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Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla

SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS

HHIISSTTOORRIIAA DDEELL AARRTTEE



OPCIÓN A

1.- CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 1 A

CACERÍA DE CIERVOS. ABRIGO DE LOS CABALLOS, BARRANCO DE LA VALLTORTA. CASTELLÓN.

Análisis:

Estamos ante la representación de una cacería de cérvidos realizada sobre roca, pintura rupestre. En cuanto a la técnica se debieron utilizar pinceles de pelo, plumas u otros materiales orgánicos, llevando a cabo una pincelada acabada.

Los contornos de las figuras están bien delimitados, no existe modelado y los colores son planos, también vemos que hay un par de figuras que no están totalmente rellenas de color, lo que se podría interpretar como un alarde de un cierto realismo (moteado de las pieles de los animales). Podemos apreciar que carece de perspectiva, todas las figuras están en primer plano. En realidad es una representación plana, lineal y sin volumen.

En cuanto a su iluminación, son pinturas realizadas para ser contempladas bajo la luz solar dentro de abrigos naturales.

La composición es sencilla, enfrenta a los arqueros con los animales, basándose en la combinación de líneas horizontales, las flechas, arcos y brazos, con las verticales que forman las patas de los animales.

Finalmente, podemos decir que es una representación figurativa, más naturalista con relación a los animales que a la figura humana. Vemos que los cazadores están representados de una manera esquemática, se muestran gestos y no anatomías, con una gran estilización que pretende mostrar el ímpetu de una cacería, si nos fijamos veremos que los cuerpos acaban siendo un elemento más de los arcos en tensión. Incluso para aumentar el movimiento, los animales abren extremadamente sus patas y se ubican en forma diagonal.

Clasificación y comentario:

Estamos ante una pintura del Mesolítico (3500-2000 a. C.), realizada por las tribus de la zona levantina y se trata de la Cacería de Ciervos, en el Abrigo de los Caballos, ubicado en el Barranco de La Valltorta (Castellón).

A finales de la última glaciación, en torno al 9000-8000 a.C. se produce un cambio importante en las formas de vidas de los humanos y este hecho va a repercutir



en su arte. El artista deja las cuevas del Paleolítico de la zona franco-cantábrica y se decantará por los abrigos naturales ubicándose en la zona mediterránea.

Sus características serán distintas a las del periodo anterior, el Paleolítico. En primer lugar, se realizaron para ser contempladas no bajo la luz del fuego sino bajo la luz solar. Se representarán escenas, en las que junto a los animales ahora va a aparecer la figura humana, normalmente pequeñas, estilizadas y recurriendo a formas estereotipadas, en las que el movimiento va a ser muy importante, recurriendo a efectos expresionistas: piernas abiertas, músculos exagerados y la utilización de la diagonal, como podemos contemplar en la imagen que estamos comentando.

Los animales más representados serán ciervos, como en la pintura que estamos analizando, cabras montesas, jabalíes, toros, caballos, insectos… Entre las figuras humanas destacan las masculinas, armadas con arcos y flechas y en segundo plano las femeninas, más escasas, vestidas con faldas largas y el torso descubierto.

Predomina la monocromía, silueteando las imágenes en blanco, negro o rojo.

En cuanto a los temas nos encontramos con tres grandes bloques: actividades económicas (caza, recolección, ganadería…), aquí podíamos ubicar nuestra pintura; escenas de guerra; y escenas lúdico-religiosas (danzas, hechicería…).

Con relación a su significado, también podemos pensar que pudiera ser de tipo religioso o propiciatorio, similar a las del Paleolítico, aunque sabemos que su intención sigue siendo muy discutida. En este caso la temática es más amplia y en ocasiones pudiera ser que su finalidad fuera meramente narrativa.

Otros ejemplos pueden ser “Mujeres danzando en el abrigo de Cogull, Lérida”, “Recolección de miel, cueva de La Araña, en Bicopr, Valencia”…

Las pinturas rupestres levantina superarán el Mesolítico y se adentrarán en el Neolítico y en la Edad de los Metales.

2.- CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 1 B

EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA DE BERNINI

Análisis: Estamos ante una escultura formada por una religiosa en éxtasis ante la presencia de un ángel. El material es el mármol blanco trabajado con una técnica extraordinaria, el artista ha plasmado a la perfección la escena, con una gran naturalidad. La escultura presenta un solo punto de vista, frontal, el fondo de alabastro refuerza esta impresión. Esta representación, al estar sobre una nube, de sensación de



ingravidez, en realidad el grupo está suspendido en el aire y eso hace que, aparentemente, parezca carente de volumen. En su composición predomina la línea diagonal, que le da movimiento y dinamismo. Nos encontramos con un aspa (cabeza del ángel al pié de la religiosa y cabeza de santa hasta el extremo opuesto). Es una escultura abierta, pues ambas figuras invaden el espacio que les rodea. La luz penetra por una ventana, que no podemos ver, creando un efecto casi sobrenatural, ambientando muy bien la visión de la santa. En cuanto al color, como ya hemos apuntado, el grupo presenta el color blanco del mármol, hemos de indicar que su entorno si es polícromo, pero el enfoque y los contrastes parecen enmascarar su monocromía. Es una representación figurativa, naturalista y realista, un realismo un tanto exagerado, cargado de efectos de teatralidad, especialmente en la religiosa, con su actitud nos pone de manifiesto que está en un profundo éxtasis, un total abandono de lo material y una unión con Dios. El ángel, que esboza una ligera sonrisa, tiene una expresividad menor. También, es interesante estudiar las vestimentas, el hábito de la santa presenta plegados amplios, mostrándonos el carácter burdo de la tela, por le contrario la túnica del ángel presenta un drapeado fino dejando entrever las formas del cuerpo. Clasificación y comentario: Estamos en presencia de una escultura barroca, siglo XVII, realizada por G. L. BERNINI, llamada “El Éxtasis de Santa Teresa”, pertenece a su tercer periodo. Se basa en un episodio descrito por la Santa en el libro de su vida, cuando en un arrebato de amor divino sintió como un ángel traspasaba con un dardo encendido su pecho, produciéndole a la vez dolor y deleite. Era un tema de actualidad pues la Santa había sido canonizada hacia poco tiempo y se estaba renovando la iconografía. Su finalidad, como las imágenes religiosas del barroco, era despertar la atención y convencer, enternecer la sensibilidad y propiciar la devoción. Fue creado para un espacio autónomo: La capilla Cornaro en la Iglesia de S. Mª de la Victoria en Roma. La arquitectura y su decoración están al servicio de la escultura, como si se tratase de un escenario, todo está pensado para atraer la atención hacia le nicho donde se encuentra el ángel y la Santa. En las paredes de la capilla hay unos nichos con miembros de la familia Cornaro, que como espectadores asisten a la escena, como nosotros mismos, borrándose la barrera entre el mundo real y el del arte. Centrándonos en el momento histórico-artístico podemos decir que el término barroco, designa la cultura artística del siglo XVII y surge a finales del siglo XVI en el lenguaje técnico de los joyeros portugueses aplicándolo a una perla de forma irregular, no obstante, será a finales del siglo XVIII cuando adquiera un significado estético, pero con un sentido peyorativo, indicando lo recargado, complicado, ampuloso... Tendremos que llegar al siglo XIX para que se empiece a valorar su categoría artística y su independencia. Podemos indicar como características fundamentales que: Nace en Italia. Será el medio propagandístico de la Contrarreforma. Se pondrá al servicio de los monarcas absolutos, especialmente en España y Francia. Muchos de los personajes de



los cuadros del Caravaggio o Velázquez parecen sacados del teatro. Así como muchas de las formas arquitectónicas barrocas parecen grandes escenarios teatrales. Es un periodo de crisis, con un sentimiento de inseguridad que se reflejará en el arte: búsqueda de lo inestable, ruptura con lo clásico, dinamismo, violencia... Volviendo a la escultura barroca podemos indicar que presenta los rasgos siguientes: Los materiales varían, la piedra para exteriores y el bronce, la madera, el mármol y el alabastro para interiores. En los volúmenes se impone el ángulo desde donde van a ser contempladas. El movimiento es importante, con predominio de las diagonales y las formas abiertas. En la iluminación se buscan fuertes efectos de claroscuro. Y la forma de expresión es naturalista y realista, las figuras aparecerán, en muchos casos llenas de pasión y movimiento con los ropajes hinchados, desordenados y agitados. En cuanto a los temas serán variados, unos de carácter sagrados, de acuerdo con la Contrarreforma, pero también los habrá mitológicos y de carácter laico (retrato). Su finalidad oscilará desde lo meramente decorativo a lo didáctico- propagandístico. Centrándonos en nuestro autor, su obra está llena de realismo, teatralidad y monumentalidad en las composiciones, movimiento y variedad de puntos de vista. Y podemos dividirla en 4 etapas: Etapa juvenil, con obras como ENEAS Y ANQUISES, APOLO Y DAFNE, DAVID… Segunda etapa: Alto Barroco como ejemplo tenemos a SAN LONGINOS. Tercera etapa: Periodo medio es el más atractivo de su carrera con obras como EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA, LA TUMBA DE URBANO VIII… Y La Cuarta etapa: Estilo tardío con LA CÁTEDRA DE SAN PEDRO y LA ESTATUA YACENTE DE LA BEATA LUDOVICA ALBERTONI.

3.- EL ARTE NAZARÍ: LA ALHAMBRA

El arte y la civilización musulmana son fundamentalmente religiosos, se basan en el Islam, doctrina monoteísta predicada por Mahoma, y su lugar de origen se encuentra en la península Arábiga.

Centrándonos en España, la llegada de los musulmanes podemos situarla en el año 711 y permanecieron en nuestro país ocho siglos, hasta la toma de Granada en el año 1492 por los Reyes Católicos. En tan denso tramo cronológico, Al-Andalus, llamada así por los musulmanes, vivió varias etapas, que también quedaron reflejadas en su arte: Los Emiratos dependiente e independiente, el Califato de Córdoba, los Reinos Taifas, los Imperios Norteafricanos y el Reino Nazarí de Granada. Este último abarcaría los siglos XIII, XVI y XV, siendo el siglo XIV su momentos más importante, donde se realizó la obra más significativa del arte nazarí: LA ALHAMBRA DE GRANADA.

El arte nazarí, aún siguiendo las pautas del arte islámico, va a presentar unas características propias: Las columnas de fuste cilíndrico, muy fino, con el capitel en forma de paralelepípedo, decorado con cintas, formas vegetales o mocárabes. Los arcos, en el interior la mayoría de las veces son falsos o decorativos, pero los exteriores no, predominarán los peraltados de numerosos y menudos lóbulos y los de mocárabes. Las



cubiertas pueden ser de armadura, de madera, y bóvedas, siendo las más características las falsas de mocárabes. En cuanto a la decoración, nos podemos encontrar con las lacerías, el ataurique y la epigráfica; este repertorio decorativo se plasmará en yeserías, situadas en la parte superior y en los zócalos de cerámica vidriada o alicatado, en la parte inferior.

Haciendo un poco de historia podemos apuntar que tras la desintegración del imperio almohade, surgirá en escena el caudillo MUHAMMAD IBN NARS, que se erigirá líder de los musulmanes hispanos y en el año 1237 fundará en Granada la dinastía nazarí. Su sumisión tributaria a los reyes cristianos y sus disputas le permitieron a los nazaríes conservar durante dos siglos y medio este rincón oriental andaluz.

Nada más establecerse en Granada, los nazaríes iniciaron la construcción de una acrópolis sobre el cerro de la Sabika, que recibiría el nombre de “Alambra” o “castillo rojo”, por el color ferruginoso de la arcilla utilizada en su edificación. Fue levantada sobre los restos de una fortaleza-palacio del siglo XI.

Este exótico recinto se distribuyó en tres núcleos independientes: la alcazaba militar, los palacios reales y una ciudad autónoma, urbanizada con calles estrechas y serpenteantes, en la que residían los altos dignatarios de la corte, funcionarios, artesanos… De tan espléndido complejo, MUHAMMAD solo levantó el circuito defensivo, situando la alcazaba con el patio de armas para la guarnición en el ángulo más alto y saliente de la colina. Previamente, abasteció de agua el enclave, abriendo una acequia con caudal propio desde el río Darro.

Su heredero MUHAMMAD II, dulcificará la sobria arquitectura militar con la roturación del “Generalife”, finca construida en la ladera del cerro contiguo, con un hermoso pabellón de recreo.

Posteriormente, MUHAMMAD III incorporará el agua y la jardinería, ordenando construir el “Partal”, el palacio más antiguo, destinado a recreo, se trata de una residencia formada por un pabellón, una torre, llamada de las Damas, y una amplia alberca. El agua tiene aquí una función estética, que junto con la utilitaria y la religiosa completan las importantes funciones de este elemento.

Pero el esplendor de la Alambra llegaría con los mandatos de los sultanes YUSUF I y su hijo MUHAMMAD V. Con ellos triunfará el concepto ambivalente de este monumento: fortaleza y mansión para la alegría, como era relatado por un poeta andalusí.

YUSUF I reconstruyó las puertas y las torres de la muralla, entre las primeras destaca la Puerta de la Explanada y con relación a las segundas la más sobresaliente será la Torre de Comares, concebida como salón del trono o de embajadores, revestida de materiales frágiles y pobres como el barro, el yeso y la madera, pero convertidos en obras de arte por artesanos brillantes. Su techo está formado por un artesonado de



madera donde aparecen representados los siete cielos del Paraíso musulmán, presididos por el trono de Alá. Junto a esta torre nos encontramos con el palacio del mismo nombre que se estructurará en torno a dos patios, uno llamado del Cuarto Dorado, que comunica con el Mexuar, sala de administración de justicia, y otro, conocido como el de los Arrayanes.

MUHAMMAD V otorgará al área de los palacios su configuración actual. Éste llevó a cabo la construcción del Palacio de los Leones, organizado en torno al patio del mismo nombre, decorado con una hermosa fuente, al que se abrían las principales estancias: al norte, la sala de las Dos Hermanas, con el mirador de Daraxa, al sur la de los Abencerrajes, al oeste la de Mocárabes y al este la de los Reyes.

Para concluir, podemos decir que en su interior se encuentra el palacio de Carlos V, edificado para residencia de dicho emperador, aunque no queda constancia de que llegara a habitarlo en ningún momento.

4.- EL TEMPLO GRIEGO: EL PARTENÓN

El arte griego es un producto de varias oleadas de pueblos indoeuropeos que acabaron afincándose en la Hélade. Hacia el año 1600 A.C. los aqueos, dueños del bronce, fundaron el Imperio Micénico. Hacia el 1100 A. C. se produce la llegada de los dorios, pueblos del hierro, que arruinarán a los aqueos y desplazarán a parte de la población hacia las islas del Egeo y Asia Menor: la Jonia. Estos nuevos habitantes tendrán en común la lengua, una estructura política en evolución, de la monarquía a la tiranía y de esta a la democracia. Socialmente se sustentaran en una clase esclava muy amplia, que les permitirá el privilegio del ocio, desembocando en el hedonismo. Esta visión de la vida le va a llevar a buscar la belleza: Proporción, medida y equilibrio, aspectos que se reflejarán en sus manifestaciones artísticas. La arquitectura griega se caracteriza por la armoniosa simplicidad de las formas, la alta calidad técnica y está hecha a escala humana. El material, desde el siglo VI A. C., será la piedra caliza y el mármol, en forma de sillares, de unión viva o con unas grapas de bronce. Los elementos constructivos responden a un sistema adintelado. Los soportes son muy importantes, destacando la columna, que presenta tres órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio. Las cubiertas son adinteladas y los tejados a dos aguas, dando lugar un frontón triangular. Interiormente son horizontales, cielorraso. Los elementos decorativos serán el relieve, la escultura y la pintura. Los temas son figurativos o geométricos-vegetales. La proporción es la base de todo y responde a una medida común: el módulo, que proviene del radio de la columna. La armonía se considera la base de la belleza, se deriva de la proporción y para conseguirla se harán sutiles correcciones ópticas que compensen los errores visuales. La simetría existe de forma general. El espacio interno en principio no interesa, es más algo utilitario. Los volúmenes y formas exteriores son muy importantes, se concibe como una gran escultura.



Centrándonos en el PARTENÓN, podemos decir que es un templo octástilo, anfipróstilo y períptero que, a pesar de los expolios que ha sufrido, sigue siendo el emblema fundamental del arte griego. Se dedicó a la diosa Atenea por haberles conducido a la victoria sobre los persas en las Guerras Médicas. Fue llevado a cabo por PERICLES, que tuvo que vencer la resistencia de la Asamblea, que era la que tenía que financiar los gastos, y la de los ancianos, que habían jurado mantener en ruinas la Acrópolis para que las generaciones futuras recordaran la barbarie de los invasores. La planificación la hicieron ICTINO y CALÍCRATES, sobre un edificio anterior y emplearon mármol del pentélico. La supervisión estuvo a cargo de FIDIAS, quien realizó también la decoración y la imagen de Atenea Parthenos. Se inició en 447 A.C. y se concluyó 15 años más tarde. Es un templo de orden dórico y presenta una serie de refinamientos ópticos como la ligera curvatura del entablamento, la inclinación y el abultamiento de las columnas o la desigual distancia de los intercolumnios para corregir las irregularidades naturales del ojo. Importantísima es la decoración escultórica, que como hemos indicado venía de la mano de FIDIAS y con una clara finalidad pedagógica. En los frontones nos vamos a encontrar, en el oriental con el Nacimiento de Atenea, surgiendo completamente armada de la cabeza de Zeus ante la presencia de Hermes y Hefaistos, estas imágenes desafortunadamente se han perdido, conservándose las divinidades laterales. La parte occidental se centra en el certamen que se convocó en el Olimpo para elegir el Patrono del Ática, y vemos a los finalistas Poseidón, lanzando el tridente haciendo brotar un manantial, y a Atenea con la jabalina, que al caer en tierra nacería el olivo, siendo esta última la elegida. Las metopas son 92, distribuidas en bloques de 14 y 32, e ilustran cuatro ciclos míticos: la Gigantomaquia (oriental), la Amazonomaquia (occidental), la Guerra de Troya (norte) y la Centauromaquia (sur). También, presenta este templo un friso jónico con la representación de las fiestas estivales de las Panateneas. Estaban las menores, que eran anuales y se ofrecía una hecatombe de ganado, y las mayores, cada cuatro años, donde las doncellas entregaban a los sacerdotes un peplo para la diosa. La mayor parte de este friso fue trasladado por lord Elgin al Museo Británico. Otros ejemplos de templos importantes fueron: El Erecteo atribuido a Menesicles, presenta una planta un tanto extraña, se puede decir que única, a un lado tiene una tribuna sostenida por cariátides, dedicada a Pandrosia, hija de Cécrops. El templo de Nike áptera, Victoria sin alas, con un friso que narra la lucha contra los persas. El templo de Apolo en Delfos, es un tholos de forma circular que recuerda a las cabañas pelásgicas…



OPCIÓN B


LA ROTONDA DE PALLADIO

Análisis: Estamos ante el exterior de una vivienda campestre, que bien nos podía recordar a las antiguas villas romanas. Su planta es cuadrada, con cuatro pórticos, con escalinatas, aunque en la lámina solo sean perceptibles dos de ellos. Presenta una planta baja y una primera planta más reducida. Los muros están recorridos por vanos adintelados, enmarcados por frontones triangulares en la 1ª planta y sin ellos en la 2ª. Como elemento sustentante podemos apreciar las columnas de orden jónico, de fuste liso, sobre las que descansan una especie de entablamento y frontones triangulares. El arco apenas está presente, a no ser en los extremos de los pórticos, que se abren en unos vanos enmarcados por arcos de medio punto. En cuanto a las cubiertas, apreciamos una cúpula central y en los pórticos con forma de dos aguas. La decoración se basa en motivos arquitectónicos: columnas, frontones..., muy sobria. Aunque también vemos la presencia de algunas esculturas. Los valores plásticos se orientan a conseguir la perfección formal pura, de armonía y simplicidad. Un principio básico de simetría y proporción rige la obra. En cuanto a la simetría es central, opuesta a la axial del templo romano en la que parece inspirarse. Clasificación y comentario: Podemos decir que estamos ante una obra del Renacimiento, del Cinquecento italiano, La Villa Capra (la Rotonda) de Palladio. La construcción se inició en 1551 por encargo del canónigo Paolo Almérico y posteriormente la cedió a la familia Capra, que en 1569 la completó con la cúpula. Su emplazamiento nos lo describe el mismo artista " El sitio es de los más ameno y deleitoso que se puede encontrar "... Se levantaba sobre un basamento y en los sótanos estaban las cocinas y la administración; encima la casa cuadrada, a la que se accedía por 4 escaleras orientadas a los 4 puntos cardinales; en los ángulos estaban los dormitorios y en le centro una gran sala circular cubierta con una cúpula, que recibe la luz a través de un óculo. Las 4 escalinatas y los pórticos están inspirados en los templos romanos, pero lo verdaderamente admirable es su capacidad para fundir las estructuras arquitectónicas con el paisaje.



Este tipo de construcciones marcó pautas en la arquitectura inglesa del siglo XVII y más tarde en la neoclásica y a través de Inglaterra pasó a América. En cuanto al momento histórico tenemos que decir que la muerte de Lorenzo “El Magnífico” en 1492 marca el fin de Florencia como capital italiana del arte. Será Roma la que la suceda, bajo los pontificados gloriosos de JULIO II y LEÓN X, una auténtica edad de oro de las artes. Pero en 1527 se producirá una auténtica crisis, el saqueo de Roma, el creciente dominio español en Italia y los avances de la Reforma protestante sembrarán de dudas a los artistas. Por si fuera poco, caerán en la exagerada imitación de los grandes maestros, la copia de la maniera personal de estos artistas es lo que llamaremos MANIERISMO, con el se romperán las reglas del arte clásico. Continuando con nuestro artista, como Bramante, Palladio siempre cultivó una interpretación propia de los motivos romanos, derivada del estudio directo de la arquitectura antigua. Combinó libremente mucho de los elementos del lenguaje clásico, de acuerdo con las exigencias del emplazamiento o de las necesidades funcionales del edificio y en este sentido se le puede considerar como un arquitecto manierista. Sin embargo, al mismo tiempo compartió la búsqueda renacentista de las proporciones armónicas, sus fachadas se caracterizan por una excepcional elegancia basada en la sencillez y la serenidad compositivas. Sus edificios a menudo incorporan soluciones ingeniosas, en ocasiones para facilitar la entrada de luz, o para hacer más cómodo los tránsitos entre distintas estancias. Por ejemplo "ventana o motivo serliano" (“tramo rítmico palladiano”). Sus obras fundamentales fueron: El Palacio de la Razón; las villas, bien las de ocio como la que estamos estudiando, o granjas, como la Villa Barbaro; entre las construcciones religiosas destacan San Francesco della Vigna, Il Redentore y San Giorgio Maggiore.


LA CATEDRAL DE ROUEN DE MONET

Análisis: Estamos ante la representación pictórica de la fachada de un edificio, una

catedral. La técnica es un óleo sobre lienzo, las pinceladas son cortas y sueltas, aparecen tanto yuxtapuestas como superpuestas, en cuanto al acabado, es difícil de precisar, pero podría ser de un empaste grueso. La línea concebida como dibujo tradicional no existe, se dibuja con las pinceladas, que son claramente descriptivas, que van definiendo las formas. El volumen no es un preocupación esencial, en cambio la luz es un elemento básico, se intenta captar la luz natural a la hora centrales del día, procede de la derecha y es viva y cálida, haciendo vibrar todos los colores, produciendo sombras, no con la técnica academicista del claroscuro, sino mediante colores, son las llamadas sombras coloreadas, con la teoría de los complementarios, el violeta complementa al amarillo.

El colorido es alegre y vibrante, gracias a la luz, destacando el cálido amarillo, los violetas, blanco..., y es de destacar la ausencia del negro.



El estudio del espacio no es importante, estamos ante una fachada sin apenas profundidad, es decir en unos primeros planos, sin embargo el encuadre es original, es una instantánea, fracciona el edificio.

Las formas de expresión son figurativas y naturalistas, aun que se deforman en aras del estudio de luz.

Clasificación y comentario: Estamos ante una obra de finales del siglo XIX, de estilo Impresionista,

realizado por el padre del mismo, C. Monet y es uno de los ejemplos de su serie sobre la Catedral de Ruan, bañada por el sol de la mañana, con la que pretende poner de relieve la transformación que sufren los objetos bajo distintas condiciones lumínicas. Según su expresión, todo se transforma, hasta la piedra... En realidad forma parte de una serie, pues pintó este edificio a distintas horas del día, utilizando en cada momento un color predominante: desde el azulado de la mañana hasta el dorado del atardecer. Demostraba así que el tema no tenía un color sino que éste era cambiante. Se trata de una serie muy elaborada, las formas arquitectónicas, los detalles primorosos del gótico se disuelven con la luz. La masa de piedra parece perder su gravidez, aunque aún reconocemos similitud entre la forma visible en la pintura y lo que le ojo encuentra en el modelo real. El término impresionista fue utilizado el 25 de Abril de 1984 por el semanario Le Charivari por el crítico Louis Leroy, al comentar un paisaje de Monet, titulado Impresión, soleil levant, con un matiz despectivo. Englobaba a 165 obras de 30 artistas rechazados en los certámenes oficiales, que habían inaugurado una exposición en las estudio del fotógrafo Nadar, con estrepitoso fracaso. Los rasgos fundamentales de la pintura impresionista son las siguientes: Es una pintura generalmente al óleo sobre lienzo. La pincelada es muy característica, suelta, corta, en forma de coma y rápida, pues se pretende captar un momento concreto que al instante siguiente ya será distinto, de ahí la necesidad de una cierta rapidez a la hora de pintar. La línea es un valor en claro retroceso, en lo que podríamos denominar impresionistas puros realmente desaparece, son la pincelada y el color los valores dominantes. El modelado planteado al modo tradicional no existe, no se estudian las gradaciones de color o luz en función de modelar o dar volumen a las figuras. La luz es elemento esencial, los impresionistas pretendían captar la luz del natural, alguna vez la artificial, lo que les obligó a pintar al aire libre y a emplear una factura rápida capaz de captar algo tan cambiante. Observaron que la luz es la responsable de los efectos cromáticos, de modo que la más mínima alteración lumínica producía cambio en los colores. Los cuadros van a ser bastante luminosos y claros. Los puntos principales de su teoría del color se centran en la existencia de colores primarios (amarillo, rojo y azul), que, al superponerse, dan los colores complementarios (rojo más amarillo da naranja, rojo más azul, violeta y amarillo más azul, verde). Volviendo a Monet, nuestro autor es el más puro de los impresionistas, su iniciación en el mundo artístico llegó de mano de la caricatura. Su contacto con Manet le llevó a dedicarse a la pintura á plein aír. Se instalará en Argenteuil, y es a partir de este momento cuando comienza a pintar paisajes fluviales. En 1890 se compra una pequeña casa con jardín en Giverny en la que se establecerá de modo definitivo, en ella había un pequeño estanque con ninfeas y un puente japonés que pintó hasta la saciedad en sus últimos años.



Podemos señalar como obras fundamentales las siguientes: LAS MUJERES EN EL JARDÍN, hace un análisis de la luz que traspasa la sombrilla y las hojas de los árboles para reflejarse en el suelo. IMPRESIÓN: SOL NACIENTE, si bien no es el más significativo de lo que luego va a representar el impresionismo, tiene el interés de haber proporcionado con su título el nombre a este movimiento. En la serie de doce telas dedicadas a la estación parisina de SAN LAZARO, su objetivo era articular los cambios de luz y las fases del día sobre un mismo ambiente. Otra serie es la dedicada a la catedral de ROUEN, con la que pretende poner de relieve la transformación que sufren los objetos bajo distintas condiciones lumínicas. Pintó este edificio a distintas horas del día, utilizando en cada momento un color predominante: desde el azulado por la mañana hasta el dorado del atardecer, demostraba así que el tema no tenía un color sino que éste era cambiante. Se trata de una serie muy elaborada, las formas arquitectónicas, los detalles primorosos del gótico se disuelven con la luz, la masa de piedra parece perder su gravidez, aunque aún reconocemos similitud entre la forma visible en la pintura y lo que le ojo encuentra en el modelo real. LAS NINFEAS (Jardín del Agua) es su última serie, en ellas, el modelo no es más que un pretexto, las formas pierden su contorno para convertirse en masas de color que diluyen la luz y los reflejos de agua.

3.- LA GRAN IMAGINERIA BARROCA: LA ESCUELA ANDALUZA

El barroco es una etapa de conflictos en Europa y en nuestro país la situación era crítica, nos encontraremos con la presencia de los últimos Austria, los llamados Austria menores (Felipe III, Felipe IV y Carlos II), que se alejaran de las arduas tareas del gobierno y las dejarán en manos de sus validos, como el Duque de Lerma, Olivares... También, viviremos una situación de crisis política y económica: epidemias de peste, crisis agrarias y agotamiento demográfico. Al final de siglo con la Guerra de Sucesión, entraran los Borbones en nuestro país, que traerán consigo una nueva dinastía y una serie de cambios. En cuanto a las características fundamentales de la escultura española podemos indicar las siguientes:

a) Es muy original pues vivimos al margen del mundo exterior, obviando modelos y técnicas extranjeras.

b) El material preferido fue la madera policromada: nogal, tejo, cedro… c) Sus principales realizaciones serán:

- Retablos: Divididos en pisos y en calles. - Pasos procesionales: Que sacan las cofradías de penitentes a la calle

buscando el encuentro con los fieles. d) Su finalidad será didáctica: Se convertirán en instrumento pedagógicos de la

liturgia cristiana, con un lenguaje claro, sencillo y realista para una población analfabeta.

e) Aparecieron variantes regionales, condicionadas por la forma de ser de sus habitantes y por el rigor del clima:

- ESCUELA CASTELLANA: Refleja la austeridad y la dureza de la meseta. Realizaron crucificados patéticos y llagados, cargados de dramatismo y Vírgenes llenas de dolor.



- LAS ESCUELAS ANDALUZAS y MURCIANAS: Donde el clima es más benigno, nos encontraremos con Cristos apolíneos y Vírgenes adolescentes, con abundantes imágenes de vestir. Dentro de Andalucía, en Sevilla primará el clasicismo y la belleza y en Granada el gusto por lo pequeño y preciosista.

A continuación nos vamos a centrar en la ESCUELA ANDALUZA, primero veremos los imagineros sevillanos y posteriormente los granadinos. Sevilla: JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS Es el imaginero español que gozó de mayor fama, los sevillanos le llamaban “el dios de la madera” y los madrileños “el Lisipo andaluz”. Fue un artista precoz, iniciará su formación en Granada en el taller de PABLO ROJAS y muy joven lo veremos trabajando en Sevilla, donde permanecerá hasta el final de sus días. Su estilo es clásico e idealizado, propio del manierismo, y construyó retablos e imágenes para España y las Indias. Sus obras las podemos estudiar desde dos puntos de vista: LOS RETABLOS Con estructuras claras, donde predomina el orden corintio y están decorados con ángeles y formas vegetales. Desarrolló tres tipos: retablos mayores de composición rectangular, como el de SAN ISIDORO DEL CAMPO (SANTIPONCE, SEVILLA). Arcos de triunfo, como el de SAN JUAN BAUTISTA. Tabernáculos-hornacinas, entre los que destacan el de la CIEGUECITA. ESCULTURAS DEVOCIONALES Definió el modelo de Niño Jesús y de la Inmaculada e hizo importantes representaciones de la Pasión, Cristo crucificado…: NIÑO JESÚS DEL SAGRARIO: Representa a un niño de poca edad de pié reposando sobre un almohadón, una de sus piernas se separa levemente, rompiendo la frontalidad, lo mismo que sus brazos, también separados y extendidos hacia adelante como dirigiéndose a un posible interlocutor. La nota realista viene dada por el postizo de los ojos (vidrio). Quizás sea su éxito más clamoroso y su obra más repetida a nivel universal, a juzgar por el gran número de copias que se hicieron para España e Hispoamérica. LA CIEGUECITA: llamada así por tener la mirada hacia abajo, con los ojos entornados. Es una representación de la Inmaculada y la concibe como una Virgen niña, sus contemporáneos cuentan que el artista se sentía muy orgulloso de ella. CRISTO DE LA CLEMENCIA: Serenidad, clasicismo invita al diálogo. JESÚS DE LA PASIÓN: Será su única talla procesional. JUAN DE MESA



Su gran aportación fue introducir el naturalismo en los ambientes clásicos. Consultaba el natural y estudiaba los cadáveres, dando a los crucificados el signo de la muerte. La critica moderna lo identifica como “el imaginero del dolor”. Fue un artista relativamente barato y ello le favoreció para que se convirtiera en el autor preferido de las cofradías sevillanas. Realizó crucificados y nazarenos que la Contrarreforma los hizo suyos, no solo trabajó en España, sino también para Hispanoamérica. Su firma es una espina perforando la oreja y la ceja de Jesús. OBRAS: CRISTO DEL AMOR: es el más patético de sus representaciones. CRISTO DE LA BUENA MUERTE. CRISTO DE LA AGONÍA: Vemos un Cristo entre la vida y la muerte, entre la tierra y el cielo. JESÚS DEL GRAN PODER: Nos representa a un corpulento nazareno con la cruz al hombro y concebido como imagen de vestir. NUESTRA SEÑORA DE LAS ANGUSTIAS: En ella trabajó hasta momentos ante de su muerte.

Granada: ALONSO CANO Es el único que se aproximó al ideal polifacético del genio universal: fue arquitecto, escultor, pintor, dibujante, diseñador de mobiliario litúrgico… Su formación se llevará a cabo en primer lugar en Granada y posteriormente en Sevilla, donde aprenderá en el taller de FRANCISCO PACHECO, relacionándose con MARTÍNEZ MONTAÑÉS. Su obra se va a desarrollar en tres etapas, que coinciden con sus estancias en Sevilla, Madrid y Granada: Sevilla: RETABLO DE LA VIRGEN DE LA OLIVA EN LEBRIJA: La arquitectura se debía a su padre y él realizó para la hornacina central la imagen de la Virgen de la Oliva, que manifiesta el influjo del Renacimiento y de Montañés, pero la serenidad que emana de su rostro tiene ya su sello personal, presentando una silueta fusiforme tan característica de muchas de sus obras. Madrid: NIÑO JESÚS DE LA PASIÓN: Para la cofradía de San Fermín de los Navarros, con la exquisita delicadeza y suavidad formal propias de su estilo, nos representa a un nazarenito camino del Calvario, que contrae sus facciones por el dolor y el sufrimiento. Granada: INMACULADA: Nos encontramos con una representación de una niña, dulce y candorosa, de frágil apariencia, apoyada sobre un trono de nubes y ángeles a la manera pictórica, con un manto de forma fusiforme, que se recoge a la altura de los pies.



Realizada para el facistol del coro catedralicio, que al verla la consideraron tan preciosa que la trasladaron a la Sacristía para favorecer su contemplación, sustituyéndola por otra. Es una obra de poco tamaño, alrededor de unos 55 cm. y es una muestra de la delicadeza exquisita de este artista. LA VIRGEN DE BELÉN: Sustituyó a la anterior, en ella repitió un modelo pictórico, también de pequeño tamaño, se nos muestra envuelta en amplios ropajes de aires berninesco.

4.- ARQUITECTURA ROMÁNICA: LA IGLESIA DE PEREGRINACIÓN

El Románico es un estilo que nace y se desarrolla durante los siglos XI y primera mitad del XII, en plena Edad Media, coincidiendo con las Cruzadas, con el renacimiento de la orden monástica benedictina y con el flujo de las peregrinaciones. Por ello sus construcciones más importantes serán las iglesias de peregrinación y los monasterios.

LA IGLESIA DE PEREGRINACIÓN En la Edad Media se descubrieron un sin número de reliquias y la fe en ellas iba

a promover un gran fenómeno social, la peregrinación penitencial. Tres centros capitalizaron el interés: Los Santos Lugares de Jerusalén, Roma y el sepulcro del Apóstol Santiago en Galicia. Pero el peligro de los turcos en Tierra Santa hizo que las gentes prefirieran dirigirse a Occidente y Santiago se convirtió en el santuario internacional, apareciendo el llamado Camino de Santiago, jalonado de iglesias, por donde iban y venían los peregrinos.

Estas iglesias reciben el nombre de peregrinación, y tenían las siguientes características:

La mayoría estaban hechas en piedra, en forma de sillares y orientadas hacia la aurora, con una planta que evocaba el cuerpo de Cristo crucificado: el ábside sería la cabeza; el transepto, los brazos; el crucero, el corazón; y las naves, los pies del Salvador.

Constaban de tres a cinco naves, con transepto más o menos desarrollado, y con uno o tres ábsides semicirculares. Las naves laterales solían rodear al altar, formando la girola o deambulatorio, con capillas o absidiolos.

Se cubrían con bóvedas de cañón, reforzadas por arcos fajones, y bóvedas de aristas. Descansaban sobre pilares, muros y contrafuertes exteriores, la estabilidad proporcionada por estos contrafuertes les permitió dividir las naves laterales en dos pisos, abriendo una galería alta o tribuna, que ampliaba su aforo y permitía la iluminación solar poniendo ventanas en las paredes.

Las portadas y las torres son elementos destacados en los templos románicos. La fachada principal tenía un aspecto monumental, con un cuerpo central flanqueado por dos torres. Las portadas, abocinadas, estaban decoradas con esculturas, que tenían una función docente, con temas como el Pantocrátor, El Tetramorfos...

Centrándonos en el Camino de Santiago, diremos que una tradición proclamaba que Santiago el Mayor vino a predicar el Evangelio a España. La leyenda agregaba que un ermitaño, Pelayo, viendo luces sobre el sepulcro lo descubrió, y el obispo



Teodomiro y el rey Alfonso II el Casto fundaron en el “campus stellae” la ciudad de Compostela.

Animados por el pontífice un ejercito de peregrinos partía de cuatro localidades francesas (Tours, Vézelay, Le Puy y Arlés), cruzaban por los puertos de Roncesvalles y de Somport, llegaban a la localidad navarra de Puente la Reina, atravesaban Logroño, Burgos, León, hasta llegar a Galicia.

Cinco eran las iglesias de peregrinación: San Martín de Tours, San Marcial de Limoges, Santa Fe de Conques, San Saturnino de Tolosa y Santiago de Compostela. Las cuatro primeras eran francesas y presidían cada uno de los itinerarios, que podían elegirse para emprender el camino hacia el sepulcro del santo. La meta de la peregrinación y la fórmula más perfecta se encontraba en la catedral compostelana. Iniciada en 1075 bajo los auspicios del obispo Diego Peláez y la dirección arquitectónica de los maestros franceses BERNARDO EL VIEJO y ROBERTO. En 1088 las obras fueron interrumpidas, reanudándose en 1100 con el obispo Diego Gelmírez de la mano del maestro ESTABAN. Entre los años 1168 y 1188 el maestro MATEO dotará a la fachada principal con el Pórtico de la Gloria, obra de transición al gótico, que presentará una mayor humanización de los personajes, más cercanos, que nos mostrarán una nueva concepción religiosa. En el tímpano del arco central, Cristo muestra sus llagas entre 4 ángeles, que llevan los instrumentos de la pasión, y una multitud de figuras que representan al pueblo cristiano. En la arquivolta, los 24 ancianos del Apocalipsis dirigen su mirada al Salvador en actitud de alabanza. El parteluz nos muestra la imagen del apóstol Santiago sobre una columna, en la que crece el árbol de Jessé (la genealogía humana de Cristo). Finalmente, las columnas, situadas a ambos lados, representan a la izquierda los profetas Jeremías, Daniel, Isaías y Moisés y a la derecha los apóstoles Pedro, Pablo, Santiago y Juan.

Esta Iglesia tiene planta de cruz latina, girola con capillas radiales y tres naves que se continúan en el crucero. El peregrino podía hacer un itinerario desde la entrada, por una de las naves laterales contonear la girola, adorar el sepulcro del santo titular y salir por la otra nave lateral, sin interrumpir las posibles celebraciones que se estuvieran haciendo en la parte central.

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