Educacion artistica 1_año

Educación Artística Página 1

EDUCACIÓN ARTÍSTICA

LECCIÓN N°1

Objetivo: Conocer, apreciar y fomentar la creatividad en educación

artística y estética.

1.1

Introducción

Las manifestaciones artísticas han rodeado siempre la cotidianidad de los seres

humanos quienes a lo largo de su historia han tenido que desarrollar su percepción, a

través del aprendizaje de los lenguajes artísticos y sus códigos particulares.

La Educación Estética es un proceso único en el que participan plenamente la

inteligencia y sensibilidad humana, sus funciones cognitivas complejas, el dominio de la

expresión corporal, la representación de las emociones a partir de cada experiencia

individual y cultural, la creatividad y deseo de aprender y crear, y la comunicación en la

que interviene la identidad y las capacidades críticas.

Todos los anteriores son aprendidos por medio del cuerpo a través de sus sentidos. El

desarrollo de las capacidades estéticas de los estudiantes, al provocar

fundamentalmente, la experiencia interna (vida psíquica) y externa (realidad percibida a

través de los sentidos), está condicionada en la actualidad por la infotecnología (grupo

de herramientas para el manejo, organización y procesamiento de la información digital)

y la cultura visual.

El objetivo de la educación estética entonces busca potenciar la imaginación y la

creatividad, desarrollando la participación y la comunicación de los estudiantes, a fin de

lograr nuevas capacidades en función de su formación integral y su integración social.

Es decir, de manera resumida la Educación estética persigue que los estudiantes


puedan “Conocer, disfrutar, apreciar, crear, desarrollar identidad y criticar los procesos

artísticos y su apropiación personal como mediadores del pensamiento emocional para

la interacción social y el desarrollo de la creatividad”.

El advenimiento de las nuevas tecnologías conduce a las nuevas generaciones por

diferentes procesos cognitivos estrechamente ligados al mundo estético a través de

imágenes, sonidos, texturas, colores y estímulos que generan sensaciones y

sentimientos en cambiantes entornos comunicativos.

1.2 Conceptos

Básicos

La Educación Estética tiene estrecha relación con otras áreas y conocimientos que se

utilizarán a lo largo del curso, estos conceptos son la base para construir ideas más

complejas y frecuentemente las estaremos tratando; por tanto es muy importante

tenerlas muy bien clarificada.

Estética.- ciencia que estudia el conjunto de valores relacionados con lo bello que el

hombre encuentra en el mundo que lo rodea, ya sea creada por él en su diario vivir o de

manera natural.

Educación estética.- proceso educativo orientado a la formación y/o desarrollo de una

actitud estética en el hombre, hacia todo lo que posee valor estético en el mundo, lo

cual contribuye al desarrollo integral de la personalidad en relación a su contexto

sociocultural.

La educación estética se manifiesta en:

a. La naturaleza.- se puede apreciar en la puesta del sol, en el canto de un pájaro

en la observación de un paisaje, etc.

b. Las relaciones humanas.- al sentir placer ante su pareja, ante un gesto solidario

de un amigo, etc.

c. Los objetos creados por el hombre.- una obra de ingeniería civil, un

aparato tecnológico novedoso, etc.

d. El propio hombre.- de manera externa en su apariencia física desde su forma

de vestir, peinarse, etc., y de manera interna en sus sentimientos, cualidades

morales, etc.

e. El arte.- disfrute apreciación y creación de obras de arte tales como la pintura

escultura y demás.

Una de las principales vías para la educación estética es la educación artística la cual

educa a las personas para que comprendan, sientan, aprecien y hagan arte, formando

seres sensibles ante el arte y creadores de sus propias obras.


Educación Artística.- es un método de enseñanza que ayuda a las personas a

canalizar sus emociones a través de la música, la educación plástica (dibujo, pintura,

escultura, fotografía, cine, televisión, etc.) y la educación expresiva del cuerpo (danza o

teatro.)

La educación artística desarrolla capacidades, actitudes, hábitos y comportamiento,

incrementa las habilidades y destrezas, siendo un medio de interacción, comunicación y

expresión de sentimientos, emociones y actitudes que permiten la formación integral de

los individuos.


LECCIÓN 1

NOMBRE: _______________________________________________________________

PARALELO: _______ CURSO: _________________ LECCION N°:____________________


INVESTIGO:

Consulta y escribe dos obras maestras en cada una de las ramas de la educación

artística mencionadas a continuación

Literatura: ……………………………………………………………………………..

Música: ……………………………………………………………………………..

Pintura: ……………………………………………………………………………..

Danza: ……………………………………………………………………………..

Teatro: ……………………………………………………………………………..

Cine: ……………………………………………………………………………..

CUESTIONARIO:

a. ¿Cuál es el objetivo de la educación estética?

……………………………………………………………………………………………………

……………………………………………………………………………………………………

………………………………………………………………………………………

b. Escribe un ejemplo de cómo la educación estética se relaciona con:

La naturaleza………………………………………………………………………..

Las relaciones

humanas…………………………………………………………...

Los objetos creados por el hombre

………………………………………………

c. Escribe una semejanza y una diferencia entre la educación estética y la

educación artística.

GLOSARIO

Cotidiano.……………………………………………………………………………………

Cognoscitivo.…………………………………………………………………………………

Psíquico………………………………………………………………………………………

Advenimiento…………………………………………………………………………………

Mediador


BUSQUE CINCO PALABRAS QUE USTED DESCONOZCA EN ESTÁ LECCIÓN

CON SU

RESPECTIVO SIGNIFICADO:

1. ……………………………………………………………………………………………

2. …………………………………………………………………………………………….

3. ……………………………………………………………………………………………..

4. ……………………………………………………………………………………………..

5. ………………………………………………………………………………………………

Firma del estudiante Firma del profesor Calificación

OBSERVACIONES………………………………………………………………………………

…………

………………………………………………………………………………………………..


Lección N° 2

CINE

Objetivo: Conocer la definición de cine y adentrarse al

mundo del mismo.

Introducción a la historia y estética del cine

El poder de convocatoria del fenómeno cinematográfico ha demostrado que puede

superar en un grado muy elevado al de otras actividades carácter cultural, social y

religioso. Dichas producciones en poco más de un siglo han logrado un reconocimiento

económico, comunicativo y estético sin precedentes, más aun con el impulso de las

nuevas tecnologías que se han alineado para contribuir a su desarrollo y

espectáculo.

Definición

El cine (abreviatura de cinematográficas) es la técnica de proyectar fotogramas

de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, al cual se lo

conoce con el nombre de video, película, filme o film.

Historia del cine

El cine hace su aparición el 28 de diciembre de 1895, mediante la proyección pública de

la salida de obreros de una fábrica francesa, la demolición de un muro , la llegada de

un tren y un barco saliendo de un puesto, por parte de los hermanos Lumiere.

Posteriormente después de crear cerca de 500 películas de este tipo y con los

espectadores aburridos por la monotonía de las tomas, aparece George Meliés quien

desarrollo nuevas técnicas cinematográficas presentando los filmes “viaje a la luna” en

1904 y 2 viaje a través de lo imposible” en 1904, para los cuales empleo los primeros

efectos especiales. Posteriormente los films conocidos como cine mudo, en el que se


destacaron grandes directores como Alfred Hidchcock y Charles Chaplin, hasta que en

1927 se estrena l primera película con sonido denominada “el cantante de jazz”. No

fue sino hasta 1935, que apareció las películas a color con la cinta “la feria de

las vanidades”, demostrándose una gran mejoría en 1939 con “lo que el viento se llevo”.

Con el surgimiento de las voces, en 1928 hace su aparición el cine animado con Mickey

Mouse de Walt Disney, género que incorporo a los niños como espectadores.

Con la llegada de la segunda guerra mundial el cine se basa en la propaganda

nacionalista, el documental de guerra o el producto escapista. Al terminar la guerra las

producciones fílmicas abordan temas humanitarios, policiacos y relacionados con los

padecimientos a lo largo de la guerra. A partir de los años 50 con la aparición del

televisor, el cine decrece en número decrece en número de espectadores por lo

Que se vuelve más espectacular, por lo que la pantalla crece, se proyecta en color y el

sonido se convierte en estéreo.

A finales de los años 70, después de un cine basado en el catastrofismo, quizá como

reflejo del peligro atómico, se impone las superproducciones desde el punto de vista de

la calidad y rentabilidad con producciones como “ la guerra de las galaxias” 1977 de

George Lucas. A partir de os años 80, la aparición e introducción del video y el

aumento de los canales televisivos permiten que muchos espectadores del cine, se

queden en casa, por lo que el cine busca nuevamente la espectacularidad que gracias

a los nuevos procedimientos para crear efectos especiales se realizan producciones

basadas en héroes del comic como “Superman”. En los años 90 continúan los comics

en las salas de cine, así como las comedias clásicas, los grandes dramas, los dibujos

animados, así como series de televisión exitosas creadas para la pantalla grande. Con

el aparecimiento del computador y su capacidad para manipulas imágenes inicia una

nueva era del cine en la que los hombres de carne y hueso son fácilmente

transformados en hombres cibernéticos, reviven los dinosaurios, así como los

personajes muertos hace décadas. Se estrena la primera película creada

completamente en el computador denominada” Hoy Story” en 1995, considerada la

primera cinta creada en su totalidad con efectos de animación digitales en estrenarse

en la historia del cine. Actualmente el cine ha tenido un nuevo repunte gracias a la

tecnología

3D que mediante el uso de unas gafas especiales permite ver las producciones

cinematográficas tal como lo viéramos en el mundo real, lo que ha volcado

enormemente al público nuevamente hacia las salas del séptimo arte.

Estética del cine

La estética abarca la reflexión de los que consideramos fenómenos artísticos, por lo

tanto, la estética del cine comprende el estudio del cine como arte y el estudio de los

filmes como mensajes artísticos.

La estética del cine comprende dos aspectos: es aspecto estético propio del cine y el

análisis de los filmes o la crítica en el sentido de la palabra, tal como se utiliza en las


artes plásticas o la musicología.

Realización cinematográfica

Generalmente el cine de producción industrial requiere de cinco etapas para su

realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. El equipo

técnico básicamente está conformado por:

El productor cinematográfico, principal responsable de los aspectos organizativos

y técnicos de la elaboración de una película.

El director cinematográfico, encargado de la filmación de la película y dar las

instrucciones a los actores y personal técnico para garantizar la calidad del filme.

El guionista, encargado de crear el guion ya sea una historia original, una

adaptación de otro guion o de una obra literaria.

El técnico de sonido, encargado del sonido durante el rodaje y quien luego

junto al editor de sonido, el compositor de la música, los artistas de efectos

sonoros y doblaje, generan la banda sonora original.

El director de fotografía, encargado del encuadre, la iluminación, la óptica y todo

lo visual de la producción.

El montador, encargado del montaje cinematográfico, es decir de escoger

una vez rodada la

Película, ordenar y elegir una selección de planos, de acuerdo al punto de vista

del director y del propio montador.

Así mismo, la producción contara también de la participación de un director de

arte, escenógrafos, maquilladores, utileros, dobles, etc.


Lección No. 2

NOMBRE: _______________________________________________________________



¿Qué es el cine mudo?

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CUESTIONARIO

¿Qué es cine?

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¿Cuál es la fecha oficial del nacimiento del cine?

……………………………………………………………………………………………………

……………………………………………………………………………………………………

Enumere las cinco etapas de realización cinematográfica

……………………………………………………………………………………………………

……………………………………………………………………………………………………

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GLOSARIO

Fotogramas:

…………………………………………………………………………………

Cinematografía……………………………………………………………………………

…

Comedia:……………………………………………………………………………………

Rodaje:………………………………………………………………………………………

Preproducción:

………………………………………………………………………………………..


BUSQUE CINCO PALABRAS QUE USTED DESCONOZCA EN ESTA LECCIÓN

CON SU RESPECTIVO SIGNIFICADO:

1.-

2.-

3.-

4.-

5.-

Firma del estudiante Firma del profesor

Calificación

OBSERVACIONES………………………………………………………………………………

…………

………………………………………………………………………………………………..


Lección N°3

Objetivo: Conocer y formar a espectadores en los recursos técnicos y personales

necesarios para el desarrollo del cine.

Elementos Fundamentales de un Filme

El cine es considerado como séptimo arte.

Elementos del Lenguaje audiovisual.

Desde el punto de vista de la imagen fílmica, tenemos distintos componentes, que

los describimos brevemente a continuación.

A) El Fotograma.- cada una de las fotografías fijas (diapositivas o imágenes)

que forman el conjunto de una película cinematográfica rodada en celuloide.

Es el elemento más pequeño de una película.

B) El Plano.- conjunto de imágenes que constituyen una misma forma. Hay de

diferentes formas según el ángulo de la cámara. Los diferentes tipos de planos

que se utilizan en el cine dependen de la distancia existente entre la cámara y el

sujeto fotografiado, además por la longitud focal del objetivo empleado.

C) Movimientos de cámara.- los movimientos de cámara pueden ser ópticos o

físicos, entre los que destacan los movimientos físicos y los movimientos ópticos

de la cámara.

D) La luz.- la utilización de la luz y la sombra en las grabaciones permiten crear

una atmósfera

determinada, ayuda a expresar sentimientos y emociones y resalta la

profundidad de los ambientes. La luz puede ser natural o artificial y su estilo

puede ser realista o efectista.

E) El vestuario.- el uso del vestuario en el cine no es diferente al que se lo utiliza

en el teatro pero si es más marcada su importancia distinguiéndose los

siguientes tipos:

En el vestuario realista.- el sastre lo diseña conforme a la realidad histórica

del libreto.

En el vestuario parar realista.- el sastre se inspira en los documentos de

la época, pero los rediseña buscando una espectacularidad de la


indumentaria por encima de su

exactitud histórica.

En el vestuario simbólico.- la exactitud histórica no tiene importancia y la

indumentaria sirve fundamentalmente para ayudar a caracterizar el

carácter de los personajes, así como su clase social o estado de ánimo.

F) Los Decorados.- es el espacio preparado para el rodaje de escenas, construido

con diferentes materiales y que permite simular lugares reales. Los tipos de

decorados son interiores o exteriores y reales o artificiales.

G) El color en el cine.- El color en el cine proporciona mayor adecuación a la

realidad y una amplia libertad para el juego

De carácter creativo. Adicionalmente el color juega un papel fundamental en la

sensación de proximidad o lejanía de un filme por ejemplo los colores cálidos

(rojo, naranja, amarillo) dan una impresión de proximidad, mientras que los

colores fríos (verde, azul, violeta) dan una impresión de lejanía.

Simbolismo del

color.

COLOR SIGNIFICADOS TÍPICOS Negro Formalidad, nitidez, riqueza, fuerza, elegancia Azul Frialdad, melancolía, depresión, tranquilidad, serenidad,

grandeza. Oro Amor, realeza, riqueza, imperial. Rojo Pasión, ira, odio. Rosado Ternura. Anaranjado Festividad, alegría, energía, salud. Amarillo Claridad, madurez, traición, vergüenza. Verde Frescura, crecimiento, juventud. Blanco Pureza, virginidad, limpieza inocencia, paz. Violeta Lujo, religiosidad, ostentación.

H) El sonido.- desde el inicio el cine contó con la utilización del sonido en la

proyección de sus

imágenes, ya sea mediante el acompañamiento musical en vivo o mediante la

utilización de máquinas especiales que producían sonidos como tempestades o

el trinar de los pájaros y a partir del año 1922 se logra integrar dentro del filme

tanto la imagen como el sonido dando inicio al cine sonoro. El cine

cinematográfico actualmente se presenta en forma de voz, música, ruidos o

efectos y silencios y su función está estrechamente relacionada en función de la

imagen.

La voz junto con la imagen desarrollan el relato de manera lógica,

ayudan a economizar el filme y hacerlo más comprensible.

La música cumple la función de anuncio y reiteración cada vez que

aparece un personaje u ocurre una situación.

Los ruidos y los efectos son utilizados principalmente como elementos

onomatopéyicos de los objetos que aparecen en la imagen.

El silencio es utilizado como un valor altamente emotivo.


PLANOS VISUALES Y SONOROS.

Así como el lenguaje verbal utiliza sustantivos, verbos, adjetivos, y otros elementos

gramaticales, el lenguaje audiovisual se construye utilizando algunos elementos

morfológicos que se dividen en visuales y sonoros (música, efectos de sonido, palabras

y silencios); pero además de estos elementos para construir un mensaje verbal, es

necesario seguir ciertas normas sintácticas que nos permitan elaborar frases con

sentido, de igual modo, al crear un mensaje audiovisual tenemos que seguir ciertas

normas sintácticas, que influirán en su significado final. Estos aspectos sintácticos a

considerar son los planos, los ángulos y los movimientos de cámara, los cuales a su

vez estarán integrados ordenadamente tanto de manera visual como sonora.

A continuación detallaremos los principales planos que nos permitirán crear mensajes

audiovisuales efectivos:

Planos.- indican la cercanía o lejanía de la cámara respecto a lo que se filma. Los

principales planos que se utilizan son:

Gran plano general.- también conocido como plano panorámico, muestra un

escenario amplio en donde aparecen muchos personajes. Existe una gran

distancia entre la cámara y el objeto a filmar.

Su objetivo es mostrar el espacio en donde se desarrolla la escena, siendo utilizado

muchas veces

Para destacar la pequeñez de los personajes en un contexto.

ano general.- capta a los personajes de cuerpo entero y muestra en detalle el

entorno que los rodea. Se utiliza para comenzar una escena o situar una acción.

Frecuentemente aparece como portada de las películas.

Plano entero.- se realiza de manera más cercana y muestra el cuerpo del

personaje como límite de toda la pantalla (de los pies a la cabeza) muestra a la

perfección la acción que desarrollan los actores permitiendo apreciar sus

características físicas.

Plano medio.- la cámara se ubica cerca y muestra el personaje de la cintura

hacia arriba, presenta la acción que despliega el actor, permitiendo apreciar sus

emociones.

Plano americano.- similar al plano medio, pero muestra al personaje de las

rodillas, hacia arriba, poniendo énfasis en el rostro y manos del actor. Fue muy

utilizado en las películas del viejo oeste donde se mostraba las pistolas y rostro

del vaquero.

ano conjunto.- en el encuadre aparecen dos personas, utilizados

generalmente en conversaciones.

lano medio corto.- la cámara muestra al personaje desde la cabeza hasta la

mitad del pecho, permitiendo una atención máxima en el personaje.


Primer plano.- la cámara muestra el rostro

y los hombros del personaje, mostrando confidencia e intimidad respecto al

personaje.

imerísimo primer plano.- capta el rostro del actor desde la base del mentón

hasta la parte de arriba de la cabeza dotando de gran significado a la imagen.

Plano detalle.- muestra en su máxima expresión a una figura, personaje u

objeto destacando algún detalle que de otra forma pasaría desapercibido.

Plano secuencia.- secuencia filmada de manera continua, sin corte entre

planos, en la que la cámara debe desplazarse bajo una meticulosa

planificación.

Plano subjetivo.- esta toma nos muestra desde el punto de vista del personaje,

es decir vemos la

Acción y los acontecimientos como si fuésemos el personaje mismo dentro de la

pantalla.

F

i

c

h

a

N

o

.

3

COLEGIO PARTICULAR A DISTANCIA “CONTINENTAL”

Acuerdo Ministerial Numero Nº 3701


L

LECCION N°3

NOMBRE: _______________________________________________________________





INVESTIGO

Ver la película “THE KID” de Charles Chaplin y emitir un comentario.

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CUESTIONARIO

Define

¿Qué es un plano general?

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¿Qué es un plano medio?

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¿Qué es un plano secuencia?

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¿Qué proporciona el color en el cine?

………………………………………………………………………………………………………

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GLOSARIO

Pararrealista………………………………………………………………………………

Simbólico…………………………………………………………………………………

Indumentaria………………………………………………………………………………

Onomatopeya……………………………………………………………………………

Infotecnología……………………………………………………………………………

BUSQUE CINCO PALABRAS QUE USTED DESCONOZCA EN ESTÁ LECCIÓN

CON SU

RESPECTIVO SIGNIFICADO:

1. ……………………………………………………………………………………………

2. ……………………………………………………………………………………………

3. ……………………………………………………………………………………………

4. ……………………………………………………………………………………………

5. ……………………………………………………………………………………………

Firma del estudiante Firma del profesor

Calificación

OBSERVACIONES…………………………………………………………………………………

………

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Lección N° 4

ELEMENTOS FUNDAMENTALES DE UN FILM

Objetivo: Conocer cuáles son los elementos fundamentales para la producción

de una película.

Ángulos.- Según la posición de la cámara, podremos captar el objetivo bajo distintos

ángulos entre los que destacamos:

Angulo normal: El ángulo de la cámara es paralelo al suelo a la altura de la mirada

del personaje. Es el que se utiliza habitualmente

Angulo picado: Este ángulo se obtiene dirigiendo la cámara desde arriba hacia

abajo del personaje, haciendo este parezca más pequeño en relación a su entorno.

Contrapicado: Este ángulo se obtiene dirigiendo la cámara de abajo hacia arriba del

personaje, haciendo que este parezca más grande en relación a su entorno.

Inclinación lateral: El ángulo de la cámara se ubica con una inclinación hacia un

costado, mostrando de esta manera imágenes inclinadas.




Movimientos de cámara: Como lo habíamos visto anteriormente los movimientos de

cámara pueden ser físicos u ópticos.

1. Movimientos físicos de la cámara:

La panorámica es el giro dela cámara sobre su propio eje. Puede ser horizontal,

vertical u oblicuo.

Se utiliza generalmente para descubrir un escenario o para relacionar elementos

de una misma escena que no aparecen en el mismo cuadro.

El travelling es un movimiento que desplaza la cámara de un lugar a otro,

normalmente sobre unos rieles, grúa o el movimiento del camarógrafo. Los

principales movimientos son travelling lateral y travelling frontal.

El movimiento libre es cuando la cámara se mueve sin seguir un orden

concreto. También se lo conoce como cámara al hombro o steadycam, muy

utilizado en filmaciones sobretodo televisivo realizado en condiciones difíciles

como accidentes, guerras o aglomeraciones.

2. Movimientos ópticos de la

cámara

El zoom se realiza con las cámaras que tienen objetivos de focal variable u

objetivos zoom.

Permite hacer que los objetos se acerquen o se alejen sin desplazar la cámara.

Mediante el uso del zoom los objetos que se acercan se comprimen, impidiendo

encontrar áreas escondidas detrás de los objetos. Actualmente se evita usar este

recurso de manera excesiva pues cansa y marea al espectador.

El desplazamiento es de foco es un movimiento óptico que permite descubrir

nuevos elementos dentro de un plano.

Organización de los planos

Todos los planos dependen de cuatro elementos que se diferencian según se muevan o

no, los cuales son: El objetivo.- Hay diferentes clases de objetivos con diferentes

características. Un cambio de objetivo o una alteración de la colocación influyen en el

contenido del plano.

La cámara.- Como ya vimos anteriormente la cámara puede rodar hacia arriba o hacia

abajo, en picado o contrapicado, o a derecha o a izquierda, en panorámica.




La montura.- Se trata de soporte en el que se asienta la cámara que puede moverse

hacia arriba o hacia abajo, a la izquierda o a la derecha, en dirección lateral,

acercándose o alejándose del individuo. Hay monturas que se colocan en el hombro, en

un trípode, hasta una grúa totalmente mecanizada.

El sujeto.- Puede tratarse de una o más personas, un ser vivo, un objeto animado o un

objeto no animado. Una adecuada organización de los planos se realiza ya en el

proceso de montaje.

El montaje como proceso básico

El montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una

película, de forma que el espectador los vea tal y como quiere el director. La

manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y

por lo tanto el mensaje, de una película. Un montaje se puede realizar mediante

uno de los siguientes procedimientos:

Por corte.- mediante este procedimiento la transición entre plano y plano no es

percibida por el espectador.

Por encadenado.- la transición es gradual de plano a plano que se la consigue

montando una sobre otra las imágenes y si es percibida por el espectador.

Cada uno de los procedimientos se elige según los requerimientos del director.

El resultado de un montaje dependerá de los elementos que se utilizan y como

se los utilice.

La razón de realizar un montaje básicamente es darle continuidad al filme y

producir un efecto psicológico en el espectador.

Manejo del encuadre, la puesta en escena, la narración, las actuaciones y otro

recursos cinematográficos.

El proceso de creación de una película consta de tres grandes fases, muchas veces

difíciles de separar. La primera fase es la de preparación o producción en la que se

establece el guion, una sinopsis del filme y todos los aspectos necesarios para el rodaje

del filme. La segunda fase, que consiste en el rodaje en sí, al que también se le conoce

como la fase de producción del film, aquí intervienes los actores y el equipo de

especialistas en distinto campos que contribuyen en dicha producción. Finalmente la

tercera fase, denominada post producción donde se realiza el trabajo de montaje,

es considerada para muchos cineastas, la fase más importante pues da el ritmo a la

película e inclusive su sentido.

El éxito y calidad de un filme, sin embargo, va a depender del éxito y calidad de cada

una de sus etapas, pues cada una depende del trabajo de la anterior, ya que en

definitiva se monta lo que se ha rodado.




En la fase de producción, el uso que le demos a muchos de sus elementos

condicionara a la calidad final de in filme; entre los que podemos mencionar:

El encuadre.- Se lo puede definir como la distancia relativa que existe entre el

sujeto u objeto representado y el observado, lo que nos permite tener la

impresión de estar cercano lejos del motivo principal de la imagen. Existen

diferentes encuadres los cuales van desde el más cerrado hasta el más abierto.

La puesta en escena.- Hace referencia a plasmaren imágenes el guion de la

película, para lo cual el director deberá conjugar todos los elementos necesarios

tales como decorados, escenografía, iluminación, vestuarios, caracterización,

interpretación, sonido, etc. En resumen la puesta en escena es el momento que

coincide con la entrada y salida de los personajes al marco de escena, es decir,

el momento que el director empieza diciendo: luces, cámara, acción hasta

que grita corten.

La banda sonora.- estrecha banda a lo largo de un margen de los

fotogramas en la que esta registrado el sonido, compuesto por diálogos, los efectos

de sonido y la música. En el montaje de una película, en la edición de un video se lo

puede incorporar al filme de manera separada para mejorar la calidad, eliminar

ruidos producidos durante la filmación, agregar efectos especiales, etc.

El tiempo en el cine.- la habilidad del director para resumir en unas cuantas

escenas diferentes periodos de tiempo, permite observar al espectador

trasladarse a lo largo del tiempo imperceptiblemente. Con la ayuda de la persona

que realiza el montaje , de manera visual se comprime o expande el tiempo a

través de las hojas de un calendario que va pasando, titulares de diarios,

escenas del desayuno que se muestran desde el presente hacia el pasado o

futuro, etc.

La actuación.- expresión verbal; a diferencia del teatro en la que la

exposición hacia los espectadores es directa, la actuación cinematográfica está

sujeta a la medición de la cámara, el montaje y otros elementos que permiten

modificar la interpretación original. Durante la filmación, las escenas se

ruedan plano a plano, por lo que se realizan varias tomas de los mismos,

supeditados a factores económicos y el plan de rodaje que obliga a los

actores a interpretar algunos papeles de manera no secuencial lo que hace que

pierda continuidad de la trama del filme.




Diseño de una historia utilizando storyboard

El storyboard conocido también como guion grafico está formado por

un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia que sirve de guía para

entender una historia, pre visualizar una animación o seguir la estructura de una

película antes de realizarse o filmarse.

Características básicas de estructura del storyboard:

El storyboard está formado por viñetas o cuadros en los que se dibujan las

imágenes más importantes de la acción.

Las imágenes corresponden a los planos o tomas específicas de cada escena,

determinados por el realizador del storyboard, por lo que el dibujante deberá

poseer conocimientos básicos del lenguaje visual del cine y televisión, sobre

todo en lo referente a planos, ángulos y movimientos de cámara.

Existen infinidad de variantes para ordenar las viñetas, es recomendable

diseñarlo para leer de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo.

Junto a cada viñeta se escriben generalmente la siguiente información:

número de la escena, identificación de la escena, numero del plano, breve

descripción del audio, breve descripción de la imagen a filmar, etc.

La memoria visual del entorno

“la imagen se recuerda mejor que la palabra” con esta fase queremos dar a notar la

importancia de la imagen en nuestra vida diaria y que se encuentra relacionada con la

capacidad que tenemos las personas para recordar rostros, formas o cualquier objeto

que lo miremos.

Actualmente la industria del cine con la ayuda de la tecnología ofrece imágenes

impactantes y de alta calidad que nos permiten tener un recuerdo casi real de lo

observado en la pantalla.

Evaluación de la calidad artística de un filme

Para determinar la calidad artística de un filme (y no limitarse a repetir lo que otros han

dicho), necesariamente se deberá analizar las películas, a sus actores y la estética de

la misma. Esto no implica que no vayamos a disfrutar de la obra fílmica, por el

contrario es una forma más culta de apreciarla, ya que además de estimular su

belleza, se reflexiona sobre ella y se descubre los procedimientos de su creación.

Las fichas filmográficas representan un modelo de análisis simplificado útil para

la lectura e interpretación de un filme. Dependiendo del género de la película

resaltaran distintos elementos, por ejemplo, en una comedia musical serán muy

importantes la escenografía y la banda sonora, mientras que en un drama resultara




indispensable el análisis de los personajes y los diálogos.

La ficha técnico- artístico

El uso de esta ficha permite explicar elementos del contexto de la

producción tales como:

Empresa productora

Año y país

Productor

Guionista

Operadores

Actores

Género

Sonido

Fechas y lugar de rodaje formato de película

Fecha de estreno

Recaudación y número de espectadores, etc.

EDUCACIÓN ARTISTICA

26

Ficha No. 4

NOMBRE: _______________________________________________________________



27

INVESTIGO

¿Qué es un cortometraje?

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.........................................................................................................................................

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CUESTIONARIO

Los planos dependen de cuatro elementos que se diferencian según se muevan o no,

los cuales son:

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……………………………………………………………………………………………………

……………………………………………………………………………………………............

.................................................................................................................................

¿Qué es el montaje? Procedimientos para realizar un montaje:

……………………………………………………………………………………………………

……………………………………………………………………………………………………

……………………………………………………………………………………………………

………………………………………………………………………………………..

Explica en tus propias palabras, en que consiste la pre-producción, la producción y

la post-producción de un filme.

……………………………………………………………………………………………………

……………………………………………………………………………………………………

……………………………………………………………………………………………………

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…………………………………………………………………………………


28

GL

OSARIO

Contrapicado: ………………………………………………………………

Plano…………………………………………………………………………

Encadenado:…………………………………………………………………

Escenografía:…………………………………………………………………

Escena: ………………………………………………………………………

BUSQUE CINCO PALABRAS QUE USTED DESCONOZCA EN ESTA

LECCIÓN CON SU RESPECTIVO SIGNIFICADO:

1.

……………………………………………………………………………………………………

2.

…………………………………………………………………………………………………..

3.

………………………………………………………………………………………………….

4.

………………………………………………………………………………………………….

5.

…………………………………………………………………………………………………..

Firma del estudiante Firma del profesor Calificación

OBSERVACIONES……………………………………………………………………

………………………………………………………………………………………………..


29

LECCION 5

EL STORYBOARD

Antes de pasar a la filmación de una

película se debe elaborar un guion. El

guion cinematográfico es un

documento de producción, en el que

se expone el contenido de una obra

cinematográfica con los detalles

necesarios para su realización y

contiene la división por escenas,

acciones y diálogos entre personajes,

acontecimientos, descripciones del

entorno y acotaciones breves para los

actores sobre la emoción con que se

interpretará. Existen guiones literarios

y guiones gráficos como el

Storyboard.

El storyboard se utiliza para definir las

secuencias, así como las variaciones

de plano, gestos y posiciones de los

actores, en cada una de las escenas

antes de rodarla. Además, incluye

anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta por el

equipo técnico al momento de rodad. En la creación de un estoryboard, los personajes

y el fono se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los

elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento

de cámara o de actores, o la expresión de un actor en un plano determinado.

El stroyboard ayuda a visualizar las ideas del guionista y es muy utilizado en películas

con diseños visuales muy elaborados. En el storyboard, cada dibujo va acompañado de

un comentario descriptivo de la acción, narración o diálogo.

El producto final es muy parecido a una tira cómica con viñetas individuales que

presentan las imágenes importantes del desarrollo de la historia. Se puede hacer

utilizando fotografías, recortes de revistas, transparencias y, en general, cualquier

material visual. Puede diseñarse a lápiz, a tinta, a color o en blanco y negro. La calidad

artística es lo de menos si el storyboard explica claramente lo que se quiere captar en

cada escena.

Las mejores razones para elaborar un storyboard son las siguientes:


30

1. Facilita visualizar el desarrollo de la

historia de una manera más clara

2. Permite al guionista ubicar precisamente el efecto que quiere, haciendo sus

indicaciones en dibujos.

3. Le permite al guionista saber si una acción dada se traducirá bien del guión a la

escena.

Características básicas de la estructura del Storyboard

El storyboard está formado por viñetas o cuadros, proporcionales al formato de pantalla

que se utilizará en la producción fina, en los que se dibujan las imágenes más

importantes de la acción que corresponden a planos o tomas específicas de cada

escena, determinados por el realizador del storyboard con base a movimientos de

cámara específicos.

Existen infinidad de variantes en la ordenación de las viñetas. Algunos storyboards se

leen de arriba hacia abajo; otros presentan una lectura de izquierda a derecha, lo

recomendable es diseñarlo tomando en cuenta que la cultura occidental nos ha

acostumbrado a leer de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo. Debajo de cada

viñeta se escribe brevemente la siguiente información:

Número de la escena.

Identificación de la escena.

Número del plano o imagen dentro de la escena.

Breve descripción del audio (diálogo, música y/o sonidos).

Observaciones técnicas breves (opcional).

Entre una viñeta y otra, se indica la manera en que se dará la transición entre

imágenes. Estas transiciones pueden ser por:

Corte directo.

Movimiento de cámara o del lente de la cámara (zoom).

Disolvencia entre una imagen y otra.

LA MEMORIA VISUAL DEL ENTORNO

El cine y la historia logran conectarse estrechamente debido a que en muchos de los

casos el séptimo arte ha ayudado a la historia a narrar o relatar efectivamente lo

sucedido sin perder muchos datos. El cine otorga detalles narrados por los distintos

cronistas que hoy en día se hubieran olvidado o inclusive no serían reconocidos

mundialmente de no haberlo hecho.

La historia sólo existe en las palabras que la explican motivo por el cual ésta va

cambiando continuamente y constantemente. El hombre se define por su historia, ya

que el pasado narra su cultura y esencia, por lo tanto, son indispensables para todos

los distintos medios para poder ampliar nuestros conocimientos de manera que estos

queden en la memoria de por vida; siendo uno de estos medios el arte del cine que fija


31

los conocimientos de manera especial,

utilizando la memoria visual, auditiva y en ciertos casos con humor, romanticismo y

tragedia.

FICHA Nº 5

EL STORYBOARD

INVESTIGO

Investigue el nombre de cinco storyboards.

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

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______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

________________________________________________________

GLOSARIO

Guionista:

________________________________________________________________

Corte directo:

________________________________________________________________

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


32

Escena:

_______________________________________________________________

Zoom:

________________________________________________________________

Tira cómica:

________________________________________________________________

Escriba cinco palabras no asimiladas en la lección con su concepto:

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

RESUMO

Elabore un resumen de la ficha con sus propias palabras, para esto puede utilizar

mapas conceptuales, cuadros sinópticos o un resumen.


33

CUESTIONARIO

Contesta: ¿Qué es un storyboard?

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

________________________________________

Contesta: ¿Cuáles son las funciones del storyboard?

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

_______________________________________

Completa el cuadro:

Las mejores razones para elaborar un stroyboard son:

CALIFICACIONES

INVESTIGO GLOSARIO RESUMO CUESTIONARIO


34

LECCIÓN 6

CALIDAD ARTÍSTICA EN UN

FILME

El cine es un medio de

comunicación que cuenta

historias, transmite valores y es

portador de arte y de

conocimientos, por lo tanto es

necesario interpretar sus

resultados para descubrir qué es lo que nos quiere comunicar. Por eso no basta con

ver un filme, sino que hay que conocer, descubrir e interpretar, con ojo crítico, las

técnicas utilizadas para que los mensajes lleguen a nosotros de la forma más parecida

a como quienes la han realizado, lo han pretendido.

Cómo se realiza una película

Analizar una película es reflexionar sobres sus distintos elementos, partes y personajes

por separado, con el fin de encontrar lo que la película puede enseñarnos técnica y

subjetivamente.

Elementos técnicos

Toda película puede analizarse teniendo en cuenta en primer lugar los elementos

objetivos: narración, planos, encuadres, montaje, sonido, color, etc.

Se debe desglosar escenas o secuencias de películas para analizarlas por separado

para luego llegar a analizar la película completa.

También se puede separar todas las

secuencias distintas, o de una secuencia

diferenciar claramente los planos y cada tipo

de ellos. Debemos profundizar en la

actuación de los actores, si se está

expresando bien la idea central, si la

narración de la historia es correcta, si la

estructura musical es adecuada para

transmitir el mensaje que se ha deseado.

También podemos realizar una ficha técnica de la película, en la cual se detallan datos

importantes como el nombre, año de filmación, minutos de duración, director, director

de fotografía, diseño de vestuario y maquillaje, actores principales, premios y género al

que pertenece.

FICHA TÉCNICA Película: Año: Duración: Director: Director de fotografía: Diseño de vestuario y maquillaje: Actores principales: Premios: Género:


35

El género cinematográfico es el tema

general de una película que sirve para clasificarla. Por su estilo se clasifican en:

DRAMA

Se centran principalmente en el desarrollo de un conflicto

entre los protagonistas, o del protagonista con su entorno o

consigo mismo.

COMEDIA Tiene la intención de provocar humor, entretenimiento o/y risa.

ACCIÓN Argumento implica una interacción moral entre el bien y el mal

llevada a su fin por la violencia o la fuerza física.

AVENTURA Contienen situaciones de peligro y riesgo.

TERROR Tiene la intención de provocar tensión, miedo y/o el sobresalto.

CIENCIA

FICCIÓN

Presentan la progresión de lo desconocido a lo conocido por el

descubrimiento de una serie de enigmas.

ROMÁNTICO Hacen hincapié en los elementos amorosos y románticos.

MUSICAL

Contiene interrupciones en su desarrollo, para dar un breve

receso por medio de un fragmento musical cantado o

acompañado de una coreografía.

MELODRAMA Tiene una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva,

atendiendo al gusto de cada persona.

CATÁSTROFE El tema principal es una gran catástrofe natural o provocada.

Elementos subjetivos


36

Luego de analizar la parte técnica de la

toma y secuencias se puede llegar a sacar conclusiones propias, valorando el film

desde un punto de vista crítico. Las películas llevan en su interior multitud de mensajes,

que debemos saber encontrar e interpretar, por esto es importante prepararnos para

investigar sobre una película, ya que muchas veces los mensajes no están expresados

con claridad, y hay que descubrirlos mediante el análisis. Los realizadores de las

películas ven y valoran las distintas situaciones de manera distinta, y esto puede influir

en el espectador beneficioso o perjudicialmente, por esto hay que conocer y analizar

los mensajes para poder concluir con un criterio propio.

FICHA Nº 6

Calidad artística de un filme

INVESTIGO

Investigue 5 nombres de films de terror, 5 films de drama, 5 films de melodrama, 5 films

de aventura.

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

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______________________________________________________________________

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______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


37

__________________________________

______________________________________________________________________

______________________

GLOSARIO

Narración:

________________________________________________________________

Planos:

_______________________________________________________________

Encuadres:

______________________________________________________________

Drama:

________________________________________________________________

Terror:

________________________________________________________________


________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

RESUMO




38

CUESTIONARIO

¿Cuáles son los elementos objetivos de una película?

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

Conteste Verdadero o Falso:

a. No se debe desglosar escenas o secuencias de películas para analizarlas

por separado para luego llegar a analizar la película completa. ( )

b. El cine es un medio de comunicación que cuenta historias, transmite valores

y es portador de arte y de conocimientos. ( )

c. En el drama se centran principalmente en el desarrollo de un conflicto entre

los protagonistas, o del protagonista con su entorno o consigo mismo. ( )

d. La comedia tiene la intención de provocar llanto y tristeza. ( )

Enumere los elementos que tiene una ficha técnica.

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

_____________________________________________________


39

TEATRO

LECCIÓN 7

El Teatro

Es una rama de las artes escénicas que

representa historias mediante la

actuación en frente del público, usando

para estos fines el habla, los gestos, la

mímica, la danza, la música, sonido,

escenografía y espectáculo con los que

se sitúa la historia en un tiempo y

espacio concretos. Su característica esencial es la acción; la obra está escrita, pero lo

principal en ella es lo que ocurre gracias a la actuación de los actores que utilizan

gestos y actitudes que expresan el conflicto haciendo que la obra adquiera su

verdadera dimensión expresiva.

Los orígenes del teatro los encontramos en la unión de antiguos rituales sagrados para

asegurar una buena caza o temporada agrícola acompañados de la música y la danza.

En el antiguo Egipto ya que se representaban dramas sobre la muerte y la vida, usando

máscaras durante la dramatización. Durante el siglo V (a.C.), en Grecia, se sentaron

las bases de lo que vendían a ser los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia

en occidente. Al comienzo las obras fueron representadas con un actor y un coro, pero

autores como Esquilo y Sófocles comenzaron a hacer teatro con más actores, lo que a

su vez llevó a construir los grandes teatros de piedra sobre las faldas de las colinas.

Los griegos desarrollaron la tragedia, representando temas relacionados con sus

héroes y dioses, con gran contenido emocional, y la comedia donde se ridiculizaba a

los políticos y personajes famosos de su tiempo.

Estructura de la obra de teatro

Toda obra de teatro debe seguir una estructura básica que consta de tres partes:

Exposición o detonante: es el principio de la obra y en ella se presentan los

datos más importantes de la obra.

Nudo: coincide con el momento de mayor tensión y donde la trama se complica.

Desenlace o clímax: es el momento en que se resuelve el problema planteado

en el desarrollo de la obra.

Personajes


40

Principales: son aquellos sobre los

que se recae el peso de la acción. Pueden ser protagonistas quienes actúan de

una forma y antagonista quien actúa de forma contraria al protagonista.

Secundarios: ayudan a los principales.

Escenografía

Puede estar compuesta de:

Decoradas: elementos necesarios para ambientar el escenario.

Vestuario: prendas y ropas de vestir.

Iluminación: luces y elementos luminosos para provocar efectos: día, noche,

tormentas….

Sonido: música y efectos sonoros para complementar lo que aparece en

escena: ruidos, etc.

CÓDIGOS VERBAL, PARAVERBAL Y NO VERBAL

Código verbal

El código verbal de comunicación que utiliza el lenguaje

escrito u oral presenta un emisor – receptor – mensaje –

contexto – canal – código, donde:

El emisor: es quien emite el mensaje, quien

habla o escribe.

El receptor: es quien recibe el mensaje, es decir, quien escucha o lee.

Mensaje: es el enunciado, lo que se transmite desde el emisor al receptor, es

decir, lo hablado o escrito, construido según un código lingüístico.

El código: es el sistema de señales o signos que se usan para transmitir un

mensaje, por ejemplo el idioma que se utilice.

El contexto situacional: es el entorno donde se realiza la comunicación, ya sea

el entorno físico o la situación: política, social, histórica o de otro tipo.

El contexto temático: es el tema en torno al que se organiza la situación

comunicativa.

El canal: es el elemento físico que establece la conexión entre el emisor y el

receptor. Es el soporte material por el que circula el mensaje.

Tipos de textos utilizados en el teatro


41

Una obra de teatro está formada por dos

tipos de textos:

El TEXTO PRINCIPAL: es el contenido de la obra que se divide en actos, cuadros y

escenas. El acto es una unidad temporal y narrativa marcada por la subida y bajada del

telón. Los cuadros son parte del texto que está marcada por el cambio total o parcial

del decorado y las escenas están determinadas por la entrada o salida de los actores,

es decir que, cada vez que cambia el número de actores en escena, cambia la escena.

El texto principal usa cuatro formas de expresión:

Diálogo: es la conversación entre dos personajes.

Monólogo: es el modo de expresarse cuando un solo personaje está hablando.

Se llama también soliloquio.

Aparte: es la forma de hablar de uno o varios personajes que utilizan cuando

dicen algo sobre la obra, y los demás personajes fingen no enterarse.

Off: cuando se habla fuera de escena.

TEXTO SECUNDARIO O ACOTACIONES: son datos que aportan información para la

representación teatral y pueden ser:

Sobre la acción: datos e indicaciones sobre el lugar en el que se desarrolla la

acción: decoradas, épocas, mobiliario, etc. Iluminación con la que se expresan la

hora del día, un espacio concreto, etc. Sonidos, para indicar o provocar diversos

efectos.

Sobre los personajes: vestuario, movimientos, gestos, tono de voz,

intencionalidad expresiva.

Código para verbal

Son las entonaciones e inflexiones de la voz, distancias, velocidad a la que hablamos,

pausa, sincronía de los gestos. Este tipo de lenguaje, tiene la doble función de mejorar

la comprensión del lenguaje verbal y favorecer la manifestación de sentimientos,

emociones y de actitudes del que habla. Se compone de una serie de características

que complementan al lenguaje verbal como son: el volumen, el ritmo, tono de la voz,

las repeticiones, enlaces, sonidos y silencio.

Este código influye en la regulación de la conversación, expresando la invitación a

participar en ella a través de la elevación de tono al acabar el turno propio, en los

silencios que instan al entrevistado a hablar, en mostrar deseo de intervenir, etc.

El código para verbal tiene como elementos las entonaciones y el énfasis o pausas, es

decir aquello que nos permite decir algo en tono de pregunta, de exclamación o de

afirmación; en un tono irónico o no convencional; expresar un silencio o interrupción,

indicar el cambio de turno de los interlocutores, etc. y sus funciones son motivar al

receptor, permitir que el otro procese la información, señalar un proceso comunicativo

defectuoso, indicar el cambio de turno en los hablantes y manifestar sentimientos o


42

emociones lo que se traduce en su forma

escrita a los signos de puntuación y entonación.

Código no verbal

Son todos los movimientos de la cabeza, la expresión corporal, la orientación de la

mirada, el parpadeo, las expresiones faciales, los gestos corporales, señalar con el

dedo, muecas.

Clasificación

El código no verbal se clasifica en:

Kinésica: corresponde a los movimientos faciales

y corporales.

Proxémica: se

relaciona con la concepción,

estructuración y el uso del espacio, relacionándolo con la

distancia que se establece entre los participantes del

proceso comunicativo.

Icónica: incluye imágenes, señales y lenguajes

gráficos.

Musical: la música es otra manifestación de la comunicación no verbal. Las

melodías no necesariamente deben ir acompañadas de una letra para crear un

ambiente. Se usa la música para el cine, teatro y la televisión, reflejando estados

anímicos.

Kinésica

Proxénica

Icónica


43

Las manos: muy usada por el ser

humano para la comunicación. Hay tres posiciones

principales: con las palmas hacia arriba el cual es un

gesto no amenazador que denota sumisión, con las

palmas hacia abajo con el cual el personaje adquiere

autoridad y con la palma cerrada apuntando con un

dedo en alguna dirección. Este último gesto puede

irritar a la persona con quien se habla, especialmente si se acompaña con

ciertos gestos en el rostro.

Por otro lado, las palmas hacia afuera se asocian a la honestidad, la verdad, la

lealtad y la deferencia. A lo largo de una conversación también se dice mucho

mediante la posición en la que se colocan las manos. Los dedos entrelazados

son sinónimos de un gesto de

frustración. Cuantas más altas

estén las manos, más negativa

será la actitud del contrario.

Al mantener apoyados los dedos

de una mano contra otra,

formando un arco, se demuestra

gran confianza en uno mismo, se

denota superioridad y

conocimiento sobre un tema.

Cogerse las manos por detrás de

la espalda es también un gesto de superioridad; por el contrario, ponerlas en las

caderas resulta sumamente agresivo.

Ojos: también se comunica a través de la mirada. La mirada fija es

amenazadora. Los guiños expresan complicidad o simpatía.

Hombros: levantar los hombros expresa duda o ignorancia sobre un tema.

Cabeza: se utiliza para señalar una serie de ideas. Al mover la cabeza de arriba

hacia abajo indicamos aprobación, conformidad con una idea y mover la cabeza

de izquierda a derecha es un gesto de negación.


44

FICHA Nº 7

El Teatro

INVESTIGO

Investigue 10 nombres de obras de teatro que hayan sido realizadas en el Ecuador.

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

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______________________________________________________________________

________________________________________________________

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


45

GLOSARIO

Teatro:

________________________________________________________________

Tragedia:

_______________________________________________________________

Comedia:

______________________________________________________________

Desenlace:

________________________________________________________________

Emisor:

________________________________________________________________


________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

RESUMO




46

CUESTIONARIO

Escriba sobre los tipos de textos que utilizan en el teatro.

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

Conteste Verdadero o Falso:

a. La mirada fija es amenazadora. ( )

b. Levantar los hombros expresa seguridad e inteligencia sobre un tema.( )

c. La cabeza no se suele utilizar para señalar una serie de ideas. ( )

d. Mover la cabeza de izquierda a derecha es un gesto de afirmación. ( )

Enumere en qué se clasifica el código no verbal.

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

_____________________________________________________

¿Qué es el código para verbal?

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

_____________________________________________________


47

LECCIÓN 8

CÓDIGOS NO VERBALES EN LA INTERPRETACIÓN DE UN PERSONAJE

El teatro no puede apoyarse solamente en

códigos verbales, ya que representa

aspectos de la realidad y en ella las personas

se comunican de manera compleja y no se

limitan al comportamiento verbal usando el

no verbal como apoyo o directamente

excluyéndolo, es por esto que los códigos no

verbales son muy importantes.

Los códigos no verbales utilizados en el

teatro se clasifican en:

El comportamiento espacial

Contempla todas aquellas relaciones que determinan la comunicación interpersonal, en

las cuales el espacio juega un papel fundamental. Incluye la utilización del espacio

personal y social y la percepción del mismo por parte del hombre donde se tienen en

cuenta tres factores determinantes del comportamiento no – verbal: el cultural, el

socioemocional y los factores de la estructura física del ambiente.

Este aspecto se subdivide en cinco grupos que son:

a. El contacto físico.

b. La proximidad.

c. La orientación.

d. La postura.

e. La configuración espacial, que en cierta

medida daría cuenta de las cuatro

anteriores, ya que toda interacción social,

desde el punto de vista de las relaciones

espaciales, determinan una configuración


48

del espacio dentro del que se

produce la comunicación entre individuos.

Los movimientos del cuerpo

La gestualidad del cuerpo, las manos y la cabeza ocupan un lugar importante. Se debe

tomar en cuenta que en la vida real muchas veces los gestos van mezclados, unos

apoyan o a veces contradicen a los otros. En las señales de las manos y los brazos se

tomaron en cuenta cinco grupos:

Los emblemas: todos aquellos gestos de las manos y los brazos que pueden ser

reemplazados fácilmente por palaras o frases. Por ejemplo: ¡Venga! ¡Salga! ¡Pare!, o

los saludos tales como agitar la mano o el brazo en alto.

Los ilustradores: gestos que acompañan y complementan la comunicación verbal con

delineamientos de formas, objetos y movimientos. Por ser complementarios, son muy

difíciles de aislar del aspecto verbal. Se conocen seis clases de ilustradores: las

batutas y los ideó grafos, que son gestos que van siguiendo la dirección del

pensamiento; los deícticos, que señalan lugares imaginarios o reales: los espaciales,

que ilustran las dimensiones, tamaños, volúmenes de las cosas o de las ideas: grande,

pequeño, lejano, etc.; los dictógrafos, que trazan las formas o las configuraciones

icónicas de los descrito; los gestos, que ilustran conceptos tales como vasto, delgado,

horizontal, fino, sinuoso, etc.,; los kinetógrafos, que ilustran los movimientos como

rápidos, lentos, zigzagueantes, etc.

Las manifestaciones de afecto: son indicadores de estado emotivo, que aunque su

principal medio expresivo es la cara, en este caso se refieren fundamentalmente al

cuerpo, tales como el frotarse las manos para demostrar inseguridad o impaciencia. Se

puntualizan siete sentimientos como estados primarios, con las múltiples variedades

que pueden derivarse de sus

combinaciones.

a. Felicidad.

b. Sorpresa.

c. Tristeza.

d. Temor.

e. Ira.

f. Asco.

g. Desprecio.


49

Veamos algunos gestos y lo que reflejan:

Acariciarse la quijada Toma de decisiones

Entrelazar los dedos Autoridad

Dar un tirón de oreja Inseguridad

Mirar hacia abajo No creer en lo que se escucha

Sentarse con las manos agarrando la

cabeza por detrás

Seguridad en sí mismo y superioridad

Pararse con las manos en las

caderas

Buena disposición para hacer algo

Manos en las mejillas Evaluación

Unir los tobillos Aprensión

Frotarse los ojos Cansancio

Tocarse ligeramente la nariz Mentir, dudar o rechazar algo

Brazos cruzados a la altura del

pecho

Actitud a la defensiva

Reguladores: son los gestos que regulan la sincronización de las intervenciones a lo

largo del diálogo recíprocamente entre el emisor y el receptor y se encargan de

puntualizar la conversación con movimientos de cabeza, cambios de postura, arqueo

de las cejas, etc., a manera de puntos, comas, interrogaciones, punto final, comillas o

puntos suspensivos.

Adaptadores: son gestos muy personales cuya función es adaptar a cada persona

como tal a la intención de comunicación. Son, en su mayoría, inconscientes, tenues y


50

muy personales, y se aprenden en la

niñez y con el paso del tiempo se vuelven gestos muy personales de cada persona. En

teatro, los actores deben desarrollar la capacidad de observación sobre este aspecto

del comportamiento no – verbal, tanto a nivel personal como sobre los demás para

poder llegar a realizar una excelente interpretación de cualquier personaje.

La expresión de la cara

La cara es el medio más rico e importante para

expresar emociones y estados de ánimo. A

través del conocimiento y de la observación de

las expresiones y movimientos faciales

podemos conseguir una mejor comprensión de

lo que comunican y usarlos en el trabajo actoral.

Existen gestos socialmente aprendidos según

reglas y otros que están fuera de control del

emisor como el sudor de la frente, el sonrojo,

pequeños tics, etc. Para el actor es interesante

conocer las reglas de exhibición, que van

desde la intensificación de los gestos para

una mejor comunicación, hasta los gestos de disimulo que enmascaran las

emociones o cambian una emoción por la contraria u otra diferente.

Un aspecto muy importante para los actores del teatro es el conocimiento de la

representación de sentimientos y emociones lo que les ayuda a mejorar su capacidad

expresiva y su destreza en el análisis y la observación de las emociones humanas.

El antropólogo americano Rey Birdwhistell encontró cincuenta y tres variantes a los que

llamó quinemas, los cuales acompañan la comunicación verbal de los interlocutores y

subrayan las transformaciones de los rasgos de la cara, como los movimientos de las

cejas, contracción de los párpados y de la

boca, etc.

La mirada

La mirada está ligada estrechamente a

las expresiones de la cara. Dentro del

carácter comunicativo de la mirada

existen dos elementos predominantes: la

dirección y la duración.

En la representación de un personaje, los

ojos desempeñan un papel

importantísimo en la demostración de los estados de ánimo, fundamentalmente en lo


51

relativo a la intensidad, la orientación, la

dirección y las variantes individuales según los rasgos de la personalidad de cada uno.

El aspecto exterior

Es muy importante en el arte teatral específicamente en el campo del plano operativo,

es decir, en el vestuario, maquillaje y escenografía. Existen dos grupos de señales:

estáticas y dinámicas.

Las estáticas son todas las señales enviadas por la cara, la configuración física de

cada persona, la voz, el vestido, el maquillaje y la piel; y las dinámicas aquellas que

pueden cambiar durante el transcurso de la interacción comunicativa, incluyendo todas

las señales estáticas por ejemplo cambio del peinado, distancia, del aspecto del

vestuario, posturas, gestos, movimientos del cuerpo, expresiones del rostro, dirección

de la mirada, tono de voz, ritmo y velocidad de discurso.

Este aspecto es de gran importancia en ciertas obras donde en el montaje es evidente

la preocupación por la figura de los personajes como elementos de presentación en

donde se utilizan máscaras, pelucas, etc., acentuando el aspecto exterior como

propuesta fundamental del estilo.


52

FICHA Nº 8

Códigos no verbales en la interpretación de un personaje

INVESTIGO

Investigue sobre la interpretación de Charles Chaplin en el teatro paraverbal.

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

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______________________________________________________________________

________________________________________________________

GLOSARIO

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


53

Emblemas (referente a los

movimientos del cuerpo):

________________________________________________________________

Ilustradores (referente a los movimientos del cuerpo) :

________________________________________________________________

Gestos:

________________________________________________________________

Déiticos:

________________________________________________________________

Pictógrafos:

________________________________________________________________


________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

RESUMO




54

CUESTIONARIO

Enumere la clasificación de los códigos no verbales utilizados en el teatro.

______________________________________________

_______________________________________________

_______________________________________________

_______________________________________________

Conteste Verdadero ( V )o Falso ( F ):

a. El comportamiento espacial son todas aquellas relaciones que determinan la

comunicación interpersonal, en las cuales el espacio juega un papel

fundamental. ( )

b. Los emblemas son los gestos que acompañan y complementan la

comunicación verbal. ( )

c. Los ilustradores son todos los gestos de las manos y brazos que pueden ser

reemplazados por palabras o frases. ( )

d. Los gestos reguladores son los que sincronizan las intervenciones a lo largo

del diálogo. ( )

Enumere 5 gestos y lo que reflejan.

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

_____________________________________________________

Enumere las manifestaciones de afecto

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________


55

_______________________________

___________________________________________________________________

______________________

¿Qué puede reflejar la mirada?

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

_____________________________________________________

LECCIÓN 9

EL LENGUAJE PARAVERBAL EN LA

COMUNICACIÓN ESCÉNICA

Una sola frase puede tener las más diversas

entonaciones, según las circunstancias en que

se la pronuncie. Es decir que si la misma frase

la dice un director de banco, un mayordomo

inglés, un policía, un viejo profesor, una criada

o una dama de sociedad, las interpretaciones

serán distintas.

En el teatro, por importante que sea la interpretación plástica, la interpretación verbal

constituye siempre la base del trabajo del actor ya que su finalidad es dar vida a la

palabra del dramaturgo. La interpretación verbal exige como fundamento el correcto

fraseo y la cara dicción.

Fraseo

Es aprender a leer de acuerdo con el sentido de la frase, y tan claramente, que nada de

lo dicho se pierda. Cada frase encierra una imagen que le da su sentido. Esta imagen

puede ser representada por una sola palabra o por un conjunto de palabras, que

llamaremos palabras – guía. Se determina por medio de pausas de diferente duración.

Estas pausas pueden ser sólo un brevísimo instante o alcanzar una larga duración con

objeto de efectuar una transición. Su función es ordenar la frase y sirve a la vez para

respirar. Se respira siempre después de terminar definitivamente una idea; si la frase

es larga se busca el momento adecuado y más lógico para poder respirar. Las

siguientes son reglas de fraseo en relación con la puntuación gramatical:

1. La coma no significa forzosamente una pausa breve, en muchos casos se

ignora.

2. Donde debiera hacerse una pausa, faltan con frecuencia los signos respectivos.

3. Punto y coma pueden significar una pausa breve como una pausa prolongada,

lo define el sentido de la frase.


56

4. El punto no significa siempre bajar

la voz.

5. La voz se baja siempre antes de una transición y definitivamente donde

concluye una idea.

6. Los puntos suspensivos al final del parlamento significan un diálogo truncado

que hay que leer como si la frase estuviera completa; es decir, el actor debe

complarla “in mente” como si tuviera que decirla íntegra, cuidando, sobre todo,

de no hacer un “retardado” donde empiezan los puntos suspensivos.

7. Cuando entre dos parlamentos existe una pausa hay que marcarla; pero si es

necesario, al terminar el primer actor, entrará el segundo inmediatamente para

evitar pausas molestas y así llegar los dos parlamentos.

8. Debe mantenerse siempre el tiempo del diálogo para no violentar la frase ni

pisar la anterior.

9. Debe mantenerse siempre el tiempo del diálogo para no violentar la frase ni

pisar la anterior.

10. El final de las frases tiende a precipitarse, siendo este uno de los defectos más

comunes que hay que evitar.

11. La dicción defectuosa permite que las vocales se mezclen o confundan, que las

vocales se mezclen o confundan, que dobles consonantes desaparezcan: “En

nada” suena “enada” y “del lado”, “delado”. La defectuosa pronunciación es

imperdonable en el teatro.

12. Se entona una pregunta (dejando la voz en alto) cuando la frase empieza sin

elemento interrogativo y si la respuesta puede ser sí o no. No se entona una

pregunta cuando la frase empieza con elemento interrogativo, tal como: ¿Por

qué? ¿Cuándo? ¿Cómo? ¿Quién?. Hay preguntas que son en realidad

exclamaciones, y hay que entonarlas como tales.

Una vez acostumbrado a ignorar la puntuación gramatical y leer de acuerdo con el

sentido de la frase, el actor ya no necesita fijar el fraseo fonético a menos que se

trate de un defecto especial, como una pausa entre dos parlamentos. Pero sin

haber vencido las dificultades de una clara dicción, uso efectivo de la voz y fraseo

lógico, el actor no puede empezar a interpretar un personaje teatral.

La expresión de las más diversas emociones debe ser siempre el elemento básico

de la actuación y, por consiguiente, también de la entonación. La finalidad de todo

drama es llevar al público con un sentimiento definido ya que todo conflicto teatral

es, en el fondo, un conflicto de emociones.

Saber decir una frase con su acento lógico, aplicando las palabras y las pausas de

un modo inteligente, no sólo es indispensable para el actor, sino para toda persona

que tiene que leer de tal suerte que se le comprenda sin el menor esfuerzo:

abogados, locutores de radio, profesores, etc.

Dicción


57

La dicción es la exacta y clara

pronunciación de todas las letras y las palabras, cuando un actor pronuncia con

claridad, articulando perfectamente los sonidos del habla y dándoles las

expresiones y pausas requeridas, decimos que tiene una excelente dicción.

Una herramienta importante del actor es la voz, por esto se debe aprender a

modular y mantener un tono de voz que se entendible, es decir colocando la voz

tomando en cuenta la respiración, colocación correcta del diafragma, posición de los

labios, articulación y desde luego, la dicción.

Con la dicción se busca corregir las letras comidas y cambiadas, como no

pronunciar las eses al final de las palabras o cambiar la I por la r, la r por la l, la c

por la p. También están las palabras mal dichas como haiga en vez de haya,

hubieron en vez de hubo, naiden en vez de nadie, satisfació en vez de satisfizo

entre otras. Pero tampoco se debe exagerar con la dicción ya que le resta

naturalidad a quien habla y puede llegar a escucharse extraño al idioma que se está

hablando.

Para esto los actores realizan ejercicios como los siguientes:

Ejercicio 1

Muerde un lápiz, como si tuvieras un freno de caballo en la boca. En esa posición,

ponte a leer un periódico. Haz este ejercicio durante cinco minutos. Verás cómo vas

aflojando todos los músculos de la cara.

Ejercicio 2

Toma un libro y ponte a leer en voz alta, lentamente, silabeando y exagerando la

lectura, como haciendo muecas para hablar:

A-me-nos-tre-ce-cau-sa-les-ex-plí-ci-tas-pa-ra…

Avanza algunos párrafos así y luego, silabea más rápido, asegurándote que

pronuncias cada una de las letras de cada palabra.

Ejercicio 3

Los trabalenguas son muy útiles. Busca uno con letras incómodas para ti. Por

ejemplo, si tienes problema con las erres, practica el consabido erre con erre

cigarro, erre con erre barril, rápido corren los carros siguiendo la línea del ferrocarril.

Pronúncialo dos, cuatro, ocho, dieciséis veces” ¡hasta que la lengua te obedezca!


58

FICHA Nº 9

Códigos no verbales en la interpretación de un personaje

INVESTIGO

¿Si usted fuera dramaturgo, que acontecimiento presentaría en una obra de teatro y

por qué?.

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


59

__________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________

GLOSARIO

Dicción:

________________________________________________________________

Lenguaje:

________________________________________________________________

Punto:

________________________________________________________________

Coma:

________________________________________________________________

Transición:

________________________________________________________________


________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

RESUMO




60

CUESTIONARIO

¿Qué es el fraseo?.

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

_________________________________________

Completa las siguientes reglas de fraseo en función a la puntuación

gramatical:

a. Los ___________________________ significan generalmente pausas

breves cuando están dentro del parlamento, dejando la voz en alto; sobre

todo cuando se quiere dar la impresión de que se buscan las palabras.

b. La _________ no significa forzosamente una pausa breve, en muchos casos

se ignora.

c. _____________________ pueden significar una pausa breve como una

pausa prolongada, lo define el sentido de la frase.

d. Donde debiera hacerse una _________________, faltan con frecuencia los

signos respectivos.

e. _____________________________ al final del parlamento significan un

diálogo truncado que hay que leer como si la frase estuviera completa; es

decir, el actor debe completarla “in mente” como si tuviera que decirla

íntegra, cuidando, sobre todo, de no hacer un “retardado” donde empiezan

los puntos suspensivos.

f. El _____________ no significa siempre bajar la voz.

g. La voz se baja siempre antes de una __________________ y definitivamente

donde concluye una idea.


61

LECCION N° 10

REPRESENTACIÓN TEATRAL EMPLEANDO LOS CÓDIGOS VERBALES, NO

VERBALES Y PARAVERBALES

Al montar una representación teatral a partir de un texto se debe seguir el siguiente

proceso de trabajo:

TRABAJOS DE MESA

Del director: en esta etapa el director debe elegir de la obra que se va a

representar, analizarla en su contexto histórico y su vigencia actual, busca

documentación histórico – literaria, o de cualquier tipo, que tenga relación con el

texto para así poder establecer las intenciones ideológicas, estéticas, morales que

se quieren plasmar en el montaje. El director también es el responsable de elegir al

reparto de actores que participarán en la obra; y diseña la planificación del montaje:

ensayos, colaboradores, listas de utilería, escenografía, vestuario y sonido.

Con los actores: los actores deberán hacer la primera lectura de la obra para luego

analizarla con el director y compartir comentarios, preguntas, dudas que se

planteen. Ya teniendo la obra clara, se da una segunda lectura de la obra.

IMPROVISACIONES

La improvisación es el hecho de transmitir o generar de forma espontánea una idea

o sentimiento a través de la imaginación y la aplicación de recursos y en el teatro.

Puede tener diversos fines como construir los personaje, encontrar el ambiente,

buscar el ritmo y establecer relaciones entre dos o más personajes.

PASES DE LETRA


62

Pasar letra es decir el texto de corrido,

sin dudas hasta que el actor no se sepa el texto sin una sola duda para poder

empezar a trabajar. El texto es material de recurrencia, los actores deben saberlo a

la perfección y de corrido ya que sin dudan del texto, paran la actuación o se les

olvida alguna acción que deberían hacer, pues se encuentran en recordar el texto y

se olvidan de lo demás.

- Italianas: son ensayos donde se trabajan, una vez aprendido el texto, los

códigos paraverbales a utilizarse, las entonaciones e intenciones, sin que el

actor actúe su papel todavía.

- Montaje de escenas: en el montaje se construye la coreografía de acciones

y conflictos de cada una de las escenas de la obra.

- Ensayos:

a. Ensayos técnicos: son ensayos de acciones o situaciones que

necesitan una preparación intensa o una precisión determinada. Por

ejemplo, una pelea o espada.

b. Ensayos por escenas: luego de los ensayos técnicos, se arman y

ensayan las escenas enteras para buscar el ritmo apropiado y el

afinamiento máximo.

c. Ensayos parciales o por bloques: varias escenas que forman un

bloque de acción, se reúnen para un ensayo en continuidad.

d. Ensayos generales: ensayos de toda la obra, con todo: vestuario,

escenografía, maquillaje, luz y sonido. Al actor se le debe facilitar el

trabajo dándole soportes, ayudas para que pueda entender mejor su

personaje y lograr de esta manera una mejor interpretación. Por esto,

al actor hay que darle los siguientes datos:

Espacio, donde se desarrolla la acción.

Conflicto.

Quién desencadena el conflicto.

Actividad concreta y/o física a desarrollar.

Estado de ánimo.

Relación emocional con los demás.

Urgencia en conseguir su propósito.


63

LECCIÓN 10

REPRESENTACIÓN TEATRAL EMPLEANDO LOS CÓDIGOS VERBALES, NO

VERBALES Y PARAVERBALES

INVESTIGO

Investigue 10 nombres de grandes directores de cine a nivel mundial.

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


64

__________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________

GLOSARIO

Actor:

________________________________________________________________

Montaje:

________________________________________________________________

Ensayo:

________________________________________________________________

Escenas:

________________________________________________________________

Reparto:

________________________________________________________________


________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

RESUMO




65

CUESTIONARIO

Una lo correcto:

Son ensayos de acciones o situaciones

que necesitan una preparación intensa o

una precisión determinada.

ENSAYOS POR ESCENAS

Luego de los ensayos técnicos, se arman

y ensayan las escenas enteras para

buscar el ritmo apropiado y el afinamiento

máximo.

ENSAYOS GENERALES

Varias escenas que forman un bloque de

acción, se reúnen para un ensayo en

continuidad.

ENSAYOS TÉCNICOS

Ensayos de toda la obra, con todo:

vestuario, escenografía, maquillaje, luz y

sonido.

ENSAYOS PARCIALES

Señale los datos que se le debe al actor durante el ensayo general:

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________


66

_______________________________

___________________________________________________________________

____________________________________

¿Qué son las improvisaciones?

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

__________________________

¿Qué es el montaje de escenas?

___________________________________________________________________

___________________________________________________________________

_________________________

LECCION 11

TEATRO ECUATORIANO

DESTREZAS CON CRITERIO DE DESEMPEÑO: Montar una obra teatral a partir de la

recuperación de la memoria cultural,

Un texto dramático es la obra escrita por el dramaturgo que se convierte en obra teatral

una vez que se la representa ante el público.

SÍNTESIS DE LA PRODUCCIÓN DRAMÁTICA

NACIONAL

Teatro Precolombino: desde la época

precolombina ya existió un teatro aborigen del

cual sólo nos queda la tradición y estampas de

transmisión oral, lamentablemente, la falta de una

escritura semejante a la de hoy nos ha privado de

gozar de estas manifestaciones dramáticas.

Teatro Colonial: en época de la Colonia el teatro

desempeñó una función doctrinal. Se

representaron obras autos sacramentales que servían par a explicar aspectos del

cristianismo traído por los españoles. También se cultivó el teatro profano que era de

tono satírico, censuraba las costumbres de la época y que además incluía música y

baile.


67

Teatro del Siglo XIX: en este siglo la

representación dramática fue abundante, se dieron diversas tendencias teatrales, las

más importantes fueron la “sentimental” y la “histórica”.

Se destacan Juan Montalvo, cuyas obras de teatro están publicadas con el título

“Libro de las pasiones” que son obras didácticas y moralizantes. Y a finales del siglo,

surge la figura de Francisco Aguirre Guarderas con su obra costumbrista titulada

“Receta para Viajar” y que fue estrenada en Quito en 1892.

El Teatro en el Siglo XX: esta época está marcada por la diversidad de las tendencias.

Entre las principales manifestaciones tenemos:

Teatro Poético: los autores hacen gala de su capacidad como líricos, enfocan

situaciones que tiene que ver con lo espiritual, lo religioso, lo filosófico, etc. Se destaca

Francisco Tobar García.

Teatro Social: se origina en la década

de los años 30, realista y de índole

político –social. Sus temas hacen

referencia a la opresión social de unas

clases por otras, etc. Se destacan

Jorge Icaza, Demetrio Aguilera Malta,

entre otros.

Teatro Burgués: aparentemente trata

de temas populares, pero está

constituido con un lenguaje ajeno al pueblo y el planteamiento de las situaciones

mantiene el punto de vista de la burguesía. El autor más representativo de esta

tendencia es José Martínez Quierolo.

Teatro Político: es dialéctico y didáctico; es la prolongación del teatro social,

sobresale Pedro Saad Herrería.

Teatro Histórico: son obras basadas en la historia del Ecuador. Su

representante es Álvaro San Félix.

En la actualidad, la escena ecuatoriana se

muestra en la actividad de unos pocos

grupos, unos con una trayectoria

consolidada, como es el caso de Malayerba

y La Trinchera, y un gran número de

actores flotantes que participan en diversos

montajes.

La actividad teatral profesional y semi –

profesional se sitúa preferentemente en las

ciudades de Quito, Guayaquil, Cuenca y

Manta, esta última se ha constituido en la


68

sede del Festival Internacional de Teatro,

que ha convocado a los más notables artistas del teatro y de la danza nacional y de

muchas obras de América Latina.

Por otro lado, en el teatro ecuatoriano imperan varias tendencias, entre ellas destaca la

búsqueda de significaciones nacionales dentro de una visión humana y universal. Se

escenifican también obras contemporáneas de dramaturgos de todo el mundo,

frecuentemente en versiones libres que peritan más acceso a un público que no tiene

una gran tradición como espectador, excepto de la media ligera.

LAS VERDADES DRAMÁTICAS DE JOSÉ MARTÍNEZ QUEIROLO

A partir de la década del 50, surgen en Ecuador grupos teatrales con una clara

orientación experimentalista, que manifiestan la necesidad de la búsqueda de nuevas

formas de expresión. Rechazan lo preestablecido. Ésta va ser una constante de todo el

teatro ecuatoriano hasta los momentos actuales. Gran parte de los grupos adquieren

denominaciones como: experimental, estudio, ensayo.

La generación que llega a los 60 empieza a leer a los precursores del Teatro del

Absurdo y otros autores surrealistas; se recibe la influencia del psicoanálisis y del

marxismo. A todo esto se suma el impulso dado desde la literatura de la generación del

30, que se ocupó de temas nacionales con un vigoroso realismo crítico.

De ahí también que aparte del repertorio del teatro internacional, se llevan a escena a

autores nacionales. Las técnicas modernas de actuación se van a hacer presentes

mucho más tarde en los escenarios nacionales.

Representantes de la tradición teatral ecuatoriana de esta época son: Sixto Salguero,

Francisco Tobar García, Ernesto Albán y toda esa generación; que en su madurez

llegaron a una época convulsiva y no pudieron renovar o adaptar su discurso a la

nueva época, que bien hubiera necesitado de su experiencia.

De toda esta generación de hombres de teatro cuyo reconocimiento a su labor aún no

ha llegado, muy pocos van a atravesar las fronteras de los años 70, uno de ellos es

José Martínez Queirolo.

JOSÉ MARTÍNEZ QUEIROLO


69

Nació en Guayaquil en 1931. Se crio con su abuela materna, mujer estricta y devota, lo

que explica en gran parte la sátira contra la religión en las obras del dramaturgo. Cursó

la primaria en Guayaquil y dos años en Quito. Realizó sus estudios secundarios en el

colegio Aguirre Abad; más tarde se graduó de Ingeniero. Se desempeñó como

calculista, dibujante y empleado de la imprenta en la Politécnica; de la que se jubiló en

1993 y que le editó gran parte de su obra literaria. Su jubilación le permitió dedicarse

por completo al teatro. Fue galardonado en algunas ocasiones con el Premio Nacional

de Teatro y en el 2001 recibió el Premio Espejo como reconocimiento a su creatividad y

virtud de hacer bromas. José Martínez Queirolo ha sido el dramaturgo ecuatoriano más

representativo en el país y fuera de él. Murió el 8 de octubre del 2008 a los 77 años.

Sus obras:

TEATRO

La casa del que dirán.

Las faltas justificadas – Premio Nacional de Teatro, 1962.

Réquiem por la lluvia, 1963.

Cuestión de vida o muerte, 1979.

Los unos vs. los otros, Premio Nacional de Teatro, (1970).

Q.E.P.D., 1972.

La dama meona, Premio Nacional de Teatro, 1976.

La conquista no ha terminado todavía, Premio Nacional de Teatro, 1983.

Una cita con Cervantes.

CUENTOS:

Diez cuentos universitarios, coautor, 1953.

La lluvia muere en silencia, 1959.

Cuentos y relatos, 1976.

MEMORIA CULTURAL DEL ECUADOR – “REQUIEM POR LA LLUVIA”


70

Una de las obras más importantes de este

dramaturgo ecuatoriano, es “Réquiem por la lluvia” que fue presentada por primera vez

en Quito en 1963. Esta obra constituye un monólogo, que es una pieza teatral en la

cual solo actúa un personaje. Es una obra de carácter melodramática, en la cual se

exageran los aspectos sentimentales y patéticos de las situaciones con la intención de

conmover al público. El autor hace énfasis en aspectos emotivos como las causas de la

muerte del personaje, su situación, el esfuerzo y el embarazo. Este monólogo critica a

una sociedad que explota a los más desamparados, humillándolos y conduciéndolos a

su destrucción hasta la muerte.

Argumento de “Réquiem por la lluvia”

Réquiem por la lluvia es una obra que nos presenta las condiciones dramáticas y

miserables de una familia pobre. Ha muerto la Jesusa, la madre que sostenía

económicamente el hogar lavando ropa ajena. En el monólogo de esta pieza dramática

es el marido de la lavandera quien participa a los espectadores algunas circunstancias

de su tragedia, hombre borracho que reconoce su situación y sus culpas. En medio de

su dolor, exalta las cualidades de su mujer y acusa a quienes la explotaron y no la

miraron como un ser humano. Hay escenas que alcanzan niveles dramáticos, muchas

veces se dirige al público y lo interroga, poniendo cierta nota de humor a la obra. Ésta

acusa a la sociedad de haber humillado a su mujer, sociedad corrupta que lo llevó al

alcohol y que ahora lo hace responsable de esta desventura, cuando en realidad es ella

la única culpable de este trágico final por injusta y opresiva.


71

LECCIÓN 11

TEATRO ECUATORIANO

INVESTIGO

Investigue 10 nombres de obras teatrales ecuatorianas:

1. ________________________________________________________________

2. ________________________________________________________________

3. ________________________________________________________________

4. ________________________________________________________________

5. ________________________________________________________________

6. ________________________________________________________________

7. ________________________________________________________________

8. ________________________________________________________________

9. ________________________________________________________________

10. ________________________________________________________________

GLOSARIO

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


72

Precolombino:

________________________________________________________________

Colonial:

________________________________________________________________

Social:

________________________________________________________________

Burgués:

________________________________________________________________

Contemporáneo:

______________________________________________________________


________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

RESUMO




73

CUESTIONARIO

Enumere los representantes de la tradición teatral ecuatoriana:

a. ____________________________________

b. ____________________________________

c. ____________________________________

d. ____________________________________

Señale las respuestas correctas:

LAS OBRAS DE JOSÉ MARTINEZ QUEIROLO, SON:

a. La casa del qué dirán.

b. Titanic.

c. Verónica quiere morir.

d. Requiém por la lluvia.

e. La casa de los espíritus.

f. Cuestión de vida o muerte.

LA ACTIVIDAD TEATRAL PROFESIONAL Y SEMIPROFESIONAL SE SITÚA

PREFERENTEMENTE EN:

a. Machala – Loja – Sucumbíos.

b. Esmeraldas – Tulcán – Quito.

c. Quito – Guayaquil.

d. Cuenca – Manta.

e. Todas son correctas.

f. Ninguna es correcta.

LAS TENDENCIAS DEL TEATRO EN EL SIGLO XX SON:

a. Poético

b. Burgués.

c. Industrial.

d. Social.

e. Dramático.

f. Político.

g. Colonial.

h. Histórico.

i. Comercial.


74

CALIFICACIONES

INVESTI

GO

GLOSA

RIO

RESU

MO

CUESTION

ARIO

LECCIÓN 12

ELEMENTOS NARRATIVOS DE UNA

OBRA TEATRAL

DESTREZAS CON CRITERIO DE

DESEMPEÑO: Juzgar el resultado de la

obra desde la percepción del espectador.

ELEMENTOS

Son las partes de una historia que dan

forma a la obra, son:

Tema: Es el punto o conflicto que se está

tratando, por ejemplo puede ser: hombre –

naturaleza, hombre – hombre, hombre –

divinidad, entre otros y puede tener un

enfoque ideológico o conceptual que se

dará en la narración.

Argumento: Sucesión de hechos o acciones relacionados entre sí que constituye el

núcleo principal de una narración, obra teatral o película cinematográfica.

Estructura: Es la disposición del material narrativo y se divide en estructura externa e

interna. La externa es la distribución formal en que se presenta la narración: capítulos,

secuencias, tratados, cartas, diarios, y la interna, es el modo en que se ha ordenado el


75

material narrativo, que puede ser: lineal,

cuando la acción sigue el orden normal de introducción planteamiento, nudo o

desarrollo y conclusión o desenlace.

Punto de Vista: El narrador es un personaje creado por el autor que tiene la misión de

contar la historia. Hay diferentes tipos de narrador según la información de que dispone

para contar la historia y del punto de vista que adopta.

TIPOS DE NARRADOR

EXTERNO: 3era persona

Narrador Omnisciente: es aquel

cuyo conocimiento de los hechos

es total y absoluto. Sabe lo que

piensan y sienten los personajes:

sus sentimientos, sensaciones,

intenciones, planes…

Narrador Observador: sólo

cuenta lo que puede observar. El

narrador muestra lo que ve, de

modo parecido a como lo hace una

cámara de cine.

INTERNO: 1era persona

Narrador Protagonista: el narrador

es también el protagonista de la

historia, se cuenta una autobiografía

real o ficticia.

Narrador Personaje Secundario: el narrador es un testigo que ha asistido al

desarrollo de los hechos.

INTERNO: 2do persona

El narrador habla en 2da persona y se crea el efecto de estar contándose la historia a

sí mismo o a un yo desdoblado.

PERSONAJES

Los personajes, seres inventados que actúan en la narración y que son definidos por

una serie de caracteres físicos y morales a lo largo del relato. Se clasifican en:

Según la caracterización

Realistas: que semejan a las personas vivas, reales.

Fantásticos: son completamente imaginarios o inventados.

Históricos: se encarnan a un personaje que ha existido.

Simbólicos: representan alguna idea en especial.


76

Según su función en el relato

Principales: son los que llevan el peso de la trama y están más caracterizados que

otros.

Secundarios: son de menos importancia que los anteriores, pero contribuyen también

a que se desarrolle la acción.

Protagonistas: centra la atención del relato; es el héroe en determinado tipo de

narraciones.

Antihéroe: tiene características que son antiéticas comparadas con las del héroe

tradicional.

Antagonistas: se oponen a los anteriores y contribuyen a que la acción se complique

y adquiera más interés.

ESPACIO

Es el lugar en el que se desarrolla la acción y el tratamiento que recibe. Puede ser:

realista u objetivo si se parece al espacio de la realidad, subjetivo si refleja la visión

personal de un determinado personaje, o fantásticos

si son ambientes inventados por el autor.

TIEMPO

El transcurso en el que se desarrolla la acción y el

tratamiento que recibe. Puede ser: cronológico o

lineal cuando la acción se sitúa en una etapa

concreta de la Historia; retrospectivo si regresa al

pasado desde un punto de la acción concreto; y

anticipativo si se adelantan acontecimientos que

sucederán más tarde.

FORMA DEL DISCURSO


77

El diálogo dramático o teatral es aquel en

que los personajes exponen sus conflictos ante los espectadores directamente, sin la

mediación de un narrador.

Puede clasificarse según el número de emisores en monólogo y prólogo; y según su

funcionalidad en el juego dramático, es decir, si hay una participación verbal directa de

las figuras o si, por el contrario, el diálogo se realiza fuera del juego dramático.

El monólogo es un diálogo con un emisor único, se trata de la intervención verbal de

una figura cuya extensión rebasa los límites de una réplica normal y no es

imprescindible que la figura esté sola en el escenario. Si la intervención es de un único

personaje en escena, se denomina soliloquio.

ANÁLISIS DE UNA OBRA TEATRAL

Para analizar una obra teatral se deben desarrollar los siguientes pasos:

a. Título y autor de la obra

Título: se elige el tipo de título y se argumenta. Literal cuando el título alude

directamente a algún elemento de la obra, personaje, lugar; simbólico cuando el título

se refiere a algún símbolo presente en la obra; o metafórico si se hace una

comparación directa entre dos objetos.

Autor: se elabora una ficha técnica y una línea de tiempo con los datos biográficos

más importantes del autor de la obra.

b. Análisis de la obra

Tema y argumento: se escribe cual es el tema o la idea más importante que se

desarrolla y se escribe el argumento central de la obra de manera descriptiva

detallando inicio, nudo y desenlace en sus propias palabras. Se analiza el desarrollo de

la acción dramática: si la obra cuenta con una o más historias y cuál de estas es la

principal. Se describen los conflictos que se desarrollan en la trama y como son

resueltos por las personas que están involucradas.

Personajes: se describen todos los personajes que

intervienen en la obra de acuerdo a su función,

carácter y caracterización: principales, secundarios,

episódicos, silueta, comparsa, planos o redondos.

Ambiente: se describe el lugar donde ocurre la

historia y se define si es real o ficticio, además se

identifica la época histórica y en cuánto tiempo se

desarrolla la obra de acuerdo al vestuario,

escenografía, iluminación, música y sonido.


78

Atmósfera: considera el clima emocional

que domina la obra: suspenso, drama, alegría, tristeza, misterio, comedia.

Estilo: se analiza la clase de vocabulario que se utiliza durante la obra: sencillo o

rebuscado y si denota la época histórica; el recurso de estilo: poesía, monólogo,

diálogos, tipo de narración; en que tono: serio, solemne, satírico o jocoso se escribió y

los símbolos que utilizaron como los colores, animales, objetos, sitios o personajes que

significan la muerte, el amor, la suerte entre otros.

Estructura: cómo está dividida la obra, en actos, jornadas, cuadros, escenas y se

realiza un esquema mediante viñetas o storyboard.

Clasificación de la obra: una obra dramática se puede clasificar por:

Su contenido: costumbrista, histórica, fantástica, realista, poética, mitológica,

pastoril, teológica, simbólica, psicológica.

El sentido: religiosa, filosófica, pedagógica, moral, social o política.

La estructura dramática: tragedia, comedia o drama.

c. Apreciación personal

Valores: que valores presenta la obra, estéticos, éticos, ideológicos, filosóficos,

morales y el mensaje que quiere dejar el autor con la obra.

Crítica personal: que fue lo que más gusto de la obra y por qué, lo que menos gustó y

por qué, que escena impactó y por qué, con qué personajes te identificas y por qué. La

opinión de la obra y de su relación con la actualidad, que cambiarían de ella y una

opinión sobre el autor y su vida.

LECCIÓN 12

ELEMENTOS NARRATIVOS DE UNA OBRA TEATRAL

INVESTIGO

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


79

Investigue un monólogo corto y cópielo

a continuación:

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________

GLOSARIO

Narrador:

________________________________________________________________

Protagonista

________________________________________________________________

Héroe:

________________________________________________________________

Antihéroe:

________________________________________________________________

Retrospectivo:

________________________________________________________________


80

Escriba cinco palabras no asimiladas

en la lección con su concepto:

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

RESUMO



CUESTIONARIO

Responda Verdadero (V) o Falso (F) según corresponda:

a. Los elementos narrativos de una obra teatral son las partes de una historia

que dan forma a la obra.

(

)

b. Tema: Es el punto o conflicto que se está tratando, por ejemplo puede ser:

hombre – naturaleza, hombre – hombre, hombre – divinidad, entre otros y

puede tener un enfoque ideológico o conceptual que se dará en la narración.

(

)

c. Estructura: Sucesión de hechos o acciones relacionados entre sí que

constituye el núcleo principal de una narración, obra teatral o película (


81

cinematográfica. )

d. Argumento: Es la disposición del material narrativo y se divide en estructura

externa e interna.

(

)

Coloque el literal correcto según corresponda:

A. Narrador

Protagonista:

( ) El narrador es un testigo que ha asistido al

desarrollo de los hechos.

B. Narrador

Omnisciente:

( ) Sólo cuenta lo que puede observar. El narrador

muestra lo que ve, de modo parecido a como lo hace

una cámara de cine.

C. Narrador Personaje

Secundario:

( ) Es aquel cuyo conocimiento de los hechos es

total y absoluto. Sabe lo que piensan y sienten los

personajes: sus sentimientos, sensaciones,

intenciones, planes…

D. Narrador

Observador:

( ) El narrador es también el protagonista de la

historia, se cuenta una autobiografía real o ficticia.

Señale la respuesta correcta:

ANÁLISIS DE UNA OBRA TEATRAL:

Los pasos para analizar una obra teatral son:

a. Título, autor, tema, argumentos, personajes, ambiente.

b. Espacio, tiempo, forma del discurso.

c. Atmósfera, estilo, estructura, valores, crítica personal.

d. Realistas, fantásticos, históricos, simbólicos.

e. a y d son correctas.

f. a y c son correctas.

g. Ninguna es correcta.

CALIFICACIONES



82

LECCIÓN 13

EL COMIC

DESTREZAS CON CRITERIO

DE DESEMPEÑO:

Reconocer los códigos

cinéticos gestuales del


83

cómic a partir del análisis de una

macro viñeta.

Aplicar los componentes verbales del cómic en la representación de los

personajes de las historietas.

El cómic o historieta gráfica consiste en la narración de una historia a través de una

sucesión de ilustraciones que pueden o no llevar un texto escrito complementario. La

característica principal del cómic es la combinación del lenguaje visual con el

lenguaje verbal y una serie de elementos gráficos o símbolos.

Formato

Los cómics pueden aparecer publicados en distintos formatos generalmente derivadas

de las condiciones de publicación y pueden ser en láminas o páginas enteras,

formato que suele ser utilizado cuando se quiere crear una historia completa que va a

recogerse en un libro de historietas; media página; y Tira la cuál es una sucesión de

tres o cuatro viñetas alineadas horizontalmente y que se suelen publicar en prensa y

con regularidad diaria o semanal. Pueden ser humorísticas, pero no necesariamente.

Elementos de la narración en el cómic

El cómic comparte con los textos narrativos escritos elementos tales como personajes,

narrador y punto de vista, tiempo, espacio y su estructura interna se rige de igual forma

de planteamiento, nudo y desenlace. Por otro lado también comparte elementos con

la narrativa cinematográfica como los planos y los ángulos.

Los recursos gráficos narrativos del cómic son viñetas, cartuchos, cartelas y globos o

bocadillos.

Viñetas

Es la unidad más pequeña en que se puede dividir el

cómic y debe ser expresiva en sí misma y en relación a

las demás para que la acción logre progresar.

Como en el cine, se le llama escenas a la

suma de viñetas situadas en los mismos

escenarios y secuencia es un grupo de

viñetas, en una o más escenas, que tienen

relación entre sí. Con frecuencia, las


84

secuencias, van a su vez agrupadas en

páginas.

Tamaño y formas de una viñeta

Las viñetas pueden ser todas de igual tamaño, una más grande que la otra o pueden

ser todas diferentes, generalmente se adapta a lo que se quiere representar en cada

una de ellas.

Existen distintas formas de viñetas:

Viñeta cerrada: está limitada por todos sus lados. Se utiliza cuando se desea crear

una toma única y cerrada, como en una pantalla de cine. Aquí entraría la viñeta típica

de cómic, de forma rectangular, pero también puede adoptar multitud de formas como

redonda, triangular, con el borde ondulado, en forma de tubo, etc. No hay límite para la

imaginación en este sentido.

Viñeta abierta: no tiene limitación alguna, y se utiliza para crear

diferentes sensaciones. Cuando el dibujo se sale de los bordes,

puede generar la sensación de un espacio infinito que se

extiende más allá de la página; o si el dibujo permanece

suspendido en el vació, crea la sensación de estar en un espacio

atemporal, al margen del tiempo de la

narración.

Viñeta ortogonal: cuando sus lados son

ortogonales al plan de la página, es decir,

que sus bordes son rectos y por tanto

forma rectángulos o cuadrados. Son viñetas estables y se usan

con mucha frecuencia.

Viñeta diagonal: posee lados que van en diagonal en referencia

al plano de la página, por lo que forman rombos o trapecios.

Sirven para dar sensación de movimiento o dinamismo, o para

mostrar imagen perturbadora.

Viñeta interior: se encuentran contenidas dentro de una

viñeta más grande. Sirven normalmente para mostrar un

detalle o un hecho que se realiza al mismo tiempo en esa

escena.


85

Viñeta exteriores: son aquellas que se

encuentran separadas de las demás por medio de las calles (espacio entre viñetas) o

por los márgenes de la página.

Viñeta decorativa: cuando la viñeta se

convierte en parte del dibujo. Se utiliza

para ambientar momentos o

situaciones concretas de la trama. Al usarla no

se debe recargar tanto el dibujo para que no

dificulte la

comprensión de la

historia.

Viñeta rota: se usan para crear sensaciones estéticas y,

especialmente, de movimiento, se utiliza el recurso de

“sacar” parte del dibujo “fuera de la viñeta”, como si lo

dibujado se estuviera proyectando hacia el espectador. Con

esto se gana dinamismo y ayuda a ordenar las viñetas,

situando algunas por encima de

las otras.

Viñeta psicológica: se usan para crear sensaciones en el

lector de tal manera que se adaptan a una forma que las

produce. Esto hace que las viñetas creen composiciones

extrañas pero tienen una gran fuerza y sumergen a lector

en la trama. Se debe tener cuidado de no alterar el orden

de lectura de las viñetas e imposibilitar la comprensión.

Contorno de las viñetas

Puede tener diferentes formas según el tiempo que represente:

Pasado: la línea de contorno es discontinua. Cuando el pasado es remoto la viñeta

puede tener forma de pergamino.


86

Presente: la línea es continua y presenta

formas regulares.

Futuro: la línea está formada por curvas o tiene la forma de nube.

Distribución de las viñetas

La distribución de las viñetas en la hoja depende mucho de la narración que se quiere

lograr.

Distribución regular: son las más comunes y

regularmente expresan viñetas calmadas o con

diálogos. La distribución simétrica es la más

sencilla, pues en ella se divide la página en cuadros

del mismo tamaño. Sin

embargo, esta forma

aunque sencilla tiende a

ser demasiado estética.

Por ello, su uso se limita

casi exclusivamente al

humor de caracteres, a la

tira o a la

experimentación.

La más utilizada es la

distribución asimétrica.

La cual vigila el ritmo de

la acción, y ajusta el

ritmo visual a lo que se

quiere sugerir. A las distintas distribuciones

regulares se las llama por el número de viñetas que

utilicen, utilizando usualmente las columnas primero

y las filas después, por ejemplo, una distribución de

2x3 indica que la página posee tres filas cada una

con dos viñetas.

Distribución irregular: son aquellas que presentan

formas extrañas y que incluso en ocasiones no se

pueden definir mediante columnas y filas. Estas

páginas se utilizan normalmente para escenas de

acción o descripciones, donde el lector puede

perderse en los detalles. En otras ocasiones se

utilizan de manera que colaboren de forma gráfica

con la trama.

La viñeta como representación de tiempo y espacio


87

Controlar el espacio y el tiempo es básico

a la hora de narrar los hechos de una historia en el cómic. La viñeta es una noticia de

espacio, ya que dentro de la misma se selecciona una porción de la realidad. Para leer

o recorrer estas viñetas se necesita establecer un espacio de tiempo que es

determinado por los siguientes factores:

Tamaño de la viñeta: se lee antes una viñeta pequeña que una grande. Además, y

como seguimos el orden de lectura, se tarda más en leer una viñeta alargada

horizontalmente que una alargada verticalmente.

Información visual: se lee antes una viñeta con poco dibujo que una con muchos

detalles. Si los detalles aportan detalles importantes, también necesitarán ser leídos.

Información textual: se lee antes una viñeta con poco texto que una con mucho, al

igual que se tardará más en una con más bocadillos. Además, la complejidad del texto

también hará que su lectura sea más o menos rápida.

Encuadres o planos en el cómic

Como en el cine, el encuadre es el espacio que se presenta en una viñeta y representa

la acción en un lugar y en un tiempo determinado. Cada encuadre transmite un valor

expresivo diferente. Estos espacios donde se desarrollan las acciones de la trama

deben tener continuidad y para lograrlo se utilizan los elementos de localización como

colores, objetos, espacios, muebles, etc. que se repiten de una secuencia a otra e

informan de que la acción se sigue desarrollando en el mismo espacio.

Tipos de encuadres utilizados en los cómics

Gran plano general o panorámico: describe el

ambiente y el lugar donde se desarrolla la

acción. Los personajes pueden aparecer como

pequeñas manchas que apenas se distinguen.

Para este plano se utilizan viñetas de gran

tamaño, y son usualmente alargadas,

comúnmente horizontales, dejando que el lector

se detenga para contemplar el escenario de la

acción don todos sus detalles.


88

Plano general: en este plano, la figura

del personaje aparece completa y se

describe levemente el lugar donde se

desarrolla la acción. Es importante

identificar los elementos de localización.

Para estos planos se pueden usar viñetas

de cualquier tipo, pero suelen ser de

tamaño grande o mediano.

Plano entero: el personaje aparece

completo para mostrar su aspecto. Las

viñetas que contienen planos enteros

suelen ser alargadas verticalmente ya

que aprovechan la situación del cuerpo.

Plano americano: en este plano el personaje

aparece cortado por encima de las rodillas. Este plano

permite reflejar el movimiento del personaje y la

expresión de su cara en menor medida.

Plano

medio y

plano

medio

corto: en

estos

planos la figura aparece cortada a la altura

de

la

cint

ura

y a


89

nivel de los hombros.

Primer plano: aparece sólo la cabeza del personaje, y lo más importante es la

expresión de la cara.

Primerísimo primer plano o plano detalle: muestra el detalle de algún elemento o

personaje; es muy importante ya que enfatiza algo que de otra manera el lector no se

vería y puede resultar clave para comprender el desenlace de la historia.

Angulación

Es muy importante el ángulo de visión desde el cual se presentará la acción de cada

viñeta y dependerá siempre de la intención narrativa del cómic, ya que una misma

escena puede producir diferentes sensaciones representándola con una vista desde el

suelo, desde arriba o desde la misma altura del espectador, al igual que en el cine o la

fotografía.

Los principales tipos de angulación que se utilizan en el cómic

son:

Angulación horizontal: donde se imita la visión que tiene

alguien cuando está de pie, los ojos del espectador están a la

altura del pecho o de la cabeza de los personajes.

Angulación en picado: la acción

es representada de arriba hacia

abajo, como si la observara un

personaje desde algún lugar

elevado o volara por encima de

ella. Este tipo de ángulo ofrece

la sensación de pequeñez,

debilidad o inferioridad.


90

Angulación en contrapicado: aquí la acción, personaje o cosas son representadas de

abajo hacia arriba y este ángulo ofrece la sensación de superioridad, poder y presenta

al personaje como dominante.

Ángulo cenital: es un picado absoluto y ofrece una

visión totalmente perpendicular de la realidad.

Ángulo nadir: es el ángulo contrapicado absoluto.

Otros recursos de los cómics

La perspectiva

Para conseguir el efecto de que un objeto se vea más pequeño cuanto más lejos está

sobre un plano de dos dimensiones del cómic se utiliza la perspectiva que es el arte

de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. Para esto se

debe determinar un punto de fuga sobre la línea horizontal.

El punto de fuga es el

haz imaginario donde

convergen todas las

líneas horizontales o

verticales de los

elementos, que dotan a

estos de volumen y

sensación de realismo.

Puede haber uno, dos,


91

tres o incluso más puntos de fuga.

La línea horizonte puede estar dentro o fuera de la viñeta. La profundidad se consigue

dibujando con trazos más firmes y gruesos lo que está cerca, y más finos y

desdibujados lo que aparece más lejos. Los personajes también deben respetar las

reglas de la perspectiva.

La iluminación

La iluminación es un elemento del cómic que dota a la

viñeta de volumen y profundidad, detallando las luces

y las sombras que se proyectan de manera distinta

dependiendo de la fuente de luz y la sombra recorre

los bultos o pliegues de los elementos dejando

entrever su estructura.

La luz del día se obtiene iluminando desde arriba y la

noche se consigue con sombras alargadas y con el

contraste entre el negro y un foco de luz. La luz y la

sombra también son utilizadas para dar dramatismo a

la historia.

Las tramas

En los cómics en blanco y

negro se representan

sombras y texturas por

medio de tramas que son

técnicas de difuminado que

van desde el negro y el

blanco, pasando por una

variedad de grises.

Pueden crearse manualmente por el dibujante realizando pequeños trazos hasta

conseguir texturas o técnicas como el estarcido con cepillo de

dientes, esponjas y pinceles; mecánicamente por medio de un

papel que se venden en papelerías especializadas; o

directamente con acuarela hasta llegar al negro intenso de la

tinta.

La composición

La composición de una viñeta consiste en distribuir y organizar

todos los elementos que la integran. La simetría o asimetría en

la distribución de los elementos, el equilibrio de masas o

compensación de pesos y volúmenes, la profundidad y la

perspectiva son muy importantes al momento de la composición.


92

El color

El color no sólo sirve para iluminar las historias,

también puede narrar por si sólo un cómic.

También se usa para definir y separar secuencias,

lugares y tiempos, y además expresa sensaciones

y sentimientos. El color aporta al cómic en

aspectos narrativos, artísticos, emocionales,

espaciales, descriptivos y de legibilidad.


93

LECCIÓN 13

EL CÓMIC

INVESTIGO

Investigue 10 nombres de Cómics reconocidos a nivel nacional e internacional:

11. ________________________________________________________________

12. ________________________________________________________________

13. _______________________________________________________________

14. ________________________________________________________________

15. ________________________________________________________________

16. ________________________________________________________________

17. ________________________________________________________________

18. ________________________________________________________________

19. ________________________________________________________________

20. ________________________________________________________________

GLOSARIO

Escena:

________________________________________________________________

Secuencia:

________________________________________________________________

Viñeta:

________________________________________________________________

Simétrico:

________________________________________________________________

Asimétrico:

________________________________________________________________


________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


94

____________________________

____________________________________

RESUMO



CUESTIONARIO

Señale la respuesta correcta:

EL CÓMIC ES:

g. Una historieta gráfica.

h. Una historieta en video.

i. Una historieta en audio.

LAS FORMAS DE LAS VIÑETAS SON:

g. Redonda, cuadrada, rectangular, ovoide, pentagonal, hexagonal.

h. Uniforme, irregular, estrellada, ancha, angosta.

i. Cerrada, abierta, octogonal, diagonal, interior, exterior, decorativa, rota,

psicológica.

j. Todas son correctas.

k. Ninguna es correcta.


95

LOS PRINCIPALES TIPOS DE

ANGULACIÓN SON:

j. Vertical, horizontal, perpendicular.

k. Abierto, cerrado.

l. Horizontal, en picado, en contrapicado.

m. Cenital, nadir.

n. a y b son correctas.

o. c y de son correctas.

Coloque el literal que corresponda:

A. GRAN PLANO GENERAL

B. PLANO GENERAL

C. PLANO ENTERO

D. PLANO AMERICANO

E. PLANO MEDIO


96

F. PRIMER PLANO

G. PLANO DETALLE

Complete:

a. La perspectiva es el arte de

____________________________________________________.

b. El punto de fuga es el haz imaginario donde

____________________________________.

c. La iluminación dota a la viñeta de

_____________________________________________.

d. En los cómics en blanco y negro se representan sombras y texturas por medio

de

________________________________________________________________

e. La composición de una viñeta consiste en

_______________________________________.

CALIFICACIONES



97

LECCIÓN 14

Componentes verbales del cómic

INVESTIGO

Investigue en internet qué es el Derecho de Autor en Ecuador.

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

______________________________________________________________________

GLOSARIO

Ironía:

________________________________________________________________

Titubeo:

________________________________________________________________

Burla:

________________________________________________________________

Comparar:

________________________________________________________________

Gesto:

________________________________________________________________

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


98


________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

_______________________________________________________________

________________________________________________________________

RESUMO




99

CUESTIONARIO

ESCRIBE V SI ES VERDADERO O F SI ES FALSO

a. Un bocadillo está compuesto por un globo y uno o varios deltas. ( )

b. Cuando el delta señala hacia afuera de la viñeta quiere decir que el narrador

está hablando. ( )

c. Los cartuchos se sitúan en los extremos de las viñetas. ( )

d. Los elementos cinéticos se utilizan en el cómic para indicar el movimiento o

trayectoria de los objetos y personas en una viñeta. ( )

e. El lenguaje coloquial es expresarse en un leguaje forma. ( )

f. Ponerle la nariz oscura a un personaje denota borrachera o frío. ( )

ESCRIBE LO QUE REPRESENTA CADA UNO DE LOS SIGUIENTES

GLOBOS:


100

CALIFICACIONES



101

LECCIÓN 15

EL COMIC

DESTREZAS CON CRITERIO DE DESEMPEÑO:

Incorporar diálogos propios en una historieta seleccionada, con el manejo de

onomatopeyas y

expresiones.

Valorar las

producciones

resultantes para

establecer el uso

de los códigos.

Creación de

personajes

El personaje es un ente que debe ser capaz de ejecutar acciones en una historia

contada en una simple hoja de papel. Para desarrollar un nuevo personaje hay que

descubrirlo en lo que ya está hecho, es decir, si debe partir de lo que ya hay para crear

algo realmente original y para esto se debe investigar y evaluar personajes ya

existentes.

Observar, investigar y evaluar los personajes de anuncios de TV, caricaturas,

comerciales, cajas de cereal ayuda a saber qué características funcionan de ciertos

personajes y cuáles no.

También se debe definir, antes de dibujar, quién será este personaje, animal o humano,

feliz, amargado, viejo, joven, qué características físicas tendrá, será gordo, flaco, alto,

de dónde proviene, que hace tantos

datos como se necesiten para poder

tener una idea mental clara de cómo

será el personaje y sus gestos.

Es importante definir la historia detrás

del personaje, crear un concepto y

desarrollarlo en base a las

características que se hayan detallado.

De esto dependerá la línea gráfica que

se elija.

Del concepto al papel

Aunque parezca poco importante, el

estilo tiene mucho que ver con las


102

características de tu personaje. Por

ejemplo, las líneas suaves y el estilo redondeado de la figura, denota un personaje

tierno, las líneas tipo boceto o raboneado denotan un personaje más agresivo. La

exageración de ciertas características también ayuda al perfil del personaje, por

ejemplo, si un personaje es musculoso, se puede exagerar el tamaño de sus brazos

para enfatizar su fuerza física y ayuda a darle más credibilidad.

Los colores que se utilizan son básicos para que

el personaje logre comunicar. Para un personaje

más del estilo maléfico y peligroso se usan los

colores oscuros como el negro, el gris, o el

púrpura y colores claros como el blanco, los

azules, rosas y amarillentos para personajes

llenos de inocencia, bondad o pureza. Los

colores rojos combinados con los amarillos y

azules dan cualidades

de héroe a un

personaje.

Los accesorios y la vestimenta son extensiones literales de la

personalidad del personaje y enfatizan los rasgos y el entorno

del mismo. Se utilizan mucho los estereotipos, por ejemplo si

se dibuja un loro en el hombro de personaje, es clara la idea

de que se trata de un pirata y si se añade una calavera a un

sombrero no cabrá la menor duda.

Crear el ambiente adecuado es muy importante para darle

más credibilidad a la existencia del personaje ya que el mundo

en que el personaje vive e interactúa da sentido de quién es y para qué fue creado.

Onomatopeyas y expresiones

La onomatopeya es la imitación escrita de

un sonido de la realidad por medio de

palabras que aunque no estén

reconocidas, todos entendemos, como por

ejemplo ¡Tan tan! para describir el sonido

de una campana o ¡Boom! para una

explosión. Son muy utilizadas en las

viñetas pueden estar o no dentro de

globos y frecuentemente, van

acompañadas de líneas cinéticas. Muchas

de estas onomatopeyas utilizadas en los cómics provienen del inglés, veamos algunos

ejemplos: Crack: quebrar, crujir; Soplas: salpicar, chapotear; Clic: sonar con uno o más

golpes; Swift: olfatear; Grupo: engullir, tragar.


103

Lenguaje icónico verbal

Como hemos visto las imágenes o íconos en el cómic no van solas, se acompañan de

frases verbales que complementan la interpretación del texto icónico, diálogos y

representación gráfica de elementos onomatopéyicos, por esto el lenguaje que se

utiliza es el icónico – verbal.

El proceso de comunicación un texto icónico – verbal consta de un enunciador, en

este caso el dibujante, codificando por medio de la creación del personaje y su historia

el texto o mensaje que quiere trasmitir plasmándolo en el cómic por medio del tipo de

viñeta, distribución, tamaño y colores que utilice, y un renunciatario que lo decodificará

de acuerdo a sus valores y presupuestos ideológicos como son sus principios

culturales y filosóficos. De esta manera, con aquello de lo que conoce y lo que sabe,

puede interpretar el cómic evitando confusiones.


104

LECCIÓN 15

Creación de personajes

INVESTIGO

Investigue el nombre de los creadores de los siguientes cómics.

CÓMIC NOMBRE DEL CREADOR / AUTOR

MAFALDA

GARFIELD

CONDORITO

NOMBRE: _________________________________

CURSO: ___________________________________

PARALELO: ________________________________

FECHA: ___________________________________


105

SUPERMAN

EL PATO DONALD

POPEYE EL MARINO

DANIEL EL TRAVIESO

GLOSARIO

Ente:

________________________________________________________________

Caricatura:

________________________________________________________________

Boceto:

________________________________________________________________

Onomatopeya:

________________________________________________________________

Icónico:

________________________________________________________________


________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

________________________________________________________________

_______________________________________________________________

RESUMO




106

CUESTIONARIO

ORDENE LOS PASOS PARA LA CRECION DE PERSONAJES COLOCANDO

EL LITERAL CORRESPONDIENTE

(A) Definir la historia detrás del personaje.

PRIMER PASO _______

(B) Investigar y evaluar personajes ya existentes.

SEGUNDO PASO ________

(C) Definir quién será el personaje.

TERCER PASO _________

COLOQUE EL LITERAL CORRECTO SEGÚN CORRESPONDA EN LA

COLUMNA:

A. Se utilizan colores rojos

combinados con los amarillos y

azules.

( ) PERSONAJES MALÉFICOS

B. Se utilizan colores oscuros como el

negro, el gris o el púrpura.

( ) PERSONAJES LLENOS DE

BONDAD

C. Se utilizan colores claros como el

banco, los azules, rosas y

amarillentos.

( ) HÉROE

COMPLETE CON LO REFERENTE A LAS ONOMATOPEYAS Y

EXPRESIONES REVISADAS:


107

a. ¡Tan, tan! describe el sonido de

_______________.

b. ¡Boom! Describe el sonido de _________________.

c. Crack significa ________________.

d. Splash significa ________________.

e. Sniff significa __________________.

f. Glup significa __________________.

g. Click significa _________________.

LECCION N°16

EL LENGUAJE VISUAL DESDE LA INTERPRETACION DEL MENSAJE

IMAGEN

Objetivo:

Vivimos inmersos en un mundo de imágenes en un universo de formas, diseño, color,

relativos a los valores estéticos de los objetos;

El lenguaje Visual:


108

Es un sistema de comunicación que

facilita la comunicación a través de imágenes, como un medio de expresión, trasmite

mensajes visuales de diferente forma para los receptores.

La comunicación visual:

Es un proceso de elaboración, difusión y recepción de mensajes visuales y consta:

Emisor, Mensaje, Receptor, cada uno debe cumplir su mensaje correctamente para q

el mensaje no se pierda.

EL EMISOR.- Es quien origina el mensaje eje. Fotógrafo, un pintor, etc. Tiene como

objetivo principal el comunicar.

EL MENSAJE.- Es la información que se desea transmitir de acuerdo a la percepción,

reflexión y sensibilidad del receptor.

El RECEPTOR.- Es a quien va dirigido el mensaje, es el objetivo del emisor.

CANAL O MEDIO.- Se puede emplear diferentes medios como, la televisión, internet,

la prensa, etc.

LA INCONICIDAD DE LA IMAGEN.

Las imágenes son representaciones de una parte de la realidad, en una imagen

debemos distinguir el grado de parecido, si esta es muy grande, el parecido será muy

alto, si es pequeño existirá poco parecido.

TIPOS DE IMÁGENES

Encontramos varios tipos de imágenes que las detallamos a continuación:

Imagen natural.- Observamos la imagen al natural

Modelo tridimensional a escala.- Restablece todas las propiedades del objeto

Hologramas.- Imágenes de registro estereoscópico.

Fotografía en color.- Equiparado al poder resolutivo del ojo


109

Pintura realista.- Se establece las

relaciones en un plano bidimensional

Representación figurativa no realista.- Son imágenes alteradas

Pictogramas.- las imágenes tienen características sensibles

Esquemas motivados.- Restablecen las relaciones orgánicas

Esquemas arbitrarios.- No representan características sensibles

Representación no figurativa.- Tienen abstraídas todas las propiedades sensibles

CLASES DE LENGUA VISUAL

Podemos encontrar tres clases de lengua visual:

Lenguaje visual objetivo.- un dibujo científico

Lenguaje publicitario.- objetivo es informar, convencer

Lenguaje artístico.- Posee una función estética

CODIGOS DE LA IMAGEN

La composición:

Es la disposición equilibrada de los elementos de la imagen que se ordenan para

expresar sensaciones favorables en un espacio determinado.

Al plantearse una estructura compositiva, o al analizar una composición conviene tener

presente los siguientes conceptos: el encuadre, el formato, los centros focales, la

angulación, los colores, la luminosidad, el concepto, y la propia estructura derivada del

conjunto de todos los anteriores elementos.

Regla de los terceros:

Es la regla de composición más conocida y

valida tanto para la fotografía, como para

la pintura y el resto de las artes, establece

la división del rectángulo en partes

proporcionales, agradables a la vista.

Divide la fotografía en tres partes iguales

horizontal, y verticalmente, los puntos de

intersección de las líneas trazadas son los

llamados centros de atención.


110

La iluminación:

Por la iluminación se puede visualizar los objetos. De esta y de la altura de la que se

proyecta depende el aspecto general de la imagen final.

TIPOS DE ILUMINACION

Iluminación Frontal: Cuando la luz esta frente al objeto

Iluminación Lateral: Cuando la luz se ubica de lado del sujeto 90 grados

Iluminación Semilateral: la Luz llega al objeto en forma diagonal pinto

intermedio entre la luz frontal y lateral

Iluminación Contraluz: Es cuando la luz proviene de atrás del objeto

Iluminación Semi-Contraluz: La luz proviene de atrás pero de manera diagonal

al objeto

Iluminación Cenial La fuente de la luz se ubica directamente de arriba, sobre el

objeto

Iluminación de Contrapicado Cuando la luz proviene de abajo hacia arriba,

contraria a la central


111

EL COLOR

Es una propiedad de las sosas del mundo, un fenómeno luminoso, una sensación

óptica que incluye funciones comunicativas en las imágenes funcionales y diseño

ICONICIDAD DEL COLOR

Se pueden clasificar en tres grupos


112

Color Realista: es la manifestación más

fiel del aspecto que ofrecen las cosas del entorno

Naturalista: los colores son percibidos como atributo natural de las cosas coloreadas

ya que el color aporta informaciones que la misma imagen sin color no puede lograr

Exaltado: cuando el color se aplica en su mayor grado posible de saturación, dando un

resultado brillante, con colores fuertes que trasmite potencia, energía y plenitud

Expresionista: Contribuye a la dramática de la imagen para lograr mayor expresividad

Colores fantasiosos: es opuesto al color realista crea escenas, como de ciencia

ficción, contraste entre lo real y lo insólito

Imaginario: se busca un efecto irreal, no reproduce una realidad visible

Arbitrario: impone sobre la forma icónica y la lógica perceptiva, abandona lo real para

explotar los efectos gráficos del color

Colores sìgnicos: es cuando el color se encuentra operando en un estado puro y no

como un atributo natural de las cosas que nos rodean

Esquemático: se encuentra en las invenciones graficas como el diseño de marcas

Señalética: la función concreta de este color es significar algo

Emblemático: puede ser esquemático o señalética.

PSICOLOGIA DEL COLOR

Es la expresión de los colores desde el punto de vista psicológico, todos percibimos

una reacción física ante la sensación que produce un color ejm. Una habitación pintada


113

de azul representa frio, y una habitación

pintada de rojo representa calor, podemos decir que los colores tienen también se

identifican con la naturaleza, por ejemplo el amarillo es el color que se relaciona con el

sol, el rojo está relacionado con el fuego.

LA FORMA

Es la propiedad de la imagen o de un objeto que define su aspecto, suele estar

delimitado por su borde proyectado desde un punto de vista espacial, normal, la forma

más pregnante en términos gestálticos, la constituye el contorno o borde.

Tipos de Formas:

Nos enseña las cualidades de las formas, como por ejemplo tenemos el tamaño,

posición, textura, nos ayuda a comprender su significado:

Por su tamaño sabemos si una forma es pequeña o grande

Por la posición comprobamos si una forma esta de frente, de perfil, etc.

Las formas pueden ser además simples o complejas:

Formas simples las identificamos con el punto o la línea

Formas complejas son aquellas cuyas superficies están compuestas por líneas,

planos, texturas y colores diferentes

Por su procedencia:

En naturales son las que provienen de la naturaleza

Artificiales son creadas por el ser humano

EL CONTENIDO

Es el significado connotado de una imagen que representa un concepto de tipo moral,

social, político, cultural, etc, las relaciones entre símbolo y aquello que simboliza por

ejemplo la calavera que representa la muerte.


114

FICHA N°16

RESUMO

INVESTIGO

¿Qué es la psicología del color?


115

CUESTIONARIO

¿Qué es la Iluminación Frontal

¿Qué entiende por comunicación visual?

GLOSARIO

Arbitrario:

Pictogramas:

Iconicidad:

Tridimensional:

Connotado:

BUSQUE CINCO PALABRAS QUE UDTED DECONOZCA EN ESTA LECCION CON

SU RESPECTIVO SIGNIFICADO:

1.-

2.-

3.-

4.-

5.-


116

____________________ ___________________

____________

FIRMA DEL ESTUDIANTE FIRMA DEL PROFESOR

CALIFICACION

OBSERVACIONES:

LECCION N° 17

DIFERENCIA DEL MENSAJE VISUAL Y MENSAJE TEXTUAL

Objetivo:

EL mensaje visual es parte de la comunicación

visual y logra combinar los sentidos para su

interpretación, para que se interpretado

correctamente debe estar bien elaborado para

evitar todo tipo de interferencia que pueda

deformarlo, también es muy importante la

información y el soporte visual que son aquellas

partes como la textura, la forma, composición, etc.

La alfabetidad visual.- es la lectura de la imagen

en sus distintos niveles, podemos decir de tal

manera que es la decodificación y comprensión

del lenguaje escrito. El lenguaje nació de imágenes, transformándose en pictogramas y

finalmente en el alfabeto, como una necesidad de comunicación.

La alfabetidad visual no llegara a ser tan ordenada y lógica como la verbal, cada cultura

tienes cierto significado para cada imagen, icono o símbolo, así como cada individuo

tiene su propia precepción dependiendo del contexto. Ejemplo en Japón el color blanco

es significado de luto, mientras que en la cultura latina es el color negro.

Existen tres formas fundamentales en la lectura y comprensión de los mensajes

visuales, y estas son:

La representación es lo que vemos y conocemos automáticamente por experiencia

La abstracción siendo la abstracción de lo que conocemos, un garabato de una casa

sobre un papel


117

La simbólica el hombre ha creado un

sinnúmero de símbolos transfiriéndoles diversos significados como podría ser la

paloma

Al crear un mensaje visual, debemos tomar en cuenta los símbolos las connotaciones y

denotaciones del color, la forma, para no caer en una contradicción imagen- palabra

FICHA N° 17

RESUMO

INVESTIGO

¿Qué es el mensaje textual características?


118

CUESTIONARIO

¿Qué es la alfabetidad visual?

¿Qué entiende por abstracción y dónde lo podemos utilizar?

GLOSARIO

Codificación:

Interpretación:

Combinar:

Icono:

Denotaciones:



1.-

2.-

3.-

4.-

5.-

____________________ ___________________

____________


CALIFICACION


119

OBSERVACIONES:

LECCION N° 18

CONTEXTO INTERNO Y EXTERNO DE

UNA IMAGEN

Objetivo:

Podemos decir que la imagen reflejada en

una foto, no sólo debemos valorarlas por

su motivo o por su técnica. En ocasiones

debemos pararnos a valorarlas dentro de

un contexto histórico, social y también

técnico, poniéndonos detrás de la cámara,

del lado del fotógrafo y cuestionándonos

sus dificultades, el tiempo en el que vivía y

qué mensaje quería transmitirnos.

El caso que más emociono es una foto que Annie Leibouitz le hizo a John

Lennon con Yoko Ono. En ella John abraza totalmente desnudo a una Yoko vestida.

Esta fotografía nació de la mente de Annie y John y Yoko estuvieron dispuestos a

realizarla. Lo que nadie sabía era lo que iba a pasar cinco horas después. Esta

fotografía se convirtió en histórica cuando John Lennon murió esa misma tarde

tiroteado. Fue una de las últimas fotos de John. La fuerza de esta foto hizo que la

revista Rolling Stone, para la que Annie trabajaba entonces, publicara en su portada

dicha foto sin ningún titular.


120

Se dice que podemos valorar las imágenes

a través de las fotografías por ser

innovadoras en su tiempo, ejemplo el libro

“Los Americanos” de otro de los grandes de

la fotografía, Robert Frank. Robert se

dedicó a recorrer Estados Unidos durante

varios años y retratar su realidad. Este tipo

de fotografía apenas existía entonces y eso

le dio un gran valor histórico actual. Henri

Cartier-Bressonn hacía lo propio en Europa,

retratando a la sociedad parisina, pero sin

largos viajes a lo largo del país. Robert

retrató a la sociedad en su más amplia

realidad, sin maquillajes.

CONTEXTO INTERNO Y EXTERNO DE UNA IMAGEN

Es la intención que el autor quizo darle al realízala, tomando en cuenta su entorno

cultural, religioso, político, histórico, etc. Dándole un significado personal a la imagen.

CONTEXTO INERTNO DE UNA IMAGEN

Varía en cada espectador ya que el significado que cada uno le da a la misma imagen

depende de nuestro entorno en general. Cuando nos acostumbramos a lo cotidiano, tal

vez una imagen mostrada en nuestro entorno no es tan impactante, por ejemplo en

nuestro país, donde existen zonas populares no le tomamos su valor visual, pero

cuando algún extranjero nos visita, toma una fotografía o se inspira para una pintura y

al mostrarlo en una galería internacional adquiere un valor diferente.

IMPORTANCIA DEL CONTEXTO EXTERNO DE UNA IMAGEN

La imagen que proyectamos en nuestra organización es un conjunto de requisitos que

se debe cumplir para poder mostrar a nuestros clientes y no clientes el manejo de la

misma.

El tiempo dedicado a nuestros empleados, la motivación que se les dé es de gran

importancia ya que si ellos están motivados y se les enseña y tienen un gran sentido de

pertenencia por la empresa la imagen que van a proyectar va a ser excelente y se debe

recordar que al empleado tener una buena actitud hacia la empresa lo que los clientes

van a percibir es un clima agradable y del que quieran ser partícipes.

Se debe recordar que una imagen de una empresa jamás va a ser exitosa si la imagen


121

interna y externa no concuerda; debe ser

un trabajo conjunto, jamás por separado para así poder mostrar realmente quienes

somos y así poder analizar los objetivos.

FICHA N°18

RESUMO


122

INVESTIGO

¿Qué es el contexto interno de una imagen, explique con sus palabras?

CUESTIONARIO

¿Qué entendemos por fotografía?

¿Explique brevemente sobre el contexto externo de una imagen?

GLOSARIO

Innovador:

Entorno:

Conjunto:

Proyectar:

Concordar:



1.-

2.-


123

3.-

4.-

5.-

____________________ ___________________

____________


CALIFICACION

OBSERVACIONES:

LECCION N° 19

LA PRODUCION DE IMÁGENES ARTISTICAS

Objetivo:

Se la llama arte a las

creaciones, mediante las

cuales el ser humano

expresa una visión

sensible entorno al mundo

que lo rodea, sea este real

o imaginar, usualmente

expresa ideas o

emociones a través de

recursos plásticos,

lingüísticos o sonoros,

expresa percepciones y

sensaciones que tienen

los seres humanos que no

son explicables de otro


124

modo, la noción del arte es hoy sujeta a

profundas polémicas, varía según la cultura, la época, una imagen artística no solo

puede ser una fotografía, también la imágenes vectoriales son las que nos ayudan a

crear partiendo de formas geométricas que no están compuestas de pixeles y las

imágenes compuestas por pixeles.

Al producir una imagen artística se debe seleccionar el modo complejo e intencional

como todos los recursos, técnicas, lenguajes, discursos, soporte, modos de

representación de acuerdo a la intención de expresarse.

Su formación su esencia, y todo lo relacionado con ella tanto en términos psicológico,

creativos, sociales, filosóficos, sociológicos, psicoanalíticos, constituyen una forma

especial de reflejo de la realidad

La formación de la idea artística se da como resultado de la inspiración en la

mente de los artistas, y cuya fuente de estímulo puede ser un objeto concreto a

un argumento

La objetivación comprende todos los lenguajes soportes y medios de que el

artista se vale para lograr un resultado final

La obra terminada en su condición de imagen artística es la que se genera

como imagen secundaria en la mente de cada uno de los públicos.

ANALISIS CRITICO DE IMÁGENES

Presenta la interpretación de la imagen, poder percibir, apreciar estéticamente

interactuar, interpretar, decodificar, reflexionar críticamente y reconocer

referencialidades productivas por la imagen. Esto no solo depende de la imagen en sí,

sino también de la condición social, edad, conflictos internos del individuo.

El análisis debe evaluar los siguientes aspectos:

Impacto.- trata sobre la idea o el tratamiento formal, aspectos importantes

Presentación.- habla sobre las cualidades que se destacan

Estrategia comunicativa y persuasiva.- pretende convencer o seducir

Función que realiza el texto.- Es la expresión básica del mensaje

Significado que se deriva de los elementos morfosintácticos.- planos, angulación

color, iluminación.

Recursos expresivos utilizados.- metáforas símbolos

Publico.- analizar para qué tipo de público se pensó

Valores.- que valores trasmite éxito, belleza, etc.


125

FICHA N°19

RESUMO


126

INVESTIGO

¿Explique sobre las imágenes artísticas y su importancia?

CUESTIONARIO

¿Cómo se da la idea de la formación artística?

¿Explique de una manera critica que entendió por imágenes? y donde las

podemos exponer?

GLOSARIO

Noción:

Pixeles:

Recurso:

Persuasivo:

Morfosintáctico:



1.-


127

2.-

3.-

4.-

5.-

____________________ ___________________

____________


CALIFICACION

OBSERVACIONES:

LECCIÓN N° 20

LA COMPOCISION Y DISTRIBUCION DE LOS ELEMENTOS DE DISEÑO

Se debe considerar que

cada elemento que se

escoja de un alto nivel

significativo desde el

punto de vista visual, y

que, al manejarlo

adecuadamente, lleguen

a constituir una sólida

base de comunicación de

nuestro mensaje en

función de la forma,

tamaño, ubicación,

además en función de la

ubicación, dimensión, y

protagonismo.

Por esto se debe elegir y seleccionar continuamente, la información aportada por cada

uno de los elementos gráficos, se debe siempre encontrar un equilibrio formal entre

todos los elementos que constituyen una representación gráfica, a fin de poder así


128

hallar un adecuado sentido grafico de

nuestro diseño para poder lograr una comunicación eficaz por ejemplo, un anuncio

donde l titular ocupa la mayor parte del área de diseño, dejando apenas espacio para el

cuerpo del texto y las fotografía

El diseño constituido como un todo

El que el cada uno de los elementos gráficos de que nos servimos posee una función

específica, sin interferir en importancia y protagonismo a los elementos restantes, se

deben buscar y encontrar las relaciones fundamentales entre los elementos y el

espacio grafico en donde han de interactuar, por ejemplo algunos elementos de un

diseño son más o menos pesados en función de la ubicación que les asignemos dentro

de nuestra composición, de igual manera la apreciación de los elementos varía según

los ubiquemos en la zona superior o en el área inferior de la página. La zona que posee

mayor ligereza visual es la superior ya que allí el peso de los elementos es mínimo,

ocurre lo contrario si se ubican los elementos próximos al pie de la composición, su

peso visual es máximo, ya que está situando en el borde inferior, y carece de un

espacio por debajo que equilibre su peso visual.

Una vez asimilada toda la información

sobre aquello que quiere comunicar, debe

empezar a generar soluciones de diseño

adecuadas al propósito.

INTRODUCCION A LOS ELEMENTOS

GRAFICOS EN EL AREA DE DISEÑO

Puede estar formada por muchos o pocos

elementos, puede componerse

exclusivamente de texto o solo de

imágenes, en cada momento, se debe

contar con la información necesaria para

que ningún elemento aparezca demás en

su composición, revisando

constantemente cuales son los elementos

prioritarios y cuales los secundarios

Proceso creativo.- se planifica con el objeto de lograr una correcta armonía entre

todas las partes para que el resultado final posea una efectividad comunicativa

máxima.


129

FUNDAMENTOS DE LA

COMPOCISION

Si existen una serie de pautas para

conseguir aproximarse a soluciones

compositivas más eficaces, intervine

también el mecanismo perceptivo del

receptor de la comunicación, se debe

tener un profundo conocimiento de las

normas que rigen la precepción para

poder establecer su composición de

un modo sólido y fundamentado.

Factor equilibrio.- puede ser formal e informal, el formal se basa en la bisimétrica

buscamos con él un centro óptico dentro del diseño suele estar ubicado un poco por el

encima del centro geométrico, mientras que el informal por el contrario está cargado de

fuerza gráfica y dinamismo.

Las formas pequeñas poseen menor peso visual que las más grandes, si la forma de la

figura no es regular, su peso aumente notablemente, podemos ver que hay colores que

poseen mayor peso visual que otros.

La ubicación también establece de manera determinada el peso de los elementos.

Factor de tensión.- constituye la fuerza de un diseño y es lo que consigue inferior

movimiento y dinamismo, tiene como finalidad dirigir la mirada fijar la atención del

observador.

Técnica sugestiva.- dirige a través de otros elementos, la tención aun punto

determinado

Técnica rítmica.- basada en l tendencia innata del ojo

Técnica mecánica.- consiste e guiar de manera imperativa la atención del observador


130

EXTRUCTURA DE LA COMPOCISION

Son numerosos ninguno de ellos son imprescindibles, pero cada uno posee una

importancia y un peso específico según sea la función requerida en cada momento del

diseño.

EL TEXTO

Transmite la información escrita de la comunicación posee gran importancia tanto por

su contenido como por el lugar que suele ocupar en el diseño.

Encabezamiento o titular

Resume de modo breve y conciso el contenido de la información general, se debe

cuidar la legibilidad de este elemento, es mejor elegir titulares cortos frente los de

mayor longitud, debiendo ir además compuestos en la medida de lo posible por

palabras cortas y en una sola línea.

Cuerpo del texto proporciona información más detallada del contenido general de

nuestra comunicación


131

Subtítulos posee un protagonismo

secundario tienen unas proporciones y un lugar asignado dentro del esquema

compositivo general, añaden información respecto a alguna imagen.

Supers y Cupones buscan conducir la comunicación reclamando una respuesta por

parte del receptor por lo tanto, se ubican a final, llaman la atención sobre una ventaja o

detalle en concreto.

La ilustración.- pueden ser fotografías o formas gráficas, pudiendo adoptar toda clase

de configuraciones se deben combinar con el resto de elementos y mantener un

perfecto equilibrio con todo el conjunto.

Los espacios en blanco constituidos por todas aquellas partes de la composición

donde existe ausencia de cualquier otro elemento gráfico y cumple una función clara y

definida, equilibrar y compensar el peso de todos los elementos presentes en la

composición

Recorrido visual de las áreas de diseño la forma en que leemos la información la

establece el sistema de percepción visual influenciado por factores culturales, formando

un esquema direccional constante y preestablecido en nuestro cerebro.

FICHA N°20


132

RESUMO

INVESTIGO

¿Investigue cuáles son los elementos del diseño?

CUESTIONARIO

¿Qué entiende por diseño constituido como un todo?

¿Explique cuáles son los fundamentos de la composición?

GLOSARIO


133

Solido:

Apreciación:

Imprescindible:

Conciso:

Esquema:



1.-

2.-

3.-

4.-

5.-

____________________ ___________________

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CALIFICACION

OBSERVACIONES:

Education

Educacion artistica 1_año