Vladey 4 lo-fi

4ОСЕННИЕ ТОРГИ

МОСКВА/ 24 НОЯБРЯ 2014/ 20:30

Аукцион: Понедельник, 24 ноября 2014 в 20.30

Предаукционная выставка:

19-24 ноября12.00 – 22.00

ВИНЗАВОД4-й Сыромятнический переулок, 1

Москва

Аукционист - Владимир Овчаренко

ОСЕННИЕ ТОРГИ

1Владимир Марин (р. 1984)Зверушка 3, 2014металл, смешанная техника15 х 21 см

€ 200-300 (10,000-15,000 руб)

2Сергей Зарва (р. 1973)Мир, дружба, бабалгам, 2014бумага, масло, смешанная техника120 х 80 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

3Айдан Салахова (р. 1964)Без слов №1, 2014гранит30 х 42 х 10 см

€ 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)

4 *Сергей Шутов (р. 1955)Sky…sky, 2002холст, смешанная техника200 х 150 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)

Сергей Шутов в мастерской в Доме Наркомфина, фото: Евгения Филаткина

5 *Александр Виноградов (р. 1963)Владимир Дубосарский (р. 1964)Подарок из серии «Подводный мир», 2004холст, масло145 х 195 см

€ 30,000-35,000 (1,500,000-1,750,000 руб)

Александр Виноградов и Владимир Дубосарский начали работать совместно в 1994 году. Объясняя принцип работы их творческого дуэта, Владимир Дубосар-ский рассказывал: «Сценарий придумываем вместе. Один что-то вспомнил, дру-гой что-то добавил. Все обсуждается, что-то зарезается, что-то наоборот. Все складывается в совместном общении плюс четыре руки». Художники прошли путь от местной до мировой известности, а самый любимый городской молоде-жью российский писатель Виктор Пелевин, с согласия авторов, оформил один из своих романов иллюстрациями из их произведений. Их дуэт – едва ли не самый коммерчески успешный арт-проект в современном российском искусстве. А. Виноградов и В. Дубосарский делают свои работы очень красиво и предельно понятно, вследствие чего их многочисленные творения разительно контрасти-руют с новаторскими тенденциями актуального искусства. Не отказываясь от традиций советской живописи, они возрождают жанр монументального тема-тического полотна. Работы А. Виноградова и В. Дубосарского хранятся в круп-нейших мировых музеях, в том числе в Третьяковской галерее, в Русском музее, в Центре Помпиду (Париж), в Музее современного искусства (Авиньон), в Duke University Museum of Art (Дархэм, США). Неудивительно, что произведения А. А. Виноградова и В. Е. Дубосарского показывают стабильно высокие резуль-таты на торгах; рекорд был установлен на аукционе Phillips de Pury в Лондоне 22 июня 2007 года, когда работа А. Виноградова и В. Дубосарского «Ночной фитнес», созданная в 2004 году, была продана за 132 тысячи фунтов стерлингов.

Главный редактор «Художественного журнала» арт-критик Виктор Мизиано отмечал: «Есть в истории искусства особый тип художника, который может быть назван “художником поколения” или “художником эпохи”. Справедливости ради, можно оговорить, что такой художник отнюдь не обязательно является наиболее глубоким, неординарным и радикальным автором своего времени. “Художник эпохи” в первую очередь берет на себя иную функцию: в наиболее чистом виде, наиболее осознанно и программно он реализует господствующее умонастроение или то, что может быть названо воображаемым поколения. В контексте российской художественной жизни 90-х годов эту миссию реализова-ли в своей совместной работе Владимир Дубосарский и Александр Виноградов. Именно их творческий проект с исчерпывающей емкостью воплотил постсовет-скую эпоху – ее фантазмы, желания, заблуждения и противоречия». А. Виногра-дов и В. Дубосарский создали узнаваемый образ «лихих» 1990-х, а потом и «ста-бильных» нулевых. За два десятилетия именно на полотнах этих живописцев проявилось коллективное бессознательное постсоветского общества, его герои и фантомы, артикулированные и тайные желания. Художники иронично играют с клише массовой культуры, рекламными образами, создавая нового героя – пози-тивного и победоносного. Их веселые виртуальные фантазии обнажают способ современного мышления со всеми его парадоксальными изгибами. Все сказанное отчетливо проявляется в масштабном по своим размерам (почти полтора на два метра) полотне «Подводный мир». Мы видим пару, плавающую под водой, нарисованную в свойственной А. Виноградову и В. Дубосарскому ма-нере. На полотнах арт-дуэта часто присутствуют элементы популярной культуры и быта – и на этой работе в правом нижнем углу мы видим плавающий здесь же клубничный торт. Созерцая эту дышащую радостью и беззаботностью картину, забываешь о трудностях и проблемах, мысленно оказываясь на тропическом курорте, даже не уезжая в аэропорт.

6 *Сергей Волков (р. 1956)Get Well Soon из серии «Школьные доски», 1991-2010 гг.фанера, смешанная техника150 х 120 см

€ 15,000-18,000 (750,000-900,000 руб)

Сергей Волков получил известность на рубеже 1980–1990-х гг. как живописец, по характеру экспериментов в чем-то перекликающийся с ранним американ-ским поп-артом – в частности, с Раушенбергом, Джонсом и Дайном. Главный вопрос, который Волков поднимает в своих произведениях, – это то, как живо-писный или графический жест взаимодействует с окружающей действительно-стью, какое место он в ней занимает, насколько постоянен или эфемерен его сегодняшний статус. Размышления об эфемерности произведения искусства с особой силой воплотились у художника в его серии скульптур, склеенных из пыли. Представляемая работа из серии «Школьные доски» развивает ту же тему, однако в более спектакулярной форме. Волков работает здесь с психологией профанного восприятия искусства: изображение как таковое в данном случае не слишком важно – принципиален сам факт того, что довольно сложное, трудоем-кое произведение (в представленном примере его творчества это изображение танцующей пары) создается на основании, самой своей природой угрожаю-щем изображению. Исполненный мелом на школьной доске рисунок заведомо обречен на уничтожение. Кратковременность, обреченность, уязвимость любо-го авторского жеста, исполненного на подобном основании, предопределяют зрительское отношение к нему, пусть даже, как это в данном случае, работа надежно зафиксирована на доске.

7 *Иван Чуйков (р. 1935)Фрагмент пейзажа со светильником, 1998холст, масло, смешанная техника100 х 150 см

€ 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)

Вид экспозиции Ивана Чуйкова «Лабиринты», 2010, ММОМА ЕрмолаевскийCourtesy Regina Gallery, Moscow

Иван Чуйков пользуется репутацией одного из наиболее авторитетных пред-ставителей современного российского искусства. Пересекаясь в отдельных направлениях своей творческой деятельности с проблематикой московского концептуализма, Чуйков, однако, сделал основной областью своих интересов изучение природы живописного изображения. Картина, впрочем, интересует его не столько как самодостаточный замкнутый мир, сколько как результат взаи-модействия различных визуальных слоев, на стыках которых рождаются сегодня важнейшие художественные смыслы.

Иван Чуйков более пристально, чем кто-либо другой из отечественных авторов, анализирует внутреннее устройство и логику пространственной работы евро-пейской картины, критически переосмысливает с позиций сегодняшней худо-жественной оптики. Постоянно возвращаясь к ренессансной идее картины как об окне, за рамой которого простирается конечный, рационально выстроенный мир, художник противопоставляет ей иные варианты развития изображения, при которых иллюзорный мир живописного изображения то превращается в пластичную пленку, свободно растягивающуюся по любой поверхности (наи-более известным развитием этой идеи стала масштабная серия «Окон»), то сталкивается со стилистически чужеродными слоями, образуя парадоксальный пластический симбиоз. Чуйков неоднократно подчеркивает единство трехмер-ной реальности и изобразительной иллюзии. Одним из полемических жестов, указывающих на это единство, может рассматриваться представленная работа. Здесь художник бесцеремонно посягает на sancta sanctorum живописи, на само пространство картины, которое подвергается агрессивному вторжению чуже-родного предмета - светильника. Чуйков тем самым как бы вопрошает: если кар-тина это действительно окно в мир, так ли важно, что находится перед окном?

8 *Владислав Мамышев-Монро (1969-2013)Без названия, 2004холст, масло120 х 120 см

€ 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)

Ушедший год назад Мамышев-Монро при жизни сотрудничал практически со всеми актуальными галереями и институциями Москвы и Петербурга, а после его кончины Русский музей посвятил ему пер-сональную выставку. Среди его карнавально-эзоте-рических проектов особенно выделялись «Русские вопросы» (представленный в Русском музее в 1997 году). В марте 2006 года состоялась премьера ре-мейка культового советского фильма «Волга-Волга» с Владиславом Мамышевым-Монро в главной роли. Европейская пресса назвала авторов фильма «новы-ми дадаистами». Владислав Мамышев-Монро в этой картине воплотился в собственный идеал – актрису Любовь Орлову. В 2007 году фильм завоевал Пре-мию Кандинского в номинации «Медиапроект года».Кира Долинина, знакомая с Мамышевым-Монро еще со школьных лет, вспоминала: «Он был весел, добр к людям, красив и бесконечно талантлив. Он как вдохнул разреженный воздух постперестроечного ленинградского андерграунда, когда все вдруг стало можно и это все было легко и весело, так и жил в нем. Начав с Мэрилин Монро, он примерял на себя личины всех подряд: Гитлера, Жанны д'Арк, Усамы бен Ладена, Ивана-царевича, Ивана-дурачка, Данаи, Штирлица, жены Штирлица, Путина, Матвиенко, Любови Орловой, королевы Елизаветы и еще сотен персонажей. Целью этих переодеваний могли быть фотографии, видео- и киносъемки или просто визит на вернисаж либо прием. В образе он мог петь и танцевать, произносить монологи, даже играть целый спектакль, но это никогда не было насто-ящим театром. Он всегда оставался художником, избравшим на роль холста собственное лицо. Здесь было много гротеска, но куда больше было лобовых ударов по болевым точкам времени. С возрастом художника его герои становились все более убеди-тельны».

Рисовал Мамышев-Монро редко и мало, поэтому эта картина сама по себе представляет большой интерес. Упомянем, что второй вариант этой рабо-ты был недавно представлен в Петербурге в рам-ках десятой «Манифесты» – одной из крупнейших и наиболее влиятельных биеннале современного искусства. Картина поделена надвое. В верхней части представлена своего рода иллюстрация к русской народной сказке «Репка», опубликованной в 1863 году знаменитым исследователем фольклора А. Н. Афанасьевым в его сборнике «Народные рус-ские сказки». На сюжет «Репки» создано множество иллюстраций, не всегда безобидного характера. С. Н. Сергеев-Ценский так описывал одну из кари-катур времен Первой мировой войны: «Алексеев недоуменно взял журнал дрожащей рукой и не сразу смог отыскать глазами рисунок, развеселивший царя бойкостью, потому что рисунков на странице было три и изображали они известную с давних времен историю о репке, но применительно к современно-му положению в Европе. „Дед“, Франц Иосиф, будто бы посадив „репку“-войну, поливает ее из лейки, это был первый рисунок; „репка“-война выросла „боль-шая-пребольшая“, и „дедка“, Франц Иосиф, пятится от нее в испуге на карачках; а третий рисунок – реп-ку тянут Франц Иосиф, Вильгельм, султан Магомет V и Фердинанд болгарский, ухватясь один за другого, но „тянут-потянут, вытянуть не могут“, а „репка“ подмигивает им и скалит зубы». На первый взгляд непритязательный рисунок В. Ю. Мамышева-Монро на самом деле продолжает богатейшую культурную традицию. А в нижней части полотна изображены семеро членов семьи Романовых.

Владислав Мамышев-Монро, фото: Ксения Колесникова, © www.bg.ru

9 *Георгий Гурьянов (1961-2013)Моряки, 2003холст, акрил, карандаш170 x 170 см

€ 80,000 - 100,000 (4,000,000-5,000,000 руб)

Искусство Георгия Гурьянова составляет одно из ярчайших проявлений «Новой академии изящных искусств» – сообщества петербургских худож-ников, сплотившихся вокруг Тимура Новикова и видевших своей задачей создание «нового рус-ского классицизма». Пожалуй, именно Гурьянову удалось приблизиться к ее реализации наиболее близко. Среди работ других «новых академиков» произведения Гурьянова отличались предельной серьезностью, техническим перфекционизмом и ясно считываемой установкой на создание положи-тельного современного образа вкупе с некоторым дендистским самолюбованием (нередко в героях картин и рисунков Гурьянова мы узнаем портретные

черты самого автора). Предвосхитителями соб-ственного эстетического идеала художник видит Мирона, Поликлета, Микеланджело, Жака-Луи Давида. Особое внимание Гурьянова привлекали представители неоклассической линии в искусстве ХХ века: А. Самохвалов, В. Мухина, Л. Рифеншталь, А. Брекер. Как бы объединяя себя с ними в рамках межвременного артистического союза, Гурьянов стремится к восстановлению «искусства большого стиля» в эпоху, казалось бы, максимально несовме-стимую с подобными творческими интересами. Это стремление оборачивается своего рода живописной аскезой – тем более странной, что соблюдается она рафинированным эстетом, денди, эталоном мужско-го стиля в питерском богемном обществе. Сюжеты Гурьянова неразрывно связаны с его интересом к образам гармоничного человека – как они воплоти-лись, например, в «Строгом юноше» А. Роома или «Олимпии» Л. Рифеншталь. Его мир заселен геро-ическими моряками, спортсменами, разведчиками, ударниками производства – художник не позволяет им кануть в прошлое вместе с рухнувшим недавно советским режимом, он решительно воскрешает их силой своего воображения. Технические приемы Гурьянова связаны с наследием советского акаде-мического искусства. Даровитый рисовальщик, он всецело подчинил интересам строгой законченной формы пластический строй своих произведений. В них нет ни экспрессивных спонтанных мазков, ни ярких цветов – подчас они кажутся скорее раскра-шенными картонами к ненаписанным монументаль-ным фрескам или же вовсе лишены цвета как отвле-кающего от идейных и объемно-пространственных задач элемента.

Именно к таким монохромным композициям и от-носится работа 2003 года «Моряки». Можно рассма-тривать ее как обобщенно-монументализированный парный портрет – жанр, нередко встречающийся в зрелом творчестве Гурьянова. Здесь автору удается совместить композиционное решение, напоми-нающее памятные «дембельские» фотографии, с репрезентацией героев с нижней точки зрения, что придает им характер монументальной скульптуры. Работа исполнена в типичной для художника техни-ке, сочетающей графит с акрилом, позволяющей до-биваться максимальной выразительности объема и законченности формы. «Моряков» можно, безуслов-но, оценивать как одно из важнейших программных произведений Гурьянова 2000-х гг., выдающееся по своим формальным достоинствам и принципи-альное для общей характеристики петербургского искусства этого периода.

Георгий Гурьянов, Санкт-Петербург 2004, фото: Михаил Арсеньев

АССА. Коллекция Сергея Бугаева-Африки

10 *Тимур Новиков (1958-2002)Ленинград, 1986ткань, темпера140 х 160 см

€ 50,000-70,000 (2,500,000-3,500,000 руб)

«Новые художники» давно стали легендой Питера переломных 1980-х, и пред-лагаемая на настоящем аукционе коллекция Сергея Бугаева-Африки представля-ет уникальную возможность приобрести сразу почти два десятка работ, которые и по одной-то разыскать очень непросто. Тимур Новиков, Виктор Цой, Иван Сотников, Инал Савченков, Боб Кошелохов, Олег Котельников, Вадим Овчин-ников, Сергей Бугаев-Африка – это первые имена «Новых художников», работы которых экспонировались в Мраморном дворце Русского музея и в Московском музее современного искусства на масштабных ретроспективах, ставших собы-тиями художественной жизни обеих столиц 2010–2011 годов (затем весной 2013 года в ММСИ прошла монографическая выставка Тимура Новикова; до этого они проходили в Стеделийк-музее в Амстердаме, Кунстхалле Дюссельдорфа, Русском музее и Эрмитаже).

В октябре 1982 года знаменитый в недалеком будущем лидер питерского анде-граунда Тимур Новиков (1958–2002) создал собственную группу под названи-ем «Новые художники», в которую вошли Иван Сотников, Олег Котельников, Кирилл Хазанович, Евгений Козлов, Георгий Гурьянов. Вскоре к ним присоеди-нились Вадим Овчинников, Сергей Бугаев-Африка, Владислав Гуцевич, Андрей Медведев, Андрей Крисанов и Инал Савченков.

АССА


11 *Тимур Новиков (1958-2002)Портрет Африки, 1984холст, масло193 х 80 см

€ 60,000-80,000 (3,000,000-4,000,000 руб)

«Новых художников» воодушевляли идеи русского авангарда, в особенности творчество всемирно знаменитого ныне Михаила Ларионова. Они стремились превратить в искусство окружающую жизнь. Перманентный творческий процесс не затихал в их галерее «АССА» (да, именно отсюда пошло название культового фильма с несравненной Татьяной Друбич, предложенное режиссеру Сергею Со-ловьеву снимавшемся в нем Сергеем Бугаевым), пространством которой служила комната Тимура Новикова в расселявшейся коммунальной квартире. Яркая рабо-та Олега Котельникова (лот 13), созданная в характерном как будто «детском» стиле «Новых», служит замечательным напоминанием о времени существования этой галереи и работы над оказавшимся одним из символов эпохи фильмом. «Мастер спонтанной живописи Котельников, управляет магическими свойствами картинной плоскости, тончайшее прикосновение к которой, зернышко кра-ски способны раскрыть космос и зажечь новый мир», – отмечала крупнейший специалист по творчеству «Новых художников» искусствовед и куратор Екате-рина Андреева. (Каталог настоящего аукциона включает также еще одну работу Олега Котельникова – портрет мужчины, одиноко сидящего за столом, лот 21). Т.П. Новиков всегда был питерцем, не оставившим родной город и тогда, когда обретенная известность позволяла ему жить где угодно, поэтому созданная им картина-карта северной столицы «Ленинград» (лот 10), конечно же, – произве-дение знаковое для личности художника.

Сергей Бугаев-Африка и Тимур Новиков


12Сергей Бугаев-Африка (р. 1966)Деталь декора галереи АССА, 1980-е гг.обои, масло95 х 60 см

€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)

13 *Олег Котельников (р. 1958)Сафари, 1980-е гг.бумага, смешанная техника62 х 94 см

€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)


14 *Инал Савченков (р. 1966)Без названия, 1980-е гг.холст, масло145 х 75 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)

«Нельзя сравнивать сегодняшнюю галерейную систе-му с тем, что было галереей в то время. Для нас было решающим, что мы могли в «галерее» встречаться, чтобы показать друг другу свои работы. «Мы» были художниками, которые ценили друг друга за неожи-данность, новизну и гениальность в искусстве. Никто не приводил просто так с собой друга, который бы потом выставлялся, для этого сначала нужно было убедиться в его таланте», – рассказывал художник Евгений Козлов. Интерес к «неискусству» у «Новых» не означал отрицания традиционных художественных техник, таких как живопись или графика. Наоборот, «об-нуление» искусства как официального института в пользу альтернативного дружеского круга способ-ствовало небывалому творческому состязанию в том, чтобы «переписать» в картинах и даже фресках весь мир вокруг. «У Тимура, вне всякого сомнения, было особое чутье, позволявшее ему определять важные тенденции в то время, и особый дар их четко формулировать», – подмечал Евгений Козлов, на протяжении многих лет близко общавшийся с ним. «Новикову едва исполнилось двадцать пять, когда он сформулировал принципы своего творче-ства – идею независимости и добра. К тридцати он уже придумал и воплотил в серии «Горизонты» свой «прибавочный элемент» – теорию перекомпозиции и знаковой перспективы. Знаковая перспектива стала языком нового искусства, близкого и совре-менной компьютерной эстетике, и древней иеро-глифике, искусству архаики, разнообразным соци-о-эстетическим феноменам (татуировкам, детскому творчеству и т.п.)», – указывала Екатерина Андреева. Именно Тимур Новиков создал первые российские художественные сквоты им. Кирилла и Мефодия; устроил несколько сотен выставок десяткам рос-сийских и зарубежных художников; выпустил около сотни книг и статей.


15 *Иван Сотников (р. 1961)Край картины, 1980-е гг.ткань, масло150 х 150 см

€ 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)


16 *Виктор Цой (1962-1990)Портрет Джона Кеннеди, 1980-е гг.бумага, фломастер35 х 15 см

€ 4,000-6,000 (200,000-300,000 руб)

Тимур Новиков развивал вместе с «Новыми композиторами» музыку «техно», а вместе с Константином Гончаровым – авангардную моду, запустил первый проект отечественного видео-арта «Пиратское телевидение»… Большой (почти два метра в высоту) холст Тимура Новикова «Портрет Африки (Сергея Бугаева)» (лот 11), несомненно, имеет музейное значение, как и портрет самого Новикова, выполненный Олегом Котельниковым на полутораметровой клеенке (лот 20).

Впервые фото Тимура Новикова появилось на обложке художественного журна-ла в России в 1989 году; на фото, сделанном в мастерской Сергея Борисова, Но-виков стоял вместе с Иналом Савченковым, несколько издевательски для того времени скрестив кисть и молоток. Каталог настоящего аукциона включает две работы Инала Савченкова (лоты 14 и 17). Большая выставка этого художника, озаглавленная «Домашние и дикие», прошла в Русском музее в 2001 году. Выйдя из тени Новикова, Инал Савченков показал, что сам является первоклассным художником.

К середине 1980-х годов «Новые художники» представляли собой энергичное творческое содружество, где каждый участник соединял в одном лице худож-ника, музыканта, актера, поэта и писателя. В 1985 году «Новые» стали худож-никами знаменитого ленинградского рок-клуба, и именно на выставках группы показывал свои картины тогда еще не бывший кумиром миллионов Виктор Цой (1962–1990). Одна из этих картин – небольшой портрет едва ли не самого знаме-нитого президента за всю историю США, Джона Кеннеди, счастливо сохранив-шаяся до наших дней – включена в каталог настоящего аукциона. Джон Кеннеди – президент, бывший символом перемен, и чрезвычайно символично, что его портрет написал именно Виктор Цой – автор легендарной, знакомой каждому думающему по-русски человеку песни «Мы ждем перемен»… Работа это, повто-рим, – небольшая, но очевидно имеющая музейное значение.


17 *Инал Савченков (р. 1966)Без названия, 1980-е гг.холст, масло130 х 132 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)

18 *Владислав Гуцевич (р. 1949)Всадники скачут, 2010холст, масло95 х 145 см

€ 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)


19 *Евгений Козлов (р. 1955)Портрет Г. Гурьянова, 1980-е гг.мешковина, масло290 х 105 см

€ 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)

Георгий Гурьянов и Сергей Бугаев-Африка


20 *Олег Котельников (р. 1958)Танцующий Тимур Новиков, 1980-е гг.клеенка, акрил, фломастер155 х 135 см

€ 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)

Тимур Новиков и Сергей Бугаев-Африка

Трудно пройти и мимо огромного (почти три метра в высоту) портрета эталона дендизма в кругу «Новых» Георгия (Густава) Гурьянова (1961–2013), созданного Евгением Козловым (лот 19). Гурьянов был другом Виктора Цоя и с 1984 года – ударником, аранжировщиком и бэк-вокалистом группы «Кино». Подражая западным «новым романтикам», Густав играл на барабанах стоя; из его басовой партии родилась знаменитая песня группы «Кино» «Мама, мы все тяжело боль-ны». Также он принимал участие в «Поп-механике» Сергея Курехина, а в конце 1980-х стал одним из основателей российского рейв-движения, привив на ленин-градскую почву хаус и техно.


21 *Олег Котельников (р. 1958)Без названия, 1980-е гг.бумага, масло60 х 103 см

€ 5,000-7,000 (250,000-350,000 руб)

22 *Боб Кошелохов (р. 1942)Композиция, 1980-е гг.обивочная ткань, масло123 х 178 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)


23 *Баби Бадалов (р. 1959)Житомир в твоем желудке, 1980-е гг.дерево, масло40 х 90 см

€ 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

24 *Вадим Овчинников (1951-1996)Без названия, 1980-е гг.холст, масло55 х 85 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)


25Сергей Бугаев – Африка (р. 1966)Без названия, 1980-е гг.клеенка, маркер, коллаж160 х 175 см

€ 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)

За прошедшие годы искусство «Новых художников» не подверглось девальва-ции. Семьдесят пять работ «Новых», вошедших в 1991 году в собрание Русского музея, не растворились в его огромном фонде, но оказались естественным про-должением золотого фонда русской авангардной живописи. Стало очевидным, что творчество «Новых», в первой половине 1980-х развивавшееся за железным занавесом, изначально было созвучно интернациональному художественному языку нео-экспрессионизма или «Новой волны», на котором писали Жан-Ми-шель Баскиа, Франческо Клементе и другие художники, чьи произведения уве-ренно вошли в канон актуального искусства. Пластические открытия «Новых» («Горизонты» Новикова, экспрессионизм Котельникова и Сотникова, концеп-туальные коллажи и живопись Овчинникова) чем дальше, тем яснее открывали свое родство с искусством немецких «Новых диких», итальянского трансаван-гарда, американского ньювэйва и французской свободной изобразительности.

Интерьер галереи АССА


28Сергей Бугаев – Африка (р. 1966)Из серии «Анти-Лисицкий», 1991оргалит, акрил100 х 150 см

€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)


€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)


€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)


29 *Сергей Ануфриев (р. 1964)Из серии «Красная нить», 2009холст, масло100 х 130 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

30 *Владлен Гаврильчик (р. 1929)Двое, 2000фанера, масло85 х 60 см

€ 6,000-7,000 (300,000-350,000 руб)


31 *Геннадий Устюгов (р. 1937)Без названия, 2000-е гг.коллаж56 х 127 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

32 *

Геннадий Зубков (р. 1940)Без названия, 2000-е гг.дерево, масло170 х 145 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)


33 *Геннадий Устюгов (р. 1937)Девушки и осень, 2005холст, масло100 х 100 см

€ 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

34 *Глеб Гавриленков (р. 1982)Из серии «Природа восприятия», 2013холст, масло160 х 110 см € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

35 *Владислав Мамышев – Монро (1969-2013)За все, за все тебе спасибо, товарищ Генеральный Секретарь!!!, 2006холст, масло195 х 145 см

€ 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)

Владислав Мамышев-Монро, известный широкому зрителю, прежде всего, как мастер перевоплощения, добивавшийся подчас пугающего самоотождествления с осваиваемым образом, оставил после себя значительный ряд живописных про-изведений, относящихся главным образом к позднему периоду его творчества. Крупноформатное полотно 2006 года «За все, за все тебе спасибо! товарищ Ге-неральный секретарь!!!» принадлежит к числу важнейших, программных картин Мамышева, ярко демонстрирующих его интересы как живописца. Подобно мно-гим другим произведениям художника представляемая картина манифестирует его любимый образ, его alter ego - голливудскую кинозвезду Мэрилин Монро. Нарративный ряд, выстроенный здесь автором, восходит к знаменитой сценой поздравления президента Джона Ф. Кеннеди с днем рождения, пропетого ак-трисой и ставшего для многих злых языков безоговорочным свидетельством их связи.

Мамышев переносит действие в Большой театр, подменяя Кеннеди Хрущевым (его лысый затылок обращен к зрителю). Рядом с ним в восторженном состо-янии показан Л.И. Брежнев. Мэрилин исполняет свое поздравление, стоя на трибуне, украшенной гербом СССР. Именно остроумное построение сюжетной интриги и определяет в данном случае успех работы. Разработка собственно пластических аспектов живописного искусства носит здесь подчиненный ха-рактер. Однако нужно признать, что настоящее полотно относится к наиболее завершенным и тщательно проработанным его станковым вещам. Стилистически было бы уместно сблизить его с произведениями петербуржских «просвещен-ных» неопримитивистов, входящих в арт-секту «Колдовские художники» - к примеру, Н. Копейкина.

36 *Ирина Корина (р. 1977)Ласковый октябрь, 2004холст, масло30 х 24 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

Ирина Корина окончила факультет сценографии Российской академии театраль-ного искусства, после чего училась в академиях искусств в Швеции и в Австрии. По словам арт-критика Елены Голубцовой, «Ирина Корина – одна из немногих художников, состоявшихся в нулевые, одна из ключевых репрезентантов моло-дого российского искусства за рубежом, работает с сегодняшней реальностью, которая, как всегда бывает с любым „здесь и сейчас“, не только остро нуждается и в осмыслении, и в визуализации, но и очень трудно этой визуализации и ана-лизу поддается. Однако предмет анализа не ставит художника в тупик, а, напро-тив, наполняет ее работы все новыми и новыми смыслами». В 2008 году была удостоена государственной премии в области современного искусства «Иннова-ция». Вошла в число финалистов Премии Кандинского 2014 года. Персональные выставки Ирины Кориной прошли в Музее современного искусства в Москве, в галерее XL, Stella Art Foundation и на других площадках.

Как пишет Валентин Дьяконов, «художнице, с ее удивительным чутьем на фак-туру, удается убрать все ненужное и случайное. Она совмещает символы власти с эстетикой массовых развлечений, с попкорном и полиэтиленом. Художница обращает наше внимание на несоответствие между серьезностью, реальной и потенциальной, политической жизни и отношением к ней в обществе. В ее рабо-тах узнаются банальная городская жизнь и дешевая красивость, которые скрыва-ют зловещую пустоту или даже угрозу… Художница всегда старалась выбить из колеи тех, кто жаждет простых ответов и легко считываемых эффектов. Теперь же она совсем близко придвинулась к созданию атмосферы фильма ужасов, где и овцы, и волки политических баталий – совсем не то, чем кажутся».

Этот неповторимый стиль отличает и работу с ироничным названием «Ласко-вый Октябрь». Перед зрителем предстает девушка с ядовито-желтыми волосами, одетая в кричаще-розовую кофту с огромным гербом Советского Союза и над-писью «СССР». Героиня полностью отвернулась от зрителя и уткнулась лицом в безответную стену безысходного бурого цвета. Художница, выросшая в 1990-е годы, словно показывает нам глубокий нравственный кризис поколения, которо-му пришлось взрослеть на сломе эпох – тех, кто жил в двух эпохах и не может найти себя ни в одной. Недаром сам заголовок отсылает зрителя и к памяти о революционном Октябре, и к названии популярной в годы перестройки под-ростковой группы «Ласковый май». Это люди, которые потеряли одни ориен-тиры и не обрели другие, поэтому они оказываются в тупике, не имея возмож-ности понять, как и с какими ценностями им теперь жить, и ответом на все их вопросы и искания становится бурое молчание глухой стены.

37Сергей Братков (р.1960)Регистрация, 2014цветная фотография70 х 190 смтираж 2/5

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)

Сергей Братков

В российской художественной среде не так уж много авторов, подчеркивающих собственную приверженность традиционным пластическим ис-кусствам и большим историческим стилям. Именно к таким редким художникам и относится Валерий Кошляков. Вошедший в отечественное искусство на рубеже 1980–1990-х, Кошляков как творческая личность оказался противоположен подавляющему большинству представителей своего поколения. Пока его сверстники создавали самое радикальное явление в российской художественной истории – московский акционизм, Кошляков, как будто игно-рируя актуальную ситуацию в искусстве, пустился в продолжительную артистическую одиссею, охва-тывая своим вниманием все новые территории – от классической античности до советской провинци-альной архитектуры. Это творческое исследова-ние могло принимать различные формы: картина, коллаж, тотальная инсталляция, скульптура. Что бы ни делал Кошляков, он неизменно тяготел к мас-штабной форме. Исполненная в смешанной техни-ке архитектурная фантазия «Городские врата» из серии «Империя» является характерным примером воплощения этого интереса.Увлеченный жанром живописного каприччио и бумажной архитектурой XVIII века, Кошляков здесь находит возможным связать их с совершенно иным культурным феноменом – советской тоталитар-ной архитектурой, так называемым сталинским

ампиромПарадоксально, что в качестве способа реализации этой связи художник избирает восхо-дящую к Р. Раушенбергу стратегию «комбиниро-ванной» картины – создавая коллаж из стилисти-чески разнородных элементов, он затем приводит его к завершению живописными и графическими средствами. В сравнении с другими подобными работами Кошлякова степень задействования его авторской кисти здесь не столь заметна – как в связи с точным подбором коллажных элементов, органично взаимодействующих друг с другом, так и благодаря деликатной манере проработки дета-лей, использованной художником для объедине-ния композиции. Свойственная многим холстам Кошлякова экспрессивная подача мотива в данном случае уступает место сдержанности и точному расчету, необходимому для оформления авторско-го высказывания – городские врата оказываются в буквальном смысле монументальным порталом из классицизма XVIII столетия в классицизм тота-литарного режима, причем естественность взаи-моперехода одного из этих культурных явлений в другое поначалу делает их почти неотличимыми друг от друга. Кошляков тем самым находит воз-можность пластически отобразить естественную связь различных художественных эпох, с обескура-живающей легкостью вступающих в диалог даже на территории современного искусства.

Валерий Кошляков, Москва 2009, © Winzavod Art Review

38 *Валерий Кошляков (р. 1962) Городские врата из серии «Империя», 2004холст, акрил, смешанная техника200 х 240 см

€ 40,000-50,000 (2,000,000-2,500,000 руб)

39Александр Бродский (р. 1955)Птицы, 2014рубероид, тушь100 х 163 см

€ 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)

«Парадная парсуна» Бориса Орлова, входящая в серию «Ретроспекция», при-надлежит к наиболее заметным произведениям, созданным им в минувшее десятилетие.Этот гротескный бюст представляет зрителю новый виток полистилистических экспериментов Орлова. Реализуя «Парсуну», Орлов задействует свои ранние наработки по созданию бюстов: он вновь использует типичный для себя прием контрастного противопоставления непропорционально мелкой, лишенной каких бы то ни было индивидуальных черт головы персонажа с монотонным геоме-трическим массивом, набранным орденскими планками. Раньше, как правило, художник покрывал их яркой эмалью, ориентируясь на оригинальную расцветку. Теперь же декоративная мощь этого наградного паттерна оказывается едва ли не полностью уничтоженной. Прежние бравурные краски сменяются едва ню-ансированными серыми оттенками, безжалостно подавляемыми новым художе-ственным элементом – орнаментом, в последние годы все активнее проявляю-щимся в творчестве Орлова.Тонкий знаток больших художественных стилей прошлого и внимательный ана-литик актуальных процессов культуры, Орлов не может не понимать, что работа с орнаментом представляет один из самых серьезных рисков для современного автора. Для модернистов орнамент был позорнейшей стигмой искусства, усили-ями А. Лооса, Ле Корбюзье, М. ван дер Роэ, наконец, излеченной и, казалось бы, благополучно забытой.Орнамент как носитель декоративного начала рассматривался как синоним ме-щанского пристрастия к украшательству, несомненный симптом дурного вкуса.В трактовке же Орлова орнамент вновь обретает свою выразительную мощь: художник возвращает этому отверженному герою мирового искусства его под-линную роль – носителя изначальной, имперсональной, творческой природы. Орнамент у Орлова становится освобожденной, ярящейся стихией, поглоща-ющей культурные клише и штампы недавнего прошлого и очищающей в своей неукротимой круговерти пространство для новой художественной жизни.

40Борис Орлов (р. 1941)Парадная парсуна из серии «Ретроспекция», 2004дерево, эмаль90 х 130 см

€ 25,000-30,000 (1,250,000-1,500,000 руб)

41 *Константин Звездочетов (р. 1958)Выход, 2006холст, акрил150 х 203 см

€ 25.000-35,000 (1,250,000-1,750,000 руб)

С начала 1980-х годов Константин Звездочетов входит в число наиболее актив-ных и влиятельных авторов отечественного искусства. Участник молодежных творческих объединений «Мухоморы» и «Чемпионы мира», один из создателей знаменитого «Золотого альбома», ставшего своего рода идеальным саундтреком для среднего советского человека и, по сути, первым советским микстейпом, Звездочетов и в своем индивидуальном творчестве сохраняет бойкую юноше-скую задиристость высказывания. Уже сам круг проблем, на которых фокусиру-ет свое внимание художник, показывает его как оригинального исследователя местной низовой культуры, различных ее форм и проявлений, ее мифов, ее носителей и безвестных творцов. Именно Звездочетов открывает современно-му российскому искусству многообразные возможности языков, долгое время воспринимавшихся как маргинальные – язык журнальной карикатуры, рукопис-ного объявления, пропагандистского плаката, провинциальной киноафиши, лубка рекламного постера и т. д. Эта показная легкомысленность и нарочитое снижение жанра в действительности более всего указывают на Звездочетова как на полноправного наследника непреодолимого влечения авангарда к низовым формам искусства – достаточно вспомнить одержимость Ларионова и Зданевича примитивом.Как бы опровергая обвинения в непритязательности и поверхностности соб-ственных выразительных средств, Звездочетов с предельной серьезностью и вниманием анализирует изменения в сегодняшней российской жизни: в его работах неизменно отражаются социальные и культурные конфликты нашего времени.Представленные на торги произведения художника созданы в разное время, но близки по характеру изобразительного языка. Он восходит к приемам иллюстра-ции, использовавшимся в оформлении советских сатирических журналов («Кро-кодил» и др.).Крупноформатная композиция «Выход» представляет зрителю едва не идил-лическую сцену в советском универсальном магазине. Сатирический язык жур-нальной графики намеренно лишается здесь художником своей изначальной остроты – Звездочетов прозорливо отмечает наметившееся в российском об-ществе ностальгическое восприятие советского прошлого: даже карикатура из «Крокодила» теряет теперь всякую критическую функцию, превращаясь лишь в статичную художественную форму, декоративную по сути дела и востребован-ную сегодня зрителем именно как элемент украшения.

Константин Звездочетов, фото: Таня Зоммер, © www.bg.ru

42 *Константин Звездочетов (р.1958)Без названия, 1996холст, акрил46 х 46 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)

«Гражданская оборона» – пример критической интерпретации популярного со-ветского мифа о том, что общество наводнено шпионами и вредителями. Поль-зуясь языком журнальной карикатуры, художник создает увлекательную сцену преследования доблестными участниками «Гражданской обороны» банды злоу-мышленников, повинной как минимум в изнасиловании и организации газовой атаки, если судить по представленной в верхней части композиции сцене сноше-ния и специальной униформе вредителей, в комплект которой предусмотритель-но включен противогаз.

43 *Константин Звездочетов (р. 1958)Без названия из серии «Утраты», 200575 х 80 смхолст, акрил

€ 9,000-12,000 (450,000-600,000 руб)

Картину из цикла «Утраты» можно рассматривать как итог авторских размышле-ний об актуальности классического художественного наследия. Хрестоматийное полотно В. М. Васнецова «Богатыри» представлено Звездочетовым «в разви-тии» – знакомые каждому с детства образы сказочных витязей с добродушной иронией представляются автором как носители не менее знакомого российского порока – пристрастия к зеленому змию. Богатырский патруль никак не может совладать с силой гравитации после очередного возлияния, в результате чего оригинальная композиция искажается: Алеша Попович, Илья Муромец и Добры-ня Никитич в буквальном смысле сползают в левый угол холста.

44Леонид Соков (р. 1941)Что? Где? Когда?, 1994холст, масло180 х 135 см

€ 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)

Один из ведущих представителей соц-арта, советский и американский художник Леонид Соков наиболее известен своими скульптурными произведениями. Тем не менее на протяжении всего своего творческого пути Соков систематически обращался к живописи, создав целый ряд картин, принципиальных для характе-ристики состояния отечественного искусства последней трети прошлого века.Работа 1994 года «Что? Где? Когда» принадлежит к числу наиболее значимых живописных вещей Сокова. Как это нередко можно наблюдать в деятельности художника, в основу его положена хорошо узнаваемая цитата – одно из самых знаменитых полотен из коллекции Государственной Третьяковской галереи, «Грачи прилетели» Алексея Саврасова. Существенно укрупненный в размере, переписанный в нарочито небрежной манере, прославленный саврасовский ше-девр в трактовке Сокова оказывается своего рода пластичной пленкой, способ-ной обтянуть любую форму – в том числе и массивный объем вопросительного знака, ставший одним из символов популярной телевизионной передачи «Что? Где? Когда?». Произведение может рассматриваться как остроумная творче-ская интерпретация формальной и идейной проблематики «картины-объекта», заложенной представителями раннего американского поп-арта – прежде всего Джаспером Джонсом и Джимом Дайном. Однако иконам западной массовой культуры и товарного потребления Соков, опирающийся на опыт жизни в совет-ском обществе, иронически противопоставляет символы местного культурного ширпотреба.

Леонид Соков и Александр Косолапов, 1967, фото: Борис Орлов

В советское время Виктор Пивоваров достиг широ-кой известности как чрезвычайно изобретательный и плодовитый иллюстратор детской литературы. Бу-дучи главным художником популярнейшего журнала «Веселые картинки» (именно Пивоваров придумал знаменитый логотип этого издания), он затрагивал своим творчеством беспрецедентную по масштабу охвата аудиторию. Однако на территории «серьез-ного искусства» имя Виктора Пивоварова оказа-лось неразрывно связанным с наиболее серьезным и влиятельным неофициальным художественным направлением – московским романтическим концеп-туализмом. В его рамках художнику удается создать целый ряд альбомов, вместе с работами Ильи Каба-кова сформировавших концептуалистский альбом как отдельный жанр.На протяжении многих лет Пивоваров серьезно занимается живописью. Представленное небольшое полотно под названием «Письмо» – характерный пример его позднего творчества, характеризу-ющегося филигранной живописной техникой и интересом к парадоксальному синтезу множества художественных языков. Любопытно, что данное произведение является свободной версией знаме-нитой одноименной картины великого голландского художника XVII века Яна Вермеера Дельфтского. При этом автор столь далеко отходит от ориги-нала, что узнаваемый мотив одинокой женской фигуры полностью преображается, становясь, как часто бывает в работах Пивоварова, своего рода стилистическим контрапунктом этой собранной из разных визуальных пластов композиции – с виртуо-зным мастерством художник сводит в единое целое упрощенный язык советской книжной иллюстрации, трехмерные сегменты проунов Эля Лисицкого и пейзажный мотив, восходящий к живописи Воз-рождения.

Ян Вермеер ДельфтскийДевушка, читающая письмо у окна, 1657

Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden

45 *Виктор Пивоваров (р. 1937)Письмо, 2002дерево, масло56 х 62 см

€ 20,000-25,000 (1,000,000-1,250,000 руб)

46 *Виталий Комар (р. 1943)Девочка с шахматной доской, 1961дерево, холст, масло105 х 35 см

€ 14,000-17,000 (700,000-850,000 руб)

Виталий Комар известен прежде всего как один из создателей соц-арта, наряду с его творческим партнером в течение многих лет Александром Меламидом. И если творчество каждого из участников этого художественного дуэта после его распада легко проследить по регулярным выставкам и критическим публикаци-ям, то ранние этапы их деятельности до сих пор остаются едва проявленными. Тем интереснее представляются произведения, подобные небольшому холсту Виталия Комара 1961 года «Девочка с шахматной доской».Небольшая юношеская картина еще весьма далека от соц-арта 1970-х и позд-нейших полистилистических опытов Комара и Меламида, однако здесь заложе-ны характерные черты художественного мышления автора, которые достигнут полного развития в его дальнейших работах – как в составе дуэта, так и вне его. Организуя композицию, Комар демонстрирует явный вкус к стилистическим контрастам: исполненная с оглядкой на постдейнековскую монументальную жи-вопись (Б. Милюков, Б. Тальберг и др.) обобщенная вытянутая фигурка девочки, заполняющая весь формат по вертикали, резко противопоставлена абстракт-ному квадрату шахматной доски, решенному в темной тональности, за счет чего картина почти распадается на два самодостаточных стилистических слоя. Окончательное расслоение стилистической ткани предотвращают лишь мастер-ски исполненные руки девочки, изображение которых показывает виртуозное владение рисунком.Очевидно, что настоящее произведение Комара принципиально для формиро-вания его творческих методов. Оно радикально противоречит общему развитию отечественного искусства начала 1960-х с его выраженным индивидуализмом и установкой на уникальность творческой манеры. Работа Комара подчеркнуто имперсональна, она тяготеет к парадоксальному сопоставлению противополож-ных стилистических решений, что выводит ее за пределы позднемодернистской по сути своей проблематики 1960-х и делает ценнейшим свидетельством надви-гающихся изменений художественной мысли следующего десятилетия.

Сергей Шаблавин занялся живописью, успев окон-чить факультет кибернетики в МИФИ. Его путь художника начался в 1960-е годы с абстрактной жи-вописи и графики. В начале 1970-х, после знаком-ства с Эриком Булатовым и Олегом Васильевым, творческая манера Сергея Шаблавина изменилась: в его работах появилось характерное для москов-ских концептуалистов сочетание реалистической манеры письма с геометрической четкостью ком-позиции. Вслед за Эриком Булатовым внимание художника стало привлекать внутреннее простран-ство картины, ее соотношение с действительно-стью и восприятием зрителей. Сергей Шаблавин находится в поиске строгих соответствий между конструктивистскими блоками и встроенным в них ландшафтом, чаще всего морским или равнинным. В его центробежных картинах два аспекта собира-ются воедино, создавая ощущение покоя, незыбле-мости видимого мира. С. Шаблавин часто изобра-жает мир как будто отраженным в выпуклой линзе или зеркале наблюдения, обычном аксессуаре супермаркетов. Эта выпуклость стягивает пейзаж, превращает его в микрокосм, а не фрагмент реаль-ности. Многие работы С. П. Шаблавина напрашива-ются на сравнение с символом баланса энергий инь и янь.

47 *Сергей Шаблавин (р. 1944)Растворение 2, 2006холст, масло80 х 140 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)

48Семен Файбисович (р. 1949)Венера Таврическая, 2014холст, смешанная техника, масло150 х 235 см

€ 35,000-45,000 (1,750,000-2,250,000 руб)

«Это единственный случай, когда я использую не свою съемку, а анонимную фотку дурного качества, что появилась на ленте Фейсбука после крымско-го референдума и изображает его празднование. Название навеяно формами спящей, что отсылают к характерным фигуркам архаических венер. А еще тем, что Крым, до того как стать "нашим", когда-то какое-то время успел побыть древнегреческим».

С. Файбисович

Семен Файбисович фото: Александр Лепёшкин

49Юрий Аввакумов (р. 1957)Мост Красная Горка, 1996металл125 х 43 х 186 см

€ 18,000-22,000 (900,000-1,100,000 руб)

фрагмент

50Юрий Аввакумов (р. 1957)Мост Красная Горка, 1987шелкография70 х 96 смтираж 2/8

€ 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)

51 *Сергей Шаблавин (р. 1944)Москва (пересечение), 2005холст, масло90 х 90 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)

Эти особенности его стиля ярко проявляются в работе «Москва», где на квадратном синем поле, зачеркнутом проложенными крест-накрест белыми ли-ниями, в которых угадываются силуэты кремлевских башен, старинных улиц и сталинских высоток, как бинтами, по всем четырем сторонам проходит назва-ние столицы. Цвет букв переходит из синего в фиолетовый и красный, и в их яркости есть что-то праздничное: на темном фоне они смотрятся как салют на вечернем небе. Такое ощущение, что художник выразил в этой простой надписи весь радостный блеск огромного города и преподносит его зрителю как подарок, упакованный в обертку и перевязанный блестящими белоснеж-ными лентами, которые переливаются тенями, напоминающими московские пейзажи. Человеческие фигуры у Шаблавина встречаются редко, но если они есть, то предстают перед зрителем в спокойном одиночестве; шаблавинский человек не демиург, но наблюдатель, осознающий тщету и умозрительность жестких структур, нелепость конфронтации с природным началом. Арт-критик Алек-сандра Юргенева, отмечая «молчаливую гармонию» работ Сергея Шаблавина, писала: «Художник-концептуалист обращается к формам круга, эллипсиса и ромба, в которые вписывает городское пространство, романтические русские пейзажи и человеческие фигуры на фоне морской глади».

52 *Юрий Альберт (р. 1959)Я не Джаспер Джонс из серии «Демократическое искусство: Искусство для слепых», 2000холст, энкаустика45 х 70 см

€ 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)

К настоящему времени Юрий Альберт, еще в 1980-е годы входивший в состав знаменитого ныне горкома графиков на Малой Грузинской, – при-знанный мэтр, в 2011 году получивший Премию Кандинского в номинации «Проект года», а в 2014 году – премию «Инновация» в номинации «Произ-ведение визуального искусства» за выставку «Что этим хотел сказать художник» в ММСИ, куратором которой выступила Екатерина Деготь. Юрий Аль-берт сравнивает произведения искусства с точка-ми в трехмерном пространстве, которые связаны между собой воображаемыми линиями традиций, аналогий и влияний. «В российском искусстве Юрий Альберт – один из самых последовательных концептуалистов в международном смысле. Он методично и неустанно задает хрестоматийные, но отнюдь не получившие исчерпывающих отве-тов вопросы: что такое искусство, каковы условия восприятия произведения публикой, что такое сегодня быть художником, а точнее что такое сегодня быть русским художником-концептуали-стом», – отмечала известный арт-критик Ирина Кулик. Художник постоянно исследует условия, при которых объект может быть назван произведе-нием искусства, а расположение объектов в про-странстве – выставкой. Его интересуют отношения между произведением и его интерпретацией, производством искусства и его потреблением, тру-дозатратностью и мгновенностью эффекта, между видимым и невидимым в искусстве. Многих заце-пила его работа-манифест «За что меня не любят», сотканная из критических замечаний в адрес его творчества, которые как бы сами по себе выстрои-лись в законченное художественное высказывание.В 1981 году Юрий Альберт продемонстрировал на одной из квартирных выставок картину «Я не Джаспер Джонс», где скопировал манеру пись-ма этого ныне всемирно знаменитого и безумно дорогого американского художника, однако назва-ние вписал кириллицей: автор использовал стиль Дж. Джонса для заявления, что он им не является (ныне это полотно находится в собрании Государ-ственного центра современного искусства). Затем были созданы работы, продолжавшие ту же линию, в которой Ю. Альберт вел аналогичный диалог-от-рицание с лидером московского концептуализма

Ильей Кабаковым, классиками поп-арта Энди Уор-холом, Роем Лихтенштейном и другими. В 1996 году Юрий Альберт создал второй вариант работы «Я не Джаспер Джонс», в 1997-м – третий (он находится в собрании фонда культуры «Ека-терина»). Перед нами, таким образом, четвертый, наиболее «продвинутый», вариант, к которому сам художник шел двадцать лет. Название же «Демо-кратичное искусство» напоминает об одноименном проекте художника Михаила Федорова-Рошаля (1956–2007). Работа выполнена в приглушенных, почти монохромных тонах. Сам Ю. Альберт гово-рил: «Мне всегда нравилась монохромная абстракт-ная живопись, ее неопределенное, невербализуе-мое, неагрессивное, но такое сильное воздействие на зрителя…»

Для Юрия Альберта важно не только, «что хотел сказать художник», но и что означает быть зри-телем. В нескольких сериях работ он использует азбуку Брайля и ручную азбуку – соответственно, для слепых и глухонемых посетителей. Первая работа в серии «Живопись для слепых» была созда-на Ю. Ф. Альбертом еще в 1987 году; владеющие азбукой Брайля могли прочесть фразу «Непонятное по форме, понятное по содержанию». Художник водил экскурсии по выставкам, завязав глаза зри-телям («Автопортреты с завязанными глазами», галерея Paperworks, Москва, 2011). В 1989 году только с использованием азбуки Брайля Ю. Альберт выполнил работу «Я не Тимм Ульрихс». Подобным способом создана и предлагаемая работа. Она, как и ряд картин самого Джаспера Джонса, состоит из одних английских букв, но здесь – редчайший случай в творчестве Юрия Альберта! – латиница наложена на буквы азбуки Брайля, достигая, таким образом, невозможного: что хотел сказать художник, может узнать любой зритель, в том числе и полностью потерявший зрение. Эта картина о том, что совре-менное искусство может быть понято всеми – нуж-но лишь приложить для этого необходимые усилия, причем не только зрителям, но и самим художникам.

53 *Андрей Ройтер (р. 1960)Potato body, 1994холст, масло35 х 25 см

€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)

54 *Андрей Ройтер (р. 1960)The green still life, 1993холст, масло30 х 35 см

€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)

55Дмитрий Гутов (р. 1960)Схема линий, 2013холст, масло120 х 80 см

€ 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

Живописные работы Дмитрия Гутова сложно воспринимать в отрыве от много-гранной личности этого художника. Для искусства 1990–2000-х значение Гутова сложно переоценить. Основываясь на марксистских эстетических установках, мобилизуя философское наследие советских мыслителей (прежде всего М. Лиф-шица), Гутов находит в советской культуре прочную платформу для собствен-ного художественного высказывания, объединяя на этой мировоззренческой основе элементы, позаимствованные из различных художественных традиций – от античной вазописи до восточной каллиграфии, от офортов Рембрандта до графического дизайна 1960-х гг.«Схема линий», созданная в 2013 году, относится к обширной группе произведе-ний Гутова, в которых техническая схема, чертеж, пояснительная записка, заго-ловок на папке с документами внезапно приобретают самостоятельную пласти-ческую ценность, преображаясь в тщательно выстроенной цветовой гармонии. На первый взгляд неброская манера художника при внимательном рассмотрении проявляет достоинства, редко встречающиеся в сегодняшней живописи. Так, Гу-тов проявляет себя как тонкий и оригинальный колорист, достигающий сложных хроматических и фактурных эффектов за счет последовательного наложения красочных слоев. Цветовой строй представленного полотна организован сопод-чинением насыщенных теплых оттенков: светло-охристого, красного, коричне-вого. Исключительное внимание художника к собственно пластической стороне работы превращает служебные по своему назначению графические знаки в выра-зительные акценты, формирующие лаконичную формальную композицию.

Дмитрий Гутов, Москва 1991, фото: Игорь Мухин, © www.igormukhin.com

56Юрий Лейдерман (р. 1963)Читающий «Искру», 2014холст, масло150 x 150 см

€ 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)

57 *Авдей Тер-Оганьян (р. 1961)Клод Моне. На пляже в Трувиле. 1870, 2002холст, масло145 х 110 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)

Авдей Тер-Оганьян – одна из наиболее примечательных фигур российского ис-кусства 1990-х гг. Широкое общественное внимание он привлек своими провока-ционными перформансами (наиболее известен «Юный безбожник» 1998 г.). Од-нако большую долю в его творчестве составляет станковая живопись, типичный пример которой, «Клод Моне. На пляже в Трувиле. 1870» представлен на торги. Картина интересует Тер-Оганьяна не как самодостаточная замкнутая форма, но скорее как способ изложения собственных размышлений об историческом раз-витии искусства и его восприятии зрителем. Тер-Оганьян задается вопросом, как может существовать сегодня такой феномен как художественный авангард. Как может выглядеть в наши дни подлинно авангардный творческий жест? Решение предлагается с позиций анонимного провинциального художника, стремящегося к постижению истории искусства и наивно, без всякой рефлексии и критической оценки, копирующего страницы монографий, посвященных ее главным героям. Подобный, едва ли не идиотический подход уравнивает в данном случае один из самых известных ранних пленэрных этюдов Клода Моне с пояснительным текстом. Таким образом, неспособность «отфильтровать» изучаемый материал позволяет вымышленному персонажу Тер-Оганьяна миновать плагиат: «по недо-мыслию» он сообщает работе Моне новый прибавочный элемент, позволяющий рассматривать как самостоятельное авторское высказывание.

Авдей Тер-Оганьян и его работы. Москва, середина 1990-х

58Владимир Архипов (р. 1961)Сито Ивана Чеботаря, г. Жуковский, 2014смешанная техника68 х 84 х 10 см

€ 1,000-1,500 (50,000-75,000 руб)

59 *Владимир Дубосарский (р. 1964)Зима, 1995холст, масло70 х 90 см

€ 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)

Член-корреспондент Российской академии художеств Владимир Дубосарский сегодня – один из самых известных и востребованных художников страны; работы, созданные им совместно с Александром Виноградовым, хранятся в Третьяковской галерее, Русском музее, в парижском Центре Помпиду и других крупнейших собраниях. «Когда мы начинали в 1994 году, мир, по крайней мере в России, был жестким и неприглядным, опасным и тяжелым – депрессивным, – рассказывал В. Дубосарский. – А мы решили, не стесняясь, писать новый рай». Полотно «Зима» завораживает именно задушевными воспоминаниями времен казавшегося таким светлым и спокойным советского детства. На картине изо-бражена пара ребятишек, которые после уроков с восторгом катаются с ледяной горки на опушке леса. Казалось бы, в этом сюжете нет ничего особенного, но, если приглядеться, можно понять, что это не просто мимолетная зарисовка, а скорее воспоминание из далекого прошлого. Дети резвятся и на полной скоро-сти съезжают по льду и насту на деревянных санках, уже редких в сегодняшних дворах; на голове мальчика развязалась шапка-ушанка, какую уже не увидишь на современных малышах; ребята отбросили в сторону школьные ранцы, которые уже давно заменили портфели и рюкзаки. Да и за лесом виднеются скромные бревенчатые домики поселка с простой дощатой оградой – такой пейзаж те-перь можно встретить разве что в далекой глубинке. Даже сам колорит рабо-ты, выполненной в однотонной серо-коричневой гамме, где на белом снегу из тонких пепельных линий складываются черты детей, вырастают стволы деревьев и силуэты одноэтажных зданий, больше напоминает черно-белую фотографию, найденную в старом альбоме. Художник словно показывает нам давно забытый снимок, который и сегодня способен дарить радость душе. Это одно из самых ностальгически-лиричных полотен, когда-либо созданных широко известным и очень востребованным художником.

Владимир Дубосарский, Москва 1992, фото: Игорь Мухин, © www.igormukhin.com

60 *Александр Виноградов (р. 1963)Владимир Дубосарский (р. 1964)Без названия, 2001бумага, акрил56 х 78 см

€ 7,000-9,000 (350,000-450,000 руб)

61Валерий Барыкин (р. 1966)Садись, подвезу!, 2014холст, масло90 х 65 см

€ 5,000-7,000 (250,000-350,000 руб)

62 *Анатолий Зверев (1931-1986)Без названия, 1985картон, масло77 х 50 см

из коллекции Пакиты Эскофе-Миро

€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)

Экспрессивная живописная импровизация Анатолия Зверева, датированная 1985 годом, является характерным образцом его поздней манеры. Художник виртуозно, почти играючи пользуется тем богатейшим арсеналом живописного искусства, что находится в его распоряжении. Как это часто случается в творче-стве Зверева, работа написана спонтанно, в течение одного сеанса, за счет чего сохраняет всю изначальную свободу артистического жеста. Типична для Зверева плотная красочная ткань, сложная фактура, созданная нанесением краски при помощи мастихина. Композиция представляет две женские полуфигуры, вольно цитирующие образы Артура Фонвизина, одного из наставников Зверева в юно-шестве, приобщившего начинающего художника к формальным достижениям живописи русского Серебряного века. Высветленные оттенки светло-розового, голубого и желтого цветов, доминирующие в картине, выразительно контрасти-руют с темным рисунком. Работа представляет характерный пример нового про-чтения фигуративной живописи в московском независимом искусстве, близкий по характеру развития американской и французской «новой фигуративности» – более всего Виллему де Кунингу и Жану Дюбюффе.

Анатолий Зверев © www.museum-az.com

63 *Владимир Яковлев (1934-1998)Без названия, 1971бумага, гуашь90 х 65 см

€ 7,000-9,000 (350,000-450,000 руб)

Одна из легенд московского независимого искусства, Владимир Яковлев совме-щал в своей деятельности, казалось бы, противоположные начала – знаточе-ское понимание формальной проблематики современного западного искусства и наивную, почти детскую чистоту видения мира. Проведший большую часть жизни в медицинских учреждениях и, соответственно, не имевший возможно-сти часто выставляться, Яковлев тем не менее стал одним из самых влиятельных авторов своего поколения, определивших лицо московской сцены 1960–1970-х гг. Уникальная творческая интуиция Яковлева позволила ему, пройдя сквозь многообразные стилистические влияния, самостоятельно достичь результатов, сближающихся по форме с произведениями художников «новой фигуративно-сти», неоэкспрессионистов и даже представителей трансавангарда. При этом, подходя в отдельных своих работах к выводам, близким раннему Базелицу, Люперцу или Сьюзен Ротенберг, Яковлев всегда сохраняет самостоятельность высказывания.Исполненная гуашью голова принадлежит к той части наследия Яковлева, где сказывается его опыт освоения классического модернизма. Как и многие другие нонконформисты, Яковлев осваивал западное искусство от импрессионизма до американского абстрактного экспрессионизма 1950-х и французского ташизма постфактум, когда история этих направлений была уже написана. Для совет-ского художника, выросшего в условиях культурной изоляции, возможность соприкосновения с этим искусством, открывшаяся в период «оттепели», оказа-лась подлинным событием, требующим деятельного осмысления. Яковлевские работы, демонстрирующие его авторское прочтение стилистических установок пуантилизма, фовизма, кубизма, геометрической и жестовой абстракции, явля-ются блестящими иллюстрациями введенного в употребление Д. В. Сарабья-новым применительно к русскому искусству термина «высота отставания». В представленном изображении головы Яковлев создает причудливую авторскую версию кубизма, пропуская типичные кубистические деформации в духе Пикас-со и Брака сквозь живописный фильтр пуантилизма. Однако здесь не идет речи о стилизации: пробуя себя в различных модернистских направлениях, Яковлев всегда сохраняет авторскую индивидуальность. В данном случае для него харак-терно тяготение к укрупненным формам и тонко нюансированный колорит: ра-бота отмечена гармоничным сочетанием лилово-розовых, фисташковых, болот-но-зеленых оттенков. Обращает на себя внимание и филигранное мастерство кистевой работы: сложная цветовая вибрация создается небольшими мазками круглой кисти, нанесенными с ювелирной точностью. Этот технический прием, восходящий к Ж. Сера и П. Синьяку, впоследствии будет оставлен Яковлевым в пользу более широкой, экспрессивной кистевой манеры.

Укрупненные изображения цветов составляют особую часть творческого насле-дия В. Яковлева. Именно они стали своего рода визитной карточкой художника. Предлагаемая картина принадлежит к наиболее удачным произведениям такого рода. Типична для Яковлева простая, тяготеющая к симметрии композиция листа и свободная кистевая работа. Редкой изысканностью отмечен колористический строй произведения: живописец избегает кричащих цветовых акцентов и сосре-дотачивается на гармонизации трех основных хроматических пятен – серова-то-голубого неба, зеленого стебля и бледно-желтой чашечки цветка. Это ничем не примечательное, будто бы обыденное цветовое созвучие под кистью мастера обретает редкую свежесть и чистоту, демонстрируя выдающееся дарование Яковлева как колориста.

64 *Владимир Яковлев (1934-1998)Без названия, 1980бумага, гуашь90 х 65 см

€ 6,000-8,000 (300,000-400,000 руб)

65 *Иван Чуйков (р. 1935)Без названия, 1974бумага, тушь42 х 30 см

€ 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

66 *Иван Чуйков (р. 1935)Без названия, 1970бумага, тушь48 х 36 см

€ 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

Сын известного советского художника Семена Чуйкова (его картина «Дочь советской Киргизии» годами воспроизводилась миллионными тиражами в школьных учебниках), Иван Чуйков был первым, кто из сугубо официозной среды вошел в «другое искусство», причем занял там одну из лидирующих позиций; выдающийся культуролог Борис Гройс еще в конце 1970-х годов выделил его как одного из ведущих представителей московского роман-тического концептуализма. И. Чуйков был одним из художников, чьи произведения вошли в каталог легендарного московского аукциона Sotheby’s в 1988 году. Спустя двадцать лет тот же аукционный дом уже продавал его работы по ценам, прибли-жавшимся к ста тысячам фунтов за каждую. Персо-нальные выставки художника проходили в Москве в Третьяковской галерее, ГЦСИ, Московском музее современного искусства, а также в галереях Рос-сии, Германии, Франции, Испании и Великобрита-нии. И все же смыкающийся в своих творческих интересах с концептуалистами И. С. Чуйков тем не менее в гораздо большей мере сосредоточен на исследовании чисто живописных проблем: взаимоперехода иллюзорного и реального, соот-ношения целого и фрагмента (о чем свидетель-ствует и разделенная на шесть частей работа «Без названия», созданная под очевидным влиянием сюрреалистских поисков Рене Магритта). Работы художника находятся в венском музее Альберти-на, в Базельском музее современного искусства, в музее Людвига в Будапеште, а также во многих российских музеях. Выставки Ивана Чуйкова про-ходили в Центре Помпиду (Париж), Московском музее современного искусства, Государственном центре современного искусства, Kunstmuseum Alte Post и т. д. На рисунке «Без названия» зритель видит обнажен-ную женщину, отражение которой словно прелом-ляется в кривом зеркале, распадаясь на несколько разных отражений, и живописец отдельно пока-зывает ее лицо, ноги, грудь, волосы, представляя каждый фрагмент под особым углом, будто бы в отдельном кадре. И. Чуйков не выступает простым созерцателем натуры и не воспроизводит ее на холсте – вместо этого он активно вмешивается в самую сущность человеческого тела, разделяя его

Иван Чуйков, 1981, фото: Борис Орлов

на фрагменты и исследуя каждый из них, рассматри-вая крупным планом. Тело женщины и его фрагмен-ты, обезличенные и показанные без мелких деталей, представлены схематично, в черно-белой гамме, плотный фон соседствует с жесткой штриховкой или густой тенью, но при этом во всей картине чув-ствуется движение. Художник, будто символически препарировавший человеческое тело и изучающий по отдельности каждый его участок, тем самым словно показывает, что эти безмолвные фрагменты, безжизненные и немые, вместе составляют еди-ное живое целое; так художник демонстрирует, как складывается неповторимый образ личности. В работе «Нижнее белье» перед зрителем пред-стает женская фигура, наполовину одетая в эро-тические кружева. Художник не изобразил ее голову – видны лишь бедра, талия и грудь, которые возникают на белой поверхности листа из тонких, летучих линий, невесомых, как само кружево. Про-зрачная ткань, спадающая с тела женщины, казалось бы, должна привлекать и заинтриговывать зрителя, но этого не происходит: фигура, предстающая на холсте, безлика и пуста. И. Чуйков намеренно не показывает зрителю ее лицо – он являет только поверхностный образ, в котором нет ни индиви-дуальности, ни души. Тем самым автор обличает навязываемые массовой культурой стереотипы, которые ставят сексапильность выше подлинной душевной красоты и превозносят привлекательную форму, лишенную лица и содержания. Он наглядно демонстрирует, что усилия достичь красоты, опи-раясь лишь на чувственность, забывая о подлинной ценности личности, обречены на провал и что по-являющийся в итоге образ так же пуст и эфемерен, как и тающее на картине эротическое белье.

67 *Владимир Кузьмин (р. 1935)Я дам тебе яблоко, 1989холст, масло80 х 97 см

€ 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)

68 *Александр Мареев (р. 1969)Пейзаж со стаффажем. Фрагментарно, 1991холст, масло95 х 95 см

€ 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)

Творчество Александра Мареева начала 1990-х годов развивалось в орбите влияния артистического товарищества «Добрые друзья», художественных групп «Медицинская герменевтика» и «Облачная комиссия». В московской художе-ственной среде девяностых, сформированной главным образом позднеконцеп-туалистскими идеями, работы Мареева воспринимались как образцы безудерж-ного, маниакального, бессистемного и доходящего подчас до виртуозности цитирования. Источники цитат нередко остаются неопознанными, тем не менее указание на акт цитирования сохраняется как непременное условие возникно-вения работы. Мареев по сей день один из немногих российских художников, в творчестве которого условный «текст» одерживает абсолютную и безоговороч-ную победу над «автором».

«Пейзаж со стаффажем» представляет собой типичный пример искусства Маре-ева начала девяностых. Эта картина фрагментарно воспроизводит рисунок неиз-вестного авторства – знаток может позволить себе предположение, что перво-источником является рисунок голландской школы XVII века. Кисть художника бегло схватывает лаконичные штрихи оригинала, не задаваясь, впрочем, целью в точности повторить оригинал. Мареев в данном случае будто бы сознатель-но капитулирует перед историей искусства, довольствуясь ролью переписчика, переводчика, медиума.

69 *Ольга Флоренская (р. 1960)Бей гидру капитализма, 1997холст, масло75 х 35 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

70 *Ольга Флоренская (р. 1960)К Ленину в Смольный, 1997холст, масло75 х 35 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

Ольга Флоренская родилась в Петербурге, где окончила Высшее художественно-промышленное училище имени В. И. Мухиной и живет и работает и поныне. Много занималась керамикой, но стала известной благодаря своим панно из тканей на мор-ские и библейские темы. Вместе со своим мужем А. О. Флоренским стояла у истоков создания в 1985 году группы художников «Митьки». Режиссер и ху-дожник мультфильма по собственной сказке «Чудо из чудес», соавтор полнометражного анимационно-го фильма «Митькимайер». Принимала участие во многих российских и международных кинофестива-лях. С 1995 года работает над крупномасштабными проектами совместно с Александром Флоренским («Русский патент», «Русский трофей», «Местное время», «Передвижной бестиарий» и другие). Ху-дожница провела ряд как персональных выставок, так и совместных экспозиций с мужем и их дочерью Екатериной, тоже художницей.Две предлагаемые работы Ольги Флоренской, созданные в гротескном стиле соц-арта, при этом воскрешают в памяти и произведения, знакомые в советское время каждому, ибо они были растира-жированы в миллионах копий. Картина «К Лени-ну в Смольный» не может не напомнить полотно В. А. Серова «Ходоки у Ленина», хранящееся в Третьяковской галерее. Среди трех ходоков, изо-браженных В. А. Серовым (картина была создана четверть века спустя после смерти В. И. Ленина и, очевидно, не с натуры), был и крестьянин в шинели, внимательно следящий за выражением лица вождя революции – направляющийся «к Ленину в Смоль-ный» персонаж Ольги Флоренской тоже в шинели, причем с ружьем и чайником, что напоминает о знаменитом фильме Сергея Юткевича по сценарию Николая Погодина «Человек с ружьем» (одноимен-ный спектакль был в 1937 году поставлен в столич-ном Театре им. Е. Б. Вахтангова). По сюжету филь-ма, бывший крестьянин, а ныне солдат Иван Шадрин отправлен однополчанами с германского фронта в революционный Петроград, чтобы вручить Ленину письмо с вопросами своих товарищей. Централь-ная сцена в фильме – первая встреча бродящего с винтовкой и чайником по Смольному Шадрина и не-узнанного им Ленина, который проявляет большое участие к его нуждам и отвечает на все вопросы.

На картине Ольги Флоренской Ленина нет: един-ственный, кого советская власть объявила «вечно живым», в постсоветскую эпоху почти начисто выпал из сознания россиян, и одинокий солдат, ищущий правды после возращения с фронта, остал-ся один на один со своими вопросами.

При этом работы Ольги Флоренской начисто лише-ны героико-революционного пафоса, они созданы тогда, когда эпоха ленинизма завершилась, причем навсегда. Александр Косолапов поместил Ленина в контекст западной поп-культуры (кока-колы и Микки-Мауса), Леонид Соков «организовал» его посмертную встречу с «Шагающим человеком» выдающегося скульптора Альберто Джакометти. У Ольги Флоренской на встречу с Лениным все в тот же Смольный идет все тот же солдат Иван Шадрин, но Ленина больше нет – встретиться с вождем и надеждой уже невозможно ни в каком контексте. Ее картина поэтому не соц-артовский стеб, а констатация необходимости отказаться от системы координат, на протяжении семи десятиле-тий определявшей надежды миллионов советских людей…

Вторая предлагаемая картина – «Бей гидру капита-ла» – является отзвуком напечатанного Реввоенсо-ветом плаката Виктора Дени «Или смерть капиталу, или смерть под пятой капитала». В своей работе Ольга Флоренская поднимает важный вопрос про-тивопоставления советской политэкономической доктрины принципам, организующим социально-э-кономическую жизнь постсоветской России. На трехголовой гидре – шарф из цветов российского флага, тогда как на противостоящем ей тружени-ке – белый халат с красной звездой. Как видно на картине, «гидра капитала», однако, уже пустила корни, поэтому победить ее не получится: плохо ли, хорошо, но с ней нужно жить и выросшим в СССР людям, понимая, что мир изменился, и в этом плане изменился навсегда.

71 *Александр Флоренский (р. 1960)Кузнечный, 1995дерево, масло, смешанная техника42 х 36 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

72 *Александр Флоренский (р. 1960)Казанский собор, 1997дерево, масло, смешанная техника46 х 46 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

73 *Александр Флоренский (р. 1960)Любимые русские типы – грибник, 1994дерево, масло, смешанная техника56 х 36 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

Один из основателей знаменитой ныне питерской группы художников «Мить-ки» Александр Флоренский родился и учился в Северной столице. На протя-жении многих лет работал в области книжной графики, благодаря чему знаком практически каждому читающему по-русски человеку как автор иллюстраций к культовому четырехтомнику Сергея Довлатова. С 1997 года – один из основа-телей галереи «Митьки-ВХУТЕМАС». В 2008 году создал совместно с Дмитрием Бугаенко студию ручной печати «Б&Ф», в которой вышли, среди других, его альбомы эстампов «Рисунки к произведениям Сергея Довлатова», «Рисунки к стихам Олега Григорьева», «Знаменитые жители Санкт-Петербурга», «Окрестно-сти Довлатова», «Про Шерлока Холмса» и другие. В последние годы участвовал в работе над четырьмя уникальными путеводителями по своим любимым городам: «Петербургская азбука», «Иерусалимская азбука», «Тбилисская азбука» и «Во-ронежская азбука». Создал также серию авторского фарфора: впервые она была представлена в рамках проекта «Академия фарфора», организованного Импера-торским фарфоровым заводом и Государственным Эрмитажем, в 2004 году. Кар-тины А. О. Флоренского находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея, ГМИИ им. А. С. Пушкина, многих музеев и важных частных коллекций России и зарубежных стран.Три предлагаемые работы позволяют отчетливо это прочувствовать: все они вы-полнены хоть и маслом (а не карандашом), но не на холстах, а на всегда доступ-ных даже в дни гражданской войны ящиках. А. О. Флоренский – прямой наслед-ник Михаила Ларионова и примитивистов, однако эстетика «Митьков» настолько самобытна, что сама по себе давно стала значимой страницей истории русского «другого искусства».Картина «Любимые русские игры: Грибник» напоминает о книжке детских стихов Леонида Мезинова «Шел грибник издалека», выпущенной во второй половине 1970-х трехсоттысячным тиражом и потому памятной многим. Грибник, нарисо-ванный А. Флоренским, тоже прошел очень длинную дорогу, причем не только в пространстве, но и во времени: собирает он, как видно, красные мухоморы – «магические грибы», которые были священными еще у древних майя и напитку из которых посвящено около тысячи гимнов в древнеиндийском памятнике лите-ратуры «Ригведа», созданном три тысячи лет назад. Мухоморы использовались в средние века викингами, а также на протяжении столетий северными народами, обитающими на Таймыре, Камчатке и Чукотке (поедание мухоморов у этих на-родов было привилегией вождей и шаманов). Сама причудливая цветовая гамма леса уже свидетельствует о действии психогенных грибов на мозг их собирателя.На картине «Виды транспорта № 5» изображен мгновенно узнаваемый Казан-ский собор – одно из наиболее знаковых мест в истории Северной столицы, ка-федральный собор Санкт-Петербургской епархии Русской православной церкви, в котором, в частности, похоронен выдающийся русский полководец М. И. Куту-зов. Однако работы А. Флоренского лишены и тени пафоса, его Питер – это не мемориал под открытым небом, а живой город для живых людей.

74 *Андрей Кузькин (р. 1979)Земляне, 2013хлеб, соль, смешанная техника41 х 47 х 25 см

€ 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)

75Дамир Муратов (р. 1967)Green King, 2014жестяная канистра, эмаль, масло46 х 33 х 17 см

€ 1,200-1,500 (60,000-75,000 руб)

Егор Кошелев вошел в российское искусство в конце 2000-х – в период, когда на отечественной арт-сцене происходила смена поколений и молодые художники стремились найти собственные способы отражения окружающей действительности. Увлеченный больши-ми эпохами европейского искусства и выросший на уроках мастеров монументальной живописи позднего советского времени, Кошелев напряженно ищет воз-можность революционизировать традицию, придать ей рефлексивно-критический характер. Единственной возможностью для этого сегодня, по мнению худож-ника, является столкновение выразительного языка условного «большого стиля» с другими художествен-ными языками. В случае Кошелева речь идет прежде всего о маргинальных языках – например, граффити (сам живописец имел долгий опыт работы в улич-ном искусстве, оставивший существенный след в его творческом мировоззрении). «Стилистическая вой-на» – термин, которым сам автор нередко описывает характер собственных экспериментов – стратегия, изначально сформировавшаяся именно в низовых артистических сообществах. Жест художника здесь оказывается индивидуалистическим воплощением культурных конфликтов, разворачивающихся в поро-дившем его социуме.Полотно Кошелева, иронически названное «Стрижка для друга», создано в 2008 году и относится к наибо-лее масштабным его ранним произведениям. Здесь художник впервые нащупывает прототип того персо-нажа, который затем воплотится в образе «Последне-го художника» – главного действующего лица нар-ративных циклов Кошелева последних лет. Как часто можно наблюдать в работах этого автора, композиция

Вид экспозиции Егора Кошелева «Phobia», 2009, Галерея АртБерлогаCourtesy Regina Gallery, Moscow

озадачивает зрителя фантасмагоричностью сюжета: молодые люди в свободной уличной одежде стригут лазурного грифона. Нельзя не обратить внимания на исполненную в граффити-стилистике надпись «ТРУЪ», красующуюся на боку сказочного животного – по замыслу художника, выбритую искусными руками фристайл-парикмахеров. Кошелев стремится показать значительность повседневности, подобно художникам «сурового стиля» 1950–1960-х гг. (укрупненные мазки краски, лепящие форму, в чем-то даже перекликаются с манерой суровостильцев), но перед нами предстает повседневность начала третьего тысячелетия – реаль-ность, перекроенная сценаристами и режиссерами фантастических блокбастеров типа «Гарри Поттера» и «Властелина колец». Здесь грифон, эльф, гном или дементор – персонажи настолько обычные, что запро-сто можно представить их в кафе, парикмахерской или тату-салоне в компании наших современников.Отдельно следует отметить высокую исполнительскую культуру, которую демонстрирует представленный холст. Живописные приемы, использованные здесь Кошелевым, отличаются большим техническим раз-нообразием: художник то работает крупной кистью, позволяя жидкой акриловой краске стекать и создавать эффект нерукотворности, то прибегает к свойствен-ной для него в 2006–2010 гг. усложненной «кристалли-ческой» лепке формы.

76Егор Кошелев (р. 1980)Стрижка для друга, 2009холст, акрил200 x 200 см

€ 7,000-9,000 (350,000-450,000 руб)

77Иван Разумов (р. 1972)Частный космос, 2014холст, масло143 х 95 см

€ 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

78 *Константин Латышев (р. 1966)Эбаут, 1989холст, масло130 х 100 см

€ 12,000-15,000 (600,000-750,000 руб)

Константин Латышев – художник, работы которого известны куда больше, чем он сам. Проект «Концептуализм с человеческим лицом», представленный в галерее «Айдан», с немалой самоиронией обозначил жанр, в котором работает художник. Следующие выставки – «Империя добра», «Всё и сразу» и другие – закрепили его репутацию одного из лидеров актуального искусства наших дней. Его произведения находятся в собраниях Московского музея современного искусства, фонда культуры «Екатерина», музея Art4.ru в Москве и т. д. Его персо-нальная выставка «Раздвоение личности», организованная Stella Art Foundation, стала одним из наиболее запоминающихся событий в сфере современного искусства в Москве осенью 2014 года.Для Латышева стилистика поп-арта – лишь одна из узнаваемых форм. При ближайшем рассмотрении его картины оказываются синтезом самых разных культурных феноменов: сентиментальных открыток модерна, футуристических киноплакатов, наглядной агитации советского образца и, наконец, современ-ной рекламы. Собственно, произведения художника, построенные по законам рекламы, обнажают механизм ее действия, в каком-то смысле разоблачают ее. Избранные Латышевым сочетания словесных и изобразительных клише рожда-ют незапланированный юмористический эффект. Все это ярко проявляется в ранней работе художника «About New Wave», напо-минающей о том времени, когда мы еще, не зная иностранных языков, писали английские слова кириллицей, но стремились быть в курсе актуальных тенден-ций западной культуры. Термин «new wave» – «новая волна» – очень многознач-ный в истории культуры, им пользуются для обозначения и ряда направлений в кинематографе Франции и других стран во второй половине XX века (стиль «новой волны» более художественный, более интеллектуальный и менее ком-мерческий), и появившегося в 1960-е годы направления в научной фантастике США и Великобритании, и различных жанров рок-музыки, возникших в конце 1970-х – начале 1980-х годов и выделившихся из панк-рока. Каждый раз бросая взор на эту картину К. Латышева, смотря на этих не тонущих, но пляшущих в пучине морской веселых человечков, ее владелец сможет подумать о чем-то другом: о книгах любимых фантастов Филипа Фармера и Роджера Желязны, о композициях групп New York Dolls и Depeche Mode, о фильме гениально-го Жан-Люка Годара и даже о ежегодном международном конкурсе молодых исполнителей популярной музыки, проходящем в Юрмале с 2002 года; и фильм Годара, и фестиваль в Юрмале так и называются – «Новая волна»…

79 *Наталья Турнова (р. 1957)Маяковский, 1990ткань, масло160 х 110 см

€ 6,000-8,000 (300,000-400,000 руб)

Наталья Турнова окончила Московское высшее ху-дожественно-промышленное училище. С 1996 года – член МоСХа. Именно ее выставкой в сентябре 1990 года открылась галерея «Риджина». Позднее ее пер-сональные выставки прошли в Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, в галереях Москвы и Берлина. Работы находятся в Третьяковской галерее, Дальневосточном художественном музее, Городском музее Оклахомы (США), Музее современ-ного искусства в Лодзи (Польша) и других культурных институциях. В 2006 году была номинирована на пре-мию «Инновация», а в 2010 году ее проект «Диагноз» вышел в финал Премии Кандинского.

80 *Наталья Турнова (р. 1957)Двойной портрет, 1995холст, масло140 х 120 см

€ 6,000-8,000 (300,000-400,000 руб)

Что же характеризует работы Наталии Турновой? Холсты большого формата, насыщенный яркий цвет, крупные мазки. Изображения персонажей даны круп-ным или сверхкрупным планом. Арт-критик О. Хол-могорова отмечала, что в творчестве Н. П. Турновой «нет никакого кокетства, язык ее работ предельно открыт, энергичен и не по-женски напорист… Живя внетусовочно и тихо, а работая вызывающе и мас-штабно, она всегда тяготела к сериям и большим фор-матам».Стиль художницы ярко проявился в такой работе, как портрет Владимира Маяковского. Волевое и выра-зительное лицо поэта, которое занимает большую

часть полотна, подано без прикрас, оно выписано мощными, широкими мазками, будучи представленным в жестких и контрастных белых и черных тонах с се-ро-зелеными тенями, и немного оттенено бледно-ро-зовыми складками полосатой рубашки. Нет никаких мелких деталей, ничего наносного, поверхностного, ничто не отвлекает внимания зрителя от эмоциональ-ного напряжения гения, охваченного мучительным творческим поиском, – и в этом резко очерченном образе, со всей прямотой прорывающемся навстречу зрителю, нет ничего лишнего, ничего мелкого и при-творного – как и в пронзительных и звонких строках поэта.

81Маша Шубина (р. 1979)Самоидентификация из серии «Lost&FounDangerous», 2014холст, масло125 х 170 см

€ 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

82Максим Мамсиков (р. 1968)Без названия, 2013холст, масло100 х 130 см

€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)

Александр Савко родился в Молдавии, учился в Одессе – на отделении сценографии театрально-ху-дожественного училища, затем работал в Тираспо-ле. В конце 1990-х годов жил и работал в сквоте на Бауманской в Москве, вместе с Авдеем Тер-Ога-ньяном, Валерием Кошляковым, Владимиром Дубо-сарским и другими ныне известными художниками. Начиная с 1996 года его персональные выставки многократно проходили в галерее Марата Гельмана, галерее «Айдан», на различных площадках в России и за рубежом (в том числе в 2002 году в Берлине).А. Савко считает, что «самым главным оружием художника является его ирония». В одном из интер-вью он откровенно делился особенностями своего творческого метода: «Помещение персонажей массовой культуры в иную среду – эстетическую, временную, стилистическую – это осознанный ху-дожественный прием. Это эксперимент, это страш-но интересно, когда ты каких-то героев помещаешь в совершенно не характерную для них ситуацию. Тебе самому неизвестно, как они будут себя вести, как они вживую будут сочетаться с другим интерье-ром, с другим контекстом, приемлемы ли они друг для друга».Именно такое «помещение персонажей массовой культуры в иную среду» мы видим на предлагаемой картине «Полдень». Композиционно эта работа сразу же заставляет вспомнить огромный – два на три метра – холст получившего все мыслимые для советского художника награды А. А. Дейнеки (1899–1969) «Раздолье», созданный в 1944 году и ныне хранящийся в Петербурге в Русском музее. А. Савко практически полностью сохранил компо-

зицию А. А. Дейнеки, с той единственной разни-цей, что все девять девушек на полотне советско-го классика одеты – А. Савко же всех их раздел; впрочем, в этом он не сильно ушел от все того же А. А. Дейнеки, создавшего еще в 1941 году картину «Бегущие девушки», где из моря выбегают девушки (правда, не девять, а всего три) полностью обна-женные (эта работа, происходящая из собрания мо-сковского скульптора В. Губко, мастерская которого ранее принадлежала А. А. Дейнеке).Известный художник и культуролог Никита Алек-сеев отмечал: «Александр Савко продолжает поль-зоваться фирменным приемом: хорошо известные образы (кукрыниксовский «Конец», пресловутые герасимовские «Два вождя после дождя», фотогра-фия Ленина и Горького на Капри, репинский Иван Грозный, укокошивший своего сына, давидовская «Клятва Горациев», «Свобода на баррикадах» Делакруа…) он травестирует, меняя их героев на персонажей из мультфильмов и компьютерных игр». Можно вспомнить и яркую серию работ А. А. Сав-ко «Бэкон у Симпсонов». Именно эту центральную особенность творчества А. А. Савко отражает предлагаемая картина, в левой части которой (о чем Дейнека, конечно, не мог и помыслить) – Губка Боб Квадратные Штаны (англ. SpongeBob SquarePants) – придуманный аниматором Стивеном Хилленбер-гом главный герой американского одноименного мультипликационного сериала, премьера которого состоялась в 1999 году. Губка Боб – неуклонно оптимистичный, добрый, забавный, трудолюбивый (работает поваром в ресторане), надежный персонаж, хотя и слишком наивный. Его любимые занятия включают ловлю медуз и надувание пузырей, он играет на гитаре и поет. Со времени показа мультсериала персонаж Губка Боб стал очень популярным среди детей и подростков всего мира, были проданы сотни тысяч кукол с его изображением. Персонаж привлекает миллионы людей из-за своего яркого образа жизни и толерантного отношения к окружающим собы-тиям. Кстати, в одной из серий Губка Боб Квадрат-ные Штаны побывал в России – наверное, в ходе этой туристской поездки он и «увидел» картины А. А. Дейнеки, «поделившись» своими впечатления-ми с Александром Савко… Покупатель этой картины приобретает возмож-ность видеть перед собой соединение легенд двух культур – ремейк работ одного из самых известных советских художников и напоминание об одном из наиболее популярных персонажей американских мультсериалов.

83Александр Савко (р.1957)Полдень, 2010холст, акрил96 х 140 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

84 *Аркадий Петров (р. 1940)Карусель, 1981холст, масло39 х 59 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

«Парк развлечений» Аркадия Петрова представляет интересный для отече-ственного искусства пример того, как художник, получивший фундаментальную профессиональную подготовку, сознательно обращается к опыту наивного твор-чества. Для российского искусства подобный феномен может рассматриваться уже едва ли не как традиция – можно вспомнить неопримитивистские опыты Н. Гончаровой и М. Ларионова, А. Шевченко или же некоторые работы семи-десятников – Т. Назаренко и Н. Нестеровой. Живопись Петрова также можно рассматривать в этой последовательности. Он далек от поверхностной стили-зации примитива: его работы отличаются предельно ясной структурой, строгой логикой композиции и цельностью формы, что показывает высокую культуру пространственного мышления. То же касается его колористических приемов и исполнительской манеры: художник предпочитает тонко нюансированный холодный колорит с явным вкусом к живописному валеру, а его кисть элегантно моделирует упрощенные объемы предметов. Все эти авторские черты свой-ственны представленному полотну. Интересно, что персонажи первого плана здесь сознательно уподоблены фанерным трафаретам, столь типичным для фо-тостудий. Они подчеркнуто антипсихологичны, что делает их явлениями одного порядка с деревом, каруселью, горами – Петров как бы переделывает эти узнава-емые элементы, используя для этого свою собственную «петровскую» материю, подобно тому как в свое время Сезанн облекал в новое живописное вещество купальщиков и гору Сент-Виктуар.

85Константин Латышев (р. 1966)Пилотка, 2014холст, акрил80 х 90 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

86Владимир Кожухарь (р. 1968)Бульвар, 2006холст, масло95 х 130 см

€ 4,000-6,000 (200,000-300,000 руб)

87Олег Хвостов (р. 1972)Купание, 2008дерево, масло100 х 150 см

€ 8,000-10,000 (400,000-500,000 руб)

Олег Хвостов родился в Петербурге, где живет и работает и поныне. Начал активно выставляться и получил известность в конце 1990-х, став членом груп-пы «Товарищество „Новые тупые“». Это было объединение художников – по-клонников Даниила Хармса и русских футуристов. В одном только 1998 году в составе группы Олег Хвостов принял участие более чем в полусотне выставок, художественных акций и перформансов. Был замечен галереей Navicula Artis, где весной 1999 года состоялась его первая персональная выставка «Автопортре-ты – 200+1». В Москве Хвостов впервые появился в 2005 году по приглашению Марата Гельмана. В 2006 году стал стипендиатом Фонда содействия современно-му искусству, жил и работал в Москве. В 2010–2012 годах работал в художествен-ной резиденции «Гридчинхолл» над большой персональной выставкой «Абсо-лютная живопись». По словам арт-критика Станислава Савицкого, «Хвостов пишет идеальные ландшафты, в которых нет ничего, что могло бы помешать созерцанию натуры. Его пейзажное творчество посвящено поискам формы там, где природа берет свое. Аллеи, убегающие за горизонт, сходящиеся меж старых деревьев песча-ные дорожки, дорога, сворачивающая за зеленый боскет, – все эти композиции упорядочены ритмом и геометрией сада. Хвостов взрывает питерскую блеклую хмарь, но дело не сводится к аляповатому китчу. Акрил дает объем, яркость, насыщенный тон – едкий, нахальный и витальный. Идеальные ландшафты, про-никнутые духом неистового примитива, передают зрителю драйв и удовольствие художника». Одним из таких пейзажей является работа «Купание», где изображены обнажен-ные женщины, которые плещутся в реке в лесу и за которыми наблюдает мужчи-на на мосту. Подобные эротические мотивы нередко проявляются в творчестве художника: так, несколько лет назад он воспел русский народный ландшафт с ре-кой, обнаженной женщиной, медведем и оставляющим белый кокаиновый след на небе самолетом. Почти те же образы присутствуют и на этой картине. Они выписаны широкими, жизнерадостными мазками, вид реки и леса складывается из ярких пятен и безудержных линий. Это полотно отсылает зрителя к традиции фовистов и наивного искусства, напоминая об искренних и красочных пейзажах Анри Руссо и Пиросмани...

88Олег Хвостов (р. 1972)Прованский пейзаж, 2014холст, масло150 х 200 см

€ 10,000-12,000 (500,000-600,000 руб)

89 *Константин Батынков (р. 1959)Гол, 2006обои, акрил105 х 200 см

из коллекции Михаила Царева € 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

Константин Батынков родился в Севастополе, но уже в год его рождения семья переехала в Москву. Обосно-вались в квартире на Малой Ордынке: в дореволюци-онном прошлом – солидные апартаменты доходного дома, в советские годы – большая коммуналка на пять семей. Именно здесь, в двух комнатах, в 1960–1970-е годы жила большая семья Батынковых: отец – поляр-ный летчик, мать – учительница математики, четверо детей, тетя, бабушка с дедушкой и прабабушка. К. Батынков вспоминает, что с первого класса рисовал всегда и везде. Его кумиром с юности стал Александр Лабас (1900–1983) – автор первой большой биографии этого художника. Н. Ю. Семенова справедливо отме-чала, что ни до, ни после него никто в русском искус-стве не смог выразить современную жизнь с ее сверх-скоростями с такой остротой и выразительностью. Спустя многие годы искусствовед Антон Горленко отмечал, что в каллиграфических работах К. А. Батын-кова чувствуется дыхание Александра Лабаса и Петра Вильямса.С 1978 г. Константин Батынков стал показывать свои художественные работы на различных выставках, в 1983 г. был принят в Союз художников. С 1985 г. – член группы «Митьки». Постепенно К. А. Батынков становится одним из наиболее известных современ-ных московских художников. В 2009 г. при участии «Крокин галереи» проходит ретроспективная выставка его работ в Московском музее современного искусства, завершающая музей-ный цикл его персонального проекта «Другая жизнь», до этого показанного в музеях Омска и Красноярска. В 2008 г. его работа «The Submarine» была продана за 12 500 фунтов стерлингов на аукционе Sotheby's.В школе любимым предметом Константина была физ-культура, с восьми лет он занимался в баскетбольной секции; команда, в которую он входил, пять раз была чемпионом СССР по баскетболу среди юношей. Играл Константин и в молодежной сборной СССР. Уже буду-чи зрелым художником, он создал цикл из пятнадцати работ на спортивные темы, представленных на пер-

Александр Дейнека, Вратарь, 1934Государственная Третьяковская Галерея, Москва

сональной выставке, прошедшей в июне – июле 2006 года в Центральном доме художника. Предлагаемая большая картина (ее размер – более чем метр на два) была одной из основных на этой выставке.Изображенный в центре картины голкипер, букваль-но парящий параллельно земле в попытке поймать мяч, летящий в правый верхний угол ворот, сразу же напоминает об огромной картине А. А. Дейнеки (1899–1969) «Вратарь», созданной в 1934 году и нахо-дящейся ныне в Третьяковской галерее. Тот факт, что на картине изображены и другие футболисты – при-чем нарочито уменьшенные, да так, что их число не установить и при самом внимательном рассмотрении, заставляет вспомнить эскиз А. А. Дейнеки, созданный гуашью и акварелью все в том же 1934 году и храня-щийся ныне в Сочинском художественном музее: подобные гипертрофированные пропорции между вратарем и всеми остальными спортсменами на поле, также стоящими словно в ряд, выдержаны и там. Вратаря в кульминационные моменты игры рисовали разные художники (так, на картине Л. Н. Бычкова «Футбол. Опасный момент» 1990 г. голкипер броса-ется в левый верхний угол, а на недавно созданном ностальгическом полотне П. И. Рубинского «Динамо 60-х. Футбол» – в правый), но предлагаемую картину не спутаешь ни с какой другой, так как она создана в манере, позволяющей безошибочно отличить именно стиль К. А. Батынкова: об этом свидетельствуют как приглушенная черно-белая гамма, так и парящие над городом вертолеты, присутствующие на многих по-лотнах этого художника. Четко очерченная в глубине полотна телебашня остается высотной доминантной холста, а черно-белая гамма напоминает о том време-ни, когда миллионы людей, затаив дыхание, смотрели спортивные трансляции на экранах тогда еще быв-ших только черно-белыми телевизоров. Художник, с детства много занимавшийся спортом, этой картиной возвращается во времена своей юности – безвозврат-но ушедшей, но на языке искусства остающейся с ним и нами, его зрителями, и поныне.

90Ринат Волигамси (р. 1968)Деревня, 2014холст, масло120 х 120 см

€ 7,000-8,000 (350,000-400,000 руб)

Евгении Чуйковой, дочери известнейшего художника-концептуалиста Ивана Чуйкова и внучке одного из столпов соцреализма Семена Чуйкова, на роду было написано продолжить династию. После окончания Полиграфического институ-та она также училась в Академии искусств в Дюссельдорфе. Ее персональные выставки проходили во многих российских и немецких галереях. Участвовала во многих групповых выставках в Москве, Берлине, Дюссельдорфе, Париже, Сеуле и других городах.

Помимо чисто формальных, оптических игр, картины Е. Чуйковой работают и на вербальном уровне. На металлических поверхностях различаются фра-зы, выбранные автором из электронной переписки, SMS-сообщений, постов в Facebook и «Одноклассниках». Так в картину включаются живые эмоции. Сама Евгения Чуйкова пишет о своем проекте: «Как в классической опере или живом многоголосном общении, “голоса” заглушаются один другим, перекрываются, иногда читаемыми оказываются совершенно случайные слова на фоне нераз-борчивого хора». Используя лак для ногтей в качестве краски и листы металла в качестве холста, Е. Чуйкова соединяет в своих работах женскую эмоциональ-ность и закрытость, скорее присущую мужчинам. Граффити, нанесенные лаком для ногтей, – это одновременно и дань гламуру, который украшает и защищает его носителя, как броня, охраняя от проникновения в личное пространство. В каком-то смысле, это и попытка остановить мгновение, поймать за хвост реаль-ность, уходящую в обрывках фраз, потоках информации – реальность, которая ускользает так же стремительно, как быстро сохнет лак на ногтях.Такова и работа Е. Чуйковой «Чего ждать» из проекта, выставлявшегося зимой 2011 года в галерее «Айдан». Здесь зритель видит обрывочные строки искрен-него розового и напряженного красного цвета, словно летящие по поверхности листа, перекрывающие друг друга, сплетающиеся в беспокойные клубки, будто в комки нервов. Слова «страх», «безответственность», «насилие» почти не чи-таются, но их тревожный смысл и без того очевиден: отчаяние и страх перед будущим наполняют эту работу, сотканную из дерганых нитей фраз и обрывков мыслей, в пугающем беспорядке проливающихся на стальной лист и будто гото-вых захватить своим хаотичным движением всякого, кто окажется рядом.

91Евгения Чуйкова (р. 1972)Чего ждать, 2008сталь, лак для ногтей100 х 200 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

92Джемал Кухалашвили (р. 1952)Старый город, 1992холст, масло50 х 60 см

€ 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)

93 *Таисия Короткова (р. 1980)#5 из серии «Технология», 2008дерево, левкас, темпера50 x 68 см

€ 4,000-5,000 (200,000-250,000 руб)

94Татьяна Ахметгалиева (р. 1983)Я здесь...#2, 2014текстиль, смешанная техника100 х 100 см

€ 5,000-6,000 (250,000-300,000 руб)

обратная сторона

95Таня Пёникер (р. 1994)Мавзолей Краба, 2014бумага, акварель, акварельные карандаши, тушь, кровь художника, ручка, красное вино75 х 110 см

€ 4,000-6,000 (200,000-300,000 руб)

Таня Пёникер принадлежит к поколению, которому еще предстоит заявить о себе на российской арт-сцене. Художница родилась в середине 1990-х, и ее бэк-граунд сформировался скорее под влиянием субкультурных образов. Кредо ху-дожницы состоит в том, чтобы жить эмоциями и прямо их выражать, неслучай-но «Тропик Рака» Генри Миллера – ее любимая книга. Впервые ее работы были выставлены на персональной выставке ее дедушки в известном Художественном музее им. А. Н. Радищева в Саратове, когда ей было 15. «Я выплескиваю на лист бумаги все свои чувства, мысли, воспоминания о каком-то периоде жизни. Все мои работы очень искренние. Художник – всегда аутсайдер, он должен нахо-диться всегда и в обществе, и вне общества, чтобы наблюдать его со стороны. И в жизни художника вообще не может быть ничего нормального, он все время в поиске. Я не могу жить просто, мне нужно все время волноваться, рефлексиро-вать – если у тебя все гладко, неоткуда взяться творчеству», – рассказывает она сама. Известный фотохудожник Влад Чиженков отмечал: «С прямотой и непо-средственностью подростка она обрушивает на зрителя шквал противоречий: уличное граффити, знаки эмо-культуры, готика, насилие, фэшн-индустрия, поэзия в твиттере. Работы художницы – репортаж с фабрики по переработке образов, задокументированный с невероятной точностью».

Работы Тани Пёникер в экспозиции Generation START в рамках параллельной программы Manifesta 10

96 *Влад Кульков (р. 1986)Без названия, 2011холст, акрил, масляный карандаш212 x 140 см

€ 4,000-6,000 (200,000-300,000 руб)

97 *Марья Дмитриева (р. 1983)Без названия, 2011холст, акрил, смешанная техника90 х 90 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

98Дарья Кудинова (р. 1982)Wet Dream, 2013холст, масло160 х 140 см

€ 3,000-4,000 (150,000-200,000 руб)

99Кирилл Рубцов (р. 1971)Курилка из серии «Библиотека», 2013-2014 гг.фанера, смешанная техника76 х 76 см

€ 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)

100Кирилл Рубцов (р. 1971)На диване из серии «Библиотека», 2013-2014 гг. фанера, смешанная техника76 х 76 см

€ 2,000-3,000 (100,000-150,000 руб)

101Виктория Марченкова (р. 1987)Благовещенский переулок из серии «Be calm and VIP», 2014картон, смешанная техника170 х 100 см

€ 1,000-1,500 (50,000-75,000 руб)

Организатором аукциона является ООО "VLADEY" (далее – Организатор аукциона).

Участниками аукциона могут быть юридические лица в лице своих представителей (при наличии надлежаще оформленной доверенности на право участия в аукционе) и совершеннолетние

физические лица (далее – Участники аукциона).

Аукцион проводится 24 ноября 2014 года по адресу: Москва, 4-й Сыромятнический переулок, 1

Для принятия участия в аукционе Участники аукциона до его начала заполняют регистрационную форму ( на сайте www.vladey.net или на стойке регистрации непосредственно перед аукционом)

На аукцион выставляются произведения современного искусства, представленные

в каталоге аукциона.

Аукцион проводится в следующем порядке:

• Участники аукциона, после прохождения предварительной регистрации, в результате которой получают карточку с номером участника.

• Аукционист, выставляя лоты на торги, объявляет их названия и начальную цену.

• Аукцион проводится путем повышения начальной цены предмета аукциона ("шаг аукциона"), при этом "шаг аукциона" устанавливается аукционистом.

• Участники аукциона поднимают номерные карточки в знак согласия приобрести лот по цене, превышающей ранее объявленную на один шаг.

• Победителем аукциона признается Участник аукциона, предложивший более высокую цену лота аукциона. С ударом молотка Аукционист объявляет победителя аукциона.

• Организатор аукциона осуществляет аудио- и видеозапись аукциона.

Помимо цены купленного лота Участник аукциона, выигравший торги обязуется заплатить Организатору аукциона комиссию в размере 20 %

от фактической цены купленного лота.

VLADEYПРАВИЛА ПРОВЕДЕНИЯ АУКЦИОНА:

Участник аукциона, выигравший торги, расплачивается с Организатором аукциона наличными денежными средствами, кредитными картами (Visa, МаsterCard, American Express) или платежным

переводом в течение 5 дней с даты проведения аукциона.

Купленные на аукционе произведения искусства вывозятся Участником аукциона, выигравшим торги, при условии их полной оплаты, в течение 10 дней с даты проведения аукциона.

В случае, если Участник аукциона не вывозит произведение искусства в течение 10 дней с даты проведения аукциона, хранение произведения искусства осуществляется Организатором при

условии возмещения Участником аукциона расходов по хранению.

Организатор аукциона готов оказать содействие Участнику аукциона в доставке купленных на аукционе произведений искусства за его счет.

За лоты, помеченные специальным знаком (*), Участник аукциона, выигравший торги, дополнительно выплачивает авторское вознаграждение, рассчитанное в соответствии со статьеи

1244 Гражданского кодекса Россиискои Федерации (право следования).

Авторское вознаграждение выплачивается исходя из следующего расчета:

Цена произведения (в рублях) Размер вознаграждения (в рублях)

До 100 000 р включительно 5 %

от 100 000 р до 1 700 000 р включительно 5 000 р + 4 % от суммы, превышающеи 100 000 р

от 1 700 000 р до 7 000 000 р включительно 69 000 р + 3 % от суммы, превышающеи 1 700 000 р

от 7 000 000 р до 12 000 000 р включительно 228 000 р + 1 % от суммы, превышающеи 7 000 000 р

от 12 000 000 р до 17 500 000 р включительно 278 000 р + 0,5 % от суммы, превышающеи 12 000 000 р

от 17 500 000 р 305 500 р + 0,25 % от суммы, превышающеи 17 500 000 р

КОТИКИ В МАНЕЖЕНовый Манеж, Георгиевский пер, 3

29.12 - 21.01www.vladey.net

4ОСЕННИЕ ТОРГИ

МОСКВА/ 24 НОЯБРЯ 2014/ 20:30

Documents

Vladey 4 lo-fi