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Los espacios LAB1 y LAB2 buscan promover proyectos artísticos que se encuentren en etapa de work in progress o no. Durante el año 2011 Colaboratorio Arte ha difundido 24 proyectos provenientes de distintas partes del mundo.
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Colaboratorio Arte nace como un centro sin
paredes, un punto de encuentro abierto a investigadores,
académicos, estudiantes y público en general interesado en la
conformación de un espacio de aprendizaje en red, flexible y
participativo en torno a los temas de arte, espacio y
movimiento.
Buscamos la difusión e intercambio de propuestas,
esperando crear sinergias entre agentes culturales y proyectos
de todo el mundo. Creemos esto posible gracias al carácter
transversal y casi “omnipresente” de Internet. Así mismo
buscamos ser en un agente dinamizador cultural referente en
países de habla hispana.
Colaboratorio Arte apuesta por la importancia de la
proximidad e interactividad entre el producto y el destinatario,
así como por la importancia del trabajo en red y de la
consolidación de comunidades online sólidas.
[9]
Los espacios LAB1 y LAB2 buscan
promover proyectos artísticos que se encuentren en etapa de work
in progress o no.
Durante el año 2011 Colaboratorio Arte ha difundido 24
proyectos provenientes de distintas partes del mundo: Alemania,
Argentina, Chile, Colombia, España, México y Perú.
Este documento pretende ser un resumen cuidadoso de
cada una de estos proyectos.
Quiero agradecer a todos los artistas y entidades que nos
han apoyado enviando sus propuestas, difundiendo nuestros
proyectos e interactuando con nosotros en nuestros diferentes
espacios online. Un agradecimiento especial a todos nuestros
colaboradores: traductores, escritores, fotógrafos e informadores.
Gracias a ustedes Colaboratorio Arte es una realidad.
Adriana Cordero
Coordinación General
[12]
“Paso Firme”, obra de Juan Barili y Vimarí Soto. Avenida Del Valle esquina 10, Balcarce. Fotografía archivo del
proyecto.
NOMBRE DEL PROYECTO: Avenida de los Murales
INTEGRANTES: Grupo SOFOBANO
PAIS: Argentina
AÑO: 2011
EMAIL: [email protected]
FACEBOOK: SOFOBANO BALCARCE
TWITTER: @ sofobano
WEBSITE: http://balcarcesalanorte.blogspot.com/
SOFOBANO, es una Sociedad de Fomento con fines solidarios nacida hace 37
años en el Barrio Norte de Balcarce - Argentina. La actual gestión surge de una asamblea
popular auto convocada por los vecinos de dicha localidad la cual busca luchar por las
libertades y los derechos de todos mediante el arte ya que lo consideran un camino
pacífico donde es posible ser uno mismo y crear contextos donde el cambio sea posible,
sin temores, con dignidad y fe.
Avenida de los Murales es un proyecto de animación cultural que utiliza el arte
mural como recurso para promover formas de expresión humana que enriquezca la vida
cotidiana. Desde el color y la forma estética en el espacio urbano, se busca contextualizar
un movimiento hacia la integración de la diversidad y fragmentación cultural, que
[13]
caracteriza a la sociedad de Balcarce (aprox. 40.000 personas, en el sudeste de la
provincia de Buenos Aires, Argentina).
Se busca promocionar un cambio liberador, en el sentido de estimular la
expresividad de las personas por medio de recursos artísticos diversos pero armónicos,
estimulando la paz, la concordia y la alegría por ser elementos necesarios para mejorar la
calidad de vida cotidiana.
Sin apoyo económico, con recursos solidarios que aportan los vecinos, surge un
movimiento, libre de políticas partidarias y de “salarios”, con un producto de calidad
emergente e intangible. El proyecto busca cubrir costos se realizando actividades para
recaudar fondos como rifas de obras de arte donadas como obras de la pintora Rosa di
Doménica, cursos, etc.
A los murales se sumó teatro para niños, talleres de mitología guaranítica,
conferencias sobre “física para niños”, resolución de conflictos barriales, Congreso
regional sobre DDHH de Víctimas de Abuso Sexual, coros y música popular. Los colores
dan marco y entorno para que mejore la calidad de las interacciones humanas en el Barrio
Norte de la ciudad de Balcarce. (se puede consultar éstas y otras actividades en:
http://salanorteboletin.blogspot.com/)
Se realizó una evaluación de proceso al año de inicio, después de analizar
debilidades y fortalezas, se reformularon acciones, estas serán evaluadas a mediados de
2011.
La principal necesidad de este proyecto es obtener alguna forma de subvención,
puesto que el factor económico es el punto más débil del proyecto. Igualmente sería muy
importante conocer emprendimientos similares para enriquecimiento y
aprendizaje mutuo.
[14]
Fotografía Adriana Cordero para Colaboratorio Arte ©Colaboratorio Arte
NOMBRE DEL PROYECTO: ASESINOS DELICADOS
ARTISTA: Gabriel Alayza
CURADOR: Renzo Copello
ASESORES: Giuliana Migliori, Eduardo Tokeshi, Juan Acevedo
PAIS: Perú
AÑO: 2011
EMAIL: [email protected]
En los próximos meses Gabriel Alayza estrenará su segunda exposición individual
titulada ASESINOS DELICADOS.
La primera fue en el año 2005 apenas egresado de la PUCP en la galería Forum y
llevó como titulo CARGAR. Esta muestra buscaba exponer el desarrollo de la ciudad de
Lima por medio de recuerdos acumulados, palpables a través de diferentes objetos como
esculturas, pinturas, dibujos y una instalación. La exposición tuvo muy buenas críticas.
A pesar que, hasta la fecha; Gabriel no ha presentado otra exposición individual o
colectiva en el Perú si lo ha hecho internacionalmente, participando en la Bienal de
Turquía, en una colectiva en Nueva York y en arteBA en Argentina. También ha seguido
desarrollando su pasión por el dibujo, trabajando como ilustrador para un suplemento del
diario El Comercio, la revista Dedo Medio y varios libros infantiles; así como en la
dirección artística de una película de animación peruana, o como profesor en la PUCP y
[15]
USIL desde el año 2007; finalmente uno de los proyectos que le ha dado mayor
satisfacción es el grupo Proyecto Barrio con los que ha gestionado diferentes actividades
de recuperación del espacio público como el Carnaval de Barranco (Lima-Perú) para las
ediciones los años 2008 y 2009.
Gabriel empieza a trabajar esta segunda individual en el verano del año 2009. Su
búsqueda tiene como punto de partida una reflexión acerca del dibujo, buscando defender
las artes gráficas como un arte tan valioso como la pintura al óleo; sosteniendo esta
posición sobre la idea del cómic o historieta. Para él la ilustración tiene una función que
va más allá de lo decorativo, es decir no es solo una imagen que acompaña un texto; el
dibujo tiene una carga narrativa en sí mismo y dependiendo de nuestra forma de lectura
podemos encontrar diversos caminos y significados.
Así pues Gabriel nos invita a involucrarnos en una muestra de más de doscientas
obras en diversos formatos y técnicas, donde las paredes actuarán como metáforas de las
páginas de su historieta, y nosotros como lectores recorriéndolas.
[16]
Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: DOSIS
INTEGRANTES
Alejandro Chinchay Moreno (voz)
Cristhian Avalos Alarcón (sintetizador y secuencias)
Enrique Secaira Venegas (guitarra principal)
Ronald Zarate (bajo)
Rudry Santibáñez (batería)
PAIS
Perú
WEBSITE
http://www.dosis.tk/
Sonidos densos y volátiles comprenden el concepto musical de la banda DOSIS,
que recorre las vertientes del Synth-Pop, Electro, el Rock y la Psicodelia. El
nombre DOSIS es relativo a la necesidad de crear nuestra música como satisfacción
propia y entregar nuestro espíritu al arte comenta Cristhian Avalos. El nombre aportado
por Delio Retamozo, ex baterista del grupo.
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La banda se forma aproximadamente a mediados de 1999 con la fusión de los
primeros integrantes: Cristhian Avalos (Cristh), Enrique Secaira (Kirk), Alejandro
Chinchay (Lex) vocalista de la banda y Marco Prado en el bajo, creando un sonido
netamente instrumental, de corte "psicodelia" influenciados por Pink Floyd y el Heavy. .
DOSIS es un proyecto de música Audio-Visual. Su interés es participar en
montajes musicales-teatrales y conciertos dentro del género ROCK. Por el momento no
cuentan con el apoyo de ninguna entidad siendo todo sus proyects autogestionados. Los
integrantes componen sus propios temas integrando sus conocimientos de edición de
música asistido por PC así como sus conocimientos de electrónica para personalizar sus
equipos de sonido e instrumentos; buscando marcar la diferencia. DOSIS ha compartido
escenario con renombradas bandas peruanas como: Frágil, Dolores Delirio, La Sarita,
Wayo, Textura, entre otros.
Este año nos presentan su nuevo álbum TRANSCEIVER. El primer corte del disco
se llama CALIZ, el cual ha tenido mucha acogida por parte de sus seguidores contando
con un videoclip realizado a partir del cortometraje de Pére Koniec (España) EFIMERO
87, permitiendo a la banda hacerse conocida internacionalmente.
[18]
“Y comenzó el verano” fotos Santi Burgos para Islas en el asfalto
NOMBRE DEL PROYECTO: Islas en el asfalto
INTEGRANTES: Colectivo Imáyina
PAIS: España
AÑO: 2010 y en curso
EMAIL: [email protected]
TWITTER: @ sofobano
WEBSITE: islas en el asfalto/Factbook.com
APOYO: Delegación de Participación Ciudadana y Cultura del ayuntamiento de Leganés
El espacio circular del interior de las rotondas son lugares no utilizables,
prohibidos al peatón e inaccesibles. Este trabajo artístico muestra la posibilidad de alterar
estéticamente esa realidad urbana. Lanzamos un mensaje contextualizado y optimista
sobre la habitabilidad y disfrute de la ciudad, compartiendo por un instante este espacio
con la ciudadanía, evadiendo momentáneamente el único cometido de esas islas en el
asfalto…
El legado monumental que contiene Leganés, junto con la singularidad del
espacio que ocupa el número de rotondas, hacen de este proyecto una manera única de
querer mostrar y compartir ese espacio circular con la ciudadanía y su derecho/opción de
habitar de manera más sosegada en la atmósfera apresurada de nuestros días, pararse a
mirar…
[19]
Las intervenciones se realizaron con la colaboración de la policía municipal, ya
que no se quería producir ningún incidente.
La exposición actual cuenta con 24 fotografías, las fotos están montadas sobre
metal:
16 fotografías en tamaño: 70x43 cm
4 fotografías en tamaño: 100x70 cm
y el video de 4,50 minutos de duración.
Realiza: Colectivo Imáyina
Fotos: Santi Burgos
Video: Marga Merchan
Idea y coordinación: David Prieto 607 24 53 16
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: Disco EL ARTE DE SEGUIR VIVOS (Grabado en Lima
Perú, en los estudios EL TECHO -Pueblo Libre, Lima/Perú)
INTEGRANTES: Mauricio Hooker Cruz, bajo y flautas (traversa y dulce)
Daniel López Gutiérrez, teclados, xilófono
Angelo Perez Palma Tomandl, Voz y armónica
Eduardo Valcarcel Cabero, Guitarra eléctrica y acústica
Victor K. Otarola Muñoz, Bateria
PAIS: Perú
AÑO: 2008
EMAIL: [email protected], [email protected]
WEBSITE: www.myspace.com/kharmina_buranna
FACEBOOK: Kharmina Buranna
.
Kharmina Buranna es una banda de rock progresivo formada en agosto del año
1996, y desde entonces viene dando conciertos ininterrumpidamente.
La historia de Kharmina Buranna puede dividirse en dos etapas, de acuerdo a las
influencias y al género musical desarrollado en cada una de ellas: en la primera (1996-
2000) el grupo se caracterizó por tener un sonido con marcadas influencias del blues
estadounidense y del rock blues británico. Para la segunda etapa (2001 en
adelante) Kharmina Buranna se convirtió en una banda de rock progresivo, influencia
[21]
musical que se compartía entre los miembros del grupo desde mucho tiempo atrás pero
que no se había plasmado musicalmente. Actualmente, la banda toca sólo temas propios,
y entre sus influencias están bandas como Yes, Pink Floyd, King Crimson, Jethro Tull,
Camel, Focus, Gentle Giant entre otras.
Su primer disco titulado El Arte De Seguir Vivos, cuya riqueza radica en la
complejidad técnica de sus temas, cuenta con 5 temas y la participación de Tavo Castillo
de Frágil en flauta traversa y la reconocida violinista japonesa Pauchi Sasaki. El disco ha
obtenido buenos comentarios de la crítica especializada. La producción musical de este
disco estuvo a cargo del reconocido productor Lalo Williams, y el disco fue presentado
oficialmente en un concierto que la banda dio el viernes 1 de agosto de 2008 en el
Sargento Pimienta de Barranco (Lima-Perú).
Dentro de sus próximos eventos se ha confirmado la participación de la banda en
el Festival Baja Prog 2012 a realizarse el próximo año en Baja California, México.
Asimismo, participaron en el Santiago Art Rock Festival (abril de 2011 – Santiago de
Chile - Chile), y el Festival Crescendo, el cual se realiza anualmente en las playas de Sur
de Mer,en Montreux - Francia.
Kharmina Buranna está liderando la asociación de varias bandas de rock
nacionales (Frágil, La Sarita y Flor De Loto) y extranjeras (Cast de México, Entrance de
Chile y Tettrioariga Krigett de Suecia) para la realización del primer Festival de Art Rock
Peruano, a realizarse en Lima en abril de 2012, ello con el objetivo de colocar al Perú al
nivel de otros países del mundo donde se realizan estos festivales: Río Art Rock en Brasil,
Madrid Rock Fest yRotaprog en España, Progpower en Holanda, NearFest en USA,
entre otros.
Acerca de su necesidad de apoyo nos comentan necesitamos apoyo en la difusión
de la obra y con esto poder conseguir contratos musicales para el disco, seguidores de
nuestra música y apoyo para organizar eventos de rock progresivo que se está haciendo
cada vez más grande la movida de este estilo en Lima.
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Ilustración Aga Markowska – fotografía archivo del proyecto
Ametz Eta su Bola
NOMBRE DEL PROYECTO: Ametz Eta su Bola
INTEGRANTES:
Fabián Morales Sánchez (músico y desarrollo tecnológico)
Aga Markowska (Ilustradora)
Cassío Markowski (escenógrafo y artista relacional)
Diana Franco (desarrollo tecnológico y coordinación)
PAIS: México, Polonia, Brasil, España
AÑO: 2010 - 2011
EMAIL: [email protected]
WEBSITE: http://www.ametz.tk
APOYO: Gobierno Vasco. El proyecto está buscando Sponsors y otro tipo de
colaboradores.
Hace unos meses llegó a nuestro email el proyecto Ametz y la Bola de
Fuego o Ametz Eta su Bola (en Euskera).
Los integrantes de este proyecto lo definen como un experimento, todo un proceso
de aprendizaje con el objetivo final de adquirir conocimiento que nos permita seguir
[23]
creando entornos interactivos. Si logramos crear entornos interactivos podremos llegar a
proponer nuevas formas de expresión artística y transmisión de
conocimiento. Realizaremos el cuento en Euskera. Utilizaremos software de libre
distribución como processing y hardware libre como arduino.
El objetivo del proyecto Ametz y la Bola de Fuego: Un Cuento Interactivo
Inmersivo sobre Mari de Anboto es crear una experiencia interactiva para niños y niñas,
con la que podrán vivir un cuento de manera intensa y emocionante.
Este proyecto nació con la voluntad de llevar los cuentos más tradicionales de la
cultura Vasca y sus valores positivos a las nuevas tecnologías de narración. Así, los niños
y niñas se convierten en protagonistas del cuento; desarrollando valores y habilidades
sociales como: hablar en público, compartir experiencias, relacionarse.
Finalmente este proyecto es un nuevo canal que busca alternativas a la hora de
transmitir conocimiento.
En estos momentos el equipo de Ametz está trabajando en la estructura y en los
flujos de guión del cuento para tener listo el primer prototipo para julio de este año.*
SINOPSIS DEL CUENTO:
Ametz es una pequeña niña que vive en el pueblo de Durango al pie del monte de Anboto
de Bizkaia. Huérfana, desde muy pequeña queda al cuidado de su tia Argi y su abuelo Apal.
Ametz tiene como compañero de juegos a su perro Ttipi y on él vivirá grandes aventuras para
proteger el bosque y su amigo Zuhaitz el viejo árbol de los planes malvados del Dr. D. y su
ayudante el genio maligno Aiar.
PATROCINIOS:
El proyecto está buscando financiación que les permita adquirir equipo y escalar el
proyecto. Si estás interesado puedes obtener más información escribiendo a Diana Franco al
email [email protected]
*Ametz eta Su Bola se presentó el 8 de diciembre de 2011 en el Teatro San Agustín de Durango en el contexto de la
Feria del Libro y del Disco Vasco.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: retratos 8 - bit
INTEGRANTES: Colectivo Pay de Menta, conformado por:
SamuelAyala Lozano: Licenciatura en Artes Visuales, Facultad de Artes Visuales,
U.A.N.L.
Mónica C. Bautista Llanes: Licenciatura trunca En Diseño Gráfico en la Facultad de
Arquitectura y Diseño Grafico de la Universidad Metropolitana de Monterrey
PAIS: México
AÑO: 2011
EMAIL: [email protected], [email protected]
WEBSITE: http://paydementa.tumblr.com/
CANAL YOUTUBE: http://www.youtube.com/user/enon1000
EL colectivo Pay de Menta surge alrededor del mes de noviembre del año
2009. Sus obras reciclan imágenes con una alusión clara al pop-art y a una cultura masiva
pero sin dejar a un lado cuestiones sociales del contexto local. A pesar de que este
colectivo es bastante joven ha buscado siempre nuevos medios e ideas para expresa de su
punto de vista ya sea desde una visión generacional, contextual y social.
El proyecto retratos 8 – bit surge a partir de un primer proyecto llamado con
respecto Jeopardy 2012, el cual consistía en una pieza interactiva a modo de mini-
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videojuego. Haciendo referencia al juego de Jeopardy original se deben responder varias
preguntas, cuestiones tanto políticas como sociales y ambientales con respuestas
absurdas. Es un tanto jugar con las reglas del juego Jeopardy donde cada pregunta debe
ser contestada en forma de pregunta, en la modificación se pretende que en lugar de
preguntas se den acontecimientos actuales y cuya respuesta a todos esos dato sería algo
así como ¿qué está pasando?
Ejemplo:
Pregunta: Con 11.5 millones de personas que radican fuera del país, México es el primer
emisor de migrantes en el mundo.
Respuesta: ¿Qué está pasando?
En principio el proyecto de Jeopardy 2012 era modificar el videojuego de
Jeopardy en su versión de NES, pero tuvimos problemas porque no manejamos el
lenguaje de programación hexadécimal, lo cual resolvimos programando el juego en
flash y utilizamos el pixel-art tanto en gráficos como animaciones para emular el juego
en su versión de Nintendo.
Mónica nos explica que en los últimos tres años nuestro Estado ha sufrido un
creciente aumento de violencia debido a la guerra de los carteles, es así que muchas
personas del circuito del arte y conocidos se han mudado hacia el centro y sur del país y
solo nos hemos podido contactarnos mediante las redes sociales, de cierto modo el
proyecto que estamos planteando es este nuevo sentimiento de distanciamiento, así como
un reencuentro con conocidos al pedirles retratos fotográficos para poder
transformarlos en pixel-art.
Sentimos también que las animaciones cuadro por cuadro es un terreno
interesante y poco explorado en nuestra ciudad y nos permite utilizar un medio poco
usual intentando darle movimiento a la forma convencional de retrato.
[26]
Bertha Esteban -36- fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: -36-
NOMBRE DE INTEGRANTES: Bertha Esteban
PAIS: Perú
AÑO: 2012
EMAIL: [email protected]
La artista peruana Bertha Estaban nos presenta el proyecto – en construcción-
titulado 36. El objetivo de esta muestra es la mirada interna de los procesos cotidianos de
la persona – artista que sobrevive al caos emocional y social dentro de una sociedad
donde la expresión del color y la forma toma un carácter expresivo como parte del
sobrevivir y como a su vez como la percepción de la vida puede ser un constante cambio
dentro del marco sensorial de una persona, influenciado por diversos factores y estímulos
negativos o positivos.
Se inicia a partir del análisis de la vida de la artista, la pregunta es ¿Por
qué? Hace poco realicé un estudio sobre el proceso creativo de mi obra, donde se
trataron varios puntos que influyeron en mi pintura esa propuesta la sigo explorando día
a día y forma parte del antecedente para realizar esta muestra.
[27]
En este proyecto Bertha presenta parte de sus “vivencias” durante estos últimos
años, hechos cotidianos, recuerdos, sucesos que aparecen o reaparecen en
escenarios… es por ello que deseo llamar a esta muestra “36”, alusivo a mi edad y a los
recuerdos que se han podido rescatar durante esos años y que actualmente siento la
necesidad de representarlo en un lienzo en blanco o fondo con color.
La obra de Bertha está planteada con elementos simbólicos haciendo referencia a
algunos elementos del paisaje como nubes, flores, montañas, personas, etc., pero
sobretodo el personaje como eje principal en el proyecto es ella misma, dado que este
personaje es el reflejo de su persona en diferentes facetas; paseando, tomando un café,
conversando, soñando, amando o simplemente contemplando un estado emotivo… Con
el transcurso de los años he buscado elementos que sean característico en mi obra y es
por eso que ahora estos símbolos tienen más presencia significativa. El buscar dentro de
mis recuerdos y vivencias con el tiempo han madurado en forma, color, textura visual
y también en significado de la imagen. La monocromía de color estuvo planteado desde
un inicio del proyecto donde el contraste por figura – fondo y con toques de textura dan
como resultado un lenguaje lúdico haciendo una remembranza a los monigotes
realizados en la etapa inicial del proceso gráfico de mis dibujos, donde el no color
blanco – negro juega un papel importante como significado de neutralidad y de intervalo
emocional en mi proyecto de vida personal y artística. Expreso como importancia al
dibujo con algunos caracteres de color y que solo se puede apreciar en un segundo
plano del contexto del proyecto realizada en las intervenciones de los retratos.
En las obras se pueden observar el juego de imágenes, formas, líneas dando
como resultado una serie de obras con una expresión simbólica buscando un propio
carácter dentro del espacio del lienzo en blanco. La serie de cuadros presentadas para la
muestra 36 dan como resultado una parte de mí sentir y mi expresar como persona –
artista.
[28]
Fotografía archivo del proyecto Desenduadre y Superficie
NOMBRE DEL PROYECTO: Desencuadre y superficie
NOMBRE DE INTEGRANTES: Nicolás Lamas
PAIS: Perú
AÑO: 2011
EMAIL: [email protected]
WEBSITE: lamasnicolas.blogspot.com
La muestra Desencuadre y superficie gira en torno a distintas líneas de reflexión
acerca de la representación visual de los territorios naturales. Mediante el uso de
diferentes soportes y estrategias, Lamas propone una serie de piezas que remarcan la
condición de la imagen fotográfica como construcción virtual, la cual modela nuestro
modo de pensar y entender lo que definimos como entorno natural. La propuesta del
artista se convierte en una reelaboración y relectura de imágenes -apropiadas de
diferentes fuentes documentales- que se muestran como estandarizaciones culturales de lo
que concebimos como naturaleza indómita; territorios anónimos e inaprehensibles que se
configuran como paisajes dentro de nuestra memoria.
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De esta manera, las obras exhibidas en la sala reproducen versiones manipuladas
de escenarios naturales y cartografías, que cuestionan nuestra familiaridad con los
sistemas de representación como vía de entendimiento de lo real. Mediante diferentes
modalidades de interferencia, las imágenes se ocultan, atraviesan, agreden, desfiguran o
reconfiguran; remarcando así, su propia condición mimética de superficie impresa que
representa una realidad que siempre se escapa. Todo ello, rompe con la hiperdefinición
que se busca en la imagen que hoy reta a la misma realidad. Las piezas dispuestas en la
galería muestran en diferentes medidas un desencuadre, ruido o distorsión visual que
implica tanto al material gráfico como los objetos exhibidos, generando así, un diálogo y
colisión continua entre éstos. Se genera así, una dinámica de flujo y reflujo en la
visualidad que remite a las estrategias de representación, ordenamiento y sistematización
de una naturaleza cuestionada. Imágenes y objetos documentales que son mostrados de
un modo desfasado y cuya existencia misma a veces entraña una contradicción y
evidencia la simulación implícita que encierra todo sistema de representación a través de
sus fisuras.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: ZONA30 - PLATAFORMA DE EXPERIMENTACIÓN Y
RESINDENCIA
NOMBRE Y APELLIDO DE INTEGRANTES:
Christians Luna, Investigador de Cosas y docente de diseño y artes contemporáneas artista
visual, curador, activista, director de la galería Plátano, performance, intervenciones urbanas
poeta.
Joaquin Goldstein (pintor, performance, integrante del colectivo Nenna Canale de Buenos Aires -
Argentina)
PAIS: Perú
AÑO: 2011
EMAIL: [email protected]
WEBSITE/BLOG: http://zona30-peru.blogspot.com
Este espacio pertenece a Joaquin Goldstein pintor e integrante del colectivo
argentino Nenna Canale el cual se viene usándo como taller desde principios del año 2010.
El espacio había sido las oficinas administrativas de la minera puquio cocha (material con
el cual contaba el espacio a la hora del 1 work in progress. En marzo del 2011 se instala
ZONA 30.
ZONA 30 es una plataforma de procesos de experimentación y residencia artística.
Dentro de un periodo de 15 días de trabajo se instalara en el espacio; un work in progress,
talleres, conversatorios, capacitación entre otros. Esta experiencia tiene muy claro “el
proceso” como eje central del proyecto. ZONA 30 es un espacio de colaboraciones
abiertas para toda persona que desee sumarse; artistas, investigadores, activistas, amigos,
extranjeros. No importa el área sino la necesidad de investigar. ZONA 30 no es un espacio
de exhibición es una zona de intercambio de capacidades.
Actividades:
La residencia de extranjeros es libre, es decir -el extranjero se auto postula- solo
necesita confirmar su llegada a Lima para programarlo y reservar su espacio, nosotros le
ayudamos con todo lo que necesita en su estancia.
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Nuestro espacio es autogestionario y ofrece casa, internet, cocina. Y materiales con los
que cuenta el espacio que son estantes de metal. El espacio es un tercer piso de 600metros
cuadrados aprox.
Work in progress Experiencias de 15 días con la participación de un residente
extranjero (latinoamericano o internacional).
Intersticios Zona donde el público propone.
Plataformas grupales, colectivas, solitarias, experiencias sonoras, audiovisuales,
performáticos, científicas, etc.; ya sea para grupos limitados o abiertos. Todo es flexible
previa conversación.
Convocatoria se desarrolla una metodología para las actividades a realizar, para
convocar a los artistas locales para el work in progress u otra experiencia que se tenga
que realizar.
Conversatorios Zona de presentación de portafolios ya sea de investigadores u
creadores que deseen compartir su experiencia. También sirve de soporte para diagramar
propuestas interdisciplinarias de retroalimentación de conocimiento, tanto para creadores
locales o visitantes.
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Paúl Zelada - Utopía de la Identidad
NOMBRE DEL PROYECTO: Utopía de la Identidad
NOMBRE Y APELLIDO DE INTEGRANTES:
Alejandra Delgado / Juan Chávez / Wendy Castro / Paúl Zelada / Grace Sandoval / Oscar
Vega / Juan Carlos Alvarado
Curaduría:
Carlos David Chávez Alvarado
PAIS: Perú
AÑO: 2010
EMAIL: [email protected]
WEBSITE/BLOG: http://galeriadeartecap.blogspot.com/2010_07_01_archive.html
¿Cómo reconocer nuestra identidad, quiénes somos y qué seremos en el futuro?
Son algunas interrogantes y reflexiones que nos plantean siete artistas residentes
en Trujillo.
La diferencia entre lo que somos y lo que quisiéramos ser, entre nuestra realidad y la
manera como la imaginamos, así como nuestros problemas y aspiraciones, forman parte
del rasgo definitorio de las obras expuestas. En ese plano también se ubican: la necesidad
de entender la creación contemporánea como herramienta de reflexión, acción,
interacción, intercambio, aprendizaje, comunicación; es decir el Arte como un espacio
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generador de propuestas utópicas y de mecanismos simbólicos donde se intenta reflejar el
sentir de un colectivo humano.
De esta manera, el proyecto Utopía de la Identidad recoge el interés del arte por
nuestro presente social, económico, político y cultural, en el que la sensación acelerada
de transformaciones forma parte del estado de normalidad.
El proyecto se presenta como un discurso que enlaza distintas visiones de nuestra
sociedad. En definitiva, la exposición recrea un escenario de rearticulación de discursos,
cuestionamientos y reflexiones críticas entorno a la construcción, reafirmación y
desarrollo que viene adquiriendo el término identidad en relación con los cambios que
vive el colectivo humano de Trujillo, asimismo, la posibilidad de metaforizar e idealizar
la complejidad de nuestro contexto social desde una óptica estética-experimental, no
objetual. Es decir de formas desmaterializadas de arte.
[34]
Mundo Muta – fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: MundoMuta
INTEGRANTES: Felipe Herrera y Jimena Burneo
PARIS: Perú
AÑO: 2011
EMAIL: [email protected]
WEBSITE:
http://mundomuta.wordpress.com/
http://www.talenthouse.com/jimenaburneoto
El proyecto MundoMuta es un proyecto creado por el artista Felipe Herrera, cuya
finalidad es sembrar el arte y propagarlo.
La palabra “muta” surgió de mutación, de cambio, de transformación, de
evolución, a largo plazo se dice, que las mutaciones son esenciales para nuestra
existencia, y la idea entonces de este proyecto es propagar el contagio de la pasión por el
arte. La causa de una mutación es un estimulo, en este caso el estimulo es esencialmente
el arte.
Felipe nació en Lima-Perú, donde estudio diseño gráfico y posteriormente la
carrera de bellas artes, especializándose en pintura.
Una vez creado el proyecto MundoMuta, decidió empezar a viajar para realizar su
labor de difusión, luego de vivir en Río de Janeiro-Brasil, decide explorar en territorio
[35]
europeo, y llega a Barcelona como punto de inicio, donde empezó a realizar múltiples
exposiciones y conoce a Jimena Burneo, su compañera, arquitecta de profesión y pintora,
Jimena se une a su proyecto y deciden entonces juntos empezar uno nuevo: MundoMuta-
TripGallery.
Este proyecto nació en Münster en la región de Nordhrein Westphalia dentro de
Alemania, donde vivieron ambos produciendo el material para iniciar el viaje. La idea
era hacer una galería de arte móvil.
El TripUno tuvo como puntos varias ciudades europeas, dentro de Alemania,
Berlín, Münster y Köln, dentro de Suiza, Berna, Nyon y Sierre y finalmente dentro de
Francia, las playas de la costa azul Martigues y Collioure. Colliure es el punto final
porque es tierra de pintores, es un pequeño pueblo al sur de la riviera francesa, en la
llamada costa vermella, con mucho encanto, lleno de callecitas , monumentos medievales
y galerías de arte, fue punto de inspiración de varios pintores, Picasso, Dali, Chagall,
Matisse y Derain vivieron y trabajaron ahí.Felipe y Jimena, con el proyecto MundoMuta,
eligieron este lugar, donde junto con otros pintores, realizaron la exposición diaria en el
llamado Castillo Real, monumento histórico que data del siglo VII, donde todas las
tardes del verano se congregan diversos pintores internacionales a pintar el paisaje y
exponer sus obras. Finalizada la experiencia la pareja se prepara nuevamente en
Barcelona para emprender otra aventura, empezando nuevamente el ciclo y el material
artístico, para continuar con el proyecto y realizar el futuro viaje que aun no ha sido
planeado.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: Imaginando
INTEGRANTES: Yolanda Yone
PARIS: España
AÑO: 2011
EMAIL: [email protected]
WEBSITE: www.yolandayone.es
FACEBOOK: Yolanda Yone!
MYSPACE: http://www.myspace.com/yolandayone
Yolanda Yone es una cantante y compositora nacida en la ciudad de Barcelona.
Su abuelo fue clarinetista y saxofonista y fue él quien le impartió sus primeras lecciones
de lenguaje musical. En su web www.yolandayone.es nos habla sobre
su aprendizaje musical: casi sin darme cuenta, mi vida ya estaba impregnada de música.
Podría enumerar un montón de trabajos y viajes hasta llegar aquí. Se aprende en
cualquier lugar, un escenario, un autobús, un estudio, en la calle, en el colegio...
Compaginé durante algunos años varios empleos con la música, hasta que decidí
dedicarme exclusivamente a ella. Trabajé en orquestas, con grupos de techno, funk, pop-
latino, boleros, estándares de jazz, jingles, televisión.
Hoy Yolanda nos presenta su primer trabajo en solitario titulado IMAGINANDO.
El álbum contiene diez canciones íntimas y ha sido escrito en dos periodos importantes
[39]
de su vida, donde se puede encontrar una conjunción de muchas cosas: rabia, duda,
incertidumbre, alborozo, cambios bruscos y desilusiones, tuve tantas subidas y bajadas,
que al final me instalé muy dentro de mí, para poder encontrarme y no desfallecer. Pero
no fue tan difícil! Te paras, coges aire y continúas. Siempre se puede buscar un nuevo
camino de certezas y esperanzas. Y eso, es lo que al final me han dado estas canciones.
Sus canciones, compuestas por la propia cantante; nos hablan de los sueños, del amor,
de los segundos que no quiere dejar pasar , de la nostalgia que siempre nos acecha en
algún momento de nuestra vida pero ante todo es un disco optimista, con aire fresco,
lleno de colores y cargado de energía!
IMAGINANDO ha sido mezclado en Miami y producido por el cantante argentino
Lucas Masciano y el músico Marcelo Frajmowicz para el sello Elefantito Records.
CREDITOS: ................................................... ...Yolanda Yone ..................................................................... ..... Voz
Toni Mateos Batería
Manuel Bagüés
Bajo
Contrabajo Pepe Curioni
Gustavo Fantino Guitarra española
Lucas Masciano
Guitarra acústica, española y eléctrica
Marcelo Frajmowicz Teclados, programación, guitarra eléctrica
ukelele, acordeón y percusión
Ernesto Briceño Violín y arreglos de cuerdas
Elena Vázquez
Violín en "París ya no está aquí"
Antonia Parapar Violoncello
Xavier Pinyol
Oboe
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Diseño Roger Adams para La Porta – Festival LP´11
NOMBRE DEL PROYECTO: Festival LP´11 (3era edición)
ORGANIZA: La Porta, con el apoyo de Departament de Cultura i Mitjans de
Comunicació – Generalitat de Catalunya, Institut de Cultura de Barcelona – Ajuntament
de Barcelona
Con la colaboración del Mercat de les Flors, el CCCB y La Poderosa
PAIS: Barcelona – España
FECHAS: del 4 al 27 de marzo 2011
WEBSITE: http://laportabcn.com
FACEBOOK: grupo Festival LP´11
TWITTER: La Porta Barcelona
BLOG: http://www.tea-tron.com/laporta/blog/
EMAIL: [email protected]
Durante el próximo mes de marzo se presentará la 3era edición del Festival LP.
Éste es un festival bianual que se concibe como un espacio de “exposición” en el sentido
de mostrar y dar a conocer propuestas que ponen en juego la creación actual alrededor
del cuerpo, el movimiento y la acción. Para ello estarán en escena artistas como Paz Rojo,
Mauricio González, Juan Domínguez, Bea Fernández, Nicola Unger, Cristina Blanco,
entre otros.
LP tiene la particularidad que, en cada edición, se cuestione tanto su formato
como su sentido (¿por qué?, ¿para qué? y especialmente ¿para quién?). Así surge la
pregunta ¿qué queremos entender como danza o escena? muestra de esta búsqueda son
los spots publicitarios de la 1era (2007), 2da (2009) y ahora 3era edición (2011), cada
uno con personalidad propia.
[41]
El Festival LP busca situarse más allá de valoraciones estéticas y de categorías, de
cuantificaciones, de indicadores de contemporaneidad e índices de audiencia. Para el
equipo de La Porta la asimilación de la obra artística va más allá del consumo de un
producto y el espectador es mucho más que simple consumidor medible a través de la
asistencia a un evento o el pago de una entrada.
Preferimos aprovechar ciertas fuentes, acercarnos a conocer mejor el trabajo de
creadores que consideramos esenciales. LP pretende tomarse el tiempo para verlos y
escucharlos, para dejarse ocupar por su sensibilidad, sus preocupaciones, intereses y
obsesiones. Darnos y dar al público la oportunidad de entrar en contacto desde el propio
cuerpo, más allá de los ojos.
Ahora más que nunca, queremos seguir abriendo espacios de visibilidad para lo
específico, para lo no comercial, para todo aquello que se atreve a hablarnos de tú a tú y
dejarnos suspendidos.
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Kenji Nakama - Fotografía Tania Cordero para Colaboratorio Arte ©Colaboratorio Arte
NOMBRE DEL PROYECTO: Próxima muestra del artista Kenji Nakama
ARTISTA: Kenji Nakama
CURADOR: Renzo Copello
INAUGURACIÓN: 19 de Mayo, Galería Lucía de la Puente
PAIS: Perú
AÑO: 2011
CONTACTO: facebook.com/kenji.nakama
Hace aproximadamente un mes y medio atrás, durante mi viaje al Perú, visité el
taller del artista Kenji Nakama quien comparte espacio con las también artistas Ana
Barbosa (Anat Ropa) y Vanessa Webber. Al ingresar al taller se pueden observar
pequeños espacios donde cada artista realiza “su magia”. Llegamos a un gran espacio
iluminado por un gran ventanal y coronado por montañas grises formadas por revistas y
periódicos, todos elementos reciclados.
Kenji trabaja desde el año 2007 en la investigación y creación de
espacios/paisajes pictóricos tomando como referencia la desfragmentación de la luz en la
televisión. Resultado de esto son series como PLANÉSTATICA, NUEVA
NATURALEZA y LA PROLONGACIÓN DEL ESPACIO.
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En PANGEA, su primera individual también en la Galería Lucía de la Puente,
forman parte de la muestra una serie de collages y montajes que muy posiblemente son el
punto de partida para esta segunda individual.
Para esta segunda individual Kenji nos prepara una serie de montajes utilizando
elementos reciclados como revistas y periódicos, formando figuras orgánicas
voluminosas; a modo de montañas o nódulos de aproximadamente 70x100 buscando
generar una reflexión acerca de las sociedades de consumo, los productos “mass media” y
la gran cantidad de información a la que tenemos acceso.*
No se pierdan esta interesante exposición que va desde el 19 de Mayo en la
Galería Lucia de la Puente Barranco.
*Cuando visitamos el taller de Kenji las obras aun estaban en estado de “gestación”.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: Diagramer
INTEGRANTES: Riccardo Attanasio and Johanne Timm
PAIS: Germany
AÑO: 2010
EMAIL: [email protected]
WEBSITE/BLOG: http://www.flickr.com/photos/actionentropy/
La performance inicia mostrando un dibujo hecho usando cinta negra adhiriéndola a una
cortina de color blanco opaco situada a modo de fondo de la escena.
El camino o figuras que forman las líneas serán seguidos por movimientos ejecutados por
el performer que representan el dibujo.
El movimiento hará énfasis en la dirección y grosor de la línea.
Los artistas buscan desarrollar con la performance una metáfora entre la línea negro sobre
el fondo blanco y el movimiento del interno del performer movimiento. Buscan llevarnos
a jugar con el movimiento interno de una vertical,
horizontal línea o diagonal. Para visualizar este y otros videos puedes hacer click en
http://www.youtube.com/user/matlakas#p/a/u/0/fGvatjUa0U4link
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: BOTTOM -Pintura Teatro-
ARTISTA: Pi Piquer
EMAIL: [email protected]
PAIS: España
AÑO: 2011
WEBSITE: http://pipiquer.wordpress.com/
Pi piquer empieza a hacer graffitis y comics en el año 1984, y este mismo año
entra como colaboradora de la revista El Vibora, donde estará en la redacción junto a
todos los dibujantes que entonces participaban de la revista… y durante la noche saldrá a
graffitear las calles de Barcelona con el grupo Kukufruts, del cual es cofundadora.
En 1985, entra a ralizar estudios de pintura en la escuela de Massana, dodne
estudia cinco años. Al mismo tiempo entra a trabajar a Televisión Española, a pintar
escenografías de varios programas, siendo PLASTIC -un programa cultural de gran
audiencia- uno de los más destacados.
En 1990 finaliza sus estudios de pintura y entra en el Instituto del Teatre, en la
especialidad de escenografía. Paralelamente trabaja haciendo varias colaboraciones de
escenografía y vestuario en montajes profesionales y dando talleres de pintura y graffitis
en diferentes barrios.
En 1994 participa en el musical Golfus de Roma, bajo la dirección Mario Gas; y
se va de gira por toda España durante un año y medio. Al regreso inaugura un local/sala
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de exposiciones en el corazón del barrio del Raval - Barcelona, en el espai Hamam,
donde duante catorce años realiza y exhibe su obra pictórica.
Pi Piquer es una artista totalmente autogestionada, que nunca ha recibido ningún
tipo de ayuda institucional para llevar sus proyectos adelante. Es el propio publico de Pi
que, con la adquisición de sus pinturas; colabora con la financición de sus proyectos.
Este año Pi nos presenta el espectáculo BOTTOM –Pintura Teatro- , espectáculo
visual inspirado en el libro El fin del mundo como obra de arte, de Rafael Argullol;
plateándonos una escenificación plástica de una idea, siendo la printura su principal
protagonista. A través de ella nos cuenta un viaje totalmente pictórico, desde su origen
hasta su decostrucción como parte del proceso para seguir buscando el camino de la
escencia.
Un viaje hacia el fondo de la pintura, al lugar dodne nace el impulso que nos lleva
a pintar en la vida. El enigma. Desde la búsqueda del pigmento hasta el momento en el
que hay que destruir lo pintado para seguir buscando, desde la nada.
Realizará pinturas en directo en ocho escenas, apoyadas por elementos de
videocreación. Concebidas como cuadros pláticos consecutivos, las escenas transportarán
al espectador a un vaje hacia todo aquello que rodea el mundo de la pintura.
Cuando el público abandone la sala se encontrará dentor de una exposición, d ela
que vivido su realización con complicidad.
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Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: Galería del Grabado “Persa Bio-Bio”
INTEGRANTES: Miembros de talleres de Grabado TAV de Santiago de Chile - Chile y el Taller Kimkilen
de Lima- Perú
PAISDEL EVENTO: Chile
AÑO: 2011
WEBSITE: http://galeriagrabadopersabiobio.blogspot.com/
El 4 de junio se inauguró la Galería del Grabado “Persa Bio-Bio”, ubicada en el
antiguo Barrio Franklin en Santiago de Chile. Este proyecto es organizado por los talleres
de Grabado TAV de Santiago de Chile y el Taller Kimkilen de Lima- Perú, la iniciativa
es de Campana y Marco Duran, artistas chilenos con amplia experiencia en el campo de
la edición de grabados y dirección de proyectos artísticos. Los miembros del Taller
Kimkilen han pertenecido al TAV y desarrollado proyectos gráficos entre artistas de
ambos países. Nuestro objetivo principal es ofrecer grabados de connotados artistas al
alcance de todos las clases sociales, diferenciándonos de una galería de arte comercial,
donde suelen estar tres veces más del precio de las obras que exhibimos en este espacio.
Así, hemos elegido la fabrica que pertenecía a una curtiembre que fue paralizada en el
año 73 a raíz del desequilibrio social y económico que produjo la dictadura del 73,
muchas fabricas cerraron, disolviendo los sindicatos de trabajadores, dando termino de
grandes fabricas que agrupaban a trabajadores y que se constituían un claro peligro
[48]
para el régimen militar.
El famoso Barrio Franklin es un lugar periférico que bordea la ciudad entregando toda
una cultura del mercadeo de pulgas, esto hace aún más interesante el visitar esta
propuesta puesto que para llegar al stand se debe recorrer la ciudad, caminar, ver, analizar
llenando al visitan de de una riqueza cultural y de un imaginario que nos entrega esta
comuna de Santiago.
Es por ello que ambos talleres se unen para hacer accesible el arte grafico al usuario que
busca encontrar algo diferente y único entre la amplia diversidad de productos que
podemos comprar. Entre los artistas chilenos y peruanos encontramos a: Carlos Donaire,
Campana, Carolina Salinas, Tatiana Vukasovic, Guillermo Frommer, entre muchos otros
artistas que participan de nuestro proyecto.
La paica del grabado, término que en Chile significa el lugar donde encuentras cosas a
bajos precios y de ocasión, se ubica en el Sector 8 de la antigua Fábrica, se ingresa por
Víctor Manuel con Placer o por Víctor Manuel con Bio- Bio. El evento se realizó todos
los fines de semana hasta el mes de diciembre 2011.
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Fotografía Adriana Cordero para Colaboratorio Arte ©Colaboratorio Arte
PROYECTO: Una familia de artistas.
PAIS: Perú
AÑO: 2011
WEBSITE:
José: http://www.josepuma.blogspot.com/
Luis: http://www.flickr.com/photos/luis_mendoza_puma/
Hace unos meses durante mi viaje a Lima-Perú conocí a Luis Mendoza Puma, un
joven artista estudiante de la Escuela de Bellas Artes de Lima.
Luis proviene de una familia de artistas. Fernando; su padre, vino de Cajamarca a
Lima y es aquí donde tiene su primer contacto con la pintura fabricando grandes carteles
pintados con soplete para un famoso parque de diversiones llamado Play Land Park.
Poco a poco le fue tomando cariño a este arte y decidió que sería su profesión. Fernando
es ahora un artista autodidacta especializado en bodegones.
La pasión por el arte fue transmitida sus hijos José y Luis. Éste me cuenta que
solía entrar al taller del padre para hacer sus experimentos con pinturas. Con el tiempo
cada uno ha desarrollado un lenguaje propio. José toca temas abstractos experimentando
con texturas como la arena. Luis trabaja el estilo figurativo y representa fielmente
paisajes y personajes.
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Los tres comparten un taller/casa ubicado en la playa Santa Rosa en el “sur chico”
de Lima.
Para los interesados en adquirir sus obras los pueden ubicar en:
Luis [email protected]
Casa: 231-5978
Celular: 992402242
Jose [email protected]
Tlf: 231-5978
Celular: 997179462
Es importante mencionar que pueden hacer cuadros de paisajes, personas o temas a
pedido.
[51]
Fotografía archivo del proyecto
NOMBRE DEL PROYECTO: XTREDAN
INTEGRANTE: Dante Izaguirre Córdova
PAIS: Perú
AÑO: Activo desde 2004
EMAIL:
WEBSITE/BLOG:
www.myspace.com/xtredan
http://danteizaguirre.blogspot.com/
APOYO: Sello Independiente ChipMusik Records www.myspace.com/chipmusikrecords
El proyecto XTREDAN, nace el 2004 con la primera experimentación sonora y el
uso de herramientas tecnológicas bajo el uso de una computadora y el uso de software
aplicado a creación sonora. El lanzamiento fue con la colaboración del disco triple
Mixtape del sello independiente Internerd Records, en el cual participan muchos
proyectos de Lima y provincias.
El año 2009 se publica Dante su primer Ep bajo es sello ChipMusik Records
titulado Fly, el disco fue en formato virtual y de libre descarga, contiene 5 tracks
(http://www.archive.org/details/chmr-Ep002Xtredan-Fly).
En ese año empieza a participar con más constancia en presentaciones en diversos
lugares de la capital, como la Casa Ida, Escuelab, Centros Culturales entre otros.
[52]
Mis trabajos han sido publicados en otros medios de difusión como el Netlabel
Dorog Records (Lima Perú) que público un disco con mis primeras experimentaciones
Lado A Dios Matemático, Lado B Tren toxico Lima Oroya. Y en Discos Invisibles
Records Tijuana Baja California MÉXICO en un compilado que alberga artistas
netamente de la ciudad de La Oroya.
En el 2010 publica su primer disco en forma CD la presentación fue en La Casa
Ida, del mismo modo se ha editado y producido una cantidad mínima en formato CD de
conciertos y presentación “live set”.
Mi trabajo como productor se inicio junto al sello chipmusik records, el cual es
de género independiente y con el cual se ha producido, editado y publicado discos de
manera constante. Actualmente se viene trabajando también en edición de videos,
tenemos ya muchos artistas residentes dentro del sello con los cuales estamos trabajando
y produciendo sus discos, y contactos para presentaciones.
De manera personal Dante participa junto a muchos otros artistas de diversos
géneros organizando y agrupando entidades culturales independientes que tienen como
objetivo principal el fortalecimiento y la consolidación del rol de la cultura en la
sociedad, buscando conectar este potencial a dinámicas sociales, fortaleciendo procesos
de desarrollo comunitario.
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Fotografía archivo del artista
NOMBRE DEL PROYECTO: INHABITAT
INTEGRANTE: Melissa Matias
PAIS: Perú
AÑO: 2011
WEBSITE: http://www.melissamatias.com/
Con la propuesta INHABITAT, la artista Melisa Matias busca construir un lugar donde
coexistan la especie humana y la vegetal, utilizando moldes y estructuras orgánicas que
simulan la reproducción: raíces, troncos, ramas, hojas y semillas, a través de las cuales el
hombre es representado como un ser dentro de su contexto comprometido con el espacio
y la naturaleza.
En la naturaleza, ningún organismo es completamente autosuficiente. Todos dependen
unos de otros y del entorno ecológico para sobrevivir. Cada organismo en una comunidad
desempeña un ciclo específico de reproducción que asegura la persistencia de su especie.
Allí, el hábitat es un lugar compartido donde un organismo vive y halla lo que necesita
para sobrevivir: refugio, tierra, aire, agua, alimento y espacio. Es una unidad donde se
percibe la relación y reciprocidad (espacio-cuerpo-desenvolvimientos) entre las especies
con la naturaleza.
Contrariamente, la especie humana vive en espacio artificial (ciudad) construido por
filtros culturales mediáticos con la finalidad de alejarnos de la experiencia con el mundo
natural. En la ciudad el hábitat natural se convierte en un hábitat cultural dominante
[54]
donde se perciben imágenes y pixeles en lugar de plantas y materia orgánica. Esta
experiencia iconográfica desarmoniza al hombre con su entorno natural.
En la propuesta visual INHABITAT será el lugar donde coexistirán la especie humana y
vegetal (espacio-cuerpo-materia orgánica), es donde se constituirá el ser mediante moldes
y estructuras orgánicas que simularán el ciclo de reproducción: raíces, troncos, hojas,
frutos, semillas en la naturaleza. Allí, el hombre será representado como un ser del
conjunto, estará comprometido con el espacio y se vinculará con la especie vegetal. Esta
conexión se visualizará mediante la simbolización del proceso vital de reproducción
desde semilla.
El hábitat será el lugar integrador del cual nosotros le pertenecemos, se construirá
mediante el ritmo y la composición de las fibras vegetales. Y mediante la instalación de
las trasferencias graficas obtenidas desde el papel vegetal
Mi objetivo es involucrar al hombre con la naturaleza mediante la simbolización del
proceso del crecimiento natural desde la semilla. El origen de la semilla representa el
proceso vital de reproducción y su germinación simboliza la reciprocidad en la
naturaleza.
Los materiales para elaborar la propuesta visual son fibras vegetales que provienen de
algunas plantas Amazónicas. Se derivan de: los tallos (palmera de aguaje) y las hojas
(chambira, pijuayo). La mayoría de estas fibras se utilizan en la textilería y artesanía de
los nativos para expresar su respeto por el entorno natural. Mi intención es valorar la
riqueza natural y cultural de la Amazonia Peruana.
Sobre Melissa podemos decir que nació en Huánuco, Tingo María – Perú en 1986. Es
egresada de la Facultad de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú
y la Escuela Superior de Bellas Artes de Le Mans, Francia. Fue galardonada con el
Premio Adolfo Winternitz y el IV Concurso de Grabado en la ciudad de Orduña,
España. Viene realizando exposiciones individuales y colectivas desde el año 2008 tanto
en Chile, Brasil México, Colombia y Perú.
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Fotografía archivo del artista
NOMBRE DEL PROYECTO: Trovadores de Tela y Papel
INTEGRANTES: Colectivo “Dedal y Papel”, integrado por María Arribasplata
Gonzáles y Claudia García Pereira.
María Arribasplata Gonzáles – La Casa de las Luciérnagas es un espacio para que
habiten las creaciones que pueblan los sueños; Moradores y Viajantes, personajes
fantásticos que buscan reflejar la calma y equilibrio que todo ser humano necesita; que
ahora son concretizados en tela, hilos, tinta y papel esperando llenar los días de magia y
color.
Claudia García Pereira – Prístino - En el mundo de Prístino se construyen
“atrapasueños” para dejar volar la imaginación e inventar cuentos. Son cuentos para
colgar que relatan una historia con la idea de dejarla abierta para que quien se apropie de
alguno de ellos, vuelque su imaginación y la continúe, la transforme o cree una nueva a
partir de los personajes y ambientes elaborados con tela y materiales afines.
Una primera exposición se realizará en la ciudad de Trujillo, entre octubre de este año.
PAIS: Perú
AÑO: 2011 – 2012
WEBSITE: http://www.trovadoresdetelaypapel.blogspot.com/
EMAIL: [email protected]
El colectivo Dedal y Papel, nace del encuentro de la magia e imaginación en el
trabajo de María y Claudia. Un mundo onírico que han desarrollado al compartir sus
vivencias. Ambas, cada una con su propia identidad La Casa de las Luciérnagas (María)
y Prístino (Claudia) se unen para presentar una propuesta cuyo tema es la magia e
imaginación para interactuar con el público. A esta propuesta la han llamado Trovadores
de Tela y Papel. Creemos en la magia y queremos que forme parte de la vida cotidiana
de la gente. A través de Trovadores de Tela y Papel –personajes, elementos y contexto –
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se busca que las personas exploren su mundo interior y despierten la imaginación
construyendo su propia historia a partir del trabajo presentado. Hoy en día, la vida está
muy agitada, transita a pasos ligeros y no nos permite detenernos para encontrarnos con
nuestro mundo onírico, por lo que el trabajo de Dedal y Papel invita a los visitantes a
superar las limitaciones que le ponemos a la creatividad mientras vamos creciendo.
Cuando más dura es la realidad de los niños más pronto pierden la capacidad de imaginar
y crear. Trovadores de Tela y Papel, es un proyecto que intenta llevar a todo lugar
posible, las historias y personajes del colectivo Dedal y Papel.
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Fotografía archivo del artista
NOMBRE DEL PROYECTO: Mielomeningocele
ARTISTA: Valeria Aste Pastor
PAIS: Perú
AÑO: 2011
EMAIL: [email protected]
WEBSITE: http://valeriaaste.wordpress.com/
APOYO: por parte de una empresa privada peruana.
TEXTO: Valeria Aste Pastor
Empecé mi proyecto sobre la eutanasia como punto de interés y partida, pero
durante mi investigación sobre el tema descubrí que en Holanda la eutanasia también se
practicaba en recién nacidos con malformaciones. Es decir, niños ya nacidos son
asesinados no por sus problemas, no por ayudarlos a no sufrir, no por piedad hacia
ellos, sino para ahorrar problemas a otros.
Según mis fuentes de investigación se estima que alrededor de 15 recién nacidos
con malformaciones reciben la eutanasia anualmente.
Según esta opción de eliminar a los niños “no perfectos” yo tendría que haber
sido eliminada luego de nacer.
Por estar directamente vinculada con el tema, siento una gran indignación sobre
lo que está sucediendo. Rechazo totalmente la eutanasia practicada en un ser tan
indefenso como lo es un recién nacido; sobre todo en los casos en los que los pediatras
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provocan la muerte por medios activos, decidiendo con la familia sobre su vida mientras
el “ya nacido” no puede opinar aun.
Decidí trabajar sobre mi vida utilizando el objeto-encontrado, o mejor dicho mis
pertenencias. Pertenencias de temas clínicos pero también objetos comunes al uso y vivir
de todos. Mostrarla de varias formas, no mejor ni peor y por lo tanto merecedora de
existencia como cualquiera.
Utilicé el medio de instalación. Puse un texto como medio para conducir mi
proyecto, que ponga al espectador en el contexto que necesitamos y lo conduzca por 13
obras, y un texto final que lo rete a tener un punto de vista claro.
Quiero que el espectador más que tener certezas sobre lo que debe ser la vida, se
cuestione, y al responderse el mismo estas incógnitas, tenga las herramientas suficientes
para criticar las situaciones a las que ha llegado esta sociedad en su afán por el
perfeccionismo.
A partir de la obra mostrada, por ser autobiográfica, quisiera también que el
espectador pueda juzgar al final de enterarse de mi vida, si Valeria Aste Pastor es o no
normal, que significa eso, si sufrió más de lo que debería y sobretodo: si debería vivir o
no.
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Fotografía archivo del artista
NOMBRE DEL PROYECTO: Aeropanche
ARTISTA: Carlos Trilleras
PAIS: Colombia
AÑO: 2011
EMAIL: [email protected]
Aeropanche es un proyecto que nace con la necesidad de romper con la
monotonía. Su nombre lo componen dos palabras: “ aero” de aerógrafo y
“panche” nombre de una tribu indígena habitantes gran parte del departamento de
Cundinamarca y Tolima - Colombia.
Las imágenes que componen este proyecto hacen referencia principalmente a culturas
indígenas: panches, emberas, nukak makuc, pijaos, guajiros entre otros. Se busca
reflejar problemas sociales como el desplazamiento, atropellos e invasiones así como
enseñanzas; con esto busco que además de crear una prenda crear un medio de
difusión. Las imágenes que componen los estampados son el resultado del estudio de
cada cultura, así gracias a mi conocimiento de sus rasgos físicos elaboro composiciones
particulares. El 80% de los diseños son de creación propia y el otro 20% imágenes de
internet intervenidas.
