1

l arte es una parte del conocimiento muy importante en el desarrollo integral del ser humano, nuestro objetivo es colaborar en la comprensión y la práctica de diferentes técnicas de dibujo, los diferentes materiales, que pueda reconocer las

distintas gamas de colores y combinaciones.EA través de ejercicios de trabajo manual de manera que se vayan familiarizando con elementos como la forma, las líneas y áreas; el color y la textura, el y la estudiante aprenderán a manejar estos elementos y poco a poco irán incorporándolos a sus dibujos. De la misma manera al realizar ejercicios de proporción, equilibrio, ritmo y énfasis se le da oportunidad de trabajar los principios básicos de todas las manifestaciones de las artes visuales.

También invitamos a obtener más conocimientos a cerca de la historia del arte y su importancia y que sean capaces de apreciarla y disfrutarla.

bellas artes escultura

Historia de las Bellas Artes

En la antigua Grecia era frecuente la división de las artes en superiores y menores. Por definición las superiores todas aquellas que se podían apreciar con lo sentidos "superiores" (incluyen la visión y el audición), se consideraba que no era necesario un contacto táctil para apreciar la belleza. Básicamente las bellas artes eran 6:ArquitecturaEsculturaPinturaMúsicaDeclamación (incluye a la Literatura en general)Danza (incluye al Teatro)

Arte es una de las formas de expresa lo que pensamos. Para que el arte exista necesita de la habilidad de las personas, de su imaginación y de su capacidad para inventar.

Artista Los artistas son las personas que crean las obras de arte. En tales obras, los artistas pueden expresar lo que piensan o simplemente divertirse y divertir a los demás.

Interpretación de Obras de arte.

Este proyecto te permitirá aprender una técnica sencilla de interpretación general de obras de arte. Es solamente una iniciación porque la tarea de interpretación profesional de obras de arte es mas compleja y exige estudio y practica.

Interpretar obras es tener la capacidad de extractar de una pintura, de una escultura, o de una edificación, su significado es decir, reconocer la intención que tuvo el autor al realizarla, el mensaje que nos quiso dejar y lo que nos muestra de la cultura en que fue hecha. La interpretación de las obras de arte se realiza a través de los sentidos del observador, pero es muy importante tener en cuenta también sus sentimientos.

¿Como se hace?

1. Observar detenidamente la obra que se va a interpretar. Obra de Guillo Pérez

2. Trata de sentir lo que produce la obra. Por ejemplo esta obra puede causar temor, Guillo Pérez Desagrado, curiosidad, risa u otros tipos de sentimientos.

3. Identificar el tema de la obra.4. Identificar los personajes que intervienen.5. Analizar el escenario, es decir, el lugar y los elementos que acompañan a los personajes.

6. Tener en cuenta los demás elementos de la composición.7. Consultar sobre el autor si es posible. 8. Identificar la época.9. Escribir una opinión personal sobre la obra y una composición sobre

su significado.

La matanza de Palma Sola. Antonio Guadalupe.

Resuelve el Problema

Observa una pintura, una escultura o una construcción que te llame la atención.

Si es necesario puedes ayudarte de un libro de historia o de arte, que tenga imágenes de buena calidad.

Luego, responde, ¿Es posible llegar a

Bellas Artes: descripción de cada unaarquitectura

danza

música

Música: Conjunto organizado de sonidos que transcurren a través de periodo de espacio y de tiempo. Sin lugar a dudas ha formado parte de la historia de la humanidad desde tiempos inmemoriales. Presenta características de estilos en las diferentes regiones del planeta.

Danza: Se denomina así a los movimientos corporales en forma rítmica que se guían por un patrón, íntimamente relacionado con la música es una forma de expresión y comunicación.

Pintura: Es el arte de representar formas y/o imágenes reales, irreales o simplemente abstractas sobre alguna superficie (variada naturaleza que incluye tela, papel, cartón, metales, etc.). Se utilizan pigmentos como base de este arte.

Escultura: Se llama al arte de crear formas originales del tipo figurativas (reales) o abstractas, en cualquier tipo de material. Se caracteriza por presentar las 3 dimensiones del espacio. Los artistas del Renacimiento (como por ejemplo Miguel Ángel) eran verdaderos expertos en esta arte.

Arquitectura: Es el arte de proyectar y construir cualquier tipo de edificación perdurable. Se rige por determinadas reglas, para así crear obras adecuadas a su intención de forma que sean agradables a la vista y capaces de incitar un placer al ser contempladas.

Declamación: Como se menciono anteriormente incluye a todas las formas de Literatura. Es el arte que utiliza a la palabra como medio para lograr una combinación de estas que provoquen la movilización de sentimientos induciendo por lo general placer cuando son leídas o escuchadas.

GÉNERO ARTÍSTICO

Dibujo e Introducción al color

Bellas Artes: descripción de cada unaarquitectura

danza

música

Música: Conjunto organizado de sonidos que transcurren a través de periodo de espacio y de tiempo. Sin lugar a dudas ha formado parte de la historia de la humanidad desde tiempos inmemoriales. Presenta características de estilos en las diferentes regiones del planeta.

Danza: Se denomina así a los movimientos corporales en forma rítmica que se guían por un patrón, íntimamente relacionado con la música es una forma de expresión y comunicación.

Pintura: Es el arte de representar formas y/o imágenes reales, irreales o simplemente abstractas sobre alguna superficie (variada naturaleza que incluye tela, papel, cartón, metales, etc.). Se utilizan pigmentos como base de este arte.

Escultura: Se llama al arte de crear formas originales del tipo figurativas (reales) o abstractas, en cualquier tipo de material. Se caracteriza por presentar las 3 dimensiones del espacio. Los artistas del Renacimiento (como por ejemplo Miguel Ángel) eran verdaderos expertos en esta arte.

Arquitectura: Es el arte de proyectar y construir cualquier tipo de edificación perdurable. Se rige por determinadas reglas, para así crear obras adecuadas a su intención de forma que sean agradables a la vista y capaces de incitar un placer al ser contempladas.

Declamación: Como se menciono anteriormente incluye a todas las formas de Literatura. Es el arte que utiliza a la palabra como medio para lograr una combinación de estas que provoquen la movilización de sentimientos induciendo por lo general placer cuando son leídas o escuchadas.

GÉNERO ARTÍSTICO

DIBUJO, CONCEPTO

Representación grafica sobre una superficie, generalmente plana, por medio de líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios o de forma puramente abstractas.

Dibujo a la pluma

Dibujo Libre Consiste esencialmente en el registro de las impresiones recibidas a través de la vista.

Técnicas del dibujo

Las técnicas de dibujo varían según el medio empleado. Los utensilios de dibujo más comunes son el lápiz, la pluma o el pincel, la tinta, o crayón negro o rojo y el carboncillo.

Al carboncillo Al pastel A la sanguina

12

La línea

Es la expresión más simple del dibujo.

Tipos de líneas

Línea recta, mixta, línea curva, diagonal, vertical, horizontal

FORMA, CONCEPTO

Es el contorno de los objetos y figuras, que define su envolvente.

Forma continuaEs cuando se realiza el trazo sin interrupciones y con una valoración lineal.

ContornoEs la línea externa de los cuerpos, con la cual se define la forma.

PROPORCION, CONCEPTOProporción es la correspondencia dimensional entre las partes de un todo y con el todo. Creando una visualización equilibrada, en donde cada parte nos parece tener la medida correcta y el volumen correcto.

Proceso en el dibujo artístico

Apunte: Dibujo rápido que se usa para captar y recordar las

características de lo que se va a dibujar después. Es

especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en

movimiento.

Boceto: Prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para

ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se

incluyen…

Encajado: Líneas generales que se trazan en el papel definitivo

(se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo.

Línea: Dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo mas

general y después el detalle.

Sombreado: Para conseguir más realismo y volumen, se

sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden

aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.

Calculo mental de dimensionesEs la observación previa del modelo, y consiste en:

Comparar una distancia del modelo con otras.Encontrar puntos de referencia en lo que apoyar distancias y formas.

Imaginar líneas o trazos para situar niveles, contornos, formas, etc

Materiales de Dibujo

Lápices

Los lápices constan de un cilindro de madera que contiene en su interior una

Barra de grafito, que de acuerdo con su mezcla, presenta diferentes cualidades.

PapelesEn el mercado existen papeles con textura y colores variados que ofrecen diferentes resultados.

Otros materialesAdemás del los materia de los materiales básicos, como el lápiz y el papel, debemos contar con gomas de borrar, sacapuntas, paños para limpiar, tabla para apoyar y difuminos.

LUZ Y SOMBRA

La luz pinta los cuerpos; la sombra promueve el volumen; la luz y la sombra explican la forma de los cuerpos.

Autorretrato de Durero.1484

El Claroscuro como recurso:

Permite plasmar las tres dimensiones de los objetos,

las personas, sobre un soporte bidimensional.

El claroscuro consiste en distribuir las luces y las sombras en una obra plástica: pintura, dibujo, o grabado.

Gradaciones de tonos

En el dibujo se pueden utilizar diferentes técnicas y soportes: lápiz, tinta, carboncillo, lápiz compuesto, sanguina.

Reproducir la escala de degradación tonal

Reproducir y aplicar sombreado a las figuras geométricas.

Realiza un bodegón aplicando el sombreado agrega tus frutas favoritas.

Textura

Textura es la propiedad que tienen las partes externas

de los objetos, así como las sensaciones que causan,

que son captadas por el sentido del tacto. La textura es

a veces descrita como la capacidad de sentir

sensaciones no táctiles (que no se captan por las

manos).

La textura como elemento básicoLa textura, permite crear una adaptación personalizada de la realidad añadiendo dimensión y riqueza al diseño.Existen dos tipos de textura: Táctil y visual.Textura táctil:

Por ejemplo la de una superficie rugosa, con relieve o la de otra más fina como la de un papel, o la suavidad del terciopelo. Son todas aquellas perceptibles al tacto.

Textura Visual:

Aquellas texturas impresas que se parecen a la realidad, como la arena, las piedras, rocas. Entre esta clase de textura, pueden surgir texturas que

realmente existen y otras que son irreales

Textura mosaico o patrónUn patrón o mosaico, sería un tipo de textura visual. Cuando una imagen o una línea del tipo que sea, se repite muchas, acaba creando una textura visual.

Un ejemplo de ello serían los patrones de luces, que en la oscuridad agregan dimensión a una superficie.

El papel que se envuelve, es un buen ejemplo del patrón. Los patrones pueden hacer fondos.

Textura Visual en el dibujo

Actividad.

Recorta y pega 5 imágenes de textura táctil, 5 imágenes de textura visual, 5 imágenes de textura mosaico y realiza 5 frotados para obtener diferentes texturas.

El Collage

Es una composición pictórica realizada por el procedimiento de pegar sobre soporte diversos materiales.

En un principio el collage se basaba en pegar papeles de varios colores o textura, pero en la actualidad también se combinan distintos materiales, tales como papel, cartulina, cortón, papel, de periódico, tela, madera, etc.

Esta técnica se combina en muchos casos con trazados de grafismos, que dotan al conjunto de mayor personalidad. En pintura, un collage se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque.

Obra de Derek Gore

¿Con que materiales crees que se realizaron estos collages?

Realiza un collage en tu cuaderno, empleando

Bodegón Le Jour, 1929, George Braque.

COMPOSICION, CONCEPTO

Es un procedimiento mediante el cual organizamos un conjunto de elementos, atendiendo a sus características de tamaño y forma.

Hemos visto en obras de grandes artistas como la distribución de los elementos en el cuadro no solo permiten

una sensación agradable por la armonía de las formas y colores, sino que esa especial distribución trasciende para dar significados que se perciben a nivel inconsciente.

Clasificaciones de la composición:

Alfabéticas: Son las que se destacan por las letras del abecedario como A, C, M, L, J, T, S, O, X, Z.

Geométricas: como su nombre lo indica formas geométricas como el triangulo, cuadrado, y el circulo.

Formas esquemáticas:

Diagonal, espiral, circular, vertical.

Simetría : Es la colocación de elementos que se corresponden en posición, forma y dimensiones a uno y otro lado de un punto, eje plano

Luis Dalmau, La virgen de los consellers, 1443

Asimetría: Es cuando tiene mas peso visual en un lado que en el otro.

La virgen del conejo, Tiziano 1484

Sección Aurea:

Nos permiten definir una superficie armónica en sus relaciones de longitud y altura.Para determinar estos puntos solo hay que trazar 2 líneas verticales y 2 líneas horizontales de manera equidistantes y donde interactúan puede resultar el punto focal.

Esquemas de Composición

Composición Triangular

La cabeza suele estar en el vértice superior y el resto de los elementos se incluyen en el triangulo

Composición en DiagonalLa línea diagonal parte la escena, quedando los elementos a uno u otro lado de la línea.

EL RITMO

Es la sucesión ordenada de líneas, masas y tonos desarrollados en una superficie.

                                                  LOS RITMOS COMPOSITIVOS La sucesión acompasada de las formas que integran un movimiento sonoro o visual se llamaritmo. En la expresión plástica los ritmos se agrupan:• Respecto a la forma, en rectilíneos, quebrados, curvos y ondulados.• Respecto a la disposición en el espacio, en continuos, alternos, discontinuos y crecientes.

La forma: Figura exterior o disposición de los cuerpos u objetos.

Ejemplo: la forma de una casa.

Naturales:

Son los conjuntos de las obras de la creación por oposición a las del hombre, del arte (plantas, piedras,

animales)

Fabricadas:

Son los conjuntos de obras o acción de fabricar de los hombres.

Geométricas:

Son las de la geometría, que tiene por objeto el estudio de las formas o figuras. La Geometría considera que los cuerpos tridimensionales están limitados por superficies bidimensionales y las superficies y por bordes unidimensionales que son la línea.

La Perspectiva. Concepto

Es la técnica que nos permite representar los objetos en sus tres dimensiones: ancho, largo y profundidad.

El invento de Brunelleschi implica las nociones básicas del dibujo en perspectiva: 

El punto de vista, PV: desde donde mira el espectador, a la altura de los ojos.

La línea del Horizonte, LH:

  Cuando admiramos cualquier tipo de paisaje, por ejemplo el mar, vemos una línea horizontal, lo que normalmente llamamos “el horizonte”. En dibujo, lo representamos mediante una línea recta. La línea del horizonte no está fija en el fondo, sino que varía en altura según la posición del espectador y siempre la acompaña, cuando el sujeto se tumba ó se levanta: “la línea del Horizonte siempre se encuentra a la altura del

punto de vista” 

El punto de fuga, PF: Es el lugar hacia el que se dirigen todas las líneas paralelas a la línea de visión del espectador. La línea de visión es la línea imaginaria que une los ojos del espectador con las cosas que está observando; cuando mira a un punto en el horizonte, es la línea que va desde este punto a los ojos del observador.

Las líneas de fuga: son diagonales que se unen en el punto de fuga, aunque en la realidad son líneas paralelas, que van desde el punto de vista hasta el horizonte.

Perspectiva Oblicua

Es la que tiene dos puntos de fuga.

Perspectiva paralela tiene un punto de fuga

Realiza un paisaje con perspectiva oblicua

INTRODUCCION AL COLOR

ue Isaac Newton (1641-1727) quien tuvo las primeras evidencias (1666) de que el color no existe.F

Encerrado en una pieza oscura, Newton dejó pasar un pequeño haz de luz blanca a través de un orificio.

Interceptó esa luz con un pequeño cristal, un prisma de base triangular, y vio (percibió) que al pasar por el cristal el rayo de luz se descomponía y aparecían los seis colores del espectro reflejados en la pared donde incidía el rayo de luz original: rojo, naranja, amarillo, verde, azul y violeta.

Así, se pudo establecer que la luz blanca, presente en todas partes, está formada por "trozos" de luz de seis "colores", y que cuando esa luz "choca" con algún cuerpo, éste absorbe alguno de dichos "trozos" y refleja otros. Los colores reflejados son los que percibimos (vemos) con nuestro sentido de la vista.

Eso nos lleva a concluir que el verdadero color está en la luz, o bien que la luz es color.

Ahora, con más propiedad, podemos decir que el color es una sensación que percibimos gracias a la existencia y naturaleza de la luz y a la capacidad de nuestros órganos visuales para trasmitir dichas sensaciones al cerebro.

Intentando una definición desde el punto de vista físico, diremos que el color es luz blanca que se descompone al atravesar un prisma de cristal.

Se considera color primario al color que no se puede obtener mediante la mezcla de ningún otro. Este es un modelo idealizado, basado en la respuesta biológica de las células receptoras del ojo humano (conos) ante la presencia de ciertas frecuencias de luz y sus

interferencias, y es dependiente de la percepción subjetiva del cerebro.

Color secundario

Los colores secundarios son tonalidades perceptivas de color, que se obtienen mezclando a partes iguales los colores primarios, de dos en dos. Los colores secundarios son un modelo idealizado, plenamente dependiente de la fuente que represente el color, de la naturaleza del material que lo genere y de las características subjetivas de la percepción visual.

Colores terciarios, son los obtenidos de la mezcla de un primario y un secundario. En realidad no son más que matices de un color.

AMARILLO + VERDE = VERDE AMARILLENTOVERDE + AZUL = VERDE AZULADO AZUL + VIOLETA = VIOLETA AZULADO VIOLETA + ROJO = VIOLETA ROJIZO ROJO + NARANJA = NARANJA ROJIZO NARANJA + AMARILLO = NARANJA AMARILLENTO

Colores terciarios

Completa los colores del círculo cromático.

Los colores cálidos:

Temperatura del color

La división de los colores en cálidos y fríos responde a la sensación térmica y a la vez psicológica que producen los colores y su relación con el entorno y experiencia de las personas.

Colores cálidos: Escarlata, Rojo, Naranja, Amarillo,

Verde limón.

Los colores cálidos

Son los colores que se encuentran en el círculo cromático que contienen amarillo en su mezcla.

Son el escarlata, el

rojo, naranja, amarillo y el verde-limón (o amarillo verdoso).

Los Colores Fríos

Se consideran los siguientes: turquesa (o verde azulado), cian

(azul claro), índigo, azul y violeta (oscuro). El blanco, aunque no

está definido como un color en sí, también se le asocia al frío,

por lo vacío, y por su semejanza a la nieve, al hielo y por el

efecto de amplitud que provoca.

Los colores fríos provocan la sensación de serenidad,

recogimiento, la pasividad, el sentimentalismo, la sensación de

frío. También evocan la lejanía, la cautela, y en gran cantidad

producen efecto de amplitud, agrandan los espacios.

Imagen de colores fríos.Realiza un bodegón en gama fría.

Colores análogos

Los colores análogos son aquellos que se

encuentran a ambos lados de cualquier color

en el círculo cromático, son los colores

vecinos del círculo cromático los cuales, tiene

un color como común denominador.

Forma tríos de colores análogos

observa el circulo cromático

Colores complementarios

Los colores

complementarios son

aquellos colores del espectro

visible dispuestos en una

circunferencia de tal manera

que un color queda

diametralmente equidistante de

otro, formando el círculo

cromático.

Realiza un paisaje en el cual utilices los colores

complementarios

Historia del arte

Renacimiento

Hombre de Vitrubio, dibujo de Leonardo da Vinci, expresión del canon estético

renacentista.

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el

campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en

las ciencias, tanto naturales como humanas. Italia fue el lugar de

nacimiento y desarrollo de este movimiento.

.

Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento:

La primera tiene como espacio

cronológico todo el siglo XV, es el

denominado Quattrocento, y

comprende el Renacimiento

temprano que se desarrolla en

Italia.

La segunda, surge en el siglo

XVI, se denomina Cinquecento, y

su dominio artístico queda

referido

al Clasicismo o Renacimiento

pleno, que se centra en el primer

cuarto del siglo. En esta etapa

surgen las grandes figuras del Renacimiento en las

artes: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte

renacentista. Este periodo desemboca hacia 1520-1530 en una

reacción anteclásica que conforma el Manierismo, que dura

hasta el final del siglo XVI.

La cuna del Renacimiento, que comenzó bajo el signo del humanismo, fue Florencia, que evoluciono hacia un nuevo concepto de la belleza. Del Renacimiento podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro

Abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad Media y el barroco. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica, el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos, nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y, en general, la transición

entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna.

Características de la pintura Renacentista:

Tiziano, Amor sagrado y amor profano, 1513-1514

l

El uso de la perspectiva, la anatomía, el retrato, el paisaje y

Se entiende como un proceso

de procuración de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores

encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimiento

os de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se

inspiraron en la

El David, de Miguel Ángel

Naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los

artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el

estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano,

sobre todo en el apartado de la pintura.

El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio

Vasari «había sido un mundo propio de godos»,y el reconocimiento de los

clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi

exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento logró

interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran multitud de obras maestras.

La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo

 O renacentista es aquella producida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el Gótico; mientras que, por el contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del Arte Clásico, en particular en

Santa María Novella, Florencia

Su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de las bellas Artes.

Leonardo da Vinci (Fue un pintor italiano nativo de Florencia. Notable polímita del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, Filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista)

nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los

últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey

Francisco. Sus obras más importantes son: La

anunciación de los Uffizi, La virgen de las rocas, adoración de los magos, La Gioconda

La Gioconda.

ichelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue

un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

MDesarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. Obras importantes: La capilla Sixtina, La sagrada Familia de los Uffizi en 1503.

Detalle de la Capilla Sixtina. La creación

La Academia

Rafael nació en Urbino —una pequeña ciudad de la Italia central—, en la región de Marcas, localidad pequeña, pero importante desde el

punto de vista artístico, donde su padre Giovanni Santi era pintor de la corte del duque. Crecer en el seno de esta pequeña corte le dio a

R

Rafael la oportunidad de aprender las maneras pulidas y las habilidades sociales tan alabadas en él por Vasari. 

La vida cortesana de Urbino en esta época sería poco después considerada por Baldassare Castiglione, (en su obra El Cortesano en 1528), como modelo de virtudes de una corte humanista italiana. Castiglione se instaló en Urbino en el año 1504, cuando Rafael ya no residía en ella; sin embargo, la visitaba muy a menudo, lo que dio como resultado una extensa amistad.

El Barroco

l Barroco  fue un periodo de la

historia en la cultura

occidental que produjo obras en el

campo de la literatura, la escultura,

la pintura, la arquitectura, la danza y

la música, y que abarca desde el

año 1600 hasta el año 1750

aproximadamente. Se Las

meninas de Velázquez

E

Suele situar entre

el Renacimiento y el Neoclásico, en una

época en la cual la Iglesia católica europea tuvo que reaccionar

contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron

una nueva ciencia y una religión disidente dentro del

propio catolicismo dominante: la Reforma Protestante.

Como estilo artístico el barroco surgió a principios del siglo XVII y de

Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho

tiempo (siglos XVIII y XIX) el término barroco tuvo un sentido

peyorativo, con el significado de

recargado, desmesurado e

irracional.

La Pintura Barroca

El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. Los artistas

mas destacados son Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Vermeer

Velázquez, Poussin.  

La escultura   barroca       Se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes.En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería con la que se esperaba despertar la fe del pueblo.

Se da gran importancia al desnudo, creando grupos

compositivos que permiten la contraposición de las mujeres

al incidir la luz sobre las superficies.

La cúpula de la Capilla San Pedro

Arquitectura barroco  La característica principal

de la arquitectura barroca fue la utilización de

composiciones basadas en

líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras

policéntricas intersecaban unos con otros

Neoclasicismo   Fue un movimiento

que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya

agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las

culturas barrocas, que aspiraba restaurar el gusto y las normas

del clasicismo. En la época neoclásica, el color ESCULTURA: Los

escultores centran su interés en los ideales estéticos y

los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua. El

italiano Canova fue el más destacado, seguido del

danés Thorvaldsen, educado en Roma; otros

representantes de la época son: Bartolini, Rude, Pradler,

Flaxman, entre otros.

PINTURA: Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo

XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo

definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien influyó en

artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon.

ARQUITECTURA: Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la

sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio,

en lugar de la superposición barroca); además del énfasis sobre

los valores lumínicos, la división tripartita de la fachada con

tímpano central, la eliminación del color, el gusto por los arcos

de triunfo.

El Romanticismo es un

movimiento cultural y político originado en Alemania y en el

Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales

del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra

el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo

prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la

ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de

reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda

constante, por eso es que su

rasgo revolucionario es

incuestionable

La pintura

romántica sucede a La

libertad guiando al pueblo. Delacroix

la pintura neoclásica de finales del XVIII, con unos nuevos

gustos desarrollados por todas las faceta

La libertad guiando al pueblo, Delacroix

Artísticas del Romanticismo como la literatura, la filosofía y la

arquitectura. Está hermanada con los movimientos sociales y

políticos, que ganaron cuerpo con la Revolución francesa.

la escultura.

Arquitectura

Palacio de Westminster

Se caracterizó en buena parte por la evocación de los estilos propios de la Edad Media, especialmente el gótico. Así surgieron el neogótico, el neo románico o el neo bizantino. Sin embargo rechazó el estilo renacentista que inspiró a los arquitectos neoclásicos.

Durante el período romántico se terminaron edificios medievales inconclusos (ej. la catedral de Barcelona) y se restauraron otros. Uno de los más emblemáticos fue el Palacio de Westminster (1836) sede de las dos cámaras del Parlamento Británico en Londres.

Escultura

A diferencia de la arquitectura, los escultores románticos no volvieron sus ojos a la Edad Media, manteniendo en cierta medida las pautas del Neoclásico al que sin embargo dotaron de un mayor movimiento y fuerza expresiva. Los temas más utilizados fueron de carácter contemporáneo más que mitológico.

 Realismo. El realismo surge como oposición al

idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y que tuvo como principal representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte

Representó las inquietudes sociales que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX. 

CARACTERÍSTICA GENERALES.Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida humilde y trabajadora, expuestos con sentido de crítica social. Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos. Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio.

Autorretrato de Gustave Courbet

e interés por los contrastes del claroscuro. Técnica: la que proporciona la más completa identificación entre lo pintado y la naturaleza. Representantes: Courbet, Daumier.

 La escultura de la segunda mitad del siglo XIX ocupa un momento posterior a la escultura del romanticismo o escultura romántica (François

Busto de Dalou, por Rodin, 1883

Rude) y anterior a la escultura

impresionista o escultura del

impresionismo (Auguste Rodin);

aunque en realidad la

producción escultórica de toda

la época está dominada por los

convencionalismos  academicistas de la escultura

neoclásica. La escultura realista en Francia está representada

por el principal discípulo de Rudé, Jean-

Baptiste Carpeaux. El pintor

realista Honoré Daumier realizó también

esculturas con la misma

Daumier

Estética que sus caricaturas. Otros

escultores del periodo que se adscriben

al estilo son Jules Dalou y Albert

Bartolomé.

Cuales son las características principales del Barroco?

Menciona los artistas más importantes.

Características más importantes del Neoclásico.

Artistas más destacados

Consulta Cuales son las características principales del Renacimiento. ________________________________________---_______________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________

Cuales son los artistas mas destacados por área y menciona 2 obras de cada uno.

Pintura___________________________________________________________________________________________________________________________

Escultura_________________________________________________________________________

EVOLUCIÓN DE LA PINTURA DOMINICANA EN EL SIGLO XX

L Arte propiamente dominicano se desarrolla a partir de la independencia nacional en 1844.

En esta temprana época En esta temprana época pueden mencionarse los nombres de Alejandro Bonilla, Luis Desangles, Abelardo Rodríguez Urdaneta,

y Leopoldo Navarro. El siglo XX se inicia con pintores como Celeste Woss y Gil, que es la primera mujer importante en la pintura dominicana y Enrique García Godoy, tres destacadísimos pintores se desarrollan en las primeras décadas del siglo XX. Yoryi Morel, Jaime Colson y Darío Suro 1930 se desarrolla una importante generación de pintores entre los que se pueden mencionar: Gilberto Hernández Ortega,

E

Cándido Bido

Paul Giudicelli y Clara Ledesma. A Giudicelli se le atribuye el haber iniciado el arte

Moderno en nuestro país.

La siguiente generación artística corresponde a la década de 1930 a 1940 y esta formada por Ada Balcácer, Fernando Peña Defillo, Silvano Lora, Domingo Liz y Gaspar Mario Cruz. A fines de la década del 30, nuestro país recibe la influencia de los artistas españoles llegaron al país como refugiados de la guerra civil española. Artistas como José Vela Zanetti, Manolo Pascual, Fernández Granell y José Gausachs tuvieron un gran impacto en la formación de los artistas dominicanos, sobre todo a partir de 1942, cuando se funda la escuela de Bellas Artes donde los exiliados tuvieron una destacada participación.

Celeste Woss y Gil

La muerte de Trujillo en 1961 y la posterior guerra de abril en 1965, tuvieron un gran impacto significativo en los artistas dominicanos. El fin de la dictadura llevo a los artistas a buscar experiencias nuevas y a un cambio de valores. Se experimenta con tendencias como el abstraccionismo y el cubismo. La influencia que habían ejercido Jaime Colson y Yoryi Morel, pierden preponderancia. En esta generación se destacaron Ramón Oviedo, Iván Tovar, Cándido Bido, Guillo Pérez, y José Rincón Mora.

Elsa Núñez

Principales Pintores a partir de 1970.

Partir de la década de 1970, surgen nuevas generaciones pictóricas con variados caracteres y estilos. Entre ellos podemos mencionar a Alberto

Bass, Orlando Menicucci, Rosa Tavares, Freddy Javier, Aquiles Azar, León Bosh, Félix Brito y José Cestero, José García Cordero.

A Otros artistas son Ángel Hache, Soucy de Pellerano, Jorge Severino, Asdrúbal Domínguez, Cuquito Peña, Gisela Risk y Amable Sterling. Entre muchos otros que resultarían imposibles mencionar.

La escultura

Entre los principales representantes de la Escultura en nuestro país podemos mencionar a Antonio Toribio,

formado por el maestro español Manolo Pascual; G aspar Mario Cruz que trabaja magistralmente la caoba representando muy a menudo imágenes religiosas. Domingo Liz se caracteriza por realizar sus esculturas sobre hierro.

[

]

Algunos artistas se han desarrollado tanto en la pintura como en la escultura, tal es el caso de Amaya Salazar, Joaquín Mordan Ciprian, y Soucy de Pellerano.

Vela Zanneti

¿Cuáles fueron los principales artistas

dominicanos de principios del siglo XX?

¿Qué consecuencias para las artes plásticas en nuestro país tuvo la presencia de los artistas españoles a finales de los años 30?

¿Cuáles son los artistas representativos de nuestro país?

Domingo Liz

Actividades

1. Habías oído hablar de algunos de estos artistas? ¿De cuales?

2. ¿Que impacto tuvo la muerte de Trujillo en los artistas?

3. Menciona tres artistas importantes del siguiente periodo

Entre 1920 y 1930Entre 1930 y 1940A partir de 1960A partir de 1970