1

Universidad de Guadalajara

Centro Universitario de Arte,

Arquitectura y Diseño

PASTEL 10 artistas de vanguardia

Expresión III

Ciclo 2010 A

Prof. Isabel García

Casandra Aldana Martínez

DCG

Febrero 2010

2

1 Frank Federico

Frank Federico es un experimentado artista con muchos créditos que adornan su carrera. Está en numerosas

sociedades de arte de prestigio, incluyendo la Pastel Society of America, la National Watercolor Society, la Pastel

Society of Painters on Cape Cod y la Degas Pastel Society, por nombrar algunas. Ha recibido numerosos premios

como el Grumbacher Gold, Silver y Bronze, muchos honores de la Pastel Society of America, National Society of

Painters in Casein & Acrylic, Allied Artists of America y muchas más.

Ha realizado tres murales al óleo, una de las cuales se encuentra en el Student Union de la Universistad de

Connecticut en Storrs. Es una pieza figurativa titulada “Trascendence” que refleja la elevación a las alturas y/o los

logros a través del perfeccionamiento.

Federico conduce talleres en Estados Unidos y en el extranjero e imparte clases de arte en el West Hartford Art

League y de manera privada también.

Sus pinturas se han exhibido en diversos lugares de Estados Unidos, así como en Nueva Inglaterra, Brney, Estocolmo

y Tokio, tanto grupal como individualmente.

Federico se considera a sí mismo como un colorista y con impresionista contemporáneo. Busca la esencia en un

paisaje o figura, al mismo tiempo que le aplica contenido emocional y estético.

“Creo que el arte es tan caprichosa como la naturaleza. Es tan permanente como la interminable búsqueda de la

armonía universal, pero en un constante fluir. Mi técnica varía según el humor y la empatía con el objeto o motivo. La

naturaleza provee el catalizador, humano o de otro tipo, para este constante fluir de ritmos, formas y energía

ilimitada. Cada pintura habla por sí misma y tiene vida propia. Soy el fogonero de la energía, el catalizador.”

Frank Federico

Tijuana Pottery Market

Los trazos finos permiten una buena

definición de los objetos

representados.

El cuadro representa alegría y folclor,

tradición y novedad por la variedad

de colores y formas en un medio que

siempre remonta a los orígenes

artesanos.

3

Nocturne Manhattan

El colorido de este cuadro me invita a pensar como en

una vuelta a toda velocidad por la ciudad en la noche.

Llena de luces y sombras. La intensidad de los pasteles

es perfecta para representar las luces de colores por la

noche.

Me gusta ver cómo se pueden aplicar los pasteles tanto

de un modo delicado y formal, hasta espontáneamente

o de manera más libre y lograr distintos efectos, donde

se obtienen desde transparencias suaves hasta fuerza y

energía.

4

2 Margaret Dyer

Margaret Dyer es una maestra pastelista en la Pastel Society of America. Ha sido destacada en The Artists Magazine,

American Artists, International Artist, Pastel Artist International, The Pastel Journal, "How Did You Paint That? -100

Ways to Paint People & Figures, Vols. 1 and 2", y "Pure Color: The Best of Pastels".

“En el momento en que en 1970 una modelo dejó caer la tela que la cubría y se mantuvo desnuda frente a una clase

llena de artistas de arte de 18 años, encontré algo que amar en la vida: el desafío de dibujar el viviente, palpitante y

en constante movimiento cuerpo humano. Lo que comenzó como un desafío pronto se volvió una pasión. Diez años

después cuando vi el dinámico trabajo con pasteles de un artista en su exhibición local, supe que había descubierto el

medio perfecto. Amo los pasteles, el olor de las pinturas al óleo, dibujar la figura humana, los artistas y la gente que

ama mi trabajo. (…)”

Margaret Dyer

The Braid

The Red Scarf

En ambos cuadros la artista no se detiene en los detalles y capta mejor las posturas altamente estéticas y como la luz

toma forma sobre el cuerpo. Pocos trazos que toman la esencia de los colores.

5

3 Roxana Werner

Nacida en Chile, 1956, Roxana Werner ha trabajado en el arte desde hace aproximadamente 30 años. Comenzó

como estudiante de diseño textil para luego ingresar a la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Santiago. Se

recibió en 1980 como diseñadora textil, se oriento hacia el Arte Javanés del Batik, reaizando una exposición

individual en 1983.

Al mismo tiempo, siguió estudiando, perfeccionando y desarrollando las técnicas correspondientes a las artes plásticas (carboncillo, sepia, pastel, óleo y acrílico), comenzando a trabajar la figura humana, bodegones y naturalezas muertas tanto en carboncillo como en pastel y óleo. En estos trabajos buscó transmitir la fascinación que tenía por la luz y su interacción con los diversos elementos, trabajando bajo el concepto del hiperrealismo pero buscando que fuera un “realismo mágico” intentando “aplicar un criterio que permita que el artista se vaya despegando a momentos de la línea para no caer en lo anecdótico”.

A lo largo de su trabajo profesional no solo ha profundizado en las diversas técnicas que ha usado para expresarse, sino que también sus motivaciones e intereses han cambiado, constituyendo para ella una parte importante de su trabajo en los aspectos emocional e intelectual.

“Pasar de una etapa a otra, atrapar ideas, sensaciones, emociones, conceptualizarlas y decidir que si es importante lo que se quiere expresar y el cómo se quiere expresar, constituye uno de los momentos complejos para un artista.”

Roxana Werner

Perfil

La suavidad con la que el artista cubre el papel con degradados

suaves y ligeros, le da a la obra un aire de ensoñación. Me gusta

mucho el contraste de luz y sombra de un lado y del otro del cuadro.

Las arrugas de la ropa y sobretodo de la pañoleta se ven muy reales

al usar pocos brillos y colores sobrios, que además le dan un sentido

de melancolía.

6

Bodegón 13

Esta obra se ve increíblemente hiperrealista,

sobretodo la tetera de cerámica y el botellón de

la izquierda. Creo que este realismo se basa en

la observación cuidadosa de los colores que se

forman con la luz y a sombra, muy difíciles de

manejar en el cristal. Los bodegones siempre

me han parecido muy hermosos, pues retratan

cosas que vemos cotidianamente, pero nos

hacen verlos de una manera distinta, donde las

formas y materiales de los que están hechos los

elementos toman el protagonismo, dándoles

otra dimensión a los objetos que va mas allá de

su simple utilidad.

7

4 Christine Debrosky

Christine Debrosky tiene la habilidad única de ver y capturar el efecto transitorio de la luz natural, que transforma lo

ordinario en extraordinario. Su trabajo lo han descrito como “agitado, sin embargo, tranquilo”.

Es parte de la Pastel Society of America y la Pastel Society of the West Coast y ha sido distinguida en esta última

sociedad y con numerosos premios en diversas partes del mundo. Su trabajo se encuentra en muchas colecciones

corporativas y privadas como la de Pfizer Chemical, Standard & Poors y McGraw-Hill Inc., entre otras, además de ser

destacada en varias publicaciones americanas.

Da clases en el Woodstock School of Art, lo que le ha permitido viajar por la region Toscana, Venecia, Italia y

Borgoña, Francia.

Sicilian Guardian

La definición de los elementos de este cuadro

es lo que más llama mi atención, el uso de los

colores para dar volumen e individualidad a

cada verdura en los montones. Es una escena

muy bella tomada de la vida diaria, un

momento en que todo se estaría moviendo

alrededor del puesto, pero que queda inmóvil

e inmortal por la representación del artista.

Creo que de las escenas más bellas que

podemos encontrar están en los mercados y

lugares de esparcimiento de los pueblos y

ciudades, como se puede ver en varios de los

cuadros que quedaron seleccionados en esta

recopilación de artistas.

8

Light Shift

La quietud del paisaje contrasta con el

colorido de la naturaleza. Los pequeños

trazos de color, como en el impresionismo,

se sintetizan y dan como resultado una

imagen energética y muy interesante. La

gama de colores es muy bella, desde los

cálidos en la parte media, hasta los fríos

usados abajo, con un fondo claro que

permite usar todos estos colores.

9

5 Paul Régnier

Nacido en 1943, Paul Régnier, pintor autodidacta, desde muy joven mostró interés por el dibujo y la pintura. A los 11

años, sus padres lo matricularon en clases de arte por correspondencia, aprendiendo así los fundamentos esenciales

que le ayudaron a desarrollar su sentido de la observación, la proporción y el color. Desde entonces, s u mirada se

fue formando en el mundo que le rodeaba, dibujándolo y pintándolo constantemente.

Su carrera lo llevó a desarrollar su arte en la creación de líneas de ropa de materiales naturales para mujer y en las

90 colecciones de joyas.

Durante varios años se dedicó con pasión para lograr pinturas al pastel. La magia de los colores, la transparencia, el

contacto directo de tiza sobre papel, tuvo su especial atención. Con pastel, pretende abrir los ojos a las emociones

marcadas por el juego de luz y color.

Es miembro de la asociación “Art du pastel en France”, también miembro de la exposición nacional de artistas de

vida silvestre de Bry sur Marne y de la Asociación Nacional de Artistas de Francia.

Souvenir de Russie

Aquí se puede apreciar los colores de base y los colores que ha usado el

artista para enriquecer y dar volumen. Me gusta mucho como usa el blanco

para el brillo de la cúpula grande y la variedad de colores que uso para

darle volumen e interés. La manera en que representa las cúpulas de este

famoso palacio en Rusia, me da la impresión de irradiar energía y poder.

Nouveau Monde

Esta obra más abstracta, me parece muy especial por el cuidado que debió tener al aplicar los colores para formar

adecuadamente las transparencias y darle dimensiones y dinamismo a la escena. Para mí representa un nuevo

comienzo, impulsado por mucha fuerza y lo innato de la materia.

10

6 Sandra Marques

Sandra Marques es natural de Lisboa es médica internista de la Fuerza Aérea Portuguesa. Para ella la pintura y las artes manuales han sido siempre una forma de abstracción de una realidad cotidiana siempre intensa, con momentos de gran satisfacción y de felicidad, pero también con experiencias muy dolorosas y angustiantes.

Autodidacta, en 2007, profundizó en el conocimiento de esta área con un Curso de Bellas Artes donde aprendió técnicas de diseño, carboncillo, pastel, acuarela, acrílico y óleo.

La técnica, material y temas dependen del estado de ánimo y expresar emociones profundas de las ex periencias de la calma, a destiempo, triste o feliz en una constante sensación de misión cumplida.

Dancing in Extasy

Un coloreado más espontáneo, colores libres que manifiestan

movimiento, energía y viveza. La intensidad de los pasteles le da

dinamismo, aun cuando no maneja distintos planos, me parece

interesante esta aplicación más abstracta de la técnica.

Praia

El colorido del cielo del atardecer, algo nuboso, se refleja en las

rocas y el agua, con algunos toques de color naranja y amarillo

sobre ellas. Aunque le hace falta trabajar mejor las sombras,

pues las nubes se confunden con el cielo.

11

7 David Garrison

Nació en Jacksonville, Illinois pero ha vivido en muchos lugares como California, Colorado, el suroeste, Chicago,

Illinois. Ahora reside en Burlington, Iowa y en Normandía, Francia. Estudió la Licenciatura en Artes en el Iowa

Wesleyan College, graduado de la American Academy of Art y realizó estudios adicionales de Anatomía con Bill Parks

en el American Academy of Art. Es miembro de la firma de la Pastel Society of America, miembro de la National

Society of Mural, Painters, la American Artists Professional League y la Hudson Valey Art Association. Se le han

comisionado nueve murales en diversos puntos de Estados Unidos.

“Creo que una pintura no solo es una ilusión en dos dimensiones, sino que es un momento en la vida, capturado en el

lienzo. Pintar es un lenguaje que varía dependiendo del humor y la atmósfera que refleja la diversidad de la misma

vida. Disfruto los desafíos que implican muchos temas, así que mi enfoque en el proceso de pintar es involucrar al

observador en el tema lo más posible; no solo a través de esas elecciones, sino también a través de cómo elijo

retratar los elementos. Permitiendo al observador interpretar y terminar partes de la pintura, lo que es más

interesante que si la pintura está totalmente procesada para ellos. Quiero que el observador vea el uso de la técnica,

el final de la pincelada, la espontaneidad, la frescura de una pintura nueva.

Si puedo darle al observador la impresión de la atmósfera, un sentido de las luces y sombras, si puedo simplemente

abrir los ojos a la sencilla belleza que nos rodea, ¡entonces he logrado algo grande!”

David Garrison

Flowers for Sale

De este cuadro me maravillan los colores intensos que usa el artista

para representar una escena simple que se vuelve muy interesante

por la riqueza de tonalidades. Por ejemplo, la pared de la izquierda,

con la mezcla de colores se hace ver como una pared vieja, que ha

pasado por varias capas de pintura, tonos terregosos y naturales,

sucia, pero con luz y vida. A lo lejos, lo demás pierde importancia,

siendo el punto focal la vendedora con sus flores.

Frozen Pond

El artista detiene la escena que parece fotografiada.

Las plumas de los patos son dibujadas con trazos

firmes, los brillos con limpios colores que marcan bien

de donde viene la luz. Una vez más, el fondo pierde

importancia para enfatizar a los protagonistas, solo

unos manchones rápidos bastan para representar el

agua congelada sobre la que caminan las aves.

12

8 Javier Pérez-Duarte

Visto a través de sus ojos, es claro el sentido del camino que ha seguido Javier Pérez-Duarte para expresarse a través

de formas y elementos gráficos. Sin duda la búsqueda se inició en el aprendizaje de las técnicas del l ápiz, el carbón y

del descubrimiento de la riqueza del color que ofrecen el pastel, la acuarela y el óleo. Fueron Magdalena

Casamadrid, José Suárez Olvera, Pedro Medina y recientemente Martha Ramírez, quienes con su dominio del arte y

personalidad facilitaron el encuentro con las herramientas de la expresión plástica.

El estudio y la práctica de la Arquitectura le permitieron desarrollar otras formas de expresión, enfocadas éstas a

transmitir por medio de bocetos o presentaciones detalladas las ideas, conce ptos y propuestas espaciales. A través

de su ejercicio desarrolló una sensibilidad hacia las vivencias de los espacios, los juegos de la luz y la percepción de

las texturas que intenta reflejar en la pintura.

Su pintura transmite atmósferas etéreas que nos son familiares, atmósferas en las que la luz y el color manejados

con suavidad transportan al observador a revivir recuerdos íntimos.

Qué tormenta y yo desnuda...!

Aquí el artista usa una gama de colores reducida, pero aun así

resulta muy bien el color de la piel, cubierta de azul

ligeramente, como si la envolviera el agua y el viento y

emergiera un poco de ellos acercándose a nosotros. Dos

planos se mezclan en uno solo en la parte superior izquierda,

donde el cabello se une con la atmósfera.

Retrato de Papá

En este retrato de su padre el artista aprovecha el color del papel para crear la

piel del rostro usando tanto manchas de color difuminadas como trazos que

dibujan los rasgos y arrugas de la cara con espontaneidad. Me gusta mucho la

sencillez y ligereza de la aplicación de la técnica.

13

9 Sonia Haverbeck

Es médico de profesión, pero artista de corazón. Comenzó compartiendo sus creaciones artísticas con sus propios

pacientes. La pediatra, quien comenzó a pintar antes de entrar a la universidad, montó una exposición permanente

en su propia consulta en Medcenter, realizando un cruce de cosas que la apasionan: la salud de los niños y el arte.

El centro médico, ubicado en Salvador Izquierdo 1800, comuna de La Reina, reúne varias especialidades, pero con un

énfasis en la medicina general y la pediatría, por lo que sus obras serán vistas no sólo por sus pacientes.

Al ser consultada sobre su proceso creativo, la doctora Haverbeck explica lo importante que es para ella el estado

anímico que tenga al momento de empezar una nueva pintura. “Todo queda plasmado allí, tristeza, alegría,

sensualidad, mezclando a veces las emociones, de modo que uno se expone y se desnuda completamente a los ojos

del observador”.

El principal estilo pictórico de la especialista es el expresionismo, pero también ha incursionado en lo figurativo, la

abstracción y los motivos étnicos, todo lo cual trabaja con óleo en madera sobre relieve.

Como amazona y médico, sus temas preferidos son los caballos y la figura humana, especialmente femenina, así

como las manos y rostros étnicos. Nunca se decidió por alguna técnica o estilo, le gusta la versatilidad que depende

de su estado de ánimo.

Estos girasoles me cautivaron por la brillantez de sus pétalos. El

color del soporte, aunque no está cubierto por completo, realza los

tonos de las flores que lucen mágicas, como si ellas mismas

iluminaran la escena.

En esta obra, en un estilo como de bocetaje, el artista representa

muy bien las sombras y luces empleando solo el blanco y el negro. La

textura del papel me parece bien elegida y aprovechada pues apoya

la representación de la piel.

14

10 Kaye Franklin

Kaye Franklin inició su carrera artística en 1975 cuando vivía en Pagosa Springs, Colorad. Ella y su familia se mudaron

a Graham, Texas en 1979, y fue ahí donde comenzó a buscar a los mejores instructores y escuelas de arte. Franklin

estudió en la Scottsdale Artist School y con el artista William Henry Earle.

Su búsqueda de la excelencia le ha hecho ganarse el más profundo respeto por parte de sus estudiantes,

compañeros y coleccionistas. Ha recibido muchos premios nacionales y honores que la han llevado a ser reconocida

como maestra pastelista, y su elección como parte de la firma de la Pastel Society of America y la Oil Painters of

America.

Los elementos de su trabajo artístico consisten en la luz, el color y el punto focal. Gusta de trabajar tanto con

pasteles como con pinturas al óleo, pues los pasteles muestran sus resultados inmediatamente y se mantienen

brillantes, por su parte el óleo le permite crear nuevos colores a partir de los pigmentos existentes.

Franklin imparte clases semanalmente y lleva a cabo talles en diversos lugares a lo largo del año. Su trabajo puede

apreciarse en la Victorian Gallery en Dallas, Texas y en la Zantman Gallery, en Ketchum, Idaho.

Copper and Peonies

En esta obra los colores son intensos a la vez que muestran

perfectamente que la atmósfera no es muy luminosa. El brillo y

sombras del florero de cobre, con los tonos verduzcos característicos

de ese metal, lo hacen lucir muy real. Los pasteles hacen resaltar los

colores vivos de las flores, y gracias a ello estas no se ven como si

estuvieran marchitas con todo y la iluminación de la obra, que

pareciera del atardecer.

Estes

En esta obra me llama mucho la atención como usa los

colores y los trazos para representar los planos. La

naturaleza que está en primer plano la ha representado

con trazos más cortos y vigorosos, más colores vivos para

mostrar los diversos matices de las plantas. Mientras que

en los siguientes planos, los trazos se van volviendo más

bien manchas o plastas de color de tonos cada vez más

suaves y menos saturados, mostrando perfectamente la

lejanía del horizonte y las sombras del relieve.

15

Páginas Web de los Artistas

http://www.frankfederico.com

http://margaretdyer.blogspot.com/

http://arteconroxana.cl/

http://www.christinedebrosky.com/

http://www.paulregnier.com

http://www.galeriaaberta.com/sandra_marques.html

http://david-garrison.com/

http://javier.perez-duarte.net

http://www.soniahaverbeck.com

http://www.kfranklinstudio.com