FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TEMA 4. MODERNISMO

FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TEMA 4. ARTE ENTRE DOS SIGLOS, XIX Y XX (II):

EL MODERNISMO

Fundamentos del Arte II Profesora Ana Galván Romarate-‐Zabala

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TEMA 4. ARTE ENTRE DOS SIGLOS, XIX Y XX (II): EL MODERNISMO 1.Introducción al Modernismo. 2. La expansión del Art Nouveau en Europa. 3. La escultura modernista. 4 El cartel publicitario modernista. 5. Las artes decorativas modernistas: mobiliario, vidrio y joyería. 1.INTRODUCCIÓN AL MODERNISMO Con el término Modernismo o Art Nouveau designamos la corriente estética, ligada a la arquitectura y a las artes decorativas fundamentalmente, que se desarrolla en Europa entre los años 1890-‐1910. Esta etapa corresponde con el periodo denominado Belle Èpoque. Presenta una idea de modernidad, una voluntad renovadora, aunque podemos considerarlo como el último gran movimiento artístico del siglo XIX, antes que el primero del siglo XX.

El término Modernismo se acuña poco antes de 1900 y responde a la euforia de una generación que se considera diferente a la anterior, es la generación del aeroplano, teléfono, luz eléctrica, etc. cimas jamás conseguidas anteriormente. La expresión Art Nouveau fue empleada por primera vez por Edmond Picard en 1894, en la revista belga L´Art moderne para calificar la producción artística de Henry van de Velde. Aunque al parecer el nombre fue inventado por el propio Van de Velde. De Bélgica pasó a Francia donde en 1895 en París, S. Bing, un coleccionista de arte japonés, abrió una galería especializada en artes decorativas llamada La Maison de l´Art Nouveau.

El Modernismo o Art Nouveau se convirtió en el estilo moderno por excelencia, frente a los historicismos eclécticos del siglo XIX1. Surgió en Europa siendo los centros creadores del Modernismo más importantes Bruselas, Barcelona, Glasgow, Viena, Praga y París. Rara es la ciudad europea que no tiene en su patrimonio arquitectónico algún edificio modernista.

1 Paradógicamente, ya que pretende ser un estilo “moderno”, en ocasiones tiende la mirada al pasado: así se explica que aparezcan elementos ornamentales tomados de la tradición (neogótico) y otras etapas.

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El Modernismo nació con pretensiones de universalidad, de convertirse en un estilo internacional presentando distintas denominaciones según los países: Modern Style en Gran Bretaña, Secessionstil o la Secesión vienesa en Austria, Art Nouveau en Francia, Liberty o Floreale en Italia, Jugendstil en Alemania, Modernismo en España… Fue un movimiento cultural de gran complejidad y no muy homogéneo porque en cada país va a tener sus propias peculiaridades. Así, encontraremos una vertiente más geométrica (el caso escocés) y otra más naturalista (con pasión por la curva-‐contracurva como se muestra en Bruselas, Nancy o en Barcelona). Son diferentes variantes de un mismo movimiento. Pero común a todos fue el rechazo de los estilos históricos y la pretensión de imitar algunas formas y procesos de la naturaleza. El Modernismo fue un movimiento cultural hedonista, que muestra cierto optimismo y alegría de vivir. Busca la belleza y elegancia como muestran la espectacularidad de algunos de sus propuestas (como la arquitectura de Gaudí). El Modernismo es el arte de la burguesía triunfante. Implicó el “lavado de cara” de las ciudades (puertas, farolas, picaportes, etc.) Hay un cuidado extremo en todos los detalles.

El Modernismo aspiraba a ser un “estilo”, el de la civilización industrial. Los motivos decorativos del Modernismo son muy variados. En general son formas estéticas de impacto rápido, de gran exquisitez formal a base de líneas curvas, parabólicas y serpenteantes, de estilizaciones naturalistas (florales y animales). Predomina mucho -‐sobre todo en Francia y Bélgica-‐ el arabesco denominado “golpe de látigo”. Se han visto rasgos comunes sobre todo con el Rococó francés y de hecho se ha dicho que fue una especie de revival de ese estilo francés, por su pasión por las líneas curva y contracurva que ya se vislumbraban en Van Gogh o en Toulouse-‐Lautrec. También guarda concomitancias con el estilo Bierdermeier, siendo, además, patentes las influencias orientales, sobre todo del arte japonés pero también del arte chino, persa o egipcio. El Modernismo buscaba hacer realidad la idea del arte total, propiciando la fusión de la arquitectura con la pintura, la escultura, las artes decorativas (vidrio, joyería, cerámica, forja, artes gráficas, mobiliario…). Manifestaba la voluntad de embellecer la vida moderna en todas sus manifestaciones desde las viviendas hasta las cuberterías, las telas, los picaportes, los pendientes,... De hecho, Van de Velde llegó a diseñar hasta el peinado y vestuario del ama de casa. Fue un movimiento hiperdecorativo, con una fuerte carga esteticista. El diseño fue, en términos generales, muy refinado, y no se escatimó en la calidad y variedad de los materiales. Cuidaron mucho los acabados artesanales y la apariencia artística de todos los elementos, pero se mostró también audaz en el empleo de nuevos materiales y en la adopción de estructuras industriales.

Con frecuencia el Modernismo es meramente epidérmico, es decir, sólo se aprecia en los motivos decorativos, pero no en el resto de la construcción.


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Conciben el espacio generado desde el interior hasta el exterior, encubriéndolo artísticamente. Los críticos al Modernismo lo denominaron un tanto despectivamente como estilo “cervecería” o estilo Nouille (fideo). En España llegó con cierto retraso. El modernismo se extendió por medio de revistas de arte y moda, por la publicidad, las exposiciones universales, etc. 2. LA EXPANSIÓN DEL ART NOUVEAU EN EUROPA BÉLGICA El Modernismo o Art Nouveau surge en Bélgica con las primeras creaciones de Victor Horta y de ese país se expandirá por toda Europa. Tres nombres dominaron la arquitectura del “nuevo estilo” que se estaba forjando en Bruselas: Victor Horta (1861-‐1947), Paul Hankar ( 1857-‐1901)y Henry Van de Velde (1863-‐1957). En ellos parecen unirse las influencias inglesas con las parisinas. Victor HORTA (1861-‐1947) ha pasado a la posteridad como el ideólogo del movimiento. Fue uno de los primeros arquitectos en tomar conciencia de las posibilidades expresivas -‐y no sólo utilitarias-‐ del hierro. Hizo que algunas vigas y bandas de este material se curvaran como tallos vegetales o como “golpes de látigo”, célebre motivo decorativo que usará con profusión. También se interesó, como todos los modernistas, por la decoración. Característico de Horta son sus diseños de escaleras, donde se hace presente su pasión por los arabescos y las líneas sinuosas. Asimismo, concedía gran importancia a las fachadas, de gran elegancia y en las que no solían faltar los miradores. En Horta, las formas florales eran algo más que un ornamento adicional, eran elementos estilísticos que transformaban el edificio, buscando dinamismo y belleza. Formado en París y en la Academia de Bruselas, su primera obra netamente modernista y uno de los primeros edificios de ese estilo en Europa, fue la casa del profesor Paul-‐Émile Tassel (c.1892). La distribución interior de esta vivienda era completamente novedosa: los pasillos y las habitaciones se fundían produciendo la sensación de una absoluta fluidez espacial. Presentaba mosaicos en el suelo también inspirados en formas florales. La lujosa casa Solvay (1895-‐1900) o su propia vivienda2, hoy Museo Horta, son también relevantes ejemplos de la arquitectura Art Nouveau bruselense. Desgraciadamente una de sus obras más interesantes, la Casa del Pueblo, de 1897, fue derruida en 1966. Según John Pile, Víctor Horta, aunque tuvo una larga y exitosa carrera, no acabó de desarrollar todo el potencial enorme que llevaba en sus primeras obras.

Henri VAN DE VELDE (1863-‐1957) fue la otra gran personalidad del Art Nouveau belga. Pintor, arquitecto, diseñador y teórico de las artes, ejerció mucha influencia en la Europa de su época. En 1895 diseñó todos los elementos de su propia casa, desde el edificio hasta los muebles. Demostraba así, una adhesión a la idea, típicamente finisecular, de la “obra de arte total”: gesamtkunstwerk. FRANCIA En Francia se produce una combinación de las distintas tendencias Art Nouveau, en especial la influencia de la escuela belga –más en sintonía con el gusto neorrococó de la burguesía francesa-‐.

2 Presenta una fachada asimétrica con grandes ventanas de cristal y balcones de hierros. Diseñó cada detalle desde los muebles, hasta las lámparas, los marcos de puertas y las ventanas.

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En el modernismo francés descuellan los ejemplos de París y Nancy. Héctor GUIMARD (1867-‐1942) es el principal representante del Art Nouveau del país galo con sus célebres bocas del Metro parisinas. La intención de Guimard era embellecer la ciudad industrial sin modificar el trazado urbano a través de motivos ornamentales curvilíneos que aplica en el cristal y el hierro. Como curiosidad hay que destacar que en Montreal (Canadá) hay algunas estaciones de metro que imitan las de Guimard de París, del mismo modo que su catedral de Notre-‐Dame se inspira en la barroca basílica de San Pedro del Vaticano. A Guimard se le debe también la realización de la bellisima escalera de los grandes almacenes Lafayette (1900) de la capital francesa. AUSTRIA En Viena el movimiento modernista es de una gran originalidad y tiende, no solo hacia formas ondulantes sino geométricas dentro de un gran esteticismo. La vertiente austriaca del Modernismo surgió en 1897 y se denomina Secesión vienesa3. Fue una asociacion de pintores, escultores, arquitectos y diseñadores que reaccionaron contra el academicismo imperante y apostaron por un arte nuevo. Entre los artistas vinculados a este movimiento cultural sobresalen Gustav Klimt, Koloman Moser, Hoffmann y Olbrich. Preconizaban la idea del arte total. La revista oficial de este grupo se llamaba Ver Sacrum. Los máximos representantes de la arquitectura modernista vienesa fueron Otto WAGNER (1841-‐1918) y Joseph María OLBRICH (1867-‐1908). Otto Wagner realizó las estaciones de Metro de la Karlsplatz vienesa (1898) con su estructura de metal curvado que enmarca paneles florales o en la llamada Majolikahaus (1898), bloque de viviendas que presentan la fascinación por lo curvilíneo en los balcones e hiperdecorativos motivos vegetales realizados en placas de cerámica mayólica. Olbrich, discípulo de Otto Wagner, realizó la sede de la Secesión, sala de exposiciones de este grupo (1898-‐1899) en Viena, uno de los edificios más emblemáticos de ese estilo. En este bellísimo edificio, donde se puede leer en la entrada el lema del grupo “a cada época su arte, al arte la libertad”, destaca una cúpula metálica calada con motivos ornamentales florales simulando un seto vegetal. Entre los motivos decorativos del edificio hallamos cabezas de gorgonas que simbolizan la pintura, la escultura y la arquitectura. También encontramos tres lechuzas alusivos a la diosa Atenea, referente de sabiduria y de protección a las artes. En el interior del edificio se conserva el friso de Beethoven realizado por Klimt. La belleza cúbica y limpia de los volúmenes anticipa las composiciones de los protorracionalistas. El arquitecto vienés Joseph Hoffmann diseñó el Palacio Stoclet de Bruselas (1905-‐11) para un rico coleccionista de obras de arte. No era una simple mansión lujosa sino una especie de museo, un templo dedicado a la creación. En el interior hay muebles exquisitos y murales de Gustav Klimt, que fue el pintor más importante de la Secesión.

ESCOCIA (Reino Unido) Otro foco de gran interés de la arquitectura modernista, pero con un lenguaje propio, que enfatiza lo geométrico, lo encontramos en Glasgow de la mano del arquitecto y diseñador escocés Charles Rennie MACKINTOSH. Fue uno de los grandes arquitectos y diseñadores de todos los tiempos de todos los tiempos. Fue considerado por Nicolás Pevsner como uno de los pioneros del diseño moderno. Fue un artista muy completo y diseñó todo tipo de objetos domésticos, desde cubertería hasta telas, vidrios, trescientos muebles, relojes, fue pintor de paisajes… En su obra fue esencial la colaboración de su mujer Margaret, incluso de su cuñada Frances.

3 La Secesión Vienesa estuvo precedida por la Secesión de Berlín y de Munich, movimientos artísticos similares que se difundieron en la Alemania fin de siglo.


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De su esposa dijo que “Margaret es un genio, yo sólo tengo talento”. Junto con otro diseñador Herbert MacNair y las hermanas Macdonald formaron el grupo de los Cuatro, The Four. Expusieron en Munich, Budapest, Dresde, Venecia, Moscú. Influirán en el Modernismo alemán, austriaco, etc. Su obra esencial es la Escuela de Arte de Glasgow (1898-‐1909) pero luego sus encargos disminuyeron entre otros motivos por la crisis económica que Glasgow sufrió hacia 1910. Mackintosh decidió trasladarse a Londres en 1915 y allí acabó solo, pobre y alcoholizado dedicándose a pintar paisajes. Fue una estrella fugaz. En sus diseños se han señalado influencias japonesas, también celtas. Entre sus obras destaca Hill House (Escocia, 1902-‐3), el tea room de Miss Cranston en Glasgow, The House for an Art Lover, etc. ESPAÑA Antonio GAUDÍ , el genio del Modernismo catalán BARCELONA fue una de las principales ciudades vinculadas al Modernismo. Allí encontraríamos a los mejores arquitectos de este movimiento, como Jose Puig i Cadafalch (1867-‐1956), que siguió la tradición neogótica o Luis Domènech i Montaner (1850-‐1923), que fue, sin embargo, más innovador (su obra cumbre fue el maravilloso Palau de la Música Catalana de Barcelona).

Pero ningún arquitecto de su generación puede compararse al catalán Antonio GAUDÍ (1852-‐1926). Gaudí suele ser considerado el gran maestro del modernismo catalán, pero su obra va más allá de cualquier estilo o intento de clasificación, es una obra personal e imaginativa que encuentra su principal inspiración en la naturaleza. Es una de las figuras más importantes de la arquitectura universal. Gaudí se inspiraba en la naturaleza para llevar a cabo sus obras (células orgánicas, ramificaciones de los árboles, los huesos y tendones animales, las escamas de los peces y reptiles, las rocas, etc.). También se hace presente en él la influencia de diversos estilos artísticos como el arte barroco o el gótico y la presencia de constantes referencias religiosas. Los exteriores de sus edificios se mueven en poderosas ondulaciones. Fue un verdadero genio, muy creativo, innovador y original. Ha sido comparado con Borromini. Tuvo una salud frágil y políticamente era cercano al catalanismo. En vida contó con el apoyo y la amistad de grandes mecenas como Eusebio Güell, el marqués de Comillas o Pedro Milá. Gaudí fue además un consumado diseñador de muebles (sillas, armarios, etc.) y valoraba muchísimo todos los detalles ornamentales en su arquitectura. Su fortuna crítica ha sido variable. En vida tuvo un gran renombre, aunque algunos de sus proyectos como el Parque Güell fueron un fracaso crematístico. Pero en los inicios del siglo XX recibiría los embates de los arquitectos vanguardistas, ligados al funcionalismo y al Movimiento

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Moderno que rechazaban el estilo decorativo y burgués del Modernismo y por ende, de Gaudí. Sin embargo, hoy en día es muy valorado y millones de turistas de todo el mundo visitan sus obras. Murió atropellado por un tranvía en Barcelona. Por su aspecto de mendigo tardaron en darse cuenta que se trataba del genial arquitecto.

Sintetizando mucho, podemos diferenciar dos etapas en su obra: durante la primera, muy influida aún por el historicismo contemporáneo, construye edificios con abundantes referencias neomudéjares y neogóticas. La obra maestra de esta etapa es el Palacio Güell (1885-‐1889), notable por la cúpula central y por la terraza, poblada por un conjunto fantástico de formas geométricas y naturalistas. La segunda fase es mucho más personal, aunque acusa la influencia de las formas curvilíneas del Art Nouveau franco-‐belga. La obsesión de Gaudí por imitar las formas y los procesos de la naturaleza se nota especialmente en el Parque Güell (1900-‐1913), que se concibió como una urbanización de lujo en una finca con fuerte pendiente.

La arquitectura y la escultura se funden en este parque con las formas naturales. Gaudí era un hombre muy religioso y su honda religiosidad se hace presente en casi todas las obras de este último período. La Casa Batlló (1904-‐1906) fue cubierta con un tejado de escamas verdosas, como si fuera un dragón gigantesco a punto de ser abatido por la cruz de elementos florales que hay sobre un pequeño torreón. Esta escondida lección moral y religiosa es comparable a la de la vecina CASA MILÁ, (también conocida como LA PEDRERA, 1906-‐1912), en la que se evocó a Montserrat, la montaña sagrada de Cataluña. Otras obras destacadas de Gaudí fueron la iglesia de la Sagrada Familia en Barcelona, el edificio del Capricho en Comillas (Cantabria) o el Palacio Episcopal de Astorga (Castilla y León) y la Casa de los Botines de León. La CASA MILÀ, llamada popularmente LA PEDRERA4 (pedrera, en catalán, significa cantera), fue realizada por Gaudí entre los años 1906 y 1910 en la cosmopolita calle barcelonesa del Paseo de Gracia. La casa fue un encargo de P. Milá, quien al contemplar la belleza de la Casa Batlló quedó maravillado y por eso encargó a Gaudí la realización de este edificio. El proyecto debería contemplar además áticos, cocheras, cuadras para caballos y un estacionamiento subterráneo para automóviles (uno de los primeros en construirse en Europa). Para la construcción de la casa Gaudí contó con la cercana participación de varios colaboradores (artesanos de la forja, estucadores, etc.) buscando crear la obra de “arte total” como era habitual en los modernistas. Posee un total de seis plantas y la azotea, así como los dos grandes patios interiores, uno circular y el otro ovalado, comunicados entre si. Se trata en realidad de un edifico dual, es decir dos edificios unidos en los que los

4 La denominación de La Pedrera (La Cantera) surgió con carácter despectivo.


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elementos arquitectónicos se relacionan entre sí. Además de la residencia de los Milá que ocupaba todo el segundo nivel, cada piso estaba compuesto de cuatro apartamentos. Las habitaciones se organizan alrededor de dos patios que las dotan de iluminación y ventilación. Por tanto, cada apartamento gozaba de vista tanto a la calle como hacia el patio interior. Por lo que se refiere a la fachada, es un muro cortina que envuelve la estructura principal. Gaudí aprovechó esta ubicación en chaflán para plantear una impresionante fachada ondulante recubierta en piedra, en las que su ubican con libertad grandes ventanas. Toda la fachada está realizada en piedra natural, salvo la parte superior que está cubierta de azulejos blancos, cuya combinación evoca una montaña nevada. La libertad con la que se desenvuelve la fachada con respecto a la estructura es una referencia de Gaudí de la piel cubriendo el esqueleto. El bellísimo hierro forjado de los balcones simula plantas trepadoras.

Es un ejemplo paradigmático de arquitectura escultórica. La azotea-‐terraza es de una fantasía exuberante, las chimeneas presentan formas que recuerdan guerreros, y componen un bosque de figuras que sorprende por su variedad y el vanguardismo de las formas. Gaudí decía que si el humo sube retorciéndose, se le ayudaba en su salida dándole a las chimeneas forma helicoidal. Algunas chimeneas están decoradas con trozos de vidrio y cerámica, es decir, trencadís como los que aparecen en el Parque Güell. El acceso a la azotea es mediante ocho escaleras de caracol que están decoradas exteriormente con fragmentos de baldosas de mármol. Esta forma de recubrimiento le permitía adaptarlo a las formas curvas que surgían de su fantasía. La casa Milà fue la última obra civil ejecutada por Gaudí, antes de centrarse de lleno en el desarrollo de la iglesia de la Sagrada Familia. Se ha considerado esta obra como un juego, un experimento estético modernista hiperdecorativo pero un tanto incómodo para vivir dado el carácter ondulante de paredes, techos, etc. Esta obra no estuvo exenta de polémica. Algunos dibujos publicados por la prensa la ridiculizaron como un garaje para dirigibles o como una mona de Pascua. Llegó a ser definida como “aberrante”. La construcción de este edificio provocó varios problemas administrativos al sobrepasar sus medidas a las establecidas por las Ordenanzas Municipales. El reconocimiento por parte del Ayuntamiento del edificio como obra de interés artístico, justificó su no sujeción a las normas.

El MODERNISMO en CANARIAS. NÉSTOR modernista En Canarias, desde mediados del siglo XIX predominaron los eclecticismos e historicismos arquitectónicos. A inicios del siglo XX se impuso el estilo decorativo del Modernismo, que se expandió por amplias zonas de la calle

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Triana y Perojo, en Las Palmas de Gran Canaria, así como en el Barrio de los Hoteles, en Santa Cruz de Tenerife. Los principales arquitectos modernistas canarios fueron Estanga, Pintor y Pisaca. En general fue el triunfo de un Modernismo epidérmico de viva policromía que enfatiza los motivos ornamentales de las fachadas de los edificios más que propiamente las estructuras arquitectónicas.

Uno de los máximos exponentes del Modernismo en la capital grancanaria es el palacete del Gabinete Literario, en la céntrica Alameda de Colón, obra del arquitecto López Echegarreta y en Santa Cruz de Tenerife descuella el palacio Martí Dehesa. Fechado a inicios del siglo pasado, durante años fue la sede de la Presidencia del Gobierno de Canarias. En su interior presenta un comedor semicircular con ventanas cubiertas con vidrieras, una escalera que recuerda a la tipología “golpe de látigo”de Horta; lámparas, candelabros y mosaicos de claro estilo Art Nouveau. NÉSTOR MÁRTÍN FERNÁNDEZ DE LA TORRE (1887-‐1938) es uno de los principales pintores modernistas-‐simbolistas españoles. Nació en Las Palmas de Gran Canaria en el seno de una familia burguesa con inquietudes culturales que le inculcó el amor por el arte, la música y la literatura5. Estudió en el Colegio San Agustín, como en su día hiciera Benito Pérez Galdós o Tomás Morales.

Aficionado a la pintura desde niño, fue un artista polifacético que no se conformó solo con pintar: realizó ilustraciones, grabados, escenografías de ópera, ballet, teatro y zarzuelas; diseños de vestuario y artes textiles; diseños publicitarios, gráficos, de joyas etc.

5 Su tío fue el barítono Nestor de la Torre, su primo el escritor Claudio de la Torre y su hermano Miguel llegaría a ser un gran arquitecto vinculado al racionalismo y funcionalismo.


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Todo un dandy y un esteta exquisito, heredero en muchos rasgos del Romanticismo, su lema era “es necesario hacer de toda la vida una obra de arte”. Su pintura Epitalamio, también llamada Las bodas del joven Néstor es una de las obras seminales del Modernismo-‐Simbolismo español y todo un manifiesto de su ideario estético: el pintor se autorretrata como un príncipe a lo Oscar Wilde, de una belleza idealizada, que se desposa con la belleza y el arte representada por la figura femenina elegantemente vestida. Las referencias mitológicas, musicales y literarias abundan en su pintura como en las obras Adagio, El niño arquero o Hércules y la tumba del Pirene (inspirado este último en el poema La Atlántida de Verdaguer). Su ideario estético cabe adscribirlo al Modernismo-‐Simbolismo, pero en sus inicios tuvo influencias impresionistas –como se observa en Calle Mayor de Madrid-‐, del Arts & Crafts -‐la Hermana de las Rosas-‐. Fue evolucionando hacia formas cercanas al Art Déco –en especial en sus retratos como el de Madame Bocher; Señora Moss y sus hijas-‐ y al arte de vanguardia (Cubismo) como se aprecia en algunas de sus escenografías, entre lo mejor de su producción: impresionantes el Amor Brujo (Falla), El fandango del candil (Gustavo Durán); Triana (Albeniz), etc.

Cosmopolita y viajero, se formó en la Academia de Bellas Artes de Madrid con pintores de la talla de Rafael Hidalgo de Caviedes y vivió temporadas en Las Palmas de Gran Canaria, Madrid, Barcelona y París. En París tuvo una rica clientela de origen sudamericano a la que retrató dentro de sus parámetros esteticistas e idealizados. Miguel Ángel Buonarroti y el Renacimiento fueron dos de sus referentes estéticos esenciales. Conoció el mundo del teatro gracias a su tío el barítono Néstor de la Torre. Escribió un opúsculo sobre “El traje en el teatro”. En sus diseños para espectáculos se dejó influir por el escenógrafo León Bakst en particular por los trabajos que ese artista realizó para los Ballets Rusos de Diaghilev. Conoció a lo más granado de los pintores, escritores y músicos de su época –Dalí, Benjamín Palencia, Valle -‐Inclán, Federico García Lorca, Alberti, Joaquín Rodrigo, Enrique Granados, Gustavo Durán, etc. y trabajó para los mejores cantantes de ópera y las más célebres bailarinas de las primeras décadas del siglo XX. Nunca se insistirá lo bastante en la importancia de Néstor como escenógrafo y diseñador de vestuario. Sus producciones se estrenaron internacionalmente cosechando, por lo general, grandes éxitos: en Hamburgo6, París, Londres, Barcelona, Madrid, Las Palmas de Gran Canaria, etc.

6 Véase por ejemplo, el gran éxito internacional del ballet “El fandango del candil”: http://www.albidanza.com/single-‐post/2016/03/06/En-‐torno-‐al-‐ballet-‐El-‐fandango-‐del-‐Candil

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Concedía gran importancia a las joyas y a la indumentaria en sus pinturas. Como retratista, destacó con desigual fortuna, aunque algunos de sus retratos son formidables como el del torero Joselito, el de los músicos Gustavo Durán y Enrique Granados o sus majas y manolas. Posiblemente las obras más conocidas de Néstor sean el Poema del Mar y el Poema de la Tierra, quedando ésta última inconclusa por la temprana muerte del artista. Estas series son una parte del ambicioso Poema de los Elementos, un homenaje a la naturaleza canaria.

Ningún artista canario se había atrevido a pintar tan extraordinarias decoraciones murales. Otros ejemplos se pueden contemplar en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas o en el Casino de Santa Cruz de Tenerife. El “tipismo” fue la apuesta de Néstor por transmitir en diseños arquitectónicos, publicitarios y textiles un neoestilo canario imaginativo y muy criticado. Murió en 1938 de una pulmonía en su ciudad natal y su entierro fue apoteósico. Parte de su producción artística se conserva en el delicioso Museo Néstor de Las Palmas de Gran Canaria. Más información y una actividad sobre Néstor en http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2016/11/actividad-‐proyecto-‐museo-‐nestor.html 3. La ESCULTURA modernista EL Modernismo abogaba por la libertad creadora a diferencia del academicismo anterior, y la escultura no fue una excepción. Conviene recordar que la escultura modernista no surgió necesariamente al margen de la arquitectura, ya que es muy frecuente encontrarla integrada en los edificios, igual que sucedió con otras artes decorativas (cerámica, forja...). Muchos escultores colaboraron con los arquitectos, algunos de forma anónima, como los que trabajaron con Gaudí en la decoración de la puerta del Nacimiento de la Sagrada Familia de Barcelona. Otros escultores, trabajaron independientemente de la arquitectura, realizando obras exentas o de bulto redondo. Suelen abundar los desnudos femeninos, a caballo entre el realismo y simbolismo, con fuerte lirismo que nos retrotrae al Romanticismo y carácter sensual. Privilegian las formas sinuosas. Algunas piezas escultóricas de pequeño tamaño presentaban, como veremos en el Art Déco, la técnica criselefantina (oro y marfil). Otros materiales frecuentes en la escultura Art Nouveau europea fueron el mármol, la piedra e incluso la porcelana. Entre los escultores modernistas descuellan José LLIMONA, Miguel BLAY o José CLARÁ. Todos presentaban influencias de Auguste Rodin. José LLIMONA (1864-‐1934) José Llimona nació en Barcelona en 1864.


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Está considerado como uno de escultores más destacados del modernismo catalán. Estudió en la escuela Llotja de Barcelona y en Roma completó sus estudios gracias a una beca del Ayuntamiento barcelonés.

En Italia recibe la influencia de la escultura renacentista florentina. Con las obras que realizó en Roma consiguió una gran celebridad, por ello, a su regreso a Barcelona, los encargos y las realizaciones fueron constantes. Incluso fundó, en 1982, junto a su hermano, el pintor Joan Llimona, el "Centre Artístic de Sant Lluc", que era una asociación artística catalana de carácter religioso y de gran influencia dentro del mundo artístico de Barcelona. A partir de una estancia en París, su estilo derivará hacia el modernismo, con influencias de Rodin y Meunier. De este periodo destaca su escultura femenina en mármol Desconsol, de 1907. Esta obra fue un referente del modernismo catalán. En la misma línea que Desconsol, descuella la sensual Juventud (1913). 4. El CARTEL PUBLICITARIO MODERNISTA

El cartel es un mensaje visual –litografiado e impreso en papel por lo general-‐ de mediano o gran tamaño, realizado para ser adherido temporalmente sobre un un soporte rígido, como una pared, por ejemplo. Surge para ser reproducido masivamente. En él se yuxtaponen textos e imágenes con la finalidad de transmitir un concepto de fácil comprensión. Este mensaje puede ser de tipo propagandístico, si presenta una función y significación política, o publicitaria (espectáculos, alimentos, etc.). Sin embargo, también puede tener una mera finalidad artística, como objeto y sujeto estético. Por lo general, suele existir una homogeneidad total de estilo entre la tipografía y la imagen respresentada. La edad de oro del cartel surgió entre los años 1880-‐1910 en pleno auge del Modernismo o Art Nouveau. Es ingente la nómina de artistas de campanillas que dedicaron sus esfuerzos en la producción de carteles, ese “grito en la pared” como ha sido frecuentemente definido: desde el postimpresionista con toques modernistas Henri Toulouse-‐Lautrec hasta Leonetto Cappiello, pasando por Jules Chéret, Henry Van de Velde, Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Ramón Casas, Alexander de Riquer, Manuel Orazi, etc. En definitiva, el cartelismo experimentó en esta etapa, vinculado al Art Nouveau, un auge sin precedentes.

Aunque el precedente del cartelismo modernista tiene en Toulouse-‐Lautrec a su precursor, podríamos considerar al francés Jules CHÉRET (1836-‐1933) como el iniciador de los carteles artísticos y publitarios.

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Concibió sus obras como auténticos “murales”, inspirándose esencialmente en el arte barroco y rococó. Creó un arquetipo de mujer alegre y desenfadada, las denominadas cheretes, que repite una y mil veces en sus carteles y que intentan ser una superación de la dicotomía, entonces tan en voga, entre la mujer angel versus la mujer fatal. La influencia de Chéret en el arte de su tiempo, en particular en el cartelismo, fue duradera. Fomentó el diseño publicitario y llegó a realizar más de 1000 carteles. Alphonse MUCHA (1860-‐1939)

El artista checo Alphonse Mucha es uno de los máximos exponentes del cartelismo modernista. Muy esteticista, las líneas ondulantes y el hórror vacui dominan su obra. En ella tampoco falta la inspiración bizantina por la fascinación que muestra por los mosaicos y los fondos dorados, que nos recuerdan también a Klimt. Así se aprecia en el cartel de la obra Gismonda (1894). Fue pintor con aficiones esotéricas y masónicas así como escenógrafo y diseñador de vestuario y joyas, estas últimas, en colaboración con Georges Fouquet, siendo las más destacadas las que realizó para la gran actriz Sarah Bernhardt.

La temática de sus carteles publicitarios gira en torno a espectáculos (teatros, óperas); productos alimenticios (chocolate, galletas); papel de fumar y un largo etcétera. En Praga (Chequia) se conserva un museo con lo más granado de su producción artística.


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Leonetto CAPPIELLO (1875-‐1942) Gran pintor, ilustrador y caricaturista, los carteles de Cappiello son de una modernidad fascinante. Suponen un paso más en el diseño modernista, anticipándose al Art Déco por las formas geométricas que se aprecian en algunos de sus carteles. A lo largo de su carrera, produjo circa 530. Entre 1901 y 1914 revolucionó el cartelismo con sus diseños. Después de la Primera Guerra Mundial realizó las icónicas imágenes de productos ligados a grandes marcas como Campari, Pirelli o Chocolates Klaus.

Ramón CASAS (1866-‐1932) Como señala Daniel Giralt-‐Miracle, la génesis del cartel modernista catalán va ligado a la promoción de espectáculos teatrales y musicales, así como las publicaciones de libros y las exposiciones de Bellas Artes. Andando el tiempo, el auge de la industria catalana a finales del siglo XIX propiciaría el desarrollo del cartel modernista para difundir sus productos: chocolate, textiles, licores, champagne, etc. Estos carteles privilegian la línea sobre la mancha. Las figuras aparecen definidas en muchas ocasiones, de perfil sobre un fondo monocromo. Se aprecia el gusto por mostrar espacios unitarios. Grandes pintores catalanes –como los ligados al grupo de Els Quatre Gats-‐ produjeron inolvidables carteles publictarios modernistas. Entre ellos podemos destacar a Ramón Casas y Alexander de Riquer. Ramón CASAS, el más parisino de los artistas catalanes de la época, no fue solo un excelente pintor, que supera el marchamo de modernista, sino también un gran ilustrador, dotado de un talento poco común. La mujer como en el resto de los carteles europeos modernistas es la auténtica protagonista de los carteles de este artista. Como Picasso o Néstor no rehuye las representaciones de majas o manolas en sus ilustraciones, en las que no faltan los mantones de Manila ni la castiza flor en el pelo. Son ejemplo de ello, los famosísimos carteles de Anís del Mono. Impresionante también su affiche Sífilis7 en el que se anunciaba un sanatorio para la curación de enfermos de esta dolencia. Muestra a una mujer, desmejorada y pálida, presumiblemente una prostituta, ofrenciendo tentadora una flor con una mano pero escondiendo con la otra una serpiente, alusión a la sífilis como lo es también la forma sinuosa de esa letra. De este cartel existe, además un excelente dibujo preparatorio del año 1900.

7 Este cartel mostraba publicidad engañosa pues prometía la “curación absoluta y radical” de la Sífilis, enfermedad que por aquel entonces no tenía cura.

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Alexandre de RIQUER (1856-‐1920) Ilustrador, pintor y poeta, el versátil Alexandre de Riquer fue un destacado representate del Modernismo catalán. Nació en el seno de una familia aristocrática de Barcelona, y estudió en la Escuela de la Llotja de Barcelona y también en Francia (Bézier y Toulouse).

5. LAS ARTES DECORATIVAS MODERNISTAS: MOBILIARIO, VIDRIO Y JOYERÍA Las artes decorativas experimentaron un etapa de esplendor bajo el Art Nouveau. Debe decirse que el Art Nouveau, en general se apasionó por los objetos de uso cotidiano en una medida hasta entonces desconocida: todo podía concebirse como obra de arte. La cerámica, junto con la joyería y el vidrio fueron los materiales más apropiado para plasmar los ideales del Modernismo, no sólo desde el punto de vista estético sino también práctico o utilitario. La indumentaria privilegia una mujer muy femenina con silueta “reloj de arena”, con cinturas de avispa, mangas jamón y faldas con mucho volumen. El pelo suelto o recogido, siempre con ondas, suele cubrirse con grandes sombreros decorados con motivos florales. Las joyas son el complemento perfecto.

En el Art Nouveau, más que en ningún otro estilo a lo largo de la historia, encontramos la cerámica aplicada a la arquitectura. Y no sólo en el exterior del edificio, sino también en la decoración interior. De ahí que la colaboración entre arquitectos y ceramistas fuera muy estrecha así como con ebanistas, artesanos del hierro y la forja etc. (F. Vidal, J. Busquets, Gaspar Homar…)8. Las notas distintivas del mobiliario modernista europeo vienen dadas por su sempiterna inspiración en la naturaleza, el uso de líneas sinuosas y la asimetría. La mayor innovación en la decoración de interiores se situa 8 El metal también tendría una fuerte presencia en los edificios modernistas en elementos como las rejas, vallas, puertas, barandillas construidas con hierro forjado -‐-‐por excelentes artesanos como Masriera i Campins-‐ y picaportes, tiradores, etc. en bronce o latón.


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en la búsqueda de la unidad, la homogeniedad de estilo que abarca hasta los mínimos detalles decorativos como los picaportes, las artes textiles, los vasos cerámicos o las lámparas. Sin embargo, no escapan a ciertos paralelismos con la tradición, a pesar de sus intentos de ser modernos, en particular son frecuentes las referencias al Gótico, el Barroco o el Rococó. El Gótico les sirve como modelo teórico, el Barroco como fuente de inspiración en la concepción plástica de las formas y el Rococó como aplicación de la asimetría. El Japonismo con el tratamiento lineal de las volúmenes está también presente. Quieren crear un vocabulario nuevo utilizando materiales tradicionales como la madera y la piedra pero también el acero y el cristal, habituales en la decoración de interiores. La madera toma formas extravagantes. Imitan los entrelazos fluidos de la naturaleza con formas tortuosas. Las líneas ondulantes y sensuales impregnan las estructuras de los muebles: sillas, armarios, mesas, camas y hasta cunas como se aprecia en una célebre caricatura de la época. En la localidad francesa de Nancy es donde las afinidades entre el Rococó y el Art Nouveau con respecto a la decoración de interiores se hacen más evidentes. La Escuela de Nancy, constituida en torno a Émile Gallé en 1901, trabaja en una vertiente plenamente naturalista con una fuerte dosis de simbolismo de origen literario. Las tipologías de los muebles realizados por Gallé son las tradicionales –fundamentalmente basadas en los estilos Luis XI y Luis XVI-‐ pero cambia la estructura sinuosa y la abundancia de motivos florales y animalísticos como libélulas o mariposas. La ornamentación aparece tallada o incrustada aplicando diversos materiales (nácar, vidrio) o maderas como el ébano (marquetería). Entre sus obras destacan la cama mariposa –lit papillon-‐. Gallé además, incluye en sus muebles inscripciones literarias de contenido simbólico. A este artista se debe también una extraordinaria y muy innovadora producción de objetos de vidrio. También de la Escuela de Nancy y discípulo de Gallé, encontramos al diseñador Louis Majorelle (1859-‐1926). Majorelle modelaba sus muebles en arcilla antes de construirles. En sus diseños abundan apliques decorativos de bronces dorados.

Frente al mobiliario Art Nouveau de Nancy, el parisino es mucho más ligero, refinado y austero. Los motivos de inspiración naturalística son mucho más estilizados.

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Célebres arquitectos modernistas como Gaudí o Mackintosh, cada uno en su estilo, diseñaron muebles perfectamente integrados en su arquitectura. Entre los muebles más representativos de Gaudí destacan las sillas de la casa Batlló, Calvet o Milá. Los muebles de Mackintosh, aunque se convirtieron en iconos del diseño moderno, no se adaptaban muy bien para ser fabricados en serie e incluso presentaban defectos técnicos pues le gustaba trabajar con artesanos sencillos, antiguos constructores de barcos y no con exquisitos ebanistas como hacían los artistas del Modernismo en Nancy, París o Viena.

En Bélgica destaca el mobiliario e interiorismo diseñado por Victor Horta, Henry van de Velde y Gustave Serrurier-‐Bovy que representa el lazo de unión entre el modernismo belga y la experiencia esteticista Arts and Crafts británica. En Alemania, el Jugendstil se desarrolla fundamentalmente en Munich y Darmstadt y en el mobiliario que allí se produce, encontramos el linealismo floral característico del Modernismo. En la Secesión Vienesa, la vertiente autriaca del Art Nouveau, se percibe una mayor geometrización en los elegantes muebles diseñados por los arquitectos Hoffmann y Olbrich. En Italia, el estilo Floreale, es desarrollado por un grupo de arquitectos y diseñadores entre los que es obligado citar a Ernesto Basile, Eugenio Quarti, Carlo Zen o Giacomo Cometti y por supuesto Carlo Bugatti. En España el protagonismo del mueble modernista se centra en los arquitectos catalanes, especialmente en Antonio Gaudí y en diseñadores como Gaspar Homar y Joan Busquets entre otros. VIDRIO y JOYERÍA modernista

Entre los objetivos del Art Nouveau se hallaba conseguir la unidad del arte y la vida así como reaccionar contra la fealdad de los objetos industriales realizados en serie y desprovistos de carga estética. Es por ello que los artistas de este estilo quieren embellecer la realidad cotidiana tomando a la naturaleza como fuente de inspiración: flores, plantas, árboles, insectos u otros animales aparecen por doquier en las artes decorativas modernistas, en especial en el mobiliario, la joyería y en las artes del vidrio, tanto por lo que se refiere a las vidrieras como a todo tipo de piezas decorativas y funcionales. El vidrio experimentó, ya desde inicios del siglo XIX, grandes avances técnicos que implicaron una mejora en la calidad de la producción de las piezas. La técnica del moldeado con presión se inventó en Estados Unidos en la década de 1820 y el poder del vapor se aplicó sistemáticamente para cortar el vidrio. Pero más imporante fue el interés que se dio a las composiciones químicas de las fórmulas empleadas para incrementar la eficiencia del soplado. Estilísticamente, hasta que surgió en Modernismo a finales de siglo, el vidrio estaba marcado por el eclecticismo e historicismo imperantes en la época. Émile GALLÉ Émile Gallé no fue solo un afamado ebanista, quintaesencia del Modernismo, sino también ceramista y maestro vidriero. Fascinado por la naturaleza –“mis raíces son profundas en el bosque” era el lema sobre la puerta de su estudio-‐, produjo piezas únicas de una calidad exquisita. Tenía influencias también del Japonismo. Gallé destacó sobre el resto de los artistas del Modernismo. Inspiró a toda una generación de artistas e hizo de la Exposición Universal de París de 1900 un escaparete formidable de sus creaciones de vidrio que no han tenido parangón. Sin duda supuso un punto de inflexión en la historia del vidrio. Recordemos que Gallé había nacido en Nancy y en esa ciudad el vidrio era la industria tradicional. Además de una completa educación que incluía literatura y botánica, Gallé se formó en las artes del vidrio en Meisenthal (ahora Alemania). Las creaciones más personales de Gallé también reflejan su afición por la literatura: a menudo plasmaba fragmentos de obras de poetas franceses


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directamente sobre el vidrio (Victor Hugo, Baudelaire, Mallarmé, Verlaine, Gautier y Rimbaud) así como Shakespeare o la Biblia. Una de las innovaciones más destacadas que utilizó Gallé fue el “cristal con camafeo” donde se esculpían dos o más capas de vidrio o se retiraban con ácido dejando el diseño en relieve de uno o más colores, sobre la base. Esta técnica era de origen chino. La prosperidad del negocio de Gallé se basó en una versión de su técnica de camafeo de producción en masa y el uso de ácidos en el proceso de grabado. Los efectos combinados de color y transparencia le proporcionaban a Gallé tonos iridiscentes a sus piezas. Dos de sus obras más destacadas fueron Main aux algues (mano con algas) y la lámpara Les Coprins donde se muestra las tres fases de crecimiento de un hongo.

Louis Comfort TIFFANY (1848-‐1933) Ningún diseñador americano estuvo más estrechamente vinculado al Art Nouveau que Louis Comfort Tiffany. Sus luminosos diseños de lámparas de cristal, con viva policromía fueron innovaciones técnicas de gran belleza artística. Los principales motivos decorativos de sus diseños son de carácter floral y animalístico. Louis Comfort Tiffany era hijo del fundador de la mítica joyería Tiffany de Nueva York. Empezó su carrera como pintor pero en 1878 dió un giro a su vida abriendo una empresa de diseño de interiores en la ciudad de los rascacielos. Se convirtió en uno de los diseñadores más célebres de Estados Unidos, con una clientela selecta y adinerada. Después de visitar Europa en 1889 y conocer el vidrio antiguo (romano), el veneciano, y la obra de Émile Gallé, decidió centrar sus esfuerzos en la producción de vidrieras, lámparas y objetos netamente Art Nouveau. Su inspiración, como no podría ser de otra forma siendo modernista, fue la naturaleza. Tiffany fue de los primeros en reconocer el potencial que llevaba aparejado el invento de la electricidad para los artistas Art Nouveau. Recordemos que la invención de la lámpara eléctrica incandescente por Thomas Edison en la década de 1880 supuso un desafio para los diseñadores de vidrio que ya no estaban forzados a crear lámparas que las protegieran de las llamas. Así las cosas, hacia 1906, había realizado con gran éxito más de 125 diseños de lámparas, los objetos más célebres de su producción. Utilizaba paneles emplomados de cristales de colores como si fuera una vidriera tradicional, siendo así sus diseños, facilmente reconocibles y muy imitados.

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La JOYERÍA modernista deseaba aunar utilidad y belleza, forma y función. Son piezas esteticistas, de diseños sinuosos y orgánicos y de inspiración naturalista y sensual (flores, libélulas, mariposas…). La mujer se configura como uno de los motivos “decorativos” más habituales: se realizan muchas esculturas cerámicas (bustos) y se utilizan también como motivo “ornamental” de broches o colgantes. Suelen ser mujeres sensuales y etéreas de pelo largo y ondulado. ¿Cuál era su fuente de inspiración? La escultura, las artes decorativas modernistas y en especial la obra del maravilloso pintor y diseñador de artes gráficas, el checo Alphons MUCHA. Su influencia será palpable en todos los diseños Art Nouveau, incluso colaborará con el orfebre George Fouquet.

Las joyas Art Nouveau triunfaron plenamente en el panorama europeo hacia el año 1900, coincidiendo con la Exposición Internacional de París. En ocasiones no pierden la tendencia a los revivals e historicismos ligados a reinterpretaciones de modelos del siglo XVIII y XIX.

El artista francés René LALIQUE (1860-‐1945) hacia el año 1900 empezó a trabajar el vidrio para realizar objetos artísticos, joyas, jarrones, frascos de perfume y vidrieras obteniendo un gran éxito desde sus inicios. Con el paso del tiempo evolucionaría hacia el Art Déco. Con Lalique el vidrio alcanzó la categoría de arte con mayúsculas. En Museo Gulbenkian de Lisboa se conservan varias piezas espectaculares de este artista.

Luis MASRIERA (1872-‐1958) En la joyería modernista no podíamos pasar por alto la labor desempeñada por el barcelonés Luis Masriera, creador de unas joyas muy representativas de ese estilo. Procedente de una familia de artistas, estudió en París, Londres y Ginebra y en Limoges aprendió la técnica del esmalte, técnica que luego sería muy habitual en sus joyas. La influencia más acusada del Art Nouveau francés en Masriera fue a través de las obras de René Lalique. En sus diseños se aprecian las características de la joyería modernista: sinuosidad floral y sensualidad femenina, decorativismo, y calidad extrema en todas sus producciones. Además en muchas de sus joyas encontramos todo un imaginario femenino fantástico donde aparecen hadas, ninfas, mujeres de agua y mujeres-‐insecto.


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Masriera expuso en varias ciudades españoles como Zaragoza, Barcelona o Madrid, y por supuesto en París. Con el tiempo evolucionaría como hicieron otros artistas modernistas, hacia un mayor geometrismo vinculado al Art Déco. Fue coleccionista de arte oriental así como de pintura, escultura y artes decorativas.

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FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TEMA 4. MODERNISMO