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Instituto Universitario Tecnológico
“Antonio José de Sucre”Extensión Barquisimeto
Escuela: Diseño GráficoAlumna: Josely GutiérrezSección: “A”Tutora: Deyanira Mujica
El Impresionismo
El Impresionismo ha sido el moviendo artístico más importante que ha surgido desde el Renacimiento porque a través de él se comenzó el proceso de revolución pictórica contemporánea, que dio paso a la trasformación radical de las vanguardias del siglo XX.
Se produce inmediatamente después del Realismo, en un espacio cronológico que iría aproximadamente entre los años 60 y 90 del siglo XIX y en un espacio geográfico que es Francia y, más concretamente, la ciudad de París.
El uso de paisaje ofrece un campo donde todos los intereses de los impresionistas se ven concentrados: El aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices coloristas irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación de la nieve, el agua y el hielo. Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de pintura.
Se dice que los últimos cuadros de Monet no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo, algo que es muy significativo es el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo; existe también una ausencia de perspectiva. Los impresionistas quitan el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura plana y dimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina.
Podríamos decir que los impresionistas se centran en el intento de reproducir fielmente las apariencias con el fin de estudiar los distintos matices de la atmósfera que envolvía los motivos, era típico de los impresionistas el realizar distintas versiones de un mismo motivo en distintos momentos del día, y bajo distintas condiciones de iluminación y atmosféricas. Tomando en cuenta que lo fundamental es lo que el artista percibe y cómo se siente frente a lo que percibe.
Artistas:
Édouard Manet (París, 1832 - id., 1883)
Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un estudiante interesado únicamente en el dibujo. la historia ha concedido el apelativo de padre del impresionismo.
Obra: Almuerzo sobre la hierba, de Mane
.
Claude Monet
Oscar-Claude Monet fue uno de los fundadores de la pintura impresionista. El término Impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente creada en 1872. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista
Obra: La catedral de Rouen
Las pinturas de la serie cada capturan la fachada de la catedral en diferentes momentos del día y del año, y reflejan los cambios en su apariencia bajo diferentes condiciones de iluminación.
La yuxtaposición de un desnudo femenino con caballeros completamente vestidos suscitó controversia cuando la obra se mostró por vez primera en el Salon des Refusés en 1863, después de ser rechazado por el Salón oficial. Fue el lienzo «más irritante y controvertido»
de esa exposición de obras rechazadas2 . Aparte de considerar vulgar el que una mujer estuviera desnuda junto a jóvenes vestidos, numerosos críticos rechazaron la modernidad del estilo, desde el punto de vista cromático y compositivo
El impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El crítico de arte y pintor Robert Fry fue el primero en el utilizar el término "postimpresionismo" cuando en 1910 organizó una exposición en las Grafton Galleries de Londres titulada Manet and the Post-Impressionists, en la que los protagonistas más destacados fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh, por entonces ya todos ellos fallecidos.
El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.
Características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa:
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).- Empleo de colores contrastantes para distender y definir los planos y formas.- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).
Los pintores post ImpresionistasPaul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.
Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria.
Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra
Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.
Noche estrellada.
Fue pintada durante la estancia de Van Gogh en el sanatorio de Saint-Remy y corresponde a la vista desde la ventana de su habitación. Fue pintada durante el día, de memoria.
Mujeres tahitianas (1891)
Gauguin transmite el mensaje simbólico de la inocencia mediante la florecilla del suelo, y las que llevan las mujeres en el pelo. El uso de flores para simbolizar la inocencia será una constante en su obra.
Los jugadores de cartas (1892-93)
Un ejemplo de obra de transición entre la etapa constructiva y la sintética. Los personajes están construidos, en cuanto a masas y volúmenes, mediante el uso del color.
El Neoimpresionismo: Surge alrededor del año 1886, como una variante del impresionismo. También se le conoce con el nombre de divisionismo o puntillismo. Uno de sus máximos exponentes son: Georges Seurat, a quien se le atribuye la fundación de este movimiento (1859- 1891) y Paul Signoc (1863-1835). Una de las grandes características de este movimiento es el uso del puntillismo que busca abrir nuevas vías de investigación pictórica y trata de recuperar de cierta manera el carácter científico de dicha investigación de los colores, mediante los diversos estudios sobre los colores, así como de sus combinaciones, para poder ser ejecutados por medio de pinceladas muy minuciosas que van a evitar la mezcla heterogénea que hacían los impresionistas. Se puede decir de una manera más clara, que la técnica puntillista, se trata de pintar a base de pequeños puntos de colore puros, que se mezclan en la mente del observador, formando todos los colores.
El neoimpresionismo aumenta la preocupación por el volumen, la estructura, la composición de las obras. Son obras muy rígidas, pues buscan más la estabilidad y la composición. Pinturas más construidas que las impresionistas, con un laborioso trabajo de composición, huyen de la espontaneidad.
La pintura neo impresionista es totalmente científica. Cada uno de los puntos que componen el cuadro está perfectamente estudiado. Es decir que es una técnica deliberada y constate. Cuyo interés por la luz y el color persiste. La obra se comienza al aire libre y se termina en el taller (influencia plain air).La influencia japonesa también sirvió de inspiración a los artistas, renovó el arte occidental y aportó elementos de modernidad. Los recursos estilísticos típicos del japonismo son el predominio del dibujo lineal, el uso de colores planos, sin sombras, los formatos alargados, el encuadre cortado, la diagonal, el silueteado, contornos definidos y el gusto por una decoración ordenada. Todas estas características proceden de los grabados ukiyos de la estampa japonesa.
Artistas:
Georges Pierre Seurat(1859-1891): Fue el precursor del puntillismo. Poseía un carácter muy metódico. Estudió a diversos pintores anteriores a él, como a Delacroix y a Veronés, así como también le apasionaron de gran manera los escritos de Leonardo Davinci. Siempre le interesó de gran manera el color, lo que
"Moulin Rouge": La Goulue, 1891, litografía a colores (cartel), 191 x 117 cm.
Su primer cartel fue para el cabaret Moulin Rouge y lo realiza en 1891. El mundo de los cabarets, conciertos y espectáculos son el punto de partida
de sus litografías y pinturas.
lo llevó a estudiar los tratados de luz y color. Se basó en la obra de Charles Blanc: La gramática de las artes del dibujo, para deducir así que "el color sometido a leyes fijas podía enseñarse al igual que la música". Estudió el tema de la complementariedad de los colores.
Sus obras más importantes son:
Paul Signac (1863-1935): Es considerado como un divulgador y propagandista del puntillismo.
Descubrió a los artistas impresionistas cuando tenía 15 años, como punto de partida tuvo a Monet a pesar de que luego se separó de él, para acercarse posteriormente a Seurat. Era mucho más extrovertido que Seurat, el cual tenía miedo de que sus descubrimientos pudieran ser aprovechados y ser copiados.Siempre le obsesionó la idea de llegar a un arte objetivo. En 1899 escribe "De Delacroix al Neoimpresionismo", la cual va a ser una obra donde se fundamenta el puntillismo. Fue un gran colorista tomado siempre en cuenta por la vanguardia posterior. Tuvo gran influencia en el Fauvismo, sobre todo en Matisse. Su pincelada puntillista también influyó en el futurismo.
El circo. (1890-91).
Esta obra la pintó Seurat en la última etapa de su vida, y según parece no llegó a concluirla. Fénéon sugiere que esto se puede apreciar en que hay amplias zonas del lienzo en las que los contornos apenas se han esbozado con pequeñas pinceladas de azul.
Esta obra es llamativo el uso que hace Seurat de las líneas curvas, con un claro predominio de las horizontales (a excepción de la gran puerta que aparece arriba a la derecha). Está claro que ha compuesto su En el circo siguiendo un estudiado plan en el que los tonos claros y colores cálidos que predominan no tienen una función accidental: buscan transmitir el júbilo, la alegría del espectáculo circense.Esta obra se expuso (aún estando inconclusa) en el séptimo Salón de los Independintes, en 1891
Una tarde de domingo en la grande jatte. (1884-86).
Se ha querido ver en esta obra una crítica velada a la hipocresía de la
Francia de fines del s.XIX. Así, las mujeres que pescan con cañas en la
orilla del río serían en realidad prostitutas que así disimulan su
verdadera actividad. Los militares que se acercan un poco más lejos
podrían ser sus verdaderas presas. Por otra parte, la mujer
acompañada por un hombre en el primer plano sería otra
prostituta que consigue un aire de respetabilidad del brazo de
un elegante caballero. Va paseando un mono capuchino (de
moda entre la burguesía), que según algunos críticos representa
el libertinaje.
Diferencias entre impresionismo, neoimpresionismo y post impresionismo.
Impresionismo Neoimpresionismo Post impresionismo
Una vista de Marsella (1905)
La vista del puerto de Marsella fue un tema que pintó en varias ocasiones. La tela que tenemos delante es un estupendo ejemplo de la típica pincelada casi rectangular de Signac. Cada pincelada venía a ser como una tesela de un mosaico pictórico.
El comedor (Desayuno)
La pintura que aquí presentamos se titula El comedor (Desayuno), y es una obra de juventud; está fechada en 1886-87.
El rasgo técnico más destacado y
característico del Impresionismo
sea la pincelada breve y gruesa,
ejecutada de forma rápida sobre
el lienzo.
Combinaban el uso de pinceladas
largas y empastadas con
pinceladas cortas y menos
empastadas, más adecuadas
para crear la sensación de
profundidad.
La mezcla de colores es de tipo
óptico, por tener lugar en la retina
del espectador. De este modo,
renuncian a la modulación tonal
tradicional.
En el paisaje es donde los
pintores impresionistas tienen
más posibilidad de investigar
nuevos efectos ópticos para
captar sobre el lienzo la luz que
impregna y dota de carácter a la
atmósfera de cada momento.
• Tratan de recuperar el
dibujo y el trazo, cosa que no se
hacía en el impresionismo.
• Los colores eran usados en
las imágenes sobre superficies
planas, con poca matiz pero nunca
perdiendo la intensidad en la lejanía.
• Mediante el dibujo se
transmiten las calidades de las
materias, de la forma y del volumen.
• Tratan de captar de gran
manera el gesto mediante la idea de
la instantánea.
• El espacio tiene una nueva
organización, usando la diagonal y la
línea del horizonte se coloca más
alta, para tratar así que las figuras se
vayan escalonando.
• En una misma composición
se usan diversos puntos de vista, lo
que hace que las composiciones
sean asimétricas y desdentradas.
• Se prefieren los formatos
alargados.
• Se observa gran afinidad
por los detalles, por las situaciones
insólitas, así como por las siluetas.
Diferente al impresionismo y el
neoimpresionismo se preocupa
por captar no sólo la luz sino
también la expresividad de las
cosas y de las personas
iluminadas.
Interés por la construcción de
la forma, el dibujo y la
expresividad de los objetos y
figuras humanas.
Las obras son bajo la
experiencia del autor,
momentos vividos que hayan
llamado su atención.
Interés por lo exótico y los
bajos fondos.
Utilización de colores puros
con gran carga emotiva y
modulados.
CONCLUSIONES
En su momento fue el primer movimiento que rompe con algunas cuestiones visuales, salen a pintar al aire libre, la composición es abierta y siempre las pinceladas son de toques, disuelve la forma y lo que importa es la incidencia de la luz sobre el objeto, y se tiene en cuenta la fugacidad de la luz, por eso pintaban el mismo paisaje en diferente horario del día. El color es el "modulado" que es el movimiento del tinte o de los complementarios (el modelado es el movimiento
al blanco). El paisaje se aplana y adquiere, lo que llamamos, la perspectiva cromática y atmosférica.
La yuxtaposición de pinceladas de colores del puntillismo, la crítica actual la separa del impresionismo, por qué, el impresionismo es pura sensorialidad en cambio el divisionismo o puntillismo hay en ello una actitud racional con las pinceladas de distintos colores yuxtapuestos crear a las distancia el efecto de color, la mezcla óptica. Además VanGoh, no era impresionista y es un antecedente del "expresionismo" que usa el color a su manera subjetiva, y no el color local (este es el color como es en el objeto, lo parecido), el color de VanGoh vibra, es estridente en función de la pura emoción; cosa que no busca ni el impresionismo y menos el puntillismo
BIBLIOGRAFÍA
www.estudi-arte.bloqspot.com
www.fcalzado.net
www.slideshare.net
www.tom-historiadelarte.blogspot.com
www.enciclopedia.us.es
