Septiembre N

º 10

BACK TO THE SHOW:

STONE TEMPLE PILOTS

STOMB

CINE Y TV:

SPINAL TAP

LABERINTO

SESSION FOR ROBERT J

MELOMANO’S HEART:

PJ HARVEY

CD’S RECOMENDADOS:

La Renga, Les Savy Fav, Babasónic-

os, Cream, Led Zeppelin, Nirvana,

Whitesnake

LADO B

STAFF

INDICE

Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi

Redacción: Victoria ClementiMarina MiguelMelina GalliLila MartínezAriel BritosGuido CambareriTavo LedesmaRocío MarrucoEugenia CeballosRodrigo Pizarro

Fotografía:Lila MartínezLaura Torres Rodrigo Pizarro

Pág. 6. Back to the Show

Pág. 8. Eternos y demoledores/ Stone Temple Pilots en Cba

Pág. 14. Sonidos Urbanos / Stomb

Pág. 26. Viaje al centro de la fantasía / Laberinto

Pág. 30. Session for Robert J / Eric Clapton

Pág. 22. Esto es rock / This is Spinal Tap

Pág. 32. Melomano’s Heart

La Renga, Les Savy Fav, Babasónicos, Cream, Led Zeppelin, Nirvana, Whitesnake

Pág. 26. Birras, Pizzas y TV

INDICE

Pág. 34. Largo gemido de serpiente / PJ Harvey

Pág. 40. Discos Recomendados

Back to the Show

Back to the Show

STONES TEMPLE PILOTS

ETERNOS Y DEMOLEDORES

Nota y Fotos: Ariel Britos

Stone Temple Pilots siempre fue una banda poco valorada, en sus comienzos se la asoció con el grunge cuando no tenía nada que ver con ese movimiento. Sus influencias eran claramente otras como el Glam de los 70s y el rock duro. Se los acusó de copiar a las bandas que estaban teniendo éxito en aquellos tempranos 90s, sin embargo se la arreglaron para hacerse su propio camino a base de composiciones interesantes, sonidos

Qué Lindo es el rock, nos sorprende en cada minuto de esta vida, qué hariamos si no viviéramos sin ese factor sorpresa que te da el rock,

pocos podríamos habernos imaginado que cuando los STP estrenaban el video de “Between the lines” en junio podíamos llegar a disfrutarlos

antes de fin de año en nuestra ciudad…y se dio

y atmósferas innovadoras, con ser la banda ”diferente” de aquellos años les valió toda una nueva legión de fans que no querían escuchar más de lo mismo.

Los 90s terminaron para STP con 4 discos que a pesar de los vaivenes en su sonido, siempre fueron sólidos y parejos. Los dos primeros fueron excelentes y después bajaron un poco, pero aún asi siguieron siendo

una maquina de hits, ya en Tiny Music de 1996, empezaron a hacerse visibles los problemas de Weiland al cancelar la gira por sus adicciones y en num 4 de 1999 se repitió al tener q cumplir con prisión y posterior rehabilitación por esta causa. El nuevo milenio los encontró con nuevo disco a cuestas Shangri la dee da,que parecia el ultimo intento por mantener viva a la banda.La disolución que parecía definitiva llego en 2003 cuando les dijeron “Thank you” a aquellos fans que les hicieron el aguante tantos años, cada integrante se dedico a proyectos personales y Weiland fue el elegido para liderar aquella superbanda

integrada por ex Guns ala que se llamo Velvet Revolver. A la luz de los acontecimientos STP parecía haber acabado junto con los 90s

Pero no fue asi, Weiland fue despedido elegantemente de Velvet en 2008 y las condiciones se volvieron a dar para iniciar esta versión moderna con flamante disco a la altura de sus antecesores y gira incluida que después de rumores de cancelación, finalmente en noviembre se confirmó que para Córdoba, el 5 de diciembre sería el día elegido.

Ese domingo amaneció caluroso, húmedo y con amenaza constante de que el cielo podía jugarnos una mala pasada en cualquier momento, pero lentamente a medida que se acercaba la hora señalada las nubes fueron dejando paso a un radiante sol.

Con una actuación previa en en el Luna Park, los Pilots llegaron a Córdoba en silencio, excepto para los pocos que teníamos nuestra entrada desde el mismo día que nos enteramos que iban a pisar suelo cordobés. Para el resto, era más importante el show simultáneo de Montaner en el Chateau, inclusive para los medios. Y si, garpa mas una resaca tinelliana que un show de calidad casi inédito para Córdoba, pero ese es otro tema que otro día nos encargaremos de analizar.

Como banda soporte, salió a escena alrededor de las 20:30 Ojos de piedra, una banda cordobesa de 12 años de trayectoria que hizo entretener a los pocos que iban entrando con anticipación al recinto. A medida que pasaban los minutos, la sensación de caos que reinaba era evidente: muchas sillas vacías y la gente q tenía las ubicaciones más lejanas corría

hacia las primeras filas a ver si podía conseguir un lugar más cercano. Hasta por unos pocos pesos para los acomodadores, te hacían pasar al campo que poco a poco se fue llenando hasta completar lo que fue casi el 80% del total de asistentes, el 20 restante estaba en los primeros lugares del sector rojo, el único habilitado y cuyos alrededores olían a marihuana. Extraño si se tiene en cuenta que la requisa era tan minuciosa que te sacaban hasta los encendedores.

La puesta en escena fue humilde, pero sobria. Contaba dos pantallas medianas (no gigantes) a cada costado del escenario y un telón rojo con el arte de tapa del último disco. Finalmente el telón se corrió, quedó como fondo y salió Weiland con su clásico megáfono a corear las primeras estrofas de “Crackerman” uno de los himnos de Core, su disco

debut. Le siguieron otros dos clásicos: Wicked Garden y Vasoline. “This is for Nº 4” Se refirió Scott a la multitud antes de “Heaven & hot rods”,uno de los temas del último disco que grabaron en los 90s. Le siguieron dos temas de su placa más reciente, su 1er corte, el excelente “Between the lines” camino a convertirse en otro de los himnos históricos de la banda y “Hickory dickotomy”. Llegó el promedio del show y el espacio para las baladas: el clásico “Still Remains” que hizo lagrimear a la mayoría y otro de los temas tranquis de su último disco “Cinnamon”. Después del gran “Big Empty” uno de los temas más coreados, llegó el turno de las reminiscencias zepellinescas de los pilots con “Dancing Days”. El momento de mayor emoción se vivió con la seguidilla de “Silvergun superman”, “Plush” e “Interstate Love Song”, las canciones con la que todos los presentes derramamos

varias lágrimas al escuchar esos sonidos y melodías con las que crecimos. Todo se descontroló y el pogo reemplazó las lágrimas con “Huckleberry Crumble”,”Down” y “Sex Type Thing”, donde Scott tomó nuevamente su megáfono y nos hizo saltar y gritar esas estrofas hasta dejarnos afónicos. Finalmente un break de unos pocos minutos y luego el final memorable con “Dead & bloated” y Trippin a hole in a paper heart. La recorrida terminó por una revisión de todos sus discos, menos “Shangri la dee da ”(2001) ,el último antes de la separación. Entre los músicos una perfomance increíble la química entre todos es notable, un violero maduro como Dean de Leo nos hacía babear con cada solo, cada nota del bajo de Robert de Leo con su particular sombrero, Scott y sus frenéticos movimientos, más su locura demencial que lo caracteriza como uno de los frontmans más

desquiciados del rock contemporáneo y cada acorde de la batería de Eric Kretz formaron una aplanadora de rock duro, con un público eufórico conciente de que no se estaba ante un recital común, todos los presentes nos quedamos con ganas de más.Así se cerraba uno de los espectáculos más increíbles que hayan pasado por esta ciudad, los Pilots demostraron que son una banda sin tiempo, que sobrevivieron a las críticas despiadadas, a las adicciones, a las etiquetaciones y lugares comunes de los años 90 y que están enteros como nunca.

La llama STP en Córdoba no se va apagar por mucho tiempo, los ecos del recital se perpetuarán por siempre en los oídos de esas 3500 privilegiadas almas rockeras ansiosas de gozar otro espectáculo similar, esperemos que regresen pronto. v

A TODO RITMO

SONIDOS URBANOS

Nota: Melina Galli

Llegan pisando fuerte. Llegan derrochando música y ritmo. Llegan los Stomp.

Su nombre proviene de un tipo de tema musical, muy popular allá por los tiempos del Swing y del Jazz tradicional. Se basa principalmente en acentuar los compases musicales con un golpe fuerte del pie en el piso.

La compañía internacional de música, danza, coreografía y baile, se presentó en Córdoba por primera vez, los días 26, 27 y 28 de noviembre en el Orfeo Superdomo, con mucho éxito en sus tres funciones.

Esta agrupación da sus primeros pasos haciendo shows callejeros en Brighton, Inglaterra, donde llamaron la atención por utilizar todo tipo de objetos, que al parecer no tienen ningún fin ni utilidad artística, para hacer música.

El espectáculo empieza con los miembros de la compañía barriendo el piso del escenario con escobillones, que pronto se convierten en instrumentos musicales, arrancándoles sonidos rítmicos hasta transformarlos en música.

Es un show reconocido a nivel mundial, uno de los más importantes

del género, que influencio a otras agrupaciones como Choque Urbano o De la Guarda. El espectáculo nos ofrece una propuesta vanguardista, una propuesta original que se abrió paso a golpe de palos, literalmente hablando.

El Orfeo de la ciudad de Córdoba les dio la bienvenida el viernes 26 de noviembre con una platea llena y entusiasta, que aplaudía y silbaba con emoción y asombro tras la aparición de cada uno de los artistas.

Una acústica maravillosa –como una de las características mas resaltables del Superdomo- brindó a todos los presentes la posibilidad de escuchar

hasta el más sutil de los sonidos, lo que era por demás imprescindible, ya que muchos de los números utilizaban elementos tales como arena para producir su música.

La iluminación fue excelente, y acompañaba sincronizada a la perfección con las apariciones de cada uno de los artistas, contribuyendo con el excelente nivel de producción a todo el acto.

Sus números son una exótica combinación de música y sonidos urbanos, con bailes y acrobacias aéreas, movimientos de diferentes danzas como el capoeira, todo eso sazonado con una pizca de humor y mucho de acting.

Esta compañía de teatro y música es creada en el año 1991, por Luke Cresswell y Steve Mc Nicholas, quienes tenían un ambicioso proyecto

en común: hacer música con objetos no tradicionales. Era un proyecto difícil de lograr, requería de mucha práctica, porque quien los haya visto en vivo, invariablemente se sorprende de la prolijidad y la sincronización de todos sus pasos y movimientos, algo que se vuelve una condición sine qua non para poder llevar adelante dicho espectáculo.

El escenario se llena de saltos, de giros y de sonidos, queda plagado de objetos cotidianos de desecho, que remiten a una imagen urbana, que hablan de la estética de la ciudad, del consumo, de lo kitsch, del objeto recuperado y puesto al servicio del arte.

Todo es susceptible de convertirse en un instrumento Stomp, como ellos mismo lo llaman. Todo puede servir para lograr esa metamorfosis de ruido a música que esta agrupación busca

lograr.

La presentación que dieron en Córdoba fue una clara muestra de ello. 8 artistas salieron al escenario y a los 5 minutos ya tenían cautivado al público, que no paraba de asombrarse ni de aplaudir.Una característica del espectáculo es la alta participación e interacción que buscan establecer con los espectadores, haciéndolos por ejemplo seguir el ritmo que marcaban con sus palmas, hasta que era a tal

velocidad y tal cantidad de golpe de mano que ya se tornaba casi imposible seguir el ritmo para muchos de los presentes, lo que arrancaba risas y silbidos y vuelta a comenzar.

En la actualidad hay 4 compañías Stomp, todos los miembros son seleccionados por los creadores. En una entrevista al diario La Nación, Donisha Brown, miembro del elenco aseguró que a la hora de elegir a los miembros de la compañía “Se busca que los artistas tengan ritmo y, a su vez, la habilidad de acoplarse rítmicamente, capacidad de movimiento y fuerza. Pero lo que es imprescindible es la personalidad, poseer una forma de ser auténtica y, por ende, única”

Cualquier objeto es susceptible de convertirse en instrumento, desde un fósforo hasta una olla, ellos lo hacen sonar, lo golpean, lo aplastan lo hacen repiquetear, lo exprimen hasta volverlo musical. Todo ello acompañado de un espectáculo teatral fresco y divertido, en el que se pueden apreciar hasta batallas con palos al estilo de Kill Bill.

Un show innovador y diferente, que incursiona por senderos poco recorridos pero muy prometedores, un espectáculo altamente recomendado, que te hace emocionar, te entretiene y te sacude al ritmo de cada nuevo y sorprendente sonido. Y es que una vez que viste los Stomp, ya nunca volverás a aplaudir de la misma maner. v

Pizzas, birras y TV

Pizzas, birras y TV

SPINAL TAP

Nota: Victoria Clementi

ESTO ES ROCK: “THIS IS SPINAL TAP

“Hola. Me llamo Marty DiBergi. Soy cineasta. Hago muchos anuncios.[...] En 1966, fui a Greenwich Village, en Nueva York a un club nocturno de rock llamado el Plátano Eléctrico. No se molesten en buscarlo. Ya no existe. Pero esa noche escuché a un grupo que, para mí, cambió la definición de “Rock’n’Roll”. Recuerdo el impacto que me causó su exuberancia su energía pura y su puntualidad. Era el ahora legendario grupo británico Spinal Tap. [...] Por ello, a finales del otoño de 1982 al enterarme de que Tap iba a presentar su nuevo album [...] aproveché la ocasión de hacer el documental, o digamos el “rockumental” que van a ver ahora. Quise registrar la imagen, el sonido, el olor de un grupo de rock muy trabajador en gira. Y lo logré. Pero obtuve más. Mucho más. Pero basta de parloteo. ¿Qué me decís?”

Así empieza narrando Marty DiBergi, el entusiasmado creador del ficcional documental de Spinal Tap.

El film fue lanzado en el año 1984, con la dirección de Rob Reiner que también aparece como actor en la película, interpretando a Marty DiBergi, el supuesto director del documental.Los miembros de Spinal Tap son David San Hubbins, Derek Smalls y Nigel Tufnel, interpretados por Michael McKean, Harry Shearery y Christopher Guest, respectivamente.En el falso documental se cuenta toda la historia de la banda con sus mutaciones incluidas. La historia comienza en 1960 cuando David San Hubbins y Nigel Tufnel con el nombre “The Originals” y luego, “The New Originals”, para distinguirse de los grupos que existían con el mismo nombre. En esta época se los ve de la mano del famoso Flower Power, siguiendo el estilo psicodélico a rajatabla. Pasan unos cuantos años y el grupo comienza a mutar al rock progresivo, heavy

En los 80 hay un gran crecimiento de las bandas glams, que resaltaban por su exótica, vivaz y llamativa vestimenta y un hard rock sucio con letras sobre sexo, drogas y rock & roll por un lado y de amores apasionados o platónicos con baladas pegadizas y solos melódicos. En este contexto aparece “This is Spin�al Tap”, que parodia esta época de una forma graciosa y llamativa.

La película transporta a la escena hard rockera de la ochentosa era del Glam rock y se narra en forma de un documental sobre una banda ficticia llamada Spin�al Tap, aunque también en la realidad el grupo funcionó grabando discos. La primer satirización se realiza en el nombre, ya que utiliza una diéresis en una “n”, algo totalmente ilógico y se refiere al tremendo uso que se le dio en esos tiempos, de cierta forma era algo que estaba de moda.

metal y hard rock, donde ingresa el bajista Derek Smalls y el tecladista Viv Savage, interpretado por David Kaff. Algo que resaltaba a la banda era la inestabilidad que resultaba de los bateristas, ya que todos se morían de causas extrañas, hasta de lo que se decía “combustión humana espontánea”.Luego en el documental básicamente se narra una gira de conciertos de la banda británica por Estados Unidos en 1982, para difundir su nuevo disco “Smell the Glove” o “Huele el guante”. El álbum ya comienza con mala racha cuando la portada es rechazada por la discográfica por ser sexista.Esto se puede relacionar con la portada del disco de Withesnake de 1979, “Lovehunter”, creada por Chris Achilleos, que muestra una mujer desnuda a caballo con una gran serpiente rodeándola. La tapa resultó controversial y llevó al artista

Achilleos a negarse a hacer portadas de discos durante muchos años.La película se va desarrollando en torno a todas las aventuras, desencuentros y peleas que la banda va desarrollando en esta gira, donde su disco se vuelve casi un fraude y todos los planes salen a medias.Muy buena película de culto para ver. También se recomienda conseguir el Soundtrack que viene con todos los temas que se exponen en el film más los bonus track. v

LABERINTO

VIAJE AL CENTRO DE LA FANTASÍA

Nota: Melina Galli

Hay películas que, con el correr de los años, se convierten en leyenda. La genial producción del afamado director Jim Henson, es una de ellas. Es una de esas películas que marcaron al cine, llena de magia, música y derrochando imaginación y encanto.Quien la haya visto se habrá sentido inmediatamente trasportado a un mundo fantástico, creado con maestría, donde cada personaje, cada títere y muñeco cobran vida propia, interactuando con los protagonistas, haciendo que sea imposible no enamorarse de cada uno de ellos. Me cuento entre esa inmensa mayoría que amó esta película desde el

comienzo hasta el final, y que la veía religiosamente al menos una vez por semana. La historia empieza cuando Sarah -interpretada por una joven Jennifer Conelly- pide como deseo al Rey de los Duendes –David Bowie- que se lleve a su hermanito lejos. Tras pronunciar las palabras mágicas, este desaparece y Sarah se ve ante el reto de atravesar un gigantesco laberinto para poder rescatarlo.La historia en sí no es ninguna novedad. Se trata básicamente de una heroína que debe luchar contra dantescos obstáculos para finalmente conseguir sus propósitos. Pero Henson y su equipo –entre los que se encuentra el talentoso George Lucas- lograron superar los clichés creando

personajes llenos de magia, de vida y de personalidad, sumado a los paisajes maravillosos, y por supuesto, todo esto acompañado por el brillante ritmo de las canciones de David Bowie. Sarah nunca pensó que su deseo se cumpliría. Pero de algún modo, el mundo de fantasías en el que se empeñaba en vivir, de pronto cobró vida, y ante ella se encuentra Jareth, el Rey del Laberinto, imponiéndole como condición para poder rescatar a su hermanito, que cruce el laberinto para llegar a su castillo antes de que se cumplan 13 horas desde el momento que los duendes hacen desaparecer al bebé, de lo contrario

se transformará en uno de ellos para siempre. La tarea no es nada fácil de cumplir. No sólo se trata de un laberinto de gigantescas proporciones, sino que además esta plagado de trampas y peligros. Durante su travesía, la magia y el encanto cobran vida junto a personajes extraños y bizarros; algunos amigos, que tratarán de ayudarla para poder llegar a su destino, y otros que tratarán de tenderle trampas, enviados por Jareth para detenerla. La protagonista transitará por muchos lugares fascinantes, y deberá sortear un sin fin de peligros. El Pantano del Hedor Eterno, duendes engañosos, máquinas limpiadoras, puertas parlantes y paredes que se mueven solas, son algunas de ellas.

La película es lanzada en el año 1986, y luego de casi treinta años de su estreno, sigue cautivando al público,

mostrando cómo producciones de este calibre resisten el paso del tiempo. El trasfondo lírico de la película, junto con su humor, sus viajes oníricos, su impecable ambientación y la excelente caracterización e interpretación de cada personaje, se combinan para hacer de esta producción un clásico del séptimo arte.Basada en el mito del Laberinto, nos habla también de forma alegórica del camino de descubrimiento que todos debemos recorrer a la largo de nuestra vida. Nuestra heroína comienza su recorrido como una persona egoísta y caprichosa, interesada únicamente en vivir en su mundo, para terminar descubriéndose como persona, recorriendo un camino hacia el interior de sus secretos, que finalmente le mostrará quién es realmente. Por su parte, el rey Jareth esta

enamorado de Sarah, y le ofrece hacer realidad el mundo de sus fantasías a cambio de su amor y lealtad. Ella finalmente logra llegar a Goblins, la ciudad de los duendes, y desde allí al castillo donde un David Bowie con cabello blanco y bola de cristal, la espera ansioso. Pero Sarah logra romper el hechizo y rescatar a su hermano, tras pronunciar las palabras “no tienes poder sobre mi”.De esta manera, el Rey de los Duendes, derrotado en su propio juego, emprende la retirada convertido en un ave nocturna, y se ve reducido a observar la felicidad de Sarah desde la ventana de su habitación. Si bien es una película pensada para niños, no se encuentra en ninguno de sus diálogos ni en sus imágenes, la condescendencia habitual que caracterizan a este

tipo de producciones. Todo lo contrario. Una película que invita a soñar, a sumergirse en un mundo lleno de magia, emoción y aventura, permitiendo además segundas lecturas y mensajes válidos. Un film que se erige como uno de los últimos bastiones del cine artesanal, donde no hay lugar para efectos demenciales onda Matrix, sino más bien nos habla de una forma de hacer un cine casi extinto, donde los éxitos no se median por su impacto en la taquilla. Esta obra cinematográfica pertenece a una época en la que valía más que el producto final surja del empuje y el talento de su director y de su equipo, y no tanto por los caprichos del mercado y la tendencia del momento. En definitiva, una película altamente recomendada, que invita a soñar y nos remite a lo más maravilloso de la fantasía, la magia y el encanto del cine de los 80.

DVD CLAPTON

SESSION FOR ROBERT J

Por Rocío Marruco

Para los fanáticos de Eric Clapton, no se olviden de este espectacular DVD, en donde el músico, luego de lanzar el disco Me and Mr. Johnson, rinde un tributo de manera más personal en Session for Robert J. Consiste en un pack doble de DVD mas CD, Plasmando la admiración de Clapton por el mítico bluesman y la leyenda del rey del Delta Blues en un documento para tenerlo, sin dudas.El trabajo dura 97 minutos e incluye 19 versiones, en el cual incluye fragmentos en donde Clapton cuenta como la música de Johnson le ha obsesionado desde que tenía 19 años

y que fue una fuente constante de inspiración en los primeros años de formación musical del guitarrista.La grabación se realizo con distintas formaciones y en diferentes lugares. Las grabaciones con la banda completa corresponden a ensayos en Inglaterra y la grabación final en Texas; para la grabación en formato acústico Clapton y Doyle Bramhall II se desplazaron a un edificio medio abandonado de Dallas, uno de los tres únicos lugares donde Robert Johnson grabó su música en 1937.El acústico y las extensas declaraciones del guitarrista inglés

se filmaron en una habitación del hotel en California. Es la parte más personal del DVD en que se puede disfrutar de un Clapton desprotegido, vulnerable e íntimo, reconociendo al mundo que tuvo que ensayar durante toda una semana para poder tocar, en este DVD, una sola canción de la misma manera en que lo hacía Robert Johnson. El DVD cuenta con algunas canciones como Sweet Home Chicago, When You Got a Good Friend y Love in Vain. Una joyita para mirar y escucha. v

Melomano’s Heart

Melomano’s Heart

bajo la lupa

PJ HARVEY: LARGO GEMIDO DE SERPIENTE

Nota: Guido Cambareri

El álbum To Bring You My Love suele ser adorado por los fanáticos de esta cantante y guitarrista inglesa de boca gigante y ademanes narcisistas de rock. Es sin duda uno de los más oscuros que supo lograr, un disco de ambientes opresivos y de mantras repetidos en la penumbra. Desde el arte de tapa PJ Harvey dem-uestra la atmósfera etérea y ambiental de su trabajo, plagado de sombras y opacidades: sobre un fondo celeste oscuro de agua estancada se ve a PJ flotando, dejándose llevar por una marea quieta. Adentro, un verde esmeralda y el rojo del vestido son los colores que bordean este disco de sonido eléctrico y aterciopelado.

La cuestión mántrica está presente de una manera clave a lo largo de casi todos los temas del álbum. Hay un puñado de frases que PJ repite a lo largo de los temas, usando esa manera de combinar sonido y palabra para crear energía, como si fueran conjuros. Ella recita sus mantras para lograr otro nivel en su ser. Es quizás por eso que el disco suena por mo-mentos tan citadino y por momentos espiritual.La temática de las letras es de amor desgarrado, hijos abandonados, dolor femenino, revestidos por un extraño matiz religioso. Todos los temas se relacionan con la coherencia de un mismo personaje transitando diferen-tes climas y estallidos.

La primer canción, la que le da nombre al disco, es la presentación de un alma torturosa, que nació en el desierto y que seco las tierras y las inundaciones. Siguiendo con voz monótona la melodía lúgubre del tema, PJ habla de cielos abandona-dos y de dioses malditos con frases mesiánicas-diabólicas como “Escalé montañas, /viajé por el mar. /Destruí el Cielo, /destruí mis rodillas. /Le he mentido al Diablo”. PJ predica des-garrada mientras la guitarra tira un riff lento que se complementa con el Hammond de fondo y crea la sen-sación de estar yendo lentamente hacia algún lugar sin retorno. Mantra: “To bring you my love” repetido una y otra vez extinguiéndose junto con la

voz de ella y la canción.Meet ze monsta te envuelve en un clima pesado y violento, es un raro flash de golpe certero. PJ mira de frente al temporal en posición de guerrera y le exige que la llave con él: “No bromeo,/no me ocultaré./Yeah, estoy lista,/conoceré al monstruo de la noche./Monzón grande y negro/llévame con vos”. El sonido metálico y machacante del tema parece ser el respaldo que PJ necesita para dem-ostrar que es una chica que se pudrió y ya no quiere saber más nada con vos ni con el mundo.Entonces nuestra heroína del rock sale a caminar por la ciudad y tara-rea la siguiente canción agazapada entre los coches de la capital. Apenas se la escucha cantando al fondo de la banda que parece la banda del Bar del Infierno, condenada a tocar la melodía por siempre. Working for the man es el tema de la PJ Harvey prostituta que atrae por lejana y cor-

rompida. Uno se la imagina bailando torpemente sobre las mesas de un bar semivacío mientras canta “Dios está aquí/detrás de esa rueda./Solamente trabajo para el hombre/por amor.”. El mantra: “Go around/I’m doing good”. Provocativa.Pero si te habías quedado en la somnolencia del tema, con los ojos entrecerrados y con la paranoia de los lugares pequeños y cerrados, PJ vuelve a entrar a tu cuarto y te sa-cude con una de sus baladas guitar-reras mas lindas, para que veas que ella es una chica romántica y no una puta. Su boca pasa de gritarte con toda la garganta a hablarte con la mayor dulzura y tristeza. C’mon Billy es la suplica hacia un tipo (el Billy del título), al que le pide que por favor vuelva. Parece que (en la historia de la canción) PJ tuvo la mala idea de tener un hijo para tratar de retener a su amante. Linda chica: parece más dolida porque la dejo a ella que

porque los dejo a los dos, a ella y al pibe. El mantra: “Come along, Billy/now, come to me”. Enamorada.Teclo es un tema de alma soporífera que sigue en la línea de To bring you my love o I think i’m a mother, cancio-nes corrompidas que funciona como el leitmotiv tortuoso del disco. Son dos guitarras eléctricas con algún efecto que parecen estar haciéndole el amor a PJ. Mientras ella, inex-presiva les canta “Aprendí a pedir,/aprendí a rezar./Envíame el amor,/envíamelo de vuelta”. El mantra: “Let me ride/on his grace/for awhile”. Inspirada.Las guitarras de Joe Gore acercan a PJ Harvey a algo más denso que el rock que ella venía haciendo sonar en Dry o Is This Dessire?, más guitarrero y visceral. Tanto en Meet Ze Mon-sta como en Long snake moan ese sonido duro e industrial de cuerdas rasgadas logran congeniarse con la letra pausada de PJ, que nuevamente

te mira desde arriba cantándote en el estribillo “Deberías oír mi largo gemido de serpiente./Deberías verme en mi trono”. El mantra: “It’s my woo-doo working”. Pagana.

El disco posee pequeñas joyas en la lista de composiciones de PJ y Down by the water tiene todos los compo-nentes para ser la más brillante que cosecha esta placa. La instrument-ación del tema, cuerdas mezclándose con teclados sintetizados, le dan ese clima soporífero que nos remite al lugar de la tapa del disco, con el agua cubierta por una capa de niebla. La triada compositiva de la canción (Harvey-Parish-Gore) parece ser la conjugación autentica y perfecta de To Bring… El mantra: “Little fish, /big fish, /swimming in the water. /Come back/her, man, / give me my dougther”. Simbólica.

I’think I’m a mother es un tema que

parece ser el fondo de la oscuridad en la que se mete PJ. Realmente raro, de ritmo tendencioso y una letra bastan-te incomprensible en la que parecen alternar de manera extraña los juegos de roles familiares, parecería ser algo que PJ improviso sobre una base de guitarra opaca. Quizás el más mán-trico de todos, los tambores le dan esa onda de invocación chamánica que lo une con el resto de las cancio-nes pero a la vez lo aísla por ser tan explícita.

En Send his love to me las guitar-ras acústicas hacen que la voz de PJ tome el matiz country que le sirve a la hora de cantar sus canciones de amor despechado. Temas como este le hic-ieron ganar en casa el apodo de “la guitarrista inglesa que canta como si fuera yankee”. La pandereta pesada y el ritmo de caravana vuelven a conec-tarnos con el desierto introspectivo de su alma. Esta chica tuvo muchos

viajes espirituales atormentadores a lo largo de este disco y es obvio que canta para exorcizar sus demonios. “¿Cuánto más debo sufrir?/Querido Dios, ya he servido mi tiempo. /Este amor se hace mi tortura. /Este amor, mi único crimen. /Amante, por favor, libérame, / mis brazos están demasi-ado débiles para agarrarte. /Mis ojos, muy secos para llorar. /Mis labios, muy secos para besar”

El disco queda cerrado de manera sutil con The Dancer, una dulce can-ción con un teclado encantador de fondo en la que PJ canta como si la borrachera la hiciera sufrir con más lucidez. La fuerza del estribillo pa-rece haber sido la conjugación de los mantras, los gemidos de PJ revelan sus súplicas al amor real: “He gritado días/ y he gritado noches/para que el señor me enviara sólo una señal. / ¿Está él lejos?/ ¿Está él cerca?/Trae la paz a mi negro y vacío corazón”. En

los créditos del tema solo figuran PJ y John Parish, productor, guitarrista y unos de los oídos musicales refi-nados detrás del disco. Es una claro ejemplo de la música secuenciada y de extraño ritmo que desarrollarían en Dance Hall at Lose Point disco que grabaron integra y exclusivamente juntos e 1996, al año siguiente de To Bring. v

DISCOS de hoy y siempre

“Algún Rayo”, La Renga“Root For Ruin”, Les Savy Fav “Trance Zomba”, Babasónicos“Fresh Cream”, Cream“Houses of Holy”, Led Zeppelin“Nevermind”, Nirvana“Whitesnake 1967”, Whitesnake

NUEVO

“Algún rayo”

Por Marina Miguel

¡Que explote el cielo por dios! Truenos y rayos detonan tu equipo con esta nueva placa de una de las bandas más convocantes de la Argentina. Cuando todos nos desilusionamos al no encontrar algo verdaderamente bueno con las bandas nacionales del momento, viene La Renga a darnos más y más Rock and Roll, y no sólo eso, sorprenden de tal manera que hasta casi se puede decir que es una de las mejores placas de toda su discografía, de principio a fin. “A ver, un nuevo disco de La Renga, seguro nada del otro mundo”, y de golpe y porrazo te caes para atrás como condorito al escuchar tanta furia y descontrol junto, como en aquellas épocas de Despedazado por mil partes, placa a la que no le

sobraba ninguna canción, así es Algún Rayo: excelente. Riffs con potencia, sonidos envolventes y destructivos, golpes de distorsión, el toque heavy que vienen teniendo desde hace un tiempo, melodías a lo Zakk Wilde y unas letras para los “lunáticos del fin”, galácticas, divinas y poderosas.Para el Rock Nacional una “patada en el culo” a todos los que los criticaban. Una señal de que esto de hacer buena música no se acaba en el 2010… esto puede seguir infinitamente, con sólo usar las manos, el corazón y la mente para crear algo de tal semejanza en el género. La placa salió el 23 de noviembre y, con la compra del CD, viene de regalo una entrada para cualquiera de los 12 shows que ofrecerán en distintas ciudades del país, Uruguay y Chile, arrancando en Rosario el 18

de diciembre y finalizando en junio del 2011. Córdoba los tendrá en Carlos Paz el próximo 9 de abril. “Poder” es el primer corte de difusión, en el que laten los tambores en tu pecho y el fuego te empieza a abrazar, con el grito desaforado que larga Chizzo, Gustavo Nápoli, que tuvo bastante “poder” para “poder” gritar de esa forma. Muy emocionado el viejo; lo único que te dan ganas de hacer cuando lo escuchas es “poder” estar en un recital en vivo viéndolos tocar, y recordás a todos los que fuiste, y la pasión que te hicieron sentir, y que no cabe en la imaginación pensar cómo será la presentación oficial de “Algún Rayo”. Sin lugar a dudas, igual a un rayo en el pecho, pero en forma de riff es lo más parecido que puede pasar.

“Algún rayo”

NUEVO

“Root for Ruin”Por Lila Martinez

Para aquellos que creen que las sorpresas musicales del 2010 terminaron se equivocan, es porque les falta escuchar el último disco de Les Savy Fav “Root For Ruin”. Esta banda pone en el colador aquellas cosas más sofisticadas del punk, el post-hardcore y el indie; lo que queda es un disco con canciones intensamente bailables, con guitarras excesivas en energía y estribillos ultra-pegadizos. Los ritmos de las guitarras llevan adelante las canciones, ecos, delays son las que manejan el tempo de las melodías dinámicas y a veces psicodélicas. El sonido de estos cinco newyorkinos les hará recordar un poco a The Pixies, Bloc Party, hasta podría decirse que

se deja escuchar algo de nuestra banda argentina Bicicletas; en sus mejores canciones, en sus momentos más logrados. Les Savy fav es una de esas perlas escondidas del rock alternativo. Se conocieron en la escuela de diseño de Rhode Island y fue en el 95 que formaron el grupo, en el 2005 tuvieron una pequeña separación, para luego volver en el 2007 y mantenerse juntos hasta la fecha. El mismo costado artístico que los unió en sus principios, los caracteriza en la actualidad; Si bien en Argentina mucho no se ha escuchado sobre estos muchachos, en Estados Unidos son conocidos principalmente por sus shows en vivo. En ellos su cantante asombra por sus estrambóticos vestuarios y con una actitud salvaje

al igual que por las bromas que gasta al público, incluso a veces realiza sus presentaciones con tan solo un calzoncillo o un pequeño short.En sus principios la banda tenía una propuesta más cercana al noise con estructuras más duras que con el tiempo han ido moderando y moldeando hasta llegar a este quinto material. “Root For Ruin” es uno de esos discos imposibles de perder para aquellos que simpatizan con el indie rock y buscan escuchar una banda muy concisa y llenadora, que lejos de caer en estereotipos o copiar a los grandes del género, recuerdan las mejores cosas de ellos.

DE BIBLIOTECA

“Trance Zomba”Por Guido Cambareri

Por Melisa Galli

“Trance Zomba”Trance Zomba es el segundo disco de estudio de Babasónicos. Fue grabado en el verano de 1994 y los siete integrantes del grupo (todos los que aún perduran hasta más el extinto Gabo Manelli en bajo y el DJ Peggyn, incorporado en este disco y miembro de la banda hasta el 2001).Desarmate, canción que abre el disco, es la combinación perfecta del pop hardcore con el rock del conurbano que rapea en los patios de atrás de las casas de Lanús. Temas como este, Ascendiendo y Poder Ñandú son los que más heredan el sonido de Pasto, con voces gritando por los costados de la canción, Dargelos escupiendo el micrófono y ese raro groovee violento que las vincula con canciones de la primer placa como Margaritas, Indios o Somos la pelota. Sin embargo, en Trance Zomba son canciones que delinean la personalidad del disco, cargado de crispaciones juveniles pero también de psicodelia noventosa

y de largos trips lisérgicos. Son los temas que le dan marco rebelde a los verdaderos viajes que plantea el disco. En Malón y Montañas de agua encontramos piezas que se complementan en sus climas densos y desaforados de verano frío y reflejo de agua metalizada. Canciones que conducen al disco por un camino triphopero protagonizado por el scratch de DJ Peggyn en el primero y el bajo de Gabo Manelli en el segundo. Babasónicos se distingue, entre otras cosas, por esa manera de siempre lograr un equilibrio de muy buen gusto en sus discos, y la medida que contrarresta tanto hardcore y tanto funk en tan poco tiempo son canciones como Coralcaraza, Árbol Palmera o Misericordia, que en si mismas son las canciones mas románticas que lograría Babasónicos hasta por lo menos Jessico, en donde

estallan aquellas melodías que son apenas herederas de las que hicieron en el ’94. Llegando a la cúspide, nos encontramos con dos de las joyas más impresionantes de Babasónicos. Patinador Sagrado y Koyote son las canciones contrapeso perfectas de la banda, las que definen claramente al disco y exponen la claridad musical y frescura que la banda poseía en ese verano de 1994 y 1995. Patinador Sagrado es la parte Zomba del álbum. Koyote es la parte Trance del álbum, el recorrido de minuto y medio que invita al viaje interior, al desierto inmenso que hay dentro del obelisco. Unas guitarras, un ritmo lento pero progresivo son las armas del chamán para hacerte ver con los ojos del coyote en la meseta mexicana.El trip de Trance Zomba es épico, con momentos de lucidez increíble, fuerza endemoniada, poesía metafísica e instrumentos extrasensoriales.

DE BIBLIOTECA

“Fresh Cream”

“Fresh Cream”Por Marina Miguel

No es un simple disco, no es uno más, tampoco es un simple clásico así nomás… Es “el disco” de Cream, y es “el clásico” del Rock de todos los tiempos. O para no ser tan exagerados, uno de los mayores clásicos de la historia, si se quiere, musical. Eric Clapton con su mágica y envolvente guitarra, Jack Bruce con su dulce y armoniosa voz, más el complemento indispensable que era su bajo, y Ginger Baker (uno de los primeros en utilizar dos bombos) en la batería, formaban el power trío y supergrupo Cream.El álbum debut de Cream salió cuando todavía el hipismo no había nacido, pero sí ese movimiento juvenil que lo fue marcando a través del tiempo. Fue Lanzado un 9 de

diciembre de 1966, en aquella ciudad gris de lluvias constantes llamada Londres, clasificado en el género del rock psicodélico y el blues rock. Empieza haciéndote sentir tan libre, con un “pou pou pou popopou”/”I feel free”, feliz y motivador y así encara, fugazmente, el rock setentón de aquellas épocas que se pronunciaban como psicodélicas. Sí que se sentían libres, porque aquello que no todos apreciaban, ellos lo hacían: la naturaleza, los colores, la psicodelia, las drogas y toda esa conjugación homogénea de melodías y mezclas raras que hacían a la música y a toda una generación de quienes hoy forman parte de los libros sobre historia del rock. ¿Horas de dormir? “Sleppy Time Time”, vamos a tener tiempo de dormir la vida es para jugar, no para trabajar, y el tiempo para dormir ya vendrá, ¿y ahora? A disfrutar y

escuchar música; típica actitud de la juventud musiquera de ayer y de siempre, y además, otro título de una canción cargada de blues.Pero después de tanto cantar por el tiempo de sueño, viene la canción que habla de los sueños, y del amor como protagonista de aquellos. “Dreamin” es la canción romántica del disco, y una de las más conocidas de todas, en la que aquel chico espera a su chica sea a dónde sea, sólo por un sueño de amor (si querés enamorar a alguien, no dudes en hacerlo con este disco, sí que funciona). Pero basta de las típicas explicaciones tema por tema; Fresh Cream es un disco rockero y blusero que no puede faltar en tu discografía, el cual tampoco podes esperar demasiado para descubrirlo, si no lo hiciste, o para volver a recordarlo ya que estás.

COLECCION

“Houses of Holy

Por Melina Galli

Homenajear a un disco clásico se vuelve un problema. Lo que sucede es que hay tantos discos buenos, tantas canciones y sonidos que hacen delirar la mente de forma importante, que elegir entre tantas obras maestras y producciones increíbles no es tarea fácil. Sin embargo, tras mucho meditar y lamentando tener que dejar de lado a algunos artistas que también se merecen cierto homenaje, opté por esta legendaria banda de rock, una de las más importantes del género, que causo furor en los años 70, y que de hecho lo sigue haciendo hasta nuestros días. Me refiero a la mítica Led Zeppelin.La agrupación oriunda de Inglaterra se formó a finales de los años sesenta, cuando su vocalista, Jimmy Page, comienza a reclutar músicos para un proyecto musical propio, ya

que anteriormente, tocaba en una banda llamada The Yardbirds. El nombre surge de un chiste que hace el baterista de The Who, quien les aseguraba que sonaban tan mal, que “caerían como un zeppelin de plomo”.Al momento de lanzar este disco, la banda ya contaba con cierto prestigio y reconocimiento, por lo cual se dieron el lujo de incursionar un poco, apostando a nuevos sonidos y ritmos, para dar a luz finalmente en el año 73 al emblemático Houses of the Holy.Esta brillante producción, que coquetea con nuevos sonidos como el funk y el reggae, sin perder por ello sus raíces del folk británico, y con un recrudecimiento de su sonido blusero, nos muestra cómo llevar la perfección musical a otro nivel.Este disco no sólo causó polémica por su contenido musical, sino que también la tapa del mismo fue motivo de controversia. Es que en ella se

muestra la imagen de varios niños desnudos escalando una montaña, lo que llevó a que en algunos países del mundo su venta y difusión fueran prohibidos.Jimmy Page y su banda nos alucina con sus producciones, con canciones como “The Song Remains The Same” o “The Rain Song” en donde predomina el sonido de guitarras acústicas, al que se agrega también el melodioso sonido del piano de John Paul Jones y la apacible voz de Plant.La historia de la música fue escrita y realizada por discos increíbles, producciones que marcaron una época, que definieron y delimitaron géneros y estilos musicales, canciones y artistas que quedaron grabados en el corazón de una generación que se atrevió a soñar con un sonido distinto, rebelde, y desafiante, y que llega hasta nuestros días.

INFALTABLE

“Nevermind”

Por Rocío Marruco

Si hubo una banda que caracterizo la escena musical, al comienzo de los años 90, dando inicio a un movimiento del punk underground que se denomino grunge, fue sin duda Nirvana y su exitoso disco Nevermind. El segundo trabajo de la banda se consagro en el puesto número uno en la listas de Billboard, desbancando al disco de Michael Jackson “Dangerous” y fue diez veces álbum platino, alcanzando los diez millones de copias vendidas.El disco fue producido por Butch Vig bajo el sello Geffen Records y salió a la venta en 1991. Salpicadas con ocasionales e intencionales errores de grabación, la mayoría de las canciones como “On a Plain”, “Come As You Are” y “Territorial Pissings” muestran la habilidad de la banda para introducir la sutileza

y el ruido en un mismo contexto. Por ejemplo “Something in the Way se caracteriza por una melodía a base de guitarras acústicas y cellos, mientras que “Breed” y “Stay Away” son pura estridencia: esta última, de hecho, termina con una impactante explosión. El disco refleja un ambiente opresivo y decadente pero a la vez melódico, bello y pegadizo. Muy alejado de tormentos metaleros o góticos, Cobain supo expresar su ira de forma delicada, aunque sin renunciar a desgarrarse la garganta, lo cual parecía empeñado. Además se centró en las melodías de las canciones, estaba todavía trabajando en las letras del álbum en el momento de comenzar la grabación. Sumado a que las expresiones de Cobain en el álbum, son difíciles de comprender. Vig afirmó al respecto que la claridad del canto de Cobain no es suprema, pero que “incluso aunque no sepas lo que está cantando, sabes

que es intenso como el infierno”. Con respecto a las letras en sí de las canciones, hablan sobre las relaciones disfuncionales de Kurt Cobain con Tobi Vail. El tono de Nevermind tiene que ver con el de una rabia infantil, caprichosa, egoísta e inmadura pero no por ello menos temible, desoladora y sincera. La fórmula que empleó para expresar tanto malestar era magistralmente simple: cambios bruscos de ánimo. Casi todas las canciones tienen una primera parte en que la guitarra no lleva distorsión, la voz canta grave y bajito, que da paso a un cambio de sonido ruidoso en que, aparece una nueva melodía más aguda e hiriente. Nevermind no sólo popularizó la escena grunge de Seattle, sino que llevó al rock alternativo al público masivo, demostrando su viabilidad cultural y comercial.

CLASICO

“Whitesnake - 1987”

Por Ariel Britos

Resulta extraño que un disco que tuvo tantos problemas para editarse haya sido uno de los más exitosos de los 80s. Coverdale fue siempre el único miembro estable de la banda, durante la grabación de “1987” para Europa y “Whitesnake” para el resto del mundo, el vocalista inglés echó de la formación a John Sykes, su violero estrella porque estaba celoso de su protagonismo. Los demás integrantes de la banda, Neil Murray y Aynsley Dunbar en un efecto dominó, se solidarizaron con Sykes y dejaron solo a Coverdale con un disco a sus espaldas y una gira mundial por realizar.Podría decirse que la jugada le salió bien a Coverdale,ya que Whitesnake se transformó por poco en un dream team de músicos de la época, se incorporaron a la banda Rudy Sarzo(ex bajista de Quiet Riot), Adrian

Vandemberg, un virtuoso holandés como primera guitarra y en segunda guitarra, Vivian Campbell (ex Dio) ,que unos años después reemplazaría en Def Leppard al fallecido Steve Clark. Finalmente en batería se incorporó Tommy Aldridge, que anteriormente integraba la banda de Ozzy Osbourne en su primera etapa post Sabbath.El disco finalmente vio la luz el 7 de abril de 1987. Hubo versiones diferentes para Norteamérica y Europa, mientras en USA el disco lo distribuía Geffen, en Europa lo hacía EMI. En Europa hubo dos canciones extra “You´re gonna break my heart again” y la hermosa balada “Looking for love” que pegaron mucho y se metieron en los primeros puestos de todos los ránkings. Mientras tanto, En USA rompían todo con el disco en el puesto 2 de Billboard y todos sus sencillos rotando en MTV uno tras otro, con un manejo notable del escenario por parte de sus músicos

y la participación especial en sus videoclips de la chica más caliente del momento, la por entonces esposa de Coverdale, Tawny Kitaen.Las power ballads de Whitesnake siempre tenían un toque erótico que le imprimía esta chica, que rubia o morocha, excitaba las pantallas ochentosas, camino que unos años después siguió Alicia Silverstone con su participación en los videos de Aerosmith.El disco se completa con canciones de un heavy metal intenso con clásicos toques bluseros y referencias tambien al jazz y al soul (las principales influencias de Coverdale, la voz mas blusera del mundo hardrockero) en determinados pasajes fuera de las baladas, en donde si denotan una presencia mucho más importante de estos estilos, sobre todo el blues. Un disco referente del género.

LOBO SUELTO

DICIEMBRE 2010