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historia del arte
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TEMA 15 ARTE DEL SIGLO XX
1.- LA ARQUITECTURA DEL MOVIMIENTO MODERNO. RACIONALISMO: LE CORBU-SIER. ORGANICISMO: FRANK LLOYD WRIGHT.
2.- ESCULTURA: INNOVACIONES EN MATERIALES Y TÉCNICAS.
3.- LA PINTURA. LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS: FAUVISMO, CUBISMO, EXPRESIO-NISMO ALEMÁN, DADAÍSMO, SURREALISMO Y LA ABSTRACCIÓN.
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1.-LA ARQUITECTURA DEL MOVIMIENTO MODERNO: RACIONALISMO Le Corbusier) y ORGANICISMO (FrankLloyd Wright)
Hasta 1930 la arquitectura se divide en dos corrientes:
Europea RacionalismoArquitectos alemanes de La BauhausArquitectos holandeses del grupo De StjilArquitectos suizos: Le Corbusier
Norteamericana OrganicismoFrank Lloyd Wright
A partir de 1930 ambas corrientes se unen en el estilo internacional.
RACIONALISMO
Trata de adaptar las técnicas modernas de construcción a las necesidades funcionales del hombre moderno.
Según Le Corbusier, la casa se debe adaptar a la nueva civilización de máquinas y convertirse en una máquina para vivir.
Los edificios tienen una estructura severa y geométrica de hierro y hormigón armado.
Estos materiales resistentes permiten eliminar las paredes exteriores y sustituirlas por revestimientos de cristal.
Los edificios tienen volúmenes transparentes y la ornamentación se reduce al ritmo entre huecos y muros.
El desarrollo sistemático del movimiento racionalista se inicia en 1919, con la creación por Walter Gropius de la Escuela de Arquitectura y Artes Industriales,en Weimar, a la que llamó “Casa de la Construcción” o Bauhaus. Posteriormente se trasladó a Dessau, clausurándose el centro en 1933, cuando sus principales profesores tuvieron que emigrar a Estados Uni-dos huyendo del régimen nazi.
El primer edificio a estudiar de este estilo es la propia Escuela de Dessau.(“Bauhaus” .1925)
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Este edificio tiene una estructura de hormigón arma-do con mampostería de ladrillo.
Las cubiertas son de plancha metálica, las ventanas de vidrio de es-pejo y el revoque de la fachada es de cemento con un colorante mi-neral.
Este complejo universitario tenía tres bloques: talleres, aulario y residen-cia de estudiantes.
Los talleres son un cajón acristalado de 5 pisos; tenían imprenta, vivienda para el conserje, cuarto de calefacción, cocina, comedor, salón de exposiciones y salón de actos.
Este bloque se conectaba con el aulario mediante un puente de dos plantas en el que había despachos y el estudio de Gropius.
La residencia de estudiantes tenía 28 apartamentos independientes en 5 pi-sos.Gropius, en la Bauhaus de Dessau, se rodeó de arquitectos, escultores, pintores y decorado-res que diseñaron prototipos para fabricarlos en serie.
Produjeron casas unifamiliares prefabricadas en acero y cobre, con grandes ventanas de vidrio, que eran de coste barato.
Estas ideas serían seguidas por el grupo holandés De Stijl, que debe su nombre al periódico “El Estilo”.
Propugnaban la línea recta en el arte y eran admiradores del pintor Mondrian.
Reconstruyeron la arquitectura de su país tras la I Guerra Mundial: hicieron edificios cúbi-cos y desnudos.
En 1924, G.T.Rietveld diseñó la “Casa Schröder” en Utrecht, Holanda.
Rietveld era ebanista, joyero y el arquitecto más comprometido del grupo “De Stijl”.
Creó un nuevo tipo de casa urbana que sigue el módulo del m2 para cada elemento de la vivienda.
La fachada sigue los diseños de Mondrian: líneas severas y colores primarios.
En el interior había una planta transformable que podía despejarse totalmente si los propietarios lo deseaban.
Pero el gran divulgador del racionalismo fue Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret) (1887 – 1965).
Nació en Suiza y murió en Francia. Fue teórico, urbanista y arquitecto.
Tras la I Guerra Mundial se trasladó a París, donde conoció a las vanguardias artísticas.
Fundó la revista “L’Esprit Nouveau” en la que defendía una renovación arquitectóni-ca basada en la inspiración y el diseño eficaz de los ingenieros.
En 1923 publicó “Hacia una nueva arquitectura”, la obra del siglo XX en su género.
A mediados del siglo XX Le Corbusier era el profeta de la modernidad, mezclando su talento arquitectónico y propagandístico.
Como teórico, defiende el orden armónico en la arquitectura, regulada por un canon de proporciones humanas (en esto se parece a los clásicos). Así, crea el Modulador, que mide 2,16 metros y que aplica tanto en el diseño de edificios como en el de mobiliario.
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Diseñó el Palacio de las Naciones de Ginebra y, aunque no llegó a construirse, le sirvió co-mo promoción para sus encargos en Moscú.
En 1927 diseñó la “Villa Stern” Es un edificio de cuatro plantas; la 2ª y la 3ª tienen ventanales rectan-gulares dispuestos de forma continua.Destaca el estudio de las proporciones.No hay más decoración que la que dan las formas arquitectónicas fun-cionales.
En 1928 – 30 construyó la “Villa Saboya” (SM 467)Sigue sus principios del Racionalismo contenidos en su obra “Cinco puntos para una arqui-tectura” de 1.926:
Soportes sobre pilotes a distancia regularesAzoteas planas utilizables como jardínPlanta baja libreVentanas apaisadas y corridasEstructura de fachada libre e independiente del interior.
Como urbanista, concibió en 1922 un plan para la ciudad contemporánea de tres millones de habitantes. Tendría hileras de rascacielos aislados que convergerían hacia el centro, en el que estarían los edificios del poder y los comercios.
Entre los inmuebles habría 500 m. de zona verde.
Grandes avenidas conectarían estos barrios con el centro de la ciudad.
En 1958 se basó en este proyecto para diseñar “Chandigarh”, la capital del Punjab, en la India. En 1947 construyó el edificio de apartamentos llamado “Unité d’habita-
tion” en Marsella.Aquí desarrolló sus ideas sobre viviendas colectivas.
Es un gran prisma rectangular, separado del suelo por pilares de hormigón trapezoidales.
Las chimeneas de la terraza superior se curvan con ca-rácter escultórico.
En la fachada alternan terrazas y ventanas rectas que recuerda a la Escuela Holandesa de Mondrian.
El edificio tenía todos los servicios, incluso guarderías.Sirvió de modelo a muchos edificios del mundo.
1946 – 55 “Capilla de Notre Dame de Ronchamp”, París.A partir de los “50” Le Corbusier combina las líneas rectas con las curvas que le permite el uso del cemento que muchas veces deja sin pulimentar.
Es un edificio de planta irregular.Hay 3 salientes en las esquinas que simbolizan la Trinidad.La cubierta de hormigón del tejado recuerda a la quilla de un barco.
No se apoya en el muro de forma continua.El blanco de la fachada contrasta con las ventanas coloreadas.
En esta obra Le Corbusier parece influenciado por el organicismo de Wright.3
Parlamento
EL ORGANICISMO
Frank Lloyd Wright (1867 – 1959)
Es la figura más importante de este movimiento que surgió en los EEUU hacia 1930.
En estos años previos a la II Guerra Mundial, muchos arquitectos europeos emigrarían ha-cia América por el ascenso del fascismo en Europa (1922 Musolini y 1933 Hitler).
Este hecho, junto con la acción de arquitectos americanos como Wright, hizo que la arquitectura se volviera más innovadora.
Wright defendía dos principios en arquitectura:
El edificio debe estar en armonía con el paisaje. El cliente debe sentirse realizado entre las paredes del edificio.
Cada casa debe responder a las necesidades y modos de ser de quien habita en ella.Los edificios colectivos (oficinas, fábricas, centros culturales) deben hacer que sus usuarios las sientan como habitantes de ellos y no sólo como espectadores de los mismos.Para Wright, el respeto al entorno natural era fundamental en su arquitectura.Los edificios debían carecer de impacto medio-ambiental.En su obra hay dos etapas:
1ª etapa (1887 – 1909)Construyó casas familiares en urbanizaciones residenciales integradas en la natura-leza (“prairie houses”).
Estas viviendas tenías una chimenea central, y a partir de ella la vivienda se organiza en distintos ambientes de alturas distintas.
El volumen de la casa tiene forma de cruz de brazos desiguales.Esta estructura se ha comparado con las villas de Palladio.
Estos diseños tuvieron gran éxito, destacando la “Robie House”, construida en 1909.
Se trata de una vivienda de ladrillo rojo, construida en torno a dos ejes paralelos.
Tiene grandes planos en voladizo.Es el mejor ejemplo de “casa de la pradera”.
2ª etapa (1909 en adelante)A partir de 1909 la vida de Wright entró en crisis profesional y familiar. Tras una se-rie de divorcios y situaciones trágicas, su tercera esposa le ayudó a remontar su ca-rrera.
En 1936 construyó la “Casa de la Cascada”.Se trata de la “casa Kaufman”, construida junto a la caída de un río.
Wright hizo que los pisos se adaptaran a los desnive-les del suelo, y así un ala de la casa sobrevuela el río.
La armonía con la naturaleza es total y para ello se uti-lizó un aparejo rústico y madera.
Es el ejemplo más perfecto de la arquitectura orga-nicista.Wright no apreciaba el racionalismo de la Bauhaus y de los arquitectos europeos refugiados en EEUU, que reducían la arquitectura a cajas pri-máticas.
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La Casa de la Cascada está en el bosque de Pensilvania, junto al torrente Bear Run. Kaufman, su cliente, era dueño de unos grandes almacenes.Wright colocó la casa junto a la cascada, en el lugar que Kaufman solía descansar.Hubo dudas de los técnicos sobre si el hormigón resistiría el peso de los grandes voladizos.Wright consiguió su sueño de hacer la casa encima de la cascada.A partir de 1938, la casa se publicó en las revistas Life y Time, convirtiéndose en el modelo perfecto de casa moderna que conjuga la funcionalidad con el ideal de reposo, aislamiento y contacto con la naturaleza.A partir de entonces su figura se convirtió en una autoridad y tuvo muchos encargos.
En 1937 construyó la sede social de la “Compañía Jonson Wax en Wisconsin”
Construye una planta, dedicada a oficinas, en ladrillo, sin ventanas y sujeta por columnas delgadas que se abren al techo con forma de seta o paraguas.
El techo es traslúcido para que penetre la luz.
En 1943 recibió el encargo de proyectar el “Museo Solomon Guggenheim” en Nueva York.
Se construyó entre 1956 – 59.Tiene dos partes: la sala principal de exposiciones y
un edificio administrativo.Ambas son troncocónicas.
En la galería está la colección permanente de S.Gu-ggenheim, judío de origen suizo enriquecido en la minería. Esta galería es una espiral oblicua en rampa; su hueco central se cubre con una cúpula so-bre nervios. Los visitantes suben en ascensor al ático y desde allí inician la visita, descendiendo a pie, viendo las obras de cada zona y el conjunto al asomarse al gran área central .Wright alcanzó tal popularidad, que en 1969 Simon y Garfunkel le dedicaron su disco "Puente sobre aguas turbulentas", siendo n° 1 en las listas de ventas. (Casa de la Cascada)
2. ESCULTURA: INNOVACIONES EN MATERIALES Y TÉCNICAS.
La escultura del siglo XX se ve transformada por los conceptos del "hueco" y el movimiento mecánico o cinético.
Estas novedades plásticas suponen un derroche de nuevas iniciativas,entre las que destacan el empleo de nuevos materiales: alambre, chapa de hierro fundida y recor-tada y soldada industrialmente.
El hueco: consiste en introducir el vacío en la masa de la estatua que antes era un cuerpo sólido sin perforar.
El precursor de esta tendencia es el escultor ruso Alexander Archipenko
Alexander Archipenko (1887-1964) En 1908 Llego á París y comenzó á hacer esculturas cubistas.
En 1912 fundió en bronce "Mujer andando" La figura se configura por varios huecos rodeados de contornos sólidos.
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Las escultura cubista es continuada por dos españoles influidos por Picasso :
Julio González (1876-1942) y Pablo Gargallo (1881-1934)
Las esculturas cubistas de estos dos artistas que también fueron grandes herreros son de hierro fundido:
Julio González quiso "dibujar el espacio con hierro" en su obra, creando así obras abstractas, afiladas y abruptas, como su
"Mujer ante el espejo".
Pablo Gargallo mantuvo un arte más figurativo:"El Profeta" (1933) "El Arlequín" (1931)
El movimiento mecánico o cinetismo es la 2ª aportación de la escultura del siglo XX.
El movimiento se puede producir accionando el objeto manualmente, colocándole un motor o haciendo que se desplace por la fuerza del aire.
La obras del norteamericano Alexander Calder (1898-1976) son el mejor exponente de la escultura del siglo XX y del uso del movimiento.
La mayor parte de sus esculturas son móviles que en inglés serían "mobiles".
Son aéreos: pétalos, discos, palmas de materiales ligeros, unidos por varillas de alambre.
Se suspenden del techo y la brisa los mueve. Algunos hasta emiten sonidos.
“Mobile sobre dos planos” (1955)Según Calder, un "mobile" es una escultura abstracta, hecha de plan-chas de metal, tubo de acero, alambre y madera.
Sus componentes pueden moverse por electromotores el viento, el agua o manualmente.
Si funciona, un "mobile" es como la poesía, danza con alegría de vivir y sorprende.
Su obra más grande se encuentra en la terminal internacional del aeropuerto Kennedy de New York: son largas hojas metálicas en rojo y negro.
En 1937 realizó la “Fuente de Mercurio” que se encuentra en la Fundación Miró de Barcelona.
Se trata de un surtidor que vierte el mineral sobre 3 platos que actúan como vasos comunicantes.Se hizo para la exposición universal de París de 1937, la misma que presentó el Guernica de Picasso.
Henry Moore (1898 -1986)
Artista inglés, obtuvo fama a partir de la década de" los 50 ".
Su arte humanista se plasma en temas como: “Grupo familiar” , “Maternidad”, “Guerrero herido”...etc.
Trata las figuras como monumentales.
Su estilo se mueve entre la abstracción, la figuración y la semifiguración.
Es un artista original en el que predominan las formas redondeadas.
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3.- LA P I NTU R A. LAS V AN G UA R D I AS H I STÓ RI CAS: F AUV I SMO, CUB I S M O, EXP R ES I O - N I S M O A L E M ÁN, D A DAÍS M O, SU RR E A LI S M O Y L A ABST R ACC IÓ N.
En el breve espacio de veinte años, el período comprendido entre 1905 y 1924, París va a ser la cuna de las vanguardias artísticas.
Los vanguardistas proceden de Europa y América, son independientes y rebeldes frente al arte académico que respondía al gusto burgués.
Fueron tachados de extravagantes y malditos, pero ellos se burlaron de las críticas y del gusto burgués.
En 1905 aparecen el fauvismo y el expresionismo alemán. Pero "los ismos " cambian con rapidez:
1905……Fauvismo Matisse1905……Expresionismo alemán Kandinsky 1907……Cubismo Picasso1916……Dadaísmo Duchamp1924……Surrealismo Dalí1952……Abstracción Pollock
Sobre todo en sus primeros tiempos, podemos ver cómo algunos de éstos "ismos" solo du-ran "meses". Así, Un pintor puede pasar por varios de ellos a lo largo de su vida.
FAUVISMO: MATISSE (1869-1954)
Es la corriente pictórica que se basa en la mezcla y uso arbitrario de colores vivos.
En 1905 Matisse intervino en el Salón de Otoño de París; en la sala sexta expuso sus obras junto con Vlamink y Derain. Todas sus obras tenían un colorido salvaje.
Sus obras contrastaban con las "oficiales" escandalizando al público.
El critico Luis Vauxielles les calificó de fauves (= fieras) . Este apelativo gustó a los artistas que se lo adjudicaron.
Los fauvistas están unidos hasta 1906, después sólo Matisse se mostraría fiel al movi-miento fauve.
El estilo de Matisse simplifica el modelo, sus formas se convierten en zonas de color vivo, que no corresponden a la naturaleza real.
“La raya verde” (1909) Se trata de un retrato de su mujer a la que una línea verde cruza el rostro.
“La danza” (1904) Junto con los bodegones sevillanos esta obra muestra la influencia del Art .Nouveau y de los arabescos del arte musulmán.
En 1908 pinto "Armonía en rojo", también conocido como el mantel rojo.
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En el mantel y en el muro se repite el mismo motivo decorativo sin desta-car la separación entre ambos. Superponía o mezclaba los colores sin perder el equilibrio .Al final de su vida la artritis le impidió pintar y se refugió en hacer recorta-bles de colorido brillante, sustituyendo el pincel por las tijeras.
EL EXPRESIONISMO ALEMÁN: KANDINSKY
El expresionismo ha sido una constante en el arte alemán desde la Edad Media.
Trata de expresar emociones intensas distorsionando la forma y el color.
En 1905, cuatro estudiantes de arquitectura fundaron en Dresde "El puente".
Se trataba de crear un movimiento que uniera el pasado y el futuro del arte alemán.
No eran seguidores del Impresionismo que era el movimiento imperante en ese momento.
Valoraban el arte de las vidrieras góticas, las mascarás africanas, el arte de Matisse etc.
Se llamaron "Los nuevos salvajes". Utilizaban la técnica de la xilografía: grabados en madera con seres angus-
tiados. Las formas dramáticas parecen un preludio de la Primera Guerra Mundial.
En 1911, en Munich, surge el 2° grupo del expresionismo alemán, formado por Franc Marc y Vasily Kandinsky y se llamó "El jinete azul".
Vasily Kandinsky (1866-1944) En realidad es un pintor de origen ruso.
En 1910 pintó su "Primera acuarela abstracta".Se trataba de la representación de un paisaje, visto cabeza abajo.
A partir de aquí realizó varios cuadros sin tema, elaborados con manchas de colores sin contornos geométricos preci-sos.
Para Kandinsky, el problema de la forma era secundario en el arte. Defiende que hay que evadirse del realismo objetivo. Su pintura se llena de manchas de color y de signos gráficos a los que da un
valor emocional con los que quiere explicar su mundo interior. Su obra inicia el camino de la ABSTRACCIÓN.
En 1914, la I Guerra Mundial disuelve el grupo "El jinete azul”. El testigo lo recuperarán los pintores norteamericanos de finales de los años 40 al impo-ner el expresionismo abstracto.
Kandinsky fue también músico y teórico del arte. Realizaba comparaciones cromáticas (igualdad de colores) con los acordes musicales.
En 1917 regresó á Rusia y, tras el triunfo de la revolución, volvió a Alemania en 1921 con un estilo nuevo basado en el constructivismo geométrico de las vanguardias rusas.
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En 1933 emigró a París, donde vivió hasta su muerte (1944).
Sus últimas obras se acercan al surrealismo de Miró: elementos curvilíneos inspirados en formas biológicas: amebas, protozoos y seres microscópicos.
Los artistas abstractos acabarán prescindiendo de los elementos figurativos, sus formas y colores no pretenden representar la realidad visual, y combinan formas y colores de acuerdo con una visión interior y subjetiva.
EL CUBISMO: Pablo Picasso (1881-1973)
Nació en Málaga en 1881 y murió en Mongins (Francia) en 1973.
Es el pintor universal representativo del siglo XX.
Su obra representa la innovación del arte pictórico. Con él, la pintura cam-bia sus planteamientos estéticos y conceptuales de tal forma que se ha di-cho que su revolución artística es similar a la que Einstein hizo en la Física o Freud en la Psicología.
Su formación inicial fue académica, ya que su padre era profesor en la Es-cuela de Artes y Oficios de Málaga. Con él inició su aprendizaje que siguió en las Escuelas de la Coruña y Barcelona.
Se dice que a los 14 años pintaba como Rafael.
A los 16 pintó la obra "Ciencia y Caridad" y a los 19 decoró el café barcelonés de "Els Quatre Gats". Aquí asistía a la tertulia de Nonell, Eugenio D'órs, Miguel Utrillo y su íntimo amigo Sa-bartés.
La mayor parte de estos contertulios conocían los logros del Impresionismo y del Postimpresionismo y el Modernismo.
Toulouse Lautrec y Matisse serán los artistas que más le influyen en esta etapa ini-cial.
En las obras de esta 1ª juventud ya destacan el humanismo, la preocupación por los humil-des que aparece a lo largo de su vida y que formará parte de la temática de Picasso.
PERIODO AZUL (1901-1904) Sus obras de estos años reaccionan frente al Impresionismo.
Surgen unos tipos humanos, escuálidos, infelices y dolidos de su trágica con-dición existencial
"El guitarrista ciego" (1903).Es una obra importante de este periodo.
Las pinturas azules habían comenzado en dos retratos de 1896. En las tertulias modernistas comprendió el valor simbólico del azul: melancolía, tristeza que se completa con un dibujo nervioso y vivaz, muy expresivo.
En la época azul, Picasso, con 20 años retrata la desesperación, ve la vida con pesimismo y denuncia las miserias: mendigos, mujeres vencidas, ciegos trági-cos y figuras tristes.
Los tema más importantes de esta época son: circos ambulantes con sus ar-tistas pobres y trágicos, maternidades sin alegría, mendigos como en
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"El viejo judío".Es un dibujo severo, un cuadro austero con pocos elemen-tos, figuras descarnadas y alargadas en las que se observa la influencia de El Greco.
En 1904 se estableció en París, en un viejo edificio de Montmar-tre conocido como el Bateau Lavoir porque recordaba a las barcazas del Sena.
PERIODO ROSA (1905-1906) A finales de 1904 comenzó a abandonar la melancolía y sustituyó los tonos
azules por los rosados.
Hay cuadros de transición como "Los saltimbanquis" de 1905. Aparece de nuevo el tema circense, los colores son más suaves y las formas más flexibles.
El período rosa se relaciona con su relación con Feriaune Olivier desde 1904. Las formas de sus cuadros se endulzan y suavizan. El dibujo sigue siendo rápido y expresivo. Sigue el tema de los arlequines y personajes del mundo circense y teatral.
En 1906 conoce a Matisse y su obra enriquece los colores de su paleta. El mismo año presenció una exposición de Cezanne y conoció las máscaras africanas del museo del Hombre de París. También estudió los relieves ibéricos y el arte egipcio.
El verano de 1906 estuvo en Gasol, pueblo de Lérida, y comienza su experi-mento de geometrización de rostros y figuras. Será la base del cubismo.
CUBISMO (1906-1924) En 1907 completó "Las Señoritas de la calle de Avignon", conocida popular-
mente como "Las Demoiselles de Avignon". Representa a cinco prostitutas de un burdel, desnudas, exhibiéndose ante los clientes.
Los rostros de la izquierda se desfiguran, imitando a las máscaras africanas.
Los cuerpos se descomponen en bloques geométricos. La perspectiva se rompe por la superposición de planos diferentes, imposi-
bles de ser vistos así en la realidad. El cuadro escandalizó a sus amigos y Picasso lo arrinconó en su taller. A pesar de todo esta obra sentaba las bases del cubismo que cambiaría la his-toria del arte.
El cubismo descompone la imagen en estructuras poliédricas que reflejan, a la vez, varios puntos de vista. Las figuras, los objetos y el paisaje se reducen a formas geométricas, en especial cúbicas. Rompía totalmente con el arte tradi-cional, heredero del Quattrocento italiano.
En la etapa del cubismo (1907-1916) se distinguen es cubismo analítico (1907-1911) y el cubismo sintético (1912-1916).
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Cubismo analítico (1907-1911) Picasso se centra en el paisaje y en la figura humana.
Su método de trabajo consiste en descomponer geométrica-mente las formas y luego unirlas, mostrando los cuatro pla-nos en el lienzo:
"Paisajes de Horta de Ebro. La Fábrica" “Retrato de Ambroise Vollar"
Como esta vía lo alejaba de la realidad, la abandonó a partir de 1912 e inició el cubismo sintético basado en el collage.
Cubismo sintético (1912-1916) Se basa en el uso del collage, se incorporan objetos a las pinturas: recortes de
periódico, rejillas, partituras, etc. Estos elementos daban un punto de reali-dad frente a los dibujos analíticos, que aplicaba después sobre este soporte:
"Naturaleza muerta con asiento de rejilla" (1912). La silla es sustituida por un trozo de hule trenza-do.
Los cuadros de esta época son menos coloristas. Se evoluciona hacia el rechazo a la naturaleza y al final de la etapa sólo hay formas coloreadas en el espacio.
A partir de 1916 recuperó la figura humana y el color al diseñar los decora-dos y el vestuario de los ballets rusos de Diaghilev
Picasso no abandonó totalmente el cubismo, lo alternó con obras más realis-tas según conviniera al tema.
"Los tres músicos" (1921) Hizo dos versiones de este tema (Filadel-fia y Nueva York). Se dice que esta obra es un homenaje a sus amigos de la vanguardia Apollinaire y Max Jacob."La danza" (1925) Es el cuadro cubista más agresivo con el tema de las bailarinas de figu-ras distorsionadas.
Desde 1916 Picasso inicia una etapa más clásica. Un viaje a Italia le permitió conocer la obra de Rafael, Pompeya, el Renaci-miento y la obra antigua. Influyen en su pintura de las máscaras, de dibujo excepcional, que retrata la expresión, mientras que el resto apenas queda apuntado. Pinta también gran-des figuras en movimiento, de formas y líneas robustas, casi escultóricas.
A partir de 1925 Picasso cambia la temática de su obra, y algunos autores ha-blan de una etapa surrealista. Era admirador del teórico Bretón y de la obra de Miró, pero en sus cuadros da menos importancia al mundo de los sueños que los surrealistas.
En los años 20 y 30 le afecta el ascenso de los fascismos y también las conse-cuencias de la crisis del 29.
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Para Picasso la pintura es un conjunto de signos, como una metáfora con la que expresa las angustias de una época. Así su arte se vuelve también expresionista, aunque no se somete a las nor-mas de ningún movimiento.
En 1929 pintó "Mujer sentada a orillas del mar, De este tema sereno realiza una visión dramática como se ve en el rostro.
La Guerra Civil aumentó la tensión de Picasso que aparece en sus pinturas: En 1937 recibió el encargo de la República de pintar el pabe-llón español de la Exposición Universal de París. Para ello pintó el "Guernica".
Su antecedente fue el grabado que tituló "Sueño y mentira de Franco". El Guernica alude al bombardeo de esta localidad por la Legión Cóndor ale-
mana el 26 de Abril de 1937. Se trata de un mural que representa una vi-
sión dramática de la destrucción de un pueblo. La escena transcurre de noche y la bombilla y
la lámpara de la mujer iluminan la escena. El estilo vuelve a ser el cubismo. Retrata a unos pocos personajes: el guerrero descuartizado que empuña la
espada, la mujer que grita de dolor con su hijo muerto, el caballo agonizante, el toro. El mural carece de color, se usa el blanco y el negro.
Esta obra se relaciona también con el surrealismo por la alusión a las corri-das de toros, símbolo de España. Animales y personas sufren la violencia del bombardeo, lo que consigue que el espectador rechace todo tipo de violencia.Aunque el Guernica es un cuadro político, es también una obra maestra des-de el punto de vista del arte experimental.
Durante la II Guerra Mundial (1939-45) Picasso siguió realizando obras dra-máticas:
"Gato y pájaro" (1939) "Cráneo de buey” (1942)
A partir de 1945 Picasso realiza obras más optimistas con balcones abiertos al azul del Mediterrá- neo, palomas o temas pastoriles. Es la época de Antibes.
En los años 50 la guerra de Corea le provoca otros cuadros expresionistas (“Matanza en Corea”)
También en la década de los 50 realizó series de ho-menajes a los grandes maestros de la pintura, desta-cando "Las meninas", en honor a Velázquez.
Al final de su vida (1973) trabajó el grabado y la cerámica.
La obra de Picasso es un símbolo del siglo XX con el miedo y la angustia que las grandes guerras produjeron en la población.
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Picasso escribió: "El artista trabaja sobre sí mismo y su tiempo, trabaja para dar claridad ante sus contemporáneos y su conciencia de sí mismo y de su tiempo". Se trata de un nuevo humanismo que pinta el sufrimiento de la humanidad frente a la armonía del humanismo renacentista. Su obra es libre y abre nuevos caminos, aunque a lo largo de toda ella hay constantes: su compromiso con la época en que vive y su solidaridad con los humildes de cualquier lugar o momento…
DADAÍSMO
Se le califica de anti-arte, contrario a la belleza lógica y la sociedad establecida.
Se fundó el 8 -11 - 1916 en el cabaret Voltaire, de Zúrich, en el que se reunían artistas, polí-ticos exiliados y escritores, durante la II Guerra Mundial.
Eligieron el nombre al azar (dada = caballo de madera), al abrir un diccionario.
El precursor de este espíritu iconoclasta y humorístico fue el francés Marcel Duchamp.
Desde el punto de vista artístico, les interesa provocar el gusto tradicional y escanda-lizar.
Es un arte absurdo e irónico.
SURREALISMO
El surrealismo pictórico pretende visualizar el subconsciente del individuo en su estado puro, esto es, sin las trabas que le impone la razón y al margen de las represiones éticas y morales de los convencionalismos sociales.
El poeta francés André Bretón fue el fundador del movimiento en 1924, y pintores como Marx Ernst o Miró lo llevarán a la pintura, destacando en este ámbito la figura de Dalí.
Salvador Dalí (1887-1968) residió en su juventud en Madrid en la "Residencia de Estu-diantes", creada por la Institución Libre de Enseñanza.
Allí conoció a los poetas de "la generación del 27"; intimó con García Lorca y con el director de cine Luis Buñuel.
En 1929 viajó a París para rodar junto a Luis Buñuel Un perro andaluz. Allí entra en contacto con el Surrealismo y se adhiere a este movi-miento, que marcará sobre todo su primera etapa (1929 – 1945).
Destacan las formas alargadas descompuestas : "La persistencia de la memoria” (1931). En 1934 pintó "El retrato de Mae West".
En él se ven las imágenes dobles: el rostro de la actriz es a la vez el mobiliario de su salón.
En 1936 pintó "La premonición de la guerra civil" Dalí apoyaba al bando nacional, frente a sus compañeros de La Residencia que en su mayor parte apoyaban a la República. Incluso su más intimo ami-go, Federico García Lorca, moriría asesinado al iniciarse el conflicto. En esta obra presenta todos los elementos del surrealismo: alargamiento de las formas, espacios vacíos y metamorfosis.
En 1938 pintó "El enigma sin fin" Pertenece al grupo de cuadros con imágenes superpues-
tas: en esas obras el artista deja a la imaginación del espectador la posi-
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bilidad de establecer diversas lecturas interpretativas. Esta obra fue expuesta en 1939 en la galería de su representante en Nueva York, Julien Le-vy. En el catálogo se publicaron, de forma adicional, seis dibujos que explicaban la progresi-va descomposición de la imagen y sus interpretaciones posibles. La primera se refiere a la playa del Cabo de Creus, sobre el que se recorta una figura femen-ina vista de espaldas en el acto de coser una vela y arreglar el bote. La segunda, en cambio, es un filósofo reclinado que no tiene nada que ver con la anterior. La tercera se detiene en la descripción del rostro de un deficiente mental tuerto. Junto a és-ta, la cuarta posibilidad de lectura define a un animal, un galgo. La quinta, a un instrumento musical, una mandolina. La sexta, a un frutero con peras y dos higos sobre una mesa y, por último, la séptima, a un animal mitológico. En 1939, Andre Breton, jefe del surrealismo, le expulsó del movimiento por su descarada actitud mercantilista y su traición a los principios del movimiento.
En 1944 pinto el "Sueño provocado por el vuelo de una abeja" (1944)Se trata de uno de los numerosos cuadros en qué Gala es el elemento central del cuadro. Su desnudo, aparece bajo dos tigres, uno de los cuales sale de un pez. Sus últimas obras respondieron al estilo comercial y conservador que se correspondía con su actitud ante el arte.
ABSTRACCIÓN
Tras la 2ª Guerra Mundial, el centro artístico pasa a Nueva York, coincidiendo con la hege-monía política de Los Estados Unidos.
Aquí surgió el expresionismo abstracto representado por Pollock (1912) y que tiene como figuras importantes a De Kooning y Kline.
Jason Pollock (1912-56) Pollock, al igual que los surrealistas, también está influido por la práctica del
psicoanálisis que él realizó con Jung, discípulo de Freud.
En su obra el expresionismo abstracto se refleja en el uso del color extendido directamente sobre el lienzo; palos, llamas y cuchillos le sirven para pintar .
En lugar de usar la paleta y los pinceles, usa los elementos que acabamos de citar y, a veces, deja gotear la pintura sobre el cuadro, la aplica directamente con el tubo de óleo y pone empastes de arena, cristales rotos y otros materia-les.
El artista señala que no tiene un control total sobre la obra que va a realizar. No hay un proyecto previo acabado. En la realización de la obra va improvi-sando. En sus lienzos la pintura se extiende hasta el borde de la te-la que suele corresponder a obras de gran tamaño.
Muestra de su estilo son:“One” (1950) En las manchas se destaca el uso de color rojo y amarillo“Yellow Islands”
Aparece su estilo más personal en el que predomina el color negro.“Echo” (1951):
Esta obra mide mas de 5'5 metros de largo.
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Está pintada con la técnica del chorreo sobre un lienzo sin preparar. Durante la ejecución del cuadro Pollock se paraba alrededor del lienzo. Por los cuatro lados de la tela y en los arabescos de la pintura se pueden seguir los movimientos del brazo y del cuerpo a la hora de realizar la pin-tura.A este tipo de pintura se le llamo también "pintura de acción" o "pintura gestual".
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