L’opera  comica  nel  secondo  700     *Cambiano  i  librettisti,  il  loro  valore  artistico  e  la  loro  importanza.  Uno  dei  più  importanti  è  Goldoni.  L’opera  cambia  da  “commedia  per  musica”  a  “dramma  giocoso”.     *Ci  sono  3  tipologie  di  personaggi:  

1. Buffi  (servi)  vivaci  con  stile  vivace  ed  improvviso  2. Seri  (nobili)  virtuosi,grandi  salti  e  tecniche  vocali  3. Mezzi  caratteri  (innamorati)  cantabili  ,frasi  semplici  e  legatureù  

*i  più  importanti  operisti  sono  :paesiello,cimarosa  e  mozart  *l’elemento  +  importante  nell’opera  è  il  finale  e  i  pezzi  d’insieme  come  i  duetti  ecc.  nel  finale  si  iuniscono  tutti  i  personaggi  sulla  scena  ed  è  il  momento  dove  il  compositore  da  sfoggio  di  bravura  e  maestria  nel  mettere  insieme  ed  accordare  tutte  le  voci.  I  finali  erano  caratterizzati  da  vivacità  ritmica  e  continui  crescendo    ed  avevano  una  struttura  a  catena  che  crescendo  portava  ad  un  esplosione  finale.  *la  struttura  dell’opera  del  700  è:  

1. Overture  iniziale.  2. Pezzi  o  numeri  (recitativi,arie,cori  ,insiemi).  3. Finale  con  crescendo  e  fortissimo.  

 La  riforma  di  Gluk  e  Calzabigi     *in  seguito  alla  rappresentazione  della  serva  padrone  nel  1752  si  auspicò  un  miglioramentto  del  teatro  d’pera  consono  agli  ideali  e  ai  modelli  del  700.Sia  l’opera  italiana  che  quella  francese  vennero  criticate  per  l’eccessivo  uso  del  balletto  e  la  troppa  declamatoria  (francese)  oppure  per  l’eccessivo  divario  tra  aria  e  recitativo  (italiana).Inoltre  occorrevano  opere  che  rappresentassero  gli  ideali  nobili  i  sentimenti  e  le  passioni.     *Furono  Willivoid  Gluk  e  Ranieri  de  Calzabigi  che  accolsero  tutto  questo  bisogno  di  innovazione  e  lo  racclsero  nella  loro  riforma.  Ciò  è  evidente  soprattutto  in  opere  come  “L’alceste”,”orfeo  e  euridice”  e  “paride  e  enea”.     *le  caratteristiche  della  riforma  dal  punto  di  vista  strutturale  sono:  

1. L’eliminazione  delle  scene  secondarie  2. L’introduzione  di  cori  e  balletti  3. L’esaltazione  di  ideali  nobili  4. L’alternanza  di  versi  sciolti  e  rimati  (più  scorrevolezza)  

Dal  punto  di  vista  musicale  invece:  1. L’abolizione  del  recitativo  secco  ed  uso  di  quello  accompagnato  2. L’aria  assume  un  aspetto  anche  declamatorio  3. Si  attenua  quindi  la  differenza  tra  aria  e  recitativo  4. I  personaggi  e  gli  strumenti  assumono  una  funzione  scenica  e  

teatrale  5. L’overture  è  collegata  tematicamente  con  l’opera  anticipandone  

temi  e  frammenti  tematici.        

Lo  stile  galante  (1730-­‐1780)  *troviamo  lo  stile  galante  tra  il  barocco  e  lo  stile  classico.  Qui  nascono  le  principali  forme  musicali  moderne.     *la  differenza  principale  con  lo  stile  barocco  è  la  rinuncia  al  contrappunto  e  l’adottamento  di  linee  melodiche  chiare  con  accompagnamento  un  basso  albertino.La  linea  melodica  infatti  era  spesso  ricca  e  cantabile,  i  temi  vengono  distinti  e  viene  messa  in  risalto  la  linea  superiore.     *altro  stile  parallelo  a  quello  galante  è  il  cosidetto  “stile  sensibile”che  ha  come  principale  esponente  Emmanuel  Philippe  Bach  (ritmi  variati  e  dinamici)     *in  questo  periodo  nascono  le  moderne  forme  di  concerti  come:  

1. Sonata  x  clavicembalo  (poi  pianoforte)  2. Sonata  x  violino  e  pianoforte  3. Trio,quartetto  e  quintetto  4. Sinfonia  5. Concerto  per  tastiera  e  orchestra  

Tutte  queste  forme  hanno  una  struttura  ALLEGRO-­‐ADAGIO-­‐ALLEGRO.(in  beethoven  verrà  introdotto  il  minuetto.)  Solitamente  la  struttura  parte  da  una  prima  zona  tematica  con  un  tono  d’impianto  poi  tramite  un  ponte  modulante  si  arriva  ad  una  seconda  zona  tematica  con  tono  sulla  dominante  per  tornare  poi  nell’ultima  parte  ovvero  nella  ripresa  sul  tono  principale  d’impianto.     *il  principale  compositori  di  quartetti  e  quintetti  è  Boccherini.  I  principali  esponenti  per  la  sinfonia  sono  Sammartini  e  Stamitz  della  scuola  di  Mannheim.Nelle  composizioni  di  questa  scuola  troviamo  i  primi  esempi  di  sinfonia  a  4  movimenti.Altro  elemento  tipico  della  scuola  è  l’allineamento  tematico  e  l’introduzione  di  zone  tematiche  differenti.    Domenico  Scarlatti  (1685-­‐1757)    *fu  figlio  di  Alessandro  Scarlatti.  Durante  la  sua  vita  lavorò  prima  a  Napoli  poi  a  Roma  ed  in  seguito  in  portogallo  e  spagna.  Scrisse  17  sinfonie  e  brani  sacri  e  profani  ma  soprattutto  530  composizioni  per  clavicembalo  (  30  sonate)     *struttura  delle  sonate  scarlattiana:  

• Prima  parte:  tono  di  base  che  va  a  relativa  minore  o  maggiore  o  su  dominante.  

• Seconda  parte:dal  tono  d’arrivo  della  prima  parte  e  tramite  passaggi  modulanti  torna  al  tono  principale  di  partenza.    Le  sonate  scarlattiane  sono:  

1. Monotematiche  2. Bitematiche  3. Politematiche    

Detto  ciò  non  bisogna  valutare  le  sonate  di  scarlatti  come  totali  antenati  di  quelle  classiche  poiché  anche  se  presentano  un  articolazione  drammatica  sono  comunque  influenzate  dal  “fortspunning”  barocca  (contrappunto)          

Stile  Classico  (1780-­‐1810  ca)     *si  ha  con  Haydn,Mozart  e  Beethoveen  che  lavorarono  a  vienna  tra  700  e  800     *Caratteristiche:  

1. Esaltazione  dei  contrasti  tematici  armonici  e  timbrici.  2. I  contrasti  vengono  resi  simmetrici  e  fra  loro  coerenti..es:  2  temi  possono  

essere  contrastanti  tra  loro  nel  disegno  ritmico  e  armonico  ma  possono  accomunati  dal  punto  di  vista  melodico.  

3. La  coesione  dei  contrasti  può  derivare  da  un  unico  tema  sottoposto  a  variazioni  e  diversificazioni.  

4. Integrazione  tra  elementi  principali  e  secondari.  5. Viene  rivalutato  il  contrappunto.  

 EQUILIBRIO,PROPORZIONI,SIMMETRIA  E  FUNZIONE  DRAMMATICA  DELLA  MUSICA  STRUMENTALE  sono  le  car.  Principali  dello  stile  classico.    

Josef  Haydn  (1732-­‐  1809)    Haydn  fu  il  primo  a  mettere  in  pratica  tutte  le  caratteristiche  dello  stile  classico.Viaggiò  per  l’europa  e  si  stabili  presso  gli  Estherazy.Venne  pubblicato  dall’editore  Artaria.     *il  genere  principale  in  cui  si  affermò  Haydn  furono  i  quartetti:  ne  scrisse  più  di  60.A  differenza  di  altri  suoi  coetanei  Haydn  da  uguale  importanza  a  tutti  gli  strumeni  e  a  tutte  le  parti.Il  materiale  tematico  viene  quindi  distribuito  ugualmente  tra  tutte  le  parti.In  Haydn  non  vi  è  un  allineamento  tematico  ma  un  unitarietà  tematica  (a  diff.  Di  mozart  e  bethoveen.)  Un  altro  importante  elemento  è  l’integrazione  tra  elementi  principali  e  secondari  che  si  scambiano  “ruolo  tematico”.  Ultimo  elemento  è  la  saltuaria  sostituzione  del  minuetto  con  lo  scherzo.  

*La  seconda  grande  produzione  di  Haydn  sono  le  sinfonie.  Ne  scrisse  106  (o  108)  e  si  dividono  in  4  periodi  o  decenni  che  vanno  dal  1760  in  poi.  

Anni  60:  qui  troviamo  ancora  molte  affinità  con  la  musica  barocca  e  con  lo  stile  Vivaldiano  vista  la  presenza  di  musica    a  programma  ed  elementi  tipici  di  vivaldi  come  la  brillantezza  e  la  ritmicità.  

Anni  70:  in  questo  periodo  troviamo  un  carattere  più  sperimentale  con  elementi  più  teatrali,  a  sorpresa,  scenici  ed  effettistici.  Tra  queste  ricordiamo  gli  “Addii”  prima  sinfnia  del  700  in  fa#  minore  ed  il  “distratto”.Un  elemento  tipicodelle  sinfonie  di  Haydn  è  che  i  tempi  non  confluiscono  mai  uno  nell’altro  ma  sono  sempre  distinti..  

Anni  80:  Le  sinfonie  degli  anni  80  sono  di  commissione  parigina.La  struttura  tipica  è  Allegro  (forma  sonata)-­‐  Adagio  (modula  e  cantabile)-­‐  minuetto  (leggerezza  e  cantabilità)-­‐Allegro  (virtuoso  e  brillante).  

Anni  90:  sono  sinfonie  londinesi  che  rappresentò  in  inghilterra.La  car.  principale  è  che  la  cantabilità  è  estesa  anche  agli  altri  movimenti  oltre  all’adagio  pur  mantenendo  una  coerenza  tematica  di  base.    4  Aspetti  dello  sviluppo  tematico  dei  classici  

1. Il  tema  è  frammentato  e  spesso  modificato.  2. È  proposto  evitando  le  cadenze.  

3. È  proposto  in  toni  lontani  spesso  modulanti.  4. È  proposto  in  maniera  imitativa  o  fugata.  In  Haydn  si  ritrovano  questi  punti  come  negli  altri  compositori  classici.       *L’ultima  produzione  di  Haydn  sono  gli  Oratori:  ne  scrisse  2:  “La  creazione”  e  “le  stagioni”.  Queste  sono  le  opere  di  maggiore  maturità  di  Haydn  dove  mette  in  mostrala  sua  maestria  con:  

• Padronanza  delle  tecniche  teatrali  • Spregiudicatezza  armonica  • Felici  scelte  melodice  per  arie  e  recitativi.  

   Wolfgang  Amadeus  Mozart  (1756-­‐1791)    Mozart  fu  un  talento  precoce  e  dai  6  anni  in  poi  compose  minuetti  sinfonie  ed  opere.Durante  la  sua  vita  anche  grazie  al  padre  Leopold  viaggio  per  tutta  l’europa  studiando  ed  esibendosi  presso  le  corti.Più  tardi  si  stabilì  presso  la  corte  di  salisburgo  fino  al  1781  dove  andò  a  vienna  presso  l’imperatore  e  fu  libero  professionista.morì  per  cause  incerte  nel  1791.    Produzione:     *sonate  per  pianoforte.  Mozart  compose  19  sonate  per  pianoforte  dove  troviamo  una  grande  ricchezza  melodica  con  in  media  non  meno  di  tre  temi  per  movimento.  Un  elemento  fondamentale  delle  sonate  è  che  troviamo  una  forte  componente  espressiva  nella  strumentalità  fino  a  diventare  quasi  teatrale.  Altro  elemento  è  che  mozart  predilige  più  l’esposizione  che  lo  sviluppo  dei  suoi  temi  (a  differenza  di  haydn).  La  caratteristica  tipica  dello  stile  mozartiano  è  la  scorrevolezza  e  la  leggerezza  dei  passaggi  melodici  rispetto  ad  altri  suoi  coetanei  anche  se  non  mancano  esempi  di  pianismo  più  orchestrale    e  intenso  che  anticipano  quello  beethoveniano.     *concerti  per  pianoforte  e  orchestra.  Mozart  scrisse  23  concerti  autentici  per  pianoforte  e  orchestra.  La  struttura  dei  concerti  per  piano  e  orchestra  venne  stabilita  da  Christian  Bach  che  mozart  incontrò  nel  1765  ed  è  Allegro-­‐Adagio-­‐Allegro,  dove  nel  primo  movimento  vi  è  una  doppia  esposizione  (prima  dell’orchestra  e  poi  del  piano).  La  caratteristica  importante  di  questi  concerti  è  la  teatralità  della  musica  che  trasforma  gli  strumenti  e  la  loro  entrata  musicale  in  “attori  che  entrano  in  scena”.  Spesso  le  linee  del  piano  si  intrecciano  con  l’orchestra  che  non  si  limita  a  ripetere  le  frasi  ma  le  modifica  arricchendole.     *La  musica  da  camera:  Nella  musica  da  camera  di  Mozart  troviamo  numerosi  punti  di  contatto  con  lo  stile  dei  concerti  per  la  brillantezza  solistica,  con  la  sinfonia  per  la  densità  strutturale  e  con  la  musica  d’intrattenimento  “all’aria  aperta”  per  il  carattere  giocoso  e  disimpegnato.     *Le  sonate  per  violino  e  pianoforte:  La  car.  Principale  è  che  mozart  (  come  haydn)  da  uguale  parità  tematica  e  solistica  a  entrambe  gli  strumenti  (a  differenza  delle  sonate  col  fortepiano  che  esaltavano  solo  quest’ultimo  lasciando  

in  disparte  il  violino.  Le  altre  sonate  da  camera  per  pianoforte  non  presentano  un  impegno  compositivo  come  per  i  duo  violino  e  piano.     *I  quintetti:  Diverso  è  il  discorso  per  i  quintetti  dove  vengono  messi  in  risalto  tutti  gli  strumenti.La  differenza  principale  dai  quintetti  precedenti  come  quelli  di  Boccherini  è  che  in  mozart  la  formazione  classica  è  composta  da  2  violini,2  viole  e  un  violoncello  dove  ogni  strumento  prende  importanza  e  ogni  parte  viene  esaltata  con  due  trii  o  parti  solistiche.  Vi  è  una  grande  densità  compositiva.  Meno  importanti  sono  i  quintetti  con  i  fiati  tranne  il  k  581  per  clarinetto.     *I  quartetti:  Il  modello  da  cui  Mozart  trae  spunto  per  i  quartetti  è  Haydn,oltre  a  boccherini,cambini  e  giardini.  La  prima  produzione  di  quartetti  avviene  tra  milano  e  vienna,i  primi  meno  elaborati  compositivamente  dei  secondi.ma  la  maturazione  definitiva  di  mozart  nei  quartetti  avviene  con  i  6  quartetti  dedicati  appunto  ad  Haydn  nel  1783.Qui  la  cantabilità  di  mozart  si  intreccia  con  la  costruzione  e  lo  sviluppo  tematico  (cosa  rara  in  mozart  che  predilige  allo  sviluppo  l’esposizione).  Troviamo  qui  anche  la  tendenza  ad  citare  in  alcuni  movimenti  elementi  tematici  (derivazione  tematica)che  verranno  nei  movimenti  seguenti  senza  però  arrivare  alla  forma  ciclica  perché  comunque  ogni  movimento  è  ben  distinto  dall’altro  dal  punto  di  vista  tematico.  Altra  caratteristica  è  l’arditezza  armonica:  infatti  mozart  già  prima  dello  sviluppo  inserisce  elementi  armonici  estranei  alla  tonalità  per  poi  rientrare  nella  stabilità.  Sviluppa  così  una  concezione  di  “massa  tonale”,una  sua  originale  ed  elastica  concezione  di  stabilità  tonale.  Oltre  ai  quartetti  per  haydn  molto  importanti  sono  anche  i  3  “prussiani”  composti  per  il  re  di  prussia  dove  viene  messo  in  risalto  il  violoncello.       *Le  sinfonie:  scrisse  49  sinfonie  e  le  caratteristiche  tipiche  sono:  

1. Fantasia  melodica  e  politematismo.  2. Cantabilità  dei  temi  e  trasferimento  di  effetti  vocali  su  strumenti.  3. Temi  proposti  con  la  tecnica  “domanda-­‐risposta”.  4. Schema  in  3  movimenti  nel  50  %  dei  casi.  5. Ricca  scrittura  per  fiati.  6. Uso  della  ripetizione  e  della  duplicazione  (all.tematico).    Nel  primo  periodo  e  con  la  prima  sinfonia  in  Mib  troviamo  ancora  una  forte  influenza  del  sinfonismo  italiano  del  700  e  di  Christian  Bach  anche  se  si  delineano  già  alcuni  elementi  del  mozart  maturo.  Nel  secondo  periodo  troviamo  sinfonie  come  la  k183  che  segnano  una  svolta  in  mozart  che  scrive  la  prima  sinfonia  in  tonalità  minore  e  unisce  alla  consueta  ricchezza  tematica  e  armonia  una  drammaticità  carica  di  tensione.  Qui  mozart  esalta  singole  linee  melodiche  evidenziandole  con  passaggi  orchestrali.  (“tutti”)  Nel  terzo  periodo  e  nelle  ultime  3  sinfonie  mozart  predilige  una  maggiore  omogeneità  tematica  e  una  maggiore  cantabilità.  Qui  come  nei  quartetti  dedicati  ad  Haydn  mozart  si  concentra  sullo  sviluppo  oltre  all’esposizione.  In  questo  ultimo  periodo  vi  è  un  maggiore  uso  dei  fiati  ed  in  particolare  per  il  clarinetto.  In  quest’ultimo  periodo  mozart  pone  l’attenzione  più  sullo  

sviluppo  e  sul  contrappnto  sempre  volto  all’espressività  e  allo  sviluppo  ritmico.  Uno  dei  maggiori  meriti  di  mozart  è  appunto  l’aver  saputo  coniugare  espressività  melodica  a  scrittura  contrappuntistica.(Finale  della  “Juppiter”).  Troviamo  qui  appunto  un  finale  fugato  che  diverrà  un  elemento  tipico  del  sinfonismo  di  beethoveen.    *La  produzione  operistica:  Mozart  scrisse  anche  24  opere  teatrali  divise  in  3  generi:  seria,buffa  e  singspiel.  Il  punto  di  partenza  di  Mozart  per  le  opere  è  il  teatro  italiano  del  700  (recitativi,arie,pezzi  d’insieme  e  cori)  anche  se  rispetto  ad  altri  suoi  coetanei  come  cimarosa  e  paesiello  sviluppa  un  più  ricco  sinfonismo  orchestrale.  L’idomeneo  è  la  sua  opera  seria  più  importante,  qui  infatti  mozart  nel  1781  fonde  elementi  dell’opera  italiana  e  di  quella  francese  facendo  confluire  un  numero  nell’altro  (  es.  un’aria  confluisce  in  un  recitatico  ecc.)  applicando  appieno  e  sviluppando  quella  che  fu  la  riforma  di  Gluck.  Un  elemento  di  svolta  in  mozart  fu  che  il  musicista  prese  pù  importanza  nelle  scelte  operistiche  ed  in  questo  anticipa  l’800.Infatti  ora  il  compositore  può  intervenire  sul  lavoro  del  librettista  cosa  prima  inesistente.  I  drammi  giocosi:  Tra  questi  ricordiamo  tre  grandi  opere  come    “le  nozze  di  figaro”,  il  “don  giovanni”  e  “così  fan  tutte”.  Qui  mozart  da  pieno  sfogo  alla  sua  fantasia  e  superando  i  suoi  coetanei  mozart  attribuisce  grande  importanza  ai  pezzi  d’insieme  e  ai  concertati  che  superano  in  numero  persino  le  ariee  (parti  solistiche).  Don  Giovanni:  quest’opera  presenta  una  mescolanza  di  elementi  seri  e  buffi  ed  è  geniale  nella  mistura  di  danze  diverse  presenti  nel  finale  del  primo  atto.  Una  car.  Importante  del  don  giovanni  è  che  nell’overture  (adagio-­‐allegro)  vi  è  una  contrapposizione  di  temi  e  di  situazione  prima  drammatica  e  poi  buffa  con  elementi  drammatici  che  verrano  ripresi  durante  l’opera  in  determinati  momenti  e  con  determinate  entrate  di  personaggi,  ed  in  questo  mozart  applica  a  pieno  la  riforma  di  Gluck.  Mozart  gioca  con  l’armonia,  con  i  suoni  con  le  articolazioni  ecc  per  rendere  il  personaggio  che  parla  o  canta  ed  il  ruolo  a  lui  attribuito.  Il  flauto  magico:  quest’opera  fa  parte  dei  3  singspiel  (opere  con  libretto  tedesco)  scritto  nel  1791.  Quest’opera  rappresenta  il  culmine  della  produzione  operistica  mozartiana  grazie  all’efficacia  della  caratterizzazione  dei  personaggi  la  ricchezza  dei  concertati  finali  e  dell’orchestrazione.  Qui  infatti  gli  strumenti  assumono  una  caratterizzazione  come  il  flauto  e  il  glokenspiel  che  assumo  ruolo  fiabesco  e  le  tonalità  assumono  un  ruolo  simbolico.  Il  flauto  magico  pone  un  punto  di  partenza  per  il  teatro  tedesco  dell’800.                  

Ludwig  Van  Beethoven  (1770-­‐1832)    Nacque  a  Bonn  nel  1770  E  studiò  con  compositori  di  estrazione  bachiana.    A  24  anni  si  trasferì  a  vienna  dove  svolse  attività  di  pianista  e  compositore  divenendo  celebre  per  le  sue  opere  e  percependo  stipendi  da  libero  professionista.  Nel  1802  fu  colpito  da  sordità  che  lo  accompagno  per  tutta  la  restante  vita  fino  al  1832  quado  morì  di  cirrosi  epatica.  Con  Beethoven  abbiamo  il  primo  esempio  di  musicista  libero  professionista  che  vive  dei  suoi  redditi  derivati  dalle  opere  che  scrive  e  dai  concerti  ed  esibizioni  che  svolge  autonomamente.    Si  può  suddividere  la  produzione  di  Beethoven  i  n  3  fasi  anche  se  in  ognuna  si  ritrovano  elementi  della  successiva.    

*Primo  Periodo  (1793-­‐1802)  In  questo  periodo  Beethoven  delinea  già  alcuni  dei  suoi  tratti  distintivi  come  con  le  sonate  per  pianoforte.  B.  è  il  primo  a  Scrivere  sonate  in  4  movimenti  (come  le  sinfonie)  ed  il  suo  pianisto  si  rivela  subito  di  tipo  orchestrale  con  dinamiche  che  variano  dal  ppp  al  fff.  I  suoi  punti  di  partenza  sono  Haydn,  Mozart  Dussek  e  Clementi  anchese  poi  svilupperò  uno  stile  pianistico  proprio  più  energico,  drammatco  e  vigoroso.  Delle  sonate  di  questo    periodo  ricordiamo:  La  patetica:  scritta  in  Do  minore  nel  1798  presenta  numerosi  e  violenti    contrasti  drammatici  timbrici  e  sonori  ed  è  il  primo  esempio  di  forma  ciclica  dove  gli  spunti  tematici  vengono  anticipati  e  poi  ripresi  nel  corso  della  sonata.  Stessa  cosa  vale  per  un’altra  importante  sonata,  “la  Tempesta”  in  re  minore.  Altre  sonate  importanti  fanno  parte  dell’op  27  e  sono  la  n°  1  in  Mib  e  la  n°2  In  DO#  minore.  La  prima  presenta  una  struttura  anomale  ed  è  una  quasi  fantasia  formata  da  9  tempo  che  si  susseguono  uno  dopo  l’altro  e  la  seconda  (chiaro  di  luna)  è  una  sonata  in  tre  tempi  (adagio,minuetto,allegro).  Del  primo  periodo  sono  anche  le  prime  due  sinfonie  del  800  e  802.  Qui  si  nota  ancora  la  grande  influenza  di  Haydn  e  Mozart  anche  se  lo  stle  di  B.  esce  in  rilievo  grazie  alla  grande  cura  delle  dinamiche  dei  passi  orchestrali  all’uso  dei  legni  e  all’accentuazione  tonale.  Per  quanto  riguarda  la  musica  da  camera  del  primo  periodo  Beethoven  scrisse  6  quartetti  (op.  18)    che  pur  muovendosi  sulla  scia  di  Haydn  e  Mozart  rivelano  già  quelle  che  sono  le  car.  Dello  stile  di  B.  ovvero  i  chiaro-­‐scuri,  la  cura  delle  dinamiche  e  i  violenti  contrasti  e  i  “tutti”  che  porteranno  sempre  più  la  musica  da  camera  di  Beethoven  verso  il  sinfonismo.  Altra  produzione  importante  è  la  sonata    “A  Kreutzer”  per  violino  e  pianoforte  dove  le  caratteristiche  sopra  elencate  vengono  messe  in  rilievo  e  vengono  sfruttate  tutte  le  dinamiche  e  i  chiaro-­‐scuri  dei  due  strumenti  a  contrasto.    

*Secondo  Periodo  (1803  –  1816)  In  questa  seconda  fase  si  concretizza  lo  stile  maturo  di  beethoven,  il  cosidetto  stile  “eroico”  che  si  può  riassumere  in  questi  punti:  

1. Dilatazione  delle  forme  compositive  –  aggiunta  di  code  movimenti  ecc.  

2. Presenza  di  zone  di  tensione  drammatica  –  accelerandi,  rallentandi  ,  contrasti  timbrici    ,tematici  ecc.  

3. Potenziamento  dei  profili  melodici  di  base  triadica  o  sui  gradi  della  scala.  

4. Coesione  unitaria,  ovvero  la  presenza  di  elementi  tematici  a  contrasto  facenti  parte  dello  stesso  profilo  armonico  che  si  possono  ritrovare  in  più  movimenti  (forma  ciclica).I  movimenti  confluiscono  uno  nell’altro.  

 Di  questo  periodo  fa  parte:  La  terza  sinfonia  anche  detta  “Eroica”:  E’  composta  da  4  movimenti  il  primo  “allegro”  è  il  più  lungo  mai  scritto  prima  di  B.    con  ben  690  battute  ed  è  in  forma  sonata  con  6  temi.  Qui  ritroviamo  le  cifre  beethoveniane  come  l’elaborata  esposizione  dei  temi  e  il  grandissimo  sviluppo  che  occupa  la  gran  parte  del  movimento.  Troviamo  inoltre  uno  stile  di  orchestrazione  “spezzato”  (il  tema  viene  frammentato  e  suddiviso  tra  diversi  strumenti).  Il  secondo  movimento  presenta  una  marcia  funebre  al  posto  dell’adagio,  il  terzo  uno  scherzo  al  posto  di  un  minuetto  ed  il  quarto  è  un  allegro  molto.    Le  altre  2  sinfonie  fondamentali  di  questo  periodo  sono  la  5  e  la  6.    La  quinta  sinfonia  è  del  1807  ed  è  soprannominata  “sinfonia  del  destino”.  Fondata  sulla  base  di  4  note  che  si  ritrovano  in  tutta  la  composizione.  Nel  primo  tempo  l’impronta  è  monotematica  poiché  presenta  2  temi  a  contrasto  facenti  parte  comunque  dello  stesso  profilo  armonico-­‐strutturale.  Il  primo  movimento  risulta  quadripartito  in  forma  sonata  (esposizione-­‐sviluppo-­‐ripresa-­‐coda).  Abbiamo  un  secondo  tempo  adagio  con  tema  cantabile  che  viene  seguito  da  un  terzo  dove  torna  il  carattere  drammatico  del  primo  e  la  serie  di  4  note  in  do  minore  che  sfocierà  in  una  modulazione  maggiore  nel  4  tempo  di  carattere  gioioso  ed  eroico  a  contrasto  con  il  terzo.    La  sesta  sinfonia  del  1808  è  una  sinfonia  a  programma  in  5  movimenti:  Allegro,  Andante,  Allegro,  Allegro,  Allegretto.  B.  vuole  con  questa  sinfonia  a  programma  mettere  in  risalto  le  scene  della  vita  pastorale  non  limitadosi  al  semplice  descrittivismo  ma  puntando  all’esplicazione  dei  sentimenti.  Anche  qui  nonostante  il  carattere  più  disteso  abbiamo  numerosi  contrasti  timbici  e  strumentali  ed  troviamo  nuovamente  il  confluire  dei  tempi  uno  nell’altro.    Tra  le  sonate  di  questo  periodo  troviamo  la  op.  53  in  do  maggiore  e  la  op.  57  in  fa  minore  anche  detta  “appassionata”.  Qui  troviamo  i  temi  a  contrasto  nel  primo  movimento  caratterizzati  da  masse  d’urto  sonore  e  timbriche.  Altra  car.  È  l’abolizione  del  ritornello  e  il  confluire  dei  tempi.  Lo  stile  “tempestoso”  presente  nell’ultimo  movimento  influenzerà  molto  anche  i  pianisti  dell’800  come  Chopin.  Beethoven  scrisse  anche  5  concerti  per  pianoforte  e  orchestra  e  tra  questi  ricordiamo  l’imperatore:  Scritta  nel  1809  in  Mib  spicca  per  la  

magniloquenza  della  sonorità.  Qui  la  contrapposizione  tra  strumento  e  orchestra  assume  toni  “epici”    ed  “eroici”.  Qui  troviamo  il  virtuosismo  pianistico  portato  a  livelli  altissimi  ed  a  contrasto  con  i  passaggi  orchestrali  dei  “tutti”  come  nell’inizio  del  concerto.  Troviamo  anche  qui  il  confluire  dei  tempi  e  la  modulazione  nel  adagio  (da  Mib  a  Si  ).    Per  quanto  riguarda  la  musica  da  camera  di  questo  periodo  importanti  sono  i  quartetti  Rasumowsky,  ovvero  3  quartetti  scritti  per  il  suddetto  conte  Andrès.  Beethoven  tende  a  creare  una  sonorità  concertistico-­‐orchestrale  anche  nella  musica  da  camera  attraverso:  

• Energici  contrasti  timbrici  e  dinamici.  • Ampiezza  di  sviluppi  e  code.  • Irruenza  ritmica  e  sonora.  • Stile  spezzato  • Confluenza  di  movimenti.  (Sono  le  caratteristiche  portanti  dello  stile  Beethoveniano)  Troviamo  inoltre  l’uso  dei  temi  popolari  russi.    Beethoven  scrisse  un'unica  opera  teatrale  ,un  singspiel:  “il  Fidelio”.  Il  tema  trattato  è  la  donna  che  si  traveste  per  andare  dal  suo  uomo  incarcerato  ingiustamente.  La  car.  Principale  è  la  massiccia  orchestrazione  e  sinfonizzazione  durante  i  numeri  dell’opera.  In  quest’opera  vengono  messi  in  risalto  gli  ideali  cari  a  beethoven  come  la  libertà  e  la  giustizia.    Terzo  periodo  (1816  –  1826)    Le  caratteristiche  principali  del  terzo  periodo  sono:  

1. Cambia  il  contrappunto  la  musica  fugata  l’elaborazione  tematica.  

2. Si  afferma  la  variazione  integrale,  unione  di  elaborazione  tematica,  contrappunto  e  variazione.  Abbiamo  un  esempio  di  variazione  integrale  nei  quartetti  130,131,132,133  e  nella  “Grande  fuga”  dove  cambia  il  concetto  di  tema  che  diventa  astratto  con  una  struttura  intervallare  con  spunti  tematici  che  ricompaiono  durante  il  brano.  

3. Beethoven  fa  confluire  i  tempi  uno  nell’altro  senza  pause  come  nella  sonata  110.  

4. Beethoven  usa  sempre  più  spesso  strutture  anomale  e  cambia  il  numero  dei  movimenti  delle  opere  come  la  111  che  ha  solo  2  movimenti.  

5. Vengono  sperimentate  nuove  sonorità  e  timbri  e  utilizza  voci  e  strumenti  insieme  come  nella  9°  sinfonia.  

6. Cambia  il  ruolo  della  sinfonia  in  Beethoven  che  passa  da  puro  valore  estetico  a  valore  etico  ponendo  così  il  modello  per  quella  che  sarà  la  sinfonia  del  800  romantica.  

La  Nona  Sinfonia  (1822-­‐24)  La  nona  è  il  culmine  del  percorso  sinfonico  di  Beethoven  e  porrà  le  basi  per  il  sinfonismo  dell’800.  Qui  viene  valutato  appieno  il  valore  

Etico  dell’opera  oltre  a  quello  estetico  grazie  al  testo  della  sinfonia  e  dell’ode  alla  gioia  di  Schiller.  La  struttura  è  :  1  tempo:  molto  esteso  ,  è  un  allegro  ma  non  troppo,  vi  è  la  presenza  di  contrappunto  e  variazione.  2  tempo:  è  uno  scherzo  con  elaborazione  tematica  e  contrappuntistica.  3  tempo:  è  un  adagio  cantabile  con  un  enorme  lirismo  dove  troviamo  la  sovrapposizione  di  schemi  compositivi.  4  tempo:  è  un  presto  dove  viene  inserito  il  coro,  ed  è  la  prima  vlta  nella  storia  della  sinfonia.    Il  4  tempo  si  può  a  sua  volta  suddividere  in  4  parti:  

1. Tema  esposto  da  violoncello  e  contrabbasso.  2. Entra  il  baritono  che  espone  il  precendente  tema  acc.  Dal  

coro  e  orchestra.  3. Viene  proposto  un  nuovo  tema  dal  coro  e  dall’orchestra.  4. Il  tema  della  gioia  e  della  terza  parte  vengono  sovrapposti  

polifonicamente  ed  ampiamente  elaborati.      

Franz  Schubert  (1797-­‐1828)    Schubert  nacque  a  vienna  nel  97  e  studiò  con  salieri.  Ebbe  per  tutta  la  vita  problemi  economici  e  non  riuscì  quasi  mai  a  far  rappresentare  le  sue  opere.  Spesso  veniva  aiutato  dagli  amici  che  organizzavano  per  lui  le  cosidette  “schubertiadi”.  Morì  di  tifo  nel  28.  La  produzione  di  Schubert  si  divide  tra  musica  per  pianoforte  lieder  e  musica  sinfonica.    Lieder:    E’  con  schubert  che  il  lieder  conosce  il  suo  apice.  S.  mise  in  musica  numerosi  testi  tradizionali  e  compose  più  di  600  opere  di  questo  tipo.  Lo  stile  dei  lieder  di  Schubert  è  caratterizzato  dalla  bellezza  delle  linee  melodiche  e  dalla  ricchezza  armonica  oltre  che  per  i  frequenti  passaggi  da  maggiore  a  minore  sullo  stesso  tono  e  modulazini  a  toni  lontani.  In  schubert  la  musica  ha  una  funzione  descrittiva  del  testo  poetico  in  questione.  Tra  le  raccolte  più  celebri  ci  sono  “viaggio  d’inverno”    e  il  “canto  del  cigno”.    Musica  per  pianoforte:  Per  quanto  riguarda  il  piano  s.  scrisse  22  sonate  8  improvvisi  e  6  momenti  musicali.  Per  quanto  riguarda  le  sonate  la  struttura  rimane  quella  usata  da  beethoven  anche  se  vengono  esaltate  la  parti  di  cantabili.  Con  gli  improvvisi  e  i  momenti  invece  schubert  per  la  prima  volta  racchiude  in  un  breve  pezzo  pianistico  un  emozione  un  carattere  o  uno  stato  d’animo.  Anche  qui  sono  presenti  le  caratteristiche  melodico  –armoniche  presenti  nei  lieder  e  non  vi  sono  eccessivi  elementi  virtuosistici  fatta  eccezione  per  la  fantasia  “wanderer”.    Sinfonie:  schubert  scrisse  9  sinfonie.  La  struttura  qui  è  la  classica  del  periodo  classico  anche  se  come  in  tuti  gli  autori  romantici  vengono  privilegiati  la  melodia  e  l’armonia.  Schubert  infatti  preferiva  esporre  un  tema  in  toto  senza  

frammentazioni    o  sviluppi  esaltando  la  linea  cantabile  di  questo  come  si  nota  nelle  due  sinfonie  più  celebri:    “l’imcompiuta”:  qui  troviamo  una  disposizione  tematica  diastematica  ed  intervallare  con  grandi  contrasti  tra  il  tema  e  lo  sviluppo  ed  una  grande  importanza  al  tema  introduttivo  più  che  a  quello  principale.  “La  grande”  invece  è  l’ultima  sinfonia,più  lunga  della  nona  di  beethoven.  Qui  il  tema  introduttivo  ed  il  tempo  iniziale  tracciano  il  profilo  melodico  armonico  dell’intera  opera.  Assumono  grande  importanza  i  fiati  nell’orchestrazione  e  gli  effetti  dei  tromboni  che  influenzeranno  molti  autori  tardo-­‐romantici.      Felix  Mendelsshon  (1804  –  1847)    

*Nasce  ad  amburgo  e  muore  a  lipsia.  Fu  talento  precoce  ed  iniziò  a  scrivere  sin  dai  7  anni    musica  per  pianoforte,  oratori,  sinfonie  e  musica  corale.  Fu  il  primo  a  far  rappresentare  la  “passione  secondo  matteo”  di  bach.  Fu  direttore  d’orchestra  e  fondo  il  primo  conservatorio  di  musica  a  Lipsia.  Morì  nel  47  in  seguito  ad  apoplessia  dovuta  a  depressione  per  la  morte  della  sorella  fanny.  

 Sinfonie:  M.  spiccò  nella  scrittura  di  sinfonie,  che  tralasciando  le  giovanili  

sono  5  quelle  degne  di  nota.  Le  caratteristiche  delle  sinfonie  di  M.  sono:  • Chiarezza  melodica    e  melodismo  intenso  • Equilibrio  formale.  • Vivacità  ritmica  • Raffinata  orchestrazione  ed  esaltazione  delle  famiglie  orchestrali  

(legni)  • Descrittivismo  programmatico  • Scrittura  contrappuntistica  (ammirava  bach)  

Nella  prima  sinfonia  in  do  magg  si  riscontrano  ancora  influenze  dei  Mozart  e  Beethoven  mentre  già  dalla  seconda  (riforma)  si  delinea  di  più  lo  stile  di  M.  con  l’apprto  di  musica  a  programma.  Dalla  terza  in  poi  (italiana)  prende  forma  lo  stile  di  M.  che  caratterizzer  anche  la  quarta  (canto  di  lode)  e  la  quinta  (scozzese).  Con  la  terza  ,italiana,  M.  rende  omaggio  alla  gioiosità  trovata  durante  un  viaggio  in  italia    e  fonde  i  ritmi  e  i  temi  italiani  con  la  sua  sinfonia.  Nella  quarta  fonde  invece  lo  stile  delle  cantate  di  bach  contrappuntistiche  con  lo  stile  eroico  della  nona  beethoveniana  mettendo  comunque  in  risalto  i  legni  ed  utilizzando  un  tema  base  “motto”  intraprendendo  una  sorta  di  forma  ciclica  che  influenzerà  anche  berlioz.  Nell’ultima  sinfonia  ,scozzese,  si  manifesta  una  compattezza  unitaria.     Overtures:  Molto  importanti  sono  le  overtures  ,  in  totale  12  con  struttura  forma  –sonata.  Per  queste  M.  utilizzò  sempre  fotni  mitologiche  o  letterarie  anticipando  il  poema  sinfonico  del  secondo  800.  Le  più  famose  sono  sogno  di  una  notte  di  mezz’estate  e  “calma  di  mare  e  felice  viaggio”.  Le  car  sono  le  stesse  delle  sinfonie  con  in  più  una  strumentalità  evocativa.       Concerto  per  violino:  Mendelsshon  scrisse  un  concerto  per  violino  in  mi  minore  strutturato  in  3  mov.  :  allegro,andante,allegretto.  Vi  è  un  preponderante  senso  melodico  all’interno  della  composizione  tanto  da  ritrovare  anche  nei  

movimento  veloci  passaggi  cantabili  e  melodici.  Sono  altresì  presenti  passaggi  virtuosisitici  brillanti  ma  mai  eccessivi.       Produzione  pianistica:  Per  quanto  riguarda  la  produzione  pianistica  M.  scrisse  4  fascicoli  di  “romanze  senza  parole”,  ovvero  brani  caratteristici  che  mettono  in  risalto  l’emotività  e  l’intimità  dell’autore.  Compose  anche  brani  virtuosistici  per  pianoforte  come  il  rondò  capriccioso  in  mi  maggiore  e  due  concerti  per  orchestra  e  piano  dove  si  apprezza  il  connubui  tra  cantabilità  e  virtuosismo.  Il  lavoro  più  impegnativo  fu  senz’altro  le  variazioni  serious  in  re  minore  dove  mischio  la  tecnica  barocca  del  contrappunto  alla  tecnica  virtuosistica  divenendo  una  premessa  per  lo  stile  futuro  di  Brahms.        Robert  Schumann  (1810-­‐1857)       Nacque  a  Zwickau  in  germania.  Ebbe  interessi  musicali  ed  extra  come  int.  Giuridici.  Shumann  è  una  figura  chiave  del  primo  romanticismo  poiché  svolse  attività  di  critico  musicale  e  di  guida  spirituale  per  srtisti  come  chopin  Mendelsshon  berlioz  ecc.  Sposo  la  pianista  wiek.  All’attività  di  critico  affiancò  quella  di  compositore  eccellendo  in  quasi  tutti  i  generi.  Non  potè  svolgere  attività  di  pianista  per  causa  della  paralisi  a  due  dita.  Nel  44  si  ritira  a  dresda  ma  muore  per  problemi  psichici  e  uditivi.  

Lieder:  Shuman  scriss  poco  meno  di  300  lieder  discostandosi  però  dallo  stile  di  shubert  per  la  maggiore  importanza  data  al  pianoforte  e  per  il  fatto  che  raccoglieva  i  lieder  in  raccolte  con  lo  stesso  tema  portante  in  comune.  Inoltre  dei  lieder  di  shumann  il  piano  ha  maggiore  importanza  proponendo  temi  individuali  e  indipendenti  dal  canto.  

Musica  per  pianoforte:  Shuman  scrisse  numerosi  pezzi  brevi  e  caratteristici.  Anche  in  questo  caso  li  raccolse  in  cicli  unitari  e  con  temi  in  comune  come  storie  d’infanzia,  storie  del  bosco  ecc.  Qui  shumann  utilizza  numerose  tecniche  espressive  come  quella  della  variazione  su  tema.  Sono  presenti  grandi  parti  di  uno  spiccato  tecnicismo  senza  però  tralasciare  la  cantabilità  e  la  melodia.  Shuman  fu  inoltre  il  primo  a  specificare  l’uso  del  pedale.  Shumann  scrisse  anche  3  sonate  per  piano  e  un  concerto  per  piano  e  orchestra.  In  questo  si  delieneano  tutte  le  caratteristiche  dello  stile  shumaniano  come  il  passaggio  da  toni  minori  a  maggiori  e  la  presenza  ciclica  dei  temi  che  si  ripropongnono  e  caratterizzano  il  brano.  Troviamo  infine  il  confluire  dei  tempi.  

Sinfonie:  shumann  scrisse  4  sinfonie.  Come  per  tutti  i  romantici  si  ritrovano  elementi  del  conflitto  tra  stile  classico  e  canoni  classici  di  scrittura  e  stile  romantico  volto  alla  libertà  espressiva.  In  tutte  e  4  le  sinfonie  comunque  vi  è  una  grande  attenzione  per  lo  sviluppo  tematico  e  una  ricerca  di  ciclicità  tra  i  tempi  e  le  introduzioni  arrivando  quasi  a  far  definire  le  sue  sinfonie  delle  suite.  Infatti  vi  è  la  presenza  di  situzioni  o  movimenti  autonomi  all’interno  della  sinfonia  che  pur  mantenendo  una  coerenza  tematica  esulano  dalle  canoniche  struttute  dei  movimenti  dello  stile  classico.        

Fryderyk  Chopin  (1810  –  1849)    Chopin  nacque  nel  1810  nei  pressi  di  varsavia  e  si  rivelò  un  precoce  talento  tanto  che  a  7  anni  compose  i  primi  brani  per  painoforte.  Si  perfezionò  a  varsavia  in  composizione  e  e  si  trasferì  nel  1830  a  Parigi  dove  entrò  a  contatto  con  i  più  grandi  musicisti  dell’epoca  come  Bellini  ,Listz  Berliotz  e  Rossini.  Morì  di  tubercolosi  nel  1849.    Gli  Studi:  Chopin  scrisse  solo  musica  per  pianoforte.  Il  suo  pianismo  si  caratterizzò  come  brillante  virtuosistico  ma  comunque  lirico  e  cantabile.  Chopin  compose  24  studi  per  pianoforte  pubblicati  nel  37.  Prima  di  lui  gli  studi  (  a  eccezione  di  bach)  composti  da  Mocheles  Hummel  ecc  erano  esercizi  mirati  alla  risoluzione  di  un  dato  problema  tecnico,  ma  con  chopin  all’esercizio  tecnico  viene  abbinato  un  tema  e  una  “mirabile”  composizione  armonica  come  si  denota  nello  studio  op  10    in  do  maggiore  e  in  mi  maggiore.  Un’altra  conquista  è  l’abolizione  del  basso  albertino  e  la  conquista  della  posizione  lata.    I  preludi:  Chopin  scrisse  anche  24  preludi  in  tutte  le  tonalità  secondo  il  circolo  delle  quinte.  A  differenza  del  preludi  di  bach  che  avevano  funzione  introduttiva  alla  fuga  i  preludi  di  Chopin  sono  concepiti  per  essere  suonati  da  soli  ed  hanno  funzione  a  se  stante.  Nei  preludi  troviamo  numerose  influenze  di  musica  popolare  e  forme  musicali  come  mazurke  e  notturni.  Abbiamo  inoltre  numerose  arditezze  armoniche  ed  uso  delle  scale  modali  che  si  intrecciano  con  i  temi  a  car.  “popolare”.    Le  Mazurke:  La  mazurka  è  una  danza  contadina  con  struttura  ternaria.  A  differenza  di  altri  predecessori  Chopin  adotta  lo  stile  della  mazurka  abbellendolo  con  una  ricca  struttura  armonica  e  con  raffinate  scelte  stilistiche.  Abbiamo  quindi  una  commistione  tra  musica  autentica  popolare  e  contadina  e  musica  colta  e  raffinata  e  questo  è  il  primo  esempio  nella  storia  della  musica  che  porrà  le  basi  anche  per  la  musica  “  nazionale”  del  secondo  800  e  di  Bartok.  Nell  mazurke  chopin  impiega  scale  modali  come  la  lidia  l’eolica  e  la  frigia  mischiandole  con  canti  popolari  e  musiche  contadine  formando  una  raffinata  commistione  musicale  basata  su  ambiguità  tonali  e  armoniche.    Chopin  si  cimentò  anche  nelle  frme  classiche  come  il  Concerto  e  le  Sonate.  Scrisse  2  concerti  per  pianoforte  tra  il  1829-­‐30  in  Mi-­‐  e  in  Fa-­‐.  Questi2  concerti  furono  criticati  per  la  mancanza  di  canoni  classici  e  di  debolezze  compositive.  In  realtà  chopin  cambiò  la  concezione  di  questi  attraverso:  

1. Nei  concerti  e  nelle  sonate  chopin  vuole  il  contrasto  tra  i  primi  temi  minori  e  i  secondi  maggiori.  

2. Viene  diminuita  l’orchestrazione  a  favore  della  scrittura  per  pianoforte  e  l’esaltazione  delle  sue  sonorità.  

3. Vengono  preferite  sezioni  di  sviluppo  con  passaggi  virtuosistici  e  poi  cantabili  all’elaborazione  tematica.  

4. Nei  concerti  il  punto  di  maggior  pathos  è  dato  dal  “larghetto”  acc.  Dal  tremolo  degli  archi.  

Chopin  scrisse  anche  3  sonate.  Anche  queste  furono  criticate  pwer  la  mancanza  di  canoni  classici.  

La  prima  fu  scritta  nel  27  ed  è  un  lavoro  di  apprendistato  dove  però  sono  presenti  spunti  di  musica  popolari  e  ritmi  anomali  come  il  5/4.  La  seconda  in  sib-­‐  fu  scritta  nel  37-­‐39  e  denota  una  maggiore  maturità.  E’  costruita  intorno  al  celebre  terzo  mov.  Detto  “marcia  funebre”  e  gira  in  maniera  diastematica  intorno  a  sib  do  e  reb.  Vi  è  un  intimità  di  fondo  nei  primi  3  movimenti  che  sociano  nel  quarto  di  carattere  brillante  e  di  un  virtuosismo  estraneo  all’epoca.  La  terza  in  si  minore  fu  composta  nel  44.  Presenta  una  maggiore  variegazione  espressiva  ed  un  maggiore  contrappunto  con  elementi  di  musica  fugata  ed  imitiativa.  Stessi  canoni  sono  presenti  nella  sonata  per  piano  e  violoncello  in  sol.    Notturni:  Chopin  scrisse  19  notturnitra  il  27  ed  il  46.  Venne  influenzato  da  Field  che  fu  l’inventore  dei  notturni  ma  chopin  lo  superò  perché:  

1. Vi  è  un  fitta  presenza  di  musica  operistica  italiana  (bel  canto  e  melodie  liriche  e  cantabili)  

2. In  chopin  la  struttura  è  bi  o  tripartita  e  cambia  spesso  tonalità.  3. Fitta  presenza  di  arabeschi  e  cromatismi  ornamentali.  

 Scherzi:  Chopin  scrisse  4  scherzi  in  sib-­‐  si-­‐  c#  e  mi  magg.  Fu  uno  dei  primi  a  concepire  lo  scherzo  come  forma  autonoma.  Grande  influenza  ebbe  su  di  lui  Beethoven  da  cui  riprese  lo  schema  scherzo-­‐trio-­‐scherzo.  Le  car:  

1. Varietà  e  contrasti  tematici.  2. Ampliamenti  strutturali  come  code  riprese  intro  ecc.  3. Drammaticità  data  dai  toni  minori.  4. La  parte  culminante  e  di  arrivo  è  quella  finale  ed  in  ciò  diff.  dai  classici.  

 Ballate:  Chopin  scrisse  4  ballate  e  fu  influenzato  (emotivamente)  in  questo  da  scrittori  e  opere  letterarie  dell’epoca.  

1. Esposizioni  caratterizzate  da  diverse  zone  tematiche  con  potenza  evocativa  ed  emotiva.  

2. Le  sezioni  di  sviluppo  diventano  di  “  sviluppo  emotivo”  3. La  scrittura  pianistica  diviene  polifonica.  4. Le  sezioni  finali  e  le  code  divengono  il  punto  culmine  del  brano  e  di  

maggior  pathos.    Polacche:  scrisse  17  polacche  che  insieme  alle  mazurke  formano  la  produzione  legata  alla  musica  popolare  in  chopin.  Vengono  esaltati  gli  aspetti  virtuosistici  e  cupi.  Chopin  conia  lo  stile  “  polacca  fantasia”  ovvero  l’unione  tra  la  forma  tripartita  della  polacca  e  della  forma  sonata.        IL  TRAPIANTO  DELL’OPERA  ITALIANA  IN  EUROPA  Mentre  nella  fine  del  600  e  in  tutto  il  700  l’opera  italiana  ed  i  libbrettisti  italiani  avevano  il  sopravvento  nelle  corti  europee  nell’800  la  situazione  cambia.  Per  tutto  il  700  in  tutta  Europa  si  erano  imposti  librettisti  e  operista  italiani  come  Zeno  e  Metastasio  presso  la  corte  di  Viena  e  a  londra  tranne  che  in  Francia  dove  imperava  la  tragedias  lyriques  .Qui  dominava  la  disputa  tra  buffonisti  e  anti  

buffonisti  per  chi  voleva  lasciara  l’opera  italiana  in  Francia  e  tra  chi  riteneva  quella  francese  la  migliore.  Fu  così  che  personaggi  come  gluk  ebbero  molta  importanza  e  segnarono  una  svolta  significativa.      La  situazione  in  Francia:  in  Francia  nel  periodo  dell’impero  napoleonico  e  della  rivoluzione  si  svilupparono  3  tipi  di  teatro:  il  teatro  d’operà,  l’operà  comique  e  il  teatro  italiano.  Nel  primo  si  eseguivano  spettacoli  su  libretto  francese  di  argomento  serio,  nel  secondo  si  mettevano  in  piedi  opere  di  aromento  comico  o  satirico  e  nell’ultimo  oppere  in  italiano.  E’  proprio  qui  che  possono  prendere  piede  operista  italiani  come  cherubini  spontini  e  salieri  che  influenzeranno  molto  l’opera  francese  di  fine  700  che  a  sua  volta  influenzerà  poi  l’opera  italiana  dell’800.  Per  quanto  riguarda  l’operà  comique  ci  fu  un  cambio  di  stile  e  di  contenuti  durante  questo  periodo  tanto  che  il  soggetto  da  buffo  cambio  a  idealistico  e  sentimentale  attenendosi  a  storie  di  liberazione  e  di  lotta  come  il  guglielmo  tell.  È  in  questo  contesto  che  si  staglia  la  figura  di  Luigi  Cherubini:  nato  a  firenze  nel  1770  e  morto  a  parigi  nel  1844.  Fu  molto  attivo  come  operista  prima  in  Italia  e  poi  in  inghilterra  fino  a  quando  non  si  trasferí  in  Francia  dove  ebbe  molto  sucesso.  Scrisse  un  famoso  trattato  di  contrappunto  e  fuga  e  fondò  il  primo  conservatorio  di  musica  moderno  a  parigi  di  cui  fu  il  direttore  fino  alla  morte.  Fra  i  lavori  di  cherubini  emergono  principalmente  4  opere:  loidiska  ,  eliza  ,Medea  e  le  due  giornate.  La  prima  è  un  opera  a  salvataggio  ricca  di  connotati  sentimentali  ed  eroici.  La  Medea  invece  formirà  per  lo  splendido  insieme  di  temi  e  musiche  un  esempio  per  l’opera  del  sucesivo  800.  In  generale  le  car  del  teatro  di  cherubini  sono:  - nell  trame  di  tipo  patriótico  o  amoroso  sono  sempre  più  presenti  i  colpi  di  

scena,  e  la  presenza  di  cori  sulla  scena  e  fuori  da  essa.  - Lo  stile  vocale  è  arioso  declamatorio  e  privo  di  vocalizzi.  - Vengono  aboliti  i  da  capo  e  i  numeri  vengono  inglobati.  - L’orchestrazione  assume  grande  importanza  con  giochi  ritmici  ed  

armonici  e  grande  segni  di  sforzando,  ostinato  tremolo  ecc.  - Grande  presenza  di  scrittura  contrappuntistica.  

 L’OPERA  DELL’800  IN  ITALIA.    In  Italia  il  teatro  d’opera  ebbe  molta  importanza  e  svolse  anche  una  grande  funzione  sociale  grazie  alle  numerose  attività  che  si  potevano  svolgere  al  suo  interno  come  il  gioco  d’azzardo.  I  teatri  passarono  da  più  di  200  a  più  di  1000  in  pochi  anni  metiendo  in  moto  anche  la  machina  edilizia  del  paese.  Grande  importanza  la  ebbere  all’inizio  gli  impresari  che  sostenevano  artista  come  rossini  e  versi  ma  sucesivamente  con  l’avvento  del  diritto  d’autore  presero  piede  gli  editori  che  curavano  i  diritti  degli  artisti  compositori.  Un  altro  elemento  importante  è  il  cambiamento  del  ruolo  del  libretista  e  del  suo  rapporto  con  il  compositore.  Infatti  ora  a  differenza  di  prima  il  compositore  interviene  nelle  suelte  del  librettista  cambiandone  i  soggetti  e  le  suelte  tematiche.  Si  apre  poi  il  dibattito  sui  temi  da  trattare  a  metà  tra  classicisti  e  romantici  i  primi  a  favore  di  storie  metiche  e  antiche  ed  i  secondi  a  favore  di  temi  più  attinenti  alla  realtà  del  tempo.  Cambia  anche  il  ruolo  delle  voci  che  si  caratterizzano  in  base  al  timbro:  - il  tenore  è  sempre  il  giovane  protagonista.  - Il  barítono  è  un  rivale  o  una  figura  cavalleresca  

- Il  basso  è  un  anziano,  un  sacerdote  o  un  rivale.  - Il  soprano  è  la  giovane  innamorata  - Il  mezzosoprano  è  una  donna  di  mezz’età  rivale  del  soprano  - Il  contralto  sostituisce  le  voci  dei  castrati.  

Per  quanto  riguarda  la  vocalità  si  preferiste  un  canto  declamatorio  sillabico  con  acuti  e  lirismo  a  un  canto  agile  e  virtuoso  che  viene  confinato  al  canto  del  soprano  mentre  sono  sempre  più  frequenti  i  do  di  petto  dei  tenori.  Per  quanto  riguarda  la  struttura  musicale  i  numeri  rimangono  gli  steddi  di  prima  con  overture,  recitativi,arie,  pezzi  d’insieme  ,  cori  concertati  finali.  Cambia  la  funzione  dell’aria  che  assume  più  aspetti.  Nace  la  romanza  di  carattere  sentimentale  la  cavatina  di  presentazione  e  la  bipartiata  formata  da  una  cavatina  e  da  una  cabaletta.  Un  altro  elemento  è  l’importanza  Maggiore  del  coro  sulla  scena  e  l’allagarmento  dei  numeri  chiusi.  In  sostanza  si  può  racchiudere  così  lo  schema:  1.  tempo  d’attacco  allegro  2.  adagio  cantabile  ,  l’azione  viene  sospesa.  3.  tempo  di  mezzo,  l’azione  reprende  4.  stretta/cabaletta  ,  qui  il  tempo  reprende  e  culmina  il  terzo  che  era  iniziato.    GIOACCHINO  ROSSINI  (1792-­‐1868)  Ñaque    a    pesaro  e  Studio’  con  stanislao  mattei.  Fu  il  primo  grande  operista  italiano  che  portò  avanti  la  tradizione  del  700.  Ottene  numerosi  successi  e  poi  si  trasferí  in  Francia  dove  fu  nominato  direttore  del  teatro  italiano  e  dove  rimase  fino  alla  morte.  Opera  comica:  rossini  scrisse  16  opere  di  carattere  comico  e  le  car  si  possono  racchiudere  così:  - parlato  sopra  epèisodi  melodici  - gorgheggi  a  terzine  - Veloci  Note  ribattute  su  terzine  e  deformazione  delle  parole.  - Umanizzazione  degli  strumenti  - Vocalità  di  tipo  sillabico  - umorismo  musicale  che  arriva  al  culmine  del  concertato  finale.  

L’opera  più  importante  di  questo  stile  è  il  barbiere  di  siviglia  molto  differente  da  quello  scritto  da  paeisello  come  contenuti  e  ruoli  e  orchestrazione.  Opera  seria:  rossini  scrisse  23  opere  serie.  Le  prime  da  giovane  furono  il  Tancredi  e  Demetrio  e  Polibio  di  stampo  più  classicheggiante.  La  maturità  si  vedrà  con  el  opere  dette  “napoletane”  come  elisabetta  regina  d’inghilterra,  otello,  la  donna  del  lago  ecc.  In  queste  opere  rossini  inizia  a  scrivere  le  colorature  per  i  vocalizzi  e  da  grande  importanza  al  coro  sulla  scena  che  in  maometto  deviene  protagonista.  Inoltre  nell’ultimo  periodo  rossini  torna  al  virtuosismo    vocale  con  la  semiramide  e  rivaluta  l’orchestrazione  dal  punto  di  vista  armonico.  L’ultima  opera  di  rossini  è  il  guglielmo  tell  che  sarà  una  base  per  quello  che  diverrà  il  grand  operà  francese.  Qui  troviamo  un  libretto  francese  e  un’evidenziazione  degli  strumenti  come  il  violoncello  e  i  fiati.  Vi  è  in  fine  una  grande  imponenza  dei  cori  dell’orchestrazione  e  dell’allestimento  scenico  teatrale.    L’opera  in  francia  nel  primo  ‘800    

Durante  il  periodo  napoleonico  in  francia  il  teatro  de  l’operà  ebbe  sovvenzioni  economiche  superiori  alle  aspettative  e  si  potè  commissioare  opere  di  grande  valore  ed  impegno.  E’  in  questo  contesto  che  emerge  la  figura  di  Gaspare  Spontini  (1774-­‐1851)  che  grazie  alle  grandi  risorse  mise  in  piedi  grandi  opere  come  la  “vestale”  e  “Fernando  Cortez”  (tragedie  lirique).  Queste  opere  come  la  vestale  anticipano  per  temi  e  caratteristiche  la  norma  di  bellini.  Le  car  sono:  

• la  ricchezza  di  scrittura  corale  e  d’orchestrazione    • argomenti  storici  trattati  in  linea  con  gli  avvenimenti  dell’epoca  • elementi  scenici  spettacolari.  

Con  le  sue  opere  Spontini  anticipa  quello  che  sarà  poi  il  grand  operà  francese.    Dalle  opere  di  Spontini,  Rossini    ed  altri  si  giunge  al  cambiamento  intorno  al  1830  da  tragedie  lirique  a  grand’operà,  sempre  sotto  l’ambito  dell’opera  seria.  Un  grande  esponente  di  questo  nuovo  genere  fu  Giacomo  Meyerbeer  che  assieme  al  librettista  Scribe  compose  opere  di  grande  successo  come  “l’africana”  “roberto  il  diavolo”  “gli  ugonotti”  ecc.    i  tratti  essenziali  del  grand’operà  sono:  

• i  libretti  sono  tutti  di  argomento  storico  e  inerente  alle  vicende  dell’epoca  • forti  contrasti  e  bruschi  cambi  d’umore  nelle  scene  • presenza  di  scene  spettacolari  e  dalla  difficile  realizzazione  scenica.  • Orchestrazione  massiccia  che  si  adegua  alla  spettacolarità  delle  scene.  • Il  timbro  orchestrale  ha  una  caratterizzazione  scenica.  • Allargamento  dei  numeri  chiusi  in  dei  “quadri”  contenenti  numeri  

concatenati  come  ariee  recitativi  concertati  e  cori.    

Cambia  inoltre  il  ruolo  della  vocalità  nel  grand’operà.  Infatti  le  voci  principali  divengono  il  tenore  ed  il  soprano  con  massimi  esponenti  Duprez  e  la  Falcon.  Si  pnta  sempre  di  più  verso  una  tecnica  vocale  volta  agli  acuti  (  do  di  petto)  e  alla  forza  vigorosa  della  voce  che  si  deve  adeguare  alla  massiccia  orchestrazione.    Vincenzo  Bellini  (1801  –  1833)    Nasce  a  catania  nel  1801  studia  a  napoli  dove  inizia  a  far  rappresentare  le  sue  opere.  Compone  10  opere  dal  25  al  35  e  segna  una  svolta  dal  melodramma  del  70  a  quello  romantico  dell’800.  Dopo  i  successi  di  Napoli  e  del  nord  italia  fa  rappresentare  le  sue  opere  anche  a  londra  e  a  parigi  dove  muore  nel  35.    Il  tratto  principale  di  Bellini  come  in  Donizetti  è  l’affermazione  della  vocalita  con  dei  ruoli  ben  distinti.  Infatti    presonaggi  principali  del  dramma  belliniano  sono  il  tenore,  spesso  innamorato  ed  eroico  e  il  soprano,  la  fanciulla  piena  di  sentimenti  e  forti  valori.  Si  ritrovano  questi  elementi  in  opere  come  la  “Norma”  la  “sonnambula”  e  i  “puritani”.      Nella  vocalità  di  bellini  si  punta  ad  un  vigore  canoro  di  tipo  sillabico  tipico  nel  tenore  e  ad  una  agilità  ma  sempre  volta  a  note  acute  nel  soprano.  Nella  norma  troviamo  una  variazione  di  tipi  vocali  nel  soprano  in  base  ai  vari  stati  d’umore  e  ai  valori  etici  della  protagonista.  (casta  diva).    

Importante  in  bellini  è  anche  la  costruzione  melodica  fatta  da  lunghe  frasi  articolate  ed  ornamentate  con  cromatismi  ed  appoggiature  (come  chopin)  che  culminano  in  un  esplosione  subito  smorzata  da  un  piano.(  differenza  con  rossini).Questo  è  il  cosidetto  crescendo  lirico  Belliniano.  Anche  l’aspetto  armonico  è  interessante  in  Bellini  ce  spesso  fa  convivere  tonalità  lontane  in  un  breve  spazio  e  predilige  il  passaggio  maggiore-­‐minore.  Infine  in  Bellini  viene  rivalutato  molto  il  recitativo  di  carattere  più  melodico  e  vengono  esaltatele  capacità  espressive  sia  in  situazioni  elegiache  sia  in  momenti  d’ira  e  odio  come  nella  “norma”  e  nei  “pirati”.    Giuseppe  Verdi  (1813  –  1901)    Nato  a  le  roncole  in  emila  romagna  studio  privatamente.  Esordì  come  operista  a  milano  dove  fece  eseguire  le  sue  prime  2  opere.  Con  il  nabucco  arrivà  il  successo  che  lo  farà  viaggiare  per  tutta  europa  e  che  gli  farà  ricevere  numerosi  introiti  come  mai  nessuno  nella  storia  dell’opera.  (anche  grazie  al  diritto  d’autore).tra  il  1842  e  il  1860  scirsse  17  delle  sue  26  opere  (anni  di  galera).  Morì  a  milano  nel  1901  dopo  essere  stato  senatore  del  nuovo  parlamento.    Del  primo  periodo  di  produzione  di  Verdi  fanno  parte  il  nabucco  e  macbeth.  La  caratteristica  tipica  delle  opere  di  verdi  è  la  ripetizione  di  una  cellula  ritmica  sotto  una  melodia  che  rende  il  tema  orecchiabile  e  cantabile.(va  pensiero..)  Un'altra  car.  È  la  capacità  di  verdi  di  descrivere  i  personaggi  a  tutto  tondo  nei  loro  lati  psicologici  e  personali  rendendoli  poi  emblematici  e  rappresentanti  di  uno  stato  d’animo.  Dal  punto  di  vista  della  vocalità  verdi  prosegue  la  strada  intrapresa  da  bellini  e  donizetti  per  una  vocalità  declamatoria  e  sillabica  ed  è  tra  i  primi  ad  attribuire  alla  voce  di  baritono  un  ruolo  ben  definito  come  nell’”ernani”.  L’elemento  principale  però  è  dato  dalla  presenza  dei  cori  che  all’epoca  vennero  utilizzati  anche  come  esempio  per  i  primi  moti  risorgimentali  del  ’48  da  qui  VIVA  VERDI.  L’altra  opera  fu  il  Macbeth  che  però  non  fu  accolto  bene  come  in  nabucco  a  causa  dell’impiego  di  elementi  estranei  al  teatro  italiano  ma  di  derivazione  tedesca  e  francese.  Nel  macbeth  viene  ripreso  il  testo  dell’opera  shakesperiana  intrisa  di  intrighi  e  drammi  psicologici,  steghe  incubi  e  demoni  che  non  erano  in  liena  con  le  aspettative  dle  pubblico  italiano.  Del  secondo  periodo  fa  parte  il  “rigoletto”,  l’opera  di  maggior  successo    del  1851.  Qui  il  protagonista  è  il  baritono,  cosa  innovativa  per  il  teatro  d’opera.  La  car.  Principale  di  verdi  in  questo  frangente  è  che  adotta  uno  stile  molto  flessibile  per  la  vocalità  in  base  alla  situazione  e  allo  stato  d’animo  dei  personaggi  passanto  quindi  da  una  declamatorietà  alla  cantabilità  all’arioso.  Un'altra  car.  È  la  presenza  di  duetti  sulla  scena  più  che  di  parti  solistiche  come  il  duetto  tra  rigoletto  e  la  figlia  gilda.  L’elemento  innovativo  di  questi  duetti  è  la  presenza  di  linee  melodiche  differenti  tra  le  parti  che  stanno  a  sottolineare  i  differenti  stati  d’animo.  Le  altre  opere  del  secondo  periodo  sono  la  traviata  e  il  trovatore  dove  verdi  sa  far  convivere  la  riccheza  melodica  alla  scenicità  dell’orchestrazione.  Nel  trovatore  mette  in  risalto  anche  la  voce  di  mezzo-­‐soprano  affidata  ad  Azucena.  Nel  secondo  periodo  inoltre  verdi  perfeiona  ed  arricchisce  l’armonia  e  l’orchestrazione  inserendo  temi  ricorrenti  nei  moenti  cruciali  dell’opera  come  nell’”aida”.    

Nelle  opere  del  terzo  periodo  che  sono  otello  e  falstaff  verdi  torna  a  scrivere  dopo  16  anni  di  silenzio.  Per  queste  due  opere  si  affida  al  libretto  dello  scrittore  Boito  su  testi  di  shakespeare.  La  differenza  delle  opere  di  questo  periodo  sta  nel  fatto  che  la  musica  scorre  continuamente  durante  l’opera  ance  durante  i  numeri  classici  dell’opera  come  cori  duetti  ecc.  nel  falstaff  invece  torna  dopo  il  suo  periodo  giovanile  a  scrivere  in  opera  buffa  caratterizzata  da  intrighi  beffe  e  scherzi  che  vengono  evidenziati  dallo  stile  musicale  e  vocale  interrrotto  (anticipazione  dell’opera  verista.)    Il  melodramma  tedesco:  Weber  e  Wagner.  Il  melodramma  tedesco  pima  di  wagner  ebbe  esponenti  come  Mozart  col  flauto  magico,  Beethoven  col  Fidelio    Hoffmann  e  Weber  (1786-­‐1826)  col  Franco  Cacciatore.  Elemento  tipico  del  melodramma  tedesco  è  il  singspiel  ovvero  recitativi  parlati  su  libretto  in  tedesco.  In  franco  cacciatore  il  tema  trattato  è  di  tipo  fiabesco  che  coinvolge  essere  soprannaturali  e  tocca  temi  del  peccato.Inoltre  grande  importanza  hanno  orchestrazione    e  armonie  rispetto  all’opera  italiana.    Richard  Wagner  (1813-­‐1883)    Nacque  a  Lipsia.  Dopo  un  difficile  inizio  ebbe  una  svolta  ed  il  successo  con  la  sua  opere  “rienzi”.dopo  i  moti  rivoluzionari  andò  in  svizzera  dove  scrisse  2  opere  e  2  trattati  sull’opera  del  futuro.  In  seguito  tornò  in  germania  a  monaco  e  a  dresda  dove  fece  costruire  un  nuovo  teatro  per  l’opera  fatto  a  semicerchi  e  con  la  fossa  per  l’orchestra  per  amalgamare  meglio  la  voce  solista  e  il  suono  orchestrale  e  valorizzare  la  scena.  Morì  a  venezia  nel  1883.    Wagner  nel  primo  periodo  di  produzione  è  ancora  molto  influenzato  da  weber  e  dal  grand’operà  come  si  può  vedere  in  produzioni  come  “rienzi”  “l’olandese  volante”  ecc.  Intorno  al  1850  invece  inizia  a  mettere  in  pratica  quelle  caratteristiche  che  formeranno  il  suo  stile  maturo  come:  

• Fluidità  musicale  che  non  si  ferma  mai  e  accompagna  tutta  l’opera  • Ampliamento  orchestrale  e  impasti  timbrici  • Uso  dei  temi  ricorrenti.  • Argomenti  tratti  da  leggende  medioevali  o  tedesche.    Queste  car.  Si  stagliano  anche  nella  tetralogia  comprendente:  

1. L’oro  del  reno  2. La  walkiria  3. Sigfrido  4. Il  crepuscolo  degli  dei.  

In  queste  opere  si  trattano  temi  come  la  conquista  del  potere  e  la  redenzine  attraverso  l’amore  come  nel  “tristano  e  isotta”.  In  questi  lavori  wagner  realizza  la  riforma  del  teatro  musicale  ovvero  l’unione  tra  poesia  musica  e  scena  che  viene  così  riassunta:  

• Sono  aboliti  i  numeri  chiusi  e  la  musica  scorre  ininterrotta  su  un  canto  arioso  e  declamatorio.  

• L’orchestra  non  si  limita  più  ad  accompagnare  bensì  diventa  l’elemento  principale  assieme  alla  voce  solita.  (diff.  Con  l’opera  italiana)  

• Presenza  dei  leimotive  che  si  ripresentano  sulla  scena  in  base  all’apparizione  di  personaggi  ,  scene  emozioni  ecc.  

• Grande  influenza  della  nona  di  beethoven  • Instabilità  tonale  dovuta  ai  cromatismi  e  alle  cadenze  inusuali  usate  da  

wagner  come  nel  tristano  e  isotta.  • L’orchestra  ha  la  funzione  di  esprimere  ciò  che  non  è  esprimibile  a  parole  

ed  il  canto  traduce  in  suoni  l’anelito  della  poesia  verso  la  musica.  Lo  stile  wagneriano  porrà  le  basi  per  il  sinfonismo  di  Malher.    Dagli  insegnamenti  di  wagner  prese  spunto  Richard  Strauss  (1864  –  1949)  che  portò  le  riforme  e  le  conquiste  wagneriane  fini  all’estremo  soprattutto  in  3  opere:  “l’elektra”  “salome”  ed  “il  cavaliere  delle  rose”.  Queste  oere  sono  caratterizzate  da  temi  trattanti  la  psiche  ,  l’amore  passionale  e  carnale,  la  morte  e  l’inconscio.  Dal  punto  di  vista  armonico  toccano  un  vertice  di  spregiudicatezza  senza  pari  con  l’apporto  di  none  minori  ecc.  strauss  è  molto  abile  a  rappresentare  lo  stato  d’animo  dei  personaggi  attraverso  l’orchestrazione  ela  scelta  degli  strumenti  per  essa.    Musica  a  programma  ,poema  sinfonico  e  berlioz.    Dopo  i  nuerosi  esempi  di  musica  a  programma  dal  1550  in  poi  e  con  il  celebre  apporto  della  sesta  di  beethoven  (pastorale)  Hector  Berlioz  (1803-­‐1869)  è  il  primo  a  riproporre  una  sinfonia  di  tipo  programmatico.  Infatti  nella  suoa  sinfonia  fantasia  berlioz  stende  una  struttura  in  5  movimenti  dove  descrive  la  vita  di  un  artista  e  dove  da  maggior  importanza  ai  timbri  orchestrali  piuttosto  che  ai  rapporti  armonici  ritmici  e  melodici.  Un  elemento  fondamentale  della  sinfonia  dei  berlioz  è  costellata  di  temi  ricorrenti  per  tutti  e  5  i  movimenti  ed  ha  uno  sperimentalismo  armonico  e  timbrico  senza  precedenti.    Il  maggiore  esponente  del  sinfonismo  programmatico  fu  Franz  Liszt  (1811-­‐1886)  .  Fu  prima  famoso  come  solista  di  pianoforte  poi  dopo  il  48  si  dedicò  alla  scrittura  per  orchestra  per  opere  e  sinfonie.  Tra  la  produzione  pianistica  di  liszt  possiamo  individuare  3  tipi:  la  trascrizione:  ovvero  l’adattamento  di  opere  orchestrali  sul  piano  la  parafrasi:  ovvere  libere  interpretazioni  di  temi  celebri  su  piano  le  composizioni  originali  come  la  sonata  in  si  minore  classico  esempio  di  sonata  ciclica  in  un  solo  movimento  con  vari  tempi  all’interno.  Caratteristica  tipica  del  pianismo  di  Liszt  è  la  tecnica  ed  il  virtuosismo  trascendentale  (da  cui  i  6  studi  trascendentali  da  paganini)  dove  vengono  esplorate  possibilità  tecnico-­‐armoni.-­‐timbriche  nuovo  per  lo  strumento  sfruttando  registri  acutissimi  e  gravi.  Questo  pianismo  fornirà  le  basi  per  l’impressionismo  di  debussy.    Altra  produzione  di  liszt  sono  i  poemi  sinfonici:  come  wagner  anche  liszt  credeva  che  la  forma  classica  di  sinfonia  andasse  superata  attraverso  la  commistione  di  poesia  musica  e  scena.  Infatti  Liszt  scrisse  12  poemi  sinfonici  tutti  in  un    solo  movimento  contenente  più  parti  dal  titolo  programmatico  ed  extra-­‐musicale.I  temi  trattati  dai  poemi  sinfonici  sono  presi  da  opere  letterario  del  tempo  o  

precendenti  come  Goethe    ecc.  Un  altro  elemento  del  poema  sinfonico  è  l’overture  in  un  movimento  in  forma  sonata  che  anticipava  l’opera.    Johannes  Brahms  (1833-­‐1897)    Nasce  ad  Amburgo  nel  33  ed  inizia  a  suonare  giovanissimo.  Più  tardi  si  rivela  un  ottimo  concertista  e  compositore.  Conobbe  gli  Shumann  e  perfezionò  lo  studio  della  musica  rinascimentale  e  barocca.  Brhams  accoglie  appieno  gli  ideali  di  Hanslik  che  si  proponevano  come  alternativa  alla  musc  aprogrammatica  del’epoca.  Svolse  numerose  tourneè  in  europa  che  gli  garantirono  numerosi  introiti.  Morì  a  vienna  nel  ’97.  Brahms  scrisse  lavori  per  pianoforte,  musica  da  camera,  lieder  e  sinfonie.    Per  quanto  riguarda  la  produzione  pianistica  l’elemento  principale  è  l’integrazione  tematica  all’interno  di  ciascuna  opera    e  la  riproposizione  dei  temi  base  in  varie  parti  oltre  che  il  profondo  utilizzo  del  contrappunto.  Un  altro  elemento  fondamentale  del  pianismo  di  brahms  è  il  sinfonismo  applicato  alla  tastiera  che  rende  la  scrittura  pianistica  polifonica.  Brahms  scrisse  oltre  a  tre  sonate  per  pianoforte  anche  2  rapsodie  e  due  concerti  dove  il  piano  sebbene  solista  si  amalgama  con  l’orchestra.      Le  altre  caratteristiche  sono:  

• Melodismo  di  derivazione  popolare  • La  predilezione  per  la  tecnica  della  variazione  • L’inquieto  intimismo  della  maturità  

Brahms  aveva  una  predilezione  per  la  variazione  a  cui  dedica  6  importanti  raccolte.  Riesce  quindi  a  coniugare  le  tecniche  barocche  con  il  virtuosismo  romantico.  Un  altro  volto  Brahmsiano  è  costituito  dai  20  brani  della  tarda  maturità  dove  emergono  influenze  lisztiane  a  chopinane.    Brahms  si  cimentò  anche  nella  scrittura  di  musica  da  camera  risultando  unpo  dei  più  prolifici  compositori  romantici  con  26  opere.  Brahms  scrisse  sempre  per  organici  differenti,  quartetti,  quintetti  e  sestetti  risultando  sempre  riluttante  verso  il  quartetto  classico.  Caratteristica  principale  della  musica  da  camera  di  Brahms  è  a  coesione  compositiva  ,  la  densità  contrappuntistica-­‐strutturale  e  il  senso  lirico.    Brahms  in  un  tardo  periodo  si  cimentò  anche  con  la  sinfonia  scrivendone  4.  Tardò  a  cimentarsi  in  questo  campo  poiché  sentiva  la  forte  influenza  di  beethoven  alle  “sue  spalle”.  Comunque  le  sinfonie  di  B.  presentano  il  classico  schema  in  4  movimenti  con  l’adagio  al  secondo  posto  anche  se  al  loro  interno  vi  è  una  forte  componente  contrappuntistica  e  lirico-­‐romantica.    Successivamente  Brahms  considerato  come  un  conservatore  del  secondo  800  venne  rivalutato  da  Shoemberg  che  lo  considerò  un  progressista  grazie  al’apporto  che  fornì  per  il  libero  linguaggio  musicale  e  per  l’arditezza  armonica-­‐strutturale  delle  sue  opere.