ESTADO DEL ARTE

El proyecto que se detalla a continuación refiere al proceso de investigación y

realización de un producto audiovisual. La realización de este proyecto nace debido a

la perspectiva con la que se ha mirado el documental durante mucho tiempo,

específicamente su condición de relato objetivo, así como los recursos técnicos

empleados para su realización.

En esta investigación se versará acerca de la ambigüedad intersticial entre la realidad

y la ficción en la imagen cinematográfica; el desarrollo de una metodología para su

realización y el proceso de producción del mismo.

Serán empleadas teorías y recursos técnicos empleados para realización de ficción y

no ficción. Además de retomar de manera particular la animación no como un género

aparte sino como un recurso ya que esta es realizada bajo los mismo principios de la

producción de imágenes en movimiento para cine y video.

Este proyecto audiovisual pretende ofrecer al espectador más que placer estético o

realidad objetiva, su objetivo es proporcionar verdades visuales, compartiendo

experiencias propias y explotando el universo de otras personas. Para ello ha sido

necesaria una búsqueda de referencias audiovisuales cercanas a la ambiciones de este

proyecto a realizar.

Las referencias que se encuentran cercanas al tipo de producción que se pretende

llevar a cabo son las siguientes:

-RiP a remix manifeso. Director Brett Gaylor / 2008/

Documental que versa primordialmente acerca de cambiar el concepto del

“copyright”.

Este largometraje fue realizado en colaboración con cientos de personas que

contribuyen al “open source cinema” en la web.

La historia mediante la cual Gaylor desarrolla su argumento, esta basada en su

personaje principal Girl Talk, un productor de música electrónica especializado en el

mashup, técnica que consta de tomar fragmentos de canciones producidas

anteriormente para crear una nueva. Este documental es considerado referente directo

para el proyecto a realizar debido a su innovación en medios de distribución, el nivel

de convocatoria en su preproducción, producción y posproducción. Las técnicas

visuales empleadas en su realización son estéticamente atractivas y

comunicacionalmente funcionales, así como el valioso contenido y situaciones

análogas que se viven en la escena de música electrónica “bass” en México.

Documentación de eventos

Realización de entrevistas

Diseño de una identidad visual

Búsqueda y consulta de documentos escritos, visuales, audiovisuales y sonoros.

Empleo chroma key para la sustitución de un fondo por otro mediante un proceso digital.

Empleo de rotoscopía como recurso visual, para la animación cuadro por cuadro de imágenes

reales.

-Waking life./Director Richard Linklater /2006/ documental

Documental animado mediante rotoscopía que versa de filosofias, teorías de la vida y los

sueños. Esta película es parte aguas para la producción de documental animado. El empleo de

la técnica observará una notable evolución en el segundo filme del mismo director, Scanner

Darkly , 2008. Este documental y en general el trabajo de Linklater es referente para el

producto audiovisual a realizar debido no solo a la técnica de animación, sino por su

producción en general. A lo largo del filme se observan diversas gráficas, lo cual refleja la

labor de múltiples ilustradores y animadores en la realización.

- Waltz with Bashir. Director: Ari Folman / 2008 /Documental animado

Ari Folman narra, en clave autobiográfica, sobre la matanza de refugiados palestinos en Sabra y

Chatila (Líbano) en 1982. La historia se desarrolla a partir de la búsqueda de recuerdos

sepultados en su memoria. Este documental animado es referente debido al tratamiento de la

historia, la gráfica, fotografía y dirección de arte. Además de la contraposición de imagen real

e imagen animada en el final del largometraje.

-Persepolis/ Vincent Paronnaud, Marjane Satrapi/2007/animación

Es la historia autobiográfica de la iraní Marjane Satrapi, la historia de cómo creció bajo el 

régimen fundamentalista islámico. Son dibujos  animados en su totalidad y la historia esta 

basada  en  una  no  ficción.    Elegí  este  filme  como  referente  por  su  calidad  narrativa,  su 

estética, la solución gráfica  y el peso del contenido.

- Dub Echoes. /

Documental que versa de la historia, raíces y modos de expresión y difusión de la música dub.

Realizando entrevistas a los exponentes más representativos del género, así como

emprendiendo una búsqueda en los modos de distribución y lugares de expansión. Es un

referente importante en la realización del documental a realizar debido a que es a la fecha el

documental más reconocido de Dub ( un género de la música bass), en el mundo. El

documental características visuales

ANTECEDENTES

Es sabido que desde la génesis del cine al margen de la ficción teatralizada con Melies o la

visión más científico-documental de los Lumiere (1895), el cine ha puesto en evidencia

constante el grado de realidad o falsedad que gira en torno a las imágenes que nos brinda la

cámara. Es el 28 de diciembre de 1895 la primera exhibición pública del cinematógrafo,

presentando en esta proyección escenas cotidianas de obreros saliendo de una fábrica y La

llegada del tren a la estación de la Ciotat. De esta manera el cine fue presentando a la luz,

adherido indiscutiblemente al registro de escenas con un lugar en la historia y con un modo de

filmar que dirige el objetivo a captar lo que sucede en la realidad .

Documental

La animación

La Asociación Internacional del Cine de Animación defínia la animación hace casi 40 años

como:

“Toda creación cinematográfica realizada imagen por imagen. Se diferencia del cine de toma

directa por el hecho de proceder de una fuente mecánica generada por medios fotográfico, parte

de la creación en estudio de los objetos que serán proyectados en la pantalla. El cine de

animación crea imágenes por medios diferentes al registro automático. Los hechos que

aparecen en el cinede animación tienen lugar por primera vez cuando son proyectados en la

pantalla.”

Charles Salomon y Ron Stark definen en 1983 animación de la siguiente manera:

“El diccionario dice que animación es derivada de anima, el vocablo latino para referirse a

alma o espíritu; que el verbo animar significa literalmente dar vida a.”

Existe un punto inevitable en la búsqueda de las orígenes de la animación y ese punto es la

coincidencia con los antecedentes del cinematógrafo, ya que como ha sido mencionado en el

estado del arte, la animación no es considerada un género aparte de la ficción y el documental,

debido a que es realizada bajo los mismo principios de la producción de imágenes en

movimiento para cine o video, sea ficción o no ficción. Sin embargo la referencia más antigua

que se tiene de una proyección empleando una linterna es la encontrada en un texto de

Giovanni de la Fontana, donde se muestra la ilustración de un hombre sosteniendo una linterna

proyectando un demonio en medio de llamas. Estas linternas carecían de sistemas ópticos de

condensación de la luz lo cual provocaba una imagen con poca definición. Es Giovanni Battista

Della Porta (1538-1615) quien retoma los descubrimientos hechos por Da Vinci entorno a la

cama obscura y a su vez es el jesuita Atanasius Kircher quien retoma el sistema que crea

Battista agregando a este un sistema óptico que brindaba mayor definición. Thomas

Rasmunsen fue el primero en emplear el término “linternas mágicas” pero no fue hasta 1663

que John Reeves inicia su fabricación y venta, posteriormente se comienzan a dar shows

empleando “linternas mágicas” que como es de suponerse fueron volviéndose artefactos cada

vez más sofisticados, que servían para quehaceres educativos y entretenimiento, estos últimos

conocidos como horror shows o phantasmagoria shows. Los shows más representativos se

proyectaron en los años de 1793 y 1801.

Es en el año de 1825 después de estudios acerca de la persistencia retiniana y la Kinestesia fue

el primer artefacto capaz de crear la ilusión de animación, era un juguete que consistía en un

disco atado a 2 piezas de cable o hilo, cuando el disco se hace girar con los hilos, las imágenes

que se encuentran de ambos lados del disco parecen ante el ojo como una sola por el principio

de “persistencia de la visión”.

El Fenakistoscopio fue creado en 1832 por Joseph Plateau y fue la primera máquina que

realmente creaba la ilusión de movimiento fluido. El Fenakistoscopio es un disco giratorio que

contiene series de imágenes dibujadas y ventanas paraver que encuadran la visión del

espectador.

El Zoetropo de 1834 (rueda de la vida), es un cilindro giratorio que tiene pequeñas ranuras en

los lados, si el espectador observa por estas ranuras, podrá ver los dibujos que previamente han

sido colocados en el interior del Zoetropo en una tira de papel, entre más grande sea el diámetro

delcilindro, más larga es la animación que se ve.

El Praxinoscopio, creado por Emile Reynaud en1877, es un refinamiento del Zoetropo, las

ranurasson reemplazadas por espejos en el interior delcilindro y así cuando uno ve los espejos,

observa las imágenes reflejadas creando así la animación, incluso los mismos dibujos usados

para el Zoetropo podían ser adaptados para el Praxinoscopio. Después la siguiente ilusión de

movimiento y que inspiraría la invención de varios artefactos fueron los flip-books, o

kineógrafo de aproximadamente 1886 que son dibujos en orillas de libros o en pequeñas

libretas que al ser dibujados cuadro por cuadro y pasados rápidamente generarían la idea de

movimiento, inventado por John Barnes Linnet.

El 28 de Octubre de 1892 en el museo Grévin de Paris, Francia, Emile Reynaud7 exhibió

animaciones consistentes en circuitos de cerca de 500 cuadros, usando su theatre optique

(teatro óptico) similar en principio al proyector de cine moderno. En 1895 Thomas A. Edison

perfeccionaría una maquinaria para pasar flip-books llamado el Mudoscópio.

La forma “clásica” de animación, el dibujo animado, fue desarrollada cerca de 1900 y refinada

por Ub Iwerks, quien fue animador y dibujante, famoso por su trabajo para Walt Disney, junto

con quien creó a Mickey Mouse; esta forma de animación requiere hasta 24 cuadros por

Segundo.

La primer animación en película estándar fue Fantasmagorie por el director francés Émile

Courtet, proyectado por primera vez el 17 de agosto de 1908 en el teatro de Gímanse, en París.

Después, Émile Courtet fue a Fort Lee en Nueva Jersey cerca de la ciudad de Nueva York en

1912, donde trabajó para el estudio Eclair y difundió su técnica en los Estados Unidos.

Aunque en 1900 James Stuart Blackton, junto con la Edison Motion Picture Company filmaron

una de las primeras animaciones en stop motion. Titulada El Dibujo Encantado (The Enchanted

Drawing). Registrada en derechos de autor el 17 de noviembre de 1900.

La primer película animada de títeres fue El preciosoLukandia (The Beatiful Lukandia) de 1912

del director polaco Wladyslaw Starewicz .Gertie, El Dinosaurio de Winsor Mckay en 1914 fue

la primera película de personajes animados, trayendo a la vida un dinosaurio; como entonces no

se conocían procesos de animación, Mckay dibujó cuadro por cuadro la animación incluidos los

fondos.

Blanca Nieves y los Siete Enanos (Snow Whiteand the Seven Dwarfs) de 1937 de Walt Disney

es considerada como el primer largometraje animado,aun cuando otro largometraje con esta

técnica había sido producida antes: El Apóstol de 1917 del argentino Qurino Cristiani,

proyectado en Argentina. Un largometraje notable fue Las aventuras del Príncipe Achmed de

1926 del alemán Lotte Reiniger y el húngaro/francés Berthold Bartosch. Estos últimos dos

ejemplos fueron realizados en blanco y negro y mudos. Debido a que la animación era muy

demandante en cuestión de tiempo y muy cara de producir, la mayoría de los proyectos para

películas o television fueron producidos por estudios profesionales de animación, pero la

animación independiente ha existido al menos desde 1950, siendo producida por estudios

independientes y muchas veces por una sola persona. Bill Plympton es uno de los animadores

independientes más conocidos hoy en día, siendo ilustrador, sus dibujos son publicados por el

New York Times y The Village Voice y por varias revistas en forma de tiras cómicas. Plymton

es uno de los animadores independientes más importantes con varias producciones hechas por

él mismo . A partir del auge de la animación después de que Blanca Nieves ganara un Oscar

como mejor película, la animación se produjo por muchos estudios tanto para cine como para

televisión, con series y largometrajes, y con la aparición de la animación digital también se ha

fomentado la producción independiente a un nivel incluso casero y se ha difundido el uso de la

animación de forma institucional.

Técnicas de animación

Flip-books

Como se mencionó anteriormente el primer flipbook apareció en septiembre de 1868, cuando

fue patentado por John Barnes Linnet con el nombre de kineógrafo, los flip-books son una

forma muy sencilla de animar y el origen de la animación tradicional o por celdas, consisten en

cuadernillos donde una imagen es dibujada en cada página puestas en secuencia, al pasar

rápidamente las hojas del cuadernillo se crea la ilusión de movimiento con las imágenes que se

encuentran dibujadas en las páginas; debido a que se puede hacer una imagen de cada lado de

la hoja, se puede tener más de una animación por cuadernillo y también pasar las páginas en

reversa, haciéndolo un método muy divertido y barato de animar. La cuadrícula o líneas de las

hojas de la libreta es un buen método de registro para que los dibujos tengan secuencia y

alineación; las imágenes también pueden ser fotografiadas o escaneadas si se requiere que sean

difundidas por otros medios.

Dibujo en película (animación directa)

El creador más famoso de animación directa es Norman McLaren, quien es el primer

explorador de la técnica y la ha popularizado, en los tiempos en que comenzaba la Segunda

Guerra Mundial.

Es una técnica de animación que se produce creando imágenes directamente sobre la película,

en contrapunto a la animación tradicional donde las imágenes se crean en capas separadas de

acetatos antes de que se fotografíe la película. Se toma la película y se raya o pinta sobre ella

cuadro por cuadro. Existen varios estilos de animación por esta técnica, como animar sin usar

los cuadros de registro en los fotogramas o por el contrario usar el registro de fotogramas para

animar cuadro por cuadro, también se usan como medio de registro las perforaciones de la

película (sprockets) o se puede pintar en ella con pinturas acrílicas, acuarelas o afectando

directamente la película con un punzón, de la misma forma se puede pintar o rayar sobre el

registro de audio de la película creando efectos de sonido al ser proyectada; también se puede

variar la velocidad de los proyectores de 24 cuadros porsegundo a 18, de esta forma se puede

ahorrar película y costos. También es posible jugar con el sentido en que es proyectada la

película, ya que se puede colocar el proyector en reversa y que la animación tenga otra lectura.

Es recomendable usar película de 35 mm debido a que es mucho más grande que la de 16 mm y

permite una mayor libertad creativa.

Animación tradicional o por celdas

Es la forma más vieja e históricamente la más popular de animación. Es desde el siglo XIX la

técnica más empleada En una caricatura animada tradicionalmente, cada cuadro es dibujado a

mano. El proceso de animación fue mejorado debido al uso de acetatos transparentes o “capas

de cebolla”, para que los personajes pudieran moverse sin la necesidad de repintar el fondo en

cada cuadro.

Animación limitada

La animación limitada es una forma de producción que baja los costos y consiste en hacer

dibujos poco realistas, siendo pionero en el proceso el UPA(United Productions of America) y

popularizado por la casa productora Hanna-Barbera. La animación limitada es el proceso de

realizardibujos animados que sean poco realistas, los dibujos animados de Walt Disney en la

década de los 30 fueron aclamados por representar simulaciones animadas de realidad. La

animación limitada crea imágenes usando arte abstracto, simbolismo y movimiento limitado

para crear el mismo efecto, pero a un costo de producción mucho menor.

Este estilo de animación depende más de que la audiencia suspenda su pensamiento crítico y

pase errores por alto y que por sí misma complete la historia, de hecho, dicha historia existe

más en la imaginación del público. También alienta a los animadores a realizar productos más

artísticos y creativos, que no necesariamente estén delimitados por la realidad. El resultado es,

entonces, un nuevo estilo artístico que no hubiera podido ser desarrollado si la animación se

hubiera quedado con el concepto de sólo ser una simulación animada de la realidad. Sin la

animación limitada, películas como “El Submarino Amarillo” de 1968 y “La Línea y el Punto”

de 1965, donde una línease enamora de un punto y que gana el Oscar al mejor cortometraje

animado, jamás habrían sido producidas. En el proceso de animación limitada también se

permite duplicar celdas de animación, resultando en menos cuadros por segundo, lo cual se

refleja directamente en los costos de producción. Cuando una animación estándar tiene un

promedio de proyección de 24 cuadros por segundo y proyecciones en video, incluyendo video-

caseteras y reproductores de DVD que usan hasta 30 cuadros por segundo, caricaturas

producidas mediante el formato de animación limitada tienen 12, 8 o hasta 6 cuadros por

segundo. El número reducido de cuadros produce que la animación se vea torpe o que de el

efecto como que se traba, en contrapunto a la animación fluida de las producciones de mayor

calidad.

La animación limitada originalmente fue creada como un medio artístico, pero pronto se

esparció su uso como método para cortar presupuesto en vez de un método estético. El estudio

UPA (United Productions of America) hizo el primer esfuerzo para abandonar el método ultra

realista que perfeccionó Walt Disney. Su primer intento de animación no-realista, Gerald

Mcboing Boing ganó un Oscar en 1951 y causó entusiasmo por la animación limitada y que

ésta fuera aceptada por los grandes estudios productores de Hollywood, como la Warner Bros.

y MGM, siendo su verdadero atractivo los bajos costos de producción. Como la animación

limitada no pone gran énfasis en los detalles, es mucho más barata y rápida para producir. En

los años 50 la mayor parte de los estudios productores cambiaron su estilo a animación limitada

al punto de que el detalle en las animaciones casi desapareció.

Las técnicas de animación limitada fueron usadas durante las décadas de los 60 y 70 para

producir un gran número de caricaturas baratas, de baja calidad, llamadas Saturday Morning

Cartoons (caricaturasde sábado por la mañana) por compañías como Hanna-Barbera o

Filmation. Estas series de televisión se caracterizaban por su bajo presupuesto, con trucos de

cámara en lugar de animaciónreal. Un ejemplo es la serie de Marvel Super Heroes de 1966

dónde se usó el manejo de animación limitada como propuesta artística de animación,

permitiendo a dibujantes como Jack Kirby, dibujar pocos cuadros con la intención de tener más

detalle en el dibujo y que éste pareciera una historieta animada, basándose en los principios de

la kinestesia.

El documental animado

Algunos historiadores han situado el origen del documental animado en 1918, año en que el

pionero Winsor McCay realizó El hundimiento del Lusitania, The sinking of Lusitania,

recreación del ataque de un submarino alemán a un lujoso crucero Británico en el año de 1915,

el cual marcó la entrada de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y del que realmente

no se habían registrado imágenes documentales.

Siguiendo esta tradición en la animación y coincidiendo con el éxito de Nanook el esquimal,

Nanook of the North, de Flaherty en el año de 1922 considerado el primer documental de la

historia, los hermanos Fleischers (Max, Dave, Joe, y Lou), inventores, animadores y hábiles

comerciantes que rivalizaban con el poderoso Disney, produjeron el primer largometraje de

animación, el cual fue precisamente de no ficción: Einstein´s Theory of Relativity, en 1923.

Cabe mencionar que Max Fleischer cofundador de los Estudios Fleischer, es el inventor del

rotoscopío y por lo tanto la rotoscopía, técnica donde los animadores trazan movimiento real,

cuadro por cuadro, para ser usado en dibujos animados o delimitar un efecto especial para

películas. Originalmente una película pregrabada era proyectada en una pantalla y redibujada

por un animador. La rotoscopía es usada por los animadores como herramienta de referencia y

para optimizar el tiempo de animación.

En el terreno de la animación experimental, John y Faith Hubley realizaron diversos cortos

entre 1959 y 1973 que partían de la grabación de las voces de sus hijos, ha de reconocerse en

sus producciones la perfecta fusión entre imagen y banda sonora, este matrimonio funde en sus

cortos la perfección técnica-artística de John, desarrollada en los estudios de Disney y las ideas

innovadora y rebelder de Faith.

Peter Lord y David Sproxton fundaron Aardman a mediados de los años 1970, y han dedicado

buena parte de su filmografía a encontrar una expresión animada para esas derivas del habla

cotidiana que no suelen encontrarse en los estudios de doblaje: en sus series de cortos

Animated conversations (BBC, 1978) y Conversation pieces (Channel 4, 1982), las voces

grabadas de taquilleras de cine, pensionistas y presos inspiraban una sucesión de registros

animados.

Algunos ejemplos cercanos en el tiempo son Late Edition (Peter Lord y David Sproxton,

1983) sobre un hombre que trabaja en la última edición de una revista y que utiliza grabaciones

de gente y locaciones reales como bases. Grave of the fireflies (Isao Takahata, 1988) basada en

la novela del japonés Akiyuki Nosaka que narra su experiencia infantil en los bombardeos de

la segunda guerra, basado en hechos reales y personales. El corto Abductees (1995), de Paul

Vester, que recreaba testimonios de supuestos abducidos por extraterrestres.

Otros documentales animados son Waking life (2001), de Richard Linklater, con sus

diálogos filosóficos, o la autobiográfica Persépolis (2007), de Marjane Satrapi y Vincent

Paronnaud.

Vals con Bashir, 2008, de Goldman, recupera en clave autobiográfica, la matanza sucedida en

los campos de refugiados palestinos de Sabra y Chatila durante la guerra del Líbano.

Chicago 10, de Brett Morgen, sobre el juicio a los Siete de Chicago, es un punto de inflexión

en la historia de la contracultura americana.

En Truth has fallen (Sheila Sofian, 2009), se combina animación e imagen real, para denunciar

los casos de personas que han sido erróneamente encarcelados, mediante los recuerdos de esos

presuntos culpables.