Bloque 8. El Renacimiento Bloque 8. El Renacimiento
El renacimiento. Estilo de la cultura europea. Expansión del
renacimiento desde Italia al resto de Europa. Florencia (los
Medici) y Roma (el papado 1. Valorar la importancia histórica del
estilo Renacimiento y su trascendencia posterior.
1.1. Analiza el origen del Renacimiento en Italia.
Renacimiento italiano se inició en un época de grandes
cambios culturales, en los siglos XV y XVI, se produjo en
Italia un formidable movimiento artístico y de grandes logros que
supero al de otros países. La palabra Renacimiento (Rinascimento en
italiano) tiene un significado explícito, que representa el
renovado interés del período en la cultura de la antigüedad
clásica, luego de lo que allí mismo se etiquetó como la “edad
oscura”. Estos cambios, aunque significativos, estuvieron
concentrados en las clases altas, y para la gran mayoría de la
población la vida cambió poco en relación a la Edad Media.
Características generales.
Descubrimientos geográficos y ampliación del mundo conocido.
Conflictos religiosos: intento de conciliar fe y razón.
Entra en conflicto el poder terrenal del Papado
Desarrollo de la burguesía comercial. Mecenazgo
Acumulación de riquezas, reaparición de la banca
Florecimiento urbano en el norte y centro de Italia.
Recuperación de los valores grecolatinos: diferenciación entre fe
religiosa y saber. Antropocentrismo, Orden y armonía.
Alfabetización. Mitología.
Humanismo como nueva doctrina filosófica contraria a la escolástica
medieval.
Características generales.
Introducción histórica.
Predominio de Florencia como foco de irradiación de tendencias
artísticas. Los Medici como principal familia de la ciudad.
El humanismo va a llevar al tratado a la manera romana, se van a
escribir tratados sobre todos los temas, se va a teorizar sobre
política (“El Principe” de Nicola de Maquiavelli), matemáticas,
astronomía, anatomía.
La religión también va sufrir la influencia del humanismo, los
escritos de Erasmo de Rotterdam sobre la Fe y la iglesia o, más
tarde, Lutero y el Protestantismo.
El hombre será la medida de todas las cosas, todo se humaniza pero
sin perder la perspectiva de que el hombre es una creación divina,
su más alta creación.
La proporción y la armonía serán uno de los pilares fundamentales
del pensamiento renacentista, no debe haber estridencias, todo debe
ser natural, ordenado, simétrico.
AVANCES CIENTÍFICOS
Ciencia utilitaria y funcional
MEDICINA
Paracelso: defiende la aplicación de los productos químicos en
medicina.
Vesalio: realiza estudios anatómicos
imprenta, brújula, artillería, portulanos, nuevos sistemas
contables, etc Descubrimientos geográficos, difusión de las nuevas
ideas, aparición de estados modernos poderosos…
Etapas: Trecento, Quattrocento, Cinquecento. Arquitectura del
renacimiento. Tipología y edificios principales. 2. Identificar las
claves técnicas de la arquitectura renacentista y su relación con
la cultura romana.
2.1. Comenta la importancia de la cultura romana en el arte del
Renacimiento.
2.1 Comenta la importancia de la cultura romana en el arte del
Renacimiento
Renacimiento: supone la recuperación del arte clásico.
- Búsqueda de la inspiración en la Antigüedad clásica (Grecia y
Roma): formas simples, armonía de proporciones, uso de elementos
arquitectónicos del mundo clásico (frontones, columnas, cúpula,
arco de medio punto, etc.), uso del desnudo en pintura y
escultura.
- Dominio de la perspectiva: dando una sensación más real al
representarse la profundidad, a través de la utilización de formas
geométricas, de estudios matemáticos y de la luz.
- El hombre como centro: retorno a la medida humana (equilibrio
entre planta y altura, prevalencia de lo horizontal sobre lo
vertical, edificios adaptados a la medida humanas y a sus
necesidades, ...) y representaciones humanas en escultura y
pintura.
- Observación e imitación de la naturaleza: imitación de la
realidad (investigación sobre el espacio, perspectiva, luz …), pero
de forma idealizada, buscando la belleza y la perfección
técnica.
- Cambio en los temas: en arquitectura, junto a las iglesias, se
construyen palacios, ayuntamientos, universidades, hospitales y
plazas públicas. Pintores y escultores no sólo realizan obras
religiosas, también retratos y escenas mitológicas.
- Importancia de los mecenas para el apoyo y desarrollo del arte.
Valoración del artista, aparición del concepto de genio (Vasari en
el libro vida de los artistas)
Periodos
Fases: (Trecento S XIV en Italia se inicia el renacimiento en
Pintura con Giotto)
Quattrocento, S. XV
Cinquecento, S. XVI
Clasicismo (hasta 1525)
Manierismo (desde 1525 a 1590)
El hombre de Vitruvio dibujo de Leonardo refleja a la perfección la
idea del hombre como medida de todas las cosas.
EL RENACIMIENTO EN ITALIA
No a la verticalidad, proporción en las dimensiones.
No al exceso de decoración, por lo menos al principio, la
decoración debe ser la misma estructura del edificio.
No a la luz tamizada ni con efectos, no a la vidriera, luz limpia
pura.
Vuelta al clasicismo.
El renacimiento es ante todo una vuelta al clasicismo, a los
valores de la antigüedad grecorromana aunque no imitando sino
recreando, releyendo.
Se retoman los órdenes clásicos y su alternancia en la las fachadas
al estilo romano (toscano, jónico, corintio).
Arcos de medio punto, cúpulas sobre pechinas o tambores.
Proporción, armonía y simetría entre los elementos del edificio.
Perspectiva y proporción numérica: modulo, conmodulatio.
Arquitectura.
Planta.
Plantas basilicales aunque se idealizará la planta centralizada ya
de cruz griega, ya cuadrada ya circular.
Plantas de palacios con patio central.
Alzado.
Pilares.
Muros. El muro vuelve a tomar la función sustentante que había
perdido en el gótico francés.
Elementos sustentados.
Cúpulas de media esfera sustentadas sobre pechinas o sobre
tambores.
Bóvedas vaídas.
Materiales.
Piedra.
Mármol, usado en placas al estilo romano, pocos edificios estarán
construidos completamente de mármol.
Caliza, areniscas, granitos, dependiendo de la zona.
Barro cocido.
Tejas, cubiertas exteriores.
Exterior. (Fachadas).
En un principio, según los puristas como Alberti, se intentará
reducir la decoración dejándola en los elementos estructurales y la
belleza matemática de la construcción, el renacimiento es un arte
intelectual con vocación de tal.
Mármoles de colores. Florencia.
Terracottas esmaltadas. Della Robbia.
En los palacios se implanta el sistema de tres niveles creado por
Michellozo.
Interior.
La misma teoría que en los exteriores, la luz pura y la proporción
del edificio.
Esculturas, coros, altares y capillas.
Frescos. La pintura al fresco será el elemento decorativo
fundamental de los edificios renacentistas.
Capilla Pazzi.
Santa Maria Novella.
Frontón clásico.
Bóveda vaída.
La bóveda vaída se va a utlizar mucho desde el primer
renacimiento.
Hospital de los Inocentes. Florencia.
Ejemplo de palacios, el palacio Medici-Ricardi y el Rucellai.
Módulo
Cuattrocento. Renacimiento Florentino. S. XV
Brunelleschi. Impulsor del primer renacimiento, su cúpula de Santa
Maria di Fiori se considera la primera obra renacentista.
Alberti. Gran teórico aunque sus obras no son tan conocidas.
Michellozo. Creador de la planta y el alzado del palacio
renacentista.
Cinquecento. Renacimiento Romano-florentino. XVI.
Paladio. Volumen, repetición del modulo.
Arquitectura.
Brunelleschi. 1377-1446.
Considerado pro su cúpula de Santa Maria de las Flores como el
primer arquitecto renacentista.
Gran conocimiento matemático que le permitió levantar la cúpula
pero también crear obras de una perfecta proporción numérica,
conmodulatio.
En su interés por respeta las proporciones y medidas va a crear el
dado brunelleschiano, fragmento de entablamento que se coloca sobre
la columna para evitar que su longitud fuera mayor al doble del
intercolumnio.
En los interiores se decantará por una luz diáfana, pura, ayudado
por el uso de la pietra serena para las columnas y los arcos.
Obras:
Cúpula de Santa Maria de las Flores.
Doble cúpula esquifada sobre un tambor de 46 metros de
diámetro.
La cúpula exterior se sustenta con la interior que por así decirlo
cuelga de ésta.
La linterna evita que las fuerzas externas hagan que la cúpula
literalmente estalle.
Recuperación de la cúpula como sistema de cubrición.
CLAVES DEL ESTILO “INNOVADOR” DE F. BRUNELLESCHI
BRUNELLESCHI
Cúpula de la catedral de Santa María de las Flores de
Florencia
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Segundo nivel
Tercer nivel
Cuarto nivel
Quinto nivel
Cuando Arnolfo di Cambio construyó Santa Maria de las flores en el
siglo XIII pensó en construir una gran cúpula sobre el crucero pero
sus conocimientos técnicos no estaban a la altura, hasta 1419 no se
empezó la cúpula que culminaría la que se suponía iba a ser la
mayor catedral de la cristiandad.
Tambor.
Linterna
Exterior
Interior
BRUNELLESCHI
Cúpula de la catedral de Santa María de las Flores de
Florencia
Elevada sobre un tambor octogonal, a la manera de los cimborrios
góticos, de dimensiones colosales y una ingeniosa solución técnica,
dos cúpulas unidas, una interior semiesférica y otra exterior
apuntada, que contrarresta los empujes de la primera.
Utiliza ladrillos huecos (menor peso). Con linterna y cimbra de
madera.
Ideó una nueva maquinaria para su construcción.
Decoración exterior a base de galerías de arcos de medio punto,
hornacinas aveneradas y los entablamentos clásicos.
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Tercer nivel
Cuarto nivel
Quinto nivel
Cúpula de Santa María de las Flores,
Florencia. F. Brunelleschi.
Cúpula de perfil apuntado
octogonal de 8 paños
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Tercer nivel
Cuarto nivel
Quinto nivel
Recuperación del modelo paleocristiano de basílica.
Aplicación de las nuevas concepciones humanistas y matemáticas del
renacimiento.
Aparición del dado brunelleschiano.
Hospital de los Inocentes.
No logra crear una nueva tipología de hospital.
Palazzo Pitti.
Atribuido a Brunelleschi aunque realizado ya a mediados del siglo
XVI lo que demuestra la desmesura de sus proporciones.
BRUNELLESCHI
Basílica del Espíritu Santo
Elegantes proporciones, utiliza un trozo de entablamento
interpuesto entre el capitel y el arranque del arco. Elementos
clásicos: columnas corintias, arcos de medio punto, techumbre de
casetones en el centro y de cañón en los laterales, frontones
decorados con temas vegetales romanos … Planta basilical.
Iglesia de San Lorenzo
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Cuarto nivel
Quinto nivel
Modelo de palacio renacentista del Quattrocento:
Horizontalidad, proporciones matemáticas, almohadillado de bloques,
pierden su carácter de fortaleza para integrarse en el urbanismo de
la ciudad, parteluz en las ventanas, frontones y arcos de medio
punto, solidez …
Palazzo Pitti. Atribuido a Brunelleschi en planos ya que fue
realizado casi 100 años después de su muerte.
INNOVACIONES DE BRUNELLESCHI
La idea renacentista de belleza y perfección se basa en un
racionalismo orientado matemáticamente, de forma que la Teoría de
la Proporción intenta llevar a un denominador común el canon de
proporciones del cuerpo humano y las leyes matemáticas de las
formas geométricas básicas, como la circunferencia y el cuadrado, y
expresarlas en reglas de proporción de validez universal. Debían
reflejar la armonía del Universo.
El arquitecto vuelve a utilizar, de forma sistemática, el arco de
medio punto. Sostenido por elegantes columnas de orden clásico y
formando galerías o logias, su repetición rítmica contribuye a
subrayar la claridad racional de los edificios renacentistas.
La simetría y regularidad de los elementos constructivos y la
unidad de conjunto, se materializan en las líneas de perspectiva
que guían la mirada del observador y otorgan al espacio amplitud y
profundidad
La columna fundamentalmente, tanto por su función constructiva
(sustentante), como decorativa, bien aislada, formando arquerías o
combinada con pilares.
Se emplea el repertorio de los cinco órdenes clásicos. La columna
es esencial dado que el estudio de sus proporciones es uno de los
fundamentos del clasicismo, y sirve como pauta para determinar toda
la proporción del edificio. Este carácter rector de la columna es
el fundamento esencial de la belleza arquitectónica en la
concepción renacentista. Se utilizan todos los órdenes romanos,
desde el rústico al compuesto, enriquecido el corintio, que es el
más utilizado.
Alberti
Autores
Humanista completo, matemático, arquitecto, arqueólogo,
poeta….
Gran tratadista más que arquitecto, “De re aedificatoria” acabada
en 1460.
Preocupado sobre todo en temas de perspectiva y recuperación de las
formas clásicas.
Obras:
Alternancia de órdenes, toscano, jónico y corintio.
Banco corrido en el zócalo que está realizado imitando el opus
reticulatum romano.
Palazzo Rucellai, modelo de palacio renacentista que será repetido
por toda la ciudad.
LEÓN BAUTISTA ALBERTI (1406-1472)
Escribió un tratado seminal en la arquitectura De Re Aedificatoria,
basado en el libro De Architectura del escritor romano clásico
Vitruvio
Sistematiza el lenguaje arquitectónico y contribuye a su difusión.
Es el gran teórico de la arquitectura renacentista. Sus edificios
denotan una clara inclinación al clasicismo, especialmente en las
fachadas, en las que las columnas, las arcadas, los capiteles y los
frontones con tímpano nos remiten directamente a los arcos de
triunfo y a los templos grecorromanos.
Busca un tipo de templo que aúne la utilización de los elementos
clásicos y las necesidades derivadas del culto y la liturgia
cristiana. Era preciso compaginar la grandiosidad de los edificios
clásicos y el carácter aéreo de la arquitectura gótica; pues si la
primera imponía por su solidez, la segunda se distinguía por la
luminosidad de sus interiores. Si los arquitectos góticos lograron,
o buscaron, desmaterializar el cuerpo del edificio y borrar los
límites espaciales, el arquitecto renacentista se inspirará en las
formas geométricas básicas, que ya se encontraban en los edificios
clásicos. El círculo y el cuadrado, el cubo y la esfera, el
cilindro, son las formas más adecuadas, gracias a su perfecta
regularidad y racionalidad. La dinámica lineal y ascendente del
gótico será desplazada por la lógica claridad del clasicismo.
Arquitectura
Obras.
Iglesia gótica fachada renacentista aunque la parte inferior sigue
siendo gótica.
Incorporación de elementos clásicos como los pilastras, los arcos
de medio punto y los aletones para que sirvan de transición entre
el cuerpo inferior y el superior.
San Andrés de Mantua. 1472
Considerada la primera construcción monumental del renacimiento
clásico.
Planta de cruz latina
Fachada en forma de arco del triunfo de gran profundidad.
ALBERTI
Santa María Novella
Módulo cuadrado, unión de dos cuerpos por volutas. Arquitectura
basada en las relaciones matemáticas. Decoración en mármol.
Elementos clásicos: frontón, arco de medio punto, columnas …
ALBERTI
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Segundo nivel
Tercer nivel
Cuarto nivel
Quinto nivel
El concepto de PÓRTICO
MONUMENTAL de los arcos
de esta iglesia, rematada por un
frontón triangular en lugar del
ático clásico.
BRAMANTE.
Cúpula de la Basílica de San Pedro
Elementos decorativos clásicos usados de forma personal. Enorme
cúpula de media naranja sobre tambor, ventanas entre pares de
columnas coronada por frontones curvos y rectos, linterna.
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Segundo nivel
Tercer nivel
Cuarto nivel
Quinto nivel
San Prieto in Montorio
Templete donde los elementos clásicos (columnas dóricas, pilastras
adosadas, triglifos y metopas) se mezclan con otros renacentistas,
como la balaustrada y la airosa cúpula, así como el medallón
decorativo.
PALLADIO
Villa Capra o La Rotonda en Vicenza
Planta cuadrada, con cuatro pórticos iguales que miran a los cuatro
puntos cardinales, estatismo y dinamismo, unión con la
naturaleza.
Orden dórico, frontones
Vignola; IL GESÚ
Vignola; IL GESÚ
Periodos
Edificios destacados
Vuelta al clasicismo. El renacimiento es ante todo una vuelta al
clasicismo. Se retoman los órdenes clásicos y su alternancia en la
las fachadas al estilo romano (toscano, jónico, corintio). Arcos de
medio punto, cúpulas sobre pechinas o tambores. Proporción, armonía
y simetría entre los elementos del edificio. Perspectiva y
proporción numérica: modulo, conmodulatio
Periodos. Cuattrocento. Renacimiento Florentino. S. XV
Brunelleschi. Impulsor del primer renacimiento, su cúpula de Santa
Maria di Fiori se considera la primera obra renacentista. Alberti.
Gran teórico. Michellozo. Creador de la planta y el alzado del
palacio renacentista
Brunelleschi Basílica de San Lorenzo. 1421. Hospital de los
Inocentes. .Palazzo Pitti Cúpula de Santa María de las Flores
Alberti: Santa María Novella Palacio Rucellai San Andrés de Mantua
Michelozzo: Palacio Médici Riccardi
Planta. Plantas basilicales aya de cruz griega, ya cuadrada ya
circular.Plantas de palacios con patio central. Alzado. Elementos
sustentantes.Columnas de orden clásico de fustes generalmente
lisos.Pilares.Muros. El muro vuelve a tomar la función sustentante
que había perdido en el gótico francés. Elementos sustentados.
Cúpulas de media esfera sustentadas sobre pechinas o sobre
tambores. Bóvedas vaídas.Bóvedas de cañón. Bóvedas de
crucería.Adinteladas, artesonados.Elementos de descarga. Arcos de
medio punto
Cinquecento. Renacimiento Romano-florentino. XVI. Bramante. Cúpulas
y manejo del volumen. Miguel Ángel Buonarroti. Volumen y
proporción. Paladio. Volumen, repetición del modulo. Vignola: crea
el modelo de iglesia jesuítica
Bramante San Pietro in Montorio Miguel Ángel Cúpula de San Pedro
Palladio: La Rotonda en Vicenza Vignola : Il Gesu
3. Reconocer la proporción áurea en algún elemento de estilo
renacimiento: arquitectura, mobiliario, etc.
3.1. Analiza la relación de los elementos
arquitectónicos aplicando la proporción áurea.
3.1 Analiza la relación de los elementos arquitectónicos aplicando
la proporción áurea.
Definición sección áurea
Métodos de trazado
Ejemplos arquitectónicos del renacimiento que destacan por su uso
de la sección áurea
la sección áurea representada con la letra griega PHI o FI Φ =
1,61803… La sección áurea es la división armónica de una segmento
en media y extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al
segmento mayor, como este es a la totalidad. De esta manera se
establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad
entre el todo dividido en mayor y menor.
División de un segmento Construcción rectángulo áureo
Ejemplos: Brunellechi: Capilla Pazzi San Lorenzo Alberti: San
Andrés de Mantua Santa María Novella
Divina proporción
. Desde los tiempos antiguos el perfeccionamiento de la
arquitectura depende del establecimiento de interrelaciones
armónicas dentro de un mismo edificio, las obras que consideramos
maestras presentan una cadena de proporciones afines entre ellas.
De entre los diversos sistemas proporcionales hay uno que ha jugado
un papel muy destacado la sección áurea: 1/1.618. Al encontrarse
este numero proporcional entre las formas animales y vegetales nos
acerca a la naturaleza…
La proporción es lo que puede purificar la arquitectura con la
armonía matemática del pasado y reconciliarla con la
naturaleza.
Divina proporción
Un número nada fácil de imaginar que convive con la humanidad
porque aparece en la naturaleza y desde la época griega hasta
nuestros días en el arte y el diseño. Es el llamado número de oro
(representado habitualmente con la letra griega PHI o FI Φ =
1,61803…
o también sección áurea, proporción áurea o razón áurea. tiene
infinitas cifras decimales y no es periódico (sus cifras decimales
no se repiten periódicamente). A estos números se les llama
irracionales.
Divina proporción
La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y
extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al segmento
mayor, como este es a la totalidad. De esta manera se establece una
relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo
dividido en mayor y menor. Esta proporción o forma de seleccionar
proporcionalmente una línea se llama proporción áurea. para lograr
un efecto estético agradable y que puede llegar a ser muy
eficaz. Haciendo una recta de la dimensión que deseemos. Fijémonos
bien en ella , después, dividámosla en dos partes desiguales
mediante un pequeño trazo, de tal manera que los dos segmentos sean
equilibrados y proporcionalmente agradables. Tras esto midámoslas,
podremos comprobar que la menor es aproximadamente un 62% de la
mayor y que ésta es un 62% de la recta completa.
Sección Áurea de un segmento
1-Tenemos el segmento AB y lo queremos dividir en dos partes que
mantengan entre si la proporción áurea
2- hallamos su mitad utilizando la mediatriz, en el extremo b del
segmento levantamos otro segmento que forme ángulo recto y que mida
exactamente la mitad que AB
3- dibujamos la hipotenusa uniendo los dos puntos extremos de los
dos segmentos.
4-de la longitud total de la hipotenusa restamos la longitud del
cateto menor
5-la longitud restante la llevamos sobre el cateto mayor que es el
segmento AB
6- El segmento queda dividido en dos segmentos de distinto tamaño
que guardan la proporción aurea
61
El rectángulo áureo
Dibujamos un cuadrado y marcamos el punto medio de uno de sus
lados. Lo unimos con uno de los vértices del lado opuesto y
llevamos esa distancia sobre el lado inicial, de esta manera
obtenemos el lado mayor del rectángulo.
Rectángulo áureo
Para construir un rectángulo áureo a partir de una dimensión
dada
2-Dibujamos un cuadrado con ella.
3- hallamos la mitad de la base
4-unimos el punto medio con uno de los vértices del lado
opuesto.
5-prolongamos la base del cuadrado y llevamos desde ese punto medio
la medida exacta de la recta que lo uní con el vértice
6- nos dará como resultado la medida del lado mayor del
rectángulo.
Lo completamos
Divina proporción
La estrella pentagonal o pentágono estrellado era, según la
tradición, el símbolo de los seguidores de Pitágoras. Los
pitagóricos pensaban que el mundo estaba configurado según un orden
numérico, donde sólo tenían cabida los números fraccionarios. La
casualidad hizo que en su propio símbolo se encontrara un número
raro: el numero de oro.
Por ejemplo, la relación entre la diagonal del pentágono y su lado
es el número de oro.
También podemos comprobar que los segmentos QN, NP y QP están en
proporción áurea.
Divina proporción
TRIÁNGULO ÁUREO
el triángulo isósceles de ángulos 36º, 72º y 72º Este triángulo
isósceles se conoce con el nombre de triángulo áureo.
Divina proporción en la Arquitectura
ARQUITECTURA DEL QUATTROCENTO.- En Italia, la presencia de los
restos arquitectónicos romanos hizo que nunca se perdiera del todo
la herencia clásica. Aunque los mejores ejemplos (el Coliseo,
el Panteón…, que por cierto se conservarán y se excavarán) se
encontraban en Roma, fue en Florencia donde surgió una serie de
intelectuales neoplatónicos (Marsilio Ficino, que estableció la
igualdad verdad = belleza = Dios) que sentaron las bases de la
nueva arquitectura (Lucca Paccioli en de divina proportione estudia
el número áureo –1/1,61–
Divina proporción en la Arquitectura
Alberti. Fachada de Santa María Novella (esquema en sección
áurea)
Número de oro en Brunelleschi
Capilla Pazzi.
Pequeña capilla en el claustro de la iglesia de la Santa
Croce.
Desarrollo de toda la teoría de la conmodulatio.
El edificio consta de tres núcleos: el pórtico, el espacio central
y la capilla del testero. Las dos cúpulas menores son el módulo, la
mayor es el doble luego su diámetro es 4 veces el módulo.
Las bóvedas de cañón de la sala central tienen una unidad por lo
cual las del pórtico tienen dos más uno doble del vano de acceso lo
que nos da 6 que es la longitud del lado mayor de la sala
central.
El efecto donde se juegan con los números, 1, 2, 3, 4 y 6, se
refuerza con el uso interno de la pietra serena y el enlucido de
los muros.
Planta y alzado de la capilla Pazzi.
Las proporciones de esta pequeña capilla realizada por Brunelleschi
al final de su vida demuestran su dominio y gusto por las
matemáticas, la proporción aurea se recupera como arte a la medida
del ser humano.
Fachada y cúpula del pórtico de la capilla Pazzi.
Bunelleschi, Basílica de San Lorenzo
Alberti. San Andrés de Mantua
4 Escultura: Donatello. Identificar las principales obras de los
artistas del Renacimiento italiano.
4.1. Identifica los cambios en la escultura desde el Gótico hasta
el Renacimiento.
.
4.1 Cambios en la escultura desde el Gótico hasta el
Renacimiento.
Se independiza de la arquitectura (bulto redondo), pasa a ser un
arte mayor.
Mayor uso de materiales nobles: mármol y bronce.
Búsqueda de la belleza y la proporción siguiendo las ideas
neoplatónicas.
Importancia del cuerpo humano (antropocentrismo)
Perfecto tratamiento anatómico, pero es un naturalismo idealizado.
Recupera las proporciones del mundo clásico Temas: los retratos, la
escultura ecuestre y aparece el desnudo.
Representación del espacio, estudio de la perspectiva, con líneas
de fuga, y combinación de alto, medio y bajo relieve. La
incorporación del entorno de la obra
El cuerpo humano representó la Belleza absoluta
contrapposto fue utilizado constantemente desde
Donatello a Miguel Ángel.
los relieves se realizaron con las reglas de
la perspectiva y se mostraban a los personajes con
expresiones de dramatismo
Un papel fundamental fue la figura del mecenas, representados
por la iglesia y personajes de la nobleza que obtenían con su
mecenazgo prestigio social y propaganda política
Reapareció con el Renacimiento la glíptica greco-romana.
Trabajo con piedras semipreciosas con latalla en camafeo
Materiales
La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de
materiales, principalmente del mármol,
bronce y madera
El bronce compitió con el mármol principalmente en
monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas para
decoración de interiores
La madera fue utilizada mayormente en países
como Alemania y España, donde la gran riqueza
forestal y el trabajo tradicional de la madera policromada estaba
muy arraigado
La terracota fue empleada como material más pobre y por
lo tanto más económico
Técnica
A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual o
trépano para eliminar la piedra hasta una cierta
profundidad
Para las obras en bronce se necesitaba la realización de la obra
previamente en arcilla o en cera para su
posterior fundición
La talla en madera, se podía realizar también en talla directa
sobre el bloque de madera con la ejecución de un boceto pequeño
para su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también
pasarlo por puntos como en el mármol
Técnica: talla
Talla Directa: :
Empleada desde la antigüedad consiste en obtener la pieza desde el
loque labrándola, partiéndola desde varios frentes. En egipto se
dibujaba en cada cara del bloque el perfil, y despues se esculpía.
(como las vistas en diédrico) El método es recuperada por
Donatello.
Miguel Ángel tenía un método especial de talla directa en el que
abordaba la pieza desde una des sus caras lo que le permitía
modificar la composición de la escultura
Sacado de Puntos empleado por Bernini en elBarroco de forma que sus
ayudantes pudieran pasar al marmol los modelos que el realizaba en
mármol, debido a la gran cantidad de encargos que recibía
Talla en madera: gubias, cincel
Talla en piedra: gradina, cincel, cortafríos, trépano
Pantógrafo
compás
4.2. Identifica las esculturas, y trabajos en volumen, más
emblemáticas del renacimiento
técnicas y materiales
Autores
obras
A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual o
trépano para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad
Para las obras en bronce se necesitaba la realización de la obra
previamente en arcilla o en cera para su posterior fundición
La talla en madera, se podía realizar también en talla directa
sobre el bloque de madera con la ejecución de un boceto pequeño
para su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también
pasarlo por puntos como en el mármol
Trecento Andrea Pisano
Relieves de las puertas de la Catedral de Florencia
Quatrocento Ghiberti Donatello Verrochio Luca de la Robia
(terracotas) Pollaiuollo (bronces) Los niños Rómulo y Remo de la
loba
Relieves de las puertas de la Catedral de Florencia El David de
Donatello San Jorge El Condotiero, la Magdalena David de Verrochio
Monumento ecuestre Bartolome Corleoni
Cinquecento Benvenuto Celini Juan de Bolonia Miguel Ángel (Bloque
9)
Perseo y Medusa Rapto de las Sabinas, Mercurio Volador. Retrato
ecuestre de Felipe III
Tipos de esculturas
Bulto Redondo: El Renacimiento adoptó los elementos básicos que
había descrito Vitrubio
La composición de la figura humana se basó en la búsqueda de la
perfección en la anatomía, sobre la que muchos artistas de
esta época adquirieron verdaderos conocimientos con la práctica de
disecciones para su estudio
Relieve: En el relieve se utilizaron la arquitectura y las recién
adquiridas leyes de la perspectiva para componer los
fondos de las representaciones, como en la célebre puerta del
Paraíso de Ghiberti o en los relieves con la técnica
de stiacciato para el altar de San Antonio en Padua
realizados por Donatello.
Andrea y Luca de la Robia Terracotas
Cerámica vidriada, en blanco y azul
5- Pintura: de la representación jerárquica medieval a la visión
realista: Piero de la Francesca, Giotto di Bondone, Masaccio Canon
renacentista: Sandro Boticelli.
5.1. Identifica los cambios en la pintura desde el Gótico hasta el
Renacimiento.
5.2. Reconoce las principales pinturas del
Renacimiento y su autor.
Pintura
5.1. Identifica los cambios en la pintura desde el Gótico hasta el
Renacimiento
Hay una serie de características que distinguen la pintura
renacentista de su inmediata antecesora, la pintura medieval
gótica:
Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar
como ejemplo.
Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en
paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad, o en
marcos arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y
templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.
La figura humana se convierte en centro y medida de todas las
cosas. El estudio de la anatomía, incluso la realización de
autopsias, ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo
humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo representan
de forma más realista pero normalmente, idealizada
Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas
Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De
ahí técnicas nuevas como el esfumado (efecto brumoso, técnica en la
que destacó Leonardo da Vinci).
Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al
fresco.
Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla.
Los grandes retablos, en que cada cuadro es parte de un tema más
amplio, pierde presencia, en favor del cuadro único, bien como
tabla de altar, bien como lienzo.
Se adopta de manera casi exclusiva la pintura al óleo. Es
principalmente en Venecia donde, por influencia flamenca, se
introduce el uso del óleo.
Si en la Edad Media la pintura fue de manera casi exclusiva
religiosa, en el Renacimiento se introducen nuevos temas, como los
mitológicos, alegorías y temas históricos. Se cultiva con
extraordinario vigor el retrato con maestros como Tiziano o Antonio
Moro.
En esta época empiezan, tímidamente, otros géneros considerados
menores, como el paisaje o el bodegón, entendidos en el
Renacimiento como un elemento subordinado frente a la historia,
algo accesorio.
5.2. Reconoce las principales pinturas del Renacimiento y su
autor.
técnicas y
Autores
obras
Fresco: pintura mural Aglutinante es la cal. Se pinta sobre el
revoco de la pared aún húmedo Temple sobre tabla: El aglutinante es
el huevo solo o aceite o resinas Óleo: El aglutinante es el aceite
de linaza o nueces
Trecento Giotto della Bondone
Frescos de la vida de San Francisco en Asis
Quatrocento Escuela Florentina: Massacio Fra Angélico Paolo Ucello
Piero de la Franchesca Botticelli Escuela de Padua Mantegna Escuela
de Perugia El Perugino
Fresco de Santa Mª Novella Anunciación , frescos de San Marcos ,
Florecia Cuadros de batallas, San Jorge y el Dragón. Bautismo de
Cristo, federico de Montefelto Primavera, Nacimiento de Venus
Tránsito de la Virgen, Cristo yacente Desposorios de la
Virgen
Cinquecento Leonardo da Vinci Rafael Miguel Ángel (Bloque 9)
La Gioconda La sagrada Cena Santa Ana la Virgen y el niño La
Escuela de Atenas, La Fornarina, Retrato de Baltasar de
Castiglione
Escuela Veneciana Tiziano Veronés Tintoreto
Venus y Adonis, Venus y Marte, Retratos de Carlos V Moisés
rescatado de las aguas El Lavatorio
Giotto di Bondone
1267-1337, considerándose este autor del Trecento uno de los
iniciadores de movimiento renacentista en Italia, su obra tuvo una
influencia determinante en los movimientos pictóricos
posteriores.
La Anunciación de Fra Angélico en el Museo del Prado
Piero de la Franchesca
Nacimiento de Venus Botticelli
5.3. Analiza la vida y obra de Leonardo da Vinci.
5.4. Explica la obra de Rafael Sanzio,
especialmente "La escuela de Atenas" y los retratos de "La
Fornarina" y de "Baltasar de Castiglione".
La Fornarina retrata aquí a la amante legendaria de Rafael, que
también se encuentra en el cuadro conocido como La Donna velata,
conservado en Florencia en el Palazzo Pitti. La mujer fue
identificada durante el siglo XIX con la fornarina (panadera)
Margherita Luti, hija del panadero Francesco Luti da Siena.Sin
embargo, es probable que el verdadero sentido de la obra aún esté
por aclarar. La mujer es representada con un sombrero de estilo
oriental y los pechos desnudos. Hace el gesto de cubrir su pecho
izquierdo, o volverlo con su mano, y está iluminada por una fuerte
luz artificial que viene del exterior. Su brazo izquierdo tiene una
estrecha banda que lleva la firma del artista.
El Pintor Neoclásico Ingres: realiza varias versiones diferentes
del tema la Rafael y la Fornarina 1814…
El nacimiento del mito de la Relación del Artista con la modelo:
objetualización de la mujer en el arte que surge en Plinio el Viejo
con Alejandro Magno que regala su concubina al Pintor
5- Pintura: El colorido veneciano: Tiziano, Tintoretto.
Veronés
5.1. Compara la evolución de la pintura del primer Renacimiento
hasta el colorido veneciano.
5.2. Analiza las vestimentas reflejadas en los cuadros del
Veronés.
5.3. Describe con detalle el cuadro "El lavatorio" de Jacopo
Robusti "Tintoretto" y la aplicación técnica de la perspectiva
cónica.
5.1 Compara la evolución del color desde el primer renacimiento
hasta la escuela Veneciana
Giotto, Fra Angélico Tiziano Corregio
Características de la pintura veneciana frente a la del primer
renacimiento:
-Predominio del color, intensidad y calidez de los tonos .
-Bordes suaves, pérdida de la definición en el contorno.
-Importancia del paisaje y los detalles anecdóticos.
-Arte sensual, interés por los desnudos, gradaciones de color, y
textura en la piel y los trajes.
-Incremento del interés por la perspectiva y la complejidad de las
composiciones
Fue copiado por Rubens del original que Tiziano (h.1485 - 1576)
había hecho para Felipe II y que se encontraba en Madrid en 1628,
cuando su segunda visita a España. A diferencia de otras copias de
Tiziano, Rubens es muy fiel al original, hoy en el Isabella Stewart
Gardner Museum de Boston.
El artista representa el episodio antedicho con Cristo y san Pedro
en un extremo de la composición. La mayor parte del lienzo está
ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la
mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro destaca un
perro, y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas
y escorzos. En un segundo plano se estaría relatando un milagro de
San Marcos narrado por Jacobo de la Vorágine en su Leyenda dorada.
El extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se
está desatando el calzado, cuya esculturalidad se asemeja a las
poderosas anatomías de Miguel Ángel.
La composición parece descentrada, con el episodio principal
desplazado a un lado del cuadro. Esto se explica por el
emplazamiento original del cuadro, en la pared derecha de una
estancia alargada; los creyentes verían más cerca precisamente la
parte donde estaba Jesús. Además, la mesa está orientada hacia esa
zona, de modo que vista la obra desde la derecha, el escorzo de la
mesa acentúa el efecto de perspectiva. A ello también contribuye el
pavimento de losas con formas geométricas.
En el fondo de este lado izquierdo se ven arquitecturas clásicas de
una ciudad que recuerda a Venecia, con una barquichuela entre
canales, en azules y blancos bañados por una luz fría, lo que da un
aire un tanto irreal. Los elementos arquitectónicos están
inspirados en ilustraciones de Sebastiano Serlio.
5.3. Describe con detalle el cuadro "El lavatorio" de Jacopo
Robusti "Tintoretto" y la aplicación técnica de la perspectiva
cónica.
Ilustración de sebastiano Serlio de su Tratado de
Arquitectura
Veronés influyó en pintores posteriores, como Rubens, Tiépolo y
otros pintores del barrocos. Este pintor y Rubens son los grandes
maestros del pasado que admiraba el pintor romántico Eugène
Delacroix
6-Pintura al óleo. Técnica.
6.1. Describe la técnica de la pintura al óleo sobre lienzo y la
relaciona con la pintura anterior sobre tabla.
6.2. Debate acerca de las características de la pintura al temple y
al óleo.
Óleo
Técnica polícroma, húmeda, grasa.
El aglutinante que da nombre a la técnica es el aceite: se usa
fundamentalmente de linaza, aunque también se utiliza el aceite de
nuez y el de adormideras.
Para acelerar su secado este aceite de linaza es cocido y aclarado
al sol.
El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido
entre los artistas de la Edad Media sobre todo combinándolo con la
pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras
realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Muchos
siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del
monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100.
Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas
ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra
lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría
en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día
a día, variar la composición, los colores, etc.
La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que
inventaron la pintura al óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en
que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron
las innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada
hasta entonces.
Temple
Oleo
Tipo de técnica
Magra si no se le añaden resinas o aceites. Grasa si se realiza la
emulsión con esos productos
grasa
Aglutinante
Aceite de linaza o de nueces. Espesado al sol
Disolventes
Esencia de trementina, Aguarrás
Tiempo de secado
Rápido un día
Una semana o varias, en función de la cantidad de pintura que lleva
la pincelada
Grosor pincelada
No permite grosor, la pintura es delicada se puede cuartear
Desde finas veladuras hasta gruesos empastes
soporte
Pergamino, tabla La pintura es mas rígida
Tabla o tela, la pintura es mas plástica y no sufre con ligeros
cambios físicos del soporte
6.1. Describe la técnica de la pintura al óleo sobre lienzo y la
relaciona con la pintura anterior sobre tabla
EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
Preparación del soporte: Es necesario imprimar el soporte sea
madera o tela se pueden utilizar distintos aparejos: las modernas:
al gesso, las antiguas: a la creta, a la media creta, el aparejo
español a la gacha.
Se puede introducir color en la preparación como lo hacían los
pintores que utilizaban la técnica del claroscuro:
EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
TÉCNICA: MEZCLAR COLORES SOBRE LA PALETA
LA TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO
TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO
TÉCNICA: SUPERPONER COLORES: VELADURAS, ESFUMADO, COLORES
ADYACENTES
Veladura: consiste en superponer una capa de color transparente
sobre una base de otro color, utilizado disolventes y barnices para
aumentar las transparencia del color. Muy utilizada por los
pintores desde el renacimiento podemos destacar a Rubens
TÉCNICA: IMPASTO La palabra "empaste" es el italiano significa
"masa" o "mezcla", el verbo "impastare" se traduce también como
"amasar", o "pegar"
El empaste se utiliza cuando la pintura se coloca en un área del
soporte (o el lienzo) muy gruesa, son visibles los trazos de pincel
o espátula,. La pintura también puede mezclarse directamente en el
lienzo. Una vez seco, empaste proporciona textura, la pintura
parece estar saliendo de la tela. Ej Goya, Rembrant, Auerbach,
Saura
Esfumado: El esfumato (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso
que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura
extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos
contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se
utiliza para dar una impresión de profundidad en los cuadros del
renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta
valores más oscuros como en la Mona Lisa y en el San Juan Bautista.
La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben
a Leonardo da Vinci.
TÉCNICA: PINTAR ALLA PRIMA
Pintar en una sesión sin repintes directamente del natural, con
pincelada suelta y expresiva, es muy utilizada por pintores de
paisaje ejemplo Sargent, Sorolla
ÚTILES
1.La paleta: En general, las paletas utilizadas para la pintura al
óleo son de nogal o manzano. Los acuarelistas utilizan paletas de
porcelana o metal; los pintores de miniaturas, paletas de marfil;
algunos pintores flamencos tenían paletas de cristal. En la
actualidad son muy comunes las de material sintético blancas y de
aluminio lacadas en blanco mate.
2. Pinceles: Generalmente, los pinceles redondos se usan para
perfiles, fundidos y aplicaciones de color en pequeñas extensiones;
los de pelo corto sirven para las capas gruesas y firmes, mientras
que los de pelo largo sirven para extender el color. Los pinceles
planos , muy utilizados, tienen una práctica más general,
sirviendo, puestos de lado, para realizar perfiles. Y los pinceles
cuadrados son muy apreciados para manipular pinturas muy
cremosas.
3.La espátula Es un instrumento de metal a modo de pequeña pala
aplanada, semi-rígida o flexible, y de mango con distintos
fines:
-para manipular los colores en la paleta, como rasqueta (para
quitar las impurezas de la tela o descargarla de color), para
alisar la capa pictórica o para pintar. Muchos pintores desde el
siglo XIX han preferido la espátula al pincel para distribuir y
trabajar el color sobre la tela.
4. Otros instrumentos: Las manos, los tubos de pintura que vierten
directamente el color, trozos de tela para el "frottage" …. Aunque
también se utilizan para pintar la pistola y los aerosoles, su uso
más generalizado es para barnizar.
5. Caballete; de estudio o portátil “de campo” permite mantener el
cuadro en posición vertical a la altura que desee el pintor.
6. Aceiteras: recipientes para mantener sujetos a la paleta el
disolvente: esencia de trementina o aguarrás , el barniz y el
secativo.
7 La grasera para recoger el aceite sucio y filtrarlo
SOPORTES
Los soportes o los materiales sobre los que se aplica la pintura al
óleo pueden ser diversos.
Las maderas más empleadas como soporte son la tabla maciza (pino,
caoba...), contrachapado de madera, el aglomerado (DM) de
madera...
Las telas o lienzos son tejidos de hilos cruzados
perpendicularmente, formando la trama y la urdimbre. Las más usadas
en la pintura son las telas de lino, algodón, cáñamo y yute, en
especial las dos primeras.
La tela puede adquirirse ya preparada y montada sobre bastidor,
pero también puede comprarse por metros y después ser
montada.
Cornelius Gijsbrecht, Reverso de una pintura enmarcada
(1670-1672)
Desarrollo de la técnica al óleo en artistas a lo largo de la
historia
Antes se creía que la pintura al óleo había sido inventada por el
pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo XV, pero hoy se
sabe que ya existía con anterioridad.
1-Van Eyck investigó esta técnica dentro de los convencionalismos
lineales del temple, haciendo un dibujo detallado en una tabla
cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo
transparentes.
2-En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó
esta técnica, de la que se aprovecharon los pintores del
renacimiento. Rafael, Leonardo
3-Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo,
con el que se conseguía una superficie mucho más grande y permitía
además enrollarlo para facilitar el transporte. Desarrollaron un
estilo más libre basado en una pintura subyacente, monocroma y
tosca, realizada al temple y añadiendo veladuras oleosas. Tiziano,
Tintoreto, Veronés
4-Los pintores holandeses como Rembrandt y Frans Hals y el pintor
español Diego Velázquez hicieron ensayos con la aplicación de
empastes.
5-Toda la obra se llevaba a cabo en el taller. Los avances de la
química proporcionaron nuevos y brillantes pigmentos en el siglo
XIX. Ingres, Goya
6-La invención de los tubos plegables, que venían a sustituir a las
bolsitas de tripa de carnero donde se guardaban los pigmentos hasta
entonces, permitió a los pintores trabajar al aire libre copiando
directamente de la naturaleza. Los aditivos químicos, que mantenían
la pintura fresca, hicieron posible que se hiciera un mayor uso de
los empastes.
Sorolla, Sargent
7-Los impresionistas franceses aplicaban, directamente sobre el
lienzo, una gran cantidad de pequeñas pinceladas de colores
brillantes. Seurat, Monet