Resumen Final de Historia

Primer parte

Bauhaus

Contexto histórico (político, económico, social): Predecesores: van de velde y artis and crafts

o unión entre arte y artesaníao Idea de obra de arte totalo Reivindicación de los talleres

Expresionismo 1903 Wiener Werkstatte Deutscher Werkbund: artistas, artesanos, empresarios unidos Vanguardias musicales: Schoenberg (atonalismo) Strawinsky Vanguardias literarias: Kafka (la metamorfosis 1914) Abstracción, Kandinsky 1909 Constructivismo en rusia 1912, Neoplasticismo, Dadaismo 1914 – Primera guerra mundial pierde alemania, tratado de

Versalles República de Weimar 1917 – Revolución Rusa

Fundación de la Bauhaus: 1919 – Van de Velde, director de la escuela de Artes y Oficios

de Weimar es expulsado de Alemania y nombra a Gropius como su sucesor. Esta se unifica con la escuela de Bellas Artes y se crea la STAATLICHE BAUHAUS

Objetivos de la fundación: Colaboración entre arte, artesanía y técnica (al estilo werkbund)

ARTE – ARTESANÍA – TÉCNICA TODO INSEPARABLE Trabajo en conjunto hacia un objetivo común CONSTRUCCIÓN

o Ideal de los talleres medievaleso Espíritu igualitario en pos de una idea común.

No había PROFESORES y ALUMNOS, sino MAESTROS y APRENDICES, la escuela estaba al servicio del TALLER

La formación estaba dirigida por dos maestros:o De forma (artista): los mejores artistas del momento

pertenecientes a las vanguardias, el arte volvia a ser parte de la vida cotidiana. Itten, Feininger, Muche expresionismoKlee, Schlemmer, Kandinsky abstracción

o De artesanía (artesano) Aprendizaje subordinado a una meta final el edificio levantado colectivamente al que todos los oficios deben contribuir. Se le daba prioridad a la actividad creadora: libertad e individualidad.

Estructura Institucional – Académica: Curso preliminar: (6 meses) VORKURS dictado por ITTEN

Objetivos:

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o preparar a los estudiantes en el manejo de MATERIALES – FORMAS – COLORES

o Liberar la energía creadora y desarrollar la individualidad a través de la práctica, el contacto manual y artístico con la naturaleza.

o Liberarse de prejuicios, comprender los materiales. 3 años en uno de los 7 talleres:

o Parte Técnica: ARTESANO, aprendizaje manual del oficio completado por tecnología de los materiales, herramientas, procesos industriales, etc.

o Parte Formal: ARTISTA, lenguaje plástico, leyes objetivas de forma, color y composición

Ciclo de observación Ciclo de expresión Ciclo de creación

Curso de Perfeccionamiento (duración variable):o Para los más capacitados: reunía a los estudiantes de

todas las disciplinas en la realización de trabajos prácticos encargados del exterior.

Perfil pedagógico: Vanguardista: movimiento internacional de renovación escolar Educación artística: “actividad vital a todo el pueblo y de

ninguna manera un lujo”

Directores, Ideales, Características, ObjetivosEra Gropius:

Fase EXPRESIONISTA: (1919 - 1923):netamente influenciado por el expresionismo:

o Arte socialmente comprometidoo Liberación total del quehacer artísticoo La verdad se encuentra más que al final de la tarea,

durante la BUSQUEDACurso preliminar, ITTEN enseñanza mediante el juego:

o Desarrollo de los sentidoso Capacidad de pensaro Espiritualidad

PROBLEMA: escasos vínculos con las exigencias de la fabricación en serie, Itten amenaza con convertir a Bauhaus en un laboratorio de investigación estéticaGROPIUS pensamiento RACIONALISTA:

o Nuevos horizontes de abstraccióno Adhiere con el movimiento moderno.

2da Era Gropius – RACIONALISTA: (1922-1928)Búsqueda de formas propias que reflejen los ideales BAUHAUS1922 – Itten deja la Bauhaus: Orientación de los talleres hacia una nueva tendencia:

o Papel del diseñador: nuevo tipo de trabajador que domina por igual TÉCNICA y CONCEPCIÓN DE DISEÑO

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o Idea de una Bauhaus PRODUCTIVA: más énfasis en la creación de objetos y productos concretos, posibilidad de ser económicamente independiente sociedad Limitada Bauhaus: comercialización de prototipos, conexiones con empresas.

1923 – Primera Exposición BauhausMeta: formas adecuadas a la industria de la épocaSustitución de ITTEN por MOHOLY-NAGY (“el artista es sobretodo un técnico”, dirige en Vorkurs y el Taller de Metales)

o Walter Gropius cambio en su pensamiento Arte abstracto Neoplasticismo: De Stijl (Theo Van Doesburg),

concepción universalista, lo individual al servicio de lo universal coherente con la idea de Gropius de los objetos y sus escencias

Constructivismo Escencia misma de las cosas: formas y colores

elementales, Tipos básicos ideales (silla, tetera, casa, etc), Función y forma adecuada al uso.

o Artistas: de corte más abstracto y contractivo: Klee, Kandinsky, Albers, Moholy Nagy

o Pensamiento RACIONAL: vivir civilizadamente = vivir racionalmente La RAZÓN es el instrumento del conocer, lo util sirve

de fundamento a lo bello.1923-1928 etapa de mayor esplendor, más productivaForma paradigmas del bueno diseño1925 Traspaso a DESSAU: acelera la producción, contacto con al realidad

Era MEYER: funcionalismo – colectivismo – constructivismoHannes Meyer: arquitecto suizo, hace una arquitectura radicalmente funcional que renuncia al concepto de arte:

o Primero dicta el taller de arquitectura o Asume como director cuando Gropius se retira, si bien no

comparten la idea de hermandad entre arte e industria.Ideología:

o Corte constructivista-marxistao Insertar a la escuela en la PROBLEMÁTICA SOCIAL: generar

objetos cerca del gusto, entendimiento y necesidad popular.o Desarrollo de la parte científica: exigencias de la industria

Académico: o División entre las asignaturas de arte y las científicaso Intensificación de la parte prácticao Refuerzo de la sección arquitecturao Apertura de la escuela: mayor integración social.

Misión social: Talleres como verdaderas corporativas de trabajo, standarización, encargos reales.

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Objetos: o Despojados del carácter ideal que esgrimían los de Gropiuso Mensaje unívoco: mejor comprensión y lecturao Para las masas, necesidades populares o Disminuyen la calidad como objetos de diseño, son pensados

para el consumo masivo

Gropius Meyer Formas puras, coherentes

con la producción industrial Dupla función-forma Análisis de materiales Composición de partes,

diferenciación de entidades funcionales.

Lenguaje formal influido por las vanguardias

Romper con los paradigmas anteriores

Intelectualmente elaborados

Problemas: No hay conocimiento real de las dificultades de la producción en masa No tienen en cuenta la necesidad y el gusto popular

Rechazan el concepto innovativo de mobiliario de estructura tubular, vuelven a los materiales tradicionales de aceptación popular.

Formas simples, de lectura clara, economía, ya no como expresión de una idea formal.

Relación usuario/productos, dinamismo, posibilidad de cambios.

Posibilidad de ser vendidos en grande tiendas desarmados y reconstruidos por el usuario.

Ya no hay tanta pureza formal, sin el rigor morfológico estructural de antes.

Producción para grandes series

Influencia de las Vanguardias: Artistas de valor indiscutibles pero “neutrales” Expresionismo arte socialmente comprometido Blaue Reiter liberación total del artista, verdad mediante la

búsqueda.Luego

Constructivismo: Gabo, Pevsner Neoplasticismo, Racionalismo, Suprematismo: formas puras,

colores primarios, valores universales, objetos ideales, lenguaje para el hombre universal

Artistas: Moholy-Nagy, Van Doesburg, Kandinsky, Malevic, Klee.Cronología de la vida de la Bauhaus1919- Fundación, Manifesto1920 – visita de Van Doesburg influencia Creación del partido nazi

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1922 – reemplazo de Itten por Moholy-Nagy, culminación de la fase expresionista.1923 – Racionalismo en la Bauhaus, 1era exposición, Lámpara de Wagenfeld Hiperinflación en Alemania1925 – Sillon Wassily, traslado a Dessau por cuestiones políticas y animosidades, nuevo edificio, nuevos talleres1927 – Sección arquitectura con Hannes Meyer1928 – Gropius solicita el relevo de su cargo, escuela amenazada en el interior por el formalismo y en el exterior por el nazismo.gropius tuvo una primera etapa en la que estaba mas influido por el expresionismo, que creia en un arte socialmente comprometido, y accesible a todos y despues una segunda etapa en la que estuvo mas influido por el racionalismo y por de stijlSucesores: Escuelas:

Black Mountain College: joseph y ani Albers, Bucki Fuller, De kooning.

New Bauhaus (chicago): Moholy nagy Bauhoschule: continuación en Europa, Otto bartning, wagenfeld,

Neufert Knoll International: producción de diseños modernos pagando

royalties. Emigración: Walter Gropius – Harvard, Mies Van der Rohe –

Armour Institute of Chicago Cranbrook Academy of art

Diseño en América: Contexto

EEUU período de entreguerras, fortalecimiento del : capitalismo y consumismo

Diseño Industrial venta y comercialización, agilización del mercado.

crack de wall street 1929 NEW DEAL: obras públicas, reactivación del consumo, compromiso y apoyo por parte del estado.

Condicionantes Materias primas en su propio territorio Nuevos materiales: aceptación del público Fuentes de poder, nuevos combustibles Construcción estandarizada: transitoriedad y Movilidad

Influencias Hollywood Musica: jazz, swing, Gershwin, vertigo, velocidad, exhuberancia Comics y ciencia ficción: flash, superman, ambientes futuristas

Art Decó: viene de Francia, modernidad y tradición decorativa. Estados unidos no poseía un estilo arquitectónico propio.

Movimiento sin pasado Imágenes de modernidad, pujanza industrial, prosperidad

económica, glamour.

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Sin grandes andamiajes teóricos. Chrysler Building, Empire State

Styling: Variante comercial que permitió a los americanos agilizar el mercado para sobreponerse a la depresión, utilizando la imagen del producto como motor de la carrera consumista.

Auspicia el cambio constante de la apariencia de los objetos con el fin de lograr un INCREMENTO DE VENTAS.

Objetivo principal producit un cambio radical en la FORMA EXTERIOR del objeto mientras que los mecanismos y prestaciones se mantienen casi inalteradas.

Misión del diseñador: Aumentar la EUFORIA CONSUMISTAFactor publicitario: Obsolescencia planificada: desgaste generado por el bombardeo de imágenes nuevas con necesidades inventadas.

Promoción de nuevos modelos falsa sensación de necesidad saciable solo con la compra de lo nuevo.

Se genera un círculo vicioso en el que el nuevo modelo viene a reemplazar al viejo, pero a su vez es condición imprescindible para la existencia del siguiente, de esta manera cada objeto lleva marcada en su nacimiento la fecha de su propia muerte o reposición.

Superpoblación de productos identidad visual de los objetos, correspondencia con otros o asociación con una marca o empresa imagen corporativa: clara visualización y diferenciación con la competencia.

Streamlining: la imagen en pos de una idea Styling: no esta ligado teóricamente a un lenguaje formal determinado adopta el streamlining como imagen y repertorio formal.

Estilo nacido predominantemente del campo científico-teórico, y búsquedas de la producción industrial, casi sin contacto con teorías estéticas.

Líneas Aguzadas (tendientes a una gota de agua) proporcionan condiciones ideales para evitar la resistencia de los cuerpos al viento y al agua (observación de peces y aves).

Experiencias con aerodinamia: justificación teórica, incremento de la velocidad y la estabilidad.

Asociación del streamlining con el diseño americano: Necesidad de cambiar la forma del objeto sin realizar

modificaciones en la maquinaria: desarrollo del carcaseo, superposición de una envolvente que cubre el objeto, cambio en la apariencia sin tocar los puntos motrices.

Superficies continuas: provenientes del aerodinamismo, asociación de dichas formas con imágenes de modernidad y tecnología.

Lenguaje simple y de mensaje unívoco: la repetición permite la validación de la imagen y por ende la imposición de un modelo.

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Suficiente fuerza, adaptabilidad y originalidad para despertar interés y ansias de compra en el consumidor.

Características: se repiten en los objetos sin importar su funcióno Formas envolventeso Perfiles aerodinámicoso Curvas de amplios radioso Colores brillantes o Detalles en cromadoo Remarcada horizontalidad.

Generalmente desarrollados en chapa conformada: imagen de gran modernidad, deja de presentarse como sumatoria de elementos para evidenciarse como un todo.

Se hace necesaria la aplicación de elementos de accionamiento sobre el cuerpo principal.

Énfasis en la comunicabilidad del objeto:o Presentarse como un producto de calidad y

tecnológicamente avanzadoo Impacto comunicativo: capacidad inmediata de descubrir

su modo de accionamiento, la operatividad del producto se pone siempre de manifiesto.

Feria mundial de nueva York 1939Consolidación del estilo, prefiguración del mundo de posguerraAdelanto del mundo del mañana, lema de la feria “construyendo el mundo del mañana” Película “things to come”, libro “horizons” de Bel GeddesBisagra entre el mundo a vapor y el mundo de la electricidad, el mundo mecánico y el mundo electrónico, American way of life.

Academia de Arte de CranbrookComunidad de educación proyectual fundada a principios de los 30 por un millonario (George Booth) en la ciudad de Detroit, con la colaboración de Eliel Saarinen (arquitecto finlandes)

Diseño como actividad multidisciplinaria, desde el diseño textil hasta planificación urbana, diseño de interiores, de objetos, de cerámica y arquitectónicos.

Ideales americanos comunidad autónoma dedicada a una finalidad determinada, potencias la creatividad de los creadores americanos a través del trabajo en comunidad.

Alumnos y Profesores: Eliel y Eero Saarinen, Niels Diffrient, Charles y Ray Eames, Florence Knoll, David Rowland, Harry Bertoia, Ben Baldwin, etc.Primeros Años: de lad ideas de las Arts & Crafts hacia el diseño industrial

Respeto por las tradiciones por un lado Pasaje a la producción seriada Exploración de conceptos innovadores y técnicas por el otro. Fue en la misma medida anglosajona y americana

Eliel Saarinen: “no es una escuela de arte en el sentido ordinario de la misma. Es un espacio de trabajo para la creación del arte: el arte

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creativo no puede ser enseñado por otros, cada uno debe ser su propio maestro. Pero el contacto con otros artistas y los intercambios amplían el espectro de creación.Visión pragmática del diseño manejo sus aspectos pedagógicos hacia RESULTADOS CONCRETOSGeorge Booth muere en 1949 y Eliel Saarinen año siguiente , con esto concluye la época de oro y la escuela pierde su especial significado, pero los egresados desarrollaron con mayor esplendor sus trabajos.Antecedentes: EEUU

Seguidores de las Arts and Crafts integrar al diseño los valores tanto sociales como de la vida cotidiana y sumarse a la producción industrial.

Los hacedores de objetos debían sentar las bases para una ética colectiva

En Finlandia Historia local el diseño como un auténtico y valedero

instrumento de protección de la herencia cultural de los finlandeses contra la histórica presión/opresión rusa.

Crear un medio ambiente humando con un definido carácter formal como identidad y eficiente.

Booth Y saarinen se conocen en la universidad de michigan en 1923: quieren fundar una institución de enseñanza de arquitectura, artes aplicadas, escultura y artesanía.Propósito de la Cranbrook:

“Formar estudiantes con un alto entrenamiento y talento en un ambiente favorable bajo el liderazgo de artistas de destacadas capacidades”

Aprender del contacto directo Influencia de la academia Americana de Roma, no poseía

currícula ni planes de estudio, la idea era invitar artistas y maestros para generar una actividad creativa informal.

Influencias: Alvar Aalto, Frank Lloyd Wright, Art Decó, Bauhaus.Concreción de una idea – estructura de la academiaDepartamentos: arquitectura, diseño de interiores, dibujo, pintura, escultura, teatro, paisajismo, artesanía.

Espectro amplio y no demasiado homogéneo Habia un curso de ingreso, creditos y diplomas

Pensamiento de Saarinen y Booth: autoeducación bajo un buen liderazgoVisión pragmatica del diseño:

No existió una base ideológica que sostuviera a la academia hacia un fin social determinado.

Aporte, creación de objetos industrializados que modificaron u mejoraron la calidad de vida.

La escuela empieza a funcionar en forma oficial en 1932, pero encuentra su apogeo en los 40 y 50s.Luego de la muerte de sus fundadores concluye la etapa más rica de su historia.Diseñadores, productos y productores:

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Booth seguidor de las arts and crafts.Saarinen factibilidad de producción en masa y posibilidades comerciales.Exhibición de arte industrial: otorgar integridad e identidad al objeto artesanal y a su vez elevar la calidad del diseño de los objetos industrializables, no siempre convivieron pacíficamente.2 modos distintos de encarar el diseño.Equilibrio entre el trabajo manual y estetica maquinista formas sencillas y representativas de su propia escencia rechazando el uso de estilos o expresiones formales del pasado.30’s – nuevas tendencias estilisticas asociadas con formas geométricas, influencia del art decó.1937 – Harry Bertoia, taller de metales, es moderno en su lenguaje formal, experimenta con la aplicación de nuevas tecnologías.1940 – MOMA, concurso de diseño Orgánico para el hogar:Los trabajos más importantes son de Saarinen y de charles Eames, el mobiliario conformo el look americano de los hogares de los 50 y de oficinas y corporaciones.Florence Knoll: produce diseños de sus colegas de la Cranbrook y suyos propiosKnoll asociates furniture:

Produce y comercializa, con altos estandares de diseño y calidad constructiva

Habil manejo de tradiciones junto al aporte del diseño contemporáneo.

Muebles de exalumnos de la Bauhaus, desde Mackintosh hasta Mies van der Rohe.

Eero Saarinen Partricular vision del diseño de mobiliario y de interiores Estética muy diferente. Silla Grasshopper y silla Tulip en PRFV

o Con knoll se convierten en muebles refinados y tan familiares como los de Mies y Le Corbusier

o Combina en forma escultural todos los elementos de una silla en un todo integrado

o Sutileza de las formas orgánicas o Posibilidad de las nuevas tecnologías y materiales.

Herman Miller: Produce muebles de Charles Eames Se vuelven paradigmas del mobiliario de oficinas: sillas

aluminum, sillas apilables con tubos de acero y fibra de vidrio. Vocero del diseño americano

Importancia de la Cranbrook: Reconciliación de las arts and Crafts con la actividad industrial Satisfizo a un publico americano maravillado por el diseño

europeo tanto como a los creadores europeos por las posibilidades del mercado americano.

Coexistencia entre producción en masa y “buen diseño”

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Espíritu del arte moderno efecto concreto y consistente en el medio ambiente doméstico.

Knoll International y Herman Miller Elemento de realismo comercial que falto en Inglaterra como en

alemania. Culto a los diseñadores, herramienta de marketing

Charles Eames y diseño americano: Conceptualmente la metodología de diseño coincide en

terminos generales como una prolongación de los maestros del movimiento moderno:

o Innovación tipolgicao Estética maquinista despojada de referencias semánticas

aplicadasPero adquiere características propias y particulares:

Escuela europea: ruptura con la historia tanto desde lo formal como desde lo tecnológico, en lo formal basandose solo en la función, dejando de lado el componente significativo de las formas. Principalmente basado en geometrías básicas (vanguardias artísticas). En lo Tecnológico con la adopción de tecnologías y materiales no tradicionales vinculados con la producción industrial.

Factor de diferenciación: o Parámetros formales adoptados, en lugar de geometría

fundamental se incorporaron formas orgánicas y plásticas.

o Visión evolucionista del diseño algunas soluciones son mejores que otras.

Diseñadores, provienen de areas no directamente vinculadas con el Diseño industrial.

Normal Bel Geddes: ideas muy voladas que no se ajustaban demasiado a la realidad. Convicción de que el diseño era una de las fuerzas conductoras de este siglo. Cree que la ciencia llevaría confort y belleza a todos los confines de la tierra, creando un mundo mejor.

Henry Dreyfuss: Telefono Bell, se inicia como diseñador gráfico. Gusto refinado, evita excentricidades, aplica principios funcionales y ergonómicos, le da importancia al factor humano. Búsqueda de seguridad, utilidad, operatividad. Se preocupa por el hombre y la antropometría.

Walter Dorwin Teague: empezo como dibujante publicista, diseño la camara Kodak Bantam Special y el interior del Boeing. Resuelve problemas técnicos de manera estética.

Raymond Loewy: es el más renombrado, imagen que el mismo se encargo de forjar, sostenía que lo primero que debía vender el diseñador es su propia persona. Los objetos adquirían una plusvalía por estar diseñados por una persona y no otra. No posee formación en el rubro, defiende el styling bajo la premisa de que “lo feo no vende”. Desarrollo el concepto de umbral MAYA (most advanced yet acceptable).

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Earl: estudios de Hollywood, creador de modelos de yeso, entra a GMC para diseñar autos.

Sinel: neozelandes, emigra a EEUU y funda el 1er estudio de diseño de estados unidos, padre del diseño. No es muy conocido en los libros de historia.

Eliot Noyes: good design: fulfills it’s functionRespects it’s materialsIs suited to methods of productionCombines these in imaginative expresión

Conoce a Gropius en Harvard, se afianza a los ideales de Bauhaus, rechaza a los no disciplinares.Impulsa el concepto de Imagen Corporativa que había comenzado con Behrens en la AEG.Elegía a sus clientes, si a este no le gustaban sus ideas y sus tiempos se daba el lujo de recharzarlos.

Knoll: a través de la producción seriada de los objetos de diseño hace conocer el diseño moderno en todo el mundo.

Conclusiones: Preocupaciones distintas a las de los diseñadores europeos.

El fenómeno americano se funda sobre carriles paralelos que se van fusionando de manera natural con el diseño.

Sin la existencia de una visión globalizadora la interacción de diferentes ramas del hacer humano van generando líneas formales: en campos de la industria y la técnica que luego pasan al diseño, no nacen del seno de las vanguardias plásticas.

Giro en la relación humana sobre el objeto: o Representación inmediata del mundo, por ende símbolo

deseable de ser adquiridoo Avidez de posesión de una sección de ese futuro

venturoso y progresista, lleva a una desaforada ola de compras, se crea un mundo objetual como nunca antes.

o El objeto ya no era algo ajeno a mi, sino una extensión de mi propio ser que a la vez me significa.

o El objeto magnifica su importancia mas alla de su aspecto funcional ambito simbólico: masificación, pérdida de convicciones de lo que realmente deseamos o no poseer.

o Los objetos se vuelven símbolos de estatus, llegan a identificarse con el status mismo: no constituye únicamente la finalidad concreta, perseguible, sino el símbolo ritual, imagen mítica en que se condensan aspiraciones y deseos. proyección de aquello que deseamos ser

o Los objetos crean un hábitat de alta calidad de vida.Mundo Europeo Pragmatismo americano

Racionalidad: encauza todo Fin de los objetos: agilizar

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lo que el diseño pueda tener de subliminal o irracional.

Conciencia: eleva al hombre, permitiéndole el dominio y orientación de fuerzas instintivas.

Valores esenciales: perfiles estructurales, y funcionales del objeto, valores universales.

Crear objetos para alcanzar un IDEAL

Conciencia social: igualdad de todos los hombres, despliegue del orden y deseo de plasmar anhelos y necesidades intrínsecas a todos.

el proceso consumista, y satisfacer el gusto popular.

Utilización de una carcasa como solución al problema morfológico (formas más libres), que en el ámbito europeo resulta inmoral.

Descreimiento de la existencia de una teoría profunda, generadora y dadora de la verdad que permita establecer los cánones a seguir para el diseño sociedad productora, sin culpas que busca el gozo y fruición más que elaborados esfuerzos intelectuales.

ULM – HOSCHULE FUR GESTALTUNGFundación: 1953, se funda en honor a Hans y Sophie Scholl con el objetivo de : Fundar una escuela en la que el SABER PROFESIONAL y la CREACIÓN CULTURAL fueran parejos con la RESPONSABILIDAD POLÍTICA.

Desarrollo de conceptos y contenidos: Inge y Otl Aicher, Max Bill, Walter Zeischegg.

Rol de la escuela: Acumulación de conocimiento y educar el entendimiento, pero

también educar los sentidos.1955 – discurso de apertura por Gropius.1er Director: Max Bill (pintor, arquitecto, diseñador suizo egresado de Bauhaus)

Continuación de la BAUHAUS (doctrina Gropius) en cuanto a: o Estructuraso Métodoso Fineso Itten, Peterhans y Albers dictan cursos ahí.

Docentes: Otl Aicher, Hans Gugelot, Tomás Maldonado.

1957 – se aparta de la tradición BauhausAicher, Gugelot y Maldonado cambio de enfoque: OBJETIVO, NEOPOSITIVISTA, CIENTÍFICO, FUNCIONALISTA.Papel del diseñador: no podía ser ya ante todo un artista extraño al espíritu y a los métodos de la industria, creando formas caprichosas surgidas de su experiencia personal, talento o fantasía, sino que debía ser un colaborador de la producción, poseer sólida experiencia técnica y vastos conocimiento científicos.

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Conocimiento técnico y científico necesarios para el trabajo práctico en la industria

Influencia del objeto en la sociedad.Enseñanza:

Combinar aprendizaje con el trabajo del diseño para la industria.

Nuevo entendimiento de la técnica: Procedimientos Métodos Principios constructivos Determinaciones y condicionantes del material.

Maldonado Director tendencia científica, positivista, político-social.

Evolución de ULM1947-1953: fundación y desarrollo de conceptos y contenidos y construcción del edificio.1953-1956: inician cursos provisionalesContinuidad de la tradición Bauhaus, aunque no existía programa de pintura, escultura o artes plásticas.Max Bill es el primer rector en 1954Nuevo edificio1956-1958: nuevas disciplinas científicas, estrecha relación entre diseño, ciencia y técnica.Max Bill abandona la escuela en 1957, no estaba de acuerdo con el desarrollo de los contenidos de la misma.Constitución de un modelo educativo.1958-1962: Asignaturas como ergonomía, matemáticas, economía, fisica, psicología, semiótica, teoría de la cienciaTradición del racionalismo alemán.Diseño de producto1962-1966:Equilibrio entre disciplinas teóricas y prácticas, Enseñanza se formaliza de un modo más estríctos, modelo de escuela de diseñoInterés de la industria en el uso del diseño industrial.Nuevas investigaciones tecnológicas.1967-1968: Preservar autonomía: nueva orientación de contenidosCierra por resolución de consejo Badem-Wurtenberg en otoño del 68Surgen cuestiones ecológicas.Reino una comercialización, ya no era posible hablar de independencia y distancia críticas.Conceptos surgidos en ULMTipo

búsqueda de lo estándar, como el testimonio de la resolución de un objeto de la manera más elevada, lo más aproximado al diseño perfecto.

Separación de lo esencial y supra personal de lo personal y casual.

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Coincidencia formal resultante de la suma de muchas soluciones.

System Design: Idea de pensar ebn sistemas con la finalidad de meter un

ORDEN en la confusa multiplicidad del mundo. Los objetos estan en una relación en la que se condicionan

mutuamente. Combinación de elementos básicos, padrón de sistemas,

adición, multiplicidad.Funciones nuevas:

Apilabilidad: formas básicas, ángulos rectos. Posibilidades ilimitadas para completar y combinar: formas

sencillas y combinables, alarga la vida util del objeto.Funcionalismo:

Forma sigue la función: expresión forma, consecuencia lógica. Reducción al mínimo de atributos estéticos: MENOS ES MÁS Organización lógica: función del objeto visible, estética

HONESTA Aspecto austero, reservado, neutral, uso de los no colores (gris,

blanco y negro)

Estructura académicaCurso inicial: (formación básica)

Fundamentos del diseño, proyectual Sensibilización. Ciencias exactas, pensamiento cartesiano.

Luego: Construcción Cinematografía Información Diseño de producto Comunicación visual

Repercusiones pedagógicas: Rígida actitud cartesiana Separación radical entre: DISEÑO/ARTE y DISEÑO/ARTESANÍA Reflexión sobre problemas, métodos de análisis, síntesis y

fundamentación. Programa de estudios modelo: máxima grado de objetividad.

Repercusiones en la cultura del producto: Principios de ulm se difunden a través de la empresa BRAUN:

Gutte Form (buena forma): satisface necesidades de producción industrial, bienes de consumo.

Colaboración con Braun: 1954 aproximadamente, empresa familiar con interés en el diseñoImagen de la empresa a través de:

Concepto Control de diseño de productos Comunicación Coordinación de todas las diligencias creativas.

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Ideas funcionalistas: Utilidad del producto Requisitos ergonómicos y fisiológicos. Buen funcionamiento Diseño esmerado en detalles. Diseño armónico Diseño inteligente: necesidades y conducta del usuario,

tecnologías innovadoras. Menos es más.

Objetos BRAUN: Sofisticación visual Atención al detalle Sencillez geométrica. Racionalismo sin decoración, sinónimos de Gute Form. ORDEN – ARMONÍA – ECONOMÍA.

Diseñadores: Hans Gugelot:

Exponente del funcionalismo Grises apagados, angulos rectos, ausencia total de detalles

decorativos. Máquinas de apariencia correcta y atemporal.

Dieter Rams: Perfección formal y atención al detalle. Estilo austero, contenido, pureza de imagen. Esclarecer el caos en el que vivimos.

Tomás Maldonado: Teórico argentino del diseño. Estudio Bellas Artes, 1951 publica la revista nueva visión,

conoce a Max Bill. Trabaja en Ulm, en 1954 domina su orientación. Consideración sistemática del diseño, estilo bellamente austero.

Otl Aicher: Diseñador gráfico alemán. Participa en ULM de 1962 a 1964 es rector. Concepto racional del diseño Obra clara racional que integre imagen y tipografía. Sinónimo de escuela tipográfica alemana, moderada, sobria,

austera, monumento a la claridad.Max Bill (1908)

Arquitecto suizo, (pintura, diseño escultura) Estudia en la Bauhaus De 1951 a 1956 es rector de Ulm.

Imagen Corporativa.Imagen global:

Política del diseño (de la empresa), diferentes soportes, canales de comunicación.

Cada soporte constituye una parte activa del todo Conjunto comunicacional

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Proceso coordinado entre todas las partes en una dinámica sinérgica.

Imagen pregnante y acumulativa en la mente del consumidor y su conducta.

Filosofía de la empresa imagen de la empresa reflejo fiel y soporte de la

Personalidad y estilo corporativo.

Identidad corporativa: Sectores:

Identidad: símbolos, impresos, etc. Publicidad Diseño industrial Diseño editorial Proyectos especiales Relaciones exteriores Interiorismo Arquitectura.

Caso OlivettiFundador: camilo Olivetti (espiritu corporativo, calidad humana, espíritu científico)Actividades corporativas:

Bienestar y facilidades para empleados Transmisión de valores estéticos, programa de exposiciones de

arte. Contacto con la esfera cultural: promoción de artistas

Perfeccionar la calidad de productos: Acrecentar la calidad estética Consideración por todos los elementos.

Política integrada de diseño Imagen global.6 departamentos:

Identidad corporativa Publicidad Promoción y material audiovisual. Proyectos especiales Diseño industrial Relaciones externas.

3 Areas: Diseño gráfico Diseño Industrial Arquitectura.

Caso Braun 1955- colaboración con ULM (Hans Gugelot Dieter Rams) – nuevo concepto de diseño habitos modernos de vida nuevos productos.Concepto corporativo:

Criterios muy precisos. Productos se distinguían de sus competidores. Bienes de consumo – productos buenos, modernos, realmente

útiles, funcionales, contemporáneos.

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Diseño industrial y Gráfico principales vehículos.Criterios fundamentales:

Implicación de la compañía entera en el diseño. Público maduro Diseño desde adentro hacia fuera, no como embellecimiento Comunicación y producto Promoción de la identidad. Diseño contribución al uso del producto, consistencia y

coherencia. Constancia y estabilidad comprensión del consumidor.

Productos Braun, Imagen: No se limita solo a la forma exterior: la solución es la expresión

visible de su proceso creador. Finalidades y requisitos criterios determinantes. Política de diseño adecuada y coherente, coordinación

precisa.

Braun Olivetti Imagen corporativa, los

productos comunican su pertenencia .

Objetos para el hogar, asociación con ULM en el 55

El objeto se construye desde adentro hacia fuera, no como una carcasa.

Comunicación de su funcionamiento

Formas simples Sus objetos se acercan a lo

esencial, se desprenden de toda interpretación, el objeto es objeto.

El significado es el objeto, el sentido del objeto es su función

Alemania: el estado fomenta la educación y la difusión del diseño.

Alemania: forma a través de la escencia del objeto.

Se fusiona con el arte y lo financia, esta relación hace que los objetos que produce se relacionen con el arte ideológicamente.

Contrata diseñadores para generar productos en vez de tener un departamento fijo de diseño.

Dirigido a la personalización. Formas geométricas simples pero también tocan el lado sensible del usuario expresión de la persona.

Formas no son tan rigurosamente puras.

El uso del color, la relacion con el usuario los transforman en una extrensión de uno, objetos queribles

Otras variables (lo sensible), se centra en el objeto y no en el mercado.

Se preocupa por tener “lo mejor de la epoca”

Italia: diseño a través de ciertas empresas y personajes

Italia: Buen arte aplicado al

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diseño, se acerca al producto por un lado sensible y cálido

Ambas: good design / gutte form Resuelven el diseño desde una imagen totalizadora, good

design opuesto a Styling. Diseñador: resolvedor de problemas Forma a partir de la función del objeto, se rechaza el modelo

consumista americano

Diseño en Argentina: Industrialización: comienza a fines del siglo 19, apogeo en durante el modelo económico agroexportador.1930 – se consolida el proceso de industrialización:

Corriente inmigratoria europea, radicación de extranjeros. Aumento progresivo y acelerado del mercado interno. Inversiones inglesas: red ferroviaria, frigoríficos, explotación de

la pampa. Requerimiento de procesos de transformación industrial de

materias primas para la explotación de cueros, lanas y carne. Demanda de infraestructura y equipamiento. Optimizar labores

agrícola-ganaderos, maquinaria, vias férreas, talleres.Antecedentes:

Impulso dado por los inmigrantes de amplia visión y capacidad necesaria para realizar emprendimientos (Quilmes, bunge y born, Torcuato diTella, Siam)

1930 – nuevo modelo económico: Industrialización por sustitución de importaciones.

Depresión económica de 1929, perjudico las relaciones económicas internacionales.

Posicionamiento de EEUU como principal inversionista en Latinoamérica: deterioró las relaciones entre argentina y Gran Bretaña, perjudicó la exportación de carne y granos.

Aumento de los aranceles para la importación. Acelerado desarrollo de la industrialización

o Fuerte demanda de mano de obrao Crecimiento de la clase obrerao Expansión del mercado interno

1930-1945: primera parte del proceso Industrias productoras de bienes de consumo,

electrodomésticos, metalurgia, elementos afines a la industria de la construcción.

1945- fines de los 50: economía “cerrada”Desarrollo de empresas estatales de origen militar.Fines del ’50:

crisis por el deterioro de maquinaria, imposibilidad de importar insumos, para su reparación.

Falta de infraestructura

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Instalación de filiales de empresas internacionales en el área de industrias metalmecánica, petroquímica, producción para el mercado interno.

Pioneros del Diseño Nacional: Pirovano, Cesar Janello, Antonio Bonet

Cesar Janello: arquitecto, diseño de muebles funcionalmente prácticos, gran simplicidad formal, reducción de componentes y materiales.

Pirovano: Primer director del museo nacional de artes decorativas 1937, equipamiento del hotel llao-llao, problemática del diseño como parte del accionar político en el plano cultural.

1939- sillon BKF, antonio Bonet, Kurchan y Ferrari-Hardoy, primer salon de decoradores, nombrado uno de los 100 mejores diseños del MOMA.

50’s concepto de diseño industrial comienza a instalarse60’s Difusión del diseñoElectrodomésticos SIAM: imagen empresarial (productos, gráfica, publicidad)Figuras: Tomas Maldonado, Basilio Uribe, Hugo Kogan, Ricardo Blanco, raíces de institucionalización del diseño en argentina.

Tomás Maldonado: o 1951 – revista nueva Visión, medio de difusión o Inserción en Europa en el campo de la teoría y enseñanza.o Transformación de la enseñanza del diseño a partir de

una visión integradora donde las disciplinas convergen, con un fuerte acento entre investigación y proyectación.

Basilio Uribe: o Periodista, poeta, Bellas Artes, asociación de críticos de

arte.o Crea en 1962 el centro de investigación de diseño

industrial (CIDI), dependiente del INTI.o Acciones para la difusión y desarrollo del diseño industrial

nacional.o Exposiciones, concursos, seminarios.o Diseño industrial lugar destacado entre las

manifestaciones culturales. Ricardo Blanco:

o Arquitecto dedicado a la docencia y práctica profesional del diseño industrial: uno de los principales referentes.

o Especializado en mobiliario, grafica empresarial y diseño de luminarias.

o 1979, “oficina de diseño”, sistemas de equipamiento escolar, hospitalario, bancos, etc.

Hugo Kogan: o Experiencia práctica profesionalo Bienes de consumo durables, electrodomésticos,

iluminación, equipamiento, etc.

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Crónica del diseño industrial en Argentina Visitas del movimiento moderno en el ‘20 Argentina espejo de Europa, en especial Francia Política inmigratoria de sarmiento, llegan artesanos italianos del

gremio de la construcción. Producción de muebles y objetos de adorno “estilo importado” Primer sacudon visita de le Corbusier: entusiasmo e imaginación

de los jóvenes arquitectos, guerra contra el ornamento. Firma sueca Nordiska objetos y muebles 30’ cine gran Rex de Alberto prebitsch, nuevas ideas Sacriste, Ferrari-Hardoy, Kurchan nueva arquitectura necesitaba

un equipamiento que concordara, el arquitecto tuvo que asumir el rol de diseñar muebles.

CIDI: centro de investigación de diseño industrial dependiente del INTIAbre en 1962, su primer presidente es el ingeniero Basilio UribePropósito fundamental: promover una conciencia del buen diseño en los productos industriales por medio de:

Exposiciones internacionales Cursos y seminarios Concursos de productos y proyectos Investigación y educación Muestra permanente

En 1964 se crea la asociación de diseñadores industriales de la Argentina (ADIA), primer presidente Pablo Tedeschisignificado del diseño industrial:

o Algunos opinan que incluye actividades de base artesanal.o Otros que debe limitar su campo a la industria de ingeniería.o Contribución que los diseñadores pueden y deben brindar

para mejorar el entorno urbano.o Crear conciencia entre los gobiernos de la importancia

decisiva que posee el buen diseño en la vida de los pueblos. 1970 grupo de dseñadiores que se desempeñan

independientemente y son contratados por empresas en carácter de consultores:

o Roberto napolio Hugo kogan o Ricardo blanco o Mario Mariño

Gui Bonsiepe: aportes en el plano teórico, búsqueda de la creatividad y capacidad de innovación en paises periféricos. 80s jóvenes profesionales en el campo del diseño industrial

Líneas posmodernas de Leiro, Kogan y Blanco a través de su empresa VISIVADiana Cabeza equipamiento urbano y estudio del hombre

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Segunda parte

Visiones – diseño en alemaniaDiseño aleman contemporáneo:

Crisis del vanguardismo: Años 60: Cambio radical en los valores culturales Distanciamiento con los principios del movimiento moderno Sociedad de consumo surge un mercado joven Optimismo generalizado, en lo económico, y tecnológico Revolución Pop, diversión, variedad, irreverencia, inteligencia,

moda. Diseñadores se esfuerzan por romper con los valores de la

generación anterior enfoque más expresivo y audaz.Posmodernismo Italiano e internacionalItalia pop art reacción contra el preeminente movimiento moderno italiano1966 nueva generación de arquitectos y diseñadores capaces de estrechar los lazos con la industria, usar el diseño como un arma política. (Natalino, frasinelli, magris, poli)

Estudio Archizoom (firenze 1966, andrea branzi, corretti, deganello, morozzi, bartolini)

Grupo Strum (turin 1966) Grupo 9999 (Florencia 1968)

Preferían trabajar como colectivos creando diseños radicales y entornos innovadores.Obra de Ettore Sottsass: muebles y objetos de cerámica inspirados en la cultura pop y el misticismo indio, rechazaban los valores de l vanguardismo anterior.Nuevo movimiento ANTIDISEÑOValores que el movimiento moderno despreciaba:

Lo efímero La ironía Lo kitsch

Muebles “antidiseño”: silla inflable blow, asiento sacco, lampara bulb-bulb de ingo Maurer.

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Robert Venturi: criticó el rígido formalismo del movimiento moderno en su libro complejidades y contradicciones de la arquitectura, que se volvio un manifiesto antidiseño.

Importancia del pop art: Vital importancia a la hora de trascender el conservadurismo

del moderno a pesar de haberse fundado en valores revolucionarios

Inyección de vitalidad para el diseño

Años 70 Fin del dominio de un único movimiento de diseño a nivel

internacional. Movimiento moderno criticado y desacreditado. Debate primero en el ámbito de la arquitectura, robert Venturi,

Michael Graves, inspirados en el pop art o la revitalización de los motivos clásicos y del art Decó, abrieron el debate sobre el movimiento POSMODERNO.

Muchas alternativas (desde el punto de vista estilístico) al movimiento moderno PLURALISMO, ninguna idea iba a volver a predominar sobre las otras.

Crisis del petróleo, coste de los plásticos. Interes creciente de la sociedad por los problemas

medioambientales y el reciclaje. Nuevas definiciones del diseñador y su relación con la industria,

desencanto respecto a la tecnología.Años 80:

Diseño podría independizarse y aumentar su importancia en el ámbito de la cultura.

Catalizador exposición de Memphis, Milan 1981 Ettore Sottsass, junto con jóvenes diseñadores presentaron una

serie de muebles y objetos que trastocaron los valores tradicionales: colores intensos, extrañas formas, adornos peculiares, referencias a estilos pasados.

Por primera vez el diseño se presenta sin el apoyo de la arquitectura,

Impacto internacional efecto liberador nuevo diseño

Nuevo Diseño en AlemaniaAños 80 década del diseño, boom consumista

Palabra diseño intercalada en el lenguaje comun Termino diseñador: radicalmente distinto a los años 50 en ULM,

basado en la gutte form y en el hi-tech Nueva concepción del diseño: Alchimia y Memphis En alemania occidental sufrio modificaciones y se convirtió en

un movimiento joven e independiente. Exhibiciones: “môbel perdu” 1982, “Wohnen von sinnen” 1986,

“documenta 8” 1987Grupos de nuevo diseño aleman: Bellefast, Pentagon, Ginbande, Stilleto, Möbel perdu, Berliner design werkstatt, Berliner Zimmer

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En alemania el énfasis estaba puesto en lo individual y en la estilización de los componentes “artisticos” nuevos conceptos, nuevas formas de mirar las cosas, redefinieron los objetos y las tradicionales ideas sobre la función.

Derrumbar la noble comodidad en que se asentaba el diseño neofuncionalista (Dieter Rams, Braun) muebles de materiales no aceptados, cajas de madera, refuncionalizaciones, Reddy-mades, etc sombría sencillez.

Se propusieron una funcionalidad basadas en principios totalmente nuevos naturalidad, elementos lógicos.

o Presentaciones de elementos familiares bajo la luz de lo no familiar.

o Enfasis en la función psicológica de los objetos, expresaron ideologías, generaron comunicación.

o “individualismo” “Nuevo Diseño” producto de la no conformidad, de la

provocación, más que de una tendencia

Neovanguardismo 1945 – fin de la segunda guerra aceptar o rechazar los modelos existentes y estilos de los diseñadores de la generación anterior.Diseño arma para la reconstrucción de paises.En Italia se rechazaron algunos estilos previos a la guerra por su relación con el fascismo, formas orgánicas.Alemania se retomó el diseño moderno en donde lo había dejado la Bauhaus.Diseñadores de fama internacional:

o Diseño orgánico: Eames, Arne Jacobsen, Robin Day, Marcelo Nizzoli

o Neo Racionalismo: Dieter Rams, Kenneth Grange

Estudios: Ginbande design: 1985-1995Fundada en Frankfurt por Uwe Fischer y Klaus-Achim Heine.

Enfoque conceptual-filosofico, nuevos interrogantes, muebles instantaneos para nuestra instantanea forma de vida.

Muebles que se pueden programar y desprogramar, concebidos no propiamente para el consumo, ni para su fabricación en serie.

Funcionalidad programable, pura prescencia Muchas secuencias son necesarias para llegar a la

conformación definitiva del objeto. Por ej Tabula rasa y Tabula Varia: situaciones distintas de funcionamiento.

Se introduce la palabra situación: estos objetos no se definen en un único estado, se crean sobre un número indefinido de situaciones.

Objetos son una especie de espectro que parte de una base de utilización con uso específico pero contiene una configuración

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espacial abierta y posible de modificarse sobrepasan las convenciones prefijadas, relación objeto-sujeto

Mesa más estático de los muebles, a su alrededor toman asiento de 4 a 6 personas disolver el código prefijado, el mueble se adapta en su tamaño de acuerdo al número de personas que se sienten a su alrededor, sin Abandonar sus cualidades significativas arcaicas.

El tradicional “forma sigue la función” no se implementa unilateralmente. Se amplia con un componente social, la mesa comprendida como centro de reunión, utilización abierta.

Nueva Modestia objetividad perseguida Piensa en la proyección de un espacio individual que deje vivir

todas las facetas posibles de la vida. Los hogares tienen que ser proyectados para transmitir

comportamientos sociales: liberación, por sobre una convención prefijada.

Objetos: tablua rasa, Tabula Varia, Kindermöbel, Nexus

Yellow Design: El medioambiente como tema de diseño, diseño ecológico Se concentro en 2 sectores: el diseño netamente industrial y el

packaging, vinculado al área ecológica. Plásticos reciclados, reutilizables. Producto concebido para aguantar condiciones extremas hasta

volverse más valioso con las huellas del desgaste. Ecológico: actuar en el presente utilizando materiales

adecuados y actuar a largo plazo influyendo a través de la estética sacando a la ecología el rótulo de lo usado, que la tecnología apunte a la ecología.

Productos: “crazy” packaging modular, pack de leche condensada, etc.

PentagonColonia 1985, Wolfgang Laubersheimer, Gerd Arens, Reinhard Muller, Ralf Sommer, Meyer Voggenreiter80’s desarrollo de la cultura cotidiana del diseño

Aceptación de lo provocativo o de lo que no correspondía al ideal o a los dictados de las “buenas costumbres”.

Pre-condiciones económicas Necesidad de lo individuos de conformar su propia esfera de

actuación.Filosofia de pentagon:

No se basaba en la producción industrial masiva, objetos únicos, series cortas. La creación de un producto durable, o el diseño para la producción en serie ya no eran aceptados como criterios decisivos.

“Arte que se hace util a si mismo” “arte aplicado” Ediciones limitadas, no esperaban cumplir con las necesidades

de todo el mundo. Verpantes Regal: (estante tenso) de laubersheimer

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o Irónico y jugueton ataque a la estética del ángulo recto o Original y convincente solucion contrutiva a un problema

actual.o Acero sin ningun tratamiento, nueva estética de los

materiales Laubersheimer intenta introducir elementos nuevos en el diseño ademas de una filosofía que trascienda la forma definida.

Muebles con materiales muy pesados, muy fríos, muy oscuros, etc, concebidos como grandes esculturas, impresión manufacturera artística, de ejemplar único. Crean un paisaje de oficina con luces de neon, acero y arena.

Pentagon gente que viene del campo de la escultura, constructivismo ruso y neorrealismo. Mezcla de artistas y oficina de diseño.

Volker Albus1949, arquitecto, especializado en mobiliario

“Socialización del arte o arte utilitario” “art to use” galería de diseño moderno en Frankfurt.

Para el el diseño es reflexión iluminando la lamentable situación en que vive alemania.

Efectuar diseños del pais: hacer objetos, luz, muebles que reflejen su situación cotidiana.

Alude al principio de transformación (ejemplo araña “Weaner Blut”), representar formas tradicionales con medios modernos de manera abierta y transparente.

Aborda de forma ambiental, emocional y teórica, trata de embellecer lo que ya existe en la realidad y así ofrecerlo de nuevo, podemos decir que es un realista socialista.

Nils Holger MoormanEmpresario, productor de objetos cuyas características principales son:

Sencillez, nobleza de los materiales Aprecia las soluciones sencillas y fácilmente comprensibles. Eligio su sede en una aldea y no en una gran ciudad

o Utiliza artesanos y pequeños tallereso Desarrolla los muebles en conjunto entre diseñador y

productor.

Stilleto studios: Sillon “consumer’s rest” objeto de uso diario, reinterpretado e investido de una nueva función.

Los muebles deben tener una estructura lúcida, cumplir conb la función que se les asigna en términos dimensionales, ser firmes, estables y sólidos desde el punto de vista industrial y producidos en serie.

Usar elementos tomados del ciclo cotidiano del consumidor como material básico: tiene que ver con un renacimiento con alma y carácter.

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No se preocupó por mejorar el producto, utiliza lo que está a mano y ha pasado la prueba del tiempo.

Vitra: suiza 1934, Willi FehlbaumCompañía fabricante de muebesl (de oficina particularmente)

Más alta calidad de disseño y manufactura (Mario Bellini, Antonio Citterio, Phillipe Starck, Jasper Morrison)

El diseño es el corazón de la filosofía de la empresa. Cuenta con un museo abierto al público con un programa activo

de exposiciones Vitra Design MuseumColección: 1800 piezas de mobiliario, la mayoría sillas entre 1820 y la actualidad.Pequeña colección de iluminaciónColección extensa de muebles de Eames incluyendo modelos y prototipos.Museo representa la verdadera pasión por el diseño del propietario, empresa comprometida con el diseño.Museo: Actividades:

Documentación e interpretación de la historia del diseño industrial de muebles.

Montar exposiciones cambiantes que viajan por el mundo Publicar catalogos Organizar debates.

No recibe apoyo económico del sector privado ni públicoTendieron lazos temáticos para unir los modelos y situarlos dentro de su contexto, objetos repartidos en grupos.El edificio fue proyectado por Frank Gehry.Ingo MaurerSe lo llama “el poeta de la luz”

Firma Gestaltung (dando forma) Design M Objetos considerados como tótems Evento mayor en 1993, expo en el museo Stedelijk de

Amsterdam Objetos: “don quijote” “Bibibibi” “Mozzquito”: basados en ideas

espontáneas, hechos con amor y con apariencia de objetos improvisados pero funcionan perfectamente y poseen alta tecnología en sus componentes.

Nueva visión del mundo de pajaros volando, bulbos de lamparas desnudos con plumas reales.

Su lenguaje no es convencional, pura inventiva, puede combinar elementos simples y elegantes con juguetona ironía. Origina elementos totalmente nuevos en términos de forma, materiales y efectos de iluminación.

Fuente de iluminación basada en una inimitables fantasía artística, “la intuición es más importante que la inteligencia” Einstein

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Representa la “antimodernidad” alemana a fines de los sesenta, serie de lamparas estilo antidiseño.

Triplemente Sencillo: Kaufhaus des ostens: (gran tienda de occidente)

Usar procesar y digerir todo lo que la industria produce en todas sus formas. En todo hay potenciales piezas de muebles esperándonos, productos semiacabados o manufacturados a la espera de ser rearmados.

El punto no es reciclar aprovechar la abundancia Tampoco es Do It Yourself toman lo que encuentran y

encuentran lo que necesitan nueva calidad, nuevo poder expresivo de las cosas, combinaciones excitantes de materiales poco usuales.

Barato no necesita cadenas de montaje ni máquinas complejas, ellos mismos ofrecen y venden sus productos.

Que es? Movimiento alternativo de diseño, años 80, Axel Strumpf.

Urgente necesidad de cambio, fatalismo, ironía desafiante, “aprovechar la abundancia”

Consistente sencillez, uso de elementos más simples y materiales con montaje sencillo (aditivo) y relación directa con el espacio de vida urbano.

Aceptación general de profanar la rutina de trabajo y producción.

Productos no disfrazan el aura natural de las partes elaboradas o semielaboradas, nada fue embellecido “as found en el supermercado de la construcción”

“alimentos para el diseño” belleza, materialidad, diversidad, elementos que estaban alli y habíamos pasado por alto.

Parques industriales, plantas de producción, paisaje citadino “naturbano”, tejido de elementos estáticos y móviles, experimentar con los sentidos, caleidoscopio de parámetros culturales.

Glorificación artística del panorama urbano, República Federal de alemania tierra incognita, red construida con criterios tecnocráticos-programáticos con algunos elementos que habían sobrevivido a los buenos viejos tiempos. La ciudad hardware elemental de la construcción. Software para el estado anímico: profundidades de la propia cultura: Goethe, Schiller, Beethoven.

Espíritu de la época fuerte pesimismo, realismo verdadero. Misma intención: ir más allá del mero contracto para generar

con los elementos sacados del entorno urbano una atmósfera determinada que supiera traducir el ambiente de la vida cotidiana concreta, experimentada a través de los sentidos.

Conocer la condición interna en la que el hombre contemporáneo se encuentra, consecuencia también de la condición de sus ciudades: volver a crear un medioambiente para este ciudadano tan desiliusionado con su entorno, adicto a

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la movilidad, para que pueda echar raices y establecer relaciones duraderas con las personas y las cosas.

Obras de la época: difícilmente bellas, acogedoras o cómodas.Estas incomodidades, externalidades figurativas o materiales, resistir al culto de lo agradable.Todo de la manera más directa, sencilla y auténtica posible.

Mirar y combinar diferentes elementos contra las convenciones (silla consumer’s rest, estante chambre d’air).

Combinación de al menos 1 elemento inusual en el ámbito del mueble “dominante de sabor”, con una estructura de soporte neutra.

Si bien los objetos encontrados, usados, son removidos de su contexto funcional tradicional, siguen siendo útiles de variadas maneras, pero nunca llevados a una marginalidad desprovista de utilidad, no se convierten en dada.

Búsqueda conciente y no meramente casual: encuentran lo que necesitan.

No se ven como nostálgicos, sino como la forma de hacerse de los elementos constructivos adecuados a fin de evitar complicados procesos de fabricación.

Rudo pero cordial: Con los años sus cualidades se basaban menos el un poder

expresivo auto referenciado, se basaban más en los aspectos narrativos y contextuales.

Preocupación por condiciones prácticas y técnicas.Años 90 – Conciliación.Konstantin Grcic: construcción sencilla, diseño técnico elaborado hasta el más mínimo detalle, los integra en una estética global, carácter conciliatorio. Diferentes niveles funcionales y estructurales. Pulido de superficies, uso de colores. Influencia de Jasper Morrison.

Diseño Italiano Ambito de objetos de decoración fama internacional gracias a Archizoom, Superstudio, Alchimia, Memphis, etc, que a partir de la segunda mitad de los años sesenta se ha lanzado a una actitud provocadora respecto al gusto dominante para sacudir la calma del asfixiante conformismo reinante.

El intento de atacar dicho conformismo se hizo posible gracias a la aparición de una elite consumista que no se encuentra a gusto en el ambiente doméstico tradicional.

En Italia tambien hay un diseño industrial que opera con excelentes resultados en sectores de la industria manufacturera, medios de transporte, electrónica de consumo, instrumentos de informática, comunicación y electrodomésticos.

Hay dos corrientes principales del diseño Italiano: Un diseño industrial inteligente, rígida y formalmente

disciplinado (El Bel Design) Un diseño que elude cada vez más la función de los objetos

(movimientos de contracorriente)

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Italia se caracteriza por un gran contraste entre el norte industrializado y el sur marcadamente agrícola.

El diseño es un privilegio de los grupos de renta elevada de las metrópolis, dado que en Italia los contrastes sociales son más pronunciados, el número de consumidores pudientes es más reducido. El diseño tambien es un importante factor de exportación cultural y económico.

Solo después de la segunda guerra mundial comenzo la transición de la producción artesanal predominante a la elaboración industrial.

Otro punto importante es el fuerte compromiso polñitico e los diseñadores italianos, los movimientos de contracorriente de los años 60 se han de entender como una reacciónm frente a la sociedad de consumo.

En el contexto del desarrollo tienen importancia una serie de revistas (casabella, domus, modo, rassegna) que divulgan diversos aspectos del diseño y no se consideran revistas técnicas para entendidos.

El Bell Design Italiano.A principios de los 60 Italia arrebató el dominio al diseño escandinavo como estilo internacional.

A mediados de los 60 comienza el momento clave de experimentos con materiales nuevos por parte de arquitectps y diseñadores italianos, por ejemplo los materiales sintéticos, que tomaron la delantera.

Mientras que en alemania los diseñadores estuvieron más orientados hacia la economía, en Italia adoptaron una posición crítica y distanciada frente a ella.

El Bell design Italiano esta marcado principalmente por innovaciones técnicas y creativas que han acabado tipificando algunas clases de productos.

Objetos: Silla plegable “Plia”, mesa plegable de catiglione “Cumano”, Televisor portátil “Algo 11”, Lampara “paréntesis”

Muchos de estos objetos se han convertido en clásicos de las funciones indicativas del producto. El tratamiento ingenioso de las formas, materiales, colores, determina su imagen de manera decisiva.

Movimientos italianos de contracorrienteEn el diseño italiano también es importante el compromiso de los diseñadores en movimientos políticos.En los años 60 se formaron diferentes grupos en Florencia y Milan que con sus proyectos conceptuales ejercieron una inmfluencia decisiva en el diseño.Esta época coincide con el movimiento Hippie en Estados Unidos, el tedio por la creciente civilización alcanzo tambien a circulos artísticos

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que influidos por los escritos de Freud, abogaban por comunidades abiertas, libres de represión e intentaron vivir según esos modelos ideales. Fue un momento marcado por movimientos de protesta estudiantiles .El sillon Sacco, es uno de los productos típicos de la época, se trata de un asiento que permite adoptar cualquier tipo de posición de reposo, ofreciendo por lo tanto mucha libertad. Interpreta la manera informal de sentarse de la gente joven.

SuperstudioEl Florencia diciembre de 1966, bajo el liderazo de Adolfo Natalini,

Investigar teormicamente la actividad proyectual en la arquitectura y en el diseño

Intento de escapar a la terrible vida cotidiana Todo objeto tiene además de una función práctica una

contemplativa Se ponía fin al mito de la racionalidad El grupo coopero desde los 70 con 9999, fue miembro entre el

73/75 del global Tools y presentado en diversas trienales de milan.

Archizoom AsociatiFlorencia 1966, grupo considerado como el iniciador del antidesignEntre los primeros miembros se encuentran, Andrea Branzi y Paolo Deganello

La meta de su actividad proyectual consistía en la destrucción del carácter fetichista de los objetos. El grupo estaba en contra de la creación de una posición social mediante el diseño, en contra de la actitud consumista y en contra de todo lo que fuese chic en la moda el diseño y la arquitectura.

Se disolvió en 1974, pero su influencia en las formaciones posteriores, alchimia y memphis no se deben pasar por alto.

Sillon Mies 1970, anticonvencional, anticonsumista, antielegante.

Grupo 9999Organización de carácter didáctico establecida en Florencia, que se puso en marcha en colaboración con superstudio.

Una escuela privada de arquitectura conceptual. Estaba interesada sobre todo en el papel del teatro como

escenario para la arquitectura y el arte Se relaciona con el estudio publicado en 1978 de robert Venturi,

Learning from las vegas, que consideraba que la “choza decorada” o las fachadas de los rascacielos podían colaborad cde manera efectiva al enriquecimiento de la imagen de la ciudad. Tambien con la piazza d’Italia de Charles moore en nueva orlean.

El Grupo StrumSurge a finales de los 60, en Turin y perteneció también a los círculos intelectuales del diseño radical.

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Se nombro a si mismo arquitectura instrumental e intento utilizar la arquitectura como medio de propaganda política.

Tambien proyectaron muebles donde se confundían las posibilidades variables de empleo y las asociaciones naif con la naturaleza.

Utilización de nuevos materiales como la espuma de poliuretano que condujo a objetos esculturales utilizables.

Italy – “The New Domestic Landscape” Exposición que se realizo en 1972 bajo la dirección de Emilio Ambasz en el MOMA.

Gracias a la presentación de todas las tendencias el diseño italiano obtuvo reconocimiento internacional.

No solo estaban presentes los exponentes del Bel Design (Joe colombo, Marco zanuso, Richard Sapper, Mario Bellini) sino también representantes del counter design como Archizoom, Superstudio, grupos strum y 9999.

El significado de la exposición obedecía al intento de adoptar actitudes y nuevos modelos de convivencia humana como punto de partida para la concepción de una serie de ambientes de vida.

El diseño coceptual La obra de superstudio y archizoom introdujo una nueva categoría: el diseño conceptual.

Se engendró en la misma época que el concept art (arte conceptual) en las artes plásticas. En este las ideas del artista adquirían protagonismo como conceptos intelectuales puros. Libres de ataduras materiales estas obras existían únicamente en la imaginación del espectador mediante procesos mentales asociativos.

El proceso creativo es más importante que el resultado y la vida cotidiana se sublima a través de obras de arte singulares.

En el diseño conceptual italiano se expresa por un lado la esperanza política, por el otro lado se trata también de posibilitar cambios individuales de conducta mediante los planteamientos esbozados.

Serie completa de categorías nuevas tanto en el arte como en la arquitectura y el diseño: happening, performance, Live-in, participación, comunicación, transformación, open Systems y otras más.

Global ToolsSe fundó el 12 de enero de 1973 en la redacción de la revista Casabella. La fusión de grupos diferentes como Archizoom, Superstudio y 9999 y diseñadores autónomos como gaetano Pesce, Ugo La Pietra o Ettore Sottsass, así como las revistas Casabella y Rassegna.

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Tenian como objetivos la creación de una red de talleres en Florencia para el fomento del empleo y aplicación adecuada de materiales técnicos naturales.

Promocionar el libre desarrollo de la creatividad del individuo, las revistas participantes debian hacerse eco regularmente de los resultados.

La implantación de esos conceptos ecológicos se relaciona con el contexto histórico de la época que estaba influenciado por el informe “los límites del crecimiento” que advertía sobre la disposición limitada de materias primas.

Nació en la escuela superior de diseño de Offenbach el grupo Des-in que trataba esta problemática con diseños propios.

Sin embargo la conciencia ecológica apenas arraigo en Italia, La fuerte individualidad de los diseñadores independientes contradijo desde un principio la escencia de estos programas sociales tan cuidados.

Global Tools se deshizo sin pena ni gloria en el 75, pero el grupo Des-in se mantuvo en actividad hasta finales de los 70.

Estas agrupaciones, tendencias y movimientos, se reunen a menudo bajo las denominaciones de radical design , counter design, Contradiseño o Antidesign.Configuraron no solo en Italia la plataforma intelectual de diseño más viva que haya existido hasta entonces y en esto reside su trascendencia histórica.Es verdad que su resonancia se redujo a la escena interna del sector, pero las agrupaciones siguientes trascendieron al público en mayor medida, ya que dominaron el campo de las relaciones públicas.

Banal design y RedesignAlessandro Mendini, 1978, se comienza dedicar a objetos de la vida cotidiana.

Las categorías burguesas de buen diseño y kitsch se invirtieron completamente.

La cultura común se estilizo y se convirtió en cultura de elite auténtica.

La clase media se podía apropiar en aquel momento de este arte banal.

Alessandro mendini fue un decidido impulsor de este cambio, al comenzar a reinterpretar los llamados clásicos del diseño, que ironizaba con aplicaciones artificiales. La transformación Alchimica se convirtió en el programa de todo un grupo.

Alchimia 1976, Alessandro Guerreiro lo fundo en Milan

Comenzo el trabajo con la elaboración y venta de productos de artesanía artística.

A partir de 1979 ofreció a los diseñadores la posibilidad de exponer los proyectos experimentales que hacían. (Ettore Sottsass, Alessandro Mendini, Andrea Branzi, Michele de Lucchi)

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Uno de los primeros proyectos fue Bauhaus 1, a la que siguió Bauhaus II, que consistían en la trivialización irónica de la tradición Bauhaus, mediante un juego gráfico con los muebles clásicos de la escuela.

1980, Mendini y Alchimia participan en “Forum Design” de Linz. El foco de la atención fue la presentacion de los muebles de Ettore Sottsass, que él interpretaba bajo aspectos semióticos e histórico-artísticos de acuerdo con una nueva iconografía.

La idea surgió ya en 1978 en el libro Learning from las vegas de Robert Venturi, en el que se describía e interpretaba la simbología de la arquitectura de las ciudades lúdico-comerciales americanas.

Sottsass trataba de proyectar según un tipo de iconografía, de describir objetos e imágenes no orientados a un uso determinado, quería penetrar en el terreno de la anticultura, la cultura de nadie. Concebía sus objetos como monumentos que existían por si mismos.

Alchimia participó de numerosas exposiciones en todo el mundo. Se desarrollaron proyectos con una elevada dosis de intuición poética, fue una especie de foro para las ideas y teorías filosóficas propias.

MemphisSurge en diciembre de 1980, con Ettore Sottsass, Barbara Radice, Michele de Lucchi y Matteo Thun.

La meta era diseñar una colección completamente nueva de muebles, lamparas, objetos de cristal, ceramicas, que pudieran ser producidos en modestos talleres artesanales.

Luego se unieron arquitectos y diseñadores de todo el mundo como: Andrea Branzi, Michael Graves, Hans Hollein, Arata isozaki, Shiro Kuramata, Javier Mariscal, Alessandro Mendini, Massanori Umeda.

Memphis represento el ocaso definitivo de las tendencias italianas de radical design o Antidesign.

No se formularon utopías ni se postuló una actitud crítica frente a proporciones u objetos, se emprendio un intento de sacar finalmente provecho individual .

Lo que se pretendia en realidad era un diseño que recibiera inspiración de contextos culturales diversos, elevara su contenido estético y lo convirtiera en objeto. Se buscabauna nueva sensualidad que dada su arbitrariedad pudiera representar a cualquier continente y por ese motivo fue declarado el nuevo “estilo internacional”.

El contenido semántico de los objetos debía impulsar la comunicación humana.

Lo unico que consiguió memphis fue la posibilidad de que otras concepciones de diseño se pudieran imponer rápidamente junto a la doctrina oficial del funcionalismo “form follows function”. Memphis se podía considerar como sinónimo de diseño libre de preceptos.

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Un renacimiento ModernoItalia tubo su revolución industrial dos siglos más tarde, en los mercados internacionales el diseño no surgió hasta después de 1945 durante el proceso de la “riconstruzione”. Período de renovación social e industrial que trajo consigo el rechazo practico y espiritual de la absurda pompa del fascismo.

En Italia la autentica naturaleza del diseño surge de una relación armónica entre la producción y la cultura.

Milan y Turin contabam con unas circunstancias socio-económicas que hicieron posible la aparición de una sofisticada cultura.

A finales de los 40 Italia había desarrollado ya un estilo de diseño caracterizado por una elegante modificación del estilo aerodinámico americano. (maquina lexicon 80, moto Vespa)

El estilo se consolida y aparece además una rica y compleja estética del mobiliario inspirada en el surrealismo y la cultura orgánica. Algunos diseñadores se asociaron con fabricantes, lo que trajo una fértil alianza entre arte e industria.

Diseño en FinlandiaDiseño en el norte de Europa 1950/1970Tras la segunda guerra mundial junto con la americana la vivienda escandinava se convirtió en un modelo. Con la transformación de las viviendas nacía una gran sala central que servía para todo, crecía también la necesidad de muebles prácticos y ligeros. Desapareció la mesa familiar y el conjunto de sofa con dos butacas en torno al televisor se convirtió en el nuevo lugar de reunión.Dinamarca

La economía danesa estaba orientada especialmente hacia la exportación y pretendía aumentar su oferta en cuanto a la producción de muebles.

Gran exposición de 1930 en Estocolmo: manifestación decisiva del estilo objetivo-funcional. La academia de bellas artes y su director Kaare Klint desempeñaron un papel decisivo. El criticadba el rechazo de la Bauhaus de los modelos tradicionales y en su lugar proponía que se aprendiera de los estilos precedentes.

A mediados de los 20 para aumentar la estimación de la artesanía por parte del público se organizaron una serie de exposiciones anules de mobiliario ligadas a concursos en los que se debían crear nuevos modelos . Estas se convirtieron en un foro de creación artística de alto nivel gracias a la intervención de jóvenes arquitectos y estudiantes. (por ejemplo la lampara de Poul Henningsen)

La asombrosa continuidad en la producción, fue posible gracias a una institución que contaba con un grupo fijo de artesanos, arquitectos y dibujantes dedicados a la creación de muebles. Se

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trataba de muebles baratos, de uso corriente, comprados por grupos de clase media que vivian en casas unifamiliares.

Finn Juhl: propagó la idea de que los muebles además de ser útiles debían poseer un carácter escultórico. Trabajó la madera de forma plástica y puso especial interes en lograr una forma orgánica en los puntos de transición.

Silla hormiga de Jacobsen: paso definitivo hacia la modernización .

Diseño FinlandesA principios de los 50 el diseño finlandes fue adquiriendo un carácter más escultórico y exclusivo que el del resto de los paises nórdicos, apoyado por un eficaz sistema publicitario.

El cristal, los muebles, la cerámica y los tejidos finlandeses poseen cualidades especiales, entre ellos Marimekko y Vuokko son famosos en todo el mundo por sus espléndidas y audaces telas.

Timo Sarpaneva: uno de los diseñadores de vidrio más prestigiosos en Finlandia, sumamente expresivo y escultórico.

Alvar Aalto, optó por un término medio entre las formas modernas y los materiales tradicionales. Sus creaciones estaban realizadas en madera con el sistema de contrachapado moldeado. Los materiales son usados de forma original pero nada pretencios. Tambien diseño diversas piezas de cristal como el jarron Savoy.

Diseño DanesEste estilo de diseño de muebles e interiores esta basado en formas escultóricas y en el uso de materiales naturales (especialmente la madera de teca). Dinamarca posee una importante tradición en el diseño de muebles y en los años 50 tenía la fama de una ejecución impecable y el esmero con que estaban realizados los detalles. El diseño Danes se centra en los muebles pero también en utensilios de cocina y de mesa.

Georg Jensen: diseño de platos y cubiertos Kaare klint: nuevo diseño de la tumbona tradicional conforme a

criterios más afines a la estética de principio de siglo. Sillas safari, ligeras, compactas, desmontables, uno de los primeros muebles que se vendieron desmontados para lograr una fácil distribución.

Hans Wegner: Silla 501, conocida con “la silla”, realizada en materiales totalmente naturales, se caracterizaba por una notable síntesis de elegancia y cuidada ejecución con forma austera y armoniosa.

Henning Koppel: disenador de objetos de plata, cristal y acero inoxidable, su manera de tratar los materiales se caracteriza por un fuerte sentido de las formas orgánicas. Sus diseños evocan un expíritu refinado y a la vez popular de los interiores escandinavos de los años 50

Poul Kjaerholm: Utilizacion se formas muy sencillas, puras, elegantes, pero sus llamativas combinaciones de acero,

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mimbre, y piel de cabra creaban una variedad de contrastes y texturas que complementaban la austeridad del diseño.

Arne Jacobsen: asientos Ant, Swan y Egg.Diseño en Suecia: Años 40 generacion pionera de ingenieros explora nuevos materiales que dan como resultado herramientas, maquinaria, vehiculos y artículos domésticos que por sus características formales y tecnológicas son representativos de una nueva identidad de diseño sueco.Cabe destacar a Sixten Sasson diseñador del SAAB, Alvar Lenning y Hugo Lindstrom artículos para el hogar Electrolux.Hoy: numero creciente de empresas suecas como: Volvo, Saab, Electrolux, Atlas Copco, Gustavsberg, Ericsson, Bahco, etc.Oficinas de diseño industrial:

A y E design de tom Ahlström y Hans Ehrich, equipo desarrollado para hospitales e instituciones para minusválidos y de seguridad, combinando un especial talento artístico con una preparación tecnológica muy amplia.

Ergonomi design Gruppen: se ha caracterizado por resolver problemas directamente relacionados con la ergonomía, diseñando herramientas, equipos y utensilios domésticos que han satisfecho las necesidades de seguridad y confort de niños, obreros y personas con deficiencias fisicas.

Empresas: Lego: Dinamarca Fiskars: Finlandia, forja de mesa, cuchillos y tijeras de alta

calidad, 1963 serie de tijeras O-series de mango naranja. Ganadora de numerosos premios de diseño y relfejo del compromiso con la aplicación sistemática y de calidad del principio ergonómico que resulta en productos de uso fácil, seguro y agradable.

Littala: (finlandia) desde la decada del 30 centro su producción en el soplado de vidrio. Fabrico una cristalería funcional ade aino Aalto y el famoso jarron savoy de Alvar. Tambien el jarron kantarelli de Tapio Wirkalla.

Bodum: Copenhague, productos domésticos de diseño simple, efectivo y sin adornos así como el uso de materiales modernos apropiados para crear productos de uso diario a un precio razonable.

Gustavsberg: (suecia) Ikea (suecia) Volvo (suecia) Stelton (Dinamarca) Saab (suecia)

Diseño en JaponDiseño japones desde la segunda posguerraCompuesto por unas 300 islas que forman un arco de 2300 km sobre el pacífico. El proceso de apertura comercial comienza a medidados

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del siglo XIX que provoca la caida del regimen Feudal existente bajo el dominio de los shogunes terminando con dos siglos de aislamiento del mundo exterior.1867 es derrocado el ultimo shogun y Matsu Hito asume como emperador y rige hasta 1912, período conocido como Meiji (reinado ilustrado). Su contacto con occidente fue fundamental para generar cambios:

Abolió el regimen feudal y la servidumbre, los feudos fueros reemplazados por distritos administrativos,

Igualdad juridica para todos los japoneses Becas para viajes de estudio al extranjero. Convoco a técnicos y asesores europeos. Establecio el servicio militar obligatorio y reestructuró el ejercito

según los modelos francés y prusiano. Fundo el banco de japon y creo el ministerio de economía con moneda oficial el yen. Organizo la enseñanza obligatoria Seguridad (policia) Organizo sistema legal Servicios postales y de salud según modelos americanos y europeos Anulo las pensiones y otros derechos a los samurais. Decreto y financio nuevas empresas (mineria, ingenieria, armamentos, municiones)

Japon participa por primera vez en 1873 en la gran exposición idustrial de Viena, el gobierno alienta la producción de trabajos para la exportación.Se cambian las formas tradicionales para competir en el mercado occidental. Pero luego de la euforia del cambio y la occidentalización comienza un movimiento más conservador que incito a que el arte tradicional japonés sea preservado.En 1889 se abre en Tokio la escuela de Bellas Artes, esto elevo el prestigio de la artesanía tradicional japonesa.Artistas y artesanos se fueron a estudiar al extranjero, e intentaron introducir cambios. Dos instituciones tuvieron una gran influencia: el deutscher Wekbund y la Bauhaus, Mizutani junto con Iwao Yamawaki fueron los principales gestores de le enseñanza según el modelo bauhausiano y establecieron la academia de Arquitectura y Artes industriales en Tokio.

En 1928 un grupo de estudiantes se unieron para establecer los Talleres de Forma (Keiji Kobo), sus miembros planearon producir mobiliario, artefactos de iluminación, cerámicas y cristalería.

El arquitecto Bruno Taut en la primavera del 1933 huyo del regimen nazi y viajo a Japón y quedo maravillado con las casas tradicionales japonesas de madera y papel, por su modernidad, su limpieza de líneas, sus perfectas proporciones y la lógica modular del tatami. Expresó su entusiasmo en el libro “Japón, visto con ojos europeos” que fue importante para cambiar el concepto que los japoneses tenían de su propia tradición

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arquitectónica. Taut criticó la tendencia de los diseñadores del Instituto de producir imitaciones de los productos europeos en vez de usar su inspiración y recursos de su rica historia.

1941 – exposición: “tradición, selección, creación” charlotte Perriande presentó sus piezas inspiradas en los trabajos japoneses.

Despues de la segunda guerra Japon sufre la primera experiencia de ocupación por una fuerza extranjera, la americana. El cuartel general americano encargo al instituto de Artes Industriales muebles y equipamiento para 200000 viviendas para su personal. El instituto también coordino la producción de productos eléctricos en conjunto con las empresas Toshiba, Mitsubishi, y otras. La industria japonesa tuvo un efecto disparador debido a las ordenes de producción del cuartel general americano.

Diseño Japones desde 1945Luego de la segunda guerra Japón emergió de una total devastación para convertirse en uno de los más importantes productores industriales.Se pueden reconocer 4 fases:

Epoca de la escasez: desde 1945 hasta 1959, a pesar de ser una epoca dura se dio el auge de la compra de automóviles de uso personal y familiar

Epoca de la Difusión: desde 1959 hasta la crisis del petróleo en 1973, comenzó a crecer constantemente la fabricación de viviendas. En el año 60 comienza un gran crecimiento que trae el aumento del valor de la tierra.

Epoca de la Autosuficiencia: desde 1973 hasta la union de las dos alemanias en 1990.

Epoca de la selección rigurosa desde 1991 hasta ahora.

durante esta epoca el rotulo de “hecho en japon” implicaba productos que eran considerados baratos y de mala calidad. La organización comercial Exterior de Japón (Japan external trade Organization) conocida como JETRO, convertida en una herramienta del Ministerio de Industria y Comercio Exterior (Ministry of International Trade and Industry) conocido como MITI, envían a estudiantes al exterior con la finalidad de estudiar diseño e invita a diseñadores extranjeros a visitar el pais.

El Instituto de Arte Industrial IAI tuvo como objetivos el desarrollo y promocion de las exportaciones la investigación de la pequeña y mediana empresa japonesa y el control de calidad de los materiales y de nuevas tecnicas.1953 – primer radio de transistores 1957 – se crea la Marca “G” (G mark) para controlar los problemas de la piratería e impulsar los diseños innovadores. Se establecieron distintas organizaciones de promoción y

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protección del diseño y la propiedad intelectual. Tiuvo efectos positivos ya que permitió incentivar la importación de tecnología e incorporar nuevos mercados.Los diseñadores eran contratados como consultores para mejorar la imagen de los productos entre ellos: Kosugi (Mazda), Kamekura (Nikon) Yanagi (Porcelana Tajimi).Convocaron a Raymond Loewy y Walter Gropius fue otro de los visitantes importantes que influyeron en japon.En cuanto a mobiliario Tendo Mokko fue una compañía de vanguardia, muebles de madera laminada y termoformada (sori Yanagi, Banqueta Butterfly)

Epoca de la difusión: se realizaron multiples exposiciones, tendo mokko auspicio el primero concurso de diseño de muebles del pais.Debates sobre como se definía el Good Design, al mismo tiempo que adherían al movimiento moderno se abrian discusiones acerca de su validez y el recupero o no de sus tradiciones.Combinando los elementos del diseño tradicional y las técnicas de la artesanía de la industria moderna fue estableciendo una clara identidad nacional.Decadas del 60 y 70 – realización de su propia estética mediante la alta tecnología de sus productos, minaturización, precisión.La nueva fabricación que logro producir lo convirtió en un poder económico mundial en donde se generaron importantes empresas como: Sony Corporation, Honda motor company.Las firmas electrónicas impulsaron una constante y rápida innovación tecnológica para hacer sus productos mejores y con el tiempo cada vez más pequeños e increíblemente funcionales.

Epoca de la autosuficiencia: se creo la fundacion de diseño del Japón para financiar un programa de intercambio internacional de las actividades referentes al diseño.

Epoca de la selección rigurosa: cuando la recesión en occidente se extendió a Japón todos los países industriales entraron simultáneamente en una etapa de recesión. El estado desarrollo una política de lineamientos para el estudio, la práctica , la promoción y el intercambio internacional de diseño. Una de las características perdurables del diseño japonés es la habilidad para hacer uso simultáneamente de lo tradicional y lo moderno.

Conclusión: Japón toma contacto con occidente en la segunda mitad del

siglo XIX. A partir de su participación en las grandes exposiciones tratará de adecuar su producción para poder expandir su mercado hacia occidente.

Su “buen diseño” se basa más en el pragmatismo anglosajón del Good Design que en el racionalismo aleman “Gute Form”.

La industria japonesa se concentro en pocos campos con la finalidad de que en el menor tiempo posible se pueda obtener un máximo rendimiento.

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Inicialmente los diseños se desarrollaban modificando productos de empresas extranjeras, paulatinamente fueron alcanzando un gran desarrollo tecnológico, concentrándose en la miniaturización.

Se desarrollo tambien de manera muy importante la industria automotriz y la de electrodomésitcos.

La década del 50 fue el despegue de la industria japonesa En los 60 comienza el apogeo del consumo japones a través de

electrodomésticos, artículos de confort y automóviles. En los 70 diseñadores japoneese van a Europa sumandose a los

grupos de reacción al racionalismo (pop, antidiseño, posmodernismo, etc)

En la decada del 80 la industria japonesa contrató a estudios de diseñadores europeos para desarollar algunos productos.

Coexistían los productos de buen diseño y los que se realizaron como reacción a estos principios, los diseñadores japoneses se volcaron a la diversidad.

Diseño contemporáneoStallinga Texto de Murray Moss: Los americanos son muy prácticos, con tendencia hacia lo muy literal, prefieren que los objetos sean lo que aparentan. Esperan del arte que esté expuesto en un museo y no que forme parte de una silla. No les gusta el desorden, no les gusta ser confundidos y ciertamente no quieren que se los lleve a un objetivo inapropiado.Por otro lado también les gusta aprender, crecer, expandir sus horizontes. Quieren más de todo y todo, cualquier cosa nueva, todo lo nuevo. Tienen una habilidad especial para la apropiación cultural. Esto explica que tengan una relación de amor/odio con Henk Stallinga.Comenzando por el odio, este puede resultar de una confusión entre arte y comercio, o entre el arte y el producto funcional inherente al trabajo de henk, pero también a la confusión resultante por el uso de un objeto icónico reconocible para un propósito completamente diferente al que hemos aprendido a esperar.A los americanos no les gusta descubrir que las palas de basura sean carteras, o que los martillos sean percheros, les perturba el hecho de que el clockwork orange de henk venga con un péndulo totalmente innecesario para un reloj que funciona a bateria, pero incluido para señalar una función absolutamente diferente a la del tiempo y que es en realidad un elemento de confort visual que completa la idea de reloj.Estos objetos camaleónicos confirman las sospechas de que las artes visuales y el diseño industrial se ha convertido en un juego de equívocos tangibles o elementos de doble lectura. Juzgando desde ”la forma sigue ala función”, los diseñadores subvierten la idea básica, descubriendo entre las formas íconos, funciones notoriamente diferentes a las que nosotros sabíamos para las que habían sido

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creadas. En el territorio de Henk vamos a través del espejo de Alicia, donde las cosas se convierten en otras.Pasando a la parte del amor, aun queriendo “mas”, aún queriendo lo nuevo, aún siendo fndamentalmente prácticos y “frugales” es delicioso descubrir que nuestros viejos amigos tienen en realidad multiples personalidades. No es económico envasar tantos significados en un solo objeto?El problema es que estos objetos, transformados, cargados de significados, estos íconos manipuleados, estas caras familiares repensadas pintadas de una nueva manera, esculpidas para tomar una personalidad diferente, nos hacen acordar a estos problemáticos artefactos llamados arte. A través de estos simples e humildes objetos queremos que nuestro arte sea hallado donde nosotros esperabamos encontrarlo, para que no nos encuentre con la guardia baja. Sin embargo Henk nos asegura que del otro lado del espejo es donde deberíamos estar, porque todo allí es extrañamente familiar.

StarckEl concepto global de lo que desde los 50 se denomina imagen corporativa, en starck la corporación es el mismo, la cara visible de su propia compañía. Pero también podemos ver mucho más, su mirada del mundo, una mirada sarcástica y ácida de su propio medio.Starck antes que nada es starck, es dificl pènsar en el como diseñador sin pensar en el personaje y viceversa. El hecho de que él mismo sea la portada de sus libros, que sus objetos aparezcan en ellos interactuando con el.Starck se presenta como sujeto y objeto, como sujeto y producto, como producto y objeto, entrecruzando estos dos conceptos.Los objetos diseñados por el siempre llevan su firma y por esta razon, la de ser objetos de consumo, es por la que es producto, starck vende por ser el mismo.Su postura frente al personaje se la toma con humor, no se vanagloria, se rie de el mismo y esto le permite reirse del otro, de nosotros.Sus productosYa sea innovación tecnológia, morfológica, material, estructural, o semiótica, cada producto tiene su lugar donde se vislumbra su magia, inteligencia o ironía. Siempre hay algun aspecto del producto que nos despierta una sonrisa. Nos cuestiona, nos presiona, nos seduce, no podemos negar que sus objetos no pasan desapercibidos, se muestran a si mismos como presentes, con vida, sutileza y un gran sarcasmo. Genera un discurso articulado entre la visión global y la visión particular. Esta ambigüedad estructura nuestro campo objetual en esta contradicción. Sus productos no dejan de ser fruto de la producción, no dejan de representar la etica/estetica de la sociedad de mercado en la que estan y esta inserto el mismo, en la que el eje central es el objeto como producido, no ya como consumido.

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La separación entitativa, el doble juego de la geometría estricta (generalmente aplicada a materiales y procesos que no la requieren) y la organicidad geométrica (generalmente aplicada a materiales y procesos que requieren de una geometría polliédrica) conjugan la ironía propia de las características semiótico productivas actuales. El objeto como símbolo ya no representa las necesidades del consumidor, sino que su origen formal (semántico estructural) es parte de las características de la producción actual.En sus objetos que parecen contradecir la promulgada “función” termina sucediendo todo lo contrario, es en estos donde la función se hace más evidente.Protagonista y ProyectistaMorfologías orgánicas a perfiles alares, pasando por analogías y actualización del mobiliario de estilo. Recursos formales sumamente expresivos, curiosos, encantadores.Cuando el asiento de polímero inyectado cobra volumen aludiendo a un tapizado y a su vez resuelve uniones de patas y respaldo de una silla desarmable, cuando obtiene elegantes muebles de metal o de inyección, enriqueciendo la percepción de calidad de los productos.La exploración del potencial expresivo de materiales y técnicas de producción que le permiten articular el bagaje semántico a través de una síntesis sumamente cuidada. En estos parámetros es donde la producción de starck cobra espesor, profundidad, es donde aporta valor y dota a sus proyectos de efectividad sociocultural.Reintroduce el concepto de disfrute, provoca contraste frente a la tipología existente, solventando la fama de transgresor. Produce valor agregado cuando firma un electrodoméstico o cuando aparece interactuando con sus objetos.Fue uno de los protagonistas del boom de diseño de los 90, se posicionó en una sociedad de culto personalista. Se destaca en un publicitado circuito que tolera cierta incomodidad o ciertas falencias de uso porque se consume no para usar, se consume como signo.

Droog DesignDroog design – el espíritu de los 90Debut en la primavera de 1993 en la feria internacional del muebles de Milan.Lagunos ítems de la colección tienen aire de manifiesto, son tan complejos o experimentales que están destinados a permanecer en la etapa de prototipo. En cambio otros están siendo producidos en serie. Los criterios son flexibles, conformados por desarrollos en la cultura del producto y en cualquier dirección a la cial los diseñadores se esten dirigiendo. Todo es posible, y el foco esta modificándose paulatinamente.Eleccion de los productos sin tomar en cuenta su potencial para la producción industruial y éxito en el mercado, no es que desdeñen esa posibilidad. La penetración en la realidad de la demanda y la satisfacción del mercado es de importancia inestimable, sin ello hay peligro de aislamiento.

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Tienen comisiones de empresas internacionales, tanto para proyectos experimentales como para desarrollo realísticos de productos. Tales comisiones estimulan la interacción entre diseño creativo y la realidad de la producción y del mercado.

Nothing cooler than dryDroog apareció como un sutil y poderoso exponente de l momento que la comunidad del diseño reconoció inmediatamente.Entre los primeros objetos se encontraban una serie de propuestas que parecían accidentes de diseño, como los cajones de Tejo Remy y la Rag chair, ambos atados con cinturones. No eran precisamente diseños amigables. El mensaje no estaba dicho pero era claro, y el éxito de droog estaba en lo apropiado de la colección como un todo.Luego de la muestrra de 1993 y la participación en Milan, diseñadores, criticos, curadores, escritores fijaron su atención en droog guiados primeramente mas por el instincto que por la razón.Droog es la palabra holandesa que significa seco, droog llego en un momento en el que nadie estaba preparado para seguir tolerando la redundancia. Muchos lo han marcado como el iniciador del neo-minimalismo, una revolución que ha bajado la presión arterial y ha convertido a los humanos en más calmos.La tecnología ya no es el ícono más elevado glorificado y complejo de la manera del acero inoxidable en los 80, pero esta siendo apreciada por la habilidad para simplificar nuestro panorama visual y material.Los objetos son cada vez más pequeños, más personalizados, con interfaces más fáciles de operar. El progreso mismo de la tecnología permite más variaciones y grados de libertad utilizando el mismo proceso de fabricación, creando un mundo material mucho más rico.Una segunda conclusión muestra que el high-tech puede cohabitar en una sinergia pacífica con el low-tech. Una vida más limpia es el objetivo. El oficio no es más considerado como reaccionario, los materiales avanzados como las fibras aramídicas de knotted chair de marcel wanders, pueden ser adaptadas y usadas por los diseñadores. Algunos de los materiales de última tecnología necesitan de la mano del artesanado, haciendo que se unan el hi y el low tech.

El espiritu de los 90 Del diseño sin limites a una vuelta a lo básicoHemos llegado a un punto en que el nuevo diseño no es ya meramente una expresión esporádica de grupos marginales. Han pasado 10 años de experimentación particularmente fructífera, una confrontación total con el diseño racional y analítico que se habia desarrollado desde la Bauhaus. Los valores psicológicos, simbólicos, y poéticos del producto ahora aparecieron en escena y en primer plano. Los diseñadores se alimentaron avidamente de todo recurso posible y no hesitaron en combinarlos: alta cultura, baja cultura, domesticos, extranjeros, presente y pasado, alta tecnología y artesanía. Las reglas del buen gusto fueron disparadas en todas las direcciones. Intuición, fantasía, todo era posible.

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En los 80 la anarquía del diseño habia cubierto Europa occidental y cada pais tenia su version propia. El nuevo diseño era heterogeneo, un caldero de expresiones individuales. Los desarrollos del nuevo diseño en los 90, como se manifiestan en droog, estan inseparablemente ligados al diseño revolucionario de la decada anterior, pero la receta era completamente diferente.Para la mayoria de los paises europeos la ruptura con el diseño tradicional apareció subitamente. No así en Italia, su fuente yacia en la cultura pop de los 60. Alchimia fue entendida como un laboratorio experimental de fusion de siciplinas visuales, era como diseñar objetos que iban a emerger inmediatamente de la hibernación.

Sobriedad y obstinación.“menos es mas” la expresión de mies le dio a benno premsela una definición precisa de la identidad holandesa. Los productos diseñados del 30 al 90 eran invariablemente neutros, claramente recortados y rectilineos formalmente.Observando la producción sin solucion de continuidad de formas abstractas y geométricas la comparación con el paisaje rural de los paises bajos es evidente: ninguna montaña, ni selvas, sino una composición artificial de “Holders” con líneas rectas y formas simples. Ningun detalle ha sido dejado de lado, en un paisaje mayoritariamente arrebatado por agua y mantenido en equilibrio por un sistema de ingeniería hidráulica, el planeamiento cuidadoso es una necesidad imperiosa.La tendencia y la necesidad de dominar manipular la estructura de la naturaleza es una parte inseparable de la cultura holandesa de modo que su relacion con esta es básicamente funcional. Su necesidad de regular todo aparece sublimado en la obra de Piet Mondrian, su busqueda de claridad, orden estético, reducción y pureza no constituye un fenómeno aislado, la geometría corre como un leit motiv en el diseño holandes.Tambien se puede encontrar una relacion con el espíritu mercantil y con el calvinismo. Antiguamente los holandeses eran una nacion de comerciantes y predicadores, siendo los comerciantes y los burgueses la clase media alta. Esta era una capa librepensadora, que adheria a un protestantismo moderado y liberal. Los predicadores representaban el calvinismo estricto y ortodoxo que encontro mayor favor entre las clases bajas.Ambos grupos participaban de una mentalidad sobria y frugal, los holandeses no son generalmente dados a la ostentación. Los símbolos de poder y status significaron poco en los paises bajos.En la decada del 90, las reacciones de las profesiones del diseño estuvieron ligadas con materiales nobles, detalles cuidados, terminaciones perfectas.Piet Hein Eek armario construido con listones de madera de pisos de casas destinadas a demolición, queria demostrar que aun materiales no-nobles podían generar productos atractivos.Tejo Remy se adelanto a los limites, no deseaba diseñar, queria empezar de nuevo, produciendo objetos a base de lo que podia

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encontrar. Esto no solo critica al estado del diseño establecido, sio tambien a la fruición relacionada con los objetos y al consumismo excesivo de nuestra sociedad.Hella Jongerius jarron de poliuretano blando, en lugar de inventar una nueva forma para ajustarse a un material dadoutilizo una forma clasica enraizada en la ceramica, si la forma de este jarron es suficientemente familiar la combinación de la forma y el material no lo es. El jarron no esconde nada, los rastros de su fabricación son visibles, no hay nada que nos informe acerca de la antigüedad del objeto.No todo requiere se rediseñado, a veces es mejor dejar las cosas como estan. El dilema entre el respeto por la tradición y el deseo de productos perdurables frente al anhelo de novedades nunca ser aresuelto. El publico desea tener objetos nuevos y las empresas necesitan seguir innovando.Según Marcel Wanders: usar simplemente los objetos no es suficiente, los objetos no deberian mostrar rasgos de desgaste, sino permanecer bellos a pesar de ello. Propone agregar metaforas de uso, como en su silla anudada, que une una antigua tecnica de macrame con fibras hi-tech. El tejido le da a la silla no un aspecto usado sino uno de algo familiar, como si hubiese estado ahí por años.La logica seria combinar ambos, lo familiar aplicado a una forma nueva. En efecto todo se da alrededor de la relacion entre el usuario y los productos, en los 90 el acento se traslada al reconocimiento de lo familiar, objetos usuales de todos los dias que toman una nueva apariencia.A veces es necesario conocer la historia por detrás de un producto para conocer su significado ultimo. Cada epoca tiene sus propias ideas, sus propios impulsos y sus propios criterior (zeitgeist), la imperfección puede generar objetos atractivos, la perfeccion tecnica tambien puede resultar en una apariencia poco pulida, lo importante no es la naturaleza de los principios de diseño, ya que estos pueden cambiar, sino el valor de la idea atrás del diseño.

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