Programa

P R I M E R A P A R T E

R. Schumann (1810 - 1856)Sinfonía nº 2, en Do mayor, op. 61 (APROX. 38’)

I. Sostenuto assai - Allegro ma non troppo

II. Scherzo: Allegro vivace

III. Adagio expressivo

IV. Allegro molto vivace

S E G U N D A P A R T E

K. Saariaho (1952 - )D’OM LE VRAI SENS.Concierto para clarinete y orquesta (APROX. 25’)

I. El Oido (L’Ouïe)

II. La Vista (La Vue)

III. El Olfato (L’Odorat)

IV. El Tacto (Le Toucher)

V. El Gusto (Le Goût)

VI. A mi único deseo (A mon seul désir)

S O L I S T A

Kari Kriikku, clarinete

D I R E C T O R

Ernest Martínez Izquierdo

P A M P L O N A - A U D I T O R I O B A L U A R T EJueves 21 y viernes 22 de febrero de 2013. 20 horas

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ANUNCIO REST. BALUARTE

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De entre los compositores del siglo XIX, fue probablementeRobert Schumann (1810-1856) el que más claramentetransmitió, con su vida y con su obra, la poesía y la contra-dicción del espíritu del artista romántico. Su carrera musi-

cal transcurrió entre una constante necesidad del aplauso y del reco-nocimiento del público y una búsqueda de la soledad del creador. Enpalabras de R. Banús, el paralelismo entre su música y su vida convier-te a Schumann en el músico romántico por excelencia. Sucesor, enmuchos aspectos, de F. Schubert, fue Schumann quien mejor preparóel camino a su amigo y heredero musical J. Brahms.

Hijo de un librero de Zwickau (Sajonia), Robert Schumanndesarrolló desde niño su amor por la poesía y el piano. Aunque iniciólos estudios de derecho en la Universidad de Leipzig, su mayor inquie-tud era asistir a reuniones literarias y musicales o a la cervecería consus amigos. En 1830, el joven Schumann comenzó a recibir clases delmaestro del piano Friedrich Wieck, quien le prometió convertirle enun virtuoso de este instrumento. Abandonó la universidad y se dedicóa la composición y a la escritura de ensayos sobre diversos temas. Fueen 1831 cuando Schumann comenzó a escribir críticas musicales en el“Allgemeine musikalische Zeitung” en las que sus opiniones apare-cían en boca de dos personajes principales, Florestán (de carácterimpetuoso) y Eusebius (principalmente lírico). Según Plantinga,Schumann concibió a estos dos personajes como la personificación dedos caras opuestas de su propia naturaleza, una impetuosa y otra cal-mada y racional. Las obras musicales eran criticadas siguiendo laforma de una discusión metafórica entre estos dos personajes, que noeran sino dos pseudónimos del propio Schumann.

Preocupado por conseguir la renovación musical en Alemania,Schumann y un grupo de amigos intelectuales fundaron una publica-ción musical en 1834, conocida como “Neue Zeitschrift für Musik”, enla que defendían la música alemana y ensalzaban figuras como Bach,

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Beethoven o Schubert. Schumann demostró en sus artículos una granadmiración hacia el género sinfónico que Beethoven había llevado a sumáxima expresión en su Novena Sinfonía. También su amistad conFélix Mendelssohn, con quien colaboró asiduamente en Leipzig,ayudó a forjar en Schumann un respeto tan grande hacia la música sin-fónica que retrasó en más de una década la composición de partituraspara orquesta. Hasta ese momento, Schumann compuso casi exclusi-vamente música para piano y lieder, géneros en los que fue reconoci-do como un maestro.

El acontecimiento que marcó el inicio de una nueva etapa com-positiva en la que Schumann se planteó en serio la creación de unaserie de sinfonías fue la organización del estreno, en 1839, de la GranSinfonía en Do mayor de Schubert, obra que había sido compuesta en1828. Schumann calificó la partitura de su antecesor como “sinfoníade extensiones celestiales” y comenzó la composición de su PrimeraSinfonía, a la que tituló “Primavera” y que estrenó en 1841 con la ayudade su amigo Félix Mendelssohn. También en esta época se adentró enla creación de música de cámara y comenzó a colaborar conMendelssohn y con el virtuoso del piano Moscheles como profesor enel Conservatorio de Leipzig.

La Segunda Sinfonía en Do mayor, Op. 61 [38’] fue compuestadespués de la gira de conciertos que Robert y su esposa Clara, pianistay también compositora, realizaron por Rusia en 1844. Al final de eseviaje, Robert sufrió su primera crisis nerviosa importante después delmatrimonio con Clara; la depresión se presentó acompañada de pér-didas ocasionales de memoria y de alucinaciones auditivas. Instaladosen la ciudad de Dresde, el médico recomendó a Schumann que aban-donara durante su enfermedad las actividades profesionales. Al finalde su convalecencia, Schumann comenzó a realizar apuntes que iban aformar parte de esta sinfonía. En una carta destinada a Mendelssohn,el compositor manifiesta que escucha “trompetas y tambores” en su

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cabeza, idea que se materializó en los primeros compases de la parti-tura, en la lenta introducción protagonizada por los instrumentos deviento metal.

La composición de la Segunda Sinfonía ocupó al compositorvarios meses, entre 1845 y 1846, y especialmente lenta fue la realiza-ción del trabajo orquestal. Su estreno tuvo lugar en la sede de laGewandhaus de Leipzig el 5 de noviembre de 1846 bajo la dirección deFélix Mendelssohn. La partitura se dedicó al rey Óscar I de Noruega yde Suecia, hijo de J.B. Bernadotte y de Désirée, y gran amante de lamúsica y de las artes. Sobre el carácter de la sinfonía, F. R. Tranchefortescribe que transmite tanto el dolor como la victoria sobre sí mismo yque predomina “lo patético inclinando unas veces a la resignación,otras a la expresión de una alegría bastante exterior”.

En la organización temática de esta partitura, Schumann expusoun tema en el solemne comienzo del “Allegro” inicial, lo repitió en lacoda de este mismo movimiento y lo reutilizó en el siguiente“Scherzo”. Según Tranchefort, este tema no juega un papel verdadera-mente orgánico, no se desarrolla ni genera ninguna otra melodía, perofunciona como un auténtico “punto de referencia esencial para eloído”. El Scherzo, que recuerda al estilo de Mendelssohn, posee dostríos contrastados, el primero de carácter ligero y el segundo concebi-do de un modo transparente, como si se tratase de música de cámara.Quizás sea el “Adagio”, en tono menor, el movimiento más apreciadode esta sinfonía, por su profundidad melódica y su poética claramenteromántica. Al Beethoven de la “Heroica” recuerda en ocasiones el“Finale”, cuyo tema principal mantiene su fuerza rítmica y su energíahasta los últimos compases.

A diferencia de la primera sinfonía, “Primavera”, y de la tercera,“Renana”, Schumann decidió que tanto la segunda como la cuarta nollevaran ningún subtítulo. El uso de títulos evocadores en la música yla asociación de la música con poemas y otras obras literarias, pinturas

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o narraciones de cualquier tipo, fue tema de debate entre filósofos yartistas de mediados del siglo XIX. Schumann, sin llegar a la tesis deLiszt explicó su opinión del siguiente modo: “Los títulos de las obrasmusicales, que han estado de moda en nuestro tiempo, han sido criti-cados de vez en cuando, y se ha dicho que la buena música no necesi-ta letreros. Esto es cierto, pero también es cierto que un título no leroba valor a la música, y el compositor, al ponerle título a una obra,evita que haya un completo malentendido sobre el carácter de sumúsica. Si al poeta se le da licencia para explicar el significado de supoema en el título, ¿por qué no habría de hacer lo mismo el composi-tor? Lo importante es que tal descripción verbal sea significativa yadecuada. Podría ser considerada como una prueba del nivel generalde la educación del compositor”.

En la actualidad, son muchos los compositores que se inspiranen obras de otras artes para desarrollar sus ideas musicales, aunqueaquel debate generado durante el Romanticismo de hace siglo y mediono preocupa ya ni a artistas ni a teóricos. En ocasiones, los títulos queha escrito un compositor en su partitura y las inspiraciones que hanencontrado en el largo camino de la gestación de su obra no son sinoun aspecto más de su afán por expresar con sonidos un universo deideas y de emociones, algunas concretas y muchas otras abstractas.

Para la compositora finlandesa Kaija Saariaho (1952), la inspira-ción de una de sus últimas partituras, el Concierto para Clarinete titu-lado “D’OM LA VRAI SENS” y compuesto en 2010, fue la visión de labellísima colección de tapices de “La Dama y el Unicornio”, en elMuseo Cluny de París. Cinco de estos tapices representan a los senti-dos, oído, vista, olfato, tacto y gusto. El sexto tapiz muestra en la tien-da las palabras “A mon seul Désir” (“a mi único deseo”) y se ha inter-pretado de varias maneras: puede representar una renuncia a laspasiones suscitadas por los otros sentidos, ser una afirmación dellibre albedrío, al sexto sentido del entendimiento o al amor. Saariaho

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explica que las palabras de este sexto tapiz pueden aludir también al“verdadero sentido de la humanidad” (“D’OM LE VRAI SENS”).

La compositora explica cómo nació la idea de esta original parti-tura: “La idea de un concierto para clarinete interpretado por KariKriikku me había estado rondando la cabeza desde hacía un tiempo.Mientras estaba componiendo mi segunda ópera (Adriana Mater,2006), la parte de clarinete empezaba a destacar como solista y perci-bí como el instrumento me hablaba de forma distinta. Planeé compo-ner un concierto pero en realidad no lo empecé hasta el otoño de2009”.

Saariaho organizó la partitura en seis movimientos, cada uno deellos inspirado en uno de los sentidos que están representados en lostapices medievales de “La Dama y el Unicornio”: “Había visto los tapi-ces en el Museo Nacional de Moyen Âge de París buscando materialpara mi primera ópera, “L’amour de loin”, y la riqueza de los tapicestambién inspiró la exposición de los cuadros “La Dame à Licorne” conmúsica electroacústica que llevé a cabo en 1993 con el artista RaijaMalka. Los cinco sentidos dan nombre a los tapices y he titulado losmovimientos de mi concierto de la misma manera: “L’Ouïe” (ElOído), “La Vue” (La Vista), “Le Toucher” (El Tacto), “L’Odorat” (ElOlfato”, “Le Goût (El Gusto) y el ambiguo “A mon seul Désir” quepodría ser traducido como “A mi único deseo”. El nombre y motivodel sexto tapiz ha sido frecuentemente examinado e interpretado perolo que llamó mi atención fue un artículo sobre los significados escon-didos en las letras del sexto tapiz. Uno de estos es D’OM LE VRAISENS. Es francés medieval y alude a los sentidos y al verdadero senti-do de la humanidad”.

Saariaho describe los movimientos del siguiente modo: “En elprimer movimiento, [El Oído] la calma de la orquesta es interrumpi-da por la llamada del clarinete. “La Vista” da inicio a una escena másmovida en la que la orquesta va detrás del solista para desarrollar los

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motivos que aporta. “El Olfato” es colorido musical; asocio la armoníacon el perfume, inmediatamente reconocido de manera intuitiva y laimpresión es demasiado rápida para ser pensada. El clarinete extien-de lánguidamente su colorido sobre la orquesta, donde queda suspen-dido, transformándose conforme pasa de un instrumento a otro. En“El Tacto”, el solista despierta cada sección musical de su estado som-noliento y sin pulso del movimiento anterior. Este es el movimientomás vigoroso y el más virtuoso en el sentido tradicional, y el clarinetey la orquesta se entrelazan en un diálogo. En el quinto movimiento,“El Gusto”, dominan las superficies ásperas, trémolos y trinos que elclarinete ofrece rodeado por la orquesta”

“Mientras componía el último movimiento experimenté unasensación de entrar en una nueva, íntima y atemporal dimensión. Elfinal de una obra es siempre la última oportunidad para descubrir suquintaesencia. Frecuentemente abordo los finales desnudando lamúsica hasta su más ascético elemento. Así lo he hecho aquí. Fue unasorpresa, incluso para mí, que la obra empezó a cobrar vida en suespacio y el mismo clarinete –parecía un unicornio- interpreta suparte como solista. Esta ocupación del espacio llegó a ser un elemen-to inherente de la obra en la composición”.

Mar García Goñi

En la página Web de la OSN www.orquestadenavarra.es, en la sección"Noticias" se ha puesto un enlace a la Web del Museo Nacional deMoyen Âge en París donde se pueden apreciar los tapices de "La Damay el Unicornio".

no ta s a l pr o g ra m a

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s ol i s ta

Kari Kriikku

“…un llamativo instrumentista conuna virtuosidad olímpica…”

The New York Times

“Después de todo, hubo una sorpren-dente ovación y la audiencia confesó que laobra que sonaba algunas veces furiosamen-te disonante les gustaba”. Como aparecióen un artículo en el New Yorker de marzo del 2010 a este artista no leextraña que el público se ponga en pie incluso si es la primera vez queescuchan el programa o a él. En esta ocasión Kari Kriikku interpretabael concierto de Magnus Lindberg con la New York Philharmonic en elCarnegie Hall bajo la batuta de Alan Gilbert.

Como destacado interprete de la música contemporánea, ha sidocon la obra de Kaija Saariaho “D’OM LE VRAI SENS” con la queKriikku más recientemente ha encantado a su audiencia. Ha estrena-do con orquestas como la Orquesta de la Radio Finlandesa y SakariOramo, la BBC y David Robertson, la Orquesta de la Radio Suiza y laOrquesta Nacional de Oporto con John Storgards, la Filarmónica de laRadio de Francia y Esa-Pekka Salonen, la Sinfónica de la Radio deViena y Cornelius Meister. En la temporada 2011-12 se incluyen laLeipzig Gewandhaus Orchestra y Vladimir Jurowski y la OrquestaFilarmónica de Bergen con Juanjo Mena. En Diciembre de 2012“D’OM LE VRAI SENS” fue estrenada en Estados Unidos con la NewWorld Symphony Orchestra y dirigida por Susanna Mälkki en el nuevoauditorio diseñado por Frank Gehry.

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En el verano de 2012 Kari Kriikku regresa a Ámsterdam parainterpretar la obra de Magnus Lindberg “Kraft” para un proyectourbano del Concertgebouw – La Gasolinera – que se adapta muy biena esta obra. Kriikku continua su temporada 2012-13 con la OrquestaSinfónica de Trondheim y Olari Elts, la Filarmónica de Estrasburgo yla Orquesta Sinfónica de Navarra. También ha interpretado esta obrade Saariaho en el Festival Internacional Contemporáneo de Varsovia yen el Festival de Música Contemporánea Vilnius GAIDA. Más adelan-te Kriikku hará su debut con la Orquesta Sinfónica de Säo Paulo diri-gida por Marin Alsop.

Muchos compositores finlandeses escriben para él, destacandoel concierto de Kimmo Hakola, interpretado bajo la batuta de SemoyBychkov en la Scala de Milán. Debutó en 2007 con el concierto deLindberg, en el Proms Festival de Londres con la Sinfónica de la BBCy Bychkov. Todas estas obras han sido grabadas para el sello Ondine enla que se incluye la obra de Jukka Tienssu “Missa” con la Filarmónicade Helsinki y John Storgads. Su grabación del Concierto paraClarinete de Lindberg fue nominada en 2006 para el PremioGramophone. También hay que añadir la grabación de la obra deSaariaho con la Orquesta de la Radio Finlandesa.

En la temporada 2014-15 se le ha encargado a Unsuk Chin com-poner una obra para Kari Kriikku. Además su espontaneidad y frescu-ra en las composiciones tradicionales le han conducido a una fasci-nante y flexible carrera no solo como solista, también como DirectorArtístico de la Orquesta de Cámara Avanti!. Todo esto le hace merece-dor en Junio del 2009 del prestigioso premio Nordic Council MusicPrize.

s ol i s ta | K a r i K r i i k k u

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di re c t or

Ernest Martínez IzquierdoOrquesta Sinfónica de Navarra

Director Artístico y Musical

Nacido en Barcelona (1962), es desde1997 Director Artístico y musical de laOrquesta Sinfónica de Navarra.

Tras su formación musical en Barcelona y Paris, en 1985 inició sucarrera como director de orquesta con la creación del grupo Barcelona216, especializado en la interpretación del repertorio de cámara con-temporáneo. Desde el año 2002 hasta el 2006 fue director titular yartístico de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional deCatalunya, continuando como principal director invitado hasta el año2009.

Paralelamente a su actividad como director titular, ha dirigido lasprincipales formaciones españolas e internacionalmente ha trabajadocon orquestas como: Kyoto Symphony Orchestra, Finish RadioSymphony Orchestra, Helsinki Philharmonic, Philharmonique deRadio France, Nacional de Lyon, Warsaw Philharmonic, ZagrebPhilharmonic, Orchestra Comunale de Bologna, Beethoven Academie(Amberes), Niederosterreische Tonkúnstler (Viena), y ensemblescomo Ensemble Contemporain de Montréal, Ensemble Modern deFrankfurt, Wien Klangforum, Avanti Chamber Orchestra (Helsinki)entre otros.

Como director de ópera destacan las producciones Adriana Materde Kaija Saariaho con dirección escénica de Peter Sellars (premiers enla Ópera Nacional de Finlandia y en la Ópera de Santa Fe, EstadosUnidos), Le nozze di Figaro de W.A. Mozart, dirección escénica deEmilio Sagi y Carmina Burana de K. Orff, con puesta en escena de LaFura dels Baus.

Ha realizado grabaciones para sellos discográficos como Telarc,Harmonia Mundi, Collegno, Ircam, Stradivarius y Naxos.

Entre los galardones recibidos destacan el premio Ojo Crítico deRadio Nacional de España (1995) el premio Roland de Periodismo deMúsica Clásica de Cataluña (2000), el premio Ciutat de Barcelona(2001) y el Latin Grammy (2006). Desde el año 2006 es miembro de laReial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi.

di re c t or | E r n e s t M a r t í n e z I z q u i e r d o

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or q u e s ta

Orquesta Sinfónica de Navarra

La actual Orquesta Sin-

fónica de Navarra fue funda-

da por Pablo Sarasate en el

año 1879, lo que hace de ella

el conjunto orquestal en

activo más antiguo de España . Hoy día la Orquesta Sinfónica de

Navarra abarca el más amplio repertorio, colabora habitualmente con

solistas y directores de renombre mundial y es considerada una de las

mejores orquestas del panorama español, asiduamente invitada a salas

de conciertos y festivales del máximo rango nacional e internacional.

En las últimas temporadas, la OSN ha estado presente tres veces

en el prestigioso Theatre des Champs-Elysées de París con solistas

como Daniella Barcelona, Juan Diego Flórez y Roberto Alagna. En el

trienio 2009-2011 la Orquesta fue invitada por el Theatre du Chatelet

en Paris para tres producciones líricas ( Magdalena, de H. Villalobos,

Cyrano de Bergerac, de Alfano e Il Postino, de D. Catán, estas dos últi-

mas con Plácido Domingo en el papel principal) y dos conciertos sin-

fónicos dirigidos por su titular, Ernest Martínez Izquierdo.

También en su papel de embajadora cultural de Navarra realizó

una gira de 7 conciertos por 5 de las más importantes ciudades de

China con música de su fundador, D. Pablo Sarasate. Recientemente la

OSN ha regresado de una gira por Europa con Joseph Calleja durante

la que ha estado actuando en los principales escenarios de París,

Munich, Praga, Viena, Ámsterdam y Baden-Baden.

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La Orquesta mantiene un ciclo de temporada con más de 2.000

abonados en Pamplona. Es la orquesta titular de los concursos Gayarre

de canto y Sarasate de violín, así como colaboradora habitual en tem-

poradas de ópera y representaciones líricas en Pamplona, resto de

España y en el extranjero.

Entre sus últimas grabaciones destaca una nueva integral de la

obra de Sarasate para el sello Naxos con la violinista Tianwa Yang, de la

que ya están a la venta tres CDs y que se completará con otro disco que

se comercializará próximamente.

or q u e s ta | O r q u e s t a S i n f ó n i c a d e N a v a r r a

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nu e s t r o p ú b l ic o

Nombre y Apellidos: Arturo Barcenilla Tirapu

Nuevo Socio de la OSN

Profesión: Diseñador gráfico

Edad: 39 años Localidad: Burlada

Eres uno de los socios más recientes de la OSN¿Qué te llevó a tomar tan acertada decisión?

Había asistido a conciertos concretos durantelas pasadas temporadas y estaba muy contento conla experiencia. Ver representadas en vivo algunas delas piezas que habitualmente escucho en casa lasredimensionaba de una manera especial. Así que ala decisión de abonarme he llegado de forma progresiva, natural. Porotro lado cada vez soy más consciente que debemos apoyar el sectorcultural. En mi presupuesto mensual tengo dinero para comida,ropa… y por supuesto un fijo en cultura que se traduce tanto en libros,cine o música.

La mayoría de nosotros soñábamos de niños con saber tocaralgún instrumento... ¿Cuál y por qué?

En mi caso hubo una experiencia fallida. De pequeñito mimadre, que es la gran melómana de la familia, me llevó a aprendersolfeo con vistas a tocar algún instrumento. Aquello no funcionó yrecordarlo me produce cierta pena. Mis instrumentos “soñados”coinciden con aquellos que más me hacen vibrar cuando los escucho:el piano y el violín. En ese aspecto es posible que no sea muy original,aunque añadiría otro instrumento que sí lo es: el laúd, y es que habervisto en vivo a Hopkinson Smith y la sabiduría, elegancia y mística quedesprende durante sus interpretaciones deja marcado a cualquiera.

¿Podrías destacar algunas de las obras que más te interesan delas programadas en la temporada actual?

Son bastantes. Tengo gran admiración por Ravel, así que alládonde estén sus obras soy un espectador agradecido, en esta ocasiónhemos podido disfrutar de “Le tombeau de Couperin”. Del programaactual destacaría muchas cosas pero ya que debo seleccionar me

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nu e s t r o p ú b l ic o

quedaría con la “Sinfonía 5ª” de Vaughan Williams, el “Réquiem” deFauré y “Alexander Nevsky” de Prokofiev. Y espero también con sumointerés las obras de Piazzolla y Penderecki.

Sé que disfrutas especialmente las piezas contemporáneas.¿Dónde consideras que ésta se distancia de su aceptación generalizada?

Creo que soy un oyente de música un tanto peculiar pues caminopor compositores poco comunes. Creo que disfruto más con unas“Lamentaciones de Jeremías” de Zelenka o con cosas de John Cage quecon Mozart o Chopin. Y la verdad que no sé explicar muy bien el moti-vo pues me encanta la melodía y sentir con la música. Mi experienciacon la música contemporánea es común a la de otras personas. Alprincipio muchos compositores contemporáneos no resisten una pri-mera escucha, esto nos pasa a todos pero luego te llevas sorpresas. Enmi caso resultó que tras disfrutar de la música de Steve Reich volví aescuchar a John Cage, que había anteriormente aborrecido, y enton-ces la experiencia había cambiado notablemente, ahora me encanta-ba. ¿El motivo? Había encontrado una llave para abrir algo y lo que erauna experiencia frustrante se reveló ahora cercana. A la música con-temporánea se puede acceder desde ciertos autores algo más asequi-bles pero que hacen de puerta de los que en principio son más inacce-sibles. Por otro lado dentro de la música reciente hay muchos autoresque sin gran dificultad pueden maravillar a un espectador medio ycrear afición: de Arvo Part a, por ejemplo, Takashi Yoshimatsu, unaespecie de Satie contemporáneo.

¿Qué pensamientos te suscitan las siguientes palabras atribuidasa Manuel de Falla?

“Error funesto es decir que hay que comprender la música paragozar de ella. La música no se hace, ni debe jamás hacerse para que secomprenda, sino para que se sienta”

Lo suscribo totalmente. La música nos conecta con sensaciones yexperiencias de una forma misteriosa y personal. Podemos ilustrar-nos sobre la música cuanto queramos pero nuestro diálogo con ellaestá en un nivel de intimidad muy profundo, allá donde realmenteestamos solos pero al mismo tiempo nos sentimos plenos.

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Violines I Petri AarnioAnna Siwek

Daniel MenéndezCatalina García-Mina

David PérezNikola Takov

Enrico RagazzoMalen Aranzabal

Aratz Uría Nathalie Gaillard

Grazyna Romanczuk

Violines IIMaite Ciriaco

Anna RadomskaInés de Madrazo

Pilartxo IbáñezAngelo Vieni

Tibor MolnarFermín Ansó

Lourdes González

Violas David Fons

Fco. Javier GómezJerzy Wojtysiak

José Ramón RodríguezRobert Pajewski

Malgorzata TkaczykIrantzu Sarriguren

Iustina V. Bumbu

Violonchelos Herwig Coryn

Tomasz PrzyleckiAritz Gómez

Lara VidalDorota Pukownik

Carlos Frutuoso

ContrabajosFco. Javier Fernández

Piotr Antoni PiotrowskiGian Luca Mangiarotti

Flautas Xavier Relats

Ricardo González Irene Isabel Ruiz *

Oboes Pilar Fontalba

Juan Manuel Crespo

Clarinetes Elisa López

Javier InglésCristina Martín

Fagotes Ferrán Tamarit

José Lozano

Trompas Saar Berger

Daniel MazarrotaJulián Cano

Aritz García de Albéniz

TrompetasJonathan Clarke

Ibai Izquierdo

TrombonesSantiago Blanco

Mikel ArkauzHéctor Prieto

Timbales Javier Odriozola

Percusión Iván Herránz

Jesús Mª GarmendiaSantiago Pizana

Enric MonfortManuel Cintora *

Arpa Tiziana Tagliani

Celesta Pedro José Rodriguez

or q u e s ta s i n f ó n ic a d e n ava r ra

* Alumnos del Conservatorio Superior de Música de Navarra en prácticas.

Queremos una Orquesta de la máxima calidad, que ofrezca una progra-

mación cada vez más abierta y variada, accesible y asequible para todo

tipo de públicos.

Ello sólo será posible con el apoyo y la generosidad de los amantes de

la música que quieran sentirse herederos de quienes en 1879 fundaron la

que hoy, 129 años después, podemos llamar con orgullo la Orquesta de

Navarra.

Ayúdanos a hacer posible nuestra ambición convirtiéndote en Socio

Preferente de la Orquesta Sinfónica de Navarra.

da l a no ta

M I E M B R O S D E L A F U N D A C I Ó N P A B L O S A R A S A T E

E N T I D A D E S P A T R O C I N A D O R A S

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da l a no ta

La Fundación Pablo Sarasate agradece también el generoso apoyo delos numerosos socios preferentes en la categoría de Adagio.

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P R Ó X I M O C O N C I E R T O

P A M P L O N A - A U D I T O R I O B A L U A R T E7 y 8 de marzo de 2013 - 20 h.

T U D E L A - T E A T R O G A Z T A M B I D E9 de marzo de 2013 - 20,30 h.

F. J. Haydn (1732-1809)Sinfonía nº 22 en Mi bemol mayor “El filósofo” (APROX. 16’)

J. N. Hummel (1778-1837)Concierto para trompeta en Mi Mayor (APROX. 19’)

M. Matalón (1958- )Trame XII para trompeta y orquesta de cuerda* (APROX. 15’)

S. Prokofiev (1891-1953)Sinfonía Clásica, op. 25 (APROX. 14’)

S O L I S T AManuel Blanco, trompeta

D I R E C T O RErnest Martínez Izquierdo

*En Tudela no se interpretará la obra de M. Matalón.