de jolies vues… rempliesd’oliviers!

MaisSisleypréfèrepeindre l’ouestdeParis,avecsonAllée de châtaigniers à La Celle-Saint-Cloud, unpaysageencoredanslegoûtdeCorot.

Àcausedelaguerrede1870,SisleyretournequelquetempsàLondres :decettepériodedatesa toileLesRégatesàMolesey. Il s’installeensuiteànouveauenFrance,àMarly-le-Roi,SèvresouLouveciennesdontlalumière douce d’Île-de-France et les paysagesl’inspirent. Il donne ainsi cette superbe Barquependantl’inondationàPort-Marlyoù,avecunetoucheplusélargie, lalumièreetl’eauvibrentàl’unisson.SiMonet a la cathédrale de Rouen, Sisley a l’église deMoret-sur-Loing,prèsdeFontainebleau,oùils’installeen 1879. Cette église fit l’objet d’une vingtaine detoilesàdifférentesheures.

AuSalonde1824,LaCharrettedefoindeJohnConstable (1776-1834) est particulièrementremarquée, et d’abord par le jury qui luidécerne lamédaille d’or. Le peintreDelacroixest tellement impressionné par la façon dontl’artiste anglais peint ses paysages, par sajuxtaposition de couleurs pures, qu’il refaitl’arrière-plandesMassacresdeScio.Constablea peut-être plus contribué au développementdel’écolefrançaisedepaysagequ’àceluidelapeintureanglaise,sansjamaisavoirquittésonîlenatale!Alors que John Constable peint en plein air,JosephTurner(1775-1851)travailleenatelieràpartir d’esquisses. Plutôt précoce, il exposeson premier tableau à 15 ans. Il fautcependantattendrel’année1807pourvoirsonoriginalité avec son Lever de soleil dans labrume et Didon construisant Carthage.L’artiste y montre encore sa dette envers lepeintreClaudeLorrainmais,àpartirdelà,ilvacontinuer de rendre le plus bel éclat de lacouleur. Il affirme de façon permanente sonamourde la lumière,commedanssesscènesde Venise, au détriment des formes luireprocherontcertainsamateurs.Les deux artistes anglais sont également

considérés comme des précurseurs del’impressionnisme.

Pissarro:l’effet,rienquel’effetCamille Pissarro (1830-1903) est né à Saint-Thomasdans les Antilles danoises, devenues les îles Viergesaméricaines. Arrivé à Paris en 1855, il se lie avecCorot puis avec Monet. Son tout premier envoiacceptéparleSalonestunPaysageàMontmorencyàuneépoqueoù labanlieueétaitverte.Maiséconduiten 1861 et encore en 1863, le peintre participe à lafameusepremièreexpositionimpressionnisteduSalondesrefusésen1874.

De1872à1884, lorsdesapériodeditedePontoise,Pissarro se révèle aussi peintre de la campagnefrançaise. Dès 1886, il expérimente le néo-impressionnisme avec Signac et Seurat. Sa célébritése confirme avec ses vues de Paris : Boulevard desItaliens ; Paris, matin, effet de soleil, ou Place duThéâtre-Français, effet de pluie. L’artiste exerce unevéritable influence sur la peinturemoderneavec sesétudes de Marchés à Rouen (qui n’ont rien decommercial) et avec sa belle série des Quais de laSeine. Ceux-ci sont peints sous toutes les lumièrespossibles,mais surtout avec des points de vue sanscessevariés.

Pissarro fondeunevéritabledynastiedepeintres,deses enfants à son arrière-petite-fille, Lélia, née en1963,avectousnosvœuxdebonheurenattendantlasuite.

SiManetestungrandbourgeois,etsiCézannejouit d’une fortune personnelle, tous lesartistesprochesdel’impressionnisme,dontlesœuvres s’arrachent à grand prix aujourd’hui,ne roulent pas sur l’or. Van Gogh ne vendjamais rien, la légende le fait maudit etmiséreux,mêmes’ilbénéficie toutesaviedusoutien matériel de son frère Théo. Sisleycommencedansl’opulenceetaideunmomentun Renoir dans le besoin. Mais la guerre de1870 lui fait tout perdre. Succèset argent luiferontalorsdéfautjusqu’àsamort.CommeMonetrefused’entrerauxBeaux-arts,sonpèreluicoupelesvivres.Commencealorsuneviedifficileavecdeshautsetdesbas.Courbet,quivoitenluiundisciple,ledépanneunmoment.Bazille luiachète lesFemmesaujardin. Le peintre doit cependant fuir sescréanciers et continue de faire appel à sesamis : Caillebotte, Zola… Manet lui rend lesFemmes,échangéesaupèredeBazillecontreleportraitdecedernierpeintparRenoir. Il luiachète plusieurs tableaux en 1879. Enattendantlesuccès,toutlemondenepeutpasgagneràlaloteriecommeArmandGuillaumin(1841-1927) ! Enfin, en 1889, Monet estreconnu. La même année, il ouvre unesouscriptionpourdonnerà l’État l’Olympia deManet,belhommageàcetaînégénéreux.

RenoirtoutencouleurPierre-Auguste Renoir (1841-1919) est natif deLimoges, ce qui prédispose à commencer dans ladécoration de céramique. À Paris, il rencontreMonetet Sisley, et devient un des artistes les plus en vueparmilesimpressionnistes,avecdeuxtoilesdevenuescélèbres,LeMoulindelaGaletteetLaBalançoire(voir

).

Vers 1880, son style devient en quelque sorte plusclassique avecMadame Charpentier et ses enfants,accueilli très favorablement au Salon. Renoir peintalors le Déjeuner des canotiers, toile reproduitedepuis sur tous les calendriers. Ses contemporains,qui ont l’œil, n’hésitent pas à le déclarer«continuateurdesmaîtresduXVIIIesiècle».Peintredelachairféminine,delalumièreéclatanteetrieuse,ilréalisedesbaigneusesquirappellenteneffetIngreset Rubens. Mais il prend aussi les membres de safamille comme modèles, ainsi qu’en témoigne lecélèbreportraitdesonfils,lecinéasteJeanRenoir.

C’est un coloriste qui sait être violent ou délicat.Peintre à la production importante, Renoir demeurefécond jusqu’à la fin. Atteint de paralysie, il se faitattachersespinceauxauxdoigtsetbanderlesmainspouréviterlesécorchures.

TranquillecommeBazilleRenoir réaliseen1867unFrédéricBazillepeignantàsonatelieretBazilleréaliseunPortraitdeRenoir.Cesdeux toiles se répondent en symbole de leur amitié.La même année, Frédéric Bazille (1841-1870) lancel’idée demontrer à part les toiles refusées au Salon

officielmais il n’en verra jamais la réalisation, car ilmeurt au champd’honneur lors de la guerre franco-prussienne.

De commerce agréable, l’artiste se lie d’amitié avecMonet, Renoir et Sisley, fréquente aussi Cézanne,Pissarro, Guillaumin. Quel carnet d’adresses ! En1863, Monet et Bazille travaillent ensemble sur lemotifetsurlesvariationsdelalumièresouslesarbresdans la forêtdeFontainebleau.Toujoursenpleinair,l’artiste peint en 1868 une des premières toilesimpressionnistes,Pêcheuràl’épervier.Letableauestrefusé par le jury du Salon, sans doute parce quel’homme au filet est dans un cadre contemporain etnon dans une arène romaine où il aurait fait unsuperbegladiateur.

Le peintre Gustave Caillebotte (1848-1894) aun style qui le ferait classer parmi lesnaturalistes, notamment avec Les Raboteursde parquet (1875). Doté d’une fortunepersonnelle, il aide ses amis impressionnisteset se constitue une collection remarquable.Son nom est associé à un legs dont il fautrelativiser le scandale. Renoir, son exécuteurtestamentaire, se heurte au peintre Gérômequi pense que Cézanne, Manet, Monet etPissarro«déshonorent»lescimaises(mursdesalles d’exposition). Contrairement à une

légende répandue, le legs est accepté parl’État. Mais comme une partie doit êtredéposée à Compiègne, les héritiers trouventque cela ne correspond pas à l’intégralité dutestament, dont les termes sont pourtantmesurés : Caillebotte veut en effet que lepublic s’habitueà la nouvelle peintureet queseshéritiersconserventlagardedestableaux.Faut-il supposer les héritiers pas mécontentsd’une telle aubaine ? Une commission ensélectionneunepartie.Lereste,achetéparledocteur Barnes, enrichit la prestigieusecollectiondececélèbreaméricain.

Diviserpourmieuxrégner:lenéo-impressionnisme

Lenéo-impressionnisme va encoreplus loin dans lesoppositions de couleurs. En se mélangeant, lescouleursprimairesetcomplémentaires,cellesdel’arc-en-ciel, reproduisent la lumière blanche. La couleurcomplémentairedurougeestlevert,celledubleuestl’orangé,celledujauneleviolet.

LechimisteEugèneChevreul (1786-1889)devienten1824directeurdes teintureriesà lamanufacturedesGobelins à Paris. Il est amené à étudier les couleurspour en tirer des applications pratiques sur lestapisseries. La liste de ses travaux estimpressionnante, mais ce qui retient l’attention despeintresestsontexteDelaloiducontrastesimultanédes couleurs (1839). Pour simplifier la théorie, lemélange se fait dans l’œil du spectateuretnonplussur la palette. La dernière exposition de 1886

symbolise l’émergence d’un nouvel impressionnismeplus scientifique : Monet, Renoir et Sisley sontabsents,remplacésparGauguin,SignacetSeurat.

Seuratenpointillé

GeorgesSeurat(1859-1891)inventelepointillismeoudivisionnisme:iljuxtaposedespointsdecouleurpourreconstituerunecouleurprincipaleetdesformesparunesorted’illusiond’optique.SatoileUnebaignadeàAsnières, refusée en 1884 au Salon et exposée en1885 au Salon des indépendants, est l’emblème decette nouvelle technique. L’artiste cherche « uneformule de peinture optique ». Un dimanche après-midi à la Grande Jatte est le véritable manifeste dunéo-impressionnisme.

Seurat commence ses paysages en plein air et lespoursuit à l’atelier, tant les recherches techniquessont contraignantes. C’est le critique d’art FélixFénéon qui baptise ce pointillisme néo-impressionnisme. Autour du peintre, quelques amisadoptent ses recherches comme Henri – EdmondCrossouPaulSignac.Sesdessinsennoiretblancsontune pure réussite virtuose. Il disparaît très jeune, àl’âgede31ans.

LorsqueSeuratmeurt,il laissederrièreluidesregrets… et un fidèle disciple en la personnede Paul Signac (1863-1935). Son Quai deClichy (1887) est digne du maître. Aisé, cetautodidacte incite Pissarro père et fils às’adonner un temps au pointillisme. Marinaccompli,ils’installeàSaint-Tropezoùilinvitede nombreux peintres, contribuant à laréputation naissante du petit portméridional.En 1899, le peintre écrit D’Eugène Delacroixau néo-impressionnisme qui devient unvéritable traité de la couleur pour Matisse,Braque, Kandinsky… Homme de son temps,président des Artistes indépendants, Signacencourage les nouveaux courants comme lefauvismeoulecubisme.

Pâteàmodeler:VanGogh

Vincent Van Goghmeurt en 1890 à 37 ans, n’ayantcommencéàpeindrequedixansplustôt!Durantsavie, il n’a aucun succès. L’artiste devient fou et sesuicide. La reconnaissance vient ensuite et fait decelui qui a bouleversé toute la peinture moderne lepeintrelepluscherdumonde:lePortraitdudocteurGachet(1880)aétévendu71650000eurosen1990auxÉtats-Unis!

Né en 1853, Van Gogh est le fils d’un pasteurhollandais. Après des études de théologie et diversmétiers, il s’installe dans le Borinage en vued’évangéliserlesmineurs.Ladécouvertedelamisèrelui faitprendreconscienceque l’artpeutapporterunpeu de beauté et de consolation à l’humanité

souffrante.

Duprédicateuràl’artisteL’arrêt de sa vocation religieuse pousse Van Gogh àreprendre ses crayons et à développer ses talentsd’enfance. Ses premières œuvres rendent unhommage sincère auxpetites gens et auxpaysans :« Pour moi, ce n’est pas Manet qui est le peintreextrêmement moderne, mais Millet, qui pourbeaucoup de gens ouvre des perspectiveslointaines.»En1886,l’artisterejointàParissonfrèreThéo, introduit dans lesmilieux de l’art. Il rencontreles peintres qui renouvellent la sensibilité moderne,comme Toulouse-Lautrec, Pissarro, Seurat et surtoutGauguin.DecetteépoquedatentsesvuesdeParisetde la banlieue parisienne : Montmartre, Suresnes,Chatou,Asnières.L’artiste faitdesautoportraitset leportraitdupittoresquePèreTanguy,unmarchanddecouleurs généreux avec les artistes fauchés, et desnaturesmortescommeLesLivresjaunes.

Chercheasilechezlesfous

Van Gogh s’installe ensuite à Arles, où la lumièreméditerranéennel’enchante.Il inviteGauguinàvenirle retrouver, dans l’espoir de fonder une colonied’artistes créant loin de l’agitation parisienne. Onretrouve l’influence de l’ami dans certaines toilescommeLa Salle de danse à Arles ouLa Promenade.DecetteépoquedateLaVignerouge,laseuleœuvreexposée de son vivant. C’est là aussi que l’artistepeint certaines de ses plus célèbresœuvres commeLesTournesolsetLaNuitétoilée.Maisle24décembre1888, l’amitié tourne au drame : il tente de tuerGauguin et dans son accès de démence se tranchel’oreille (Autoportrait à l’oreille coupée). Après un

séjouràl’asiledeSaint-Rémy-de-Provence,lepeintres’installeàAuvers-sur-Oise.

LafinàAuvers-sur-OiseVanGoghestaccueilli par ledocteurGachet, amietadmirateur des impressionnistes. Il poursuit sesexpériences en dépassant l’impressionnisme et lenéo-impressionnisme, et en intégrant l’apport dujaponisme. Il crée cette fluidité caractéristique, cesmouvementsquidéformentéglise(voir )ouchamps de blés, le faisant apparaître comme leprécurseur du fauvisme ou de l’expressionnisme parce style aux couleurs vives. Ses tourbillons decouleursfontdesonœuvrelaplusmarquantedel’artmoderne.

Pris d’une crise d’angoisse, il se suicide en 1890. Ilrepose au cimetière d’Auvers-sur-Oise, aux côtés deThéo,sonfrère,amietsoutienfinancierduranttoutesa vie. À côté d’eux se trouve la tombe de NorbertGoeneutte(1854-1894),peintreetgraveur,artisteenmargedel’impressionnisme.Quelepassantaitaussiunepenséepourcetoublié,quiasupeindredebienjoliesfemmes.

Toulouse-Lautrec,Albi-MontmartreHenrideToulouse-Lautrec(1864-1901)descendd’unevéritablefamillenoble.NéàAlbi, ilentreauxBeaux-artsdeParisen1882.S’ilestrattachéaumouvementimpressionniste,c’estplusparsesamitiésqueparsonstyle. Excellent peintre animalier, la postérité retientsurtout ses descriptions du Paris desmaisons closesetdescabarets.

Suite à deux chutes stupides, il reste infirme. Les

ennuis continuent quand l’artiste s’inscrit dansl’atelier du peintre académique Léon Bonnat (1833-1922)avecqui ilnes’entendpas,bienqu’aucundesdeux ne soit sourd ! Dans celui de Fernand Cormon(1845-1924), où il reste cinq ans, il rencontre desfigures qui deviendront ses amis comme ÉmileBernardouVanGogh.

Àpartirde1884,Toulouse-Lautrecs’installedanssonpropreatelier, côtoyant lavieet les lieuxmal famésde Montmartre. Dans le cabaret du chansonnierAristide Bruant, il expose ses premières œuvres etpubliedansson journalsespremiersdessins.PeintredefigurescommelaGoulueouValentinleDésossé,ilexpose auSalondes indépendants et àBruxelles en1890, avec Van Gogh. Un an plus tard, l’artiste selance dans la lithographie et donne alors ses lettresde noblesse à l’affiche, par exemple avec celle duMoulin-Rouge représentant la Goulue. Toute sa vie,Lautrec a une production abondante : gravures,portraits,dessins.IlpeintmêmeundécordebaraqueforainepourlaGouluequisouhaitechangerdemétier.

Autre originalité, sentimentale celle-ci, puisque sansse dévoiler, l’artiste va suivre jusqu’à Lisbonne uneinconnueentrevuesurunnavire. Ilmeurten1901,à37ans,demaladie,d’épuisementetdegénie.

Danscechapitre:Decurieusesfigures,dusageprofesseurMoreauàGauguinl’aventurier Tomber dans le panneau avec Puvis deChavannesVoyagerenEuropeetàTahitiavecGauguinAimeràlafolieavecCamilleClaudel

Le symbole se fonde sur une correspondance entredeux objets dont l’un généralement appartient aumonde physique et l’autre au monde moral. Lesymbolisme ne consiste pas à créer des listes delaborieusesallégories,maisàfairesentirdesaffinités,des liens. Tout a été reproché aux peintressymbolistes:nepasavoirétéimpressionnistes,l’avoirété, nepasavoir étéacadémiques, l’avoir tropété !Carcecourantestunétatd’espritetnonuneécole.Même l’un de ses meilleurs représentants, Gauguin,n’apas l’impressiond’enfairepartieet,à l’occasion,ironise en parlant de « cymbalisme » : en avant lamusique!

LadécadencemodernePublié dans Le Figaro du 18 septembre 1886, lemanifeste du poète Jean Moréas est l’acte denaissance du symbolisme littéraire. Auparavant, lacritiqueparlaitplutôtde«décadents»,ymêlant lespoètesBaudelaire,RimbaudetMallarmé.Enpeintureaussi, certainsartistes sont fatiguésdumatérialismeet du naturalisme ambiants, dont les équivalentsaujourd’hui seraient le tout-pour-le-fric et latéléréalité.

La France, d’où démarre ce mouvement, estreprésentée par des figures prestigieuses commeGustaveMoreau,OdilonRedonouPaulGauguin,etlegroupe des nabis en est une variante. Il se répandensuite dans toute l’Europe. Sa postérité estimportante,notammentaveclesurréalisme.

LeseigneurdespanneauxPierre Puvis de Chavannes (1824-1898), élève deDelacroix ? Son Jean Cavalier jouant le choral deLuther au chevet de sa mère mourante (1851) leprouve.Maisilnel’aétéquequinzejours!Aprèstroismois également chez Thomas Couture, il trouverapidement sa propre voie et donne de grandspanneauxdécoratifs.

Décorsraccords

Puvis de Chavannes décore de nombreux endroits,dont lesmusées d’Amiens (1861-1865), deMarseille(1867-1869) et de Lyon (1883-1886). Les toilespeintesàl’ateliersontmarouflées,c’est-à-direcollées

sur un support avant leur mise en place. Commel’habitude est de mettre dans les étages lescollections de peinture, les panneaux sont dans lesescaliers. L’artiste veut mettre en condition lespectateur pour les œuvres d’art qu’il va voir. Ildécore aussi le Panthéon à Paris de (1874-1878). Ilfaut remarquer que le peintre donne à sainteGeneviève,patronnedeParis,lestraitsdesonépouseetinspiratrice,laprincesseCantacuzènequi,unefoisn’estpascoutume,devientbergère…

Lalumièredesteintes

Puvis opère la synthèse entre le romantisme deDelacroix et le classicisme d’Ingres. Certains de sesnus sont incontestablement inspirés des célèbresbaigneusesdecedernier.Sonœuvreoriginalepar latouche offre de savantes nuances dans le coloris etl’harmoniedes teintes.UntableaucommeLePauvrePêcheur (1881, voir ) a un grandretentissement : Seurat lui rend hommage dans unede ses toiles, Maillol le copie, Van Gogh et Gauguinl’admirent, Picasso s’en inspire. La renommée dePuvisdeChavannesesttellequ’unbanquetestoffertensonhonneurenjanvier1895.Toutlemondeestlà,quelsquesoientlescourantsartistiquesetlittéraires,Gauguin,RenoirouMallarmé,prèsde550personnessouslaprésidencedeRodin.

MortaumytheGustave!Après trois ans d’études aux Beaux-Arts, GustaveMoreau (1826-1898) séjourne en Italie de 1857 à1859, où il rencontre Degas. Il pratique ensuite lagrande peinture, celle d’histoire, et interprète à safaçon l’iconographie mythologique dansŒdipe et le

Sphinx(1864)etOrphée(1865).

UnsuccèsàenperdrelatêteToute la jeune génération d’écrivains l’admire et lesymbolisme se l’approprie. L’écrivain et journalisteincisif Jean Lorrain entretient une correspondanceaveclui.JoséphinPéladan,romancieretcritiqued’art,lui écrit sonadmirationet lepriedeparticiperà sesSalons. Huysmans, dans le manuel de l’esthètedécadent À rebours (1884), en fait une descriptionenthousiaste,parlede«mystiqueenpleinParis»etécrit des pages inoubliables sur L’Apparition (1876,voir ). La tête coupée et dégoulinante desang de saint Jean-Baptiste est offerte à Salomé,danseuseorientalerecouvertedelourdsbijoux.Ainsi,la fille du roi Hérode devient un des personnagesemblématiquesdelafindusiècle.

L’écrivain suédois August Strindberg proposeJoséphinPéladanpourleNobeldelittérature!Fécond auteur de romans – près de 8 000pagespoursasuitede laDécadencelatine –,d’ouvrages de philosophie occulte etd’innombrables articles de critique d’art,Péladan marque son époque. Son romanL’Initiation sentimentale est pillé parD’Annunzio dans L’Enfant de volupté, unclassique en format de poche présent danstoutes les gares italiennes. Non seulementl’écrivainestcopié,maisaussimoquépourson

dandysme et son catholicisme pittoresque.Outre des chroniques de salons toujourspleinesd’intérêt,ilsaitfaireparlerdeluidansla presse : à une époque où les termeshébraïques sont très « tendance » il se faitappeler le Sâr, le « prince » en hébreu (leprénom Sara, « princesse », est encore fortcourant).Péladan fonde un ordre de la Rose-Croix, uncercle de discussion plutôt qu’une secte. SesSalons artistiques connaissent un vif succès.Toutn’yestpasbon :quelquesamis imposéspardesmécènessontaussiexposés.Onpeutainsi semoquer d’une Tête présentée par uncertainDeneux…

Mondieu,quelleheureest-il?Moreauestmanifestementsurprisetunpeugênéparl’admiration de tous ces jeunes gens un rienencombrants.Ilcontinuesonœuvreensolitaire,sansque cela l’empêche de devenir le professeur denombreusescélébrités.

Le peintre sait revisiter lamythologie gréco-romainede façon imprévue etmaniériste dans des paysagesimpossibles.OncitesouventlamoqueriedeDegas:ilmet « des chaînes de montres aux dieux del’Olympe », même si elle prouve surtout que Degasn’avaitriencomprisaucharmeoniriquedestoilesdeMoreau. Sa peinture visionnaire séduira aussi bienDalíqueBreton,quiraconteavoireuunedesesplusgrandes émotions artistiques au musée GustaveMoreau.Cetancienhôtelfamilialetatelierdel’artisteestcertainementundesendroits lesplusenvoûtants

deParis.

RedondenseOdilon Redon (1840-1916) est un artiste multiformequiutilisedefaçonoriginaleledessin,l’estampeetlapeinture.

Ilcrèchedansuneétable!Il est initié à la gravure par le curieux RodolpheBresdin (1822-1885)quivitdansuneétablepeupléedetoutessortesd’animauxet,àParis,dansungrenierqu’il transforme en jardin avec sources. Graveur degénie,ilgagnesavieenvendantsesœuvres,qu’iltireavec du cirage et une brosse à souliers. Lesbrocanteurs les renégocient comme des épreuvesoriginales de Rembrandt ! À bonne école, Redon sefixe à Paris, rencontre Corot et voyage en HollandepouradmirerRembrandtsurplace.L’année1879voitlapublicationdesonpremieralbumde lithographiesintitulé Le Rêve. À la recherche de « la beautéhumaine avec le prestige de la pensée », il trouvel’impressionnisme « trop bas de plafond » et passeulementparcequelecielestgris!

Unesoumissiondocile

De1883à1889,en signededeuil après lamortdesonpremierfilsJean,Redonneseconsacreplusqu’àla lithographie en noir et blanc. Il appelle d’ailleurs« Noirs » l’ensemble de son œuvre, fusains etlithographies. Pourmettre « la logique du visible auservice de l’invisible », l’artiste utilise le pastel,méthodequ’il pousseà laperfectionavecdeseffetsd’une rare intensité. Il décore la bibliothèque del’abbayedeFontfroide,propriétédesonamiGustave

Fayet,dontonnedirajamaisassezlerôledemécène,ycomprispourGauguin.

Les peintres nabis et d’autres comme Paul Sérusier,Édouard Vuillard, Maurice Denis lui consacrent uneexpositiond’ensemble en1899.Une célèbre formulede Redon annonce déjà le surréalisme et le XXesiècle :«Riennese faitenartpar lavolontéseule.Tout se fait par la soumission docile à la venue del’inconscient.»

EndehorsdenosfrontièresLesymbolismegagneduterraincheznosvoisins.Ilserépand dans toute l’Europe : en Allemagne avecFriedrichMaximilianvonKlingerouFranzvonStuck ;enBelgiqueavecJeanDelvilleetFernandKhnopff;enSuisse avec Ferdinand Hodler ; aux Pays-Bas et enIndonésie avec Jan Toorop, artiste aux figureshumainesoniriquesdansunenchevêtrementvégétal.

Symbolismegermanique:vonStuck,BöcklinL’œuvre des symbolistes de culture germaniquecomme l’Allemand von Stuck ou le Suisse ArnoldBöcklin est fort admirée de leur vivant. Mais il fautattendre la fin les années 1970 pour leurredécouverte.

Arnold Böcklin (1827-1901), malgré une expositionrécente aumusée d’Orsay, ne survit guère dans lesmémoiresqueparlescopiesqu’enafaitesGiorgioDeChirico. Il sait pourtant créer un univers étrange et

obsédant, en renouvelant la mythologie gréco-romaine.LescinqversionsdesonÎledesmorts(1880-1886) aux cyprès funèbres sont toujoursabondammentreproduites.

LepeintreFranzvonStuck(1863-1928)nedéparepasdans l’étrangeté : dans sa toile Le Péché, une belletentatrice dénudée porte un boa autour du cou,l’animal en chair et en peau, sans truc en plume.L’œuvresertencoreàd’innombrablesadaptationsdepochettesdeDVD.Maislepeintreestdéjàvictimedushow-business depuis les années 1930. Quand, eneffet,WaltDisney rassemblebonnombred’ouvragesd’arteuropéens,vonStuckyfigureenbonneplaceetcertainspaysagesinquiétantsetlesjeunesfaunesdeFantasialuidoiventquelquechose.

Partant des mêmes constats que ceux desréalistes français, naît à Londres en 1848 laconfrérie des préraphaélites. Selon eux,Raphaël, à l’origine de l’idéalisation, estresponsable de l’éloignement progressif de lapeintureparrapportàlavie.Pouryremédier,il faut revenir à une manière de peindred’avantRaphaëletdevenirainsipréraphaélite.Ils entrent également en réaction contre unesociété victorienne rigoureuse, bourgeoise etindustrielle. Les peintres préraphaélites vontdonc chercher leurs sujets dans le passé :

légendes saxonnes, Bible et chevalerie duMoyen Âge. Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)estàl’originedecemouvement.Onluidoit La Rencontre de Dante et de Béatrice(1859).À ses côtés, Sir Edward Burne-Jones (1833-1898) annonce le symbolisme, avec parexemple sa Roue de la fortunee (1883). Ladénonciation des valeurs bourgeoises et duprogrès industriel trouve aussi son illustrationchez William Morris (1834-1896) qui décorel’OxfordUniondescènesde la légendeduroiArthur. L’artiste ouvre en 1861 un atelier dedécoration qui contribue au développementdans toute l’Europe de l’art nouveau desannées 1890 et 1900 et sera à l’origine dumouvementArts andCrafts.Ces ateliers sontune réaction artisanale et humaine àl’industrialisation et à la division du travail.L’hommeestaucentredel’atelierquidéclinedesactivitésàl’ancienne:papierpeint, livresillustrés,vitrail…Difficile cependant d’être primitifs au XIXesiècle : les préraphaélites ne font que passeretlaissentàlapostéritéunhéritagecontrasté.Outre le symbolisme, lemouvement Arts andCrafts poussé à ses extrêmes donne lesdécorateursd’intérieurpourl’industriedeluxeet le design : « dessin » et « dessein, plan,esquisse», le termedésignedans lesannées1960 une esthétique des objets de tous lesjours. Leur concepteur, à la fois artiste etingénieur, s’emploie à rendre l’objet beau etpratique d’utilisation. Un exemple célèbre estla bouteille en verre de Coca-Cola, créée en

1915parleFrançaisRaymondLoewy.

D’unpaysplattoniqueLa Belgique est une terre d’élection du symbolisme.Certainsdesmeilleursreprésentantsdececourantenlittérature sont Maurice Maeterlinck ou GeorgesRodenbach;enpeinture,JeanDelvillecommeauteurde grandes toiles allégoriques pendant que FernandKhnopff(1858-1921)apporteunetouchehyperréalistequi mène droit au cauchemar, dans ses visions devillesdésertesousespersonnages fantomatiquesdefemmesvoiléesettroublantes.

La Suisse n’est pas en reste avec Ferdinand Hodler,l’un de ses rares peintres à être reconnuinternationalement,quiinventeleparallélisme.

IdoledelaperversitéJean Delville (1867-1953) reprend des thèmesreligieuxouallégoriquesenleurdonnantunéclairageétrange. Son Idole de la perversité est une œuvresignificative saluée par ceux qui furent appelés lesdécadents,etlesanciensélèvesdephiloapprécierontl’auteurd’uneÉcoledePlaton.

Le peintre participe aux Salons de la Rose-Croix quifontdécouvrirdestalentsreprésentatifsd’uncourant.Ilyachezluiunréelsensdumouvementetunsouffleépique. Le sublime d’une époque frise souvent leridicule de la suivante.Delville, parfois à la limite, yéchappe pourtant. Le Triomphe de Satan,hallucination sous-marine avec homme-pieuvre etentrelacsdecorpsféminins,rappelleledessinateurdescience-fictionPhilippeDruillet.

Cimesorganisées

Ferdinand Hodler (1853-1918) évolue del’académisme au symbolisme avec Les Las de vivre(1892), Les Âmes déçues (vers 1895). Considéréecomme « obscène » à l’exposition municipale deGenève,LaNuitrencontreleplusvifsuccèsàParisauSalon du Champ-de-Mars ! Le peintre séjourned’ailleurs deuxmois dans la capitale et y donne sonAutoportraitparisien.LaNuitestremarquablepourunprocédé nommé le parallélisme, que Hodler utiliseabondamment. Il le définit comme « toute sorte derépétition de forme, associée à des répétitions decouleurs ». Ses peintures monumentales et sespaysages de montagne donnent une forteexpressivité, en mêlant structures parallèles etnuances de couleurs, parfois ramenées à lamonochromie. L’artiste crée aussi certaines desœuvreslesplusangoissantesdetoutelapeinture,ensefaisantletémoindelaluttecontrelamort,danslasérieconsacréeàl’agoniedesacompagneen1915.

SacréGauguin!

La vie de Gauguin peut faire croire que les destinshors pair sont héréditaires : samère était la fille deFlora Tristan, prestigieuse figure du socialismeutopique et du féminisme, originaire du Pérou.PourtantnéàParis, PaulGauguin (1848-1903)passeune partie de son enfance au Pérou (1851-1855),avantderevenirenFrance.En1865,ils’engagedansla marine comme pilotin, élève officier, et voyage

dans le monde entier jusqu’en 1871, année oùl’artistedevientagentdechangeparunerelationdesamère.En1873,gagnantfortbiensavie,ilsemarieavecuneDanoisequi luidonnedesenfantset…dessoucis.Ilcollectionnelestableauximpressionnisteset,sur les conseils de Pissarro, se met lui-même à lapeinture. Un premier paysage, accepté au Salon de1876, connaît déjà un beau succès. Sa vocationtardive devient toute sa vie : le peintre abandonnesontravaillucratifetsafamille!

PauseàPont-AvenGauguin ne tient pas en place ! Ses escapades àRouen (1884) et au Danemark (1887) sontentrecoupéesd’escalesbretonnes.Àl’automne1888,après un séjour tumultueux auprès de Vincent VanGoghàArles,lepeintreretourneenBretagne.C’estàn’enpasdouterdanscetterégionqu’estnélepeintreGauguin. Les touristes encombrent déjà les rues dePont-Aven, aussi se retire-t-il au Pouldu, dans uneaubergeaubordde lamer, faceau large,de1889à1890.

Sonstyleetson influencefontnaître l’écoledePont-Aven. De ses séjours intermittents, celui de juin àoctobre 1888, avec Émile Bernard et sa sœurMadeleine,estdécisif.DecetteépoquedateLaVisionaprès le sermon, étape importante de la modernité,où l’inspiration mêle les estampes japonaises et lescalvaires bretons. Élève de l’académie Julian, uncertainSérusierpeintsousladirectiondeGauguinetsurlecouvercled’uneboîtedecigaresletableaucultedetouteunegénérationd’artistes,celledesnabis:LePaysage du bois d’Amour. Tous les ouvrages d’artcitent le légendaire commentaire : « des couleurs

puresenuncertainordreassemblées»!

DeserrancesGauguin retrouve à nouveau son instinct d’erranceversdescieuxpluslointains.Commel’avionetleclubMed ne sont pas encore inventés, aller à laMartinique,avecsongrandamiCharlesLaval (1887)ou à Tahiti (1891-1893) constituent de véritableséquipées. Entre ces voyages, il fréquente les cerclessymbolistes parisiens, avant de retourner à Tahiti de1895à1901.

Françoise Dumont, conservateur du muséed’Artmoderneetd’artcontemporaindeLiègeenBelgique,Jean-JacquesBarloy,ornithologue,et Michel Raynal, cryptozoologue (étude desespèces inconnues) se trouvent un pointcommundansleursdisciplinesenGauguin.Lepeintre passe les dernières années de sa viedans l’île de Tahiti où il donne en 1902 LeSorcierd’Hiva-Oa,ouLeMarquisienà la caperouge. Gauguin peint dans un angle de sontableau un chien attrapant un volatile. Nosspécialistes s’interrogent sur la présence decetoiseaumystérieuxpasencoreclassifiéauxMarquises. La toile de Gauguin apporte peut-êtreaussi lacausede la raréfaction,sinondeladisparitiondecetoiseauaptère,c’est-à-dire

sans ailes. Trouver une trace de cet oiseauinconnufortrecherchéestmoinsspectaculaireque d’avoir la preuve de l’existence du yéti,mais cela est presque aussi extraordinairepour nos scientifiques. L’art trouve doncparfoisuneutilitéà laquelleonnes’attendaitpas.

Tahiti,c’estfini!Quand Gauguin arrive à Tahiti (voir ),malade et déprimé, l’art tahitien est bienmoribond.Lesmissionnaires sontpasséspar là et ont renversélestikis, lesstatuessacrées.Lepeintrevaensauverl’espritetypuiserun renouvellementdecouleursetde sensations pour l’art moderne. De cette époquedate son chef-d’œuvre D’où venons-nous ? Quesommes-nous?Oùallons-nous?

Soutenu par quelques amis comme Gustave Fayet,l’artiste sort de la gêne financière mais pas destracasseries de l’administration et des autoritésreligieuses, jusqu’à samort auxMarquises dans l’îled’Hiva-Oa, le 8 mai 1903. Un nouveau destinposthume l’attend, grâce au peintre Georges Danielde Monfreid (1856-1929), le père de l’écrivainaventurier.Amifidèle,bailleurdefondsetconfident,ilcontribue en tant qu’exécuteur testamentaire à faireconnaîtrel’œuvredeGauguin.

L’un des premiers disciples, Charles Laval(1861-1894), voyage et manie la pelle et lapioche avec Gauguin. Les travaux forcés, çacrée des liens : tous deux se retrouvent auPanamaentraindecreuser lecanalavantderejoindre la Martinique. Laval épouseMadeleine, la sœur d’Émile Bernard, pourlaquelle Gauguin éprouve un penchant. Ellel’accompagneauCaire,soignesatuberculose,dont l’artiste meurt en 1894. Elle-mêmel’attrapeetdécèdeen1895.L’œuvredeLaval,peunombreusecarilétaitperfectionniste,estmiseauxenchèresàsamort.Debonsesprits,historiens d’art et commissaires-priseurs,pensent qu’elle figure à l’heure actuellefrauduleusementsouslasignaturedeGauguin.

MerciBernard

L’œuvre d’Émile Bernard (1868-1941) a eu denombreux aspects : orientaliste, réaliste, symboliste.Entré en 1884 à l’académie Cormon où il rencontreToulouse-LautrecetVanGogh, lepeintreest renvoyéen 1886 ! Pour se consoler, il fait un voyage enBretagne,alorsvéritableterred’accueildesartistes.Ilexpérimente différentes techniques, impressionnismeoupointillisme,etrêved’introduire lesymbolismeenpeinture. Imprégnédemysticisme, l’artiste cloisonnesesplanscoloréscommeenvitrail.Gauguins’inspiredesontravailetfaitdelagravureaveclui.

On retient son nom surtout pour ses écrits et sa

correspondance avec de nombreux artistes, unesource importante d’informations pour les historiensde l’art. Hélas, Émile Bernard n’occupe absolumentpas la place qu’il mérite dans l’art français,notammentpoursonœuvretardive.Àredécouvrir.

Lepenseuretlavague:RodinetCamilleClaudel

Auguste Rodin (1840-1917) est un bon exemple dugénie allié au travail. Il se forme avec Barye, lesculpteur animalier, et avec Albert Carrier-Belleuse(1824-1887), le sculpteur des femmes-fleurs. Enfantdupeuple, ilconfie :«Lanécessitédevivrem’afaitapprendretouteslespartiesdemonmétier.J’aifaitlamiseaupoint,dégrossidesmarbres,despierres,desornements,desbijouxchezunorfèvre.»

Lemaître ne sait pas résister au charme féminin : ilséduit et se laisse séduire. Il a une relationtumultueuse avec son élève Camille Claudel (1864-1943), la sœur du poète Paul Claudel. Cette femmesculpteur voit, ces dernières années, son œuvrereveniraupremierplan.

L’hommedanstoussesétatsRodinsefaitremarquerdescritiquesparl’Hommeaunez cassé (1864), puis, au fil du temps, par denombreuxbustesdecélébritéscommeAntoninProust,ministredesBeaux-artsen1881(c’est-à-direministredelaCulturebienavantMalraux),dusculpteurDalououdeVictorHugo.

LePenseurEn 1877, Le Vaincu est présenté au Salon de 1880sous letitredeL’Âged’airain.En1900, laversionenplâtre devient L’Homme qui s’éveille. Cette œuvredéclencheunpremierscandale.Lemodeléestsibienfait, l’œuvre si vivante, que le public ne croit pas àunesculpturemaisàunmoulage.

L’œuvre de sa vie doit être une portemonumentalecommandée par l’État pour une salle dumusée desArtsdécoratifs.Lesujetest inspiréde«L’Enfer»deDante.Rodin,telMichel-Angedont ilpuiselavigueurdu modelé, crée divers groupes mais l’œuvredéfinitive ne voit jamais le jour. Chacun de cesfragments est une sculpture particulière : Ugolin etsesenfants,FrancescaetPaolodeRiminiqui,réaliséenmarbre, devient Le Baiser, et surtout Le Penseur(voir ), statueexposéeunmomentdevantlePanthéonpuistransportéeaumuséeRodin.

LebourreaudetravailRodin s’occupe dans le même temps de troismonuments:

pour Calais en 1895, le groupe des Bourgeois, où chaquefigureestcampéedansuneattitudeoriginale; la statue du peintre Bastien Lepage pour la ville deDamvillersen1889; lastatuedupeintreClaudeGelléedit leLorrainpourNancyen1892.

De 1890 à 1900, trois autres monuments sontdestinés au continent américain, dont la statue dugénéral Lynch pour les États-Unis. À côté de cesprestigieuses commandes, Rodin n’échappe pas à lapolémique comme avec la statue de Balzac,commandée par la Société des gens de lettres et

finalement refusée. Pendant l’Exposition universellede1900àParis,Rodinfaitconstruireunpavillonoùilexposeplusde200œuvres!En1906, il renvoiesonsecrétaire, le grand écrivain autrichien Rainer MariaRilke (1875-1926) qui appelle Rodin « le maîtreinépuisable».Pasrancunier,Rilkerestesonamietluiconseille de louer l’hôtel Biron, près des Invalides,devenul’actuelmuséeRodin.

LapassionselonCamille:del’incompréhensionàlafolie

L’écrivain Octave Mirbeau disait qu’elle avait dugénie.LesculpteurCamilleClaudel (1864-1943)asuse libérer de l’influence de Rodin pour donner avecLesCauseuses ou LaVague uneœuvre puissante etoriginale.Sesétudesd’aprèsnaturesaventsehisserjusqu’aupluspursymbolisme.

Entréedans l’atelierdeRodin,elleest laproied’unedouloureusepassionpourluiquiestàl’originedesesœuvres les plus poignantes. L’artiste entendpoursuivrelasculpturelàoùMichel-Angel’alaissée!Sontalent l’amèneàtraiterdesmatériauxquen’oseaborder sonmaître, tel l’onyx. L’année1892marqueun tournant dans leur relation passionnelle et dansson art, dont l’originalité est jalousée et incomprise.Débute alors une lente déchéance vers la folie quil’envahit définitivement à partir de 1906. Elle rejointle panthéon des artistes géniaux et maudits, aprèsavoircréédesœuvreséternellescommeL’AbandonouL’Âge mûr, et survécu dans certaines sculptures deRodin,pourlesquelleselleaposé.IsabelleAdjani,quia avec le sculpteur une ressemblance frappante,donne au cinéma une remarquable interprétation de

l’artiste.

Danscettepartie…

Autraversdesesnombreuxcourantsartistiques, leXXe sièclesemble poser une question centrale : les limites entre chaquedomainedesbeaux-arts–peinture,sculpture,architecture–neméritent-ellespasd’êtrerepoussées?Lescritiquesparlentparexemple de « sculpture étendue ». Non pas étalée par terre(quoique…) mais au sens où cet art ne se réduit plus à destechniques traditionnelles comme le moulage ou la tailledirecte.Del’HéraclèsarcherdeBourdelleoudesnusdeMaillolàL’HommequimarchedeGiacomettiouplus radicalementauready-madedeDuchamp,l’artdevientundéfiauxconventions,tourneledosàlafiguration,utilisetouslesmatériauxetn’adecessed’envahirl’espace.Attendez-vousàbiendessurprises!

Danscechapitre:DesfauvesenlibertéDesartistesquijouentauxcubesUnbateauenpleinParisDelasculpturecommedessindanstouslessensWright,unarchitectemagicien

L’artmodernesurgitaudébutduXXesiècleavecuneséried’avant-gardesquiopèrentdegrandesruptures.Cependant, ces ruptures ne se font pas n’importecomment, elles s’intègrent dans le long chemin del’histoiredel’art.AinsiGeorgesDuthuit,critiqued’artet gendre de Matisse, dit qu’on ne peut pascomprendre la peinture de ce peintre et des fauvessans avoir assimilé l’art byzantin. Les peintrescubistes,eux,admirentFranciscodeZurbaránouPaulCézanne, et poussent plus avant leur géométrisationdes formes. En sculpture et en architecture, lesrecherches mènent à une simplification et unespiritualisationdesœuvres.

Quandlesfauvess’exposent

Mouvementdudébutdu siècle, le fauvisme pratiquela simplification des formes et des perspectives, lajuxtaposition des tons et couleurs purs avec uneprédilection pour le rouge. Il n’en reste pas moinsfidèle aux genres traditionnels que sont la naturemorte, le portrait ou lepaysage. L’abandondu reliefet des ombres amène nombre des artistes de cecourantàpratiquer l’artduvitrail,véritableélogedelalumièreetdescouleurs.On compte parmi eux Henri Matisse, André Derain,AlbertMarquet,GeorgesRouault,KeesVanDongen,etle Douanier Rousseau. On se croirait au musée del’Ermitage à Saint-Pétersbourg où l’abondance destoiles françaises signées de ces noms suscitenttoujours l’étonnement des touristes. Même si LouisValtat (1869-1952) a une influence trop oubliée surbeaucoup d’eux, et en particulier sur Matisse, c’estcependantcedernierquifaitfiguredechefdefiledumouvement.

En peinture, le XXe siècle débute trèsprécisémentle17octobre1905!Cejour-là,leGil Blas, une feuille républicaine littéraire etmondaine—toute ressemblance avec desjournauxactuelsestunhasard—faitparaîtreun bien ironique compte-rendu du dernier

Salon d’automne. Son auteur, le journalisteLouisVauxcelles,décritcequ’onvoyaitdanslasalleVIIsouslaverrièreduGrandPalais:«Aucentredelasalle,untorsed’enfantetunpetitbusteenmarbre,d’AlbertMarquequimodèleavecune sciencedélicate. La candeurde cesbustes surprend aumilieu de l’orgie des tonspurs:Donatellochezlesfauves.»Dans lagrande traditionducritique inventeurmalgré lui, Vauxcelles, qui n’est plus connuque pour ce bon mot (et un autre que l’onverra plus bas), avoue qu’il a entendu lablagued’unvisiteurinconnu.Lemouvementetlenomsontalorslancés:enpiste!

D’untonrougissant:MatisseLe peintre Matisse est né en 1869 au Cateau-Cambrésisoùilaunmuséeetestdécédéen1964àNice où il a un autre musée : il ne se doutaitcertainementpasqu’il serait tant«àmusée»aprèssamort. IlfaitdesséjoursauMarocqui lui inspiresasérie des Odalisques, dont L’Odalisque à la culotterouge(voir ),etdesIntérieurslumineux.Unmoyen de comprendre Matisse est de regarder lesœuvres qu’il achètemalgré des financesmodestes :des estampes japonaises (on pouvait encore entrouver pour pas trop cher), une étude de Cézanne,uneTêtedegarçondeGauguinetunplâtredeRodin.L’artorientalapparaîtradicalementautre;sansavionet sans télé, le Japon est alors véritablement uneautreplanète.

Papiersgouachéstrèsréussis

Duthuit est byzantinologue, spécialiste de l’artbyzantin. Imaginez la tête de la maman à qui sonfiston dit : « Plus tard je serai byzantinologue ! » Ilcompare judicieusement l’Intérieur aux aubergines(1911) de Matisse avec l’Apparition de saint Marc àVenise(vers1340),dontlestachesetformesdonnentlemêmerésultatsurlesgrandesnappescolorées.Lemotif et les couleurs prédominent sur le relief, avecune disparition des ombres. Lemaître s’intéresse eneffet aux autres traditions artistiques que celles del’Occident, comme l’art musulman, dont La Danse(1911) avec la guirlande des danseuses, par sesarabesquesharmonieuses,enestl’exempleparfait.Lamême interrogation sur l’art sacré le conduit àdécorerentièrementlachapelledeVence.Toujoursenquête,ilsetourneàlafindesavieversdescollagesdepapiergouaché.

Cyprèsdumiracle« Les idées ne suffisent pas, il faut le miracle »,s’exclameAndréDerain(1880-1954),peintre,graveuretsculpteur,quiaurafoiencequ’ilfaittoutesavie.Àl’académieCarrière, ilrencontreMauricedeVlaminck(1876-1958)etMatisse.Ensembleilssetournentversle fauvisme. L’artiste est aussi avecGeorgesBraqueetPabloPicassoundesdécouvreursde«l’arttribal»,appeléaujourd’hui«l’artpremier».AmideGuillaumeApollinaire (qui connaissait tout le monde), Derainillustre les récitsdeL’Enchanteurpourrissant. Jusqu’àlaPremièreGuerremondiale, lepeintreestdetoutesles expériences artistiques, avant de se tournerensuiteversunepeinture figurativeoù il faitchanterlacouleurdansdes toilessimples,commedéjàdansLesCyprès(1905).

Unfauveencave:Rouault

GeorgesRouault(1871-1958)voitlejouràParis,enfinfaçondeparler,car ilnaîtdansunecaveàBellevillependantla«semainesanglante»delaCommunedeParis(21-27mai1871)!Del’extérieurproviennentlesbruitsdescombatsetpasseununiqueraidelumière.Lepeintreditquec’estcesouvenirquiapparaîtdanscertaines de ses toiles. Son solide talent dedessinateur provient de sonmaître GustaveMoreau,dont il sera d’ailleurs le premier conservateur descollections léguéesà l’État.Si l’artiste resteà l’écartdufauvismeausensstrict,sonœuvreenestpourtantune des meilleures illustrations, avec toutefois desdifférences, notamment dans son utilisation descouleurssombresetsavolontémoralisatrice.Rouaultpeint par touches brillantes en couches superposéeset, d’un trait noir, cerne les figures, faisant ainsid’autantmieux resplendir la couleur, en souvenir duvitrailmédiéval.

Fréquentant l’abbaye de Ligugé, Rouault fait denombreusestoilesàsujetsreligieuxcommedesEccehomo, « voici l’homme », expression utilisée parPoncePilatepourprésenter leChristà la foule.Peut-êtreparcequ’il sesent lui-mêmeprochede la fin, lepeintre fait le bilan de son travail à 67 ans. Commecertainesdesesœuvresluiapparaissentimparfaites,il intenteuneactionen justicecontre leshéritiersdeson marchand de tableaux, le célèbre AmbroiseVollard,pourlesrécupérer.

Unprocèsretentissant(1939-1947)fait jurisprudencedans la démonstration de la liberté de l’artiste parrapport à son œuvre. Une fois ses 300 tableauxrécupérés, pensez-vous que Rouault les modifie,

commed’habitudelespeintresfontdesrepentirs,desretouchessurleurstoiles?Ehbien,non,illesdétruit!Un coup à déclencher un infarctus chez uncommissaire-priseur!

LamodernitéentreenfraudeavecleDouanierAufameuxSalond’automnede1905,lenaïfDouanierRousseau (1844-1910) expose sa toile Le Lion ayantfaim,quiestpeut-êtreà l’originedutermefauvisme.Mais en peignant ce qu’il croit voir, Henri Rousseaun’est ni douanier, ni naïf. Son art modested’autodidacte est salué par ses contemporains quivoient en lui un exemple d’artiste affranchi de latradition.

UnpeintredudimancheLeDouanierRousseaudoitsonsurnomàsontravailàlabarrièredel’octroi,oùilestchargédepercevoirlataxe sur les marchandises entrant dans Paris. Lepeintre est dit « naïf », car il est à la rencontre dedeuxcourants:

les arts et traditions populaires des peintresd’enseignes, d’ex-voto (on a longtemps dit«peintured’ex-voto»pourdésignerunecroûte),desartisanssansaucuneprétention; les peintres populaires du dimanche, stylechevreuilsdans les sous-boisetplaceduTertreàMontmartre.

Rousseauatellement foiensontalentqu’ilprendsaretraiteà49anspourseconsacrerentièrementàsonart.

Reçuàl’ÉlyséeLepoèteApollinairelelancedanslemondedel’artettoutelajeunegénérationd’artistes,unpeublagueurs,est alors invitée chez le Douanier. Cependant, ilpouvaitaussisemoquerdesmoqueurs.Sesnouveauxamis lui font croire qu’il est invité à l’Élysée. Quandlesfarceursluidemandentcommentcelas’estpassé,il racontemalicieusement sonaventure : «Quand jesuis arrivé, le Président était en discussion avec dehautespersonnalités. Ilestsortipourmedireenmetapantgentimentsurl’épaule:«MonvieuxRousseau,tun’espasentenuepour rentrerà l’Élysée.Maisnet’inquiètepas,j’aimebiencequetupeins.»»

Il faut voir de luiMoi-mêmeportrait-paysage (1890),LeRêve (1910),où,enplusd’uneauthentiquevisionpersonnelle, la végétation des serres du Jardin desPlantesdevientgrandiose,ainsiqueLaCharmeusedeserpents(1907,voir quirevisitelethèmesymbolistedelafemmeetduserpent.

Au Salon de 1910, une marine plutôtintéressanteestexposée.LeBénézit,l’ouvragede référence par excellence, le gigantesquerépertoire des artistes de tous les pays et detous les temps, donne le nom du créateur,Boronali,qui réussità lavendre400 francs-orquandunDufyvautdeuxpiècesdecentsous.

Qui est ce Boronali ? L’écrivain RolandDorgelès fournit la réponse dans son livreBouquet de Bohème : « Je songeais bien àlancer un peintre imaginaire, mais ce n’estencore qu’un projet confus. Il me manquaitl’essentiel : une trouvaille, une mystification,une blague énorme, qui rangerait d’un seulcoup les rieurs de mon côté. Brusquement,sans chercher, cela me vint à l’esprit : fairepeindreunanimal!».LepèreFrédé,lepatrondu cabaret Le Lapin agile possède un âne.Parfait, pas besoin de dressage comme pourunchien savant ! L’ânedes fables s’appelantAliboron, l’anagramme (la recomposition deslettres) fournit le nom : Boronali, avec un airitalien qui en fait un parfait futuriste. Lecanular atteint le grandiose avec le«Manifestedel’écoleexcessiviste»quifleurebonlepastichedeMarinetti,lechefdefiledumouvement futuriste : «Holàgrandspeintresexcessifs, mes frères. Holà ! pinceauxrénovateurs. Brisons la palette archaïque etposonslesprincipesdelapeinturededemain.Notre formule sera l’excessivisme. L’excès enartestuneforce[ça,c’estsuperbe!].Lesoleiln’est jamais trop ardent, le ciel trop vert, lamer trop rouge. Place au génie del’éblouissement ! Dévastons les musées,piétinons les routines, faisons un feu de joieavec les chefs-d’œuvre […] Réchauffons l’artdansl’étreintedenosbrasfumants!»Évidemment, lesbernésrefuseraientdecroireaucoupdel’âne.Doncilfautallerchercherunhuissierpourunconstat«àlafoiszoologiqueetpictural».Lascènevautledéplacement.On

attache un pinceau à la queue de l’âne Loloqui, gavé de choux et de carottes,manifesteson contentement en agitant son appendicecaudal. Il terminemême enmusique puisquele père Frédé se met à la guitare pourl’encourager.Etc’estainsiquenaîtEtlesoleils’endormitsurl’Adriatique.Onvoitmêmeunechose encore plus extraordinaire àMontmartre:l’huissierpayesatournée.

Forcerletrait:l’expressionnisme

L’influence des fauves se fait aussi sentir en dehorsde la France, sur le mouvement allemand enparticulier. L’expressionnisme est un courant qui sedéveloppe dans les pays germaniques, surtout enAllemagne, de 1900 à 1925. Il met en avant lasubjectivité, donc la sensibilité individuelle, enréaction à la transcription objective desimpressionnistes. Parmi les inspirateurs de cemouvement figure en bonne place le peintrenorvégienEdvardMunch.

Duderniercri:MunchVenu d’un impressionnisme mâtiné de symbolisme,EdvardMunch(1863-1944)secréeunstyleparticulierqu’onpourrait qualifier d’expressionniste. Sonœuvreplonge ses racines dans les thèmes décadents dusymbolisme, en particulier la peur morbide de lafemme, comme elle est exprimée dans Vampire(1893).

Munchexposeen1889àOslo110œuvres,avantunséjouràParisjusqu’en1892oùilfréquentel’atelierdeBonnat.GauguinaucaféVolpiniet l’impressionnismedeviennent des sources d’inspiration, mais l’artistechoisit de s’installer à Berlin. Son œuvrecaractéristique est son célèbre Cri dont il fait unecinquantainedeversions.Unpersonnagesurunpontlaisseéchapperuncridontonneconnaîtpaslacauseet,jusqu’aupaysage,toutel’œuvresembleparticiperàcetteangoisseparlejeudescourbesquiconvergentverslabouchedusujet.

Une terrible dépression frappe d’ailleurs Munch en1905etbrisesonélan.«Lamaladie,lafolieetlamortsontlesangesnoirsquiontveillésurmonberceauetm’ontaccompagnétoutemavie»,conclura-t-il.

En1898,Munchrencontreunejeunefille,TullaLarsen, qui veut l’épouser. Le peintre refuse,gêné qu’elle soit plus riche que lui. Un jour,des amis viennent le prévenir de la mort deTulla.Munchrentredanslachambremortuaireet voit le cadavre sur le lit. Brusquement lamorte se redresse ! Pensons à l’émoi de cetartiste qui a peint La Vampire ! Tulla pensaitcréer un choc salutaire chez l’artiste, en luifaisantprendreconsciencedesessentiments.Ben voyons ! Cris, dispute. Un coup de feu,partid’onnesaitoù,atteintMunchà lamain

gauche.Maisc’est surtout sonorgueilquiestblessé,carilnesemarierajamais!

Unenouvellefaçondefairelepont:DieBrückeLes expressionnistes s’attachent aux souffranceshumaines, notamment la difficulté à vivre en ville –déjà ! Les angoisses humaines s’expriment dans lesdéformations physiques des personnages, commedanslacaricaturemaissansl’aspecthumoristique.

Les artistes éprouvent aussi le désir d’aller versl’avenir et d’y découvrir de nouvelles possibilités : àcetégardlenomDieBrücke,quisignifie« lepont»,estsignificatifdelavolontédelaisserlatraditionsurl’autrerive.Cenomfaitaussisongeràcettelégendedu filmmuetNosferatu (1922) de Murnau : « Aprèsqu’il a franchi le pont, les fantômes vinrent à sarencontre.»

OutreMunch,lesjeunespeintresseréclamentd’EmilNolde (1867-1956), artiste isolé dont la touchecolorée, toute en suggestion, les séduit. Lesexpressionnistes découvrent également les artsafricains et océaniens dont Ernest Kirchner (1883-1970)reprendraàloisirlethèmedelafemmenubile.Letermeexpressionnisteleurestdonnétardivement,en1911.

LaguerredeSezessionautrichiennePour des gens qui admettent les recherches desartistes cubistes ou abstraits, les œuvres de la

Sezession autrichienne sont les pires productions«débutdesiècle»,àrangeraveclesacadémiquesetà vite oublier. Le public est choqué par lesdéformations expressionnistes des corps représentésdansdestonstranchés.

Maisattention,ils’agitd’une«sécession»quiatoutdemêmedenombreusespasserellesvers leshautessphères : l’empereur d’Autriche vient visiter lapremièreexposition.Lescommandesdemécènesnemanquentpas,cequiprouvequecesartistesnesontpas si en rupture avec leurs origines qu’une pieuselégendedoréepourraitlefairecroire.

Les peintres autrichiens Egon Schiele et OskarKokoschka sont les deux plus importants de cemouvement,avecGustavKlimt.

Vienne1900Les œuvres du décorateur et peintre Gustav Klimt(1862-1918)sonttypiquesde laSezessionviennoise,de ce que les Français et les Belges appellent l’artnouveau,lesAllemandsModernStiletlesAutrichiensJugendstil, alors que les Américains n’appellent pasmais achètent. Dans les années 1960, quand lemuséedeStrasbourgachètelesdessinspréparatoiresdeKlimtàlafrisedupalaisStocletdeBruxelles,c’estuntolléenFrance.Cetteœuvrepassaitencorepourlesommetdumauvaisgoûtetdukitsch!

Le travail de l’artiste plonge ses racines dans laVienne 1900 sur laquelle règnent les dieux jumeauxÉros et Thanatos, l’amour et la mort : le lourdmanteaud’orquienveloppe lecoupleenlacédans leBaiser provient des églises baroques, où lessquelettes des saints portent le même. Les fins desiècles se ressemblent, les débuts de siècles aussi :

peut-êtreest-cepourcelaquel’œuvredeKlimtestsipopulaireàl’heureactuelle.

Interditauxmineurs:Schiele

ÀlamortdeKlimt,c’estEgonSchiele(1890-1918)quidevientlafiguredeprouedel’avant-gardeviennoise.Apparaît alors vraiment le style expressionniste descorpscontorsionnésauxvêtementsmulticolores,avecla touche propre à l’artiste qui ajoute des mainsdisproportionnéesoudesyeuxexorbités.Lescandalese met de la partie quand Schiele est condamné àtroissemainesdeprisonpouravoirlaisséunemineurevoirsesœuvres.Lejugeordonnemêmequ’undessinsoitbrûlédanslasalledutribunal!

Prochedecestyle,ilyaKokoschka.Maissi laviedeSchiele est brève et intense, celle de Kokoschka, de1886 à 1980, est intense et longue, peupléed’activités diverses. Iil est à la fois peintre et auteurde théâtre, professeur à l’Académie de Dresde etvoyageur.

Planent sur cette fin de l’Autriche-Hongrie lesdieux jumeauxÉrosetThanatos.Cen’estpaspour rien que la psychanalyse est née àVienne ! Freud installe son cabinet au loyerbien au-dessus de ses moyens dans unimmeuble bâti sur l’emplacement duBurgtheater détruit par un incendie en 1881.La ville s’est profondément émue de cette

catastrophe qui a frappé la haute sociétéviennoise. L’impératrice d’Autriche Elisabeth,diteSissi,meurtassassinéeparundésespérédelasociété.Surnommée«l’impératricedelasolitude », elle est la plus belle femmed’Europe, une des plus torturéesmoralementaussi : anorexique, épuisant toute sa suitedans de longues courses en montagne,entourée d’amoureux, de malheurs et dedrames, comme lamortétrangede son fils àMayerling. Nous sommes bien loin del’interprétation de Romy Schneider dans lecélèbrefilm!Dans la toile de Klimt La Mort et la Vie, unsquelette ricanant veille et observe, tel qu’unange de la mort le ferait sur l’impératrice etsonempire.Lorsdelapremièrerencontreaveclepeintre, l’impératrice fait desanneaux.Elleest vêtue d’une robe de soie noire à longuequeue, ornée de plumes d’autruche, noireselles aussi. « Suspendue aux cordes, ellefaisait un effet fantastique, comme d’un êtreentre l’oiseau et le serpent », spectacle quiévoqueLePéché deFranzvonStuck, chefdela sécessionmunichoise, oubienL’Idole de laperversité de Jean Delville, un autre peintresymbolisteetdécadent.Toutescesfemmescruellesetfatalespeuplentl’art, Judith, Hérodiade souvent confondueavecsafilleSalomé.L’affichedeKlimtpourlapremièreexpositionde la sécessionviennoisede1898montreunThéséenuetathlétiquequitue le Minotaure. La censure exige que lanuditéduhérosgrecsoitcouverte,cequiestastucieusementfait.Érosrhabillé,Thanatos le

dieudelamortvarégnersanspartageàpartird’août1914.

Adultes,ilsjouentencoreauxcubes!

EnFrance,despeintrescommePicassoetBraquesontfascinésparl’utilisationdescouleurschezlesfauves.Ils n’ont cependant pas renoncé au volume, et laredécouvertedel’œuvredeCézanneaprèssamorten1906 va leur montrer la voie. Souvenez-vous del’extrait de la lettre du maître à Émile Bernardl’exhortantàtraiter lanaturedefaçongéométrique:PicassoetBraquevontcontinuer son travail et créerlecubisme,mouvement qui est encore considéré denos jours par le grand public comme marquant ledépartdel’artmoderne.

Alors,onseBraque?«M.Braqueestunjeunehommefortaudacieux.[…]Il méprise la forme, réduit tout, sites et figures etmaisons,àdesschémasgéométriques,àdescubes.»Notre ami le critique Vauxcelles a encore frappé :l’appellationcubismeestnée!

Lorsque Georges Braque (1882-1963), peintre,sculpteuretgraveur,revientduMidien1908avecsesMaisons à l’Estaque, il essuie un refus du Salond’automne. Sous le parrainage d’Apollinaire, l’artistemontre alors ses toiles à la galerie Daniel-HenryKahnweiler, marchand promis à un bel avenir. Cetteexposition va tout simplement être à l’origine du

mouvementcubiste.

En1907,auBateau-Lavoir,BraquerencontrePicasso,aveclequelilpartagesesrecherches.Ilsparticiperonttous les deux à la première grande exposition d’artmoderne aux États-Unis, à l’Armory Show, unearmurerie de New York en 1913. Durant la PremièreGuerremondiale, Braque estmobilisé et grièvementblessé sur le front. L’artiste est célèbre pour sesnaturesmortesetses«papierscollés», lescubistess’illustrant en effet par l’intégration de matièresdiverses à leur peinture. Il a réalisé les vitraux del’églisedeVarengeville-sur-Mer,letabernacledecelled’Assy, et également les médaillons de la salle desÉtrusques, seule décoration intérieure du XXe siècleauLouvre.

Pasd’anglemort:PicassoEn 1852, Ingres peint une Vénus à Paphos, œuvreremaniée et peut-être inachevée. Si le modèle posede trois quarts, le buste est peint de face dans uneperspective impossible. Le tout donne un portraitprécubiste qui ne peut que séduire le peintre PabloPicasso (1881-1973), monument sur lequel veillentdes héritiers attentifs, et pour cause, car il est depresque toutes les révolutions picturales du siècle !Picassopeintalorssessujetsdetellefaçonqueleursangles doivent être vus de tous les côtés enmêmetemps.

Desdemoisellesd’avantlefestival

1907 est une date importante pour… la viticulturecertes, avec la révolte des vignerons du Languedoc

contrelabibine,maisaussipourl’histoiredel’artavecLesDemoisellesd’Avignon. C’est la première grandetoilecubiste,sousinfluencedesartsprimitifs.

Le cubisme lui-même va évoluer jusqu’à la quasi-disparition du sujet. Picasso, pour mieux ancrer sestravauxauréel,vay incorporerdifférentsmatériaux.Braqueet Picassoen1907et 1908 se voyaient touslesjoursetontcrééunesortedesymbiose.Maissionparle de mouvement cubiste, c’est parce qu’ils nesontpasrestésisolés.

ToujoursenmouvementRobert Delaunay (1885-1941), Albert Gleizes (1881-1953)etFernandLéger(1881-1955)vontexposerauSalondesindépendantsen1911etsefaireconnaître.Alors que Braque et Picasso sont parvenus à unepeinture presque monochrome marron et gris, lecubisme de Léger va jouer sur les oppositions entrecouleurs et entre formes, par exemple Contraste deformesen1913,toutcommeceluideDelaunaydanssescombinaisonsmulticolores.

L’immeuble de la rue Ravignan (place Émile-Goudeau aujourd’hui) est construitbizarrement à cause de la dénivellation duterrain.Pouralleraudeuxièmeétagesurcour,il faut prendre un escalier et descendre unétage depuis la rue : logique, non ? Et onaurait voulu que les artistes respectent les

règles ! C’est au Bateau-Lavoir que nombred’artistes ont leur atelier au début du XXesiècle:Picassoparexempley logede1904à1908,etcréeLesDemoisellesd’Avignon.Lenomdebateauestdûàl’aspectétrangedela construction, plutôt un assemblage depoutresetdeplanches.Pour«lavoir»,lesavissont partagés : parce qu’il y n’a qu’un seulrobinet ? Ou parce que, comme les autresbateaux-lavoirs, il n’a aucune chance devoguer, les seuls à prendre le large étant lesartistesfauchés.

RodagescontreRodin:lasculptureRappelez-vous, le mot fauvisme est né d’unecomparaison avec une sculpture néoclassique. Il estintéressant de constater que l’organisateur del’exposition de 1905 n’a pas craint le mélange ! Lasculpture semble « retarder » sur l’évolution de lapeinture, peut-être parce que Rodin a encore uneprésence écrasante : tous les sculpteurs d’Europeviennentseformerchezlui!AinsiBourdelle,MailloletPomponpassent-ilsparl’atelierdumaître,pourtenterensuitededépassercettetraditionqu’il incarneavectantdetalent.

DudessindanstouslessensIlétaitunefoisàMontaubanun instituteurdebonnecomposition. Il surprendun jourunde sesélèves, lepetit Antoine, en train de le caricaturer. Comme il

pressent desdonsexceptionnels, il l’encouragedanssavocationartistique.

QuelBourdelle!Lenomdu jeuneprodige ?AntoineBourdelle (1861-1929),quideviendra le sculpteurduHéraclèsarcherquiorna tantdenoscahiersd’écriture.Pour lui, « lasculpture n’est pas autre chose que du dessin danstous les sens ». Lors de ses études à Paris, l’artistevenddesillustrationspourajouterquelquessousàlapensionaccordéepar lavilledeMontauban,où ilestné en 1861, d’un père ébéniste. Le sculpteur esttoujoursfieretdesesoriginesmodestesetdumétierpaternel,carilrevendiquelanoblessedutravailetlegoûtdumatériaunoble.

Bourdelle fait très tôt une série de sculptures sur lecompositeurallemandBeethovenquiprouveque,s’iln’a pas encore trouvé sa voie, il connaît déjà lamusique.

Ilestdetouteslestailles

Pourgagner sa vie,Bourdelle devient aussipraticienchez Rodin de 1893 à 1904. Le praticien est lapersonne chargée de tailler la pierre ou le marbrepour réaliser une œuvre conçue auparavant par lesculpteur. Vous ne pensiez tout de même pas quec’étaitRodinquipassaitdesheuresàmanierleciseaupourdégrossirunbloc?

Son Héraclès archer lui vaut la gloire au Salon de1909. Ses autres œuvres monumentales, leMonument auxmorts deMontceau-les-Mines commesonMonumentàAlvear à BuenosAires (1923) ou laVierge à l’offrande (1919) assurent sa renommée.

Après sa mort, un certain discrédit est jeté sur sontravail jugé trop grandiloquent et, comme souvent,l’artiste subit un temps de purgatoire avant que lapostériténeluirendesajusteplace.

AugmenterlevolumeL’artisanat est la première étape de l’art, une véritéqueconfirmeFrançoisPompon.Filsd’ébénistecommeBourdelle, il est également praticien chez Rodin etchezlessculpteurslesplusréputésdel’époque.Encedébutdesiècle,AristideMaillolpoursuit luiaussiuneœuvre figurative avec de savantes études devolumes.

L’artisteenMaillolLa découverte de Gauguin en 1889 ouvre denouveaux horizons à AristideMaillol (1861-1944). Lepeintretientàlafoisdespréraphaélitesetdesnabis,avecunesériedefemmesdeprofil.Sonidéalfémininva changer de gabarit et passer de la taille 38 à lataille 54 dans ses œuvres sculpturales visibles lorsd’une promenade au jardin des Tuileries (ce quiprouve encore une fois que Paris est un des plusbeaux musées à ciel ouvert). Le musée que lui aconsacrésonancienmodèle,DinaVierny,estaussiàdécouvriràParis.

C’estlePompon!OnsaitqueFrançoisPompon(1855-1933)travailleauSculpteur et saMuse (1894-1895) de Rodin ou à LaVague (1897-1902) deCamilleClaudel.Dès le débutdu siècle, il montre un intérêt particulier pour lasculpture animalière, en vogue depuis Barye. AuJardin des Plantes, le sculpteur commence sesmodèles sur son établi portatif, avant de les

paracheverdanssonatelier.«C’estlemouvementquidéterminelaforme,cequej’aiessayéderendre,c’estlesensdumouvement.»Ainsi,sonoursesttellementépuré que l’on dirait de l’art magique esquimau !Représentégrandeurnature,l’Oursblancrendcélèbreson créateur en 1922 au Salon d’automne.Imperturbableetconsidérantlagloireavecmodestie,Pomponcontinuesonœuvrejusqu’àsamorten1933.

UnearchitecturehabitéeL’architecture, enmatière d’innovation, n’est pas enreste à la charnière du XIXe et du XXe siècle. Unefigureprendlepassurtouteslesautres:FranckLloydWright(1867-1959).

Lorsqu’onparledelui,onpenseGuggenheimMuseum(1943)etMaisonsurlacascade(1936-1939).Ils’agiten effet de deux des bâtiments les plus connus del’architecturemoderne.Maisregardonsmieuxladatedenaissancedeleurconcepteur:lamodernitédontilestporteurremontebienplusloin!

AutodidactequisaitseconduireQuandWrightarriveàChicagoen1887,onestencoreen train de rebâtir la ville détruite par le grandincendie de 1871. Un ingénieur à la vocationd’architecteaicidespossibilitésouvertes,l’ingénieurpermettant à l’architecte de mieux comprendre lescontraintes techniques dues à l’utilisation intensivedesstructuresmétalliques.

En 1889, à l’âge de 20 ans,Wright se construit une

demeure à Oak Park, une « maison d’architecte »selon l’expression consacrée pour dire qu’il y inclutcertainesconceptionsoriginalescomme:

lesligneshorizontales; l’éclairagezénithal,par le toit,solutionque l’onretrouvera dans ses autres créations et dans lesconceptionsdesfutursmusées.

LapetitemaisondanslaprairieWrightveutunedemeureagréableàvivre,crééepourun habitant et pas seulement un fantasme detechnicien. Il dit bienqu’il privilégieunearchitecture« pratique dans tous ses détails, l’expressionauthentiqued’unepuissancedirectementappliquéeàunbut».En1893,l’artistes’installeàsoncompteetsa première commande est la maison Winslow,construite autour d’un arbre. Puis ce seront les« maisons de la prairie » aux toits plats en pentedouce,auxligneshorizontalesetauxverrescolorés.Ilsait aussi inclure à son travail très moderne deséléments de l’architecture néoclassique ou mêmeitalianisante,àlaPalladio.

RefuserdetenirleParisCertains font naître l’architecture moderne en 1894parcequec’estl’annéeoùFranckLloydWrightrefused’aller à l’École des beaux-arts de Paris, étapeobligatoireducursusd’unarchitecteaméricain.C’estpeu flatteur pour notre orgueil national, mais celamontrechezle jeunehommeunecertaineidéedelalibrecréation.Ses«maisonsdelaprairie»illustrerontsesthéoriesetsonsavoir-faire:intégrerl’architectureà sonmilieu en privilégiant l’habitat (maisonWillits,maison Fricke). Il sait se jouer des contraintes duclimat, il varie les hauteurs de plafond, il utilise degrandes baies pour la lumière, intègre et utilise les

possibilités offertes par les nouvelles technologiescommel’électricité.

Wrightl’EnchanteurWrightestunhommetoujourscapabledeseremettreen question, caractéristique de l’artiste véritable. En1909,ilquittetout,travailetfamille,pourvoyagerenEurope.

ExploitationagricoleIl y rencontre toutes lesavant-gardesarchitecturalesde l’époque. En1910, àBerlin, il travaille sur cequiseranomméleportfolioWismuth,sortedemanifestedessinédel’architecture.En1911,l’architectecréeuncomplexequi regroupeune fermeet des habitationspourlafamilleetlepersonnel,etquivadevenir,plusqu’uneexploitationagricole,unlieudevieévolutifetvivant comme une plante. Il le nomme Taliesin, dunom du prophète celtique plus connu sous celui deMerlin l’Enchanteur. Il sera rebâti en effet plusieursfois jusqu’à devenir une communauté quasimonastique.

Franchirlemurd’Uson

Homme sachant manier le paradoxe, autrecaractéristique du véritable créateur, Wright saitutiliser l’architecture traditionnelle, avec l’ImperialHoteldeTokyo (quidevait résisteraux tremblementsde terre) ou des demeures de Los Angeles inspiréesdes pyramides mayas. On parle à propos de sesmaisons belles, fonctionnelles et évolutives de«maisonusonienne».Ilnes’agitpasdedésignerunlieu parfaitement insonorisé, mais d’un néologisme,usonien, dérivé d’Usona pourUnited States of North

America.

Danscechapitre:DégusterdublancdeblancPrendrela«Klee-Duchamp»LadifférenceentrequelqueskilosdemétaletunOiseau

Le peintre Georges Braque écrivait au poèteGuillaume Apollinaire : « La peinture est de plus enplus proche de la poésie, maintenant que laphotographie l’a libérée du besoin de raconter unehistoire.»Peuàpeu,eneffet, lapeintureaquitté latraditionnelle figuration pour tendre à l’abstraction,véritableaboutissementdelamodernitéaudébutdusiècle.

Jusqu’à la Deuxième Guerre mondiale, Paris est lacapitale internationale des arts où tous les artistesviennent œuvrer. On créa d’ailleurs l’expression« école de Paris » plus pour marquer cette périodeque pour désigner un style. Durant tout ce chapitre,lesstylesetlesexpériencesfoisonnent!

Finie,lafiguration

Onpourraitpresquedirequel’abstractionaexistédetout temps : vous souvenez-vous d’Apelle et de sonconcours de traits ? L’abstraction s’est vraimentdéveloppée au XXe siècle, au point qu’elle apparaîtcommeunedesescaractéristiques;elleestpourtantnéed’un lentprocessusdeschématisationet l’étapevers l’abstraction représentée par Turner au siècleprécédent est significative, avec Crimson Clouds oùsurunfondclairsedétachentcinqtraînéesrouges.

L’art du XXe siècle a eu l’équivalent d’uneattaque cérébrale et ne s’est toujours pasremis de son Carré noir sur fond blanc ouQuadrangle (vers1913)etdesonCarréblancsur fondblanc (1918).AvecVassilyKandinskyet Piet Mondrian, Kazimir Malevitch (1878-1935) est le pionnier de l’art abstrait. Lepeintre parle de suprématisme pour désignercecourantvoulantfairedisparaîtrelesformes.Àpartirde1910,ilparticipeauxexpositionsdel’avant-garde russe, celleduValetdeCarreauen 1910 et celle dite de la Queue d’âne, enhommage à Boronali et, sur l’invitation deKandinsky, à la deuxième exposition en 1912du groupe Der Blaue Reiter. Sa peinturemonochrome atteint les limites del’abstraction. Il ne s’agit pas là d’un canularmais de l’aboutissement d’une logique

artistique où le tableau n’est plus qu’uneallusionautableau.

N’ymettrequelesformes

L’œuvre d’art ne cherche plus à exprimer uneressemblance, mais une forme, une idée ou unesensation. La tradition veut que Kandinsky aitdécouvert l’abstraction par une toile « d’uneextraordinaire beauté embrasée d’un rayonnementintérieur»,enfaitunedesespropresœuvresmiseàl’envers !Comme lephysicienNewtonetsapomme,après l’éclairdegénie,cesontdesannéesde labeurpourdécouvrirlagravitationuniverselle.

Déjàà l’originedugroupeDerBlaueReiteren1911,VassilyKandinsky(1866-1944),peintred’originerussenaturalisé allemand puis français, théorise dans sonlivreDuspiritueldans l’art un événementmarquant.Le premier, il inscrit au dos d’une ses œuvres« aquarelle abstraite » en 1910, bientôt suivi par leRusse Malevitch et le Néerlandais Mondrian. RobertDelaunay (1885-1941) et Frantisek Kupka (1871-1957), symboliste et tchèque, avec une solideformation artistique (autrement dit, pas un Tchèquesans provision) sont aussi sur lamême voie. Kupka,par exemple, s’intéresse à ces curieux appareils quipréfigurent le cinéma, aux noms rigolos comme lepraxinoscope ou le chronophotographe de Marey enforme de fusil – idéal pour se faire tirer le portrait –afinderendremouvementetlumière.

Kleepours’ouvriràl’abstraction

Au XIXe siècle, la difficulté est de faire rentrercertainespersonnalitéshorspair,commePicassoparexemple, dans les moules préétablis des écolescataloguées par la critique. Symbolisme, cubisme,expressionnisme, abstraction, le peintre suisse PaulKlee (1879-1940) passe de l’un à l’autre avecbonheur.

« L’art ne reproduit pas le visible, il rend visible »,déclare-t-il. Vous pourrez le citer en réponse à tousceuxquiunjouroul’autrevousfatiguerontàrépéterdans une exposition d’art contemporain : « Ça neressembleàrien.»

Klee participe aux activités du groupe Derblaue Reiter (Le Cavalier bleu), composénotamment de Franz Marc (1880-1916),AugustMacke (1887-1914)etKandinsky.Maispourquoi ce nom ? Il provient de Franz Marcqui aimait les chevaux et de Kandinsky quiaimait les cavaliers. Le nom du mouvementn’estdoncpasdû,commeonlecroitsouvent,à la toile homonyme de Kandinsky, ni de LaTourauxchevauxbleusouduChevalbleu deFranz Marc. Pourquoi des chevaux bleus ? Ilexistedeschevauxetilexistedubleu;siDieuaétédistraitenoubliantdefairedeschevauxbleus,ilestpossibleàl’artisted’yremédier.

Esquissespédagogiques

Artiste indépendant,Klee subit l’influencede l’Orientlorsd’unvoyageenTunisieen1914.Danssonjournal,ilprécise:«Lacouleurmetientjen’aiplusbesoindelapoursuivre […]moiet lacouleurne faisonsqu’un.Jesuispeintre.»

WalterGropius,fondateurduBauhaus,yappelleKleecommechargédecoursdelasectiontissageen1921,avantqu’iln’acceptelachairedetechniquepicturaleàDüsseldorf,dontlesnazislechasseronten1933enparlant à son propos d’« art dégénéré ». Son travaild’enseignantluiainspirésesEsquissespédagogiquesde1925,annéeoùilrejointlesurréalisme.

UnefindépouilléeDe sa première éducation musicale – ses parentsétaient musiciens, il avait lui-même épousé unepianiste – il a conservé le goût des comparaisonsentre la peinture et la musique, goût partagé avecKandinsky pour lequel un beau rouge devait sonnercomme un clairon. L’œuvre de Klee est multiforme,monochrome ou éclatante de lumière et de couleur.Dans ses dernières années, il intègre à sa peinturesignes, idéogrammes et chiffres, voulant fairefusionner langage et peinture et il va vers undépouillement et un intérêt pour ce qui n’est pasencorenommé«artbrut».

C’estLégermaisçapèseDe retour de la guerre, Fernand Léger (1881-1955)chercheaussiàcréerunepeinture représentativedumonde moderne sous d’autres formes figuratives.L’artisteadétruitsesœuvresdejeunesse,«lesLégerd’avantLéger»commeildisait.C’estunepositionquisedéfend,même légalementdepuisRouault,chacun

étantmaîtredesonœuvre.

LaviequotidienneEn1904,Légerditquelechocinitialpourluifutles42toiles de Cézanne exposées au Salon d’automne. Àpartir de 1907, il rencontre les grands noms de lapeinture comme Delaunay, Soutine, Chagall,Modigliani. Il a sa période cubistemais cherche desvoies personnelles. Cependant, la grande fracturepour toute sa génération est la Première Guerremondiale.Légerestmobilisédèsle2juillet1914.Decette période date la série de croquis pris sur le vifretraçantlaviemilitaire.LaPartiedecartes,peinteen1917aprèsqu’ilaétégazé,estprésentéeparLégercommelepremiertableauoù ilaprissonsujetdanslaviequotidienne.

Uncanondetoutebeauté

Léger découvre pendant la guerre la beauté de lamachineetl’importancedesformesgéométriquesquine sont parfaitement réalisées que par l’industriehumaine. « Je fus ébloui par une culasse de 75ouverteausoleil[…]ellem’enaplusapprispourmonévolution plastique que tous les musées du monde.Revenu de la guerre, j’ai continué à utiliser tout ceque j’avaissentiau front.»Leronddecetteculassede canon se retrouve souvent dans son œuvre, parexempledansLesDisques(1918).Lafigurehumaine,que Léger réintroduit dans la peinture, est elle aussisoumise aux formes géométriques. L’artiste inclutdans son œuvre la mécanique, si présente dans lemonde contemporain, ainsi que des élémentsindustriels comme des pans d’échafaudages, desfragmentsd’architectureouderéclames.

LagrandeparadeLégerpratiqueaussi l’artmonumentalde lapeinturemurale,endécorantparexemplepourLeCorbusierlepavillondel’Espritnouveauàl’Expositionde1925.Lefrontpopulairel’amèneàdegrandesscènesréalistes.Il raconte que la vue de jeunes dockers se baignantdansleportdeMarseilleadéclenché«toutlereste»,acrobates,musiciens,cyclistes.C’estaussiladernièrevision qu’il emporte de France, puisqu’il assiste àcette scène du pont du paquebot qui l’emmène auxÉtats-Unis jusqu’à la fin de la Deuxième Guerremondiale.Deretour,ildonneunetoileimportanteLaGrande Parade inspirée par le cirque, le « pays descercles en action » selon Léger (pensez à la culassede75de l’année1917).À la findesavie, ilexplorelespossibilitésdelacéramiqueàBiot,oùd’ailleursunmusée lui est consacré. Léger eut le souci detranscrirelaréalité,maisdansunstylefiguratif.

Àchacunsondada

Selon la tradition, le mot « dada » a été trouvé auhasarddansledictionnaire,pourdonnernaissanceen1916àZurichaudadaïsme.C’estainsiquequelquespersonnalités comme l’écrivain Tristan Tzara (1896-1963) et l’artiste Arp réagissent contre la guerre,tournant l’artendérisiondansunsoucid’abstractiondépouillée.

PlusieurscordesàsonArpQuand le sculpteur et peintre français Jean ou HansArp (1887-1966) naît à Strasbourg, l’Alsace est

allemande. Il rencontre Kandinsky à Munich etparticipe au groupeDer BlaueReiter, surtout par untravail pictural. Puis, à Zurich, l’artiste effectue sestout premiers collages. Essentiellement sculpteur, ilnecesseracependantjamaisd’arpenterlesroutesdela création sous d’autres formes, comme avec ses« papiers déchirés » et une œuvre graphiqueimportante.«Siquelqu’unadesoreilles,qu’ilvoie,siquelqu’un a des yeux, qu’il entende ! » dit-il dansJours effeuillés. Il participe à Paris, dans les annéesd’après-guerre,auxactivitésdugroupesurréaliste.Onpeut aujourd’hui admirer ses travaux à la fondationArpàClamart.

DesaquarellesencarrésetrectanglesOn ne peut pas parler d’Arp sans souligner le rôleimportant dans l’art moderne d’une des artistes lesplusintéressantesdumoment,lepeintreetsculpteurSophieTäuber(1889-1943),quifutsafemmeàpartirde 1922. Laissons Arp la présenter dans Jourseffeuillés : « En décembre 1915, j’ai rencontré àZurich Sophie Täuber qui s’était affranchie de l’artconventionnel.Déjàen1915,ellediviselasurfacedeses aquarelles en carrés et rectangles qu’ellejuxtaposedefaçonhorizontaleetperpendiculaire.Elleles construit commeun ouvragedemaçonnerie. Lescouleurssont lumineuses,allantdu jaune lepluscruaurouge,oubleuprofond.»

Déjàen1913,MarcelDuchamps’illustreavec

son premier ready-made, qui consiste en unsimpleassemblaged’objetsmanufacturés,afinde se moquer de la création artistique, déjàsacro-sainte ! L’artiste se reconnaît dans ledadaïsmeetparticipeaugroupedeNewYorkavec Man Ray et Francis Picabia, selon unetendancepluscritique.Le dadaïsme est bref, mais sa descendanceféconde.Tzaradissoutformellementlegroupeen 1922. De sa rencontre avec PhilippeSoupaultetAndréBretonetdel’éclatementdugroupedadaïstesurgitlesurréalisme.Siquelqu’unasuincarnerdadaetresterfidèleàsonespritanti-tout–etmêmeanti-dada–cefut bien Picabia. Il faut pour s’en convaincrelire les pamphlets mordants et savoureux desarevue391.

Enfincapitale:l’écoledeParis

L’expression«écoledeParis»aétéinventéedanslesannées1920parAndréWarnod(1885-1960),critiqued’art auFigaro, pour baptiser un groupe informel depeintresvivantdans lacapitaleautourde laRucheàMontparnasse et du Bateau-Lavoir à Montmartre. Ils’agit en effet plus d’une période que d’unmouvement.

Premiersdelaclasse

Sur ces années de création fertile, de nombreuxartistesarriventdetousleshorizonsgéographiques:du Japon (Léonard Foujita) à la Biélorussie (ChaïmSoutine) en passant par la Bulgarie (Jules Pascin) etl’Italie (Amedeo Modigliani). On y trouve encored’autres noms très connus tels Kees Van Dongen,MarcChagall,OssipZadkine,MoïseKisling, JuanGris,PietMondrianetPabloPicasso(quidécidémentestàclasserpartout).

En somme, du début du siècle à la fin des années1930,cetteécolecontribueàfairedeParislacapitalemondiale des arts. L’intérêt de cette « école » estd’avoir été ouverte à toutes les expériences et àtouteslesrecherchesayantmarquél’artdusiècle.

VoirParisetmourirAmedeo Modigliani (1884-1920) a une réputationtragiqued’artistemaudit. Pour le romanesque,notezquesongrandamour JeanneHébuternesesuicide lelendemaindesamort.En1906,aprèsavoirétudiélesbeaux-artsen Italie, l’artiste s’installeàPariset, dès1908, expose au Salon des indépendants avec lesfauves.SapremièreexpositionàlagalerieBertheWeilestferméepour«outrageàlapudeur».

Modigliani est aussi sculpteur, avec desœuvres auxvisagesallongésàl’ovalepur.Onyvoitl’influencedel’art africain baoulé pour le travail en grands panslisses;danscesportraitsdefemmesàlongscous,n’ya-t-ilpasaussiquelquessouvenirsdel’artkhmer?

DefortbeauxboisLecubismeinfluenceaussilessculpteursdel’écoledeParis. Les Russes Alexander Archipenko (1887-1964),Ossip Zadkine (1890-1967) et le Lituanien Jacques

Lipchitz (1891-1973) appliquent les principes deBraqueetdePicassoà leurœuvre tridimensionnelle.Zadkinemontrebiencommentlatradition,chezluilasculpture romane, peut vivifier la création avant-gardiste. Son atelier de la rue d’Assas a ététransforméenmusée,ainsiqueceluidesArques,dansleLot,oùsontexposésdefortbeauxbois,commeLaVilledétruite(1947-1954).

ChagallritNéenRussie,MarcChagall (1889-1985) s’installeenFranceen1910.Mobilisédanssonpays,ilseraaprèsla révolution d’Octobre un temps commissaire dupeupleauxBeaux-arts. Sa sourced’inspirationest latradition et le folklore juif, marquant son œuvre aucoindumerveilleuxpoétique.Lecharmecolorédesontravail luivalutdescommandesprestigieuses, tels lesiègedel’ONUàNewYork,leParlementisraélien.

L’académiqueJules-EugèneLenepveu(1819-1898)n’apaseudechance,carcesontsesprincipauxtravaux,l’escalier Daru du Louvre et son plafond de l’Opéra,quiontétérecouverts!Malraux,en1964,commandeen effet à Chagall un plafond pour l’Opéra Garnier.Celui-ciyreprésenteneufballetsetopéras,commeLaFlûte enchantée de Mozart ou Roméo et Juliette deBerlioz.

Onraconteàceproposuneanecdoteamusantesurlepeintre, qui a le mérite de souligner sa modestie.Chagall descendde son échafaudage et va déjeunerdans un bistrot du quartier, comme il en existaitencore à l’époque. À midi, le petit peuple parisiend’employés et de prolos vient y déjeuner. Chagall etsonfilss’installentàcôtéd’ouvriers.Lablousepleine

de taches, il est pris pour unpeintre enbâtiment etl’un d’eux lui demande : « Tu fais un chantier parici?»EtChagallderépondre:«Jerefaisunplafond.»

Unartistequitombeàpic:PicabiaLe père de Francis Picabia (1879-1953), consul deCubaenFrance,envoieun jourauSalondesartistesfrançais une toile de son fils intitulée Vue deMartigues. Non seulement celle-ci est reçue, maiségalementprimée.Picabias’inscritalorsàl’Écoledesarts décoratifs, fréquente l’École du Louvre etl’AcadémieHumbert,oùilacommecondisciplesMarieLaurencinetGeorgesBraque.

Lapeinture impressionniste luiest révéléeparSisleyet Pissarroen1897-1898. Il y excelle et sapremièreexpositionen1905estuntriomphe.Maisilsaitnepass’enfermerdansungenre.

Attrape-moisitupeux!

Plus jeune, Picabia répond à son grand-père, unpassionné qui lui affirme que la photographieremplacerait la peinture : « On pourra toutphotographier mais pas les idées que j’ai dans latête. » Et des idées et des convictions, il en aquelques-unes ! Une fortune personnelle l’aide àpouvoir les développer. L’abstraction est une façond’illustrer ces idées impossibles à photographier. SarencontreavecDuchampvers1911estdécisivepoursapropre inspiration.Avant laguerrede1914, il faitun séjour aux États-Unis, où il est accueilli enreprésentant de l’avant-garde européenne. Fascinéparlescouleursetlerythmedesvillesaméricaines,ilpeintàsonretourdegrandestoilescommeCatchas

catch can (Attrape comme tu peux), le nom d’unelutte-spectaclequieutsonheuredegloire.

OragemécaniquePicabiadéclareàcemoment:«NewYorkestlaseulevillecubisteaumonde, lacité futuriste.Elleexprimelapenséemodernedanssonarchitecture,savie,sonesprit.»Cetattraitpourlamodernitésymboliséeparla mécanique et la vitesse aboutissent à lareproduction d’épures techniques comme Voilà lafemme (1915)etVoilà la fillenéesansmère.Picabiapeut en même temps présenter ses recherchesabstraitesavecVolucelle, pur jeugraphique,etoffrirdes tableaux d’Espagnoles. Il peut passer de nusquasiment décalqués dans des revues légères, enprécurseur de l’hyperréalisme, à des peinturesabstraites.En1948,ilparticipeàuneexpositiondelaNon-FigurationpsychiqueavecHansHartung,GeorgesMathieu et Camille Bryen, unmouvement éphémèremais qui révèle le perpétuel bouillonnement d’idéesdanslequelilvivait.

Artmagiqueetmagiedel’art:lesurréalisme

Par les temps qui courent, il n’y a rien de plushorripilant que l’emploi commun du mot«surréaliste»poursignifier«irréel».Le«surréel»–lemotsurréalisme lui-mêmevientd’Apollinaire –estce qui est derrière le réel immédiat sans être dudomaine du divin (c’est une aspiration habituelle del’homme que de se poser ce genre de question dèsqu’ilal’estomacrempli).Pouroucontre,leXXesiècles’est défini à partir du surréalisme. Tous les artistesimportants ont fait partie du groupe ou ont gravité

autour.

LesManifestessontdes textesdont l’ondedechoc continue à agir. Le surréalisme est toutd’abord un mouvement littéraire né après laPremière Guerre mondiale que rejoint touteunepléiaded’artistes.L’écritureautomatique,caractéristique du mouvement, a ses racinesdans les pratiques spirites, même si l’attiraildes tables tournantes est abandonné. LeurconceptiondelabeautémoderneprovientdesPoésies de Lautréamont (1870) : « beaucomme la rencontre sur une table dedissection d’un parapluie et d’unemachine àcoudre».Résolumentmoderne,lemouvementchercheàintégrerlesdernièresrecherchesdela psychologie, avec la découverte del’inconscientàlaquelleserattachelapratiquede l’automatisme, l’exploration du rêve, lavaleur accordée au hasard et l’engagementpolitique.Le surréalisme veut modifier radicalement lemonde, il parvient en tout cas à modifierlargement notre vision de l’art. Unrassemblement de personnalités aussipassionnées et aussi fortes que PhilippeSoupault, Louis Aragon ou André Breton nepouvaitqueproduiredesétincelles. Jusqu’à lamortdecedernier,enoctobre1966,l’histoire

du groupe surréaliste est jalonnée de coupsd’éclat, de coups de gueule et de coups depied au derrière. Il y eut une véritableInternationale surréaliste et tout l’artcontemporainendériveplusoumoins.Artdesenfants, art des fous, arts primitifs, art naïf,c’estleméritedeBretonqued’avoirsuunifierces aspirations dans une vision harmonieusedumonde,un«Artmagique»pourreprendreletitred’undesesdernierslivres,peut-êtreleplusimportant.

EntenuedeGala:DalíLemouvement fut certainement l’écolede formationintellectuelle et artistique la plus brillante et la plusmouvementée du siècle. Parmi les noms que l’onrattache au surréalisme,même si leur appartenancen’aduréqu’un temps, il yaDalí. Il y rencontreGalaEluard, la femme du poète, qui ne tarde pas à lerejoindreetàdevenirsamuse.

Touche-à-toutPeintre, sculpteur, cinéaste et écrivain espagnol,Salvador Dalí (1904-1989) est une personnalitédécriéemaisquiafaitdesrecherchesintéressantes.Ilprouve que l’académisme n’est jamais mort : ilresurgittoujours.L’artistetoucheàtout:aucinémailatravaillépourHitchcocksurlesdécorsdeLaMaisondudocteurEdwardsetmêmepourDisneyen1946surlefilmDestino.

Ilestcertainqu’ileutlesensdelapublicité.En1955,devant faire une conférence à la Sorbonne, il arrivedansuneRollsnoireetjaunerempliedechoux-fleurs.

«Unchou,c’estunchou»,auraitpudireBretonquireprochait déjà à Dalí ses rapports avec l’art, troptournés vers le gain, et qui l’avait surnommé AvidaDollars,unanagrammedeSalvadorDali.

ParanoïacritiqueIl appelle paranoïa critique la vieille méthode dereproduirelesimagessuscitéesparlehasard,commeles taches sur un mur où l’on voit un visage. Lesartistes préhistoriques savaient déjà tirer parti desreliefsdelaparoi,commelerappelleLéonarddeVincidanssonTraitédelapeinture.

Il faut se souvenir de la vague chauvine quisuit la Première Guerre mondiale pourapprécierà sa justevaleur laparticipationdeMax Ernst (1891-1976) au mouvementfrançais. Il invente en 1925 la technique dufrottage : unemine de graphite qui court surune surface quelconque laisse apparaître desfigures curieuses, assez proche de ce queLéonard de Vinci écrivait sur l’interprétationdestaches.L’artistecréeaussidesurprenantscollages à partir de gravures animées. Lacréation se fait en effet à partir d’élémentsextérieurs,desgravuresparexemple,pourenfaireunmontagecréantuneœuvreoriginaleàpartir d’éléments faits par un autre ! C’est lamême démarche que celle deDuchamp avecsonÉgouttoir(voir )quidevientune

œuvre d’art. À partir de 1934, Ernst sculpte,s’adonnant entièrement à cet art en troisdimensions, lui qui avait cherché à intégrerl’espace dans ses tableaux en y incorporantdesobjets,parexempleunebarrière.Ilfutuntemps l’épouxdePeggyGuggenheim,dont lemuséeàVeniseestremarquableparsoncadreetsescollections.MaxErnstnemanquaitpasd’humour, il devint Satrape du Collège dePataphysiqueen1952,cequiest,parrapportaux titres de Dalí, une distinction tout à faithonorable.

Sapériodesurréalistecesseàlafindesannées1930,où ses prises de position en faveur de Franco et deHitlerconduisentàsonexclusiondumouvement.Sesidées politiques ne l’empêchent pas de vivre auxÉtats-Unisde1940à1948.Ilaoffertaugrandpublicunevisiontrèsédulcoréedesthèmessurréalistes,deChiricoàErnst,maisenconservantlechocquisurgitdurapprochementincongruentredeuxobjets.

Ilestàcraindrequesacélébritésoitplusenrapportavec son apparition dans une pub pour le chocolatLanvin,quepoursontalent.ÊtredécoréparFrancodelaCroixd’IsabellelacatholiqueetdevenirmarquisdePubol, c’estune fin curieusepourunartisted’avant-garde.

PrendrelacléDuchampSelon Marcel Duchamp (1887-1968), « le grandennemi de l’art, c’est le bon goût ». En 1912, ilprésente leNu descendant un escalier au Salon desindépendantsdeParis.Duchampmarquel’artparune

réflexion simple : c’est l’artiste qui décide de ce quiestoun’estpasœuvred’art.

MadeinDuchamp

LaRouedebicyclettede1913poséesuruntabouretdecuisineinaugurelesready-mades.Désormais,toutobjet manufacturé peut être déclaré œuvre d’art etune postérité trop sérieuse tarira le filon. Un simplebidet renversé baptisé La Fontaine sera refusé à ladouaneaméricaineetparune institutionartistiqueàlaquelle l’artiste en fait don. Il présente ensuite LaMariéemise à nu par ses célibataires, et en 1942 àNewYork,ilestparmilesorganisateursdel’expositionsurréaliste. Un de nos ready-made préférés est celuique l’artiste offre à sa sœur en cadeau demariage,vivement recommandé pour son faible coût : « unmanueldegéométrieàmettresursonbalcondesorteque le vent tourne les pages et choisisse lesproblèmesqueletempssechargeraitderésoudre».

Proche du surréalisme, Frida Kahlo est uneartistemexicaine(1907-1954,voir ).Trotsky fut séduit par son charme et Breton,quidisaitd’ellequ’elleétait«unrubanautourd’une bombe », admira son œuvre picturale.Avoir su séduire deux hommes d’une telleenvergure n’est pas rien, sans parler de sonmari Diego Rivera, grande figure du

mouvement muraliste qui voulait par sapeinture de fresques enseigner l’art etl’histoireaupeuple.Souventsesautoportraitset ses peintures puisent dans le fondsmythologiquedesculturesamérindiennes.Parle choc des images, elle donne une œuvrepersonnelleetsurréaliste.

LHOOQPas mal non plus dans le genre humoristique : laJoconde avec une moustache intitulée LHOOQ (lesauteurs signalent qu’il faut épeler les lettres etconseillentd’éviterdelefaireàvoixhaute,surtoutenpublic). Il fautsavoirqueMarcelDuchamp fut joueurd’échecs,uneactivitéqui se rapprochebeaucoupdel’art par ses savantes combinaisons. Sur sa tombeàRouen figure cette épitaphe : « D’ailleurs, c’esttoujours les autres qui meurent. » On pourrait diresansexagérerquetoutl’artmoderneetcontemporainprovientduready-madedeDuchamp.

Nomd’unepipe:MagritteUnviolonistedegénie,àquiondemandaitsonsecret,répondait : « J’ai horreur du violon. » René Magritte(1898-1967) est peut-être un bon peintre parce qu’iln’éprouvepasdeplaisiràpeindre!C’est ladistancede ses toiles qui fait que le spectateur éprouve unchoc.L’espritestassezprochedeceluiducollageetfait surgir entre les objets des rapports inattendus,allant parfois jusqu’à l’illusion d’optique. Le peintresaiteneffetprendrel’imageaupiègedesmots.

Unede ses célèbres toiles représenteunepipe et lalégende dit : « Ceci n’est pas une pipe. » Cela

surprend lespectateurquisedit :«Maissi,ceciestunepipe» jusqu’àcequ’ils’amusedesonerreurensedisant:«Maisaufond,c’estvrai,ceciestl’imaged’unepipe.»

Dans lamythologie grecque, Pandore avait en gardeune boîte et l’interdiction de l’ouvrir. Évidemment lajeunefillepassaoutre,et l’ouvrit.Lesmaladiesquiyétaientenferméesserépandirentalorssur lemonde.L’art,c’estunpeuuneboîtedePandore.Maisqu’ya-t-il à l’intérieur : de la beauté, de la lucidité, del’inquiétude ? Magritte raconte qu’à côté de sonberceau,ilyavaitunecaissefermée,qu’ilreproduiradanscertainesdesestoiles.Ilauraitbienvoulusavoirce qu’il y avait à l’intérieur et de cette interrogationvientsongoûtpourlemystère.

UnMiróquiadel’œilCatalan,JoanMiró(1893-1983)apartagésonactivitéentre la Franceet l’Espagne. LiéavecPicasso, PierreReverdy,figureduParisintellectueldesannées1920,etTristanTzara,ilfaitpartiedumouvementdada.Sonexposition de 1925 est ensuite un temps fort dusurréalisme. Le point d’orgue en sera ses Intérieurshollandaisoùsurdesà-platsdecouleurapparaissentarabesquesetmotifsmi-familiers,telunchien,oumi-fantastiques comme cet ectoplasme musicien. Sasérie des Constellations a illustré le dernier recueild’AndréBretonde22gouachesaccompagnantles22prosespoétiques.Miróutiliseaussilecollage,inventéparErnst.Lithographe,céramiste,sculpteur,ilexploreles diverses voies de la création. L’artiste s’essayeaussiàlapeinturemuraleauxÉtats-Unis,àCincinnati,et à l’université de Harvard. En 1956, il décore lesiègedel’UnescoàParis.

Unesculptured’étendueOutre l’intéressante œuvre sculptée de peintrescomme Picasso, Miró ou encore Duchamp, lesprincipaux sculpteurs de cettepériodedonnentdansl’étendue, de l’araignée de Bourgeois à l’oiseau deBrancusi. Cedernier est le fondateur de la sculpturemoderne par ses recherches formelles quiabandonnent l’héritage de Rodin, tout ens’acheminantversl’abstraction.

Iln’yapasquelapeinturedansl’abstraction,il y a aussi des sculptures abstraites. Aprèstout, si on y songe, chez Michel-Ange, lesœuvres inachevées cherchentdéjààne jouerque sur la suggestion. Le Russe VladimirTatline (1885-1953) sculpte ses Reliefs, sesContre-reliefs et ses Reliefs d’angle. Cettesculpture rêve même d’être monumentale etarchitecturale : Tatline fait un Projet demonumentàlaTroisièmeInternationalequiestlamaquettede25mètresd’unimmeublerêvéde400mètresdehaut.Le terme se décline en abstractiongéométrique, à laquelleon rattacheMondrianouVictorVasarelyouenabstractionlyriqueoùprend place Kandinsky. Le public habitué enOccident à quelques milliers d’années de

représentationduréeletplutôtdéshabituédel’utilisationdessymbolesadumalàretrouverquelque chose comme des fleurs, surtoutdéforméespardescubistes.

UnRaydelumièreManRay(1890-1976)estcertesconnupoursontalentdephotographe,maisilaégalementuneactivitétrèsintéressante de peintre, lui qui disait : « Je peins ceque je ne peux pas photographier. » Mêlé à tout lemouvement intellectuel d’entre-deux-guerres, il suttoucher le grand public par une œuvre oùs’entremêlent lapeinture, l’objet-sculpture(ouready-made)etphotographie.

BourgeoismaisartisteNéeen1911àParis,LouiseBourgeoiss’installeàNewYork en 1938. Elle a fait partie de la mouvancesurréaliste,fréquentantBreton,Duchamp,Miró…Maisc’est son exposition en 1966 qui la fait vraimentdécouvrir. Peintre, dessinatrice, sculpteur, l’artiste adenombreusesrétrospectivesdesonœuvre,commeen 1985 à Paris. Laissez-vous aller à contemplerMaman, une sculpture de bronze, d’acier inoxydableetdemarbrereprésentantunearaignéeavecsonsacd’œufs.Sesdimensionsmonumentales(9,27×8,91×10,24 mètres) font qu’il n’est pas sûr que tous lesspectateurs y voient une image rassurante de lamaternité ! L’exemple de Bourgeois montre biencommentlesurréalismefécondeencorel’artd’après-guerre.

Auxmartyrsd’OradourL’EspagnolApel.lesFenosa(1899-1988)naîtavecunprénomcélèbre leprédisposantà lapeinture,mais ilchoisit la sculpture ! Objecteur de conscience, ils’exile en France à partir de 1920, où il rencontrePicasso et Max Jacob. Sa première exposition a lieutoutdemêmeàBarceloneen1929,puisl’artistefuitànouveaul’Espagneaprèslavictoirefranquiste.

Auteurd’œuvresdepetit format, l’artiste réalise sonchef-d’œuvre, le monument Aux martyrs d’Oradourqui est enfin installé à Oradour-sur-Glane, ce villageduLimousinquiestàlaFrancecequeGuernicaestàl’Espagne. Fenosa avait rédigé cette légende pourcette femme dont les flammes dévorent les jambes.« Ici/Des hommes/firent à leur mère/Et à toutes lesfemmes laplusgrave/injure/Ilsn’épargnèrentpas lesenfants.»

Justeunbaiser:Brancusi

En 1927, un scandale rend le Roumain ConstantinBrancusi(1876-1957)célèbre.Sasculptureenbronzepoli, l’Oiseau dans l’espace, est arrêtée par lesdouanes américaines. Elles refusent de la laisserrentrer au motif que ce n’est pas une œuvre d’art,mais du métal passible d’acquitter une taxed’importation de 200 dollars. La presse américainepose laquestion :«Est-cede l’art ?»Leprocèsquis’ensuit est celui de l’art moderne. Mais en 1928Brancusiobtientgaindecause:sonœuvren’estpasuntasdeferraille,maisbienuneœuvred’art!

Dès 1907, avec Le Baiser représentant deux blocs

s’enlaçant,Brancusichercheàconserveraumatériausa forme originale, prenant ainsi à contre-pied lavolonté de Michel-Ange d’accoucher l’œuvre de lapierre.Ilprivilégielaformeovale,intègrelesocleàlasculptureetrenouvellelapolychromiedelasculpturepar l’utilisation dematériaux différents. Le sculpteurtravaille sur les formes géométriques comme LaColonnesans fin (1920)pour renouveler lanotiondedynamique,avecdesformessimples:«Lasimplicitén’est pas un but dans l’art, mais on arrive à lasimplicitémalgrésoiens’approchantdusensréeldeschoses.»

Marchandsd’utopie:l’architecturemoderne

Au XIXe siècle, le poète anglais William Morris,fondateurdumouvementArtandCrafts,voulaitdéjàque l’art réponde aux besoins de la société, enabolissantladistinctionavecl’artisanat.Danslecadrede la reconstruction d’après la Première Guerremondiale surgit leBauhaus, une école d’architecturedésireuse de concilier dans une nouvelle visionartistiquelesartsplastiques,l’artisanatetl’industrie.

Quant à Le Corbusier, il renoue avec les grandesambitions humanistes de créer une échelle deproportions pour en tirer une harmonie visuelle quiguide la création de l’architecte vers une radieuseutopie.

Deshautsetdesbas:leBauhaus

Le Bauhaus est cette école d’architecture et d’artsappliqués qui constitue une révolution dansl’architecture du XXe siècle. L’expression allemandesignifie « la maison de la construction ». Sonfondateur, Walter Gropius (1883-1969), prend pourexempleleschantiersdescathédralesduMoyenÂge.

L’espritdesynthèseLes architectes du Bauhaus rejettent les détailsornementaux. Ils veulent retrouver la simplicité et lapureté d’une architecture classique, et en mêmetemps réaliser la synthèse de l’industrie, des arts etde l’artisanat. L’époque se prête bien à la créationd’éléments préfabriqués. Le but est de créer uneharmonieentrel’esthétiqueetlatechnique.

Parmi les enseignants, il y a les noms les plusimportantsdumomentcommeKandinsky,de1922à1933, Klee, Mies van der Rohe ou Moholy-Nagy de1923 à 1928, qui créa ensuite en Amérique le NewBauhaus. On parlera d’International Style, styleinternational vous l’avez compris, à propos de laversionaméricaineduBauhaus:blanc,gris,beigeounoir, avec des plans de niveau ouverts, des façadeslissesetdesformesdecubes.

Inversiondesvaleurs

La postérité des idées et des formes est parfoisinattendue:autantlestyledupremierBauhausétaitdans la mouvance du grand renouveau socialiste etrévolutionnaire qui suit la révolution allemande de1918-1923, autant le style international passe pourl’incarnationdu capitalisme triomphant. Tout passe…

Et la gloire du monde, et les idées des architectes.L’influencedecetteécolesefaitaussisentirdanslesarts plastiques, comme le constructivisme, ce stylequi regroupe toutes les tendances de l’art abstraitgéométrique.

LaCitéradieuse:LeCorbusierCharles-Édouard Jeanneret-Gris (1887-1965) prend lesurnom de Le Corbusier pour se différencier d’uncousin,lui-mêmearchitecte.Ilfaitde1907à1911sontour d’Europe comme auparavant les jeunes artistesfaisaient leur voyage en Italie. L’artiste fut peintre,mais soucieux de montrer son autonomie et de sedémarquer du cubisme, il crée son propremouvement, le purisme, appellation un rienambitieux.

UnearchitectureencinqpointsDe ses expériences architecturales de 1922 à 1929demeurent la maison Cook à Boulogne-sur-Seine(1926), la villa Stein à Garches (1927) ou la villaSavoye à Poissy (1929), qui reste sa construction laplus célèbre, et la cité Frugès à Pessac près deBordeaux.

Le Corbusier théorise cinq points pour unearchitecturenouvelle:

pilotis;toit-jardin;planlibre;fenêtreenlongueur;façadelibre.

Àpartirde1945,ilsefaitlechampiondel’habitatenhauteur et de l’utilisation du béton avec deuxréussites d’« unités d’habitation » – qui n’ont rien à

voiravecdesbarreshideuses–àMarseilleen1945etRezé,àcôtédeNantes,en1952.

TouteunevilleOutre la chapelle de Ronchamp, Le Corbusier peutmontrer non seulement ses talents d’architectemaisaussi d’urbaniste en créant une ville entière,Chandigarh, lanouvellecapitaleduPendjab.Lesavissont toujours partagés. Pour certains, les utopiesdevraient rester sur le papier ; pour d’autres, c’estune réussite architecturale conforme à la fameusecharte d’Athènes : « Habiter, travailler, se recréer,circuler », en ayant su s’adapter aux conditionsclimatiques indiennes. Universellement admiréecomme un maître, son œuvre est pourtant malaccueillie du public et nombre de ses projets sontrefusés.

EntouteproportionLeCorbusierestaussil’auteurd’uneœuvrethéoriqueimportante. En 1948, son premier essai Le Modulorportesurlesmodulesarchitecturauxetleursrapportsaveclesmesuresdel’homme,dansunsoucid’établirdes proportions harmonieuses entre habitat ethabitants. Le Modulor présente aussi un moyen dedépasser les deux systèmes demesure auxquels seheurte un architecte, le système anglo-saxon et lesystèmemétrique.

Suit, en 1955,La parole est aux usagers, titre peut-êtrerisquéquandonsongeàlaréceptiondéfavorabledecertainsprojetspardeshabitantssurtoutdésireuxde retrouver leur cadre de vie d’avant-guerre. LeCorbusierendit :«Lanatureestmathématique, leschefs-d’œuvre de l’art […] expriment les lois de lanature et ils s’en servent. » Mais il ne s’agit passeulementderecherchesabstraites,carLeCorbusier

pense aussi à la « normalisation », aussi importantepour l’harmonie que pour l’urgence de lareconstruction.

Danscechapitre:ParisseratoujoursParisAvoirPignonsurrueDel’artbrutdebrut

À la première Biennale de Paris en octobre 1959,MalrauxprésentePariscommele«phareéterneldesarts ». Le ministre de la Culture ne craignait pasl’emphase…Maisilestvraiqu’àcettedate,lacapitalen’a pas démérité depuis des décennies, accueillantdesartistesvenusdetouslescoinsdel’Europeetdumonde. Les figures des avant-gardes de la premièremoitiédusiècle–Picasso,Chagall,Léger,Matisse…–sontalorsreconnues.

Fairechanterlapeinture:l’abstractionlyrique

En 1941, en pleine guerre, l’exposition « Vingtpeintres de tradition française » à la galerie Braunmontrequelamodernitéestdéjàunetradition!Ilya

là Alfred Manessier (1911-1993), Édouard Pignon(1905-1993),JeanBazaineetMauriceEstève.

Abstractiond’originecontrôlée

Jean Bazaine (1904-2001) se revendique de la non-figuration, tout en critiquant l’art abstrait dans sesNotessurlapeintured’aujourd’hui(1948):«Ilfautsesitueràl’intersectiondetouteslessensations,detousles sentiments : là où réside le secret de l’univers.C’est pourquoi je refuse l’abstraction pure. » Cettepositionestassezreprésentativedespeintresquivontsuivre, car, lors du triomphe de l’abstractiongéométrique, certains artistes se lancent dans denouvellesrecherches.

ToutfeutoutflammeÀ sa première exposition personnelle en 1932, JeanBazaine reçoit déjà les encouragements du peintrePierre Bonnard. Puis il expose de 1942 à 1948 à lagalerieLouisCarréencompagniedeCharlesLapicque(1898-1988),EstèveetJacquesVillon(1875-1963),deson vrai nom Gaston Duchamp, le frère de MarcelDuchamp, et de Raymond Duchamp-Villon (1876-1918).Àpartirde1950,l’artisteveutrendrelanaturepar une peinture de hachures pleine de couleurs,agitéedeflammes,emplied’espacesdelumièredansOrageau jardin etDans l’arbre ténébreux. Il a aussiréalisé d’importantes œuvres monumentales commelamosaïqueàl’Unesco(1960),surlepaquebotencoreappelé France (1961) ou à la Maison de la radio(1963).

EstèveavecdeuxailesMaurice Estève (1904-2001), lui, a « l’impression de

partir en voyage dans un monde inconnu ». Belledéclarationpourquiveutêtreartiste.CesontChardin,CorotetCourbetqui lui fontdécouvrirsavocation.À23 ans, il fait le chemin contraire de Picasso enpartant pour l’Espagne diriger un atelier de dessindansunefabriquedetissus.En1937,l’artistedécorele pavillon de l’Aviation pour l’Expositioninternationale de Paris, avant d’être de la fameuseexpositionde1941àlagalerieBraun.

Estèveabordetouslesgrandsmouvementspicturauxdusiècle,puistrouvesonproprechemin.SonTrophéede 1952 témoigne d’un style entre abstraction etfiguration, aux couleurs vives. En 1986, l’expositionauxgaleriesnationalesduGrandPalaiset lacréationl’annéesuivantedesonmuséeàBourgesconsacrentsonœuvre.

Paul Rebeyrolle (1926-2005) s’installe à Parisdès la Libération et s’initie à la peinture enfréquentantsalonsetexpositions.Ilparticipeàdes expositions mais sans passer parl’enseignement des Beaux-Arts, préférantresterautodidacteetindépendant.Enréactionaux événements de Hongrie et aux positionsduParticommunistefaceàlaguerred’Algérie,le peintre le quitte en 1956 comme bonnombre d’intellectuels. Sa toile intitulée Àbientôt j’espère est le signedecette rupture.Retiréà lacampagne, ilconsacresavieàses

recherches, en conservant son engagementpolitique, comme en témoignent les titresévocateurs Guérilleros, Coexistences, LesPrisonniersouClones.Sesonzegrandestoilesexposées à la galerie Maeght en 1972s’intitulentLesChiens– lechienestl’exempleanimal de la victime – et sont une synthèseentre le « réalisme expressionniste » de sesdébuts et ses recherches plus récentes avecl’incorporationdediversmatériaux.Rebeyrolleconfiaitàun journaliste :«Leplusgranddesgéniesne fait pasdes chefs-d’œuvre tous lesjours, mais de temps en temps un tableauindispensable.»

Réuniond’informelsÀ la même période, en 1947, l’exposition« L’Imaginaire » de la galerie du Luxembourg lanceofficiellement l’abstraction lyrique, où s’illustrerontHansHartung,GeorgesMathieu,PierreSoulages.Onyrattachelespeintres informels,commeJeanDubuffetou Jean Fautrier. La critique d’art crée également leterme de tachisme que l’on retrouve parfois pourdésigner tous ces peintres teintés de surréalisme etrefusantl’abstractiongéométrique.

TravailaunoirInstallé aux Baléares depuis 1932, le peintre HansHartung (1904-1989) crée ses premières Tachesd’encre. Il incarne l’abstraction lyriqueen1947avecsestoilesdramatiques.Onparlesouventàsonproposdepeintre«dunoiretde lacouleur»,quandPierreSoulages(néen1919)sevoitdéfinicommelepeintre« du noir et de l’outrenoir ». Ses œuvres jouent en

effet avec des motifs sombres sur des surfacescolorées, recréant une calligraphie personnelle. Parexemple, un ensemble de peintures, constitué detoiles recouvertesde lamême teintenoiremaisà latechniqued’applicationdifférente, faitque la lumièrejoueaveclesstriesoulesépaisseurs.

À côté de la non-figuration, la peinturefigurative revient avec des artistes commeAndré Fougeron (1913-1998) ou Nicolas deStaël (1914-1955). Ce dernier, ébloui par unmatchdefootball,exposeParcdesPrincesauSalon de mai, en 1952. Son retour à lafigurationfaitscandale.De formation classique à l’Académie royaledesbeaux-artsdeBruxelles,lepeintrevoyageenEuropeetenAfriqueduNord,oùd’ailleursilretournera après s’être engagé commebeaucoupdeRussesdanslaLégionétrangère.Installé à Marseille, de Staël rencontre diversartistes surréalistes et s’interroge sur lapeinture figurative. Il y a une influenceexpressionniste dans son œuvre, due à untravaildelamatièreenpleinepâte.Préoccupépar ses recherches, l’artiste se suicide en1965, laissant une œuvre considérable : soncatalogueparuen1968donneplusde1000

références.

Revenirdel’enferSculpteur, graveur, illustrateur, Jean Fautrier (1898-1964) passe pour être venu à l’abstraction parl’enfer!Pasdepanique,ils’agitdelacommandequeluipasseMalrauxpour illustrerL’EnferdeDante.SesOtages en 1945 aboutissent à la notion d’informel,bientôt reprise par le plasticien et écrivain JeanDubuffet (1901-1985) qui mélange égalementl’abstractionetlesélémentsfiguratifs.«L’artnevientpas se coucher dans les lits qu’on a faits pour lui. »L’artiste s’interrogesur le sensde la culture, jusqu’àarrêtertouteactivitéartistique.Ildécouvrecependantl’artbrut,cetartquepratiquentceuxquinesontpasdes professionnels (médiums, fous, vous et nous) etfonde alors à New York la Compagnie de l’art brutavecBreton.

Entrel’Hourloupe

L’Hourloupe (1963), le chef-d’œuvre deDubuffet, estnéd’ungribouillage,undecesdessinsgriffonnésentéléphonant. Pourquoi ce mot bizarre ? L’artisterépond : « Je l’associais à « hurler », « hululer »,«loup»,«RiquetàlaHouppe»etletitreLeHorladulivre de Maupassant inspiré d’égarement mental. »Sur un fond noir, et on pense au miroir noir desmagiciens,ildécouvreunevisionnouvelle.Quelques-unes de ses déclarations rappellent celles desfuturistes italiens : « Le peu de goût que je ressenspour ces morgues d’embaumement que sont lesmusées.Leurnomdéjà,avecsaréférenceàl’imbécilenotiongréco-latinedesmusesditassezquelvent lespousse. Je suis fort persuadé de l’action stérilisante

despompesculturelles.»

Immenseetdivers,àl’imageduXXesiècleetde ses bouleversements, Pablo Picasso estdéjààParisen1900,alorsâgéde19ans.Onparle pour sa jeunesse plus particulièrementde deuxpériodes, la « bleue » en 1904 et la«rose»,de1904à1907(rienàvoiravecdescouleurs « garçon » et « fille »). Puis sousl’influencedel’artnègreoudessculpturesdesIbères, ce peuple de l’Espagne antique, ilchangesamanièreetvaversuneœuvreplusschématiqueetessentielle.Lecubismeestnéde ces recherches sur le volume et a donnéLesDemoisellesd’Avignon.MaisPicassoneseréduit pas à ce courant, il expose un tempsavec les surréalistes. Breton parle de sapeinture « convulsive ». L’apogée de sonœuvre est sans doute Guernica (voir) avec nombre d’œuvres qui en sont

déclinéescommeLaFemmequipleure.Aprèsla guerre, c’est La Joie de vivre qui montrel’autre face de Picasso, éternel chercheur etdécouvreurdemerveilles.

Bandeàpart:quelquesartistesdanslesiècle

Nous allons ici découvrir des individualitésdifficilementrattachablesàunmouvement,ouquiontsu faire œuvre d’originalité. On peut dire qu’à unmomentouàunautre, cesartistesontaccompagnélesurréalisme,outoutaumoinsétéinfluencésparlui.Lesfortespersonnalitésontdumalàrentrerdansdescasesbiendéterminées!

Larecréationcommence:BalthusBalthazarKlossowskideRola,ditBalthus(1908-2001),a un père critique d’art, ce qui lui permet d’êtreplongé dans ce monde tout petit. Ainsi, il rencontreRaymondRoussel,AndréDerainetPierreBonnard,unpeintre dont l’influence a plus marqué son époquequ’onnelecroit.

Balthus peint dès l’âge de 16 ans et rencontre enSuisse le poète Rilke qui fait publier ses premiersdessins et les préface (Mitsou : quarante images,1921). Il fait sa première exposition en 1934. Aussibienapparentéauréalismefantastiqueallemand(Dix,Grosz, Beckmann) ou à celui du groupe Forcesnouvelles (1935) qu’au surréalisme, il se lieégalement avec l’écrivain Antonin Artaud et lesculpteurAlbertoGiacometti.

Après1940,l’artistecréecequ’onaappelél’érotismeintimiste de Balthus, où il lie l’audace érotique à larigueurclassiquede lacomposition.Lepeintre laisse

uneœuvrequimetmalàl’aiseenrestantfascinante,car ses modèles expriment un érotisme froid assezangoissant.Directeurdel’AcadémiedeFranceàRomede 1961 à 1977, la grande culture picturale deBalthus, jamais étalée, a cependant marqué sonœuvre,sansplagiatnicitation,maisenrecréation.

Desremarquesoriginales:AlechinskyNéen1927,PierreAlechinskyfiguredès1945danslaJeunePeintureBelge.De1948à1951,agitlegroupeCobra, dont le nom est créé à partir des premièreslettres de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam,constitué de jeunes artistes d’Europe du Nord qu’ilrejoint.Sensibleauxnouvellestendances,l’artisteestséduituntempspar l’actionpainting, cemouvementauxfrontièresimprécisesquimetl’accentsurl’actiondepeindre.

Alechinsky s’intéresse aussi à la gravure et à lacalligraphie, auxquelles il consacre même un filmintitulé Calligraphie japonaise (1955). L’influenceorientalesefaitsentirdanstoutesonœuvreabstraite,notammentparl’utilisationdelatechniquedusupportposé horizontalement sur le sol. L’artiste n’hésitejamais à se remettre en question, en adoptant parexemple,lorsdesonséjourauxÉtats-Unisen1965,latechnique de la peinture acrylique qui lui sertd’ailleurs à créer des tableaux entourés de« remarques originales », c’est-à-dire de motifs ennoirouencouleurs.

Quandonaunrendez-vousauministèredelaCulture,l’attentedanslesalonestdéjàenrichissante,carc’estAlechinskyquil’adécoré.

Encorpstorturés:Bacon

Autre figure à part de l’art moderne, le peintrebritannique Francis Bacon (1909-1992) quitte safamilleà16anspourrejoindreLondres,puisBerlinetParis.Lavisited’uneexpositiondePicassoluimontrelavoieetilréalisedansl’enthousiasmesespremièresœuvres,dessinsetaquarelles.

À 20 ans, de retour à Londres, Bacon expose sestoiles.Ilaaussiunecarrièrededécorateurd’intérieur.Mais le peintre devient très vite célèbre et peut àpartirde1944seconsacrerentièrementàsonœuvreaux corps torturés. Ses personnages montrent descorps et des visages déformés qui, à travers lesincessants mouvements de la décomposition,recherchent une unité. Ses mondes clos veulentsymboliser la destinée humaine loin de touteharmonie. Il part souvent d’un motif iconographiquepréexistant, comme l’Autoportrait de Van Gogh, LePape Innocent X de Vélasquez ou encore utilise lafemme hurlante du film Le Cuirassé Potemkined’Eisenstein lorsque le landau avec un enfant àl’intérieurdévalelesescaliersd’Odessa.

Les œuvres du peintre et sculpteur d’origineitalienne Raymond Moretti (1931-2005)figurentparmilesplusréputées.IlaréaliséparexemplepourlejoaillierVacheronlamontrelaplus chère du monde au nom si grec, laKallista, du grec kalos, le beau. Pendant une

vingtaine d’années, l’artiste a fait la une duMagazine littéraire ! Non pas en tantqu’écrivain,maiscommeillustrateur.On luidoitainsitouteunegaleriedeportraitscontemporains des grands auteurs. Moretticréeaussilagrandecroixoccitanequ’ilyasurla place du Capitole à Toulouse et la grandefresque de 200 mètres carrés du Forum desHallesretraçantl’histoiredel’humanité.

Sansformatlissé:Rothko

Marc Rothko (1903-1970), de son vrai nom MarcusRothkowitz,estaméricaind’originerusse.MaxWeber,le peintre ami de Picasso, l’initie aux novateurs quesontMatisseetCézanne.Maissachantpuiseràtoutesles sources de l’art, Rothko montre aussi sonadmirationpourRembrandt.

Durantlagrandecrisede1929,iltravailleauFederalArtProject(WorksProgressAdministration)maissanssombrerdansleréalismeditsocialetgardesapropreinspiration.

Àpartirde1940,l’œuvredeMarcRothkoestmarquéepar le surréalisme européen à une époque oùjustement les surréalistes rejoignent les États-Unis.Les formesabstraitesdeses toilessesimplifient, lesformatsgrandissent.Àpartirde1950,danssesvastestoiles apparaissent deux ou trois rectangles biensignificatifs,parexemplecettetoilede1957intituléeRed, White, Brown, (Rouge, blanc, brun) de 2,50mètres sur 2, tout de même. Une toile rouge, un

rectangleblancauxbordseffrangésenbas,unautrerectanglebrunquisembledisparaîtrepeuàpeudansle rouge en haut. En 1969, il entame une série detableaux en noir et gris,Black on grey, avant de sesuicideren1970danssonatelierdeNewYork.

L’espritdesynthèse:ZaoWou-kiZaoWou-kinaîtàPékinen1920ets’installeàParisen1948. Il fréquente alors l’atelier d’Othon Friesz etl’École des beaux-arts, et rencontre Soulages,Hartung,Giacometti,MariaElenaVieiradaSilva.

Dès1950,lepoèteHenriMichauxécritLecturedehuitlithographies de ZaoWou-ki en commentaire de sespremières œuvres, bel hommage qui vous poseimmédiatement son homme. Zao Wou-ki subitl’influencedeCézanne,cequiluipermetdevoird’unautre œil la nature chinoise : « C’est Cézanne quim’aida à me trouver moi-même, à me retrouverpeintre chinois. » Puis l’influence de l’œuvre de PaulKleeleconduitàl’abstraction.

Naturalisé françaisen1964,avec l’appuideMalrauxdont il a été l’illustrateur, Zao Wou-ki n’a cesséd’obtenir des distinctions honorifiques aussi bien enFrancequ’àl’étranger.Ilesttoujourstentantd’ironisersur les artistes revêtus de l’habit vert desacadémiciens, mais il est certain que son œuvreréussitunebonnesynthèseentrelatraditionorientaleetl’abstractionlyriqueoccidentale.

«Toutn’estqu’apparence,non?»Cen’estpascomme on pourrait le croire la parole d’unphilosophe, mais l’interrogation inquiète dupeintre et sculpteur suisseAlbertoGiacometti(1901-1966)àproposdel’art.L’obtentiondeshonneurs,commelegrandprixdelasculpturedelaBiennaledeVeniseen1962,oulegrandprix national des arts en France en 1965, nefait pas le bonheur. Car si l’artiste est primé,l’homme est déprimé, voire plongé dansl’angoisse. Son style reconnaissable s’enressent,Giacomettiétiresesœuvres.Surunearmaturedemétal, ilmonteuncorpsd’argilequi donne un aspect grenu. Cet étirementévoque aussi bien certaines œuvres del’Étrurieantiquequelastatuaireafricaine.

Laconquêtedel’espace:l’architectureOnassisteàlanaissancedesvillesmodernes,d’abordà Amsterdam, et surtout en Allemagne, avec leBauhaus qui pose la question du logement social.L’architecture se veut désormais rationnelle, c’est-à-direconcilierl’espace,lescontraintesdeconstructionetd’habitation,audétrimentdel’ornementation.

Grandensemble:MiesvanderRohe

Noussommesmaintenanthabituésàlavisiondecestours aux parois de verre ou de ces bâtimentsuniversitaires dépouillés, mais lorsque Mies van derRoheinventenotreenvironnement«minimaliste»et

industrielentre1950et1960,c’estnouveauettoutàfaitrévolutionnaire.

Naissancedel’esthétiqueindustrielleLudwig Mies van der Rohe (1886-1969) est unarchitecteaméricaind’origineallemandenéàAix-la-Chapelle. Avant la Première Guerre mondiale, iltravaille dans des cabinets d’architecture ou decréationdemobilier.De1921à1925,l’artistedirigelasection d’architecture du Groupe de novembre. Ils’intéresseaussiauxtravauxdugroupeDeStiljdontfait partie Mondrian. En 1926, Rohe édifie lemonument en hommage à Karl Liebknecht et RosaLuxemburg,détruitpar lesnazis,et l’annéesuivanteavec d’autres architectes d’avant-garde, dontWalterGropius et Le Corbusier, la cité Weissenhof àStuttgart. Créé pour l’Exposition internationale deBarcelone (1928-1929), son pavillon de l’Allemagnefrappe les esprits des visiteurs par le dépouillementabsolu de l’intérieur, la structure d’acier et lacirculationdéterminéepardesécrans.

Lemoinspourleplus

En 1930, Rohe succède à Gropius à la tête duBauhaus,jusqu’en1933,annéedesafermetureparlenouveau pouvoir nazi. Comme beaucoup d’autres, ilse réfugie alors aux États-Unis. Nommé directeur dudépartementd’architectureà l’Institutdetechnologiede l’Illinois (IIT), il réalise ses nouveaux bâtiments(1942-1943). L’architecte a de nombreusescommandes,commelaCommonwealthPromenadeetl’Esplanade à Chicago (1953-1957), le SeagramBuildingàNewYork(1954-1958),leFederalCenterdeChicago (1959-1964) le Dominion Center de Toronto(1963-1968),sansoublierlamaisonFarnsworthàFox

River (1945-1950). Sa devise est un paradoxesignificatif : « C’est le moins qui en fait le plus »(traductionlibrede«Lessismore»).

Natureetdécouverte:AaltoOutre les coureurs automobiles et les rennes, enFinlande, il y a aussi l’architecte Alvar Aalto (1898-1976) qui rompt avec les formes néoclassiquestoujours présentes dans son pays. En 1927, ils’installe à Turku, la ville la plus ouverte à lamodernitéetàsonarchitectureenharmonieavec lanature,privilégiantlalumièreetlesmatériauxnoblescomme lapierre, leboiset labrique,aumomentoùtriomphelebéton.

À Turku, Aalto crée un immeuble en dallespréfabriquées qui le rattache au Bauhaus. Après laguerre, ilcréeunstylepersonnelquiveutrenouvelerce style international. Par exemple, en 1948,l’architecteconçoitlepland’urbanismedeRovaniemi,lavillequi sesitueaucerclepolaire.SansbeaucoupbâtirendehorsdelaFinlande,ilacquiertpourtantunerenomméeinternationale.

Pour l’anecdote,onracontequ’AlvaarAaltoétaitunetelle gloire nationale que quand il devait prendrel’avion,laFinnair,lacompagnieaériennedeFinlande,retardait ses vols jusqu’à cequ’il soit àbord.Cequireviendrait à demander à un horloger suisse defabriqueruncoucouquinedonnepasl’heure!

Danscechapitre:Lafindesbeaux-artsL’irruptiondel’artistedansl’œuvreArtcontemporainouart«comptantpourrien»?L’architecturecontemporaine

Jusqu’au début des années 1960, on considéraitencore que l’art se divisait en trois domaines :architecture, peinture et sculpture. Cette subdivisionavait cependant déjà été un tantinet chamboulée,notammentparl’incorporationdedifférentesmatièresdans les collages cubistes (papier journal, carton…).Puislesrecherchesetexpériencesdudébutdusièclesont devenues courantes. Dans l’art contemporain,tout matériau peut être utilisable : ferraille, rebuts,etc.

Des mouvements comme le pop art et son intérêtpour le banal ou le nouveau réalisme serontprobablement classés par les historiens de l’art destempsàvenircommeunevarianteduréalisme,parmila peinture de Courbet, le cubisme de Braque ou

Picassoetmêmeleréalismesocialiste.

Raconterunpopart

Au début des années 1960 apparaît le pop art. Lesthèmes sont pris dans la vie quotidienne et leurbanalité,voireleurvulgarité,enfonttoutl’intérêt.Onles détourne et les répète. Le spectateur étonné sedemande : « Comment peut-on me faire croire quequelque chose fabriqué à des milliers d’exemplairesestuneœuvred’art?»Maisl’imageauXXesiècleestpartout,diffuséeà l’envipardemultiplescanaux.Larépétitionetlareproductionautomatique–plusrienàvoiravec lagravuredessièclesprécédents–doiventdoncêtreintégréesàl’art.

Quellessoupes!WarholLe premier, Roy Lichtenstein (1923-1997) reproduit,avec le savoir-faire d’un peintre méticuleux, unevignette de bande dessinée à la taille d’un tableau,jusqu’à faire apparaître la trame de la BD, appeléemaintenant « pixels » en informatique, avec I knowhowyoumustfeel,Brad(Ah!Brad jesaiscequetupeux ressentir). Une autre façon amusanted’interpeller le spectateur consiste à braquer sur luiunrevolver,commedansPistol.

Lagrandefiguredupopartavec,lorsdesapremièreexposition, 52 tableaux représentant des boîtes desoupe, est Warhol, l’un des créateurs de cemouvement et l’un de ceux qui firent des États-Unis

l’autrepatriedel’artmoderne.

FilsdepubAndy Warhol (1928-1987) mène deux carrières à lafois,celledepublicitaireetcelled’artiste.Doit-ondireavec amusement qu’en fait c’était la même ? En1968, son sens de la publicité se retourne contre luiquandlaféministeValerieSolanasluitiredessusetlemanque. Cela a servi à assurer la renommée deWarhol,deSolanas(uniqueadhérenteetmilitantedugroupeSCUM,initialesdeSocietyforCuttingUpMen,cequinesetraduitpaspardécence)etdemultiplierlavaleurduportraitdeMarilynquiaécopédesballes– 14 millions d’euros ! D’ailleurs, à ce prix-là, c’estl’éclatante faillite de ceux qui croyaient que lasérigraphie allait détruire le statut de l’œuvre d’artuniqueetsignéedelamaindumaître.

StandardisationàlachaîneLes sérigraphies de Warhol tirées en plusieursexemplaires se veulent le symbole d’une Amériquevouéeàlastandardisation.SessériesdeportraitsdeLizTaylor(voir ),deMarilynetsesboîtesdesoupeCampbell fontpartiedesicônesduXXesiècle,comme le père Noël et la bouteille de Coca-Cola. Àceux qui s’insurgeaient en disant qu’il y avait làdisparitiondel’artistequin’avaitrientransformé,RoyLichtenstein rétorquait : « L’art ne transformepas, ildonne forme tout simplement. »Warhol, quantà lui,prophétisait que « tout le monde aura un jour sonquart d’heure de gloire. » Avec la télévision et ledéveloppementdeschaînes,c’estplusfacile!

AupopniveauKeith Haring (1958-1990) est l’auteur de ces

personnages à tête ronde que les touristes arborentsur leurs tee-shirts aux abords du Louvre. L’artistecommenceparpeindresurlesmursdumétrodeNewYork, cequi lui vautd’êtreembarquéauposte, sansquel’histoirenedises’ilenaprofitépourpeindrelesmurs de ses cellules. En tout cas, il va faire unecarrière internationale. Par exemple, on peut voir enFrancesafresqueàl’hôpitalNecker.Ayantapprisqu’ila le sida en 1987, Haring consacre alors talent eténergie à lutter contre la maladie. C’est une desfigureslesplusattachantesdupopart.

Élupape

TomWesselman(1959-1993),le«papedupopart»,ajouteàsespremierscollagesdifférentsélémentsenrelief, comme Max Ernst avant lui, et aboutit à unemaison de poupées grandeur nature. La réalité faitirruption dans le décor, dans cet « environnementsculptural », par l’intermédiaire d’une radio ou d’untéléphonequisonnepar intermittence.DéjàauXVIIesiècle,lethéâtrebaroquepratiquelamiseenabyme,parexempledansLeVéritableSaintGenestdeRotrou,oùlesacteursregardentsaintGenestjouerunepiècede théâtre. Il y a ainsi une pièce de théâtre àl’intérieur de la pièce. Du coup, le spectateur sedemande : « Et moi, qui me regarde ? » C’est cemalaisequedoitfairesurgirlasonneriedutéléphonedanscertainesréalisationsdelasériedeWesselmannGreatAmericanNude(1964).

ArtistesenherbeDeuxautresartistes,GeorgeSegal(1924-2000)ditlefermierphilosophe,et JeffKienholz (1927-1994), fontaussi des environnements sculpturaux. Segal fait unbar et une laverie automatique remarqués, avant de

revenir à la peintureen1993. Sespersonnages sontenplâtre, ceuxdeKienholz sontdesmannequinsderécupération ou fabriqués à partir de rebuts, ce qui,pourlesconservateursdemusée,posedesproblèmesderestauration,commeavecMovieHouse.

EnFrance,MartialRaysse,néen1936,estconsidérécomme un maître du pop art. Il rajoute quelquesnéonsàdesœuvres célèbresd’IngresoudeGérard,cherchant à tourner en dérision les produits de lasociétémoderne,commeWarholavecsesportraitsdebaigneuses. Raysse fut peut-être le premier artistecontemporainàobtenirunetellerenomméeaumilieudesannées1960.

Auxrebuts:lenouveauréalisme

Le 27 octobre 1960 a lieu dans l’atelier de Klein la« Déclaration constitutive du nouveau réalisme ». Ilfaut noter quemalgré quelquesmillions d’années etdepersonnesàqui l’onadit : «Soyezdoncunpeuréalistes ! », le réalisme n’en finit jamais d’êtrenouveau. Les signataires veulent un art en prisedirecteavecleréel(refrainconnu),paroppositionàlapeinture abstraite en vogue à l’époque. En bonsenfants de Duchamp et de ses ready-mades, ilsprônent l’utilisation d’objetsmanufacturés, un art del’assemblage et de l’accumulation dans lequels’illustreralesculpteurArman.CemanifesteestsignéArman, François Dufrêne, Raymond Hains, MartialRaysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques de laVilleglé, sous l’œil attendri du critique d’art PierreRestany. S’y adjoignent en 1961 quelques nomsprestigieuxdel’artcontemporainCésar,NikideSaint

Phalle et Christo en 1963. Lemouvement se dissouten1970.

Fautedefrappe:ArmanAprès des études aux Arts décoratifs de Nice et àl’École du Louvre (on n’y forme pas les artistes : ilvoulait devenir commissaire-priseur), Arman partenseigneràMadrid.Àvotreavis,lesartsdécooubienl’histoire de l’art ? Ni l’un ni l’autre, car il estembauché comme professeur de judo ! Remarquezquecen’estpasdutempsperdupourunartiste,carlejudoapprendàavoirl’échinesoupleetàsereleverquandonestàterre.

Lepolyester,c’estcoton

DeretourenFranceen1951,Armanestinfluencéparl’œuvredeNicolasdeStaël,deSergePoliakoffetdeKurtSchwitters.DesonvrainomArmandFernandez,Arman(néàNiceen1928)sefaitunnomenperdantson « d », oublié sur une brochure d’expo et jamaisrepris. En 1959, il réalise ses premières« accumulations » et ses premières « poubelles »compressées, avant de laisser de plus en plus deplace au polyester à partir de 1964. Comme il sepasse toujours quelque chose dans la vie d’Arman,retenons en 1969 une exposition itinérante desaccumulationsdevoituresRenault.

ProblèmedestationnementenvilleEn1982,pour leparcde laFondationCartierà Jouy-en-Josas, Arman réalise une accumulation de 18mètresdehautcomposéede60voituresenchâsséesdans du béton,LongTermParking, et en effet, voilàune solution d’avenir pour régler le problème du

stationnementenville!L’artisteadroitauxhonneursofficiels (Ordre national dumérite, Commandeur desartset lettres, Légiond’honneur)etauxcommandestoutaussiofficielles.Legrandpublicl’avéritablementdécouvert en allant prendre le train à la gare Saint-Lazare : devant le bâtiment, deux accumulations, lapremière de valises, Consigne à vie, et la seconded’horloges,L’Heuredetous.

Envoyezlasoudure:CésarÀ l’époque industrielle, il n’a y a rien d’anormal àjouer du chalumeau et faire de la soudure. Lesculpteur César (1921-1998) s’est donc spécialisédans ses soudures, montrant un net talent dans latransformation de la ferraille en or. Ses automobilescompressées ont affolé tous les maniaques de larayuresurleurcarrosserie.

À partir de 1970, César enseigne à l’École nationalesupérieure des beaux-arts. Au carrefour de la Croix-Rouge,dansle6earrondissementdeParis,sedresseun Centaure. Devinez l’endroit où César a placé sabalayettepour illustreruneexpressionpopulairebienconnue?Maisnousrestonslàdansledomainedelaprovocationgentillette,cequifaitqu’ilreçoiten1988leprixRodin. Il estd’ailleurs le seul sculpteuràêtreconnudelaFranceentière,àcausedesacréationdutrophée du cinéma. Tout le monde du coup ditmaintenantunCésar.Et si vousvoulez jouerauprofdefrançais,retenezqu’unnompropreutilisépourunobjet (pas toujours propre), ça se nomme uneantonomase.

Cibleémouvante:NikideSaint-Phalle

D’abordmannequinpourdeprestigieuxmagazinesdemode, Niki de Saint-Phalle entame une carrièreartistique en inventant un procédé qui lui assurecélébrité et engouement du public. Les spectateurstirentàlacarabinesurdessacssuspendusremplisdepeinture, qui éclaboussent des sculptures disposéesendessous.

Les préoccupations propres de Niki de Saint-Phalle(1930-2002), comme la performance, la participationdupublicà lacréationde l’œuvred’artet lehasard,rejoignent les questions d’une grande partie desartistescontemporains.

Ses « Nanas », femmes aux formes généreusesmulticolores, amusantes et amusées, sontéblouissantes de fraîcheur et de naïveté. Même sicertaines sont imposantes, celan’apasempêchéunexemplaire d’une tonne et de 3 mètres de haut dedisparaîtreaprèsuneexposition(lapolicepenseàunefugue). Sa Fontaine Igor Stravinsky créée avec sonmari JeanTinguely, à côtédumuséeBeaubourg, estdevenue par l’affluence et la force des choses unmonumentparmilesplusvisités.

Lesculpteursuisse JeanTinguely (1925-1991)épouseNikideSaint-Phalleetlarejointauseindes nouveaux réalistes. Il fonde avec YvesKlein l’art cinétique, du grec kiné signifiant

«mouvement », desmachines amusantesunrien dadaïstes, faites de rebuts. Ça gémit, çagrince et ça éclabousse. L’artiste a un côtégrandenfant,enjouantauxIndiensautourdegrandstotemsornésdecrânes.Ilréaliseavecsa femme et une quinzaine d’artistes LeCyclop à Milly-la-Forêt. Les téléphilesnostalgiques du feuilleton Mission impossiblesongeront avec émotion à cette œuvre deTinguely,HommageàNewYork,présentéeen1960 au Museum of Modern Art, puisqu’aubout d’une demi-heure, l’œuvre était conçuepours’autodétruire.

Plutôtemballant:ChristoetJeanne-ClaudeIl y a des couples célèbres comme Roux etCombaluzier,LagardeetMichardouencoreChristoetJeanne-Claude. Leur œuvre a suscité beaucoupd’emballement et il y a de quoi, car elle consistejustementàemballerdesobjetspuisdesmonumentsetensuitedessitesnaturels.

Christo Javacheff, né en 1935, Américain d’originebulgare, et Jeanne-Claude de Guillebon emballent lePont-Neuf en 1985. Dans le genre Guiness desrecords,cen’estpasmal,avec40876mètresdetoileet13076mètresdefilins.Voiraussil’empaquetageduReichstag,avec100000mètrescarrésdetoile.

C’est une interprétation à grande échelle du désird’appropriation d’objets préfabriqués comme levoulaient les nouveaux réalistes. Cette forme d’art,prenant le paysage comme nouveau support, se

nomme aussi land art. Les artistes élèvent unebarrière de nylon de 3 mètres de haut sur 40kilomètresdelongàcôtédeSanFrancisco.En1990,ilinstalle 1 340 parasols bleus dans un paysage auJapon,puislesmêmesenjauneauxÉtats-Unisl’annéesuivante.

Yves Klein (1928-1962) peint dès 1948 desmonochromes,etde1951à1954enutilisantdesrouleauxpouréliminertouteinterprétationpersonnelle, la plus minime soit-elle. À partirde 1957, l’artiste n’utilise plus que le bleu.« Le bleu n’a pas de dimension, il est horsdimension, tandis que les autres couleurs,elles, en ont… Toutes les couleurs amènentdes associations d’idées concrètes […] tandisque lebleu rappelle toutauplus lameret leciel,cequ’ilyadeplusabstraitdanslanaturetangibleetvisible.»Il dépose d’ailleurs en 1960 une formule debleu : l’IKB, l’International Klein Blue. Enjanvier de la même année, l’artiste veutdépasser lanotiondecouleuretmontrerqu’ilest possible d’occuper l’espace en dehors dusupport.IlorganiseuneperformanceavecsonpremierSautdans levide àpartir dupremierétage. Pas d’inquiétude il n’y a pas de bobo,c’estuneœuvred’art,pasunsuicide.Danssasérie des Anthropométries, des modèles

fémininsnus s’enduisent le corpsdepeinturebleue et en se roulant laissent leursempreintessurdupapierblanc.Enplusdesonbleu, Klein a inventé le pinceau humain,modèle non breveté donc d’utilisation librepouranimertoutesoiréeunpeucoincée.

ÀlarecherchedelaperformanceLes surréalistes Breton, Aragon et Soupault avaientorganisé le 13 mai 1921 le « procès Barrès », oùl’auteur de L’Ennemi des lois, le chantre del’individualisme, rallié à l’Union sacrée et auconformisme,estmisenaccusation«pourattentatàlasûretéde l’esprit». Iln’estpas interditd’yvoircequiseraplustardappeléperformance.

Pour faire simple, on appelle performance artistiqueuneouplusieursactionsdevantunpublicetentempsréel (une définition proche de celle d’un numéro decirque).Afinde communiquer ses intentions, l’artistepeut faire appel à divers supports et à différentsmoyens. Les gestes sont détournés de leur senshabituelpourremettrelaréalitéenquestion.

Drôlesdecoupsdepot:actionpaintingetquelquesautresDans la performance, un élément essentiel est lanature éphémère de la prestation. Le peu de duréedescréationsétaitdéjàuneparticularitédecertainescultures,commelapeinturedesableoulespeinturesdeguérison,diteshozho,desIndiensnavajos.Ànoter

quel’œuvred’artéphémèreestparfoisfilméepourluiassurerunepérennité:est-cedelatriche?

L’action painting met l’acte physique de peindre aucœurde l’œuvred’art.Même involontaire, lerésultatde la création reflète l’état intellectuel et moral ducréateur. C’est la reprise de la notion de hasardobjectifdessurréalistes,mâtinédesubconscient.

Lestyleestunesupercherie!Jackson Pollock (1912-1956) se met au centre de latoile étendue au sol, puise de la peinture dans despotsetlaprojettedansunesortededanse.Prochedelui, Willem de Kooning (1904-1997), peintrenéerlandaisnaturaliséaméricain,s’installeen1926àNew York. Il crée avec Jackson Pollock l’actionpainting.«Lestyleestunesupercherie»,déclare-t-ilen étalant la peinture à grands coupsdebrosse.Onconnaît surtout de lui sa série de femmes intituléeWomen.Àpartirde1969-1970,ilexplorelasculptureenbronze.

Barnett Newman (1905-1970) et ses grandes toilesmonochromes aux couleurs saturées striées de finesrayures a eu une influence très importante sur toutl’artmoderneetcontemporain,enparticuliersurl’artminimaliste.

BiencombinéRobert Rauschenberg (né en 1925) montre bien ladisparition du cloisonnement entre peinture etsculpture avec ses combine paintings : « J’appellemon travail des combines, c’est-à-dire des œuvrescombinées,descombinaisons.Jeveuxainsiéviterlescatégories.Si j’avaisappelépeinturesceque je fais,on m’aurait dit que c’étaient des sculptures, et si

j’avaisappeléceladessculptures,onm’auraitditqu’ils’agissaitdebas-reliefsoudepeintures. »Parmi cescombinepaintings,onpeutretenirlessignificatifsBeden1955,œuvreconstituéededrapsetdecouverturestrempésdansdelapeinture,ouMonogram(1959),unbeau bouc à longues cornes empaillé avec un pneuautourdelui.

Lehappeningmêlel’actionthéâtraleàl’œuvredansunsoucipermanentd’occuperlesquatredimensions de l’espace. La peinture estbidimensionnellemalgréquelquestentatives–restées insatisfaisantes parce que tropélémentaires – de lui donner une troisièmedimensionenpeignantuneboîteouuncube.D’accord,certainsappellentçadelasculpture.La sculpture est tridimensionnelle et c’étaitdéjàlapréoccupationdeCalderqued’arriveràdéployer ses sculptures dans les quatredimensions:hauteur,largeur,profondeuretletemps (mais si, la quatrième dimensionexiste ! nous ne sommes pas dans Twilightzone, la fameuse émission américainefantastico-science-fictionesqueautitrefrançaisLa Quatrième Dimension). Tinguely a certesplacé desmoteurs sur sesœuvresmais celuiquilaissesonnomattachéàl’art«cinétique»(à ne pas confondre avec le cinéma) est PolBury(1922-2005)quieutdesréussitescommePonctuationsérectiles et desœuvres sachant

utiliser l’élément du mouvement parexcellence,l’eau.Divers mouvements voient ensuite le jourcommel’OpArt,abréviationd’opticalart,dontles représentants sont Victor Vasarely (1908-1997) ou François Morellet (né en 1926).Sympathique, mais les illusions et les jeuxd’optiquenesontamusantsqu’untemps.

Épouserlaperformanceaujourd’huiLa performance n’en finit pas de se renouveler. UnbonexempleestceluideTsunekoTaniuchi,quivitettravailleàParisdepuis1987.Elles’exposeenrobedemariée dans la vitrine d’un magasin parisien(d’ailleurs pas loin de Filles du Calvaire – un nomprémonitoire ?) en 2002 et propose au public del’épouser(performancetoujoursencours).

Maurizio Cattelan, né en 1961, est un artiste italienconnupoursesperformancesetsesstatuesenciredeHitler,dePicassooudupapeJeanPaul II,quisefontchacun écraser par une météorite. Il a égalementcreusé lui-même sa tombe (mais il en est ressorti).L’artisteaaccomplinotreperformancepréféréeentretoutescellesdusiècleendéguisantengroslapinrosele propriétaire d’une galerie parisienne pendant dessemaines!

L’artcomptantpourrienDepuisMarcelDuchamp,l’artistedécidequetelobjet,par exemple un urinoir ou un pont emballé, est un

objetd’art.Maisquidécidequetellepersonneestunartiste et telle autre pas ? Qui fait l’artiste ? Lemarchand qui décide qui il va présenter à unacheteur ? Il semble y avoir là une contradiction,puisquecen’estplusseulementl’objetd’artlui-mêmequ’onachète.

Les grands ancêtres de l’art contemporain,DuchampetMalevitch,voulaientchacunàleurfaçon donner un « contenu artistiqueminimal».Onpeutenretenirdeprimeabord(ne pas lire « déprime d’abord », il y a desidéesdans leminimal) la sculptureposée surlesol.(Enfin…nousdisonssculpturepournousfaire comprendre : lesminimalistes pensaientqu’ils prolongeaient la peinture dans latroisièmedimension.)La«sculpture»occupelemêmeespacequelespectateuretnonplusunespaceàpart,sacralisé,parsaposesurunsocle.Lesartistesreprésentatifsdecette idéesontRobertMorris(néen1931)etDonaldJudd(1928-1994).Pourcedernier,l’œuvred’artest« une chose, une chose entière ». Il est leconcepteur de meubles et de boîtes enplanches.Cesboîtesparexemplesont,commebeaucoup d’œuvres minimalistes, désignéescomme«Sanstitre»,poursignifier l’absencederéférenceetdecomposition.

L’artderien:Ben«Rienàdire»,a-t-onpuvoirunjoursuruntee-shirt,devisesignéeBen.Maismêmelefaitdedire«rien»,c’estdéjàdirequelquechose.Ilyalàuneaporie,uneapparente contradiction dans les mots. Pour fairesimple,pourBen,ondemandeàl’artistedecréer,pasdeparler.

Aprèsuneenfancepromenéede laSuisseà l’Égypteenpassantpar laTurquie,Ben (néen1938)arriveàNice où il rencontre Arman et Klein. Évidemment, ilaurait pu les croiser au tabac du coin, « bonjour,bonsoir».Maiscenefutpaslecasetleurrencontreaeudesconséquencesimportantespourl’artmoderne.Lorsd’unecélèbreconférencesur«ToutetRien», ilvend sa chemise non pas à un pauvre hommeheureux,maisàArman.Sonœuvreestuneréflexionsur les rapports entre la vie et l’art. Comme ClaesOldenburg en 1961 avait transformé son atelier enmagasin, The Store, Ben crée une réplique demagasinquiestunesculpture-installation-assemblage(onappelleainsidessculpturesdediversmatériaux)-collage.

Kitschetchoc:KoonsetLavierPour illustrer le charme de son élégance désinvolte,BertrandLavierdéclareen2002 :«Mon luxeestdefaire croire que je ne fais rien. » L’artiste prendà lalettre le langage : «peindreune table»ne consistepasàlareprésentersurunetoile,maisàmettredelacouleur sur cet objet. Évidemment, s’il avait priscommeexemple«peindrelatourEiffel»,çaauraiteu

uneautreampleur!

Autre sympathique artiste, Jeff Koons travaille à labourse de New York pour gagner sa vie, encommençantsacarrièred’artiste.Onpourraitironiseren disant que de nos jours Bourse et art fontparticulièrementbonménage.HéritierdedadaetdeDuchamp, avecun zeste inévitabled’AndyWarhol, ilest devenu l’artiste en vogue des années 1980 auxÉtats-Unis, en donnant ses lettres de noblesse aukitsch.

ExposerunlapinNé en Pennsylvanie en 1955, Jeff Koons créenotammentPuppy, chien de plâtre décoré de fleurs,des sculptures deMichaël Jackson et de la panthèrerose.Ilinvestitl’universdesjouets,utilisedesballonsetdeslapinsqu’ilenfermedansduplexiglas.

L’artisteaépousélaCicciolina,actriceitalo-hongroisedefilmporno,chanteuse,élueauparlementitalienetdouéed’uneindéniableprésence,d’ungrandsensdela communication et… d’une poitrine pour le moinsgénéreuse ! Il a réussi le tour de force assezextraordinaire dans songenre de faire une sculptureen céramique de la Cicciolina en train d’enlacer lapanthère rose et de la vendre (la sculpture) plus de1,7milliond’euros!

Artetmanutention

Né en 1949, Bertrand Lavier illustre parfaitement auXXe siècle la fameuse définition de Lautréamont surles rencontres insolites. Sur un classeur métalliquedestiné à ranger à plat des plans ou des feuilles dedessin, l’artiste installe un dévidoir de rouleau de

papier kraft avec lame de coupe (pour ceux quin’auraient pas tout compris : il met sur une grosseboîtemétalliqueunrouleaudepapiermarronavecungrandmachinqui sertà lecouper). Ilbaptise le toutManutan/Kind, publicitégratuite, car c’est le nomdelamarque qui lui a vendu les objets, et il expose letoutaumuséedeGrenobledepuis1987.Toutl’artdusièclea reposésur lechocdes images telquedéfinipar Lautréamont et appliqué par les surréalistes,commeLavierenfaitladémonstration.

Enpleindansledécor:l’arthorslesmurs

L’art contemporain est donc un art réaliste, puisqu’ilplongesesracinesdansleréel,surtoutleplusbanal.Le spectateur peut être désorienté par le rôle del’artisteetsaprésence,désormaisconsidéréscommepartie intégrante du résultat. Un pas de plus, et laquestion va se poser de savoir si l’œuvre doit avoiruneformeoubiensil’importantn’estpluslerésultat–autrement dit, l’œuvre d’art – mais l’acte de fairel’œuvre.OnpeutpenseràcelaenvoyantdanslefilmShining l’écrivainjouéparNicholsontapersonromanà la machine. À la fin, on voit que c’est toujours lamême lettre de l’alphabet qui a été tapée sur lescentainesde feuillets.Tout reposesur l’acted’écrire.À partir de là se pose aussi la question de savoir sil’artdoitêtrefaitdansouendehorsde lagalerieoudumusée.

Œuvre emblématique du land art, la SpiralJetty est créée en 1970 par Robert Smithsondans le Grand Lac salé en Utah. C’est unegrandejetéedeterreenformedespirale,sur500mètres en bordure du lac. L’œuvre avaitdisparu sous l’eau et vient de ressurgir. Cemonument a la particularité de ne pas êtrefacile à trouver ! À tel point qu’une artisteaméricaine a fait de sa recherche uneœuvresonore.DanssaquêtedelaSpiralJetty,elleamême enregistré ses disputes avec sonpartenaire. La prochaine fois que vous vousperdezetqu’unevoixacidevousrappellequelecerveauhumainn’estpasunGPS,pensezàl’œuvresonorequevouspourriezfaire.

L’enviededécoucher:SophieCalleSiundesreprochesadressésàl’artcontemporainestdeseprendretropausérieux,cen’estpas lecasdeSophie Calle, née en 1953. Elle photographie desinconnus ou des amis dans son lit, joue sur ladécouvertede l’intime.L’artisteamêmeenvoyésonlitàunjeunehommeabandonnéparsafiancéepourqu’il y fasse en quelque sorte une convalescenceamoureuse.

PartagersonlitLe poète Francis Ponge disait que la poésie, c’estcomme l’amour, ça se fait dans un lit. Dans uneconférence,SophieCalleconfirmequec’est lamême

chosepourl’art:«Jevoulaisquemonlitsoitoccupévingt-quatre heures sur vingt-quatre, comme cesusines où on nemet jamais la clé sous la porte. J’aidonc demandé aux gens de se succéder toutes leshuit heures pendant huit jours. Je prenais unephotographie toutes les heures. Je regardais dormirmes invités. […] Une des personnes que j’avaisinvitées à dormir dans mon lit et que j’avaisrencontrée dans la rue était la femme d’un critiqued’art.Quandelleestrentréechezelle,ellearacontéàsonmariqu’elleétaitvenuedormirhuitheuresdansmonlitet ilavouluvoirdequoi ils’agissait.Etc’estcommeçaquejesuisdevenueartiste.»

DoublejeLa vie et l’œuvre doivent être mêlées, cette« interactivité » est une des composantespermanentes de l’art contemporain. Dans sa soif dedécouverte de l’intimité des autres, Sophie Calle nemanquenid’imaginationnidepersévérance.Elle futstrip-teaseuse et femme de ménage (tous lesfantasmesmachistesincarnésenunepersonne),tourà tour subissant et pratiquant le voyeurisme. Cemélange entre réalité et fiction s’applique encorequandPaulAusters’inspiredeSophieCallepourcréerlepersonnagedeMariadansLeviathan,pendantqueSophieCallesemetenscèneàlafaçondeMariadanssasériedephotographiesDoublejeu.

Drôledezèbre:BurenL’art«horslesmurs»estaussiunartconceptuel,oùs’estillustréDanielBuren,néen1938.Enmars1970,ilfaitapposerdanslescoinsdesaffichespublicitairesdu métro des affichettes avec des rayures bleu etblanc.

Ces fameuses rayuressont irrésistiblementassociéesaunomdeBuren.Ilexpliquelui-même:«Jen’exposepasdesbandesrayées,maisdesbandesrayéesdansun certain contexte », ce qui va de soi quand onpense au Palais-Royal où il a installé ses fameusescolonnes en 1985. La polémique concernant larécupérationd’unlieuprestigieuxfutbalayéepartouslesgaminsdeParisetlesenfantsdestouristes–lejeun’a pas de frontières – qui se sont appropriés cetteœuvred’artenl’escaladant.C’estinattendumaiscelaprouvequel’œuvreaétéadoptéeetadaptée.

DebonnesinstallationsDanscequelescritiquesontappelé«artattitude»àproposde l’expositionde1969«Quand lesattitudesdeviennent forme»,onregroupedesartistesclassésdans l’art minimal, le land art ou l’art conceptuel.Ainsi, l’attitude de l’artiste prédomine, en une desrares applications pratiques de la théorie desensemblesquiserecoupent.

L’installation est le terme utilisé pour désigner desœuvreséphémèresquiempruntentà tous lesarts,ycompris à la vidéo, et qui s’apparentent à laperformance,lesmachinesetlesustensilesenplus.

BarceloBarcelona

Miquel Barcelo est né à Majorque en 1957. Arrivé àParis, il s’intéresse à l’art brut et utilise diversmatériaux (cendres, boue, sable ou matièresorganiques).IlparticipeàlaDokumentadeCasselen1982, une véritable consécration dans le monde del’art contemporain, qui lui donne ensuite accès aux

plusgrandsmusées:Pompidou,laFondationMaeght,laGallery LeoCastelli à New York.On a parlé de luicomme d’un « jeune prodige » de la peinturefigurative. En 1987, Barcelone lui consacre uneexpositionqui faitdateenEspagne. Il pratiqueaussibien une peinture aux larges perspectives que desarchitectures sombres (2h30 gare du Nord). Unévénement important est la révélation du Mali en1988. « Un nettoyage total des références », diral’artiste qui séjourne depuis régulièrement en paysdogon.Barcelos’initieainsiàl’artdelacéramique.Unretouràlaterreréussi.

MessagerinitiatiqueVivant et travaillant à Malakoff, Annette Messager(néeen1943)aobtenu leLiond’orà laBiennaledeVenise2005.Elle yamontéune installation inspiréede Pinocchio, avec un parcours initiatique pourmontrerquesi l’hommeestunemarionnette,celle-cien retour peut devenir humaine. Le tout se terminepar un trampoline – ce qui prouve que l’importantdans l’art, c’est bien de s’envoyer en l’air ! Nedétestant pas un zeste de provocation, l’artistemontrelaplacedelafemmedanslasociété,àtraversses œuvres Annette Messager, femme pratique,Annette Messager, collectionneuse. Il faut aussi voirses Chimères, des photographies découpées etretouchées qui aboutissent à une fresqueimpressionnante.

Lemotdelafin?

Toujoursplusloin:unefoisdehors,toutpeutêtreart.C’estcequ’affirmeJudd:«Siquelqu’unditquec’estde l’art, c’est de l’art. » En 1968, quand son

installation de cordes et de pieux au WindhamCollege, Hay, Mesh, String est détruite, LaurenceWeiner (né en 1940) se dit qu’il peut simplementsuggérer l’œuvre. Ainsi, il expose une liste dematériaux. La littérature serait-elle l’extrêmeaboutissementdel’art?

L’artistefait,mais il fautunspectateur.Endéfinitive,c’estpourluiquel’artistetravailleetc’estparluiqu’ilexiste. Ainsi, Lawrence Weiner appose cetavertissement dans ses expositions : « 1°) L’artistepeut construire le travail. 2°) Le travail peut êtrefabriqué(parquelqu’und’autre).3°)Letravailpeutnepasêtreréalisé.Chaquepropositionétantégaleetenaccordavecl’intentiondel’artiste,lechoixd’unedesconditions de présentation relève du récepteur àl’occasiondelaréception.»

Arrivés là, nous quittons les rives du réalisme pouraboutir à une vision spiritualiste, ce qu’en termessavantsonappellelesolipsisme : lemondeextérieurn’existe pas, il n’existe que parce que j’ai l’illusionqu’il y a quelque chose. Il n’existe qu’à traversmoi,toutestsubjectif.

L’artàvenirL’art contemporain a de nos jours le statut dontjouissaitl’artacadémiqueàlafinduXIXesiècle.Ilestfinancé par des commandes publiques ou desentreprises mécènes, et il faut se demander s’il n’apasperdusacapacitédetransgression.Enregardantleursdatesdenaissance,onremarquequebeaucoupdes créateurs contemporains sont morts ou ontdépassé l’âge canonique – au sens propre, car l’âge

canonique est celui que la règle ecclésiastique, lecanon,fixepourlesservantesdecuréetcetâgeest…40ans!

L’importancedesmédiasetleursoucidedécouvrirlegénial créateur de demain projettent souvent sur ledevant de la scène des personnalités spectaculaires,maissont-ellespourautantdesartistes?

Nouvellestechnologies

L’art a toujourseudes inventeurs : voulant créerunart total qui serait une synthèse de tous les arts, lepeintrehongroisMihályMunkácsy(1844-1900)faisaitjouer de la musique derrière ses tableaux avantl’invention du cinéma. Les artistes de la prochainegénération auront sans doute bien des idées. Lescasques tridimensionnels pourront introduire lespectateur dans le spectacle, l’art vaudou a bien suréutiliser les débris industriels et en tirerd’éblouissants résultats. Le renouveau de l’art neviendra peut-être pas des artistes « officiels » ouofficieux,mais de créateurs qui ne savent pas qu’ilsfontdel’art(mêmebrut).

Lesbeaux-artsdenouveauàl’affiche?

Ilpeutaussiyavoirunrenouveaudesbeaux-artscaril n’est pas sûr du tout que la peinture soit morte.Dans une exposition récente sur l’art contemporainafricain, le commentateur répétait : « L’artcontemporain, ce n’est plus de la peinture. » Lesréussites les plus manifestes étaient pourtant les

toiles de Cheri Samba et les dessins coloriés deFrédéricBrulyBouabré,artisteàquiparlentlesdieuxdel’Afriqueetlesespritsinspirés.

YvesKleinen1958présentaà Paris, à lagalerie IrisClert,uneexposition intituléeLeVide,unepiècenueaux murs blancs. L’art, comme la nature selon lephilosophe Aristote, a horreur du vide. Faisons doncconfianceauxjeunesartistespourleremplir.Commepouréviterleterme«actualité»,lasciencehistoriqueparle d’« histoire immédiate », alors vive l’artimmédiat!

Unnouveaumondeàbâtir:l’architecturecontemporaine

Par rapport aux excentricités des arts plastiquesdurantlasecondemoitiéduXXesiècle, l’architecturecontemporaine peut paraître bien sage : après tout,unbâtimentdoitavoiruneutilité.Siuneœuvresansœuvreresteuneœuvre,unbâtimentsansmuretsanstoit s’appelle du plein air ou du camping à la belleétoile,pasdel’architecture.

L’influencede LeCorbusier futmondiale : unde sescollaborateurs fut Kunio Maekawa qui eut lui-mêmepour élève Kenzo Tange durant la Seconde Guerremondiale.IlfautégalementmentionnerlesœuvresdeJeanProuvéetdeJeanNouvel.

UnNobelquin’apasdeprix:TangeKenzoTange(1913-2005)devientmembreen1946de

l’AgencepourlareconstructionduJapon.Ildessineleplan de la nouvelle Hiroshima et obtient unerenommée internationale pour son Mémorial de lapaix.En1964,l’architectebâtitdeuxstadescouvertspourlesjeuxOlympiques,etréaliseleThemeBuildingà l’Exposition internationale d’Osaka en 1974.L’ensemble de son œuvre est honoré en 1987 parl’équivalent du prix Nobel d’architecture, le PritzkerArchitecturePrize.

Inutile de sauter dans le premier avion pour Tokyopouradmirerl’œuvredeTange,ilvoussuffitd’alleràParisouàNice.Ehoui,enapprenantcela,vousvenezde rentabiliser l’achat de ce livre ! Si vous êtesParisien, rendez-vous à la place d’Italie, où il aconstruitl’immeubleetlecinémaducentreGalaxie.ÀNice, l’artiste a fait lemusée des Arts asiatiques en1998.Lechoixaétéastucieux–mêmesionn’apasdemandéunarchitecteégyptienpourlapyramideduLouvre (voir ). Kenzo Tange a conçu unprojet autour de deux formes géométriquesfondamentales dans la culture japonaise : le carré,symboledelaTerre,etlecercle,symboleduciel.

C’estProuvé!FilsducélèbreébénistenancéienVictorProuvé(1858-1943), Jean Prouvé (1909-1984) est ingénieur etdesigner, ainsi qu’enseignant adulé. Sachant allierl’utilisationduverreet dumétal, il collaboreavec ladesigner Charlotte Perriand (1903-1999) aussi bienpourl’ameublementdelarésidenceuniversitaireJeanZay à Antony (les anciens étudiants de l’endroitseraient étonnés d’en connaître la valeur actuelle !)quepourunprojetdemaisonsaharienneen1958.

Prouvé a aussi collaboré avec de prestigieuxarchitectes commeOscarNiemeyer pour le siège duPCFouavecJeandeMaillypourleCNITàlaDéfense.Sa construction la plus connue reste la Maison dupeuple à Clichy datant des années 1937-1939. Ilprésideaussilejurychargédesélectionnerlesprojetsdu futur Centre Pompidou qui sera bâti par RenzoPiano et Richard Rodgers. Il s’intéresse à l’utilisationde nouveaux matériaux, comme le prouvent sesstations-servicecylindriquesTotaloulespanneauxdefaçadedel’universitédeLyon-Bron. Ilnedétestepasnonplus lesdéfis techniques comme la structureduparcomnisportdeBercy.

QuelNouvel?En 2002, Jean Nouvel (né en 1945) a reçu troisrécompensesinternationalesprestigieusesquesontleprix Borromini, lamédaille d’or du Royal Institute ofBritishArchitectsetlePraemiumImperialedécernéàTokyo.Dès1971, il est l’architectede laBiennaledeParis. Ilesttrès intéressépar lemondeduthéâtreetdelascénographie.

Parmisesœuvres,ilfautciter:

lamaisonDickàSaint-André-les-Vergersdansl’Aube(1976); le centre médico-chirurgical du Val-Notre-Dame à Bezons(Val-d’Oise,1976);lecollègeAnne-FranckàAntony(Hauts-de-Seine,1978);l’InstitutdumondearabesurlesbordsdelaSeine(1987);etlemuséeduquaiBranly,ouvertenjuin2006,inspirédesmaisonssurpilotisdespeuplesminoritairesduVietnam.

Danscettepartie…

Inutile de vousmunir de votre passeport pour traverser cettepartie, l’artn’apasdefrontières.Ducerclepolaireauxdésertsd’Afrique,quelsquesoientlesconditionsdevieetlesmatériauxdisponibles, l’être humain travaille les formes, les couleurs etles supports, bâtit selondesaspirations culturelles variées, enunmotilcrée.Del’AsieauxAmériques,desîlesocéaniquesauxmontagnes de la cordillère des Andes, vous êtes convié à unpetit tour d’horizon aux quatre coins du monde des artsappelés, faute demieux, non européens. Préparez-vous à êtreimmergédansdesmondesmystérieux…

Danscechapitre:Dunordausud,delaChineetduJaponàl’Indeetl’IndochineDesmilliersd’annéesetdesmilliardsd’hommesUnephilosophiedevenuereligionDesjeuxdemainssansjeuxdevilains

L’Asieestréputéepoursagrandefinesseartistiqueetexercedepuis très longtempsune fascination sur lesOccidentaux. Les codes culturels y sont un peudifférents de ceux en vigueur dans nos civilisations,mais l’artde cettepartiedumondenenousestpastotalementinconnupourautant.LesartistesdelafinduXIXesiècle,parexemple,ontremisaugoûtdujourl’Extrême-Orient,etplusspécialementleJapon.

Laissez-vousguideràtraverslecontinent,nousallonsemprunterlespontsjaponais,fouillerlesoldeChine,étudier les positions du Bouddha, avant d’êtreaccueillisenIndeàbrasouverts…

Soleillevant:l’architecturedelaChineetduJapon

Quelestleseulmonumentvisibledepuisl’espace?Sivous répondez – comme c’est l’usage – la GrandeMuraille de Chine, vous avez perdu ! En effet, ellen’est pas plus visible que les grandes pyramidesd’Égypte. Pour vous remettre d’une telle révélation,voici quelques éléments d’informations surl’architecture et les pratiques artistiques d’Extrême-Orient.

DéfensedefairelemurLa construction de la Grande Muraille de Chines’étend de - 500 au XVIIe siècle. Mais en dehors decette exception, l’architecture chinoise et extrême-orientalen’apasconnu–c’est lecasde ledire–detravaux pharaoniques. Et la Grande Muraille elle-mêmen’est,àbiendesendroits,qu’unsimplemurquin’effraierait pas un cheval mongol court sur pattes.Ellesertgénéralementplutôtàconcrétiserlafrontièreetfaitofficedebarrièrepourempêcherlestroupeauxdedivaguer,c’est-à-diredetropsedisperseretdeseperdre, et ainsi de devenir un motif d’affrontemententre tribus nomades et empire chinois. C’est ensomme une vaste clôture de fils barbelés sans filsbarbelés…

Circulez,iln’yarienàvoir

Ons’étonneparfois,etjusqu’àremettreencausesonséjour en Chine, que Marco Polo (1254-1324) n’en

parlepasdanssonLivredesmerveilles. (MarcoPolo,rappelons-le, est ce voyageur qui a quitté Venisependantvingt-quatreansennefermantpaslerobinetdesabaignoire.Onavulerésultat…)SileVénitienneparle pas du monument si prestigieux aux yeux dechaque Occidental, la raison est toute simple : lapartie laplusspectaculairedecetteGrandeMuraille,laplusvisitéeaujourd’huietdont l’imageest lapluspopularisée (vaste escalier, hautes tours) est plustardive, ne datant que de la dynastie Ming (1368-1644). À son époque, il n’y avait donc pas de quois’émerveiller.

ManquedepontEndehorsdecemonumentutile,enExtrême-Orient,la pierre commematériau n’a guère été utilisée quepourlaconstructiondequelquesponts.SurleTokaido–lavoiequitraversaittoutleJapon–lesbacsétaientsouventpréférésauxédificesendur,celadanslebutdepouvoirmaîtriser lesdéplacementsdepopulation,les empêcher au besoin, comme dans le cas d’unetroupearméeenroutepouruncoupd’État.Àl’entréed’Hiroshimaparexemple, iln’yavaitquetroisponts,dont l’étroitesse rendait impossible toute charge decavalerie.

En architecture, c’est le bois qui prédominait. Lafragilitédecematériauagénérél’habitudederebâtirà intervalles réguliers les monuments, à l’identique.Celaentraîneuneperceptiondifférentede l’âged’unbâtiment : un guide asiatique présente une pagodecommeétantduXIVesiècle,mêmesiunincendiel’aréduiteencendresilyasoixanteansetqu’elleaétéentièrementrefaite.

C’eststupafiantAutrementdit, onn’envisagepas l’architecturede lamêmemanièreenAsiequ’enOccident.UnViollet-le-Duc asiatique ne reconstitue, ni ne crée une copie,encoremoinsfait-ilunfaux, ilréincarne. Il fautpeut-êtrevoirlàuneconceptiondel’universetuneattitudeintellectuelle en accord avec le bouddhisme.D’ailleurs, la pagode dériverait du stupa indien, cemonument tumulus censé à l’origine abriter unereliqueduBouddha.Et c’est làpeut-être l’originedetoutel’architectureasiatique.

Laformedustupaestinspiréepardeuxdesattributstraditionnelsdumoinebouddhiste:

lebolàaumônesretournépourlaformedudôme;larobedemoinerepliéepourlestroismarchesconduisantaustupa.

TibetornotTibetLestupaaaboutiàd’innombrablesvariationsenAsiedepuis que l’empereur indienAshoka au IIIe siècle apopularisé ce type de construction. Depuis le tempsqueledalaï-lamasepromènesurlaplanèteetqu’ons’intéresse au bouddhisme, vous savez qu’au Tibet,cet édifice, avec sa forme caractéristique de bulbe,s’appelleunchorten.Lesplusremarquablessont:

celuideSanchienInde;celuideBodnathàKatmandou,quidateduXIVesiècle;celuidelapagodeShwedagonàRangoon,enBirmanie;etceluiquia lerecorddehauteurde127mètresàNakhonPathom,enThaïlande.

Dieuxàtouslesétages

Cependant, une pagode n’est pas nécessairement

bouddhiste,ellepeutégalementêtretaoïste,voirelesdeux à la fois. Il n’y a qu’à songer au panthéonbouddhiquequiintègretouslescultes,unpeucommelareligionromaineantique.Celaaboutitàcemélangejaponais de bouddhisme et de shintoïsme chez lemêmecroyant.Àl’heureactuelle,letermedepagodeest réservé aux constructions d’Extrême-Orient etd’AsieduSud-Est.Cesmonumentsreligieuxenformedetourspolygonalessontdivisésenplusieursétages,parfoisquinze,qui représentent lescieuxsuperposésà la Terre, où lesBodhisattvas, les futurs Bouddhas,attendent l’heure de leur incarnation. Sans cesserebâtis,cesmonumentssontéternels,mêmes’ilssonttransitoirespourunevisionoccidentale.

UnepeintureaurouleauLa conception éphémère de l’architecture entraîneaussi d’autres habitudes de décoration. Les édificesdestinésàêtrereconstruitsunefoispargénérationnesont donc pas décorés de fresques ou de peinturesmurales,nidegrandstableauxsurtoile.

Lapeintureutilisetroissortesdesupports:

lesrouleauxverticaux,leskakemonosjaponais;lesrouleauxhorizontaux,lesmakimonos;lesparavents.

Présentezvospapiers!

Les conditions matérielles induisent évidemmentd’autres habitudes artistiques. Quel est le pointcommunentrerouleauxetparavents?Tous lesdeux

se referment et se replient. Le papier et la soie,matériaux privilégiés, ne supportent pas la lumière,alorsqu’elleest indispensablepourmettreenvaleurla peinture à l’huile occidentale. Ainsi, on n’exposepas en permanence les peintures au mur et on nejouit de l’œuvre d’art qu’à desmoments privilégiés.(De làdécoule l’expressionqui inviteàpartageruneintimitépasseulementesthétique :«Viensvoirmesestampes japonaises. ») S’il n’y a que peu deportraits, le rouleau horizontal se prête bien enrevancheàlaformenarrative.

Prenons par exemple l’histoire du Bouddha. Elle estreprésentéeavecdestraitsquirappellentparfoisnosoccidentales tentations de saint Antoine. L’art dupaysage atteint des sommets de raffinement.Certaines de ces peintures savent jouer de lablancheurdelafeuille.Letraitsuggèrelescontoursetlevidedevientpaysage.L’abstractionestpresquelà,àportéedepinceau.

Le Japonaussi développeunepratiqueartistiquequidoit beaucoup au bouddhisme et plusparticulièrementàcebouddhismezenquifaitdel’artun aboutissement personnel et intérieur. L’art zenrepose sur le dépouillement et l’admiration de lanature.Le« jardin»zendutempledeRyon-jienestun bon exemple, car il n’est pas véritablement unjardin mais une surface de graviers, savammentratissée,avecquelquespierresquiémergent.Letouttient à la fois du tableau, de la sculpture et de laperformance.

Viensvoirmesestampesjaponaises

La peinture orientale qui a marqué l’imaginaireoccidental est la peinture japonaise de l’ukiyo-e,apparue à la fin du XVIIe siècle mais florissantejusqu’àlafinduXIXesiècle.Traduitepar«imagesdumonde flottant » ou par « images du mondeéphémère et mouvant », cette expression concerneun monde en dehors de la société respectable. Lesmodèles des peintres et graveurs sont ainsi desacteursdekabuki,lethéâtrejaponais,oudesgeishas,les courtisanes de plus ou moins haute volée. Levocabulaire français familier a la même notion avec«zonard»,celuiquivivaitnaguèredans la«zone»qui s’étendait aux limites de Paris après lesfortifications.

AuxjaponaisabsentsLe genre de l’ukiyo-e est constitué de peintures etd’estampes xylographiques, c’est-à-dire imprimées àpartir de planches gravées en bois. La peinturejaponaisenesuitpaslesmêmesvoiesgrandiosesquelapeintureoccidentale.Lasouplessedupinceauetladouceur de la gravure sur bois conviennent bien àl’expression des aspects fugaces de la nature ou aumouvement gracieux de l’animal. Les noms les plusmarquants sont ceux d’Utamaro, de Hokusai et deHiroshige.

Lesmangasnedatentpasd’hierLepeintreKitagawaditUtamaro(1753-1806)faitdesprodigesenreprésentantdesinsectesettoutessortesd’animaux, mais il est surtout célèbre pour sa sériedes Maisons vertes sur Yoshiwara, le Pigalle d’Edo(anciennomdeTokyo).

Hokusai (1760-1869) laisse plus de 30000 dessins,

dontonretientsasériede15volumes,Manga(sorted’encyclopédie d’images). Et comme la mode desmangas ne date pas d’aujourd’hui, on remarque sonimportante influence sur des artistes occidentauxcomme Degas ou Van Gogh. Dans son propre pays,l’artiste a pour successeur Utagawa Ichiyusai, ditHiroshige (1797-1858). L’expression « images dumonde éphémère » convient particulièrement à sonœuvre qui dépeint la nature. À son tour, ce peintreinfluencedesartistesoccidentauxcommeWhistlerouToulouse-Lautrec.

Miseenterre…cuite:lasculpture

Le 29 mars 1974, on fait en Extrême-Orient unedécouverte extraordinaire qui bouleverse nos idéessur la sculpture chinoise.Ce jour-là, despaysansquicreusentunpuitsdanslaprovinceduShanxi,danslenord de la Chine, mettent au jour une statue deguerrier de terre cuite. Les archéologues nousrévèlentensuite l’arméequiprotège ledernier reposdeQinShiHuangdi(morten-210,soitunecentained’annéesaprèsAlexandreleGrand).CetempereurestceluiquiafondélagrandedynastieQin,dontlepaystiresonnom(devenuChineenfrançais).

DevraiesfossesLetumulusquirenferme lasépulturea50mètresdehaut et un périmètre de 6 kilomètres. Pour l’instant,les archéologues chinois n’ont pas encore pénétrédans le tombeau lui-même. Lorsqu’ils le feront, onpourrasansdouteajouterunchapitreassezétonnant

à ce livre, un peu comme si on avait découvert latombeinvioléed’ungrandpharaoncommeRamsèsII,alors que nous sommes déjà éberlués par celle d’unroitelet comme Toutankhamon ! Le plus inattendu,c’estquenoussavonsparunhistoriencequ’ilyaàl’intérieur.

Historien, Sima Qian (- 145 à - 86) a lamauvaiseidéedesefairel’avocatd’unofficieraccusé de trahison envers l’empereur Wu Di(vers-100).Orcedernieraunefaçonbienàlui de considérer les droits de la défense : illaisse à l’avocat improvisé le choix entre lesboursesoulavie,êtrecastréouêtredécapité.Sima Qian survit à l’opération et nous laisseune histoire de la Chine, où il raconte que700000 hommes ont contribué à bâtir letombeau. Ils creusent à travers trois niveauxd’eaux souterraines, coulent du bronze etinstallent les sarcophages. Des pièges sontévidemment installés pour prévenir touteintrusion.Cetombeaudevaitêtreàl’imagedel’univers.Auplafondestreprésentéelavoûtecélesteetau sol une gigantesque carte de l’Empire esttracée!Dumercureremplitlesfleuvesetdesarbres et de la végétation sont plantés pourrecréerunpaysage.Pour représenter lepays,desartisanstransportentdesmodèlesdetous

les bâtiments de l’Empire. Objets précieux etraretés accompagnent aussi l’empereur pourson dernier voyage. Les concubines sansenfantssontsacrifiées,ainsiquelesbâtisseursquiconnaissaientlessecretsdespièges.

Latêtedel’emploiLesarchéologuesmettentàjourcinqfossesdontunevide.Delapremière– laplusgrande,230mètresdelong, 62 de large et 5 de profondeur – ils dégagentplusde1000guerriers,unetrentainedechevauxetdeschars.Onestimequ’ilyaencoredesmilliersdestatues enfouies qui attendent sans remuer un cil lasuite des travaux. Les soldats debout font près de2mètres,ceuxagenouillésenviron1,20mètres.Chaquevisageestunportraitindividualiséetl’équipementestrendu avec un réalisme remarquable. La deuxièmefosse contiendrait plus d’un millier de statues dontseuleunecentaineaétédégagée.Dans la troisièmefosse se trouvent 68 guerriers et un char, peut-êtrel’état-major. La quatrième est vide, sans douteinachevée. Certains fouilleurs se sont demandés sielle n’avait pas été conçue pour des sacrificeshumains.Dans la cinquième fosse, ona trouvédeuxcharsdebronze.

L’arméedeterreDécouverte unique dans l’histoire de l’art, cettearmée en terre cuite est la preuve d’une véritableindustriedelasculpture.Onpourraitcroirequ’ensuiteelleaundéveloppementextraordinaire,enparticulierl’art du portrait comme le laisseraient supposer lesvisages, tous différents, de ces gardes. Il n’en estrien!Defaçongénérale,l’imitationdelanaturen’estpas considérée comme le but de l’art oriental. Nousne trouveronsensuiteplusguèrequedesstatuettes,

commecellesd’animauxquiontl’airsivivantsoudedanseuses pleines de grâce, et une abondanteproductiondebouddhas.

Après la conquête d’Alexandre, l’influencehellénistique perdure avec le royaume duGandharaaunorddel’Inde(actuellementunepartiedel’Afghanistan)florissantduIerauVIIesiècle. Jusqu’àcetteépoque,leBouddhan’estpas représenté avec un visage humain. LessculpteursduGandharasontlespremiersàlefaire en lui donnant les traits d’Alexandre leGrand dans des figurations inspirées desstatues d’Apollon. Toutes les représentationsactuellesduBouddha,ycomprisau Japon,endérivent. À l’opposé, nous connaissons enOccidentunsaintJosaphatquin’estautrequeBouddha devenu saint, car le mot sanscritBodhisattva est devenu Boudasaff en arabepuis Iodasaf en géorgien, pour devenirfinalementJosaphat.

JeuxdemainsChaque Bouddha apparaissant sur Terre a desmarquesphysiquesparticulières,32selonlatradition,par exemple la protubérance crânienne (ushnisha),unetouffedepoilsentrelessourcils(urna),larouede

la Loi sur la plante des pieds et sur la paume desmains, de longs bras dont les extrémités atteignentles genoux, ou bien encore la chevelure bouclée.Aprèsunexamenrapidedanslemétrocematin,noussommes encore quelques-uns à devoir nousréincarner!

LesgestesduBouddhacorrespondentàuncodebienprécis,unpeucommelesattributsdessaintsdanslechristianisme, la roue pour sainte Catherine ou lecochonpoursaintAntoine.

IlnefautpasoublierquelemystiqueconnuenOccident sous le nom de Bouddha n’est quel’und’entreeux,leBouddhahistoriquenomméSiddhartaGautama.LesrécitstraditionnelsduBuddhavamsa (l’histoire du Bouddha) disentque 24 autres Bouddhas l’ont précédé. Aprèslui, ilyaura leBouddhade l’Avenir,Maitreya,très souvent représenté dans les paysd’Extrême-Orient sous un aspect ventripotentet hilare. Il montre ainsi son optimisme pourl’avenir,mais comme il doit naître 5 000 ansaprès la mort de Gautama, on a encore letemps de voir venir. D’ici là, il aura peut-êtreperdusabonnehumeurenvoyantceque leshommespeuventsefaireentreeux!AvecMaitreya,cinqdecesBouddhassontplusparticulièrement vénérés. Ils ont unelocalisation géographique ou astronomiquebienpréciseetsontabondammentreprésentés

sous toutes les formes, sculptures oupeintures. Voici quelques indices pour lesreconnaître sans regarder les étiquettes danslesvitrines: Celui de l’Ouest, le plus vénéré, estAmithaba, nommé Amida au Japon. Ilcorrespondau soleil couchantet symbolise lasagesse, la miséricorde et la compassion, enconsolant et délivrant les êtres de leursouffrance. Le Bouddha de l’Est, Akshobhyal’Inébranlable, subjugue les passionsdémoniaques et manifeste le pur esprit del’éveil sans souillure. Il correspond au soleillevantetsacouleurestlebleu,sonattributlefoudre et samonture l’éléphant. On lui prêteles vertus de la vacuité, c’est-à-dire du videintérieur,unevertupratiquéeinvolontairementpardenombreusespersonnes!Ratnasambhava,« issududiamant»,règnedans le Sud. Sa couleur est le jaune, sonattributlediamantetsamonturelechevaloulelion. Amogasiddhi l’Incorruptible règne dans leNord.Sacouleurestlevert,sesattributssontl’épée ou un double foudre, sa monture estl’aigle. Au Zénith règne Vairocana, seigneuromniscient,lumièreuniverselle.Sacouleurestle blanc, son attribut le disque solaire et samonture le dragon. Il est souvent représentéassissuruntrônesoutenupardeslions,avecungestebien caractéristiquequi n’appartientqu’à lui : il tient ses deux mains devant sapoitrine et la droite serre totalement l’indexlevédelamaingauche.

DesvariantesCertains pays ont développé une iconographieparticulière.On trouve par exemple en Birmanie desreprésentations sculptées du Bouddha en train demarcher. Quelques représentations du Bouddhacouché sont réputées, par exemple au Japon – laplupart du temps, il s’agit du Mahaparinirvana (quin’est pas un retour du groupe de Kurt Cobain,maisune moins réjouissante extinction définitive). Pluscouramment, on représente surtout le Bouddhadeboutouassis.

Onapris l’habitudedeconsidérer certainsgestesetcertaines attitudes comme caractéristiques demiracles précis ou de d’épisodes particuliers de labiographie du Bouddha, valables pour les différentsarts asiatiques et aussi pour l’art classique indien.Mais attention, si le Bouddha historique est né enInde,l’Inden’estplusbouddhistedepuisleXIIesiècle.La religion a en effet quitté le pays qui l’a vu naîtrepourserépandredanstoute l’Asieet,d’unemoindrefaçon,enOccident.

Dugrainàmudrâ

Les gestes codifiés des mains, mudrâ en sanscrit,qu’on traduit souvent par « sceau », permettent eneffet de reconnaître les divers Bouddhas ou desépisodesde la viedeGautama.Vouspouvezoublierles termes sanscrits et retenir les positions enfrançais,afind’impressionner lesgosses laprochainefoisquevousirezaumuséeGuimet:

Dhyânamudrâ leBouddhaestassisàl’indienne,lebustedroit,lesdeuxmainsàplatl’unesur

l’autre.Lesdoigtsallongéspeuventformeraveclespoucesuntrianglemystique,symboledufeuspirituel.Abhayamudrâ lebrasest levé, lapaumede lamaindroiteest tournéevers l’avant(un peu comme on dirait « Halte-là »), la main gauche esttendueverslesol.L’épisodedelaviedeBouddhaauquelilserapporteest l’attaquede l’éléphantNalagirienvoyécontre luiparsoncousinDevadatta.Dans laviecourante,pour toutunchacun,afind’éviteruneréincarnationprématurée,lafuiteestconseillée. Varadra mudrâ

lebrasdroitestpendant, lapaumedelamainouverte, en symbole de la promesse du Bouddha de seconsacrerausalutdeshommes. Vitarka mûdra

la main est àhauteurdelapoitrinecommedansl’Abhayamudrâmaisaveclepouceetl’indexjoints.Lerondforméparlepouceetl’indexformeun6avec lesautresdoigts (commepourdire :«C’estauxpetitsoignons,jenevousdisqueça!»).Lamaingauchetientlebordduvêtement.Toutefois,celadépenddespays,caren Thaïlande les deux mains font le mudrâ. Au Japon, sixsignifications sont possibles selon la disposition des doigts :quedechinoiseries! Vairocana mudrâ

leBouddhaduZénithtientses deux mains devant sa poitrine et la main droite serretotalement l’index levé de lamain gauche. Le « poing de lasagesse » représente la connaissance dissimulée sous lesapparences.Dharmachakra mudrâc’estlegestedel’imperturbabilitéetdurejetdespassions.Lesdeuxmains sont ramenées devant la poitrine, lamain droitefait un 6 avec les doigts, la gauche appuie l’extrémité desdoigtscontrelapaumedelamaindroite. Bhûmisparsa mudrâ

le geste est toujours accompli par leBouddhaassis,lamaindroiteestallongéesurlacuissedroite,lesdoigtstendusverslesol,l’autremainposéesurlesjambesrepliées, la paume tournée vers le ciel. L’épisode en relationaveccegesteestlatentationduBouddhaparlestroisfillesdeladémoneMarasymbolisantlapassion,ledésiretleplaisir.Ladéesse Vasumdarhi vint à son secours et déclencha untremblementdeterrequilesfitfuir.Cemudrâ«deprisedelaterreàtémoin»prouvequ’uneprisedeterreestindispensabledanstoutesituationélectrique.

Lotusenposition

LesattitudescorporellesduBouddha,lesasanas,sontaussicodifiéesque lesgestesdesmains.Debout,onparle le plus souvent de stanakaasana. Le Bouddhaest de face, jambes légèrement écartées, faisant legeste de l’Abhaya. Bien connue de tous, la dhyanaasana est la position du lotus. Souvent évoqué, lelotus est, à l’image de l’être humain, capable des’épanouir en ayant ses racines dans la boue. Laplante des pieds du Bouddha a la roue de la Loicomme marque de naissance. Ces attitudes seretrouventaussibiendansl’iconographiequedanslasculpture,del’IndeàlaChineouauJapon.

Spécialistedel’universel:l’Inde

L’art indien a quelque chose d’une vision totale dumonde. Selon une légende très révélatrice, on ditqu’unroi indienvoulutapprendredesonminiaturistel’artdepeindre.«Biensûr, répondit lepeintre,maispourapprendreàpeindre,ilfautd’abordapprendrelasculpture afin de bien apprécier les volumes. » Le

sculpteur sollicité expliqua, lui, au roi qu’il devaitd’abordcomprendregestes,posturesetmouvementset pour cela étudier la danse. Évidemment, commevouspouvez vousendouter, la dansenécessiteunebonnecompréhensiondurythme,doncdelamusique.Et lamusique tire son origine de la poésie… Le roicomprit alors que, pour pratiquer une disciplineartistique, il fallait lesconnaîtretoutes.Cettehistoiredonneletondel’artindien.

Lapremièrecivilisationdel’Indusdatede-3000.OnaretrouvéàMohenjo-DaroetàHarappadesstatuettesde diverses pierres ou de bronze à cire perdue. Ceprocédé consiste à faire d’abord une statue de cire.Onl’entoured’unmouledanslequelonverselemétalen fusion. Le métal prend la forme de la cire quis’évaporesousl’effetdelachaleur:simpleetgénial.Il faut signaler les sceaux qui représentent desanimauxd’origine indienneet quelquespersonnagesdontundieuquel’oncroitparfoisapparentéàShiva.Sur ces sceaux qui rappellent ce genre d’objetsmésopotamiens, figurent des inscriptions dans uneécrituretoujourspasdéchiffréeàcejour.

Hindoueendur:l’architectureL’Inden’est jamaiscelleque l’oncroit.Lemonumentleplusvisitéde l’Inde, leTajMahal (voir )n’est pas hindouiste comme on serait tenté de lecroire,maismusulman.Eneffetsonbâtisseurestunsouverainmoghol,descendantdufameuxconquérantTamerlan (1336-1405), resté célèbre pour sespyramidesbâtiesavecunmatériauoriginal:destêtesfraîchementcoupées.Mogholestuneautre façondedire mongol, mais le terme s’appliqueparticulièrementàlacivilisationmusulmanedel’Inde.

JoueràShah

Hommedeculture,maisn’aimantpaslaconcurrence(il fait tuer tous ses frères), Shah-Jahan (1592-1666)faitbâtirunemerveillearchitecturaleprèsd’Agra,ensouvenir de sa femme la sultane Nour-Djihan. Morteen couches, elle lui avait demandé de lui bâtir untombeau dont la beauté ferait passer son nom à lapostérité.Placésurunsoclede5,50mètresdehaut,letombeaucomportedeuxétages.Coiffédecoupolesd’inspirationpersane,ilestenmarbreblancavecdesincrustations de pierre qui dessinent des motifsfloraux. Le toutauxproportionsparfaites, à tel pointqu’il est surnommé « le rêve de marbre ». Àl’intérieur, on peut voir deux sarcophages, mais lescorps reposent dans des caveaux en dessous. Shah-Jahanavait rêvépour lui d’enbâtir un semblable depierre noire. Il n’en a pas eu le temps car il futrenversé et emprisonné par son fils (qu’il avait omisdetuer:onnepeutpaspenseràtout).

Unpiliertrèsaffranchi

Si lesarchéologuessaventque l’occupationhumainen’ajamaiscessé, ilfautattendrelesIIeetIIIesièclespour trouverdesmonumentsdequelque importancecomme les piliers commémoratifs isolés. Ashoka,l’empereurconvertiaubouddhismevers-300,enfaitaussi élever, ornés de bas-reliefs et surmontésd’animaux sculptés. Le plus beau d’entre eux,conservé au musée de Sarnat près de Bénarès, estdevenu le symbole de l’Union indienne, à tel pointqu’ilapparaîtsurlestimbres-poste.

AuxquatrepointscardinauxEn grès merveilleusement poli, le plus bel exempled’artmaurya (de la dynastie dumême nom, entre -320 et - 185) représente quatre lions adossés qui, àl’origine, supportaient la roue de la Loi. Ils reposentsurunentablementrondoùsontsculptéslesanimauxquisymbolisentlesquatrepointscardinaux:lelion,lebuffle,lechevaletl’éléphant.Entrecesanimaux,ilyalarouesolaire,lamêmequel’onvoitsurledrapeaudel’Unionindienne.

De cette époque datent également les grottesbouddhiques décorées. La caractéristique en estl’imitationdans lapierredes charpentesdebois desmaisonstraditionnelles.Tailléesdansleroccommedevéritables cathédrales troglodytes comportantmêmeun stupa, ces grottes n’ont plus rien à voir avec lesmodestes ermitages des moines bouddhistes oujaïnistes.

UnearchitectureencreuxPour l’Inde, lapériodeclassiqueest cellequi s’étenddu IVe au VIe siècle, sous l’empire gupta. Ladécorationdesgrottesatteint sonapogéeàAjantha.L’architecture est là inversée : si d’habitude, pourfaire un bâtiment, on entasse des matériaux, icidurant des siècles on creuse ! Toutes les parois ontétésculptéesenrondebossed’animaux,dedivinitéset,cequiétonnetoujourslesOccidentaux,decouplesamoureux. Le site est constitué d’une trentaine degrottes et de monastères souterrains dont ladécorations’estétenduesurunedizainedesiècles.

Unlieuauxcultes

Ausièclesuivant,cettetraditionseperpétueàEllora.

Les 34 grottes creusées dans la roche sontbouddhistes,hindouistesou jaïnistes,unpeucommesi dans une abbaye on avait installé aussi unemosquée et une synagogue ! La comparaison donnetoutdesuiteuneidéedeladifférencedecivilisation.Lagrottelaplusremarquabledusited’Elloraabritelesanctuaire renommé de Kailasa. Il rappelle le montKailash dans l’Himalaya, la demeure de Shiva, lamontagne sacrée des hindouistes qui, manque dechance,setrouveenterritoirechinois!Lesfidèlesontvoulu le recréer iciàpartird’un rocher.LasuperficiedecetemplededeuxétagescreusédansunecarrièrefaitdeuxfoiscelleduParthénond’Athènes!

DesmainsduBouddhaauxbrasdeGanesh:lasculptureL’histoire de la sculpture indienne ne commencequ’avec le bouddhisme. Cette école donne uneabondanteproductionde statuesduBouddhaet desévénements de son passage sur Terre. Elle évolueensuite vers cet art indien exubérant sicaractéristique qui multiplie bras, jambes et têtes.L’artclassiqueindienestl’artguptadontl’apogéeestle règne de Chandragupta II (prononcez :Tchandragoupta),de375à415.

Dans les territoires soumis à l’autorité des roisKushana gréco-indiens à cheval sur le nord duPakistan et l’est de l’Afghanistan (toutes régions oùl’on ne trouve plus guère de bouddhistes, et encoremoinsdeGrecs)unstyleparticuliervanaître,appelégréco-bouddhiqueouencoreartduGandhara,dunomdecetteprovincequivitsondéveloppement.

Gandhara

C’est un art bouddhique très particulier etprofondément original, créé à partir d’apportssuccessifsetinattendus:syriens,parthes,romainsetindiens. L’influence grecque est évidente dans lesvisages au nez rectiligne dans le prolongement dufront–lefameuxprofilgrec–,lesdrapésàl’antiqueetlescoiffuresdesBodhisattvas.Dansladécoration,ellesemanifesteparl’utilisationdelafeuilled’acantheetpar les sujets mythologiques. L’art parthe quiprivilégie la présentation frontale y transparaît danslesalignementsdesbouddhasetdesdonateurseux-mêmes vêtus à la mode parthe, en bottes souples,pantalonsettuniques.

Défensed’yvoirLesmagnifiques ivoiresduGandharaquiproviennentde Begram, conservés au musée de Kaboul, ontdisparu dans les guerres récentes. On peut toujoursespérerlesvoirrevenirpuisqu’onsaitqu’ilsn’ontpasété détruits. En attendant cette résurrection, il estpossibled’envoirenFranceaumuséeGuimet.C’estdans cet art que pour la première fois apparaissentdesfigurationsduBouddha.Ilfautinsistersurcetart,car l’iconographie créée à ce moment-là va setransmettreenChineet jusqu’au Japon le longde laroute de la soie, qui unissait la Méditerranée à laChine.

PleinlesbrasLes scènes sculptées à Ellora et celles d’Elephanta(VIIe siècle) puisent dans le fonds mythologique duRamayana et duMahabharata, les grandes épopéesindiennestoujoursracontéessurlascèneaucoursdegrandes fêtesapparentéesauxmystèresmédiévaux.La représentation des divinités hindouistes est bienparticulière avec leurs multiples bras. Ces membresrépétéssontlàpourindiquerlesdifférentsattributsdu

dieu, permettant de reconnaître l’être divin desmultiples créatures humaines ou démoniaques quil’entourent. Chacune de sesmains porte un attributsymbolisantl’undesespouvoirs.

Unemémoired’éléphantPrenonsl’exempledeGanesh,lepopulairedieuàtêted’éléphant, maître et protecteur des arts et de lalittérature.Leplussouvent, ilaquatrebras,pouvantse multiplier jusqu’à seize (non, ce n’est pas pourmieuxserrerlesmainsdesesadorateurs).Ilaquatrebrascarc’estluiquicréalesquatresortesd’êtres,lesquatrecastesetdévoilalesquatrevedas,c’est-à-direlesvoiesdelaconnaissance.Cesmainstiennent:

lamassuequiexprimesaforce; l’aiguillon à éléphant qui montre sa capacité à diriger lesforcessauvages; une défense cassée qui lui a servi de stylet pour écrire laBhagavadGitâ;legâteauenformedeboule,legulabdjamon,larécompensedestinéeà celui qui cherche lavérité, et le côtéalléchantdel’hindouismepourlesamateursdecuisineindienne.

Imprégnésdeprèsde2000ansd’unereligionet d’une civilisation où le sexe est toujoursdissimulé, les Européens sont frappés par lesfrises érotiques tantriques, dont les plus

célèbres sont à Khajuraho. Le tantrismepropose diverses pratiques érotiques ouésotériques pour atteindre la divinité, en unesorte de yoga amoureux. Il se retrouve dansles diverses religions, tels le bouddhisme,l’hindouisme ou le jaïnisme. On trouve desscènes sur les temples qui évoquent plus lesréunionsde travail avec stagiaired’unancienPrésident d’un grand pays ami que la façaded’unsanctuaire…C’est une mystique de l’amour physiquecertes,maiscertainsscènesdezoophiliesontplutôtbizarres,mêmesionavouluyvoirdessouvenirsd’antiquesritesdefertilité.Certainsfidèlespensentquec’estàcausedeladéessede la Foudre : comme elle est très pudique,elle détourne les yeux et manque sa cible.Excellentparatonnerre!

Desminiaturesgrandeurnature:lapeintureLa peinture indienne a su utiliser tous les supports :fresques, feuilles de palme ou papier. Selon lessources littéraires, toute personne bien née pouvaitpeindreunportraitmais,del’artpicturalancien,ilnenousrestequedesfresquesoudesminiatures.

Cet art indien extrêmement raffiné n’est pas un artréaliste aux yeux des Européens : les Anglais desXVIIIe et XIXe siècles reprochaient aux miniaturesmogholes leurmanquedeperspectivesoutrouvaientqu’une statue chola (de la dynastie du même nom)commelatrèsbelleParvatiétaittropdéhanchéeavec

unetailletropminceetunepoitrinetropgrosse.Soitditenpassant,cesjeunesgensavecdesplumesdansledosquivolètentsurlesnuagesetqu’onappelledesangessont-ilspourautantplusréalistes?

AjanthaLes grottes sculptées d’Ajantha sont aussi peintesavec des fresques. Elles ont été redécouvertes audébutduXIXesièclepardessoldatsanglaispartisàlachasse au tigre. Quoique bien endommagés, lesfragments restant montrent le raffinement de cettepeinture. La scène la plus complète est celle quiprésente un roi et sa suite se rendant avec desmusiciensversunarbresacré,peut-être lefiguierduBouddha.Lascèneprésentedesvisagesparfaitementindividualisés, dans un monde vivant et foisonnant.Les peintures sur les plafonds sont probablementfaites à l’imitation de celles des palais, tant on al’impressiond’encadrementsentrompe-l’œil,avecunbestiairesaisisurlevifcommecetéléphantparmileslotus.

Arttotal

Nouspossédons encore des peintures sur feuilles depalmier qui illustrent des textes religieux. Parexemple, celle de l’école Gujarat, État de l’ouest del’Inde. Dans celle-ci, une caractéristique estfrappante : les personnages sont de profil mais lesdeux yeux sont apparents. Ce premier support enlongueur explique aussi l’habitude persistante dedisposer les scènes en long, l’une au-dessus del’autre.

L’Indeaaussidéveloppéenlapeinturedesrâgamâlâun art miniaturiste très particulier. Le raga est la

forme musicale classique, mais on joue tel ou telmorceau selon l’humeur et l’heure de la journée. Lemusicien doit en même temps s’inspirer nonseulementdutextemaisaussidelaminiature.L’Indetenteainsidecréerunartoù littérature,musiqueetpeintureformentuntout.

L’influence de l’Inde, et plus particulièrementdubouddhismecinghalais,s’est faitsentirsurlapéninsuleindochinoise.Celatransparaîtbiendans cet art inattendu du royaume duChampa,enpleincentreduVietnam,quinousa laissé de hautes tours en briques avecquelques sculptures figurant les divinitéshindouistesetlesdanseusesapsaraaumuséede Da Nang. Elles sont curieusementencastréesdanslesmurs.PuislesChams,quiétaient d’origine indonésienne, ont vu leurcivilisationdisparaître.Àl’heureactuelle,leursdescendantsviventauLaosetsontconvertisàl’islam.Ilsurentvers850créerunartoriginaloùsesont fondues les influenceschinoisesetindonésiennes.Leurs adversaires khmers du Cambodge ontcrééundesartslesplusprestigieuxdel’Asie,dontlespremiersmonumentsdatentdudébutdu VIIe siècle. L’apogée de l’architecturekhmèreestlesited’Angkor,bâtiduIXeauXVe

siècle, qui constitue un des plus grandsensembles monumentaux du monde. Àl’origine, la ville est fondée autour du templedePhnomBakheng.Lacapitaleterrestreestlarépliquede lademeurecéleste.Letempleestla montagne sacrée, le mont Meru, qui sedresse au centre du monde. Les grandsréservoirsquiserventàl’irrigation,longsde8kilomètres et larges de 2, figurent l’Océanprimordial. Cette invention du temple-montagneestunecaractéristiquekhmère.Cettecapitaleestenfaituneadditiondevilleset de temples. Angkor Vat est un ensemblemonumental de 850 mètres sur 1 kilomètre,dontl’édificeprincipalestunepyramideàtroisétagesauxgaleriesabondammentdécoréesetdominéeparcinqtoursenformedelotus.LesChamsayantconquiscettecapitalevers1180,JavayarmanVII,parfoissurnomméleLouisXIVkhmer, fit bâtir Angkor Thom centré sur letemple duBayon, avec ses énormes portraitsde pierre le représentant. Au XVe siècle, lesKhmers transfèrent leur capitale plus au sud.Les Français redécouvrent ces temples en1860avec,parmieux, le filsdeCarpeaux.Cesont les archéologues de l’École françaised’Extrême-Orient qui dégagent une partie dusite. Interrompuspar lesguerresrécentes, lestravauxontrepris:pourl’instant,suruntotalestiméde600temples,seuleunecentaineontpuêtredégagés.

Danscechapitre:Igloo,igloo,igloo:ilssontdesnôtres!SepromettredesefairelaguerreRêversavieetvivreunrêve

Les arts des Amériques et d’Océanie ne marchentévidemment pas tous sous la même bannière, loins’en faut. Mais ils ont en commun d’avoir, à unmomentouàunautre,frappél’imaginaireoccidentaletéveillésacuriosité.Aucoursdel’histoire,quandlesEuropéensn’ontpasdétruit lesœuvres lors de leursconquêtes, ces arts lointains n’ont cessé de fascinerceux qui les découvraient. La fonction magique oureligieuse de ces objets ou encore le mystère quiplaneautourdecertaines réalisationsdecivilisationsdisparues n’y sont évidemment pas pour rien, maisplus sûrement encore faut-il considérer la puissanceesthétique de ces œuvres et le rôle central qu’ellesjouentdanslesdifférentescultures.

CapauGrandNordLacivilisationduGrandNordnecomptepasquedesigloosperdusdansdesconditionsextrêmes.Oùqu’ilsoit,mêmedansdesendroitsauxclimats invivables,l’homme est artiste. Bien évidemment, les peuplesnomadesnevontpasconcevoirdesobjetstroplourdsàemporter.Ilsvontplutôtsculpteretornerlesobjetsdelaviequotidienne.

Les populations peuplant le Grand Nord et leGroenland se désignent elles-mêmes par leterme Inuit qui veut dire « les hommes ». Lemoteskimovientducri,nonpasl’exclamationmaislalanguecri,quiappartientàl’algonquin,un groupe de langues amérindiennes.Eskimosignifie«mangeurdeviandecrue».Quelrapportaveclebâtonnetglacédessallesde cinéma ? En 1922, le cinéaste irlandaisRobert Flaherty donne un excellentdocumentaire ethnologique, Nanoukl’Esquimau (eskimo ou esquimau, les deuxorthographesexistentenfrançais).Nanouk,lesurnom du héros chasseur, signifie « oursblanc».Lefilmaététournésur lacôtenord-est de la baie d’Hudson et n’est pas undocumentaire tel qu’on les réalise à l’heure

actuelle : Nanouk fait, disons, une série dedémonstrations,devant lacaméraetporteunpantalon groenlandais mais le résultat n’estpaspaternalisteoucondescendant.Ce film,àvoir dès que la dernière page de ce livre estfermée,abénéficiéà sa sortieen salled’unegrande campagne de lancement. Outre desaffichesspectaculaires, la firmePathéa lancéalorscequ’onappellemaintenantunconceptmarketing : le bâtonnet entouré de crèmeglacée et de chocolat, devenu depuis lesymboledessallesobscures!

Tchoukes:àvossouhaits!

L’artdespeuplesduGrandNordinclutaussibienl’artdes Tchoukes de Sibérie que celui des Sames, autrenomdesLaponsd’EuropeduNord.Lescivilisationsdeces peuples circumpolaires, dans des conditions deviequasimentimpossibles,sontassezproches.

Les Inuits ou Eskimos sont chasseurs quand lesLapons et les Tchoukes sont éleveurs de rennes(fournisseurs officiels du père Noël), mais leurscroyances reposent sur le même chamanisme oùl’homme peut voyager dans l’au-delà. Si la religionchrétienne est passée par là, au Groenland ou auCanada par exemple, les croyances anciennessubsistentencore.

Chez certains de ces peuples, le chaman utilise unmasque pour passer dans le monde des esprits. SiLewisCarrollparlede l’autrecôtédumiroirpoursonAlice au pays des merveilles, faut-il dire de l’autre

côtédelaglacepourdesInuits?Chaqueobjetayantune importance magique (flûte, tambour, masquechezlespeuplessibériens),jamaisletermesurréalisted’«artmagique»n’auraétéplusapproprié.

L’artadoucitlesmorses:lesInuitsLe musée des Beaux-Arts du Canada expose desœuvres de créateurs inuits. À partir des matériauxtraditionnelsissusdelachassecommel’os,l’ivoiredecachalot ou de narval, ou en utilisant la pierre ou lebois,ilsontsucréerunartoriginaldesculpture.

ÀlamasseDepuis le début duXXe siècle et plus encoredepuis1950, les conditions de vie des Inuits ontconsidérablement changé en raison de lasédentarisation. Ilssontpassésde l’arcà lacarabineet du traîneau attelé de chiens à la moto-neige …Traditionnellement,lesInuitspartentàlachasseavecdes statuettes à la ressemblance du gibier. Par lasimplificationdesmasses,cetart résoutcertainsdesproblèmesesthétiquesques’étaientposéslesartistesoccidentaux. Pour avoir à l’esprit une représentationdesœuvres inuit,vouspouvezallervoir le travaildePompon,lesculpteurfrançaisduXIXesiècle.

EspritsfrappeursChez les Inuits, les esprits immatériels et dangereuxsontappeléstupilek.Depuislesannées1930,ils leuront donné une forme sculptée, à la demanded’Occidentauxquivoulaientconnaître l’apparencedecesespritssuscitésparlamagie.Cenesontpaspourautant des créations bâtardes à ranger du côté desproductionsdesouvenirstouristiques.Cesœuvresontséduitlessurréalistesetsontparmilespluscurieuses

créations de l’art magique. Elles montrent aussicommentunecivilisationévolue.

S’adapteràlaréalité

L’art permet à certaines familles du Grand Nordcanadien de vivre de ses revenus. Il y a donc danscette société un véritable statut d’artiste qui permetenmêmetempsdemaintenirvivantelacultureinuit.Sont apparus aussi, s’ajoutant à la sculpture, desactivités comme la lithographie, la peinture ou lajoaillerie.Les thèmes traditionnelsprésentsà traversle bestiaire témoignent qu’il s’agit bien de cultureinuitetnond’acculturation.Lesartistespuisentdanslesmythes et les contes. Il n’y a guèrede sculpturesur la planète qui possède ce charme onirique,comme né d’un rêve. Ce qui n’empêche pas lesartistes inuit d’être ancrés dans la réalité : ils disentdeleurartquec’estune«imitationdelaréalité».

LesIndiensàlafile:l’AmériqueduNordEn Amérique du Nord, on rencontre les peuplesamérindiens. Leurs structures sociales sont fortdifférenteslesunesdesautres:ilyalesIndiensdesplaines nomades et chasseurs comme les Sioux, lespeuples agriculteurs et villageois du Sud comme lesHopisouencorelespêcheursd’Alaska.

Cérémoniesurprise

C’estdanslazonedelacôtenord-ouestdel’AmériqueduNord,aubordduPacifique,quel’artamérindienaconnusonplusbeaudéveloppement.Iln’yaqu’àvoirles grands mâts totémiques du peuple haida ou les

masques les plus élaborés, confectionnés dans tousles matériaux possibles et pouvant représenterplusieurs personnages ou tout au moins plusieursvisages d’une divinité. Articulés et animés, ilss’ouvrentetlaissentapparaîtreunautremasquesousle premier. Surprise garantie au cours de lacérémonie ! Le masque du corbeau, par exemple,s’ouvrepourlaisserapparaîtreunefacehumaine.

ToutestbondanslebisonLes Indiens des plaines ont une structure tribale etnomade. La dernière des guerres indiennes estrécente : Geronimo se rend en 1886 et meurt en1909, il n’y a pas un siècle. À titre de comparaison,Picasso est né en 1881. Très tôt, les Européenscollectionnent leursobjets,àtitredecuriosités.LouisXVI possède plusieurs peaux de bison avec despictogrammes, une forme d’écriture composée dedessins.Cespeuplesnomadesprivilégientdesformesd’art que l’Occident qualifierait d’artisanat, tels lesbroderiessymboliquesoulestomahawksdécorés.

Peindresurlesable

Un peuple du sud des États-Unis, agriculteur etsédentaire, celui des Hopis, est réputé pour seskachinas, des petites poupées de bois quireprésentent les esprits. Par leur diversité, par leurmélanged’artnaïfetmagique,cesobjetsontfascinéles surréalistes. Leurs voisins lesNavajos pratiquentaussi une forme d’art éphémère par la peinture sursable,l’iikaah. Ilyalàunpetitcôté«performance»puisque le vent les dispersera. Ces peintures auxformesgéométriquessontlesportesparlesquelleslesdieux viennent sur terre. Pour éviter tout mauvaisusage,ellesdoiventêtredétruites,quoique,àl’heure

actuelle, certains artistes s’inspirent de ces formespourdescréationspermanentes.

EnattendantColomb:lesartsprécolombiens

Bien avant la découverte de l’Amérique parChristophe Colomb en 1492 et l’arrivée desEspagnols, plusieurs cultures élaborées se sontsuccédéenAmériquecentraleetduSud.Laconquêtea abouti à la destruction de nombreuses œuvresd’art : toute la rançon exigée pour la libération del’Inca, le souverain d’essence divine, a été fondue.Pendantdesmois,descaravanesontapportétouslesobjets enmétal précieux, il y en aurait eu plusieursdizainesdemètrescubes.

Setournerversl’Olmèque

Lacultureolmèque,vers -1000environ,estsouventappelée la culturemère de l’Amérique centrale. Elleest caractérisée par de grandes têtes rondes deplusieurstonnes.Iln’ensubsistedenosjoursquedix-sept.Ces têtesontétésculptéessans l’aided’aucunoutil de métal et transportées sur des dizaines dekilomètres par des peuples qui n’utilisaient pas laroue!

Il s’agit de portraits de princes. Ils ont un airétrangement africain et certains sont coiffés d’uncasque rappelant celui des tankistes de la secondeguerremondiale(probablementuneprotectionlorsdece jeu de ballon sacré qui se pratique avec les

hanches).

Lemystèreestquecetartestparfaitementabouti;ilnousenresteégalementdes«autels»enpierredeplusieurstonnes,àfonctioninconnue,maisaussidessculpturesdepetitetaille,commedansunesépulturefaitedecolonnesdebasalteàLaVenta,enpierreoujade.Peudedocumentssubsistent,maisnoussavonsquecepeupleainventéuncalendrieretuneécriturequelesMayasontparlasuiteaméliorés.

On reconnaît les dieux à leurs masques. Parexemple, au Mexique, trois élémentspermettent d’identifier le dieu de la pluieTlaloc:lesyeuxcernéscommepardesmonturesdelunettes; sur la lèvre, des motifs en volutes (lesIndiens ne portent pas moustaches, ce sontdeuxserpentsentrecroisés);quatrecrocs.XipeTotev,notre«seigneurl’écorché»,porteunepeauhumainecommeunvêtementetsursa face on voit les lèvres du dieu derrière lemasque : c’est le même déguisement quedanslefilmMassacreàlatronçonneuse.Surledosousurlapoitrineapparaissentlescoutures(là,onpenseauSilencedesagneaux).Ledieule plus connu est Quetzalcóatl, le serpent àplumes, parti vers l’est en promettant derevenir. À l’arrivée de Cortès, les Aztèques

crurent au retour du dieu. La particularité decet art est l’utilisation de la volute commedansundélirerococo.

ÀvoirMayaspartir

Les Mayas, ces cultivateurs de maïs qui créent despyramides, ont tout réinventé de l’autre côté del’Atlantique : la voûte, l’écriture, les mathématiqueset, tant qu’ils y étaient, l’astronomie et le zéro ! Decette fascinante civilisation, il ne nous reste quequatre manuscrits. Elle dure de 300 à 900 environ,puis disparaît rapidement sans qu’on connaisse lesraisonsdecettedisparition.

La structure princière, la religion axée sur unsouverain avec des temples et des autels sacrésplacéssurdespyramidessontdestraitsquiévoquentla Mésopotamie. Édifices les plus connus, lespyramides entourent une grande place sur trois ouquatrecôtés.Parfois,ellesontpuservirdetombeaux,commeàPalenque.Ladécorationdelapierretombaleestcaractéristiquedecetartd’Amériquecentrale:unfoisonnement où le végétal peut se fondre dans lachairetdespersonnagesquiportentdehautescoiffesemplumées.Uneluxuriancequipermetd’imagineruncosmonautesurlapierrequireprésentel’arbredevie.

AztèquessaignantsDesgrandescivilisationsdisparuesnesubsistequelavilledeTeotihuacan,bâtievers-100.LesAztèquesyarrivent près de mille ans après la chute. Très

impressionnés, ils appellent Teotihuacan « l’Avenuedes dieux » et ils y placent tout bonnement lanaissancedusoleiletdelalune.

Unpeupleoublié

On ignorequelpeuplevécutàTeotihuacan.Ce fut laplus grande ville du monde précolombien. Ellecomptaitdeuxpyramides,dontcelledusoleilbâtieenuneseulefois,avecplusde200sacrifiésendessous.Cepeupledécoresestemples,maiscurieusementonne voit pas de grandes statues, uniquement desstatuettesenpierredediversescouleursetdebeaux« masques » à fonction inconnue. Des fresques àdominante ocre ont été retrouvées avec cettedécoration en volutes caractéristiques. Quand lesculpteurveutreprésenterlaparole,onal’impressiondevoirundecesmirlitonsdesfarcesetattrapesquisedéroulentquandonsoufflededans.

FaiteslaguerreEn 1256, le peuple aztèque bâtit Tenochtitlan en unlieu marécageux sur le territoire des Olmèques. De1350à1500,lavillelacustre(c’est-à-diresurl’eau)etses jardins flottants compte jusqu’à plusieurscentainesdemilliersd’habitants.

Les Aztèques puisent leur art dans les peuplesprécédents, comme celui de Teotihuacan, avec lareprise des pyramides sacrificielles. Les dieuxsanguinaires sont en effet vénérés à travers unesculpture massive, dont la statue de Caoatlicue,déessedelamort,estunbonexemple.LesAztèquesdéploient également leurs talents dans l’artmonumental avec le Grand calendrier, pierre de 4mètres de diamètre, qui décrit les cosmogonie et

cosmographie (mythes de l’origine de la vie etdescriptiondesastres)aztèques.Ontrouveaussidesœuvresd’orfèvrerieoudecéramique.

Cette civilisation présente le trait inattendu d’être laseuledansl’histoireoùdescitésontpasséentreellesdes traités où elles se promettent… de se faire laguerre régulièrement ! Absurde ? Pas vraiment :c’étaitlaseulefaçondeseprocurerdesvictimespourlessacrificessanglantsquipermettaientderégénérerlesoleil.

IncasàpartAutres civilisations disparues, les peuplesprécolombiens des Andes laissent un héritageartistiqueimportant.Dès-2000,onatraced’industriemétallurgique dans les civilisations andines. L’art del’orfèvrerieparvientalorsàsonsommet(normal,dansles Andes). Chose restée incompréhensible, lespeuples précolombiens développent une sciencemétallurgique élaborée mais ne passent pas à lafabricationd’outilsdemétal.

Avant les Incas, nous connaissons d’autrescultures parmi lesquelles il faut remarquer lacivilisation de Paracas vers - 1000. On a

découvert des tombes en forme de puitsrenfermant de nombreuses céramiquespolychromes, dont les couleurs sontmélangéesàdelarésine.Cettecivilisationestsurtoutconnuepoursesremarquablesmantos,les étoffes très décorées qui enveloppent lesmomies des hauts personnages. Ils mesurent2,5mètressur1,20etsontdecouleursvives,tissés en coton, laine ou cheveux, avec desavantes broderies reprenant des motifsmythologiques.Vers - 600, la culture nazca prend le relais.Même absence de statuaire et mêmeabondance de textiles et de céramiques. Onvoitassezsouventdesvasesaugoulotdoublerelié par une anse. Il faut rappeler quel’Amérique précolombienne ne connaît pas letourdepotier.Lafabricationdepoteriesefaitalors à partir de colombins, des boudinsd’argilequel’onsuperposeetquel’onmodèle.Laculturemochicaalivréen1988unetombeintacte, celle dite du seigneur de Sipan. Uneactivité de survie dans la région étant lepillage des tombes, la trouvaille estextraordinaire.Lemortétaitcouvertdebijouxde métaux précieux, de turquoises. Sesépouses et ses serviteurs l’avaientaccompagné dans son dernier voyage. LesMochicas bâtissent aussi des temples debriqueenformedepyramidesendegrés,dontl’unatteignitprèsde50mètresdehaut!

DesstatuettesbienpoliesEn 1891, la découverte du « trésor des Qimbayas »

(IVe-XIVesiècle)révèle121piècesquisontoffertesàl’Espagneparlegouvernementcolombien.Cesobjetsréalisésenalliaged’oretdecuivre représententdespersonnages réalisés à la cire perdue. Les surfacessont si soigneusement polies que les statuettesdonnent l’impression d’être en or pur. Il s’agit depersonnages d’une parfaite sérénité dans desattitudes hiératiques et dignes ou de poporos, lesrécipients destinés à recevoir la chaux. Celle-ci seconsomme alors avec les feuilles de coca, pour enactiverlesprincipesactifs.Danslestombes,ontrouvedumobilierfunérairecommedesbijoux,desinsignesdechefsindiensappeléscaciques,desornementsdenez(unemodeàrelancer),desstatuettesd’animauxoud’hommesnusassissurdepetitsbancs.

AusommetdesAndesAyantatteintsonapogéeavantd’êtredétruitpar lesEspagnols,l’Empireincasecaractériseparlefaitquel’écritureyétait inconnue.C’estsurprenantdansunecivilisationquiavaitsuparailleurscréerunréseauderoutes et une administration efficace, des égouts etdesruespavées.

Les Incas bâtissaient en pierres colossales etlaissèrent des constructions imposantes comme leMachu Pichu. Les quipus – des cordelettes tresséesparlesquelleslesmessagerstransmettaientlesordreset les volontés de l’Inca aux provinces – n’ont pasencore livré tous leurs secrets. Quelques raresstatuettesenargentdonnentuneidéedecequ’apuêtre la rançon de l’Inca que les conquistadors ontfondue.

Résultatsupérieur:Haïti

Pour AndréMalraux, le peuple haïtien est un peuplede peintres. Haïti présente les particularitéshistoriques d’être la première République noire etd’offrir une religionoriginale, le vaudou,unmélangede rites africains et chrétiens. Mais cette rencontren’est pas seulement un simple collage de deuxchoses, car le résultat est supérieur et différent desdeuxpartiesdelasomme.

DubidonPar un panthéon particulier, le vaudou a été unesource d’inspiration remarquable. La rencontre desdeux cultures européenne et africaine a donné laculture haïtienne, comme pour l’art moderne labeauté naît de la rencontre dedeux objets éloignés.C’estsansdoutepourquoilesurréalismeaétéséduitpar l’arthaïtien.Cetartaunepeintureétonnanteetcomprend également une sculpture intéressante etinattendue, née des croix de cimetières ets’apparentant à l’art brut. Le bosmetal par exempledécoupeunbidondefueletl’aplatit.Decerectanglede métal naissent des silhouettes reprenant lamythologievaudououdespersonnageshaïtiens.

UneviergeattenddesjumeauxUnegrande toilede IsmaëlSaincilus représente,néed’un coquillage comme la Vénus de Botticelli, uneVierge Marie tenant dans ses bras deux enfantsporteurs d’auréoles. Ce sont à la fois les jumeauxsacrés yorubas, mais également le Christ avecThomasDidyme, lesaintThomasdeschrétiens,celuique la tradition ésotérique présente comme sonjumeauhumain.«Thomas»signified’ailleursjumeauen araméen, la langue du Christ, et « Didyme »jumeau en grec. La Vierge africaine évoque lesvierges noires inspirées en Europe par la déesseCybèlemaisaussiYemahaOlokoum,lagrandedéesse

africaine qui règne sur la mer. Les mythes serencontrent,sefécondentetpermettentderêver.

ÇanourritpassonhommeLa reconnaissance internationale de cet art se faitquand un certain Dewitt Peters arrive dans l’île. Ilfonde là un centre artistique avec de jeunes artisteshaïtiens. Certains veulent y voir une perte despontanéité, mais rien n’est moins sûr quand onsongeà lasourcevivifiantequ’aétécetteécole,parlaquelle la plupart des grands peintres haïtiens sontpassés. Ce qui n’empêche d’ailleurs pas l’art haïtiendedemeurervéritablementpopulaire,carnombredeces artistes doivent gagner leur vie par d’autresmoyens.

Jean-Michel Basquiat (1960-1988), une des grandesfiguresnew-yorkaisesdelapeinturecontemporaine,aunepartiedeses racinesenHaïtietsonœuvres’eninspire.

Petitpointàl’ordredujour:l’OcéanieUnminusculepoint sur la carte frappe l’imagination.En 1929, les surréalistes dessinent une carte dumonde en figurant les pays selon leur créativitéartistique et leur importance pour la conceptionsurréalistedumonde.Ainsi,l’îledePâquesalamêmetaillequel’Afrique!

LesyeuxdePâquesSur la petite île de Pâques perdue dans l’Océanpacifique se dresse un témoignage étonnant decréation artistique. La sculpture et le transport de

gigantesquesstatuespesantplusieurstonneslaissentpantois, cesont lesmoaiougéants.On trouveaussides sculptures filiformes dans des bois torturés quimontrent des hommes amaigris aux grands yeuxhallucinés. Là encore, nous sommes dans un artmagique.

CrochetsculptéLasculptureocéaniennecomportedesstatuesetdesmasques, confectionnés dans les mêmes matériaux,boisoufougèresarborescentes,taillésdanslamatièremême, mais aussi des œuvres constituées devanneries ou de tissus (tapas) recouvrant unearmature.L’artdelasculpture,commeenAfrique,s’yapplique à de nombreux objets comme les piroguesoulespoteauxdesmaisons.Uneparticularitédel’artocéanien est le crochet sculpté aux nombreusesvariations ; cet ustensile sert, dans les cases deNouvelle-Guinée par exemple, à suspendre lesmarchandises aux poutres pour les protéger desanimaux.

Locataireinvisible

Lesobjets sontdans cette culture chargésdemana,de force magique. L’Océanie abonde en petitessculptures utilisées comme talismans. Un très belexemplaire est conservé à Paris. Il était visible aumusée des Arts africains et océaniens et seraprochainementexposéaumuséeduquaiBranly.Hautde 35,5 centimètres et large de 15,8, il est entouréd’histoires fabuleuses. À l’origine, son propriétaire ledirige vers le village où il va traiter des affaires. Unethnologuele«récolte»en1949etlesvoisinsdulieuoù il l’avait rangé se seraient plaints du bruit quefaisaitquelqu’undanslademeurepourtantinhabitée!

Flûte!

Autre élément habituel mais à la dénominationsouvent inappropriée : le masque. En effet, onregroupe sous ce même vocable les sculptures quisont placées commeprotection sur desdemeuresetlesmasquesàproprementparlerquisontportésdansdescérémonies.Onappelleaussimasquedeflûtedesflûtes tellement décorées qu’elles disparaissent sousune accumulation hétéroclite d’ornements. Un belexempleàl’élaborationcaractéristiqueprovientdelacollection Félix Fénéon, le critique d’art ami despointillistes du XIXe siècle. L’instrument demusiquese constitue d’un os enfermé dans une vannerie,recouvert d’une pâte épaisse dans laquelle descoquillages insérés dessinent un visage. Cheveuxhumains, plumesde casoar, caninesdeporcdans lenez complètent la face,enun résultat saisissant.Detels objets ont littéralement fasciné les artisteseuropéens.

Les langues océaniennes ont donné peu demots au français. Un des rares est«tatouage»,unartàpartentière–aprèstoutilyabienunbodyartetsongezauxfemmes-pinceaux de Klein – à fonction, là encore,magique.Chaquetatouageestunique,indiquel’appartenance clanique et le rang social. Lesmotifs se retrouvent sur les autres supportsartistiques.Onyvoitdescourbes,despoints,

des volutes, d’autres formes stylisées commedessoleilsoudesétoiles,aveclaparticularitédenepasêtreenfermésdansuncercleouuncadre. Ces formes peuvent elles-mêmesgénérerd’autresfigures.

Rêvegénéral:l’AustralieetlesaborigènesL’Océanie est une véritable poussière d’îles. La plusimportanteestl’Australie.Peupléedepuis40000ansà l’arrivée des Blancs, elle prouve que l’art apparaîtavecl’homme.Jusqu’àlaSecondeGuerremondiale,lacultureaborigèneestvouéepeuàpeuàladisparition.Comme la mort d’un aborigène n’intéresse alorspersonne,unethnologueastucieuxfaitpasseruneloiprotégeant les peuples aborigènes comme « desanimaux en voie de disparition » ! Ce qui contraintparadoxalement le gouvernement à assurer unminimumdeprotection.

Lavieestunsonge

La particularité de la pensée aborigène est lacroyancequecemonde-ciestuneprojectionduvraimonde, letempsdesrêves.Lescheminsquesuiventlesnomadessontlarépliquedansledésertdesroutesde l’autre monde. Sous le signe de la magie, l’artaborigènecréeunepasserelleentrecesmondes.

Les styles et les formes sont très différents d’unerégion à l’autre, étant donné la taille du pays et lavariétéde lapopulation.Onestimeà700 lenombredelanguesparléesàl’arrivéedesEuropéens!Chaque

aborigène,pourentretenirdesrelationsavecd’autresgroupes, pratiquait une dizaine de langues oudialectes.

Bardonpourtout

Lessupportsdelapeinturesonttrèsvariables,allantdu corps humain à la roche, et peuvent êtreéphémères comme le sol dans le désert central. Lesformes traditionnelles ont été traduites depuis unequarantaine d’années sur des supports plusconventionnels.Ainsi,onfaitpartirlerenouveaudelapeinture aborigène des années 1970, au coursdesquelles les murs de l’école de Papunya sontrecouvertsdepeinturesmurales.Saluonsaupassagele professeur de dessin Geoffrey Bardon qui en adonnél’impulsion.

L’art contemporain des aborigènes australiens estprésent au musée du quai Branly, dans l’édificemême,puisquehuitartistesdécorentunedesfaçadesetcertainsplafonds.Onpeutyvoirlareprisedecettetradition française de confier à des artistes ladécoration de monuments, exactement comme à lagaleriedesGlacesdeVersaillesouauLouvre.

Danscechapitre: Mahomet, Averroès et des califes bien à leurplaceLessecretsdesmosquéesdévoilés Des miniatures livresques aux châteaux dudésert

Del’Espagneàl’Inde,l’artislamiqueestunedesplusbelles réussites humaines et nous allons en voir iciquelques exemples. D’une dynastie à l’autre, l’artottomanet arabeoffre tout ununiversd’arabesquesetdecouleurs,devisionsenchanteressesaumilieududésert.Leplussouvent,ils’agitd’artreligieux.Etsilemot islam signifie « soumission à Dieu », l’artislamique,parfoissoumisencelaàdestrictsinterdits,n’en est pasmoins une leçon de tolérance, dans samanière d’intégrer toutes les influences et sourcesétrangères,avecpoésieetsensibilité.

DesolidesfondationsLes ancêtres des Arabes, les Nabatéens, ont à leuractifdesréussitesartistiquesremarquables,commelesitedePétra,unevilleentièreenpleindésert,dotéed’un savant réseau de canalisations et de vastessalles creusées dans le roc. Une missionarchéologique travaille en ce moment en ArabieSaoudite à Madaïn Salih, où il y a une autre citéfondéeparlemêmepeuple.Lerésultatserapeut-êtrela révélation d’une autre Pétra, à 400 kilomètres aunorddeMédine.

Arrêtetesbétyles!Le peuple des Nabatéens constitue une civilisationarabique avant la naissance de l’islam. Le dieu dePétrasenommeDousarèsetlesNabatéenspratiquentle culte des bétyles (des pierres sacrées). Lorsqu’ilsquittent le site de Pétra, peut-être emportent-ilsl’élément central du culte. Or, il y a toujours unepierre sacrée très célèbre dans une grande ville depèlerinagedecette région…Mais loindenous l’idéed’émettreunenouvellehypothèsehistorique,capabled’éveiller bien des susceptibilités. Ce serait commeaffirmerauxchrétiensqu’uncertainnombrede leursreliquesontuneoriginepastrèscatholique!

La Grande Mosquée de La Mecque abrite

l’immense Kaaba, un cube de pierre, quiprotège la pierre noire sacrée (un bétyleprobablement d’origine météorite) recouverted’untissunoir.LamaisondeDieuestàl’origineunevéritableauberge espagnole : outre trois déessesprincipales, elle abritait en effet plus de 360divinités ! LaMecque se situant àmi-chemindel’ArabiedusudetdelaPalestinebyzantine,aucarrefourdespistesmenantauYémen,enÉgypte, en Syrie et en Mésopotamie, elle futd’abordunlieudepassage,quidevintviteunlieu de culte pour tous les voyageurs. Etchacunyapportaitsondieu.

L’an1commenceen622Le 24 septembre 622, le prophète Mohammed,nommé Mahomet en français, et ses compagnonsfuient La Mecque pour Médine. Le calendriermusulmanadoptecettedatecommepointdedépartde la chronologie islamique. L’année622est ditedel’hégire, mot qui signifie « émigration ». L’Islam estactuellementen1384.Donc,sivousvousrendezdansunpaysislamique,pensezàretardervotremontrede622ansetpresquedixmois–sacrédécalagehoraire!Pouréviterl’usageabusifd’unecalculatrice,touteslesdatesquisuiventsontexpriméesdanslachronologieoccidentale.

ProphèteensonpaysLeclanfamilialdeMahometfaitpartiedestribusdesqurach (littéralement « requin ») qui ont conquis LaMecqueauVesiècle.Névers570,Mahometestplacéen nourrice chez les nomades du désert. Cette

pratiquesubsisteencoredenosjourspourdesraisonsdesanté–fairerespirerauxenfants legrandair–etpour tisser des liens entre familles étrangères, lesfrèresde laitdevenantcommedes frèresdesang. Ildevient rapidement orphelin et son enfancemystérieuseestentouréedelégendesetdetragédies.

Il reçoit la révélation du Coran entre 610 et 613.Persécutédans sa foi, il s’installeàMédineavec sesfidèles.Chefreligieux,politiqueetmilitaire,ilreprendLaMecqueen629-630.Nesachantnilire,niécrire,ilenseigneleCoranoralementàdesfidèlesdeplusenplus nombreux. Le nabi, le prophète, se nommeMohammed, c’est-à-dire le béni, le loué. Latranscription enMahomet prête à confusion puisqu’ildérivedemahoumid,quiveutdirelenon-béni.Quellemauvaise manie bien française que de traduire lesnomspropres!

Qu’aditlehadith?L’islam à ses débuts apparaît aux Byzantins commeune secte chrétienne de plus : les observateurspolitiquesontencoreparfoisdenosjoursdesanalysesaussi originales et pertinentes. En un siècle, lesarméesmusulmanesconquièrentcependantunvasteterritoire en forme de croissant. On voit souvent làl’originedecetemblèmeencoupeouverte.

De l’Espagneà l’Indonésie, l’arty tientuneplacedechoix :undeshadiths,paroleduProphète rapportéepar la tradition, dit : « Dieu est beau, il aime labeauté.»

Califejusqu’halaliMahomet n’a rien prévu pour sa succession. Lesfidèlessemettentd’accordpourdésigneren632Abu

Bakr, soncompagnonpréféré,quidevient lepremiercalife.(Aupassage,unmotd’explicationsurl’élémentdenomAbu : lesmusulmans sont si fiersd’avoirunfils qu’à la naissance de leur premier, ils peuventchangerleurnomenAbuquisignifie«pèrede».)En634, Omar le remplace. Son successeur, appeléOthman (644-656), est celui qui fait la premièreédition du Coran. Mais ne la cherchez pas chez lesbouquinistes,elledemeureintrouvable.

Unedescomposantesdel’artdumondearabeest l’adaptation de l’écriture à la décoration.Cette science de l’écriture s’appelle lacalligraphie. L’Occident a séparé l’image – lapeinture–dusigneetapratiquéuneimitationdu réel. L’Orient, lui, a tenu à faire du signeune image à part entière. L’écriture acquiertainsi un caractère sacré. La calligraphie y estun art plus prisé que la peinture. Un princeoriental se doit de lamaîtriser et d’avoir unebelleécriture.Ilenexistedeuxtypes: le naskhii, de type cursif (les lettress’imbriquent les unes dans les autres pourdonner des motifs souvent appelésarabesques); le coufique, de type anguleux, plusgéométrique.

Desartistescontemporainssaventencorefaireœuvre originale en alliant modernité ettraditioncalligraphique,commeMehdiQotbi.

Lamosquéedémasquée

Lemotfrançaismosquéevientde l’arabemasjidqui,àl’origine,désignetoutlieuoùl’onprie.LapremièreestédifiéeàMédineparleProphète.Lebâtimentestconçu selon un plan octogonal, une formegéométrique récurrente dans l’art architecturalislamique.Ilrésultedelacombinaisondedeuxcarrésconcentriques, c’est-à-dire inscrits dans le mêmecercle.L’octogonedessineuneétoileetsedémultiplielui-mêmeenétoileàseizebranches.Ilestlelienentrel’Univers et l’homme, entre le macrocosme et lemicrocosme, du grec cosmos désignant le monde.Remarquezaupassagequesi l’hommefaitpartiedu«grandmonde»,ilestdéjàun«petitmonde»àluitoutseul.

PrêcheàlaligneAvecunecour centraleetune fontainedestinéeauxablutions, le plan de toutes les autres mosquéesdérive de l’octogone, à de rares exceptions près. Lecentre religieux qu’est la mosquée est aussi unendroitoùonpeuttraitersesaffaires.Cesbâtimentsprésententunensembledemosaïques,desculpturesetdefresquesquimontrentbienégalementcommentl’art islamique se crée à partir des influenceshellénistiques.

Le muezzin appelle à la prière d’une tour appelée

minaret.Àl’origine,cemotdésigneunendroitoùilyadufeuetdelalumière, lemanara.Letoutpremiermuezzins’appelaitBilal.(ManaraetBilal…Neserions-nouspasenpleinebandedessinée?)Aumomentdel’appel,lesfidèlesdoiventsetournerversLaMecquepourlaprière.

Versquellevillesaintesetourner?Dans le mur de la mosquée, une niche appelée lemihrab leur indique la direction. Le mirhab estl’endroitoùl’onprêche:c’étaitlachaireàdegrésduProphète,avantdedevenirensuiteletrôneducalife.

Au début du prêche du Prophète, les fidèles priaienten direction de Jérusalem. À partir de 624, ils setournent vers La Mecque. Mais Jérusalem reste uneville sainteetdevient le secondgrandpèlerinagedel’islam.LamosquéeduDômeduRochers’yélèvesurl’emplacement du temple de Salomon. Considérécomme le centre dumonde, le rocher sacrémarquel’emplacementoùAdamaétécrééetd’oùMahometest monté aux cieux, sur sa jument centaure, Al-Bouraq,unesortedesphinxàtêtedefemme.Extaseset ascensions demeurent en effet le monopole dessouverains,magiciens,sagesetmystiques.

Hautementcalifés:lesOmeyyadesContemporaindugrand-pèredeMahomet,Omayaestle chef d’une des tribus qui gouvernent La Mecque.Sonclanestpuissantetriche,lui-mêmeestàl’originede la dynastie qui portera son nom, les Omeyyades(632-750), qui constitue une période artistiquementféconde,notammentenraisondudéveloppementdel’architecturereligieuse.

Damas,tonuniversimpitoyableL’art islamique suit l’évolution politique et ledéplacementgéographiquedumondemusulman.Lescalifes Omeyyades créent, dans la mouvancesyrienne, les premières mosquées : Basra (665) etKoufa(670)enIrak,etal-AqçaàJérusalem,enfacedecellediteduDômeduRocher(mêmequandonn’estjamaisalléenTerresainte,onconnaîtcettedernière,pour l’avoir vu régulièrement aux informationstélévisées). Ils s’installent ensuite à Damas etconstruisent la Grande Mosquée, référence de l’artmusulman : grande cour,minaret, salle de prières àtroisnefscoupéestransversalementparuneautrenefqui conduit au mihrab. À cet emplacement sesuccèdent tous les cultes : araméen, romain,chrétien… Le mausolée de saint Jean-Baptiste s’ytrouvetoujours.

Les princes se font aussi bâtir des qsars, sortes dechâteaux du désert,même si dans certains cas leurutilité n’est pas seulement de villégiature. Parexemple,dans l’actuelle Jordanie, leqsaral-Kharana,bâtimentenruinedontlessculpturessontconservéesauPergamondeBerlin,asansdouteserviàlafoisdeforteresse et de caravansérail (auberge pour lescaravanesdudésert).Lemurd’enceinteestfortbienconservé, avec ses tours arrondies. Un astucieuxsystème de meurtrières assure l’air climatisé et lesétagesconserventunintéressantdécordefrises.

Unparadissurlesmarécages

Audébut duVIIIe siècle, un calife décide de bâtir laplus belle des mosquées. Le premier architecte voit

sonoeuvreetsaréputations’effondrer.Undeuxièmeaccepte de relever le défi, mais à une condition :l’absolue liberté de manœuvre. Il commence lestravaux, met en place des piliers, puis disparaîtpendantunan. Imaginez la ragedu califequi le faitrechercher en vain ! Cet héroïque inventeur del’annéesabbatiqueréapparaîtenfinpourreprendresatâche. Enfoncés dans le sol marécageux, les piliersont enfin trouvé leur assise ! Le même principe ad’ailleursservipourleSacré-CœurdeMontmartre.Cequirestedeladécorationd’originelaisserêveur:lesmosaïques représentent la splendeur de la Damasomeyyadeetl’assimileaujardind’Eden.

LecalifeomeyyadeOualid IersebâtitauVIIesiècle le qsar Amra, réputé pour sonarchitecture et sa décoration. Ce bâtimentresteundesplusintéressantstémoignagesdel’art islamique. À l’extérieur, il n’est passpectaculaire. De pierre jaunâtre avec uncurieuxtoitcomposédetroisdemi-cylindres,ilestàl’origineunpavillondechasseàl’onagre.(Il n’est pasmalpoli de préciser que l’onagreest un ongulé qui se place entre l’âne et lecheval.) Comme l’Orient conserve l’usageromaindesthermes,Amraabriteunhammam,avec un ensemble unique au monde depeintures et de mosaïques. Hélas, quoiqueclasséesparl’Unesco,ellessontentristeétat.OnyvoitlesroisvaincusparlesOmeyyades:

byzantin, perse,wisigoth, éthiopien, indien etd’autresnonidentifiables.L’art omeyyadeestessentiellementunartduProche-Orientnédesconditionsdelaconquêteet des traditions existant déjà sur place. Cecidit,ladernièresallenousfaitquittercemondepour les cieux, avec une voûte céleste et lessignes du zodiaque. Le tout forme unensembleplutôtsympathiqueetrafraîchissantdans lachaleurdudésert. Il rappelleque l’artislamiqueestaussiunarthédoniste,qu’ilpeutêtre tourné vers le plaisir : certaines despeintures d’Amra représentent des nudités.L’une d’entre elles évoque plutôt, selon laplaisanterie de plusieurs générations deguides, la position préférée d’unmissionnaireendehorsduprêche…

ZiggouratspournepassetromperInventeursdelafaïence,lesAbbassides,dynastiequicommencevers750etquifaitdoncsuiteàcelledesOmeyyades,bâtissentàSamarra,enIrak,l’imposantemosquée d’Abu Dulaf à l’enceinte de briques, etplusieurs palais fortifiés comme celui d’al-DjausakKhakani,construitparlecalifeal-Mutasim.L’édificelepluscurieuxdeSamaraestleminaretdelamosquéed’Al-Mutawaki,avecsonescalierextérieurenspirale,haut de 52mètres. L’influence de cemonument estplutôtinattendue:lespremiersvoyageurseuropéensontassimilésaformehélicoïdaleàlatourdeBabel.

Àlaplaceducalife:lessuccesseursL’extensiondumondeislamiquecontinue.Enréactionau calife de Bagdad, la dynastie des Fatimidess’installeenÉgypte.LesSeldjoukides,quantàeux,seposentenAsieMineureauXIesiècle.Durantlamêmepériode, des Omeyyades venus de Syrie s’illustrentaussienEspagne.

FatimidesmaissanscomplexeLesFatimides(909-1171)senommentainsidufaitdeleur prétention à être les descendants de Fatima, lafilledeMahomet.Sileurrègnen’estpasaussibrillantqu’ils le souhaitent, ils laissent à la postérité un artraffiné.

IlsfondentnotammentlavilleduCaire,oùsetrouve,comme un fait exprès, la mosquée d’al-Azhar,commencée en 970. Elle est la plus ancienneuniversitéaumondeenfonctionnementetsoncheikhest encore aujourd’hui l’autorité religieuse la plusimportantedupays.

L’architecturedesFatimidesestmarquéepar l’usagedu bois, traité comme un matériau précieux, avecdifférentesessencessculptéesàlamanièredel’ivoire.Cela donne des pièces d’une grande finesse, maisaussi d’une grande fragilité. De nombreuxtémoignagesdeleursavoir-fairenousontététransmislorsd’échangesaveclescroisés.

Les Fatimides sont de véritables amateurs dechasse, à pied ou à cheval. Ils dressentfauconsetguépardspourlesaccompagner.Lachasseseparedetouteslesvertussanitaires:outre l’exercice physique, elle donne del’entrain et elle éloigne les maladies. Ellesolliciteparfoistoutel’arméeducalifeetpeutalors durer des mois ! Plaisir et manœuvresmilitaires : qui a dit qu’on ne pouvait pasjoindre l’utile à l’agréable ? Les proiesrecherchées sont en priorité les grandsprédateurs (lion, tigre, panthère…). Mais lefretin (antilope, gazelle, onagre…) est aussiparfoisaumenu.

Seldjoukides,pourvousséduireLes Seldjoukides (1037-1300) sont une dynastiedominante de l’Orient musulman. Les chroniqueursdes croisades les appellent souvent les Turcs, peut-êtreparsoucidesimplification,enraisondeleurnomàcoucherdehors,mêmesousunetente.Leurstylesecaractériseparunesynthèsedesinfluencesiranienne,syrienne et arménienne, par un usage quasi exclusifdelapierre.

Ce choix de matériau explique la pérennité desmonumentsseldjoukides.Laqualitéde la tailleentreégalementenlignedecompte:l’habiletédesartistes

se traduitpardebeaux reliefs sculptés,avecparfoisdesjeuxdecontrasteentrepierresdetonsdifférents,ditsablaq.Letravailablaqétaitalorsonnepeutplusofficiel…

L’art funéraire commence à se développer à cetteépoque. De formes géométriques variées (carré,rectangleoupolygone), lesmausoléessedistinguentgrâceàleurdômeenpyramideouencône.Uneautreparticularitéàretenirestlaprésencededeuxétages:la crypte, où est enterrée la dépouille mortelleuniquement protégée d’un linceul, et l’étagesupérieur,oùseplacelecénotaphe,uncercueilvide.

Non, ce n’est pas Charlemagne, mais, enIslam,levizirNizamal-Mulk.Undesdevoirsdela religion islamique est de transmettre lesconnaissances. Pour cette raison, lesmosquées sont aussi des lieuxd’enseignement. Cependant, le vizirseldjoukide susmentionné jugea bon de créerspécifiquement un « lieu où l’on étudie », lamadrassa,bâtimentséparédelamosquée.Lapremière madrassa est fondée à Bagdad en1066. On y prie mais on peut également yétudier les mathématiques, la grammaire, lamédecine, aussi bien que le droit etl’astronomie.Souventattenanteàlamosquée,elle contribue à transformer progressivement

le lieu de culte en véritable complexearchitectural avec thermes, lieu de retraitespirituelle, mausolée… Cela n’est pas sansrappeler l’abbaye de Cluny et les forteressesdefoietdesavoirduMoyenÂgeoccidental.

UnartMaurebienvivant:l’EspagneLes Omeyyades d’Espagne descendent de la grandedynastie de Syrie décimée au IXe siècle. Elle futremplacée par de petits royaumes indépendants(1031-1091).L’architectureomeyyadesedistingueiciparl’emploi,souventheureux,d’arcsenferàcheval.Lespierresdontilssontformés,lesclaveaux,sontdecouleurs alternées. Dans les mosquées, le mihrabconstituedésormaisunepièceàpartentière,décoréedestucsculptéetdemosaïqueàfondd’or.

CordoueaucordeauLamosquéesansdoutelaplusspectaculaires’élèveàCordoue, en Andalousie. Agrandie par quatre califesdifférents entre 785 et 987, elle s’étend sur 1,5hectare. De proportions gigantesques, elle est bâtieavec près de 19 nefs et 850 colonnes provenant demonuments antiques. Son mihrab, là encore traitécomme une pièce indépendante, comporte desinscriptionsenmosaïquedeverredeByzance.Aprèsla prise de Cordoue par les croisés en 1236, lamosquéedevientunlieudecultechrétien.Soncentresera détruit au XVIe siècle pour accueillir unevéritable cathédrale mélangeant les styles roman,gothiqueetbaroque.

LibérateursenpensionEnsuitevientl’artdesAlmoravidesetdesAlmohades

qui regroupent la production islamique en Espagne(1056-1147) et au Maghreb (1130-1269). LesAlmoravides,audépartconfrériedemoinesguerrierspuisdynastieberbère, fondentMarrakechen1062etvisentlaconquêteduSénégalquandilssontappelésausecoursdeTolède.Ilss’yinstallentjusqu’en1147,annéeoùlesAlmohades,autredynastieberbèreissued’unmouvement réformiste, prennent le pouvoir. Lecôté pratique de cette civilisation consiste à fairecomprendre aux guerriers farouches qu’eux aussipeuvent prendre du bon temps : une fois une villelibérée,ilspeuvents’yreposerquelquesannéesavantdesongeràenoccuperuneautre.

Paix et prospérité favorisent le développement desartsetdessciences.ÀleurcourviteneffetibnRuchd,plus connu sous le nom d’Averroès (1126-1198).Médecin, philosophe et commentateur d’Aristote,Averroèsopposelesopinionsrationnellesauxdogmesreligieux…etsemetainsitrèsvitetouteslesreligionsà dos ! Il est le héros du très beau film de YoussefChahine,LeDestin(1997).

Unbonplan!Dans lesendroitsconquis, leplanarchitecturalarabeestappliqué.Lesnefssontsoit:

perpendiculaires à la qibla (le largemur où setrouvelemihrab,faceauquelprientlesfidèles);enT,avecarcsenferàcheval;àplusieurslobes,avecpilierscarrésetminaretsà plan carré également (tous ceux qui ont bu unthéà lamentheà lamosquéedeParisvoientdequoiils’agit).

On conserve la forme des minarets marocains, les

dynasties almoravide et almohade régnant des deuxcôtés de ce pays. La mosquée des Libraires àMarrakechestdanslemêmestyle.ÀSéville,onpeutencore admirer la Giralda (XIIe siècle), seul élémentqui subsistede laGrandeMosquée,avecdesétagesbaroques ajoutés au minaret. L’Alcazar de Séville(XIVe siècle) est aussi en partie une constructionalmoravide, dont la riche décoration évoque dessouvenirsd’oasisverdoyantes.

L’AlhambraàportéedemainOn ne peut parler de la présence musulmane enEspagne sans parler d’un des plus beaux palais dumonde, l’Alhambra de Grenade. Le royaume d’al-Andalous tombe en 1492. Cet événement passequasimentinaperçucaruncertainChristopheColombdécouvre la même année l’Amérique. (Certes, ilcroyaitêtrearrivéen Inde, lagéographien’étantpassonfort,maisceciestuneautrehistoire…)Enprèsdedeuxsiècles,lesartistesdécorateursonteuletempsdefairedel’Alhambraunexempledel’apogéedel’artarabe, véritable synthèse réussie des cultures latine,grecque byzantine et wisigothique. La décorationactuelledecertainsintérieursespagnols,lesliserésdecéramiqueetlessoubassementsazulejossifréquentsdanslessallesdebainsparexemple,endécoule.

RegardspersansL’extensiondel’Islamdansd’autresrégionsdumondediversifie ses arts. Les mosquées iraniennes ont unplanparticulierapparusousladynastieseldjoukideauXe siècle, par exemple celle du Shah à Ispahan,certainement une des plus belles villes au monde.Ouvertesuruncôté, lagrandesallevoûtées’appelle

iwanetlesdômessontrecouvertsdecéramique.

Pour des raisons évidentes, les peuplesnomadesnepeuvents’encombrerdemobiliertropimposant.Lapièced’ameublementlaplusimportante est le tapis, un sol isolant etdécoratif,facilementtransportable.Passédanstoute la civilisation arabo-musulmane, il aacquis le prestige du tableau de maître enOccident. Un tapis est constitué de deuxparties:toutd’abordlesfilshorizontauxetverticaux:les horizontaux forment la trame et lesverticauxformentlachaîne;ensuite,lesmotifs,dessinésparlesnœuds.Ilexistedeuxtypesdenœud:lesymétrique,ditturc, et l’asymétrique, dit persan. Ensuite,c’est un peu comme enmusique : avec septnotes,Beethovenfaitunesymphonie,etlefilsduvoisinunboucand’enfer.Avecdeuxnœuds,dupoildechameauoude la laineetàpeinequelquesmilliersd’heuresde travail,naissentdesmerveilles. Le kilim, par exemple, est untapistissésifinqu’ilpeutêtreadmirésursesdeuxsurfaces.Lesumak, lui, s’apparenteauxtapisseries. Le plus ancien tapis retrouvé, ditdePazyrik,dateduIVeouVesiècleavantJ.-C.Il a été découvert gelé dans le sud de laSibérie. Ainsi pouvez-vous en déduire qu’en

cas d’absence prolongée, il est vivementconseillé de conserver ses tapis dans uncongélateur.

LesOttomanssaventfairelavaisselleLesOttomanssontréputéspourfaireatteindreàl’artde lacéramiquesonapogée.LeurEmpires’étendduCaucaseàl’Algérie,duXIVesièclejusqu’àlaPremièreGuerre mondiale, et se perpétue dans la Turquieactuelle. Sur une aussi longue période et sur unterritoireimmenseapparaîtunfoisonnementculturel,avec notamment le développement de l’art du livre(unegrande importance est donnée à la calligraphieet à l’enluminure) et une grande production decéramiques,comptantparexempleleschefs-d’œuvred’Iznik,qu’onpeutadmireraumuséed’ÉcouenenÎle-de-France.

La peinture islamique est considérée commeart abstrait par les uns et comme purementillustratif par les autres. En fait, la vérité estentre les deux : c’est un art figuratif qui suitdes règles géométriques. Pour la plupart desgens, la représentation humaine est interditepar l’islam. La dernière conséquence fut ladestruction des bouddhas de Bamiyan il y a

toutjustequelquesannées.L’interdictionestàvraidirereprised’undesdixcommandementsbibliques. Pardon aux admirateurs deCecil B.DeMille et de Moïse, mais s’il y a uncommandement totalement oublié, c’est bienle deuxième ! Le discrédit religieux reposesurtout sur l’interprétationduverset 43de lasourate 3 du Coran, inspirée des dixcommandements. C’est d’ailleurs Jésus-Christqui est mis en scène : « Je viens vers vousaccompagné de signes du Seigneur ; jeformerai d’argile la représentation d’unoiseau ; je soufflerai dessus, et par lapermission de Dieu, l’oiseau sera vivant. »Selon une interprétation, représenter un êtrevivant serait se prendre pour un dieu.L’abandon de la représentation humaineprovientsansdouted’uneinfluencedelacriseiconoclaste (littéralement « briser lesimages ») qui secoue l’empire byzantinpendantcentvingtansauxVIIIeetIXesiècles.Dans la tradition islamique, le Prophète adétruit de son propre bâton les idoles de laKaaba. Mais quand il ordonne d’effacer despeintures païennes, il en excepte un tableaudu Christ et de la Vierge Marie ainsi qu’unautre représentant Abraham, peut-être parsolidaritéentreprophètes.L’interdictionn’estdoncpasévidente.

Corned’orenabondanceTous ces trésors artistiques sont en quelque sortecondensésenunendroit : Istanbul.Déjà cenomesttouteunehistoire.IlvientdugrecEistenPolis,«verslaville», ladésignantcommelaVilleparexcellence.

Sainte-Sophie, lemonumentbyzantin lepluscélèbre,aétéconvertieaucultemusulmanen1453lorsdelaprise de Constantinople par les Turcs. Avec lamosquée deBajazet et lamosquée Suleymanie, elledomine la Corne d’Or, panorama d’Istanbul toujoursséduisant, à tel point que le peintre et graveurgermaniqueLorich,diplomateoccasionnel,en faiten1559undessin à la plumedeplus de10mètresdelong!

UnarchitecteSinanrienLe plus célèbre architecte ottoman est Sinan (1491-1588). Un rapide calcul mental montre qu’il vitpresque centenaire, un record quand on ad’importantes responsabilités auprès de princessuccessifs et susceptibles. L’artiste donne saphysionomieàlavilleaveclamosquéedesPrincesetsurtoutlamosquéeSuleymanie,symboledurègnedeSolimanleMagnifique(1520-1566).Sinans’inspiredeSainte-Sophie et réalise sonœuvre de 1550 à 1557.Entourée de quatre minarets, la nef centrale estsurmontée d’une coupole. Le diamètre est de 26,5mètrespourunehauteurde53mètres.

Enpatted’éléphant

Exotisme oblige, ce que les architectes européensappellentarcformeret,ouarcdoubleau,estappeléicipatted’éléphantetsupporteletout.Pourpreuvedescompétences de Sinan, les tremblements de terrefréquentsdans cette régionn’ontpas fait bougeruncarreaudecéramiqueniunepierredubâtiment.Sonœuvre a servi ensuite de modèle à d’innombrablesmosquéesdanstoutl’Empire.Àproximitéimmédiate,dans Istanbul, s’élève la mosquée du sultan AhmetditemosquéeBleue(1609-1616),avecdeuxminarets

de plus. Une coupole doublée de demi-coupolesrecouvrelasalledeprières.

Mamelouksd’enfer!L’origine des mamelouks mérite d’être contée.Mamelouk veut dire « esclave » en arabe. Cesesclaves,surtoutoriginairesduCaucase,formaientaudépartlagardedessultans.Secroyanttrèsastucieux,les sultans avaient mis en place ce système afind’être protégés par des hommes qui leur devaienttout(honneurs,carrière,etc.)etdontilspensaientparconséquentpouvoirêtresûrs.Manquedechance,leschefsdeleurgardesedirentunjourqu’ilspouvaienttrès bien s’assurer eux-mêmes le nécessaire pourvivre,etmêmelesuperflu.Ilsprirentdonclepouvoir.C’estainsi que se formèrentàplusieurs reprisesdesdynastiesmameloukes.

La particularité de ces dynasties est que les enfantsdesmamelouksetdesfemmesdupaysneparticipentpas au pouvoir. La couche dirigeante est donc enperpétuel renouvellement, au travers de nouvellesrecrues. Ce système politique perdure jusqu’au XIXesiècleetleurmassacrefinalparMehemetAli,unvice-roiquin’aimaitpasbeaucoupd’éventuelscandidatsàuncoupd’État.

L’artdesmélanges

Le terme d’art mamelouk désigne la créationartistique d’Égypte et de Syrie entre 1250 et 1517.Cet art se caractérise par une architecturemonumentale à la décoration foisonnante et unabondanttravaildumétaletduverre.LesMamelouks

ont construit environ un millier de monuments àgrande échelle au Caire. Est-ce une ostentationdestinée à faire oublier leur passé d’esclaves ? Onremarque un curieux goût pour l’asymétrie : parexemple,lesportailssontdécentrésetlesminaretsàfûts superposés. Les apports de l’Occident et lesinfluences subies sont nombreux, car les prises deguerre, comme la porte de l’église de Saint-Jean-d’Acre,sontrecyclées.Àtelpointquenousnesavonstoujourspassicertainsobjetsd’artontétéfabriquésenÉgypteoubienenOccidentetenvoyésenOrientpourêtreincrustés.

Pointdedifférence

UnbonexempledecesobjetsappréciésenOccidentestconservéauLouvre.AuXVIIIesiècle,onluidonnele nomde bassin ou baptistère de Saint Louis.On yvoyaitunsouvenirdelacaptivitéduroideFranceenÉgypte. En fait, il date du début du XIVe siècle. Cen’estpasunbaptistère,mêmes’ilaeucetusagepourquelquesroisdeFranceetpourlefilsdeNapoléonIII.Il n’a pas non plus appartenu à Saint Louis. Y a-t-ilencoreuneautremauvaisenouvelle?Non,c’estjusteun objet étonnant. Il est en laiton martelé, incrustéd’argent et d’or, entièrement ornementé. Ce chef-d’œuvresignéMuhammadibnZaynrenseignesurlesliensentrelesdeuxcivilisations:enécriturearabe,iln’y qu’unmalheureuxpetit point dedifférenceentreOrientetOccident,entrerharbetarab.

Danscechapitre:L’arttribal,vestigedecivilisationsanciennesLesmasquestombentL’artafricainentretraditionetmodernité

L’art africain, au sens où on l’entend généralement,concernesurtout l’Afriquesubsaharienne,c’est-à-direles parties occidentale et centrale du continent. Lespeuples de pasteurs nomades et les peuples dechasseurs-cueilleursquinepeuventpas s’encombrerd’un lourd fardeau lors de leurs déplacements ontprivilégiécertainesformesd’artcommeletissageoules peintures rupestres du Kalahari. Mais à cesexceptions près, l’art africain est surtout représentépar la sculpture sous toutes ses formes : décorationde portes de case et de sièges, statues en rondebosseoumasques,etc.

LespremierssontlesderniersLesethnologuesontlongtempsconsidérél’artafricain

commedel’artisanatetlesœuvresducontinentnoircomme de simples objets fonctionnels. L’appellationd’« art nègre », lourde de connotions racistes, adisparu. Pour la même raison, l’expression « artsprimitifs»estpeuàpeutombéeendésuétude.Cetteexpression est d’ailleurs impropre, puisqu’elle sertégalementàdésignerdesobjetsparfoisplus récentsque lesœuvres d’art occidentales qui sont exposéesdans nos musées ! Le plus ancien masque africainconservé, exposé au musée de l’Homme, date ainsidu XVIIIe siècle. Trouvé, pour l’anecdote, sur unbateau négrier, il fut étiqueté « Louisiane » enréférenceàl’ÉtatesclavagistedusuddesÉtats-Unis.

L’arttribal,unmotnouveau…

L’expression«artspremiers»quidésignedésormaisl’artafricaincachemaluncôtépolitiquementcorrectquin’estpas totalementdénuéd’arrière-pensée.Elletend d’ailleurs à disparaître. L’expression « artsmagiques » paraît plus appropriée. Les objets d’artafricain sont en effet traditionnellement destinés àl’accomplissement des ritesmagiques ; si l’intentionesthétiquen’estpasabsente,leurefficacitésupposéeprime sur leur beauté. Mais cette appellation peutprêter à confusion. On lui préférera donc icil’expression « arts tribaux », traduction de l’anglaistribal art, quiparaîtplusadaptéedans lamesureoùl’on regroupe sous cette étiquette les arts despeuples:

sansécriture(laplupartdutemps);nonoccidentaux (Lascauxn’estpasunemanifestationd’arttribal);animistes(généralement).

La question de la dénomination mise à part,l’amateurd’art africain seheurteàuneautredifficulté.Danslamesureoùcelui-cinerépondpas aux canons occidentaux, commentdistinguer le vrai (une véritable œuvre d’art,originale et unique) du faux (un vulgaireattrape-nigaud, reproduit en série pour lestouristes)?DèsleXVIesiècle,apparaissentenAfrique des objets destinés aux voyageursoccidentaux. Pour preuve, on voit dans letableau La Mort de la Vierge de LopesGregório, conservé à Lisbonne, une de cescuillères dites « afro-portugaises »prétendumentemblématiquesde l’art africain–enréalité,devulgaires«faux»convoitéspartouslesmusées!Jusquedans lesannées1940,desobjetssansvaleursontfabriquésspécialementpourflatterle goût des populations coloniales, surtoutcomposées de fonctionnaires, demilitaires etd’agents commerciaux. Ainsi le célèbremasque « d’ethnie indéterminée » ayantappartenu au peintre André Derain vaut-ilaujourd’hui une petite fortune. En fait, unepièce médiocre ayant appartenu à unecollectioncélèbreaplusdevaleurqu’unebellepièce d’originemais n’ayant pas eu lamême

postérité.Allezcomprendre!À l’heure actuelle, on continue de fabriquerdes objets, des masques notamment, qui,selon leur usage, peuvent être considéréscomme « faux » s’ils repartent directementdans les bagages d’un touriste, mais comme« vrais » s’ils ont déjà été utilisés pour desrituels. Il y aussi le cas des objets « mis ennourrice », selon l’image consacrée, quel’amateur découvre « comme par hasard »chezunvieuxpaysan.Auxsièclespassés, lesbergersde la campagne romainepratiquaientdéjà cette activité lucrative aux dépens desartistes et des fils de famille venus parfaireleur éducation en faisant leur « voyage enItalie».

…pourunecivilisationancienne

La culture Nok (de - 700 à 300) montre, s’il fallaitencoreendonnerlapreuve,quel’Afriqueadéveloppéune civilisation et un art florissants bien avant lacolonisation. Sur le plateau de Jos au Nigeria, on aretrouvé des fragments de statues en terre cuitecharriés par le courant. Leur style présente lescaractéristiquessuivantes:

des yeux dont le bas est en forme de losange aux anglesarrondis et le haut en forme de demi-cercle (cetœil évoqueassezceluidesmasquesyorubaditsgelede); un trou rond pour la pupille de l’œil et oreilles, narines etboucheperforées;unfrontlargeetunnezdroitàlargenarine;

des coiffures stylisées, parfois surmontées d’une petite«toque»percéed’untrou,peut-êtrepourymettreuneplume.

Danslavilled’Ife(Bénin),sansdoutebâtieàl’époquedelafondation légendairedeRome,vers-750,onatrouvé au début du XXe siècle une série de têtessplendides.Ellessontenterrecuiteouenbronze,etdatent des alentours du XIVe siècle. Elles neressemblent pas aux autres productions de l’artafricain, car elles sont de style réaliste, naturalistemême,avecsesvisagesfrappantsdevérité.Surtout,elles ne sont pas des fragments. Elles s’arrêtent aubas du cou et n’ont jamais fait partie d’une statue.Rarement artiste a réussi de tels portraits, serapprochant à certains égards de l’art grec. Par quoil’onvérifieunenouvelle foisqu’il ne fautpas se fierauxidéestoutesfaites.

Les effigies funéraires d’Ifé sont à rapprocherdes têtes des ancêtres du Bénin, dites têtesd’oba,termequidésignelesouverainchezlesYorubas. Elles servent à orner les tombeauxroyaux. La tradition rapporte qu’à l’origine, ils’agit de faire en terre cuite ou en métal leportrait décapité de l’ennemi vaincu. L’obaenvoie au successeur du raccourci unerépliqueàtitrederappeldesrisquesencourus.LestyleévoluepourdonnerauXIXesiècledestêtes très ornées avec colliers, coiffes etparures.Quand lesAnglais conquièrent le royaumedu

Bénin et la ville du même nom en 1897, ilss’emparentdetouslesbiensdel’oba.Lebutinconstitue la plus grande vente aux enchèresd’art africain de tous les temps : plus d’unmillier de plaques de bronze, à l’origine deplusieurs grandes collections européennes,sontdispersées.

Baslesmasques!

«Masque»vientdulatinmascaquiveutdiresorcière(d’où dérive également le mascara qui sert auxfemmesàse faireunmasquedebeauté–commesielles en avaient besoin…). On voit par là que lemasqueentretientunrapportétroitaveclesurnaturelet, plus spécifiquement, avec l’au-delà. Dans toutesles civilisations, celui qui met un masque passe eneffet « de l’autre côté ». Élément fondamental de laculturelocale(mêmes’ilestplusrépandudansl’ouestque dans l’est de l’Afrique), le masque africain metainsiencontactl’hommeaveclemondedesesprits.

Mais à la différence de nos masques de carnaval,ultimes survivances en Europe de ritesmagiques, lemasque africain désigne non seulement la partiesculptée en bois, mais aussi le costume du porteur.Certainsmasquesseportentparexemplesurlefrontcommelesmasquesgouro,maisl’ontrouveaussidescimiers(c’est-à-direpourlehautdelatête,commeunchapeau en quelque sorte) comme les ty wara (voir

), des heaumes comme chez les Mendé,tandisqued’autres sontencoreportésaumoyendebâtons.LesMakonded’Afriqueorientale,pourqui les

hommes descendent d’une statue devenue vivante,ont encore des masques de corps aux formesféminines,etlesDan,ouYacouba,deCôted’Ivoire,seservent de masques dans des courses où lesparticipantsselespassentcommedesrelais.

Touslesmodèles,ettouteslestaillesIl faut distinguer principalement quatre types demasquesafricains:

placés sous lagarde d’anciens ou de dignitaires, ils sont l’objetd’interditsstrictsetnourrisavecdessacrifices.Ilsnesontsortisquerarement.Parexemple,leGrandMasquedogonn’estmontréquetouslessoixanteans lors des fêtes du Sigui. Jamais porté, il sertaussid’autel. ilsappartiennent à des groupes de femmes oud’hommes et reçoivent des sacrifices. Ils ne sontutilisésetparfoisdétruitsaprèsusagequeparlesmembresdesconfréries. ilsne sont pas aussi secrets que les autres. Lescimiers ty wara bambara appartiennent à cegroupe.

ils sont utilisés lors des fêtespubliques animées par les jeunes gens etauxquelles tous assistent (à la fois des rituels etdes divertissements). On peut y rattacher lesmasquesditsdecoursedesDan.

Enrevanche,leursformessontinfinies.Ellespeuventévoquer un simple pendentif, mais peuvent aussiavoirunaspectmonumentalcommelemasquenimbade Guinée, qui pèse 60 kilos et que les danseursportentsur leursépaules.Maisquellesquesoientsaforme et sa région d’origine, le masque exprimetoujours tout un ensemble de symboles en rapportavec la cosmologie (la place de l’homme dansl’univers).

Unsymbolismemagique

Si lemasque représente un hommeou un animal, ilrenvoie à unmythe. Par exemple, lemasque dogonkanaga représente un oiseau. La face comprend lebec et la langue. Au-dessus, une structure de boismontre les ailes. Pour l’initié, c’est certes un oiseau,mais aussi plus que cela, car les bras qui lesurmontent sont ceux du Créateurmontrant la terred’unemain,lescieuxdel’autre.Ladansedumasquerappelle lavibrationdumonde,carquandlemasquesepenche, il secréeun lienentre le cielet la terre.C’est aussi l’insecte d’eau qui attache la barquedescenduedescieuxàl’originedumonde.Danscettearche(onpenseàNoé),ilyavaitlesancêtresdetouslesêtresvivants.

Ce masque incarne aussi le renard pâle, animalmythique du peuple dogon. Il est représenté lesquatrepattesen l’airpour implorer leCréateur. Ilestbien sûr stylisé, la structure ressemble une croix deLorrainedontlesplanchettesperpendiculairesauboutdechaquebrasdessinentfortbienunanimal.Lorsquelafacedumasqueestdiviséeendeuxcavités,celles-ci représentent lesdeuxmorceauxduplacenta. L’un

forme la terre et se dessèche, l’autre couvre lesgrainesdérobéesaucieletleurpermetdegermer.LerenardtienticilerôleduhéroscivilisateurProméthéede lamythologiegrecque.Lesgrainesdérobéessontreprésentéespardespointilléssurtoutlemasque.Etlesinitiésn’ontsansdoutepastoutdit!

On trouve encore de nombreux exemples de telsmasquesenAfrique:

Ils sont portés par une société

d’initiation bambara qui regroupe hommes et femmes. EllecommémoreChiWara,êtremultiformenéde la terreetd’unserpent, tenant de l’homme et de l’animal, fourmilier etantilope.Lecimierestfixéàunecoiffeenpaillemaintenueparunementonnière. Les danseurs sont là encore intégralementrecouverts et ils dansent par couples dans les champs auxsemailles.Lesmodèlessedistinguentenmâlesetfemelles.

Certains deleursmasquessontdepetitetaille(environ15centimètres)etnesontpasdestinésàêtremontrésenpublic.Aucontrairedesmasques faciaux chargés d’amener protection et force à lacommunauté, ces petits masques sont personnels. Ilss’apparententà ceuxque l’ondésignecomme«masquesdecourse » et qui servent de relais que les jeunes gens sepassentlorsdecourses.

bundu sande Ils sontportésparlesjeunesfillesquiviennentd’effectueruneretraitede plusieurs mois en forêt et représentent des esprits de lafécondité.Ilsfigurentl’idéaldelabeautéféminine:unepetiteboucheet,au-dessusd’unvisageenlosange,unecoiffuretrèssavammentélaborée,biensouventornée,dégageantunvastefront.Lemasquereçoitunepeinturenoireluisanteconsidéréecommeunsignedesanté. Il incarneunespritdeseauxquia

dévoilélessecretsdelamédecineetdelamagieauxmembresdel’association.

Les artistes européens du début du siècle ontparfoiscrucesmasquesasiatiquesàcausedesyeuxbridésetde leur sérénité hautaine, mais ils proviennent de l’ethniepunu, au sud-ouest duGabon. Leur lourde coiffure à coques,trèsélaborée,estcelledes femmespunu. Ilsportentau frontun losangeconstituédeneufpetits losangesquireprésententles neuf clans et incarnent l’esprit de jeunes filles mortesprotégeant la communauté des forces maléfiques. Ils sontportésparlesmembresdelaconfrériemoukouyi.

Lesfiguresdereliquairesfangetkota

Pour protéger les cendres des ancêtres, lesFang,présentsprincipalementauGabonetenGuinée équatoriale, sculptent sur leurs urnesfunéraires des figurines reconnaissables auprolongement arrière qui leur permet des’enfoncerdansleréceptacle.LesKotaconfectionnentégalementdesfiguresde reliquaires caractéristiques avec un corpshumain stylisé constitué des bras et desépaules, qui s’inscrit tout entier dans unlosange. L’artiste exploite avec virtuositétouteslespossibilitésdecepetitespace.

L’artafricainaujourd’huiL’artafricainn’estpasmortavecl’arrivéedescolons,loins’en faut.Etendépitdesdifficultésactuellesdel’Afrique, il continue heureusement d’évoluer, entretraditionetmodernité.

Considéré comme l’un de ses plus prestigieuxreprésentants, le sculpteur sénégalais Ousmane Sowa connu un succès considérable avec son expositionenpleinairsurlepontdesArtsauprintemps1999.Sasculpture doit quelque chose à la tradition africaineparcertainssujetscommeleslutteursoucesvisagesexpressifs qui viennent des têtes d’Ife et de lastylisation savante des masques mendé. Mais c’estaussi une sculpture africaine qui a assimilé Rodin,Bourdelleetl’artbrutdeDubuffet.

Autre figure de l’art contemporain africain, CheriSamba, d’abordpeintred’enseignesdans son villagedu Congo, donne une traduction moderne de latradition picturale dont il est l’héritier. Sa peinture,dansunstylenaïfagrémentédetextesnarratifsdansle tableau, donne des tranches de vie et unesavoureusesatiresociale.

Tenant de l’art brut, l’artiste Bruly Bouabré, lui, estpersuadéquelesespritsluiparlentetauraitenchanté(ausenspropre)AndréBretonquiaurait retrouvéenluilevéritableespritsurréaliste.

À une époque où l’Afrique vit et travaille aussi endehors de l’Afrique, de nombreux autres artistess’approprient tous les formes d’art moderne, ycomprisaveclatechniquevidéo.L’exposition«Africaremix » sur l’art contemporain africain, montrée à

Düsseldorf, à Londres, à Paris et à Tokyo, est unexemple parmi d’autres de la vitalité de l’Afrique enmatière d’art et de l’audience universelle de sesproductions.

Danscettepartie…Habitués de la collection « Pour les Nuls » ou simplesdécouvreurs,voici latraditionnellepartiedesdix!Sansmêmeavoiràvousmunirdebillet,vousvisiterezd’abordcestemplesde la beauté que sont les musées : dix des plus prestigieux

d’entreeuxvousouvrentleursportes!Cen’estbiensûrquelemanquedeplacequinousaobligésàécarterdecepalmarèsdeslieuxaussiremarquablesqueBeaubourgoulagaleriesdesOffices.(Nousvousrecommandonsnéanmoinsvivementdelesvisiter.)Vouspourrezensuitevousapprocherdeschefs-d’œuvrede la peinture et vous approprier leurs secrets, avant dedécouvrirenfindesinconnusquiontpourtantlaissédesœuvresfort célèbres. Alors, en rang par dix ! Pour la visite des dixgrandsmusées,l’analysededixchefs-d’œuvreetladécouvertede dix artistes injustement méconnus, c’est par là. Suivez leguide!

Danscechapitre:LesplusbeauxmuséesDeschefs-d’œuvredumondeentier

LepremiermuséedumondeestcrééauXVIIIesiècle,en1732plusexactement,àAlexandrie,enÉgypte.Leterme à consonance latine de museum apparaît,quant à lui, en 1765. L’ambition de ces nouveauxétablissementsestderassemblerdesœuvreschoisiesselonleurintérêthistorique,technique,scientifiqueetartistiquepour les classer, les conserver (c’est-à-direles préserver des ravages du temps) et, enfin, lesprésenter au public. En France, il faut attendre laRévolution pour assister à l’ouverture du Louvre(1793), qui est à l’heure actuelle le musée le plusvisitédumonde.

Enverreetcontretous:leGrandLouvre

Créé par un décret de la Convention du 27 juillet1793, le musée du Louvre accueille les collections

royales (tableaux, sculptures, tapisseries etmobilier)rassembléesparFrançoisIeretLouisXIV,complétéespar les œuvres d’art confisquées ou acquises parNapoléon et par d’innombrables achats ou legsultérieurs (des donations privées et des acquisitionsfinancéesparl’ÉtatoulaSociétédesamisduLouvre).

C’est à François Ier que l’on doit l’intégration auxcollections royales des tableaux de Raphaël et deLéonard de Vinci, dont la célébrissime Joconde (voir

),devenuel’emblèmedumusée,maisc’estàDominiqueVivantDenon,nommédirecteurgénéraldesmuséesparNapoléon,quel’ondoitlacréationetle véritable essor du Louvre tel que nous leconnaissons.

Bâti sur l’ancienne forteresse médiévale de PhilippeAuguste transformée par Charles V en demeurehabitable,puisremodeléparl’architectePierreLescotetsessuccesseurs, leLouvremodernes’apparenteàune véritable usine : 2 000 personnes y travaillent,deuxmillionsderepasysontservischaqueannéeetlebâtimentquiabriteplusde25000œuvresdetouslestempsetdetouslespayscomprendlui-même15kilomètres de galeries et près de 100 000 mètrescarrés de carreaux de fenêtres, de vitrines et deverrières!

Organisé en plusieurs départements scientifiques(Antiquités égyptiennes, grecques et romaines,Antiquités orientales, Peinture, Arts graphiques,Sculpture,Objetsd’art etArts premiers), lemuséeaété totalement réaménagé depuis les années 1980.En1989est inauguréelatrèscontroverséepyramidedu Louvre (voir ), conçue par l’architecteaméricaind’originechinoise,IeohMingPei.Construite

dans la cour Napoléon et desservant l’entrée dumusée, cette structure d’acier et de verremonumentalemesure21mètresdehautetcouvre2000mètrescarrés.

La pyramide de Pei est au centre du Grand Louvreimaginé par François Mitterrand dès 1981. En sontemps, ce vaste projet de restauration fut jugémégalomane et excessivement moderniste. Mais ilsemble aujourd’hui faire l’unanimité, comme enattestelesuccèscroissantdumuséequiaccueilledenosjoursplusde7millionsdevisiteursparan!

Engare!Lemuséed’Orsay

SituésurlarivegauchedelaSeine,lemuséed’Orsayest installé depuis 1986 dans l’ancienne gare de laligne de chemin de fer Paris-Orléans. Ce musée estdévoluàl’artduXIXesiècle,delarévolutionde1848à la guerre de 1914. Il fait ainsi le lien entre lescollectionsduLouvreetcellesdumuséenationald’ArtmodernedeBeaubourg(CentrePompidou).CommeleLouvre, il entend couvrir tous les champs de lacréation, accordant une place d’honneur à laphotographie,néeavecluiauXIXesiècle.

Construit entre 1898 et 1900 par l’architecte VictorLaloux,lebâtimentestréaménagéparl’ItalienneGaeAulenti à partir de 1980. De part et d’autre d’unevaste nef contenant quelques belles piècesreprésentatives,commelegroupedesQuatrepartiesdu monde de la fontaine de l’Observatoire parCarpeaux (1873), se déploient sur plusieurs niveaux

(etmêmedemi-niveaux)lesdifférentescollections.

La partie phare du musée est consacrée auximpressionnistesetà lapeinturede la finduXIXeetdudébutduXXesiècle(néo-impressionnistes,fauveset quelques nabis). Là, on admirera à la lumièrenaturelle, pas toujours très flatteuse, les œuvres deDegas, de Monet, de Renoir, de Van Gogh ou deGauguin.Ànepasrater,lasalledel’ancienrestaurantdel’hôteldelaGare,l’undesplusluxueuxduParisdelaBelleÉpoque.

Quedechefs-d’œuvre!LaNationalGallery

Contrairement à d’autres musées européens, laNational Gallery de Londres n’est pas issue decollections royales ou impériales. Elle est fondée en1824 par l’acquisition et l’ouverture au public de lacollectionducourtiermaritimeJohnJuliusAngerstein,dont le portrait est… au Louvre. La collections’enrichit de donations et, en 1838, est inauguré lebâtimentquidonnesurTrafalgarSquare.

À l’heureactuelle, lemuséecomporteprèsde2200tableaux.C’est peuen comparaisondu Louvre,maiscesœuvres sont toutesd’un intérêt remarquable. LepartiprismuséologiquedelaNationalGalleryconsisteeneffetnonpasàprésenterdescollectionsàvaleurde témoignage historique, comme dans les muséesfrançais,avecunequalitévariable,maisuniquementdeschefs-d’œuvre.

Ces collections s’étendent du Moyen Âge, avec les

primitifs italiens et nordiques, au XXe siècle, avecMatisse et Picasso. L’enrichissement constant descollections a conduit le musée à s’agrandir, ladernièreextensionendateétantcelle, controversée,de l’architecte américain Robert Venturi en 1991.Parmileschefs-d’œuvreànepasmanquer,notonsLaBatailledeSanRomanod’Uccello,LesÉpouxArnolfinide Van Eyck, Le Baptême du Christ de Piero dellaFrancesca,LesAmbassadeurs d’Holbein (voir), La Vénus au miroir de Vélasquez ou encore

CharlesIeràchevaldeVanDyck.

Permettez-nousenfinunementionspécialeauxtoilesduFrançaisClaudeGelléeditleLorrainetdel’AnglaisTurner.Cedernier,danssontestament,aexigéquesatoile Didon fondant Carthage soit accrochée entreL’EmbarquementdelareinedeSabaetLeMariagedIsaac et Rébecca, deux œuvres du Lorrain, belhommage de Turner à ce peintre lumineux. Lapeinture française est d’ailleurs bien représentée,depuis Poussin jusqu’à Matisse, en passant parChardin, Corot etMonet. N’oublions pas non plus unpeintre anglais méconnu en France mais fortintéressant, Joseph Wright of Derby, auteur d’Uneexpériencesurunoiseaudansunepompeàvide(sic)où c’est la science qui est le sujet de l’art et leprétexteàd’excellentsportraits.

LesAlteetNeuePinakothekdeMunichUne pinacothèque est aux tableaux ce qu’unebibliothèqueestaux livres. Inauguréeen1836par leroiLouis IerdeBavière, laAltePinakothek (AnciennePinacothèque) de Munich a ainsi pour origine lescollectionsdesanciensducsetroisdeBavièredepuis

la Renaissance. Installée dans un bâtimentnéoclassique en forme de H, œuvre de Leo vonKlenze, restauré après la Seconde Guerre mondiale,elle constitue avec sa voisine, la Neue Pinakothek(Nouvelle Pinacothèque), l’une des collections depeintureslesplusimportantesaumonde.

Les collections de la Alte, pour les intimes, vont duMoyenÂgeàlafinduXVIIIesiècleetcouvrenttoutesles principales écoles européennes. Sa réputationtientnotammentàsescollectionsitaliennes(Léonard,Titien,Raphaël), à sesnombreuses toilesdeRubens,ainsiqu’auxœuvresdeGrünewaldetdeDürer,dontles célèbresAutoportrait au manteau de fourrure etLesQuatreApôtres.

LaNeuePinakothek, fondéeen1846,prend le relais,puisque ces collections couvrent la période allant delafinduXVIIIeaudébutduXXesiècle.LeXIXesiècley est particulièrement bien représenté depuis Davidjusqu’à Van Gogh, en passant par Turner, Goya,Degas, Monet, Manet, Rude, Cézanne et Gauguin –toutesleslégendesdusiècle!LedébutduXXesiècleest illustré par les symbolistes, les nabis et leJugendstil,c’est-à-direl’Artnouveauallemand.

LeKunsthistorischesMuseumdeVienneContrairement aux deux précédents, cemusée n’estpas uniquement un musée de peinture. Comme leLouvre,ildisposed’unimportantfondsarchéologiqueet comprend, en outre, un cabinet des Monnaies etmédailles.

Toutes ces collections sont issues de celles des

empereurs d’Autriche, de fouilles, de dons etd’acquisitions.Si,commedansbeaucoupdemusées,la peinture italienne est bien représentée, ce sontsurtout lesécoles flamandesethollandaisesqui fontsa gloire. On admirera notamment les nombreusesœuvres de Pieter Bruegel dont la Tour de Babel, laJeuneVénitiennedeDüreroulegrandAutoportraitdeRembrandt.

LemuséeduPradoàMadridInauguréen1819,lemuséeduPradoestinstallédansun édifice classiquedessiné en 1785par l’architecteJean de Villanueva. Commebeaucoup demusées, lePrado a fait l’objet de nouvelles extensions cesdernières années afin de pouvoir exposer ses trèsriches collections de peintures. On ira égalementvisiterlescollectionsdesonannexe,laCasadelBuenRetiro, vestige du palais du même nom, et sonmagnifique plafond du Salon central par LucaGiordano.

Essentiellement axée sur les écoles italienne etflamande, le Prado doit aussi sa réputation à sacollectiondetoilesespagnolesduXIVeauXIXesiècle,lapremièredumonde.Lesdeuxgéniesdelapeintureespagnole, Goya et Vélasquez, disposent chacun deleursalle.LesMéninesdeVélasquez(voir )sontmêmegénéralementconsidéréescommelechef-d’œuvredumusée.

Onnemanquerapasnonplus lesœuvresdeRibera,ZurbaránetMurillo,dont lagrande ImmaculéeSoult.Ce nom lui vient de son propriétaire initial, lemaréchal français du Premier Empire, Jean de Dieu

Nicolas Soult, qui la conserva jusqu’à sa mort en1852,dateàlaquelleellefutacquiseparlemuséeduLouvre.Parlasuite,Pétainl’échangeaàFrancocontreun portrait de l’infante Marie-Thérèse de Vélasquez,qui finalement n’est pas de lui mais de son atelier.Quand on vous dit que l’art réserve bien dessurprises!

Les collections italiennes du Prado sont richesd’œuvresvénitiennesdeGiorgione,Titien,TintoretetVéronèse, artistes favoris des rois Charles Quint etPhilippeII.Enfin,etserait-ontentédediresurtout,lePrado peut s’enorgueillir de posséder la plus richecollection d’œuvres du génial JérômeBosch, l’auteurdufameuxJardindesdélices.

Pourpapautés:lesmuséesduVaticanLa cité du Vatican à Rome constitue un Étatindépendant et un ensemble touristique unique aumonde. Si la chapelle Sixtine et les chambres deRaphaël sont les grandsmoments du pèlerinage, onne peut manquer cependant les nombreux autresmuséesdelacitépapale:

d’antiquités grecques etromainesestinstallédansl’ancienpalaisduBelvédèredepuislaRenaissance.Parmi leschefs-d’œuvredont il fautemporterlavision : l’ApollonetLeTorseduBelvédère ; leLaocoon, legroupe lepluscopiéde l’artoccidental, laVénusdeCnide etl’Antinoüs. etdesAntiquitésorientales,fondéparle pape Grégoire XVI, est aménagé en 1839, à partir desœuvres recueillies au temple d’Isis du Champ de Mars deRome. Il s’agit d’œuvres égyptiennes ramenées par lesRomains ou provenant de fouilles archéologiques desXIXeet

XXesiècles. , créé en 1837 par le même pape,rassemble le produit des fouilles effectuées vers 1830 enÉtrurieméridionale,l’actuelleToscane. , composée de 18 salles, fait partie desplusimportantsmuséesd’Italie.LescollectionsforméesparlespapesdepuisleXVesiècles’étendentduXIIeauXVIIesiècles.On peut y admirer notamment trois œuvres de Raphaël, leCouronnement de la Vierge (ditRetableOddi), laMadone deFoligno etLaTransfiguration ; le Saint Jérôme de Léonard deVinci ; La Descente de Croix du Caravage ; ou encore LeMartyredesaintÉrasmedePoussin. de sculptures antiques de toutessortes, de toutes qualités et de toutes origines donne à voirnotammentdessculpturesanimalièresétonnantes. profane, divisé en quatre sectionsconsacrées à la sculpture romaine antique, offre uneprésentationmoderneauxbeauxeffetslumineux. , installédansunbâtimentconstruiten1963-1970, rassemble des pièces issues des catacombes etdes basiliques paléochrétiennes, c’est-à-dire celles despremiers chrétiens (IIIe—IVe siècles), avec de nombreuxsarcophages. , inauguré par lepapePieXIen1927et réaménagésousPaulVI (1963-1978),évoque les grandes religions du monde (islam, bouddhisme,hindouisme). ,aménagéen1973dansunbâtimentsouterrain,rassemblelescarrossesetvoituresdespapes,ainsiquelesarmesetuniformesd’ancienscorpsd’armée.

LeRijksmuseumd’AmsterdamCe Musée national est créé en 1808 par le frère deNapoléon,LouisBonaparte,alorsroideHollande.Ilest

installé depuis 1885 dans un bâtiment de briquesrouges néogothique, œuvre de l’architecte PetrusJosephus Hubertus Cuypers. Il est à la peinturehollandaise ancienne (XVe—XVIIe siècles) ce que lePradoestà lapeintureespagnole.Outre lapeinture,ontrouvelàdetrèsbellescollectionsdesculpturesetd’objets d’art hollandais. Les artistes à ne pasmanquer sont FransHals, Rembrandt avecLaRondedeNuit, et Vermeer avec La Laitière descendue desétiquettesdeyaourts.

L’ErmitagedeSaint-PétersbourgOuverten1852danslesbâtimentsduGrandErmitageet du Nouvel Ermitage de la « ville de Pierre », lemusée s’est étendu après la révolution de 1917 aupalais d’Hiver. Comme le Louvre et le MET de NewYork(voirplusloin),c’estunmuséepluridisciplinaire:outre la peinture, on y trouvera des salles d’artpréhistorique,antique,orientaletrusse.

La collection de peintures est la première dumondeavec celle du Louvre. Elle s’étend du XVe siècle auXXe siècle. Toutes les grandes écoles européennes –italienne, française et nordique notamment – y sontreprésentées. On retiendra Le Jeune Homme au luthduCaravage,LaMadoneLittideLéonarddeVinci,LeSacrifice d’Abraham de Rembrandt et la Danse deMatisse. L’art français est aussi représenté par desœuvres de Poussin, Lorrain, Watteau, Fragonard,Boucher,Chardin,etpardessculpturesdeFalconetetHoudon,pourlesXVIIeetXVIIIesiècles,etdeMonet,Renoir,Degas,Gauguin,CézannepourleXIXe.

L’Ermitage est aussi un fabuleux cabinet de dessinsde peintres, d’architectes, de sculpteursornemanistes, surtout français. Des extensions sontactuellement en cours pour satisfaire la présentationdescollectionsincroyablesdecemusée,àl’échelledel’immenseRussie.

UnMETdechoix:leMetropolitanMuseumdeNewYork

Crééen1870parungrouped’artistesetdemécènessoucieux de rivaliser avec lesmusées européens, leMET est, après le Louvre et l’Ermitage, le plus vastemusée du monde. Divisé en 19 départements, lemusée s’efforce de couvrir l’ensemble de la créationartistique universelle, rien de moins ! On y trouveainsi les arts africain, océanienet précolombien, desantiquités du monde entier, une section d’armes etarmures,unecollectiond’instrumentsdemusique.

L’arteuropéenest largement représenté,de tous lesstylesettouteslesépoques,avec3000peinturesetplusde60000sculpturesetobjetsd’artdivers.Pourmettre en appétit le visiteur, voici quelquesexemples :LaMortdeSocrate deDavid,LesCyprèsdeVanGoghouLesJoueursdecartesdeCézanne,etpas moins de 34 Monet. Depuis 1987, un espaceconsacréà l’artduXXe siècle est aménagé sur troisétages,avecPicasso,Klee,PollocketWarhol.Copieux,onvousdit!

Danscechapitre:Dixchefs-d’œuvreinoubliablesUntémoignagevivantdugéniehumain

Comment dresser une liste des plus belles œuvresd’art lorsque tant de chefs-d’œuvre existent ?Impossible!Dix«Partiesdesdix»n’ysuffiraientpas.Par défaut, voici donc dix tableaux célèbres classéspar ordre chronologique, choisis de façonnécessairement subjective parmi la multitude parcequ’ilssontreprésentatifsde leurépoque,parcequ’ilssontremarquablespour leurperfectiontechnique,ouencore parce qu’ils répondent à certaines questionsque se pose tout homme sur sa condition (dès lorsqu’ilal’espritouvert,etleventreplein).

Unpeud’humeurnoire:la«Mélancolie»

Lemotmélancolie est composédedeuxmotsgrecs,melanos (noir) et kholé (bile). Selon Aristote, la bile

est l’une des quatre humeurs qui régissent le corpshumain.Noire,elleestunesourcefécondedecréationpour les artistes. Réalisée en 1514, laMélancolie dupeintre et graveur allemand Albrecht Dürer (voir

) est ainsi l’une des œuvres les pluscommentées de la culture occidentale, tant sasignificationestriche.

La gravure représente un personnage désœuvré,plongé dans un état dépressif. On peut y voir uneallégorie de l’artiste. Dans la tradition classique, lamélancolieesteneffetconsidéréecommelasynthèsede deux états extrêmes, le génie et la folie,caractéristiques de la création. André Breton parleraainsi de « point suprême », c’est-à-dire le lieu defusion des contraires, dans le Second Manifeste dusurréalisme. Dans la gravure de Dürer, ce fameux« point suprême » est symbolisé par la meule depierrepercéed’untrou.

À un deuxième niveau de lecture, la gravuredéveloppeaussi le thèmedutemps (Saturne,Kronosengrec,estladivinitétutélairedelamélancolieetdutemps dans le panthéon antique). Dans un fouillisd’objets hétéroclites, on distingue ainsi plusieursobjets évocateurs, comme la cloche qui rythme lajournée, le soleil qui se couche, la chauve-souris quiprendsonenvol,indiquantainsiquelesoirapproche,ou encore la balance et le sablier qui marquentl’écoulementdesheures.

La gravure abonde également en symbolesalchimiques : le creuset sur le feu, la pierrepolygonale,lecouteauigné(dulatinigneus,feu)àlalameenformedeflamme,lecarrémagiqueàsomme34 (autrement appelé carré de Jupiter), ou encore lechiencouchéenboule,dans lequelonpeutvoirune

référence à l’Ouroboros (le serpent qui se mord laqueuedesalchimistes).

Sciencedesélémentsendeveniràl’époqueduMoyen Âge, l’alchimie est également unemystique reposant sur la croyance que lesmétaux mûrissent sous terre, qu’ils sont liésparaffinitésauxastres,quelemicrocosmeestlié aumacrocosme et que l’homme est àmi-cheminentrelesdeux.Le rôle de l’alchimiste est de parachever lacréation divine en accélérant le processus demûrissement des métaux, et notamment entransformant le plomb, matière vile, en or,matièrepure,grâceàlapierrephilosophale.

L’œuvre contient encore de nombreuses allusions àcaractèreautobiographique,notammentlecarrédanslequelDürerainscritlamention«1514»,datedelacréationdel’œuvre,maisaussidelamortdesamère.L’ange manie par ailleurs un compas d’architecte,évocation discrète des travaux intellectuels del’artistequi rédigeraen1525un traitéd’architectureintitulé Instruction pour mesurer au compas et à larègle.

La gravure peut enfin se livrer à une interprétation

religieuse,l’échelle,lerabot,lestenailles,lemarteauetlesclousévoquantlapassionduChrist.

Gardonslesourire:«LaJoconde»

ConservéaumuséeduLouvre, le fameuxPortrait deMonnaLisa,ou Jocondepourlesintimes(voir), peint par Léonard de Vinci vers 1503-1506, est

sansaucundouteletableauleplusconnu–etleplusphotographié ! – au monde. Mais en dépit de sanotoriété, celui-ci n’a pas encore livré tous sessecrets.

Etd’abord,quiestau juste la Joconde?Unefemme,un androgyne, un autoportrait de Léonard déguisé ?Onafaittoutessortesd’hypothèsesfantaisistesavantqueleshistoriensd’artnes’accordentsurlefaitqu’ils’agissaitdemadameLisaGherardinidelGiocondo–monna (ou mona) étant l’abréviation de madonna(madame),quiestdevenumadoneenfrançais.

Née en 1479, Lisa Gherardini épouse en 1495Francesco del Giocondo, un notable florentin. Vasari,lebiographedespeintresde laRenaissance,écriten1540 : « Léonard entreprit pour Francesco delGiocondo le portrait deMonna Lisa, sa femme ; il ytravailla quatre ans et le laissa inachevé. » Vasarinous apprend également que Léonard fit venir desmusiciens pour distraire son modèle pendant leslongues séances de pose, ce qui lui fit prendre cesouriresiconnuetsidoux.

Si vousmarchez en regardant le tableau, vous avez

l’impression que les yeux de la Joconde ne quittentpas les vôtres. En effet, le portrait n’est pasimmobile : l’épaule droite est un peu en retrait parrapportàlagauche,levisageestdefaceetlecorpsde trois quarts, comme si le modèle esquissait unmouvement vers le peintre, position qui animediscrètementtoutletableau.

LéonardalaissédesCarnetsoùl’onretrouvepenséesetconseils.Surlaposturedesportraits,l’indicationdumaître rappelle l’attitude de la Joconde : « Faistoujourstafiguredetellefaçonqueladirectiondelatête ne soit pas lamêmeque celle du buste. » Uneautre remarque révèle le secret du mystérieuxsourire:«Ilfautfermerdetempsàautrelecoindroitde la bouche d’un mouvement vif et ouvrir le coingaucheenunsouriresecret.»Entraînez-vousdevantunmiroirpourépatervosamis!

Il est curieux de voir la façon dont la postérité s’estemparée de l’œuvre que Napoléon Ier avait mêmeaccrochéeaumurdesachambreàcoucher.AuXIXesiècle, les littérateurs projettent sur elle leursfantasmesenyvoyant l’imagede la femmebelleetperverse. Volée en 1911, la Joconde nourrit unfeuilleton policier dans lequel le jeune mouvementcubiste est soupçonné. Retrouvée, elle devient lesymbole des collections nationales. NomméministredelaCultureparlegénéraldeGaulle,AndréMalrauxlatransformeenambassadricedelaculturefrançaise.

Mais en dépit de son immense célébrité, la Jocondedemeureunparadoxepermanent :elleest tellementconnuequelesartistesduXXesièclecommeDalíouDuchamplatournentsanscesseendérision…cequila rend encore plus populaire ! Le privilège des plus

grandesstars,moquéesetaduléesàlafois.

Uneréceptionmortelle:«LesAmbassadeurs»

Exposés à la National Gallery de Londres, LesAmbassadeursdeHansHolbein le Jeune(voir) représentent Jean de Dinteville (l’homme à la

fourrure à gauche) et Georges de Selve, évêque deLavaur (à droite). Sous les apparences d’un doubleportrait assez classique, ce tableau recèle denombreux mystères. Qui sont ces deux hommes ?Quelleestleurfonction?Quelssontcesobjetsposésentreeux?Etquesignifient-ils?

Lascènesepasseen1533.Cettepériodeagitéeestmarquée par les querelles religieuses qui divisentl’Europe. Jean de Dinteville est le représentant deFrançois Ier, parrain de la fille de Henri VIIId’Angleterre,àLondres.GeorgesdeSelveeutpoursapart un rôlediplomatiquenonnégligeable auprèsdupapeetdeCharlesQuint. IlreprésentelaFranceàladiète de Spire en 1529 par un discours sur laréunificationconfessionnelle.

Le recueildecantiquessituésur l’étagèredubasdutableaufait-ilallusionàl’unitédeschrétiensmenacéepar les guerres de religion ? On y a reconnu deuxchantsluthériens,dontuneversionallemandeduVeniCreator, pourtant de tradition catholique. Demême,onpeutvoirdanslecrucifixàdemicachédansl’anglegauchedutableauuneallusionàlavéritéchrétienneobscurcie par les querelles entre catholiques etprotestants.Letableaufourmilleainsid’allusionsnonélucidées.

Ce portrait s’apparente également au genre desvanités, qui renvoie à la formule de l’Ecclésiaste(«Vanitédesvanités,toutestvanité»)surlabrièvetéde la vie humaine et la futilité des biens terrestres.Les deux personnages sont des hommes de pouvoirinfluents, leurs vêtements sont riches, leur mobilierprécieux. Mais le peintre semble indiquer que leursituation dans le monde n’est qu’une illusion auregarddeleurconditionmortelle.Letravaildutempsestclairementinscritdansletableau:surl’étagèreduhaut,ondistingueuncadransolairedisloquédontlestrois faces indiquent des heures différentes ; surl’étagèredubas,onaperçoitaussidesinstrumentsdemusique,artéphémèreparexcellence,dontunluthàlacordecassée.

Un autre objet renvoie explicitement à cettesymbolique du temps. Si l’on s’approche du bord dutableau, on s’aperçoit en effet que la mystérieusemasse blanche posée de manière oblique entre lesdeuxpersonnages est une tête demort. Ceprocédéde déformation des objets s’appelle uneanamorphose. À l’origine, le tableau était accrochéau-dessusd’uneportedanslagrandesalleoùavaientlieu les banquets au château de Polisy. Ainsi, lesinvitésduchâteauduseigneurdeDintevillepouvaientapprécierlavanitédesplaisirsterrestresenlevantlatête.

Àlanoce!«LesNocesdeCana»En juillet1573, l’Inquisition interroge lepeintrePaoloCaliari,ditVéronèse:«Quelleestvotreprofession?

–Jepeinsetfaisdesfigures.– Avez-vous connaissance des raisons pourlesquellesvousavezétéappelé?–Jepuisbienmelesimaginer.»

VéronèsevienteneffetdepeindreuneCènepour leprieur du couvent Santi Giovanni. Les inquisiteursvoientdansleshallebardiersallemandsuneallusionàl’hérésie protestante. Ils reprochent aussi au peintrede représenter des êtres vulgaires issus du petitpeupleetmêmedeschiens,quin’ont,seloneux,pasàfigurerdansunepeinturereligieusecommelaCène.Véronèse se défend en expliquant que lorsqu’il luireste de la place, il peint les personnages selon safantaisie,parexemplececuisinierquivientvoirsilesconvivessontcontents.

À cette époque, l’Église catholiquemaintient l’usagedes images religieuses, contrairement à la Réformeprotestante, mais en fixant toutefois de rigoureuseslimites de convenance aux peintres. HeureusementpourVéronèse,legouvernementdeVenise, jalouxdesonindépendance,nelaissepaslescoudéesfranchesàl’Inquisitionpapale,cequipermetaupeintredes’entirer avec juste l’obligation«de corriger et amenderson tableau ». On peut dire qu’il a eu chaud, card’autresfurentbrûléspourmoinsqueça!

RebaptiséLeRepaschezLévi,letableaumisencausese trouve toujours aujourd’hui àVenise, à laGalleriadell’Academia. Mais le problème aurait pu survenirpour les Noces de Cana (voir ), peint en1562-1563, qui relate un épisode biblique. Le Christest invité à un repas de mariage où le vin vient àmanquer. Sur les instances de sa mère, Jésustransformealorsl’eauenvin.

À l’origine, le tableau est prévu pour le couvent des

bénédictins de San Giorgio Maggiore. Véronèse optepour une peinture sur toile, car l’humidité de Veniseestpréjudiciableaux fresques. Ledécorarchitecturalsurplombe une terrasse, elle-même située au-dessusdes convives. La toile est coupée en deux et labalustradedélimitelesmondesspiritueletmatériel,lecélesteetleterrestre.LeChristoccupebienlecentrede la toile comme dans les représentationstraditionnelles. L’agneau que l’on découpe évoqueaussi la Pâque juive et annonce le dernier repas, laCène,queleChristprendraavecsesdisciples.

Levin,quiestaussilesangduChrist,esticiexaminéattentivementparunéchanson,lepréposéauserviceduvinquin’estautreque lepropre frèredupeintre.Bonnombredeconvivessontdescontemporains,parexemple à droite les commanditaires bénédictins dutableau. Nous reconnaissons encore les traits desmusiciensquicomposentlepetitorchestre:Titienenjoueur de basse, Véronèse lui-même, en musicienhabillédeblanc,etsonvoisin,leTintoret.

Décèsmystique:«LaMortdelaVierge»

Le peintre Poussin disait du Caravage qu’il était népour détruire la peinture. En fait, on peut considérerqu’il ne la détruit pas, mais qu’il la renouvelle defaçon radicale. La vie de Merisi il Caravaggio, dit leCaravageenfrançais,rappellecelledupoèteFrançoisVillon.Mauvaisgarçonpour lepoète,querelleurpourlepeintre,assassinlorsd’unerixepourlesdeux.Maisen dépit de cette existence peu chrétienne, certainspoèmesdeVillonsemblentécritsparunreligieux,etcertainestoilesduCaravage,peintesparunmystique

éprisdepureté.

Avec La Mort de la Vierge (1605-1606) (voir),leCaravagepoussefortloinleréalismequiluiest

cher. Le modèle ayant servi à peindre la Vierge, auventre gonflé et couchée dans un lit trop court dontdépassent ses pieds nus, est une noyée, simplefemme du peuple dont la rumeur faisait même uneprostituée.Lerideaurougesuspenduau-dessusdelascène, en lieu et place du traditionnel nuage desscènes de dormition (événement de la mort de laVierge, au cours duquel elle s’élève au ciel) riveégalement la Vierge au monde terrestre,hypothéquantsafutureassomption.

Lesdeuxapôtressetenantdechaquecôtéducadrecréent deux lignes parallèles qui soutiennent unediagonaleconstituéepar lesapôtresaffligéspenchéssur le corps de la Vierge. Leurs crânes, éclairés parunelumièrevenantdelagauchequimetenvaleurlevisage de la morte, suivent la même oblique quel’ombresur lemur.Lecorpsde laViergeestdisposésur une perpendiculaire au tiers de la hauteur dutableau, respectant la disposition usuelle jugéeharmonieusedelaligned’horizonsouslesdeuxtierssupérieursdutableau.Marie-Madeleineesteffondrée,sondoscourbéseplacedansl’alignementdessinéparlebrasdelamorteetsemblesoutenircettedernière,enaccentuantlaperspectivedesoncorps.

Le Caravage a consacré cinq ans de sa vie à cetableau.Mais jugéexcessivementréaliste,celui-ci futfinalementrefuséparsoncommanditaire,leclergédel’égliseSantaMariadellaScala,endépitdelafinessedesaréalisation.OnpeutdésormaislevoirauLouvre.

Conseildefamille:«LesMénines»ConservéaumuséeduPradoàMadrid,letableaudesMéninesdeDiegoVélasquez(1656) (voir )représente les dames d’origine noble de la courespagnole qui servaient la reine et ses filles, lesinfantes. Aussi connue sous le nom La Famille dePhilippeIV,cettetoilefutconsidéréecommeunchef-d’œuvreduvivantmêmedupeintre.Uncontemporainparle d’ailleurs à son propos de « théologie de lapeinture » au sens de tableau définitif etextraordinaire.

Une fois admis dans l’ordre militaire et religieux deSantiago en 1659, Vélasquez retoucha le tableau ens’yreprésentantenhabitdeSantiago.Sonadmissionne se fit pas sans difficulté, car les candidats nedevaient pas être de sang maure ou juif et nedevaientjamaisavoirpratiquélecommerce,dernièrecondition plutôt difficile à remplir pour un artiste ! Ilfut toutefois considéré que le peintre de la Cour nevendaitpas,maisdonnaitsestoilesausouverainquileremerciaitpardeslargesses.

Au premier plan, le spectateur voit l’infanteMargueriteetsasuitedansl’atelierdupeintre.Puis,ilaperçoit au fond un miroir dans lequel deuxpersonnages apparaissent. Ce sont le roi et la reinequis’yreflètent.Leregardpassealorsaupeintrequivientdeleversonpinceaudelatoilequ’ilexécuteetqui le regarde. Ce spectateur se rend compte alorsqu’il est à la place du roi et de la reine en train deposer,etqu’ainsi,ildevientlemodèledeVélasquez!Picasso, fasciné, a fait une quarantaine dereprésentationsdecettetoilequiestl’illustrationdelacréationartistiqueencours.

Propagandeimpériale:«LeSacre»Peinten1806-1807,LeSacrede JacquesLouisDavid(voir ), de son vrai nom Sacre del’empereur Napoléon Ier et couronnement del’impératrice Joséphine à Notre-Dame de Paris le 2décembre1804, est unmélange de reportage et depropagande : reportage, car le tableau relate un faithistorique connu et que tous ses personnages sontaisément reconnaissables, et propagande car ilthéâtralise et sublime le geste de NapoléoncouronnantJoséphineets’octroyantainsilerôlesacrédudispensateurdel’onction.

Peintreofficielde l’Empereur,Daviddoitarrangerunpeulavérité.Ainsi,lamèredeNapoléon,quines’esten réalité pas rendue à la cérémonie, figure tout demêmeassisedansunetribune.Demême,pouréviterde froisser les sœurs de Napoléon qui portaient latraîne de Joséphine, le peintre ne les a pasreprésentées en train d’effectuer cette corvée, maisun peu en arrière. La légende veut en effet qu’ellesaient tenté de faire trébucher la future impératrice !Enrevanche,aunomduréalisme,l’artistes’estrefuséàmettreuneperruqueàl’oncleFesch.

Davidraconteque,lorsqu’ilpeintsontableau,leTout-Parisdéfiledanssonatelier.Chacunveutfigurersurlatoile sur laquelle on reconnaît notammentCambacérès et Lebrun, consuls avec Bonaparte,Talleyrand, indispensable depuis la Révolution, etMurat,aucentre.Yfigurentaussilesenfantsissusdupremier mariage de Joséphine, Hortense et Eugène,promis à un grand destin. Autour de Napoléons’assemblentsesmaréchaux–quidonnerontleurnomaux boulevards de la petite ceinture parisienne. Lepeintre s’est aussi représenté dessinant dans son

carnet de croquis : il se tient dans la tribune, au-dessusdeLetiziaBonaparte,lamèredel’Empereur.

Letableauestorganiséàpartirdupointcentralqu’estla grande croix d’or, sommet d’une pyramideconstituée par Joséphine et l’Empereur délimitant unespace sacré au milieu de la toile. Tous les regardssont légèrement dirigés vers le bas, sur la couronnetenueenl’air.Lestylenéoclassiqueestmisauservicede l’histoire contemporaine, les grandes voûtes etl’architecture solennelle du décor de la cérémonieétant empruntés à la Rome antique dont s’inspirel’Empereur. Pour finir, une devinette : la versionprésentéedansl’iconographieestcelleduchâteaudeVersailles;ilyauneseuledifférenceaveclaversiondu Louvre, savez-vous laquelle ? (Réponse : la roberosed’unedessuivantes.)

Unnaufragequiafaitcoulerbeaucoupd’encre:«LeRadeaudelaMéduse»

Dévoilée au public en 1819, cette toile de ThéodoreGéricault (voir ) fut d’emblée unévénement.Considérezlafascinationmêléed’horreurprovoquée par le livre Les Survivants qui racontel’histoire de ces joueurs de rugby sud-américainsbloqués dans les Andes par un accident d’avion etayant mangé les cadavres de leurs compagnonsdécédés pour survivre ; ajoutez-y le succès du filmTitanic en pensant à la scène où les passagers sebattentpourembarquersurdescanotsdesauvetageaunombre insuffisant;multipliez letoutparcent,etvousaurezunepetite idéedel’accueilquifutfaitauRadeaudelaMéduse.

Letableaurelateunfaitdiverscélèbre.Envoyéparlegouvernement de la Restauration pour reprendrepossession de la ville de Saint-Louis au Sénégal,restituée à la France en 1815, La Méduse a pourcapitaine Duroy de Chaumareys, un de ces émigrésqui ont fui la Révolution. Navigateur improvisé, il serévèle rapidement un capitaine totalementincompétent.Lebateaus’échouesurlebancd’Arguinau large de l’Afrique le 2 juillet 1816. Quelque 149personnes prennent alors place à bord d’un radeaubricoléàpartirdesmâtsetdesplanchesdunavire.Auboutd’unedouzainedejoursàladérive,iln’enresteplusque15!

Pour survivre, les naufragés ont dû se nourrir descadavresde leurs anciens compagnons, brisant ainsiundesplusfortstabousdelacivilisationoccidentale.La version définitive de Géricault se déroule aumoment où les naufragés vont être secourus. Lescontemporains peuvent mettre des noms sur lespersonnages représentés. Corréard, qui publiera larelation hallucinante du naufrage, tend le bras etmontre au chirurgien Savigny adossé au mât lebateauL’Argusvenulessecourir.

Le naufrage de La Méduse suscita en sontemps de vives polémiques. Les républicainsinterprétèrentl’événementcommelesymboledunaufragedel’AncienRégime:dèsquedesémigrésincapables«reprennentlabarre»(del’État),çatourneàlacatastrophe.

Pour l’historien Michelet, c’est la sociétéfrançaisetoutentièrequiestembarquéesurleradeau. Les maux et les travers humains lesplus redoutables sont en effet représentésdanscenaufrage:lâchetéducommandementqui abandonne le radeau, querelle entre lespassagers,ingratitude,cruauté,etc.

PrésentéauSalonde1819, leRadeaude laMédusemarque l’avènement du mouvement romantiquecaractérisé par des sujets empruntés « auxcirconstances» – commeondit alorsavecmépris –,par le pathétique de l’expression, par l’éclat de lacouleuretlahardiessedudessin.Lenudelabeautéantiquefaitplaceaunutorturédelamodernité.Unetradition veut que Delacroix ait posé pour l’un despersonnages couchés dont n’aperçoit pas le visage.Plus curieusement, même s’il a du plaisir à peindresontableau,Géricaultne«prendpassonpied»:sespersonnages portent des chaussettes ou ont leurspieds dissimulés. Il aurait eu en effet quelquesdifficultésàlesreprésenter!

Réalisé à partir de schistes bitumineux, LeRadeaudelaMédusesedégradeetsenoircitinexorablement. À l’origine, il étonnaitpourtantparl’éclatdesescouleurs.

L’œuvre conserve cependant son caractèredérangeant. Le musicien Hans Werner Henze(né en 1926), qui passe pour le plus grandcompositeurcontemporaind’opéras,donneen1968 à Hambourg un Radeau de la Médusecomposé à la mémoire de Che Guevara. LagrandecantatriceEddaMoseryincarnelerôlede la Mort, Dietrich Fischer-Dieskau, celui deJean-Charles, le soldat noir bien réel que l’onvoit sur le tableau. Devant l’enthousiasmegénéral et bruyant suscité par lesreprésentations, la police intervient et despoursuitessontengagées!

Arrivéedansl’étang:«LesNymphéas»LepoèteMallarméconfiaun jourau journaliste JulesHuret : « La vie est faite pour aboutir à un beaulivre.»Ainsipourrait-ondirequepourClaudeMonet,figureemblématiquede l’impressionnisme, la vieestfaitepouraboutir àunbeau tableau. Pour lepeintreinstallé à Giverny, le « jardin d’eau » rempli denymphéas (du nom latin du nénuphar à fleursblanches) de sa villa constitue en effet uneinépuisable source d’inspiration (voir ). Iltravaillesurcethèmede1899à1926.

Ilyaquelquechosedelaphilosophiezendanscetteétude permanente du même sujet et cette formeépurée de réalisme en vertu desquelles un objetinsignifiant peut devenir une représentation de toutl’univers, comme le peintre le confie : « J’ai dressémonchevaletdevantcettepièced’eauquiagrémentemon jardin de fraîcheur : elle n’a pas deux cents

mètresdetouretsonimageéveillaitchezvousl’idéedel’infini.»Letravailpatientd’observationsedoubled’une dimensionmétaphysique. L’eau est la surfacesur laquelle le ciel se reflète et elle représentel’affleurementdesprofondeurssouterraines,entrecielet enfer. À travers ses irisations, le peintre essaie,comme les baroques, de capter l’aspect toujourschangeantdumonde.

La conception d’un jardin artificiel témoigne aussid’une influence japonisante. Ces toiles forment undécor et recréent la nature : « La tentation, écritMonet,m’est venued’employer à la décoration d’unsalon ce thème des nymphéas : transporté le longdesmurs,enveloppanttouteslesparoisdesonunité,il aurait procuré l’illusion d’un tout sans fin, d’uneondesanshorizonetsansrivage;lesnerfssurmenésparletravailseseraientdétenduslà,selonl’exemplereposant de ces eaux stagnantes, et, à qui l’eûthabité, cette pièce aurait offerte l’asile d’uneméditationpaisibleaucentred’unaquarium fleuri. »Cettepiècedont lepeintre rêvaitexistedésormais :c’estlemuséedel’Orangerie.

Leshorreursdelaguerre:«Guernica»Durantl’Occupation,PabloPicassorestéàParisreçoitla visite d’un officier allemand qui s’intéresse à l’artmoderne–que leReichqualifiaitd’«artdégénéré».EnavisantunereproductiondeGuernica(voir) accrochée au mur, le militaire demande au

peintre :«C’estvousquiavez faitça ?–Non,c’estvous!»,répondPicasso.

Petitretourenarrière.Le26avril1937,lapetiteville

deGuernica(7000habitants),hautlieuhistoriquedel’indépendancebasque,est raséepar l’aviationde lalégionCondor,lecorpsexpéditionnairenaziauservicede Franco. C’est la première fois qu’une ville estdélibérément écrasée sous des bombes, On compteprès de 1700 morts et 800 blessés. Les objectifs«stratégiques»commelepontdeGuernicaoul’usined’armes ne sont pas atteints, mais les colonnes defuyardssontmitraillées.Laguerred’Espagneestalorspourl’Allemagnequitestesonarmementunesortederépétition générale de la SecondeGuerremondiale :Guernica préfigure la destruction de Rotterdam en1940,puiscellesd’innombrablescités.

L’émotion suscitée par le massacre est vive. À lademande du gouvernement républicain, Picassoréalise un tableau commémorant cet événementtragique.Cettetoilegrandformatestennoiretblancpourmieuxsoulignerquetouteslescouleursdelavieont disparu. En la peignant, Picasso a présent àl’esprit lesdeuxgrandes toilesaccusatricesquesontleTresdeMayodeGoyaetLaGrècesurlesruinesdeMissolonghi de Delacroix : le tableau de Goya luiinspire le personnage hurlant les deux bras levés,dans la posture de l’insurgé face au pelotond’exécution;letableaudeDelacroixmontreunebellejeune femme désespérée sur un tas de décombres,duquelémergelepiedd’undesdéfenseursgrecs,unmotif que l’on retrouve dans la partie droite deGuernica.

D’autres symboles sont reconnaissables dans letableau de Picasso. Le taureauMinotaure (un thèmerécurrent chez le peintre admirateur de corrida)évoquelaforcebrutale,tandisquelecheval,auflanctranspercéparunelancecommeleChristsurlaCroix,représente lepeupleespagnol.Lascènecentraleest

parailleursencadréepardeuxhurlements : celui del’homme inspiré de Goya et celui de la femme qui,avecsonenfantmortsurlesgenoux,estreprésentéeà lamanièred’unepietà, laViergepleurant leChristmort.D’abordconservéàNewYork,letableaurejointl’Espagneen1981.Ilestaujourd’huiexposéauCentred’artReinaSofia.

Danscechapitre:Fairecarrièreàl’étrangerDesFrançaisoubliés

Comme dit l’adage, nul n’est prophète en son pays.Ce chapitre recense dix artistes français ayanttravaillé dans des pays étrangers et souventinjustement méconnus en France. Desœuvres aussidiverses que la statue de Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg, lagrandestatueduPaindesucreàRiodeJaneiro,lastatuedelaLibertéàNewYorketleplande la ville de Washington ont en effet en commund’avoirétéconçues…pardesFrançais!Quiaditquelegéniefrançaiss’exportaitmal?

Frémin,deschâteauxenEspagne

Après avoir obtenu le prix de Rome en 1694, lesculpteur René Frémin (1672-1744) accède à lacélébritéàsonretourenFranceavec lastatuedeLaSamaritaine à Paris. Cette dernière orne alors une

fontaine éponyme construite sur le Pont-Neuf, elle-mêmeàl’originedunomducélèbregrandmagasin–iln’enresteaujourd’huiplusrien.

En1721,danssondésirdeconcurrencerlesfastesdeVersailles, le roi Philippe V d’Espagne commande àFrémin la décoration des jardins de la Granja,résidenceroyalesituéeprèsdeSégovie.Lesculpteurs’exécute et construit la fontaine d’Andromède,d’après un projet de Lebrun, qui rappelle les plusbellesoeuvresdelaRenaissanceitalienne,maisaussicechef-d’œuvredelastatuairequ’estlafontainedesGrenouilles, immense ensemble de plantes,d’animauxetdefigures.

Falconet,àl’âgedePierreVoulant élever une statue équestre à la gloire dePierre le Grand, fondateur de la ville de Saint-Pétersbourg, Catherine II de Russie s’adresse à sonami, l’écrivain français Denis Diderot, qui luirecommande alors son compatriote, le sculpteurÉtienne-Maurice Falconet (1716-1791), qui arrive enRussieen1766.

Perfectionnisteà l’extrême, l’artistepassedixmoisàfaçonnerl’œuvre.Commeilveutsaisiràlaperfectionl’attitudeduchevalqui secabre, il faitmêmeéleverunebuttequ’ungénéralrusse,delamêmetaillequeledéfunt tsar (deuxmètres !),gravitsursamontureau galop. Ne voulant négliger aucun détail, lesculpteurfaitexécuterlamanœuvredescentainesdefois!

Le visage de la statue, modelé sur le masque

funérairedutsar,estréaliséparlajeuneélèvede18ans du sculpteur, Marie-Anne Collot. Pour le socle,l’impératrice commande un bloc de… 2 mètres sur12!Onchoisitunepierrefrappéeparlafoudre,selonla légende, dont le tsar aurait fait son posted’observationaumomentdechoisirl’emplacementdesa future capitale. Compte tenu de ses dimensionshors normes, on invente un procédé particulier pourl’acheminer à Saint-Pétersbourg : une charrette decuivrequiroulesurdesboulesdemétal–l’ancêtreduroulementàbilles.

En 1833, Alexandre Pouchkine écrit « Le Cavalierd’airain»,lepluscélèbrepoèmedetoutelalittératurerusse, en hommage au symbole national qu’est lastatue mythique de Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg.

Saly,c’estdupropre!Élève du grand Guillaume Coustou, Jacques FrançoisJosephSaly(1717-1776)estreçuàl’Académieroyalede peinture et sculpture en 1751. Il réalise alors lastatue pédestre de Louis XV de la place royale deValenciennes, sa ville natale. Inaugurée en 1752, lastatueestdétruitedurantlaRévolution.

Comme ses talents suscitent la jalousie de sesconcitoyens, il répond en 1753 à l’invitation deFrédéric V, roi de Danemark et de Norvège, qui luicommande une statue à son effigie. Érigée sur laplaced’Amalienborgen1768,cettestatueestl’œuvremajeuredeSaly, nommédirecteurde l’AcadémiedeCopenhague. Elle a été payée par la Compagnie del’Orientetaurait coûté1,5millionde riksdalers (une

fortune pour l’époque). Les guides danois laprésententcomme l’unedes troisplusbellesstatueséquestresaumonde.

VallindeLaMothe:desmonumentsd’hiver

L’architecteVallindeLaMothe(1729-1800)arriveenRussie en 1759 pour enseigner l’architecture à latoute nouvelle Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg.Artisteà lamode, ildevientrapidementl’architecte françaisattitréde laGrandeCatherine. Ilréalise notamment le pavillon du Petit Ermitage,mitoyendupalais d’Hiver, et décore lesdeux salonschinois de la résidence impériale de Peterhof,surnomméeleVersaillesdelaBaltique.

Mais il est surtout le concepteur de plusieursmonuments importantsdeSaint-Pétersbourg,commel’Académie des beaux-arts (le premier bâtimentjamais construit pour accueillir une école d’art),l’église Sainte-Catherine, la Halle du commerce ouGostiny Dvor (l’un des plus beaux bâtiments de laPerspective Nevski), l’arche de la Nouvelle Hollande,ou encore les palais Tchernychev, Razoumovski etYoussoupov où, dans un salon du rez-de-chaussée,Félix Youssoupov et le prince Dimitri assassinèrentRaspoutineen1916.

L’Enfant,unplancapitalEngagé volontaire en 1777 dans les troupes de LaFayette lors de la guerre d’Indépendance des États-Unis,PierreCharlesL’Enfant(1754-1825)veutmettre

ses talents d’architecte au service de la jeunedémocratieaméricaine.Ainsi, il conçoit leplandesanouvelle capitale, Washington, située au bord dufleuve Potomac, centre géographique et symboliquedupays.Fascinécommebeaucoupparce fleurondel’architecturemoderne, L’Enfant s’inspire du plan deVersailles,caractérisépar:

l’absencedecentrevéritable;desavenueslonguesetspacieuses;desruesrectilignesetaérées; des bâtiments ordonnancés par rapport à unmonumentphare;desplanssymétriques.

L’Enfant intègre à son plan les monumentsemblématiques de la République américaine : leCapitole, laMaison-Blanche et lemonument dédié àGeorgeWashington,premierprésidentdesÉtats-Unis.Au final, cela donne un plan géométrique avec desavenues en « tridents », des rues parallèles etperpendiculaires coupées par des avenues obliquesdonnant sur des places rondes. Sur les principalesavenues ont été rassemblés les ministères, lesbâtimentsofficiels,administratifsetdiplomatiques.

Refusanttoutcompromisdansl’organisationde«sa»ville, L’Enfant est démis de ses fonctions – ah ! lescapricesdeL’Enfant…Iln’enrestepasmoinscélèbreauxÉtats-Unisoùsonnomestassociéà l’édificationde la première ville moderne. La « carrièreaméricaine » de cet obscur architecte parisien estaussi un bel exemple de l’engouement internationalpourl’artfrançaisauXVIIIesiècle.

Bartholdi,entouteLibertéConnuedans lemondeentier, lastatuede laLiberté(de son vrai nom La Liberté éclairant lemonde) estl’œuvre du sculpteur français Frédéric-AugusteBartholdi (1834-1904). Cadeau de la France àl’Amérique, elle célèbre le centenaire de laDéclarationd’indépendancede1776.Érigéeen1886àl’entréeduportdeNewYork,lastatuecolossaleesten lames de cuivre battumontées sur une structuremétalliquedueaucélèbreGustaveEiffel–unhommequiavaitdécidémentplusieurs«tours»danssonsac.

Tombédepuisdansunrelatifanonymat,Bartholdiestun sculpteur au talent reconnu, auteur d’autresmonuments à redécouvrir comme le Lion de Belfort,leschevauxdelafontainedesTerreauxàLyonetlesplans du palais Longchamp à Marseille. Il est aussiconnuàl’étrangerpourunautremonument,LaSuissesecourantlesdouleursdeStrasbourg,érigéàBâle.

Cordier,toutmaisPachaCommandée au grand sculpteur orientaliste françaisCharles Cordier (1827-1905), la statue équestre duvice-roi d’Égypte, Ibrahim Pacha, scelle l’amitié quiunit la France et l’Égypte au XIXe siècle. (En 1869,l’inaugurationducanaldeSuez,œuvredel’ingénieurFerdinanddeLesseps,marquel’apogéedecesbonnesrelations.)

Natif de Cambrai, Cordier a toute sa vie nourri unegrandepassionpour l’Afrique,oùilmeurten1905,àAlger. Le sculpteur élabore des figures d’Afrique duNordoud’Afriquenoireetsedistingueparl’originalité

desadémarche,quiconsistenotammentàintroduirede la couleur dans les froides figures en pierre, enmarbreouenbronzedesonépoque. Ilemploiepourcela de l’onyx, du porphyre et d’autres pierres decouleur.Ilestàcepointéprisdecultureexotiquequ’ilconstruit une villa de style égyptien à Orsay, dansl’Essonne.Raséeen1962,ellesubitencelalemêmesort que le Palais rose de Boni de Castellane, lespeintures de la bibliothèque de l’École des arts etmétiersdeGérômeet,àlaBastille,l’entréedemétrode Guimard, qui sont détruits à cette époque souscouvertdemodernité…

Landowski,situvasàRio…En 1922, le Brésil commande au sculpteur PaulLandowski(1875-1961)unestatuemonumentalepourcélébrer le centenaire de l’indépendance du pays.Aprèsplusieursaléas,leChristdeRion’estfinalementinauguréqu’en1931,aprèsque l’onadû faireappelau soutien du Vatican pour combler le manque defonds. Construite au sommet du pic de Corcovado,cettestatuemonumentalemesure30mètresetpèse1 145 tonnes. Surplombant la ville qui s’étend encontrebas,elleestconstituéede«pastilles»depierreàsavon(çaneglissepas)poséessurunestructureenbétonarmé.

CommeBartholdiunsiècleplustôt,Landowskiest lesculpteurmonumentalfrançaisduXXesiècle.Pourquin’apasprévud’alleràRio,ilyamoyendeseconsoleren allant voir lesœuvres de Landowski à Paris : lessculptures des fontaines du Trocadéro et de la porteSaint-Cloud,lastatued’ÉdouardVIIenfaceduthéâtre

dumêmenomdanslequartierdel’OpéraetlastatueSainte Geneviève du pont de la Tournelle derrièreNotre-Dame(1928).Pourdesgénérationsdegamins,l’arrièredecettesculptureaévoquélafuséedeTintinencouverturedel’albumOnamarchésurlalune.

LachaisesefaitlamalleQuoique né à Paris et formé en France par RenéLalique, Gaston Lachaise (1886-1935) est souventconsidérécommeunsculpteur…américain!Arrivéen1906auxÉtats-Unis,ilcommencesacarrièreàBostonetlafinitàNewYork,oùilmeurt.Sarenomméetientau caractère bien fini et poli de ses œuvres,principalement des bustes et des statues de nusféminins en bronze, inspirés des formes de sonépouse américaine et dont l’anatomie évoque lesœuvresdeRubensouMaillol.

Deuxième artiste à se voir consacrer de son vivantuneexpositionrétrospectiveaumuséed’Artmodernede New York en 1935, son travail donne lieu à denombreux hommages dans les musées américainsjusque dans les années 1970. Ses œuvres les plusconnues sont La Femme debout du MetropolitanMuseum de New York (1932) et La Mouette,monument dédié aux gardes-côtes. Mais qui s’ensouvient«cheznous»?

Tissot,àl’heureanglaiseJacques Joseph Tissot (1836-1902) a très tôt uneattirance pour tout ce qui est anglais, au pointd’anglicisersonprénom,qu’iltransformeenJames,et

d’aller faire carrière à Londres. Artiste éclectique, ilexploite tous les genres (peinture religieuse,d’histoire, scènes de genre, portraits, paysages,marines) et tous les modes picturaux et graphiques(aquarelle, pastel, gravure et même vitrail). Sacarrière en Angleterre commence au début desannées1870.Ilsefaitviteuneréputationdemondainenpeignantdansune techniqueacadémiqueprécisedesscèneshistoriques,bibliquesougalantessurfonddeMoyenÂge.

L’artiste peint également et surtout des jeunesfemmesdelabonnesociétéqu’ilhabilleélégamment,fixant ainsi l’image de la vie anglaise victorienne,avec parfois aussi quelque fine ironie dans sesportraits, comme avec cette élégante au bras d’unvénérable vieillard cherchant du coin de l’œil sonsoupirant dans la foule. Frappé d’une crisemystiquedanslesannées1880,Tissotselivredanslasecondemoitié de sa vie à la peinture religieuse et àl’illustrationdelaBible.AmideDegas,ilpartagealorssavieentreLondresetParis.Il laisseuneœuvretrèsvariée et attachante, surtout exposée dans lesmusées–devinezquoi–anglo-saxons!

«Pourretrouverlasectionquivousintéresseàpartirdecetindex,utilisezlemoteurderecherche»

2h30gareduNord

AÀbientôtj’espèreasemifresco,procédédit,Aalto,AlvarAbadie,PaulAbandon,l’Abbassides,dynastiedesablaqaborigène,art,AbrahamAbsinthe,l’abstractionlyriqueAbuDulaf,mosquéed’Academia,Galleriadell’Académiedesbeaux-artsdeSaint-PétersbourgAcadémieroyaledesbeaux-artsacadémismeacanthe,feuilled’accumulationsAchéménidesAcropoled’AthènesacropoledeMycènesactionpaintingAdamson,RichardAdorationdesbergers,l’

AdorationdesMages,l’Africaremix,expositionafricain,artAgamemnon,Agathe,sainteÂged’Airain,l’Âgemûr,l’AggadéAglaéetBonifaceAjantha,grottesd’AkhenatonAkshobhyaAl-Aqça,mosquéed’al-Azhar,mosquéed’Albane,l’Alberti,LeonBattistaAlcala,ported’AlcazardeSéville,palaisdel’al-DjausakKhakani,palaisd’Alechinsky,PierreAlembert,busteded’AlexandreentreCastoretPolluxAlexandreleGrandAlexandretenantunfoudreAlgarde,AlessandroAlgardiditl’AlgérieAlhambradeGrenade,palaisdel’al-Kharana,qsarAlléedechâtaigniersàLaCelle-Saint-Cloud,l’Allégoriedelapeinture,l’allégorieAllemagneAl-MamounAlmohades,dynastiedesAlmoravides,dynastiedesAl-Mutawaki,mosquéed’Altamira,grotted’

AltePinakothek(AnciennePinacothèque)Ambassadeurs,lesAmboise,châteaud’amérindien,artAmériquecentraleAmériqueduNordAmériqueduSudÂmesdéçues,lesAmiensAmithabaAmitié,l’AmogasiddhiAmon-RéAmouretPsychéparCanovaAmouretPsychéparDavidAmoursacréetl’Amourprofane,l’AmoursdePârisetd’Hélène,lesAmra,qsaranamorphoseAngedelacathédraledeReims,l’AngéliqueetRogermontéssurl’hippogriffeAngélus,l’Angerstein,JohnJuliusAngkor,templed’Anne-Franck(Antony),collègeAnnetteMessagerAnnetteMessager,collectionneuseAnnetteMessager,femmepratiqueAnnonciation,l’antéfixeAnthropométriesAntinoüsAntiquitéAntoninProust,busted’AnubisAnversApelle

AphroditedeCnide,l’Aphrodite,Apollinaire,GuillaumeApollodoreApollondeVéies,l’ApollonduBelvédère,l’ApollonetDaphnéApollonserviparlesNymphesApollonApollon,galeried’Apollonios,filsdeNestorAthénienApothéosed’Homère,l’ApothéosedeNapoléonIer,l’ApparitiondesaintMarc,l’Apparition,l’Après-dîneràOrnans,l’arcbriséArcdetriomphe,l’arcenferàchevalarcformeretarc-boutantArc-et-Senans,salineroyaled’ArchangeSaint-MichelarchedelaNouvelleHollande,l’Archers,frisedesArchipenko,AlexanderArchitecteàlarègle,l’architraveAréaréa(Joyeusetés)ArèsArgyll,tombeaududucJohnd’AristoteArlesArman,ArmandFernandezditArmoryshow,expositiondel’Arp,JeanouHansartattitude

artnouveauArtaud,AntoninArtémisavecunchœurdejeunesfillesArtémisd’Éphèse,templed’ArtémisArtsandCrafts,mouvementArtspremiers,muséedesasanaAshokaAsie,l’AssomptiondeMarie-Madeleine,l’Assouan,barraged’Assy,églised’AssyrieAstarté(ouIshtar)Atelierdupeintre,allégorie réelledéterminantunephasedeseptannéesdemavieartistique,l’AthénaParthénosAthénaAthènesatlantesAttaledePergameAttiqueAuguste,empereurAulenti,GaeAustralieAutodafé,l’Autoportraitàl’oreillecoupéeAutoportraitaumanteaudefourrureAutoportraitaveccolleretteettoqueAutoportraitparRembrandtAutoportraitparisienAutricheAutun,cathédraled’Auvers-sur-OiseAuxmartyrsd’OradourAverroès

Aztèquesazulejos

BBabel,tourdeBabyloneBabylone,jardinssuspendusdeBacchanaleBacchantecouchéeBacchusmaladeBacchusparleCaravageBacchusparLéonarddeVinciBacchusparMichel-AngeBacchusBacon,FrancisBagdadBaigneuseditedeValpinçonBaindesNymphes,leBainturcBaiserparBrancusi,leBaiserparKlimt,leBaiserparRodin,leBajazet,mosquéedeBalançoire,laBalcon,leBaldassarCastiglioneBallu,ThéodoreBaltard,VictorBalthus,BalthazarKlossowskideRoladitBalzacBamiyanBanquetdesofficiersducorpsdeSaint-Georges,leBaptêmeduChrist,leBaptistèredeSaintLouisBarbedienneBarberini,palais

Barbizon,écoledeBarcelo,MiquelBardon,GeoffreyBarnes,docteurbaroque,artBarquedeDante,laBarquependantl’inondationàPort-MarlyBartholdi,Frédéric-AugusteBarye,AntoineLouisBasquiat,Jean-MichelBasra,mosquéedeBastetBastien-Lepage,JulesBatailled’Aboukir,laBatailled’Anghianri,laBatailled’Eylau,laBatailledeCascina,laBatailledeReichshoffen,laBatailledeSanRomano,laBatailledeWagram,laBatailledesPyramides,laBateau-Lavoir,leBaudry,PaulBauhausBazaine,JeanBazille,FrédéricBeckmann,MaxBedBelgiqueBélisaireBelleJardinière,laBelmondo,PaulBen,BenjaminVautierditBénédicité,leBénézitBéninBergersd’Arcadie,les

Bernard,ÉmileBernardasd’AlcaladeHenares,églisedesBernin,GiovanniLorenzoBernini,ditleCavalierBerninouleBethsabéebétyleBibliothèquenationaleBiblisBiennaledeVeniseBirmanieBlackonGreyBlaueReiter,DerBlois,châteaudeBlondel,FrançoisBodhisattvasBodnath,chortendebodyartBœcklin,ArnoldBœufécorché,leBohêmeboîtesdesoupeCampbellBonPasteur,leBonapartefranchissantlesAlpesBonaparte,NapoléonBonaparte,PaulineBonchamp,tombeaudugénéralBonheur,RosaBonnat,LéonBorghèse,busteducardinalBoronaliBorromini,FrancescoBorromini,prixBosch,JérômebosmetalBotticelli,SandroFilipepiditBoucher,FrançoisBouddhabouddhisme

BouffonCalabazasBouguereau,AdolpheWilliamBoulanger,LouisBoulevarddesItaliensBourdelle,AntoineBourdon,SébastienBourgeoisdeCalais,lesBourgeois,LouiseBourré,JeanBramante,DonatodiAngeloBrancusi,ConstantinBrandebourg,portedeBraque,GeorgesBresdin,RodolpheBretagneBreton,AndréBritishMuseumBrodeuseBrongniart,AlexandreThéodoreBrongniart,palaisBruant,LibéralBrücke,DieBruegel,JanditBruegeldeVeloursBruegel,PieterditleVieuxoul’AncienBrulyBouabréBrunelleschi,Filippobrut,artBryen,CamilleBûcheronnes,lesBuenRetiro,palaisduBullant,JeanBullet,PierreBureaudecotonàlaNouvelle-OrléansBuren,DanielBurne-Jones,SirEdwardBury,PolBuveurs,les

byzantin,art

CCabanel,AlexandreCaereCaillebotte,GustaveCaïnCalamisCalle,SophieCallicratèscalligraphieCallimaquecamarinCamposantodePiseCanadaCanova,AntonioCaoatlicueCapitoledeWashingtonCapitole,placeduCaprices,lesCapucins,couventdesCaravage,MichelAngeloMerisiditlecariatidesCarnac,alignementsdeCarnarvon,LordCarpeaux,Jean-BaptisteCarrache,AnnibalCarrache,AugustinCarrache,LudovicCarrand,LouisHilaireCarréblancsurfondblancCarrénoirsurfondblancouQuadrangleCarrier-Belleuse,AlbertCarrière,académieCarrièred’unrouéCarrièred’uneprostituée

Carrousel,arcduCarter,HowardcartoucheCassatt,MaryCasseursdepierre,lesCatchascatchcanCatherineIICattelan,MaurizioCaucaseCauseuses,lesCavalierd’airain,leCavalierRampin,leCavaliersouriant,leCène,laCentremédico-chirurgicalduVal-Notre-DameàBezonsCérèsCésarCézanne,PaulChagall,MarcChalgrin,Jean-Françoischam,artchamanismeChambord,châteaudeChampaChampaigne,PhilippedeChampfleury,JulesHussonditChampollion,Jean-FrançoisChancelierSéguier,statueduChandigarhChansonduprintemps,laChantilly,châteaudechaouabti,statuaireChapelleSixtineparIngres,laChardin,JeanSiméonCharitédeSéville,hôpitaldelaCharlesIerd’Angleterre,bustedeCharlesIeràcheval

CharlesIIId’EspagneCharlesQuintCharlesVIICharlesXCharles,pontCharrettedefoin,laChartres,cathédraledeChasseurdelaGarde,leChasseursdanslaneige,lesChaumont,châteaudeChauvet,grotteChéopsCheriSambaChevalarabe,leChevalbleu,leChevauxdeMarly,lesChevauxdusoleil,lesChevreul,EugèneChiens,lesChimèred’ArezzoChimèresChinechorten,templeChristdelaClémence,leChristenCroixdeVélasquez,leChristenCroixdeZurbarán,leChristgisantChristprenantdanssesbrasSaintBernard,leChristo,ChristoJavacheffditChurriguera,AlbertoChurriguera,JoaquínChurriguera,JoséBenitoChutedesangesrebelles,lacinétique,artcireperdueclassique,artClaudel,Camille

claveauxClemenceau,GeorgesCléoménèsCléopâtreClésinger,Jean-BaptisteAugusteStelloClonesClovisCluny,abbayedeCluny,muséedeCobra,groupeCoexistencesCoimbra,cathédraledeColbert,tombeaudeColèred’Achille,laColiséeCollègedeFranceCollegiumregiumCollot,Marie-AnneColonnesansfin,lacolonnetorsecolossal,ordreColossedeRhodes,leCombatdeNazareth,lecombinepaintingsCommonwealthPromenadecomposite,ordreComtesseKeller,marquisedeSaint-Yvesd’Alveydre,laconceptuel,artConcertpastoral,leConsigneàvieConstable,JohnConstantin,empereurConstantinopleConstellationsconstructivismecontemporain,artContrastedeformes

contrefortContre-reliefsConvoifunèbreauPère-LachaiseCook,maisonCoranCorbeilledefruits,laCordier,CharlesCordouecorinthien,ordreCormon,académieCormon,FernandCorot,CamilleCorrège,AntonioAllegriditleCortone,PierredeCôted’Ivoirecoufique,écritureCourbet,GustaveCouronnementdelaVierge(ditRetableOddi),leCouronnementdelaVierge,leCoursedetaureaux,laCoursesdetaureaux,lesCoustou,GuillaumeIICoustou,GuillaumeCoustou,NicolasCouture,ThomasCoysevox,AntoineCri,leCrimsonCloudscroiséed’ogivesCross,Henri–EdmondCrystalPalacecubismeCuirassierblessécunéiforme,écritureCurtius,MarcusCuvier,statuedeCuypers,PetrusJosephusHubertus

Cyclop,leCyprès,les

DD’EugèneDelacroixaunéo-impressionnismeD’oùvenons-nous?Quesommes-nous?Oùallons-nous?dadadadaïsmeDalí,SalvadorDalou,JulesDamasDameàl’hermine,laDameàlalicorne,laDameàlarobeverte,laDamed’Auxerre,laDamedeBrassempouy,ladan,masquesDansl’arbreténébreuxDansedespaysans,laDanseparCarpeaux,laDanseparMatisse,laDanseuse,laDaumier,HonoréDavidd’Angers,PierreJeanDavidDavidetBethsabéeDavidparLeBerninDavidparMichel-AngeDavid,JacquesLouisDeBrandt,IsabelleDeChirico,GiorgioDeKooning,WillemDelaloiducontrastesimultanédescouleursDeStilj,groupedéambulatoireDéclarationconstitutivedunouveauréalismeDécollationdesaintJean-Baptiste,la

Degas,EdgarDéjeunerdescanotiers,leDéjeunersurl’herbeparManet,leDéjeunersurl’herbeparMonet,leDelaroche,PaulDelaunay,RobertDelphesDelville,JeanDéméterDemoisellesd’Avignon,lesdémotique,écritureDendérah,templedeDenis,MauriceDentellière,laDépartdesvolontairesen1792diteLaMarseillaise,leDerain,AndréDerbyde1821àEpsom,leDésastresdelaguerre,lesDescentedeCroixparleCaravage,laDescentedeCroixparRembrandt,laDescentedeCroixparRubens,ladesignDestinodétrempeDiane,DianeparHoudonDiderot,bustedeDidonfondantCarthageDieulafoy,JeanneDinet,AlphonseÉtienneNasreddineDinteville,JeandeDiseusedebonneaventure,laDisney,WaltDispute,laDisques,lesDistributiondesAigles,ladivisionnisme

Dix,OttoDjéserdogon,artDokumentadeCasselDolcefarnientedolmen,dômedelacathédraledeFlorenceDômeduRocher,mosquéeduDominionCenterDominiquin,DomenicoZiamperiditleDonatellodorique,ordreDörpfeld,WilhelmDosdeMayoDoublejeuDousarèsdrapéDrolling,MartinDrouais,JeanGermainDuspiritueldansl’artDuban,FélixDubuffet,JeanDuchamp,MarcelDuchamp-Villon,RaymondDufrêne,FrançoisDuquesnoy,FrançoisDürer,AlbrechtDuthuit,Georges

EEccehomoéclectismeÉcoled’Athènes,l’ÉcoledePlaton,l’Écoledesbeaux-artsdeParisÉcolemilitaire

Écorché,l’Écouen,châteaud’ÉdouardVII,statued’Églised’Auvers-sur-Oise,l’Égouttoir,l’Égypteégyptien,artEiffel,GustaveÉlamÉléphantine,îled’Éleusis,mystèresd’Elgin,LordEllora,grottesd’Eluard,GalaEmbarquementdelareinedeSaba,l’EmpiredeFlore,l’enépargne,procédéditenronde-bosse,sculptureÉnéeetAnchiseEnfantautoton,l’Enfantsjouantauxdés,lesEnfer,l’EnlèvementdeProserpine,l’EnlèvementdesfillesdeLeucippe,l’EnlèvementdesSabines,l’enluminuresEnseignedeGersaint,l’entablementEnterrementàOrnans,l’ÉpouxArnolfini,lesÉrechthéion,templedel’Ermitage,muséedel’Ernst,MaxÉrosEsclaves,lesEscorialEskimo

EspagneEsplanadeàChicagoEsquissespédagogiquesestampesxylographiquesEstève,Mauriceestompe,techniquedel’États-UnisEuphrateexpressionnismeExtasedesainteThérèse,l’Extrême-Orient

FFalconet,ÉtienneFalguière,Alexandrefang,artFarnèse,palaisFatimidesFautrier,JeanfauvismeFayet,GustaveFederalArtProject(WorksProgressAdministration)FederalCenterFélibien,AndréFemmeàbarbe,laFemmedebout,laFemmepiquéeparunserpent,laFemmequipleure,laFemmesaujardin,lesFénéon,FélixFenosa,Apel.les,Fernández,GregorioFestindeSamson,leFêteduRosaire,laFifre,leFileuses,les

Fillesportantunchat,lesFinisgloriaemundiFlandrin,AugusteFlandrin,HippolyteFlandrin,Jean-PaulFlorenceFoins,lesFontained’Andromède,laFontainedesGrenouilles,laFontaineIgorStravinsky,laFontaine,laFontaine,LéonardFontainebleau,forêtdeFont-de-Gaume,grottedeFontfroide,abbayedeForcesNouvelles,groupeForgedeVulcain,laFougeron,AndréFoujita,LéonardFouquet,JeanFouquet,NicolasFourment,HélèneFoy,statuedugénéralFragonard,JeanHonoréFrançoisIerFranklin,BenjaminFrédéricBazillepeignantàsonatelierFrémiet,EmmanuelFrémin,RenéfresqueFriant,ÉmileFriedrich,CasparFriesz,OthonfrisefrontonfrottageFrugès,cité

FuiteenÉgypte,la

GGabriel,AngeJacquesGachet,docteurGainsborough,ThomasGaliceGandharaGaneshGanymèdeGarçonàlacorbeilledefruits,leGarçonmorduparunlézard,leGard,pontduGarnier,CharlesGauguin,PaulGavrinis,sitedegeledeGenèveGentileschi,ArtemisiaGentileschi,OrazioGeorges-Pompidou,centreGérard,FrançoisGéricault,ThéodoreGérôme,Jean-LéonGesù,égliseduGiacometti,AlbertoGilgameshGillesGinevradeBenciGiordano,LucaGiorgione,GiorgioBarbarelliditGiraldadelaGrandeMosquéedeSévilleGirardon,FrançoisGirodet-Trioson,AnneLouisGirsugisant

GivernyGizeh,pyramidesdeGlaces,galeriedesGladiateurcombattant,leGlaneuses,lesGleizes,AlbertGoeneutte,NorbertGoethe,JohannWolfgangvonGoethe,bustedeGómezdeMora,JuanGorilleenlevantunefemmegothique,artGoujon,JeanGoulue,lagouro,masquesGoya,FranciscoGrandAuteldeZeus,leGrandcalendrier,leGrandNordGrandPalaisGrandThéâtredeBordeauxGrandTrianon,châteauduGrandeMurailledeChineGrandeOdalisque,laGrandeParadeinspiréeparlecirque,laGranja,jardinsdelaGranja,palaisdelaGreatAmericanNudegrec,templeGrècesurlesruinesdeMissolonghi,laGrégoireXVIGrenade,cathédraledeGris,JuanGrisou,leGroenlandGropius,WalterGros,Antoine

Grosz,GeorgeGroupedenovembreGudéaGuerchin,leGuérillerosGuernicaGuggenheimMuseumGuggenheim,PeggyGuide,GuidoReniditleGuillaumeIIId’OrangeGuillaumeIerleTaciturneGuillaume-le-ConquérantGuillaumin,ArmandGuinéegupta,art

HHadèsHadrienhaida,artHains,RaymondHaïtihaïtien,artHalicarnasse,mausoléed’Halleducommerce(GostinyDvor)HallesdeParis,lesHals,FranzHammourabihappeningHarappaHarcourt,tombeaudumaréchald’Hardouin-MansartdeSagonne,JacquesHardouin-Mansart,JulesHaring,KeithHartung,Hans

Hathorhathorique,colonneHatshepsoutHay,Mesh,StringHébert,AntoineAugusteErnesthégireHélènedeTroieHenriIIetCatherinedeMédicis,tombeaud’HenriVIIIHenze,HansWernerHéphaïstosHéraHéraclèsarcherHerculanumHerculeparApelleHermèsparPraxitèleHermèsHérodoteHerrera,JuandeHestiaHeuredetous’hiéroglypheHiroshige,UtagawaIchiyusaiditHiver’Hodler,FerdinandHogarth,WilliamHokusai,KatsushikaHolbeinleJeune,HansHollandeHommageàNewYorkHomme à la pipe dit aussi Portrait de l’artiste Courbet auchiennoir’Hommeaucasqued’or’Hommeaunezcassé’HopisHorusHoudon,Jean-Antoine

Hourloupe’hozho,peinturesHugo,bustedeVictorHumbert,académieHuysmans,Joris-Karlhyperréalismehypètrehypogée

IIknowhowyoumustfeel,BradIctinosidéogrammeIdoledelaperversité,l’idolesdesCycladesIdyllesurlapasserelle,l’Idyllesparlementaires,lesIfeiikaah,peintureIKB(InternationalKleinBlue)Îledesmorts,l’ImhotepImmaculéeConceptionditeImmaculéeSoultImpératriceEugénieentouréedesesdamesd’honneur,l’ImperialHotelImpression,soleillevantimpressionnismeInictuoculiIncasIndeIndochineinformels,peintresIngres,JeanAugusteDominiqueInnocentXInspirationdupoète,l’installation

InstitutdumondearabeInstructionpourmesureraucompasetàlarègleIntérieurauxaubergines,l’Intérieurd’unecuisineIntérieurshollandaisIntérieurslumineuxInternationalStyleInuitsionique,ordreIrakIranIshtar,ported’IsisIsis,templed’islamique,artIstanbulItalieiwanIznik

JJaponjaponismeJardind’amour,leJardindesdélices,leJeanCavalierjouantlechoraldeLutherauchevetdesamèremouranteJeanNépomucène,saintJeanned’ArcJeanne-Claude,Jeanne-ClaudedeGuillebonditeJefferson,ThomasJérémiepleurantJérôme,saintjésuite,styleJésusappelantàluilespetitsenfantsJeuneFilleàlaperle,la

JeuneFilleauverredevin,laJeuneGrecquesurletombeaudeMarcoBotzaris,laJeuneHommeauluth,leJeuneHommenuassisauborddelamer,leJeuneMendiant,leJeunePeintureBelge,laJeuneVénitienne,laJockeyblessé,leJoconde,laJoiedevivre,laJones,InigoJongkind,JohanBartholdJordaens,JacobJordanieJoueursdecartes,lesJoueused’osselets,laJournéesombre,laJoyeuxBuveur,leJudd,DonaldJudithdécapitantHolopherneJudithetHolopherneJugendstilJulesIIJulian,académie,Jumièges,abbayedeJunonJupiterJustinien

KKaabakachinas,poupéesKahnweiler,Daniel-Henrykakemonos,rouleauxkanaga,masqueKandinsky,Vassily

KhephrenKermesse,laKeyser,HendrickdeKhajuraho,templedeKhnopff;FernandKhorsabad,palaisdeKienholz,JeffKirchner,ErnestKisling,MoïseKlee,PaulKlein,YvesKlimt,GustavKlinger,MaxKokoschka,OskarKoons,Jeffkota,artKoufa,mosquéedekouros,statueKunsthistorischesMuseumdeVienneKupka,Frantisek

LL’Enfant,Pierre-CharlesLaFayette,marquisdeLaHyre,LaurentdeLaMecqueLaparoleestauxusagersLaRépubliquenourritsesenfantsetlesinstruitLaTour,GeorgesdeLaTurbie,trophéedeLaVallette,cathédraledeLaVilleglé,JacquesdeLabouragenivernais,leLabrouste,HenriLachaise,GastonLagash

Laitière,laLaloux,VictorLamartine,busted’AlphonsedelandartLandowski,PaulLaocoonLaon,cathédraledeLapicque,CharlesLargillière,NicolasdeLasdevivre,lesLascaux,grottedeLaurencin,MarieLaval,CharlesLavier,BertrandLeBrun,CharlesLeCaireLeCorbusier,Charles-ÉdouardJeanneret-GrisditLeLorrain,ClaudeGelléeditLeLorrain,RobertLeNain,frèresLeroiboitLeSueur,EustacheLeTasseenprisonvisitéparExpilly,gentilhommedauphinoisLeVau,LouisLeal,JuandeValdésLeçond’anatomie,laLecturedehuitlithographiesdeZaoWou-kiLedoux,ClaudeNicolasLefuel,HectorLéger,FernandLenepveu,Jules-EugèneLéonX,LéonarddeVinciLeroi-Gourhan,AndréLes ombres de Francesca da Rimini et de Paolo MalatestaapparaissentàDanteetàVirgileLeschédeDelphes

Lescot,PierreLeverdesoleildanslabrumeLHOOQlibéraux,artsLibertééclairantlemonde,laLibertéguidantlepeuple,laLibraires,mosquéedesLichtenstein,RoyLicteursrapportantàBrutuslescorpsdesesfils,lesLigugé,abbayedeLionayantfaim,leLiondeBelfort,leLionetleSerpent,leLions,portedesLipchitz,JacquesLisbonneLivredesMerveilles,leLivredesmorts,leLivresjaunes,lesLongTermParkingLongchamp,palaisLorichLosAngelesLouisXILouisXIIILouisXIVLouisXVILouisXVIIILouis-XV,place(actuelleplacedelaConcorde)Louis-PhilippeLouveduCapitole,laLouvre,muséeduLouxorLynch,statuedugénéralLyonLysippe

MMaâtMachuPichuMacke,AugustMadaïnSalihMadameCharpentieretsesenfantsMadamedeSenonnesMadeleinepénitentepardeLaTour,laMadeleinepénitenteparleCaravage,laMadeleine,églisedelaMademoiselleRivièreMadernaouMaderno,CarloMaderno,StefanoMadoneàl’escalier,laMadoneauxsaints,laMadonedeFoligno,laMadonedellaSeggiola,laMadoneLitti,laMadoneSixtine,laMadridMaekawa,KunioMaeterlinck,Mauricemagdalénienne,époqueMaghrebMagritte,RenéMahabharata,leMaillol,AristideMaisoncarréedeNîmesMaisondelareinemaisonDickMaisondudocteurEdwards,laMaisondupeupledeClichymaisonFarnsworthmaisonFrickeMaisonsurlacascade

maisonWillitsmaisonWinslowMaison-BlancheMaisonsàl’EstaqueMaisonsvertesMaitreyaMajanue,laMajavêtue,laMajorelle,JacquesMakart,Hansmakimonos,rouleauxMakondeMal’aria,laMalevitch,KazimirMalines,cathédraledeMallarmé,StéphaneMalraux,AndréMamanmamelouk,artManRayManessier,AlfredManet,ÉdouardMangaMangeursderaisinsetpastèques,lesManifestesdusurréalismeMannekenPisMansart,Françoismantos,étoffesManutan/KindMaraMaratassassinéMarc,FranzMarchanddegibier,leMarchanded’amours,laMarchéauxchevaux,leMardoukMariaged’IsaacetRébecca,le

MariagedesainteCatherine,leMariéemiseànuparsescélibataires,laMarie-Marguerited’EspagneMarie-Thérèsed’EspagneMarilyn,portraitsdeMarly,châteaudeMarocMarot,Danielmarouflées,toilesMarquises,îlesMarquisienàlacaperouge,leMarrakechMarsdésarméparVénusetlesGrâcesMarsetVénusMarsMarseilleMartinezMontanez,JuanMartyredesaintÉrasme,leMartyredesaintPhilippe,leMartyredesaintSymphorien,leMasaccio,TommasodiserGiovanniCassaiditmasquedeflûtemasquemastabamâttotémiqueMaterdolorosaMathieu,GeorgesMatisse,HenriMauritshuis(oumaisondeMaurice)maurya,artMausolemaya,artMazarin,tombeauducardinaldeMazeppaMédicis,CatherinedeMédicis,familleMédine

mégalitheMehemetAliMeissonier,ErnestMélancolie,laMemphismendé,artMendiantaupiedbot,lemenhirMénines,lesMercureetArgusMercureparCoysevoxMercurerattachantsestalonnièresMercureMésopotamieMessager,AnnettemétopeMetropolitanMuseumMeunier,ConstantinMeunier,sonfilsetl’âne,leMichaux,HenriMichel-Ange,MichelangeloBuanarrotiditMignard,PierremihrabMillet,Jean-FrançoisMilondeCrotoneminaretMinerveMinerveMing,dynastiedesminimalismeMirabeauMirbeau,OctaveMiró,JoanmiseenabîmeMitsou:quaranteimagesmoai,statuesMochica

Modigliani,AmedeoModulor,leMohammedMohenjo-DaroMoholy-Nagy,LaszloMoïsemomieMonaLisaMondrian,PietMonet,ClaudeMonfreid,GeorgesDanieldemonochromeMonogrammonotypeMontagneSainte-Victoire,laMonticelli,AdolpheMontmartreMontmorency,AnnedeMonumentàAlvear,leMonumentauxmortsdeMontceau-les-MinesMoreau,GustaveMorellet,FrançoisMoret-sur-Loing,églisedeMoretti,RaymondMorisot,BertheMorot,AiméMorphéeMorris,RobertMorris,WilliamMortd’Épaminondas,laMortdeGéricault,laMortdelaViergeparleCaravage,laMortdelaViergeparLopesGregório,laMortdeLePelletierdeSaint-Fargeau,laMortdeMoïse,laMortdeSardanapale,laMortdeSocrate,la

MortetlaVie,lamosquéeMouette,laMoulindelaGalette,leMovieHouseMoyenÂgemozarabe,artmudrâMunch,EdvardMunkácsy,MihályMurillo,BartoloméEstebanMuseumofModernArtMycènesmycénien,artMykérinosMyronmythologieégyptiennemythologiegréco-romainemythologievaudou

NNabatéensNabis,groupedesNabuchodonosorIINadar,FélixNagadaIerNainFrancisoLezcano,ditl’enfantdeVallecas,leNaissancedeVénusparBotticelli,laNaissancedeVénusparBouguereau,laNaissancedeVénusparCabanel,laNakhonPathom,chortendeNanas,lesNancy,muséedeNanoukl’Esquimaunaos

NaplesNapoléonIIInaskhi,écritureNationalGallerydeLondresnaturemortenavajo,artnazca,artnémèsnéoclassicismenéogothiquenéo-impressionnismenéorenaissantnéoromanNeptuneNeuePinakothek(NouvellePinacothèque),laNewBauhausNewYorkNewman,BarnettNiemeyer,OscarNieuweKerkdeDelftNieuweKerkdeHaarlemNigeriaNightingale,tombeaudeLadynikéNilnimba,masqueNiniveNippurNocesdeCana,lesNocesvillageoises,lesNoir,gisantdeVictornok,artNolde,Emilnonfinitonon-figurationpsychiqueNotessurlapeintured’aujourd’huiNotre-DamedeParis,cathédrale

Notre-Dame-la-GrandedePoitiers,cathédraleNour-DjihannouveauxréalistesNouvel,JeanNoyon,cathédraledeNudescendantunescalierNuitétoilée,laNuit,laNymphéas,les

Ooba,têteobélisqueObservatoire,fontainedel’OcéanieOdalisqueàlaculotterougeparMatisse,l’OdalisqueparBoucher,l’OdalisqueparCourbet,l’OdalisqueparIngres,l’Odéon,théâtredel’ŒdipeetleSphinxparIngresŒdipeetleSphinxparMoreauoenochoéOiron,châteaud’Oiseaudansl’espace,l’Oldenburg,ClaesOlmèquesOlympiaOlympieOmeyyadesOpArt(OpticalArt)OpéradeParis,l’Ophélierêveuseopisthodomeopusincertumopuslateritium

opusreticulatumOrageaujardin,l’Orangerie,muséedel’Orateur,l’orientalismeOriginedumonde,l’ornemanistesOrphéeOrsay,muséed’OsirisOtages,lesOttomansouchebtis,statuesOursblanc,l’Outa-Napishtim

PpagodePalaisdejusticedeBruxellesPalladio,AndreadiPietroditPanthéondeRomePapunya,écoledePâques,îledeParaboledesaveugles,laParacasparallélismeparanoïacritiqueParcdeSteen,leParcdesPrincesParementdeNarbonne,lepariétal,artParisParis,écoledeParis,matin,effetdesoleilParnasse,leParthénon,templedu

Partiedecartes,laPascin,Julespasos,charspastelPausaniasPauvert,OdetteMariePauvrePêcheur,lepavillondel’EspritnouveauPaxton,JosephPaysageàMontmorencyPaysageduboisd’Amour,lePaysannedeGuérandebattantsonbeurrePaysansdeFlagey,lesPéché,lePêcheuràl’épervierPei,IeohMingPéladan,JoséphinPèlerinage à l’île de Cythère, dit L’Embarquement pourCythère,lePèlerinsd’EmmaüsparRembrandt,lesPèlerinsd’EmmaüsparVéronèse,lesPenseur,lePercier,CharlesPèreTanguy,leperformancePergameperibolosPériclèspériodebleuepérioderosepériptèrePérou,Perrault,colonnadedePerriand,CharlottePersePerséedélivrantAndromèdePerséphone(Proserpine)

PersépolisPerspectiveNevskiperspectivePestiférésdeJaffa,lesPeterhof,résidenceimpérialedePetitTrianon,châteauduPetiteDanseuse,laPetitePelisse,laPétra,sitedepharaonphared’AlexandriePhidiasPhiladelphiePhilae,templedePhilippeIId’EspagnePhilippeIVd’EspagnePhilippeVd’EspagnePhilondeByzancePhrynéremettantsesvoilesPiano,RenzoPicabia,FrancisPicasso,PablopictogrammePiedadPierodellaFrancescapierredeRosettePierreleGrandPierrefonds,châteaudePietadeCoysevox,laPietaparMichel-Ange,laPigalle,Jean-BaptistePignon,ÉdouardPilar,cathédraledupilastrePilon,GermainPineda,SimóndePiranèse

Pissarro,CamilleplacedesVosgesPlaceduThéâtre-Français,effetdepluiePlaisirsdusoirPlazaMayordeMadridPlazaMayordeSalamanquePlessis-Bourré,châteauduPlinePlutonPoelaert,JosephPoètemontésurPégase,lepointdefuitepointillismePoliakoff,SergePolisy,châteaudePollock,JacksonPolo,MarcopolychromiePolyclètePolygnotedeThasosPolyptyquedel’Agneaumystique,lePompadour,marquisedePompéipompiers,peintresPompon,FrançoisPonctuationsérectilesPont-AvenPont-Neuf,emballagedupopartPort,leportfolioWismuthPortraitauchapeaudepaille,lePortraitd’ÉrasmePortraitdeCharlesXPortraitdeMadameRostandPortraitdemariaged’IsaacMassaetBeatrixvanderLaenPortraitdemonsieurBertin

PortraitdeRenoirPortraitdeSapphoPortraitdeThomasMorePortraitduDocteurGachetPortraitdugrand-pèrePort-RoyaldesChamps,abbayedePoséidonPoséidonPoubellesPouchkine,AlexandrePoussin,NicolasPradier,JamesPrado,muséeduPraguepraticienPraxitèleprécolombien,artpréhistoirePremierConsul franchissant lesAlpesaucolduGrand-Saint-Bernard,lepremiers,artspréraphaélites,confrériedesPrésentationauTemple,laPrésentationdelaViergeauTemple,laPrinces,mosquéedesPrintemps,lePrisonniers,lesPritzkerArchitecturePrizeprocèsBarrèsProcessionduvendredisaint,laProjetdemonumentàlaTroisièmeInternationale,lePromenade,lapronaospropyléesdel’AcropoleProtogèneProuvé,JeanPsychéjouantavecunpapillon

Ptah,demeuredePtoléméeVÉpiphanePuget,PierrePunupurismeputti,angePuvisdeChavannespylônepyramideduLouvrepyramidePythagoras

QqiblaQinShiHuangdiQotbi,MedhiQuaideClichyQuatreApôtres,lesQuatreÉvangélistes,lesQuatreFleuves,fontainedesquattrocentoQuellin,ArtusIditleVieuxetArtusIIQuetzacóatlQueued’âne,expositiondelaquipus

RRaboteursdeparquet,lesRadeaudelaMéduse,lerâgamâlâ,peintureRaieouverte,laRamayana,leRamsèsIIRaphaëletlaFornarina

Raphaël,RaffaelloSantiditRatnasambhavaRauschenberg,RobertRavenneRaysse,MartialRazoumovski,palaisready-maderéalismesocialisteréalismeRebeyrolle,PaulRed,White,BrownRedditiondeBreda,laRedon,OdilonRéflexionssurl’imitationdesœuvresgrecquesenpeintureetensculptureRégatesàMolesey,lesRégentesdel’hospicedesvieillards,lesReichstag,empaquetageduReims,cathédraledeReliefsd’angleReliefsRembrandt,RembrandtHarmenszoonVanRijnditRenaissanceitalienneRenaissanceRencontredeDanteetdeBéatrice,laRencontreouBonjourmonsieurCourbet,laRenoir,Pierre-AugusteRenommée,laRepaschezLévi,leRepasd’Emmaüs,lerepentirReprésentantsreprésentés,lesRestany,PierreretableRêve,leReverdy,PierreRévolutionfrançaise

Ribalta,FranciscoRibera,JosédeRichelieu,cardinaldeRichmond,capitoledeRieuse,laRigaud,HyacintheRijksmuseumd’AmsterdamRilke,RainerMariaRixe,laRobertAndrewsetsafemmerocaillerococoRodgers,RichardRodin,AugusteRoldán,PedroRomainsdeladécadence,lesromantismeRomeRome,prixdeRomulusetRemusRonchamp,chapelledeRonde de nuit, La Compagnie du capitaine Frans BonningCocqditelaRossetti,DanteGabrielrostreRothko,MarcusRothkowitzditMarcRouault,GeorgesRoubillac,Louis-FrançoisRouedebicyclette,laRouedelafortune,laRouen,cathédraledeRouen,palaisdejusticedeRousseau,HenriditleDouanierRousseau,ThéodoreRubens,Pierre-PaulRuche,citédelaRude,François

Ryon-ji,templede

SSacre de l’empereur Napoléon Ier et le couronnement del’impératrice Joséphine dans la cathédrale Notre-Dame deParisle2décembre1804,leSacré-CœurdeMontmartre,basiliqueduSacrificed’Abraham,lesagrarioSaincilus,IsmaëlSaintAndréSaintBrunoSaintClairguérissantdesaveuglesSaintJeanSaintJérômeparLéonarddeVinciSaintJosephcharpentierSaintMatthieuetl’AngeSaintPhalle,NikideSaintSébastiensoignéparsainteIrèneSaint-Ange,châteauSaint-Ange,pontSaint-Augustin,égliseSaint-BénignedeDijonSaint-Charles-Borromée,égliseSaint-Denis,égliseabbatialedeSaint-Denis,porteSainteAnne,laViergeetl’EnfantJésusSainteCécilesainteGeneviève,statuedeSainteSuzanneSainteTrinitéSainte-Catherine,égliseSainte-ClotildedeParis,égliseSainte-Geneviève(devenuelePanthéon),égliseSainte-Geneviève,bibliothèque

Sainte-Gudule,égliseSainte-Marie-de-la-Victoire,égliseSainte-Marie-de-Lorette,égliseSainte-Marie-des-Anges,égliseSainte-Sophie,cathédraleSaint-ÉtiennedeCaen,abbayedeSainte-Victoire,montagneSaint-Germain-des-Prés,abbayedeSaint-Gilles,égliseSaint-IsaacdeSaint-Pétersbourg,cathédraleSaint-Jacques-de-Compostelle,cathédraledeSaint-Jean-d’Acre,églisedeSaint-LouisdeVersailles,cathédraleSaint-Louis-des-Français,égliseSaint-MartindeToursSaint-Martin,porteSaint-PauldeNîmes,égliseSaint-Paul,cathédraleSaint-Paul-Saint-Louis,égliseSaint-PétersbourgSaint-Philippe-du-Roule,égliseSaint-PierredeRome,égliseSaint-Pierre,placeSaint-RémideReims,égliseSaint-SauveurdeBruges,égliseSaint-Savin-sur-Gartempe,églisedeSaint-SépulcredeJérusalem,égliseduSaint-SernindeToulouse,basiliqueSaint-Trophimed’ArlesSallededanseàArles,laSalm,hôtelde(actuelmuséedelaLégiond’honneur)Salond’automneSalondesartistesfrançaisSalondesindépendantsSalondesrefusésSalonduChamp-de-MarsSaly,Jacques

Samaritaine,laSamarrasame(oulapon),artSanEsteban,églisedeSanGiorgioMaggiore,couventdesBénédictinsdeSanJuandelaPena,monastèredeSanMiniatodeFlorenceSánchez,FelipeSanchiSantaMariadelPopolo,égliseSantaMariadellaScala,égliseSantaMariadelleGrazie,égliseSantaMarialaBlancadeSéville,égliseSantaMariaNovella,égliseSantiGiovanni,couventdeiSaqqarahsarcophagedesépouxsarcophageSargonIISatyreetlePaysan,leSautdanslevideSaxe,mausoléedeMauricedeSay,MarieScalaRegiaduVaticanScènesdesmassacresdeScioScheffer,ArySchiele,EgonSchliemann,HeinrichSchongauer,MartinSchwitters,KurtScopasScribeaccroupi,leSculpteuretsaMuse,leSculpturaevitaminsufflatpictura(Lapeintureinsufflelavieàlasculpture)SeagramBuildingSegal,George

SeldjoukidesSelve,GeorgesdeSémiramisSénégalSeptMerveillesdumondeSeptŒuvresdemiséricorde,lessérigraphieSermentdesHoraces,leSermentduJeudepaume,leSérusier,Paulserviles,artsSethSeurat,GeorgesSévilleSezessionautrichienneSforza,famillesfumatoShah,mosquéeduShah-JahanShwedagon,pagodeSibérieSiddhartaGautamaSiglodeoro(Siècled’orespagnol)Signac,PaulSigui,fêtesduSilèneivresoutenuparunfauneetunebacchanteSimaQianSinanSiouxSisley,AlfredSixteQuintSixtine,chapelleSmithson,RobertSnyders,FranzSolimanleMagnifiquesolipsismeSorcierd’Hiva-Oa,le

Soufflot,Jacques-GermainSoulages,PierreSoupault,PhilippeSoutine,ChaïmSow,OusmaneSparteSphinx,leSpiralJettySpoerri,DanielStaël,NicolasdestèledesVautoursStoclet,palaisStonehenge,sitedestucstupa,templestylobateSuger,abbéSuissesecourantlesdouleursdeStrasbourg,laSuleymanie,mosquéeSumersuprématismesurréalismeSuse,ruinesdeSuzanneetlesAncienssymbolismeSyndicdesdrapiers,leSyrie

TtabernacleTachesd’encretachismeTahitiTajMahaltalhaTaliesin

Tange,KenzoTaniuchi,TsunekotapastapistapisseriedeBayeuxTarcisius,martyrchrétienTarquinTarquiniaTatline,VladimirTäuber,SophieTchernychev,palaistchouke,artTélémaqueetEucharistemenosTempête,laTenLizTaylorténébrismecaravagesqueTeniers,DavidTenochtitlanTentedeDarius,laTeotihuacanTerreaux,fontainedesThaïlandeThanatosTheStoreThèbesThemeBuildingThéodosethermesThéséereconnuparsonpèredansunfestinThétissuppliantJupitertholos,tombesàThotTigredévorantungavialTigretikis,statuesTinguely,Jean

Tintoret,JacopoRobustiditTissot,JacquesJosephditJamesTitien,TizianoVecellioditTlalocTokaidotomahawkToorop,JanTorseduBelvédère,leToscanetotémismeToulouse-Lautrec,HenrideTourauxchevauxbleus,laTourdeBabel,latourpenchéedePiseTournesols,lesTourville,statuedeToussaint,laToutankhamonTraitédelapeintureTraitédesfortificationsTrajane,colonnetransiTrente,conciledeTresdemayoTrèsRichesHeuresduducJeandeBerry,lestrésord’Atrée,tombedutrésordesQimbayasTrevi,fontainedetribal,artTriomphedelaRépublique,leTriomphedeSatan,letriptyqueTristan,FloraTriton,fontaineduTroieTroisGrâces,les,TroisVertusoulesTroisGrâces,les

trompe-l’œilTrophéeTroyon,ConstantTub,letumulusTupilekTurgot,bustedeTurner,Williamtywara,cimierTzara,Tristan

UUccello,PaoloUgolinetsesenfantsparCarpeauxUgolinetsesenfantsparRodinukiyo-e,peintureUndimancheaprès-midiàlaGrandeJatteUnvanneurUnebaignadeàAsnièresUneexpériencesurunoiseaudansunepompeàvideUruraeus,serpentUrbainVIIIUr-NingirsuUrukusonienne,maisonUtamaro,Kitagawadit

VVague,laVairocanaValentinleDésosséValetdeCarreau,expositionduValladolid,cathédralede

ValléedesRoisVallindeLaMotheValtat,LouisVampireVandeVelde,pèreetfilsVanderRohe,MiesVanDongen,CornelisTheodorusMarieditKeesVanDonning,HélèneVanDyck,AntoonVanEyck,HubertVanEyck,JanVanGogh,ThéoVanGogh,VincentVanMeegerenVanRuisdael,JacobVarengeville-sur-Mer,églisedeVasarely,VictorVatican,muséesduvaudou,artVauxcelles,LouisVaux-le-Vicomte,châteaudeVélasquez,DiegoVence,chapelledeVendeurd’eaudeSéville,leVendôme,placeVenelle,laVeniseVenturi,RobertVénusVénusàlacorne,laVénusàPaphosVénusAnadyomèneVénusaumiroir,laVénusdeCnide,AphroditeditelaVénusdeLespugue,laVénusdeMédicis,laVénusdeMilo,la

Vénusendormie,laVénusparPigalleVermeer,JohannesVéronèseVersaillesVestaVestale,laVézelay,basiliquedeVictoiredeSamothrace,laVide,leVieillefaisantfriredesœufs,laVieiradaSilva,MariaElenaVien,JosephMarieVienneViergeàl’escalier,laViergeàl’offrande,laViergeaubourgmestreMeyer,laViergeauchardonneret,laViergeauxanges,laViergeauxrochers,laViergedanslaprairie,laViergedeconsolation,laViergedelaMacarena,laViergeduchancelierRolin,laVierny,DinaVietnamVignerouge,laVignoleVignon,Alexandre-PierrevilladesMystèresvillaMadamavillaMédicisvillaSavoyevillaSteinVillanueva,JeandeVilledétruite,laVillon,GastonDuchampditJacques

Vingtpeintresdetraditionfrançaise,expositionViollet-le-Duc,EugèneEmmanuelVisionaprèslesermon,laVitruveVlaminck,MauricedeVocationdesaintMatthieu,laVœudeLouisXIII,leVoilàlafemmeVoilàlafillenéesansmèreVoleursetl’âne,lesVollard,AmbroiseVoltaireparHoudonVoltaireparPigalleVolucelleVonStuck,FranzVouet,SimonvoûteappareilléeVuedeMartiguesVueduVald’ArcoVuillard,ÉdouardVulcain

WWarhol,AndyWarnod,AndréWashingtonWashington,GeorgeWatteau,AntoineWeber,MaxWeiner,LaurenceWeissenhof,citéWellington,ducdeWesselman,TomWestminster,abbayedeWilgeforte,sainteWinckelmann,JohannJoachim

Winterhalter,FranzXavierWitte,EmanueldeWomenWren,ChristopherWrightofDerby,JosephWright,FranckLloyd

XXipeTotevyacouba,art

YYemahaOlokoumyeserias,motifsyoruba,artYoussoupov,palaisYoyotte,Jean

ZZadkine,OssipZaoWou-kizen,artZeusZeuxisZiem,FélixziggouratZola,ÉmileZurbarán,FranciscoZurich

ReproductiondespeinturesdelagrottedeLascaux(vers15000av.J.-C.),pasteldeMauriceThaon(1941-1942).MuséedesAntiquitésnationales,Saint-Germain-en-Laye

TêtefémininediteDamedeBrassempouy,ivoire(vers21000av.J.-C.).MuséedesAntiquitésnationales,Saint-Germain-en-Laye

Gudéaassis,diorite(vers2150av.J.-C.).MuséeduLouvre,Paris

©photoRMN-ChristianJean

MasquefunérairedeToutankhamon,cornaline,lapis-lazuli,or,pâtedeverreetturquoise(vers1361-1342av.J.-C.).MuséeduCaire,Égypte

DétaildelafrisedesPanathénées(vers440av.J.-C.),photographiedeJean-BaptisteLouisGros(1850).Fondsphotographiquedumuséed’Orsay,Paris

©photoRMN-HervéLewandowski

VénusdeMilo,marbre(vers100av.J.-C.).MuséeduLouvre,Paris

©photoRMN-DanielArnaudet/JeanSchormans

Sarcophagedesépoux,terrecuite(vers600av.J.-C.).MuséeduLouvre,Paris


LeColiséedeRome(Iersiècle),peintured’AchilleEtnaMichallon(vers1822).MuséeduLouvre,Paris

LaMaisoncarréedeNîmes(versl’an5),photographied’ÉdouardDenisBaldus(1851).Fondsphotographiquedumuséed’Orsay,Paris

TentureditedeLaDameàlalicorne,hautelisse,laineetsoie(1484-1500).MuséeNationalduMoyenÂge-ThermesdeCluny,Paris

CathédraledeChartres(XIIesiècle),leportiqueduMidi,photographiedeCharlesNègre(vers1857).Fondsphotographiquedumuséed’Orsay,Paris


Moulagedel’AngedelacathédraledeReims(secondemoitiéduXIIesiècle).MuséedesMonumentsfrançais,Paris

©photoRMN-René-GabrielOjéda

,LaViergeduchancelierRolin,huilesurbois(vers1436).MuséeduLouvre,Paris

©photoRMN-ChristianJean

,LesAmbassadeurs,huilesurbois(1533).NationalGallery,Londres

©NationalGalleryCollection,bykindpermissionoftheTrusteesoftheNationalGallery,London/CORBIS

,LaMélancolie,gravure(1514).MuséeduLouvre,Paris

Détail(15)

,Moïse,TombeaudeJulesII,marbre(1513-1516).ÉglisedeSaint-Pierre-aux-Liens,Italie

,LaJoconde,portraitdeMonnaLisa,huilesurbois(vers1505).MuséeduLouvre,Paris

,LaBelleJardinière,huilesurbois(1507).MuséeduLouvre,Paris

PalaisduLouvre,lafaçadeLescotetlepavillondel’Horloge(vers1550),lavisdeJacquesLeMercier(vers1640).MuséeduLouvre,Paris

©photoRMN-GérardBlot

,LesNocesdeCana,huilesurtoile(1562).MuséeduLouvre,Paris

Détail(20)

,LaMortdelaVierge,huilesurtoile(1605-1607).MuséeduLouvre,Paris

,Monumentfunéraired’HenriIIetdeCatherinedeMédicis,bronzeetmarbre(1563-1572).BasiliquedeSaint-Denis,Saint-Denis

©photoRMN-Bulloz

,LaNaissancedeLouisXIIIàFontainebleau,le27septembre1601,huilesurtoile(1622-1625).MuséeduLouvre,Paris

,Portraitdel’artisteàlatoqueetàlachaîned’or,huilesurbois(1633).MuséeduLouvre,Paris

,LesBergersd’ArcadieditaussiEtinArcadiaEgo,huilesurtoile(vers1638-1640).MuséeduLouvre,Paris

,LesMénines,huilesurtoile(1656).MuséeduPrado,Madrid

Détail(26)

,LaDentellière,huilesurtoile(vers1669-1670).MuséeduLouvre,Paris

Détail(27)

,StatueéquestredeLouisXIVtransforméeenMarcusCurtius,marbre(1671-1674).MuséedesChâteauxdeVersaillesetdeTrianon,Versailles

,LaFamilledeDariusauxpiedsd’AlexandreditLaTentedeDarius,huilesurtoile(vers1660).MuséedesChâteauxdeVersaillesetdeTrianon,Versailles

,LaRaie,huilesurtoile(vers1725).MuséeduLouvre,Paris

,L’Odalisque,huilesurtoile(1745).MuséeduLouvre,Paris

©photoRMN-DanielArnaudet

,EmbarquementpourCythère,huilesurtoile(1717).MuséeduLouvre,Paris

(père),ChevauxretenusparunpalefrenierditsaussiChevauxdeMarly,marbredeCarrare(1740-1745).MuséeduLouvre,Paris

©photoRMN-René-GabrielOjéda

Détail(32)

,Sacredel’empereurNapoléonIeretcouronnementdel’impératriceJoséphinedansl’égliseNotre-DamedeParis,2décembre1804,huilesurtoile(1808-1812).MuséedesChâteauxdeVersaillesetdeTrianon,Versailles

©photoRMN-PeterWilli

Détail(34)

,LeSermentdesHoraces,huilesurtoile(1784).MuséeduLouvre,Paris

©photoRMN-GérardBlot/ChristianJean

,LeRadeaudelaMéduse,huilesurtoile(1819).MuséeduLouvre,Paris

,LaClairière,souvenirdeVille-d’Avray,huilesurtoile(1872).Muséed’Orsay,Paris


,PortraitdeMmedeSenonnes,huilesurtoile(1814).MuséedesBeaux-artsdeNantes,Nantes

©photoRMN-GérardBlot

,Le28juillet1830:laLibertéguidantlepeuple,huilesurtoile(1830).MuséeduLouvre,Paris

,LaDanse,pierred’Échaillon(1865-1869).Muséed’Orsay,Paris

,UnenterrementàOrnans,huilesurtoile(1849-1850).Muséed’Orsay,Paris

,LePauvrePêcheur,huilesurtoile(1881).Muséed’Orsay,Paris

,LeDéjeunersurl’herbe,huilesurtoile(1863).Muséed’Orsay,Paris

,L’Apparition,huilesurtoile(vers1876).MuséeGustaveMoreau,Paris

,Arearea(Joyeusetés),huilesurtoile(1892).Muséed’Orsay,Paris

,LesNymphéas,étuded’eau:lesDeuxSaules,huilesurtoile(1914-1918).Muséedel’Orangerie,Paris

©photoRMN-droitsréservés

,PetiteDanseusede14ansouGrandeDanseusehabillée,bronze,fonteàlacireperdue,patiné,satin,tulle(1881).Muséed’Orsay,Paris

,LaBalançoire,huilesurtoile(1876).Muséed’Orsay,Paris

,LePenseur,bronze(1880).MuséeRodin,Paris

©photoRMN-Bulloz

,Odalisqueàlaculotterouge,huilesurtoile(1921).CollectionWalter-Guillaume,muséedel’Orangerie,Paris

©photoRMN-ThierryLeMage

,L’Églised’Auvers-sur-Oise,huilesurtoile(1890).Muséed’Orsay,Paris

,TheFrameditaussiPortraitdel’artiste,huilesurbois,verre,aluminium(vers1937-1938).Muséenationald’Artmoderne-CentreGeorges-Pompidou,Paris

©INBAMexico&BancodeMexicoMuseumTrust©photoCNAC/MNAMdist.RMN-Jean-ClaudePlanchet

LaMontagneSainte-Victoire,aquarelle,crayon,gouache,papierblanc(1900-1902).MuséeduLouvre,DAG(fondsOrsay),Paris

dit ,LaCharmeusedeserpents,huilesurtoile(1907).Muséed’Orsay,Paris

©photoRMN-droitsréservés

,Guernica,photographiedeDoraMaar(1937).MuséePicasso,Paris

,L’Égouttoir,fergalvanisé(1914,répliquede1964).Muséenationald’ArtmoderneCentreGeorges-Pompidou,Paris

,TenLizTaylor,huileetlaquesurtoile,procédésérigraphique(1963).Muséenationald’Artmoderne-CentreGeorges-Pompidou,Paris

©ADAGP©photoCNAC/MNAMdist.RMN-droitsréservés

VueextérieuredelapyramideduLouvre(1985-1989).MuséeduLouvre,Paris

Cimierdemasqued’antilopeBambara,bois,fer(1850-1900).Muséenationald’Artmoderne-CentreGeorges-Pompidou,Paris

©ADAGP©photoCNAC/MNAMdist.RMN-droitsréservés

Ported’entréeduTajMahal(1631-1648).MuséenationaldesArtsasiatiques-muséeGuimet,Paris

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L'Histoire de l'Art Pour Les Nuls